S’il y a une chose que Fitz & the Tantrums savent faire, c’est créer des hymnes pop-soul accrocheurs qui ressemblent à des publicités pour eux-mêmes. C’est cette énergie positive qu’ils apportent à leur cinquième album, Let Yourself Free. Depuis More Than Just a Dream, sorti en 2013, le groupe de Los Angeles (dirigé par le chanteur Michael Fitzpatrick) s’est éloigné de l’ambiance Motown excentrique et enregistrée à la maison de ses débuts. La transformation a atteint son apogée avec « Handclap » en 2016 un titre incontournable qui fonctionnait à la fois comme une déclaration de la capacité du groupe à écrire un hit et comme une menace un peu ironique. Avec Let Yourself Free, ils conservent tout ce savoir-faire pop grand public tout en réussissant à ramener les choses à leurs humbles débuts R&B. Annoncé plusieurs mois auparavant par le single estival « Sway », l’album est le meilleur mélange stylistique du groupe entre leur style néo-soul des débuts et la dance-pop lisse qu’ils ont adoptée.
Parmi les premiers, « Silver Platter » et « Steppin’ on Me » sont les plus proches de l’ambiance intime et moite des fêtes universitaires des années 60 des débuts du groupe. Ce sont des morceaux mélodiques, dignes de se pâmer, où les voix chaudes des chanteurs Fitzpatrick et Noelle Scaggs sont noyées dans une réverbération élastique et des accents de guitare R&B spectraux. On retrouve également les intimités du New Jack Swing des années 90 sur « Is It Love », où Fitzpatrick s’encadre d’une mer croonante de ses propres chœurs multipistes, comme une version clone de Boyz II Men. La funky « Moneymaker », le piano « Heaven » et le romantisme synthétisé de la dance-pop des années 80 « Big Love » sont plus en accord avec le talent du groupe pour écrire des chansons pop accrocheuses, dignes d’une bande sonore. Fitz & the Tantrums savent exactement ce qu’ils font, et Let Yourself Free est un album pop confiant, sans excuses, qui a toujours une âme.
Ils sonnent (et s’habillent) comme tous les grands groupes pop, rock et disco des 60 dernières années, tout en un. C’est absolument contagieux.
Très bien, cartes sur table. Nous allons faire beaucoup de références à d’autres musiques dans cette critique – ce qui devrait normalement être gardé au minimum – mais avec ce groupe, cela semble trop approprié. Parcels est un groupe dans l’ancien sens du terme. Chacun des cinq membres s’est rencontré au lycée, a joué de la musique pendant la pause déjeuner et, à partir de ce moment-là, ils semblent n’avoir jamais été séparés. Ils ont quitté leur maison de Byron Bay pour s’installer à Berlin et ont grandi ensemble en tant qu’amis et en tant qu’artistes, s’attachant à cette rare communion qui semble de moins en moins répandue à l’ère des producteurs en chambre et des artistes solos.
Il n’est donc pas surprenant qu’un groupe aussi engagé, aussi talentueux, ait conçu un double album extrêmement ambitieux et bien exécuté pour son deuxième LP. Les dix-neuf titres ont été enregistrés en direct aux studios La Frette à Paris – je répète – enregistrés en direct, et sont divisés en deux parties distinctes mais interconnectées, basées sur les concepts de jour et de nuit. La première, « Day », est libre, brute et exaltante. Dans « Night », la production se transforme légèrement en une affaire plus sombre et plus affectée. Le groupe a également été rejoint par Owen Pallet – l’arrangeur de cordes par excellence de la musique indé – qui donne à l’ensemble de l’album un aspect cinématographique, une narration orchestrale qui se déroule tout au long de l’album.
Tous les « singles », à l’exception de « Famous » », se trouvent sur la face « Day », et bénéficient de mixages légèrement différents pour tenir compte de leur position et de leur flux dans l’album. « Light » ouvre la journée, donnant le ton avec des touches ambiantes, des cordes lentes et une construction douce avant que les lignes d’harmonie distinctives de Parcels n’éclatent. « Theworstthing » ralentit ensuite les choses après l’exaltation que véhiculent« Free » et « Comingback », avec le premier des morceaux les plus émouvants de Patrick Hetherington. « Somethinggreater » » est la chanson pop par excellence de l’album, un outro hymnique avec lequel on ne peut s’empêcher de chanter et « Outside » est également un morceau remarquable, avec Hetherington qui se confie sur les liens familiaux perdus et l’isolement.
Puis vient la nuit, où tout devient un peu plus sombre, un peu plus violent. Par exemple, dans « Thefear » » en comparaison avec « Day », les harmonies serrées pour lesquelles Parcels est connu sont encore plus serrées et manipulées, puis inversées, produisant une sensation étrange. Chaque chanson semble avoir une paire thématique ou sonore sur la face opposée du disque, « Light » et « Shadow » sont deux sections de la même chanson, « Comingback » et « Icallthishome » vont traiter de l’appartenance et de la connexion, « Somethinggreater » et « Once » luttent de leur côté pour un amour futur ou passé, « Daywalk » et « Nightwalk » montrent le côté plus jazz de Parcels, cette dernière contenant une outro avec un riff de piano style « Kind of Blue « qui s’épanouit dans le genre de soul psychédélique que l’on aurait pu entendre chanter par les Temptations dans les années passées. « Neverloved » est peut-être un peu trop rock opéra à notre goût, mais dans son ensemble, il est logique. « Lordhenry » sera la pièce maîtresse de » »Night » » – un morceau énorme qui oscille entre de grands balayages orchestraux et des guitares disco rapides, soutenus par des percussions de style Tropicalia et des harmonies à la Beatles – difficile de ne pas l’aimer.
Il est vrai que certaines chansons ressemblent plus que de raison à des classiques d’antan. « Famous » a le même effet que le « Boogie Wonderland » de Earth, Wind and Fire, Free le soleil des Bee Gees d’avant la disco, »Light » l’ambiance d’aéroport de Brian Eno. Ils ont certainement canalisé le groove implacable de « Move On Up » de Curtis Mayfield (probablement la version étendue aussi…) pendant la genèse de « Comingback », mais cela ne l’empêche pas d’être la chanson de l’année (oui !). En fait, je dirais qu’elle est peut-être même meilleure pour cela – le lien avec le passé fait partie du plaisir de Parcels. Ils sonnent (et s’habillent) comme tous les grands groupes pop, rock et disco de ces 60 dernières années, tous réunis en un seul. C’est absolument contagieux. Parcels utilise ces classiques comme tremplin, et qui peut les en blâmer ? N’est-ce pas ce que font tous les groupes ? Parcels le fait juste avec une facilité déconcertante et, ce faisant, devient quelque chose d’entièrement différent.
La meilleure façon de résumer Not Your Muse, le premier album de la chanteuse-compositrice britannique Celeste, serait peut-être de dire « astucieusement doux ». Cela ne veut pas dire que le disque est essentiellement mélancolique ou déprimant, mais plutôt que sa voix tendre et murmurante et son regard lyrique poignant suscitent une foule de sentiments introspectifs et authentiques, ouvrant un coffre d’observations quotidiennes vraiment éclairées et rafraîchissantes, mais aussi désinvoltes.
En ouvrant avec « Ideal Woma », Celeste fait une série d’affirmations sûres d’elle « J’aime penser que c’est parce que je suis trop belle » (I like to think it’s because I look too good), ce qui établit une confiance tenace et met en œuvre son comportement affable. Dans « Beloved », qui associe les attributs souvent entendus du R&B et un riche arrangement cinématographique de cordes, nous sommes entraînés dans un lent voyage brûlant à travers les désirs personnels et les folles idiosyncrasies de l’amour « J’ai entendu dire que la foudre ne frappe pas deux fois / Pourrais-tu être l’homme de mes rêves ? » (I heard lightning don’t strike twice / Could you be the man of my dreams ?). Celeste elle-même a déclaré que le morceau a été inspiré par les crooners des années 1950 et les sons étourdissants qui se reflètent dans le sentiment de somnolence qui suit le voyage en avion.
Le désormais familier « Stop This Flame » est le morceau le plus vivant de l’album et met en évidence l’impressionnante palette vocale dont dispose Celeste en cas de besoin. « Tonight Tonight », un morceau acoustique et funk accrocheur, parle de l’anticipation et des nerfs délicieux que l’on ressent lorsqu’on attend qu’un amant rentre à la maison, « Chercher ton ombre dans la lumière sous la porte » (Looking for your shadow in the light beneath the door).
Sur « Love Is Back », la vocaliste canalise son Amy Winehouse intérieur, adoptant le lyrisme honnête qui a fait la réputation de ce qui précède : « Je commence à réaliser que tous les garçons que je trouve / sont tous des problèmes » (I’m startin’ to realise that all the boys that I find / are all trouble). Alors que les comparaisons avec Winehouse, Billie Holiday et Bessie Smith vont certainement être faites, Celeste fait montre d’assez de douceur et d’enchantement pour se démarquer.
Ce qui est la propre marque de soul de Celeste la voit prendre avec art les parties les plus engageantes de la pop des hit-parades traditionnels et les mélanger avec une portion calculée de jazz traditionnel et de beat-poetry. Parfois, on a envie de varier davantage la composition, bien que cela puisse être dû aux mises en garde du premier album et au fait de ne pas prendre trop de risques au début de sa carrière.
Ce qui est clair, c’est que Celeste a tous les atouts pour être unique : une artiste soul britannique, certes, mais avec un tranchant de rasoir et un theremin comme falsetto, capable de choses tout à fait remarquables.
De nombreux auditeurs qui se considèrent comme de sérieux fans vont instantanément ignorer le nouvel album de Norah Jones, Pick Me Up Off the Floor. Les raisons : elle a vendu bon nombre d’albums, en particulier son premier Come Away with Me, et elle est considérée par beaucoup comme appartenant aux catégories de la pop ou du smooth jazz.
Mettons d’abord les choses au clair. Faire de la musique qui doit répondre à un certain nombre de règles, que vous appeliez la pop ou le smooth jazz une catégorie plus spécifique, et être douée pour cela est un art en soi. Vous devez échapper au piège d’être un simple imitateur et/ou de ne pas avoir de succès du tout. Si vous repoussez les limites dans le cadre des règles établies, vous rendez votre tâche mille fois plus difficile. Et ce dernier point est l’une des choses que Jones a faites sur ses six derniers albums.
Maintenant, mettons une autre chose au clair. Pick Me Up Off the Floor n’est pas un disque pop, pas dans le sens où il s’en tient à une formule établie. Il y a de la soul, du jazz, du gospel, de l’Americana et une combinaison de ces genres musicaux et d’autres encore. Et Jones et ses collaborateurs font sonner ces combinaisons comme si elles avaient toujours été faites l’une pour l’autre.
Peu importe lequel des onze morceaux est en question : l’intro aux cordes « How I Weep », le country jazzy de « Heartbroken Day After » ou le brillant « I’m Alive ». Ce que nous avons entre les mains est un des meilleurs album de Norah Jones jusqu’à présent, quelque part, un presque classique.
Il est facile de considérer que les références à l’âme des années 60 et 70, qui se sont développées pendant une décennie, sont en quelque sorte une réaction à un paysage musical défini par des logiciels et des algorithmes. Tout comme iTunes et Spotify ont donné lieu à une nouvelle reprise des ventes de vinyles – dont l’avenir semble un peu incertain pour l’instant – EDM a connu un groove organique et chaleureux. Mais des artistes comme Sharon Jones et Lee Fields ont prouvé à quel point le public était avide de soul analogique il y a encore longtemps, suggérant qu’un groupe de scène avec des titres et des chants livrés avec une émotion douloureuse et un cool intemporel aura toujours un public. Tout cela n’a pas été particulièrement nouveau ou innovant, mais au moins, ça fait sacrément du bien.
Le groupe Monophonics de Bay Area existe depuis plus d’une douzaine d’années, et il a créé des morceaux de soul denses et cinématographiques, conçus pour sonner aussi bien dans une paire d’écouteurs que sur scène. C’est dans ce dernier cas que le groupe est vraiment dans son élément, s’étant bâti une réputation de groupe au meilleur de sa forme lorsqu’il se produit devant un public. Mais comme le montre le cinquième album It’s Only Us, c’est sur une bonne paire de haut-parleurs, peut-être un dimanche après-midi sans distraction, que les nuances et les riches détails des arrangements complexes du groupe se révèlent pleinement.
Une grande partie du contenu de It’s Only Us vous rappellera sans doute une autre chanson ou un autre disque. Le voyage en douceur et psychédélique de « Last One Standing », avec ses couches de conga drum et ses cordes majestueuses, est un clin d’œil à « Move On Up » de Curtis Mayfield. « Tunnel Vision » porte un tempo accéléré de la version funky et inquiétante d’Isaac Hayes sur « Walk On By » dans les couplets, tout en faisant la transition avec les sons de tempête des Spinners dans le refrain. Les influences du groupe sont transparentes, et leur but n’est pas nécessairement de réinventer. Ils réinventent plutôt les styles qu’ils adoptent, se mettent à l’aise, redécorent un peu et laissent entrer une brise fraîche pour évacuer l’air vicié du fétichisme vintage.
Bien entendu, le fait que le groupe soit toujours sur la bonne voie, sans jamais lâcher le rythme, est un atout. Les accords d’orgue charnus et les riffs de guitare en fuzz de « Run For Your Life » frisent avec une alt!re méchanceté tandis que le morceau d’ouverture « Chances » »est une tapisserie complexe de cors, de voix et de réverbérations qui apporte un peu de tourbillon kaléidoscopique dans le funk socialement conscient mais bienveillant du groupe. It’s Only Us ne se termine cependant pas sur une note joyeuse, ce qui est peut-être la surprise la plus notable ici. Portant le deuil, la tristesse et le poids du monde, c’est un disque plus lugubre qui se rapproche d’un disque qui ressemble surtout à un baume chaud et apaisant. Parfois, il est préférable d’avoir une musique qui nous aide à échapper à ce que nous vivons, mais parfois ce dont nous avons vraiment besoin, c’est de quelque chose qui dise la vérité d’une manière qui ne fait qu’adoucir les dommages.
Le premier album d’Anna Wise navigue entre R’n’B, soul jazz et rap et c’est une réussite.
Entourée de Denzel Curry, Little Simz et de quelques invités de marque, la jeune femme déroule des chansons la plupart très langoureuses que l’on imaginerait bien entendre dans un club, le soir à New York.
Le premier album de ce trio est le genre de chose qui peut tourner en boucle du matin au soir pendant des semaines sans que personne n’y trouve à redire. Il faut dire que les Californiens ontmis dans Buck tous les ingrédients nécessaires pour nous concocter ce disque d’un confort absolu.
Brainstory c’est Kevin, Tony et Eric, trois frères installés à Los Angeles, soit un redoutable trio au son Soul-Funk-Beat avec des petites touches folk ici et là (« Peter Pan », « Beautyful Beauti »)… un peu comme si les Delfonics (« Mnemophobia ») tapaient le bœuf avec Bibio.
Produit par le brillant Leon Michels (qui a travaillé comme producteur et musicien pour Lee Fields, Charles Bradley, Chicano Batman…), Buck est un disque délicatement groovy, baigné de choeurs langoureux, d’influences Motown, G-Funk, ou Northern soul,
Une première livraison de choix pour ce trio dont on espère une suite tout aussi belle.
Jamais à court d’inspiration, Fink, alias de Fin Greenall, sort ici son neuvième album, Bloom Innocent. Toujours en quête de la composition electronica parfaite, l’Anglais propose ici cette fois huit titres pour un ensemble d’une durée de cinquante-deux minutes. Un disque ambitieux, comme à l’accoutumée, à l’image de ses prédécesseurs. Avec sa chanson-titre et premier « single » de l’album, on frisera clairement cette quête ; peut-être même trop. Trop lisse, trop pensé, le morceau, malgré ses nombreuses qualités, ne parvient pas à émouvoir ni même entièrement satisfaire. Il est si bien produit qu’on a l’impression de l’avoir déjà entendu avant. En y réfléchissant, on se rend compte d’avoir déjà entendu la composition electronica parfaite, par exemple sur Sort Of Revolution et Hard Believer.
Fort heureusement, le songwriter n’en reste pas qu’à ces bases conventionnelles, intégrant à sa musique des éléments diversifiés légers, de la soul (« Out Loud ») au folk (« Once You Get A Taste »), en passant par le blues (« I Just Want A Ye »s) et le gospel (le beau final de « We Watch The Stars »). Parmi les huit morceaux de Bloom Innocent, seuls deux d’entre eux tombent tout juste sous les six minutes, à savoir « Once You Get A Taste » et son folk rock saupoudré de nappes synthétiques ainsi que « That’s How I See You Now » et sa synthpop à la rythmique menaçante.
Fink conclut son neuvième album sur deux de ses compositions les plus intimistes, à commencer par « Rocking Chair », aux arrangements sobres et au chant solennel. La réverb, les quelques accords blues ainsi que les chœurs discrets en arrière-plan viendront, à cet égard, apporter à la chanson une ambiance assez unique. « My Love’s Already There « est quant à elle la ballade la plus accomplie du musicien expérimenté, quasi a capella, où les silences sont aussi beaux que la voix de Fink. Non exempt de défauts, Bloom Innocent est une œuvre complète, fidèle à son auteur dont la démarche artistique semble être de parfaire chaque composition pour en façonner la création la plus pure et efficiente. Il y parvient fortement sur plusieurs titres de ce neuvième disque tout en réussissant à se renouveler et proposer de nouvelles directions, certes minimes, mais dont on aperçoit l’exigence et le savoir-faire au fil des écoutes. Fin Greenall demande notre attention et parvient à l’obtenir lorsqu’il vole vers de nouveaux horizons.
Pony est le troisème album de Alexander O’Connor, un jeune musicien de vingt-et-un ans qui teinte sa pop d’accords jazzy avec une virtuosité déconcertante : un univers est éclatant dans lequel il remué l’Angleterre et a touché les américains (Tyler The Creator, Comso Pyke, Benny Sings) en abolissant les frontières entre hip-hop, soul et indie rock. Ce nouveau disque, en est, une fois encore la manifestation. Rex Orange County continue d’explorer son esthétique hybride sans pour autant tomber dans la réutilisation de recettes miracle. En effet, Pony révèle tout ce qu’il y a de plus subtil et romantique chez O’Connor. Ce dernier évoque d’entrée de jeu ses souvenirs dans l’introduction « 10/10 » : une petite ballade synthétique qui est aussi une réflexion sur son immense et rapide succès. Les ambiances sont devenues plus sobres, mais la ferveur reste. Le super « single » « Face To Face » confirmera la chose avec un rythme effréné et un refrain qui laissera rêveur. Plus tard, ce sont certaines sonorités de vocoder qui créeront la surprise dans la production méticuleuse de « Never Had The Balls » avec une touche moderniste clairement assumée pendant tout au long de l’album.
Il semblerait aussi que les influences musicales de l’Anglais aient été différentes pour écrire Pony, cela vient du disco (« It Gets Better ») ou bien des œuvres surréalistes de Bon Iver et Sufjan Stevens. Ainsi, « It’s Not The Same Anymore » marquera ne porte d’accès à la douceur, avec, en prime, l’alliance d’un piano à un orchestre mettant parfaitement en évidence la nostalgie d’Alexander. Dans cette collection il ne faudra pas non plus oublier le remarquable et sensible « Pluto Projector » gavé de réverbération, et le hip-hop binaire de « Laser Lights » qui plaira sans doute aux admirateurs de Frank Ocean. Comme nous le remarquions précédemment, Ponymarque un tournant. Rex Orange County est en constante évolution, et se place là où l’on ne l’attendait pas. À l’horizon, aucune pression ne ressent vraiment dans le disque avec cette nouvelle approche d’un songwriting plus nuancé malgré quelques petites défaillances (« Stressed Out », « Always ») .
En 2017, Winston Surfshirt avait ses premiers pas dans la musique avec un premier album intitulé Sponge Cake. Le groupe australien a rencontré un succès minime sur le plan national, ce qui est un peu dommage car leur musique est une sacrée bouffée d’air frais. Toutefois, le sextet australien compte imposer son cool quoi qu’il advienne avec Apple Crumble.
A mi-chemin entre hip-hop, neo-soul et funk, Winston Surfshirt ne compte pas jouer les cailleras ou les mumble rappers à la mode. Ici, tout est en mode « peace, love, unity and have fun » avec une pointe néo-hippie pour l’originalité comme l’atteste des morceaux organiques comme « Need You » qui ouvre le bal de façon smooth et raffiné. Entre la voix somptueuse de Winston, leader du groupe, alternant chant et rap de façon posé et naturel ainsi que les instrumentations purement live et légères, il n’y a qu’un pas et ils arrivent à la franchir avec les groovy « For The Record », « That Just Don’t Sit You Right » et autres « Show Love ». De quoi nous redonner le « Smile » comme l’indique un de ses morceaux cuivrés.
Apple Crumble est riche en surprises en tous genres comme la rythmique new jack swing sur le old school jamais suranné « NobodyLikeYou » ou les influences dignes du regretté J Dilla sur le quelque peu jazzy « Someone New » qui est prolongé par la splendide conclusion instrumentale nommée « Bolney Stage 2 ». Plonger dans l’univers néo-hippie de Winston Surfshirt est plus que conseillé surtout qu’ils nous envoient des vibes positives et pleines d’amour avec « Where Did All Our Love Go ? » et « Crypto ». Un second opus qui nous donnera du baume au cœur.
Publié par rockdecibels 
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