No BS: Just Rock & Roll!

Le nom d’un groupe comme Meadows suggère une riche palette de sons qui s’étendent jusqu’à l’horizon lointain. Le guitariste Daniël van der Weijde – groupes Silhouette, Incidense, Coppersky – explore ses rêves et son imagination avec son premier album, Modern Emotions. Un mélange mélodique de gothique, de rock et de métal qui rappelle Porcupine Tree, Muse ou Dream Theater. De belles œuvres de guitare tourbillonnent dans vos haut-parleurs, le tout habilement présenté à l’aide d’une programmation. L’utilisation de lignes de violon (« Dance With The Corpse », « Rebecca ») donne notamment aux compositions une touche de sensibilité supplémentaire.

Le guitariste basse Jurjen Bergsma est très heureux de pouvoir jouer avec les doigts dans le progmétal instrumental Powerture. Pourquoi a-t-on demandé aux guitaristes Ruud Jolie (« Within Temptation) » et Richard Henshall (« Haken ») de donner un solo, reste un mystère pour moi. Daniël a suffisamment de qualité dans ses doigts pour contrer le tempo rapide de Ruud Jolie dans « Good Times ». Une contribution qui annule la puissance de la guitare mélodique de Daniël ! A côté de cela, le chanteur Peter Meijer a quelques problèmes avec les régions basses et hautes de cet album. Dommage pour un opus qui vaut vraiment la peine d’être écouté malgré son manque de cohérence et de rais violonistes !

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Absent Passages de Scaphoidest un album intéressant et impressionnant – d’autant plus que c’est un projet solo arrangé pour un groupe complet avec son créateur Matt Hobart y jouant chaque note. 

De ce fait, la plupart des observations auxquelles on peut se risquer sont de nature critique ou technique. Bin qu’il soit manifestement un travail d’amour, l’album me semble plus être une vitrine : un morceau d’artisanat, plutôt qu’une œuvre d’art. Les compositions n’ont pas l’air d’être un jaillissement d’émotion ou d’expression ; elles sont comme une lettre d’amour à l’artisanat de la chanson et à l’exposition instrumentale. L’album sonne comme des compositions créées par un ordinateur qui a analysé tout le « metal prog », puis a généré de la musique originale de façon algorithmique. 

En fin de compte, cela ne nous atteint pas sur le plan émotionnel – ce qui, bien sûr, est une chose personnelle. Onpeut,à cet égard, ressentir le même manque de connexion avec Bach, Mozart et tant de jazz, qui touchent évidemment les autres profondément mais en laissent d’autres froid.

L’absence de voix dans l’arrangement de Scaphoïde en est en grande partie responsable. Certains groupes instrumentaux sont remarquables, en particulier Russian Circles, mais les chansons d’Absent Passages tombent souvent dans ce qui ressemble à un couplet sans voix. Dans ces moments-là, il va manque une caccroche ou une ligne mélodique pour faire avancer la musique et jon ne peut que continuer à vouloir combler de telles lacunes. 

Comme il s’agit d’un album autoproduit qui fait écho au meilleur du prog metal, cet album évoque Probot [le projet solo de Dave Grohl qui réunit la crème des chanteurs de metal] – il nous semble même être une démo qui attend les apparitions des chanteurs d’Opeth, Demons and Wizards, Oceansize et Tool.

D’un point de vue technique, il y a beaucoup à admirer dans ce caractère des sons qui offre un mélange bien équilibré et séparé. Cependant, on dirait que les guitares ont été branchées directement sur l’ordinateur et que la batterie a été jouée sur une batterie électronique, ainsi que sur une piste à cliquer… on croirait même que cet album a été fait à la fois sur et pour casque. Cela laisse le son plat et défaillant, bien qu’une piste en particulier, « Coldness of Clarity », possède une plus grande chaleur en raison du piano et de la guitare acoustique qui sous-tendent la piste. 

Absent Passages ne respire pas et il y manque le son des grands haut-parleurs qui déplacent beaucoup d’air et des tambours qui sont frappés et écrasés… tout cela semble distant, sobre, détaché et clinique ; cela ne sonne pas du tout fort ou physique ou en colère, ce que le métal devrait vraiment, vraiment faire. 

On a pu dire de Van Halen qu’il n’a pas utilisé ses compétences pour déchiqueter sans réfléchir – il a écrit d’énormes chansons pop, et a fait tomber une nouvelle génération amoureuse de la guitare électrique – cela résume vraiment tout ce dont est dépourvu Scaphoid – pas tellement la pop, mais tout ce qui est viscéral at permet à une chanson de nous saisir et nous obliger en nous excitant.

Je ne veux pasIl ne faut, toutefoias, pas sous-estimercet opus ; il est,techniquement, excellent, admirable et stimulant de ce point de vue – mais, hormis cela, il ne va pas plus loin.

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Les Australiens de Caligula’s Horse sont avant tout des « songwriters », et cela se voit immédiatement sur Rise Radiant. Les refrains massifs de « Slow Violence » et « Oceanrise » sont conçus pour une écoute pure et simple, au lieu d’une délibération cérébrale et effrayante. Caligula’s Horse veut que sa musique soit un lieu accessible à tous, et pas seulement aux fervents de la virtuosité instrumentale.

En fait, leur oreille pour les mélodies pop l’emporte souvent sur les aspects plus métalliques de Rise Radiant. Ce n’est pas vraiment un album de métal, mais il est plus proche de combos vosins chose comme leurs collègus éméricains The Contortionist, bien que moins sombres et plus délibérément anthemiques. « Salt » possède une lueur importante, une délicatesse technique mais tranchante qui est extrêmement engageante et « Resonate » est un morceau pop direct, sans guitare ni batterie, bien qu’il soit probablement trop limité pour obtenir un quelconque succès commercial.

Rien de tout cela ne signifie que le Caligula’s Horse ne peut pas se laisser aller quand il le veut. « Valkyrie » est un énorme morceau soutenu par un synthétiseur, et « Oceanrise » est tonalement similaire, tout comme l’ouverture « The Tempest ». Ces chansons glissent à travers leurs structures familières avec la même habileté de navigation précise qu’elles le font dans les moments plus uniques, comme les solos de fusion de « Oceanrise » et « The Tempest », ou l’élégant « Autumn », qui ressemble aux moments plus calmes de The Mars Volta.

Cependant, Rise Radiant n’est pas un succès total. Il y a des moments où le poids des influences du groupe frôle le pastiche, notamment avec les voix de Jim Grey et les apparitions de Maynard James Keenan. Les deux premiers morceaux de l’album contiennent des mélodies vocales si proches de celles de Keenan qu’ils perdent tout sens de l’individualité, ce qui est dommage, car la palette vocale de Grey est excellente et probablement plus variée que celle de Keenan, bien qu’elle ne soit évidemment pas aussi distinctive ou iconique.

L’album souffre également d’une surabondance d’idées. Ce n’est pas toujours un défaut à proprement parler, mais « Rise Radiant » ne compte que huit morceaux, mais à quarante-huit minutes, il semble certainement beaucoup plus long.

Le final, « The Ascent », est un exemple de ce problème. Sa structure qui fait tourner la tête n’est pas particulièrement élégante et ressemble souvent aux pires indulgences des prog-forebeurs comme Between The Buried And Me ou Dream Theater. Certaines parties de cet opus sont fascinantes, d’autres exaspérantes. Même les morceaux les plus courts et les plus directs comme « Oceanrise » contiennent un barrage de production maximaliste et des riffs délicats à croquer, et ils ne sont pas tous savoureux.

Cela dit, les ambitions de Caligula’s Horse sont admirables et leur approche de la musique rock complexe mais directe est louable. Ils sont encore en cours de développement ; beaucoup de raffinement sonore et textural est nécessaire, cependant, avec Rise Radiant, ils peignent un avenir intrigant, un avenir où le rock à l’esprit progressif peut potentiellement atteindre une sorte de succès plus large et général.

***1/2

Ben Sharp est un « one man band » sévissant dans le métal progressif connu sous le nom de Cloudkicker et sortant un nouvel album, Unending, quatre ans après son petit dernier Woum et un xcellent Live with An Intronaut (2014).

Unending est un opus extrêmement dense, riche, qui caresse toute une palette d’émotions et qui ose approcher même une certaine dimension épique dans la réalisation de sa musique. Les fans de rock progressif auront compris, les autres comprendront vite.

Ça monte en puissance tout au long des morceaux et c’est presque putassier dans sa réalisation avec ces petits interludes électronique/ambient qui parviennent, toutefois, à éviter le cliché. Il y a  assez d’énergie pour doseliner de la tête ; des rythmique martiales, des guitares lourdes, une basse suffisament grasse pour que les les cordes claquent contre le corps de l’instrument et quelques synthés pour faire bon genre.

Peut-être pas un disque mémorable mais sans doute son meilleur depuis ses débuts en 2007.

**1/2

Il aura fallu dix ans à cette formation allemande pour composer trois albums ; il faut dire que jouer les équilibristes entre post metal, metalcore et metal progressif nécessite une somme de travail assez conséquente.

Pas étonnant en tout cas que cette renaissance sonne pour Andy Schmidt comme une Liberation mais, outre cela, prendre le pari de se situer entre classique et moderne n’était pas gagné d’avance. Les sept titres de cet opus ont des durées très fluctuantes, des ambiances changeantes, des couleurs qui mutent, se divisent, se rejoignent.

Bref, c’est une relative complexité et une très grande richesse musicale qui caractérisent The Liberation. Une infime proportion du temps pris par Disillusion pour peaufiner cet album suffira à l’auditeur curieux pour profiter à pleines oreilles de ces ressources.

***1/2