Late Night Final: « A Wonderful Hope »

6 janvier 2021

Vous connaissez certainement J. Willgoose comme l’un de ces « petits prodiges » qui se cache derrière le toujours brillant Public Service Broadcasting.

Mais il a maintenant décidé d’investir dans une petite activité extrascolaire, loin de son rôle de présentateur de télé, et a annoncé un album solo, A Wonderful Hope.

Et comme pour beaucoup d’autres disques en cette année étrangement sombre, l’impulsion est venue du bouleversement viral et la volonté, fa aà l’épidémie, d’explorer un son plus méditatif, inspiré par Brian Eno, Vangelis, Tangerine Dream et du séminal Chill Out de KLF. .

Willgoose explique explorer également les théories de la génération aléatoire de la musique ainsi que la capacité humaine d’espoir, il déclare : « Nous retrouverons notre chemin vers un monde dans lequel la musique live se reproduira ; mais je suis moins optimiste en personne que sur disque. La musique me permet d’exprimer des espoirs que je trouve difficiles à reconnaître dans la vie de tous les jours. J’ai donc fait tout cet album en imaginant une tente de danse à 4 heures du matin ou une pièce tard dans la nuit, pleine de gens, de mouvement et de chaleur et de toute la joie que cela peut apportee, celle d’avoir l’impression d’envoyer des signaux dans l’espace ».  

Et nous y voilà. De l’audiovisuel, en termes de nomenclature, au monde du journal : la finale de fin de soirée. Heureusement, c’est aussi un grand moment pour une nuit tardive, comme nous le verrons ; quatre pistes qui se succèdent à 45 minutes, à la dérive sur une marée de bonheur électronique très humaniste.

L’ouverture, l’atmosphère profonde de « Thank You », qui est sorti en « single » se veut un visuel impressionniste et tourbillonnant pour vous emmener plus loin ; nous l’avons intégré très vite ; il va là où les mots s’épuisent.

Utilisant l’heureux hasard qui mène si souvent à une nouvelle voie créative, le morceau s’accroche à un échantillon d’une réponse de la société accidentellement déclenchée lors de l’utilisation d’une nouvelle pédale de boucle : le « merci » en mode mantra qui s’enroule en spirale dans le « bliss-space » électronique du morceau. Ce sample est plié et cisaillé comme un petit coup de percussion pendant les couches de l’ouverture qui se déroulent lentement ; et oh si lentement il se construit, un petit coup de percussion par-ci, un motif de cloche lente par-là, un autre son de synthétiseur réchauffant par-là ; c’est glorieusement ambient avec une touche humaine nécessaire. Willgoose pourrait bien faire référence à Tangerine Dream, et c’est là dans le bavardage du synthétiseur ; mais pensez aussi à la beauté immaculée de Global Communication de Delia Gonzalez et de Gavin Russom de Days Of Mars. Au bout de dix minutes environ, le morceau fait ce que fait le service public de radiodiffusion, à savoir passer à la vitesse supérieure, en se gonflant, inexorablement, inéluctablement, alors que d’autres couches d’harmonie et de bourdonnement s’envolent dans la formation.

La chanson titre commence par un sinistre tremblement microtonal évocateur et gagne en profondeur d’harmonie aquatique. « J’ai l’impression que les choses vont s’améliorer… c’est un merveilleux espoir » ( I feel like things will improve … that’s a wonderful hope) est l’échantillon vocal obscur ici, prêtant une gravité de type Race For Space. Il possède le même babil tourbillonnant et ultra-efficace que l’ouvreur, avec un cisaillement percutant légèrement plus fort, qui semble être le son du hochet du jeune enfant Willgoose, masqué et morphé, utilisé comme un outil musical très domestique et aussi très fort. La propulsion s’arrête rapidement, vous laissant tomber doucement à travers un espace technicolor, des grésillements musclés de synthétiseur qui vibrent pendant que le morceau se transforme en cette chose brûlante et grandiose, la sorte de chose que vous devez avoir sur les boîtes de conserve pour regarder votre tout premier éveil. En quelque sorte. Merveilleusement transportable.

L’artiste « ambisonique » Teddy Hunter, basé à Cardiff, collabore à ce The Human Touch dans lequel deux sphères esthétiques distinctes semblent se combiner : des textures plus écides, placées à la perfection auditive pour élargir et approfondir le mélange, bavardant au-dessus du liquide plus lointain de la pureté ambiante qui se rapproche progressivement. C’est une pièce maîtresse profonde, le morceau auquel on ne peut accéder qu’après des niveaux précédents d’initiation sonore. Il a un ancêtre lointain The Blue Room de The Orb, la façon dont le modèle de pulsation est si habilement construit. Hunter apparaît comme une sirène de la félicité, comme si Julianna Barwick était dans les environs en train d’enregistrer. Là encore, il y a cette soudaine composition de l’expérience dont vous avez absolument besoin, qui sera un jour absolument immaculée à entendre parmi des foules aléatoires sous un ciel nocturne, les bords délicieusement plus tranchants du son vous abîmant et vous rafraîchissant d’un seul coup comme un soda au gingembre froid.

Le dernier morceau du quatuor (dans l’état actuel des choses, quatre titres et 40 minutes semble se qualifier de mini-album dans le milieu électronique) est « Slow Release », construit à partir d’intervalles plus tristes et du son toujours évocateur d’un terrain de jeu au loin. Il a plus d’acide dans son ADN, semblable à une arme à feu munie d’un silencieux et une ligne de mélodie supérieure jouée sur un synthétiseur qui s’est probablement échappé d’un film de science-fiction pour enfants de la BBC, qui a été mis de côté vers 1973. Sa beauté est un peu froide, comme les ombres d’une forêt de pins au crépuscule de l’hiver.

A Wonderful Hope de Late Night Final n’est pas exactement révolutionnaire, mais, une fois écouté, il correspondra à ce que vous avez envie d’entendre. De ce fait, il sera un régal pour l’âme et les sens, et, même avec ce modeste point de vue, d’avèrera un véritable plaisir pour la vie.

C’est à peu près exactement comme vous imaginez ce qu’auraait dû être un disque de Public Service Broadcasting ; s’ils font une embardée pour l’astral ; et c’est plus que suffisant pour garder vos oreilles occupées et votre esprit en sécurité et vus donner le goût de le réécouter en direct dans un bois quelque part au crépuscule – là où la vie sera à nouveau irrémédiablement belle.

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Golden Champagne Flavored Sweatshirt:  » Expectant »

29 novembre 2020

Sur Expectant, Golden Champagne Flavored Sweatshir crée une musique qui incarne l’anticipation. Ces sept titres explorent un mouvement perpétuel et une reconfiguration sans fin, étirant l’unique moment juste avant qu’il ne se passe quelque chose en des pistes sinueuses qui dépassent souvent la barre des cinq et six minutes. Écouter, c’est comme regarder un train en marche qui ne s’arrête pas et n’arrive pas, c’est comme vivre dans cet état constant de quasi-impact.

La paire de ces rails de sortie de gare, « 3.26__ » et « Horse Mouth », affiche immédiatement cette approche texturale et compositionnelle. Pleins de percussions et de bourdons de synthétiseur, ces titres ouvrent la voie (littéralement, avec les coups de carillon cérémoniels qui donnent le coup d’envoi de l’album) aux atmosphères auto-construites d’Expectant. La mélodie descendante du synthétiseur sur « 3.26__ » donne l’impression d’être de la science-fiction à haute voix contre le souffle sourd de sa basse, tandis que le torrent tourbillonnant de sons de vent affectés qui se trouve à l’arrière de « Horse Mouth » contrecarre la clameur de la ligne de fabrication de sa boucle de percussion. Expectant s’enveloppe dans ce monde sonore à la fois futuriste et antique, à la fois recueilli et imaginatif, refusant d’arbitrer ces contradictions et accumulant sans relâche des tensions dissonantes avant que chaque morceau ne se désassemble lentement et ne s’efface dans le silence.

Alors qu’Expectant s’épanouit dans ce sentiment d’ascension sans limite, GCFS enfouit le flux d’une évolution latérale constante dans ces structures. Sur « Human Animal Chimera », un riff triplé et doublé se heurte à des murs de bruit et à des bribes de voix gargarisées avant que la texture n’évolue entre cette combinaison, la marche lourde de la grosse caisse et des bouts d’air froid. Comme un corps qui change constamment de forme, les mouvements de « Human Animal Chimera » semblent si totalisants et synchrones que les itérations individuelles peuvent disparaître en l’espace d’une seconde, presque imperceptibles pour l’œil (l’oreille) non concentré. Cette musique vit effectivement dans un monde qui traite la libération et l’arrivée comme la peste, mais GCFS guide ces personnages sonores empilés dans de nouvelles formes avec une poussée patiente et secrète. Ses mouvements créent de nouveaux êtres à chaque instant avant que la forme ne se transforme rapidement en une nouvelle méconnaissance.

L’inclusion de chants (faisant écho à des fragments de discours sur « Horse Mouth », des jappements et des cris sur « Animals Calling Animals », plus proche) sur ce fond métallique complique encore plus le sens du lieu de cette musique, et le sommet de ces apports quasi humanistes arrive sur ‘Whicket ». Au sommet d’un rythme rapide et urgent, l’enregistrement d’un pasteur craignant le ravissement délivre un sermon sinistre : « Le salaire du péché / Est la mort … Quand on pèche, quelqu’un meurt » (The wages of sin / Is death … When you sin, somebody dies), préviennent-ils vers le final du morceau. L’ambiguïté émotionnelle du paysage sonore de GCFS se heurte à cette moralisation religieuse enflammée, à la fois en approuvant le satanisme que l’orateur condamne et en amplifiant la colère et la pitié de leurs remontrances.

Au centre de la froideur extraterres de Sea Creatures” et « Pyroclasmic Flows ». Bien qu’ils n’éliminent pas entièrement le flair industriel de l’album, ces morceaux vivent plus profondément dans le naturalisme du monde de GCFS. Sur « Pyroclasmic Flow » », en particulier, les rythmes entraînants s’adoucissent et font place à des murs d’harmonies de synthétiseurs nostalgiques. La tendresse exposée ici détend les épaules relevées et les genoux bloqués des morceaux précédents, laissant le son se déployer dans une mer sans limite de roses et de bleus psychédéliques, de violets et d’or. Si une grande partie d’Expectant se délecte d’anxiété et de tension, « Pyroclasmic Flows » sera l’admission la plus évidente de la beauté qui s’attarde dans les coins sombres de chaque morceau qui l’entoure.

Expectant demande aux auditeurs d’entrer dans un monde sonore sans direction ni dimension. Ces sons s’écoulent par-delà les frontières, tempérant les montées, niant les attentes et reconstruisant le corps singulier de chaque moment. Comme cette musique, le sentiment d’être à l’affût sans libération ou rejet tangible peut souvent être inconfortable dans son sens de perpétuelle méconnaissance. Mais une fois que l’on s’installe dans le cosmos souterrain d’Expectant, les créatures vivantes qui fredonnent dans chaque morceau produisent une puissance impressionnante.

***1/2


Julianna Barwick: « Healing is a Miracle »

11 juillet 2020

Healing is a Miracle est le titre idéal pour le cinquième album de Julianna Barwick. La chanteuse et compositrice lui a, en effet, donné le nom de cette merveille banale qu’est la capacité du corps humain à s’auto-guérir et il est normal que l’écoute de cet album soit un processus de guérison en soi. Sa musique vous enveloppe comme une vague de chaleur, ses nombreuses couches de boucles vocales réverbérantes créant des paysages sonores riches et des images vives. La première influence musicale de Barwick a été le chœur de l’église, ce qui se ressent fortement dans sa musique, qui a elle-même souvent une aura sacrée. Dans ses enregistrements, Barwick crée essentiellement des chœurs expansifs à partir de sa propre voix, invoquant l’atmosphère d’une cathédrale résonnante.

À bien des égards, Healing is a Miracle s’inscrit dans la continuité du son distinctif que nous avons appris à connaître et à aimer la musique de Barwick. Mais il y a aussi de nouveaux développements sur l’album. Tout d’abord, son processus d’enregistrement a été légèrement amélioré lorsque le frontman de Sigur Rós, Jónsi-Barwick, lui a offert des moniteurs de studio qui avaient auparavant enregistré toute sa musique avec des écouteurs. Cet ajout a considérablement modifié l’expérience physique de l’enregistrement : « Quand j’ai ajouté la basse, je l’ai vraiment sentie dans mon corps, vous savez, d’une manière que vous ne pourriez pas ressentir avec des écouteurs… c’était plutôt euphorique et amusant. » Ainsi, sur cet album, on peut l’entendre se pencher davantage sur la basse que sur ses projets précédents, peut-être pour transmettre ce sentiment d’euphorie – ce à quoi elle réussit plus que bien.

Ce changement est particulièrement perceptible sur l’époustouflant premier titre, « Inspirit », qui commence comme un chant a cappella avec tant de pistes qui se chevauchent que l’on peut entendre les harmoniques que forment les nombreuses couches de sa voix. Lorsque la basse entre en jeu, environ deux minutes plus tard, son son s’ouvre sur une profondeur magnifique – vous n’avez pas besoin de votre propre paire de moniteurs de studio pour ressentir ce changement dans votre corps. Les mots que Barwick chante sont généralement obscurcis par son processus d’enregistrement, mais lorsque vous êtes informé de ce qu’elle dit, vous avez souvent le sentiment que son approche n’aurait pas pu les communiquer plus clairement. « Inspirit » n’a que deux lignes, « Ouvrez votre cœur / C’est dans votre tête » (Open your heart / It’s in your head), et cela est suffisamment explicite.

L’album se distingue également par son impressionnant casting de collaborateurs. La harpiste Mary Lattimore est en vedette sur Oh, Memory, un morceau effervescent construit sur une boucle de clavier. Le jeu chatoyant de la harpe de Lattimore met en valeur les riches harmonies de Barwick. Jónsi partage le chant avec Barwick sur In Light, un morceau où Barwick explore un son plus extraverti avec des boîtes à rythmes et une structure de chœur. La voix de Jónsi complète magnifiquement celle de Barwick – elle a déclaré qu’entendre le son de leurs voix ensemble était « l’une des joies de ma vie ». Le producteur Nosaj Thing utilise des synthés et des boîtes à rythmes pour transformer une des boucles vocales sans paroles de Barwick en quelque chose qui ressemble presque à une chanson pop sur Nod.

Mais il y a tout autant de force dans les morceaux en solo. Les cordes apaisantes de la chanson titre constituent une belle toile de fond pour les voix d’écho de Barwick. Centerpiece Safe est une étonnante tapisserie de boucles vocales qui commence en territoire minimaliste mais s’étend dans un paysage sonore transcendant. Flowers, le morceau le plus court de l’album, fait une forte impression avec son atmosphère remarquablement sombre et appréhendée. Barwick utilise une respiration lourde, des synthés et un chant de sirène pour créer un sentiment de malaise que l’on n’entend pas souvent dans sa musique. Wishing Well offre un répit grâce à ses textures vocales enveloppantes, évoquant une sorte de psychédélisme ambiant.

Healing is a Miracle est un album envoûtant du début à la fin, et sera une écoute gratifiante tant pour les fans de longue date de Barwick que pour les nouveaux venus dans sa musique. Le développement continu de Barwick en tant que soliste et collaborateur résonne magnifiquement tout au long de ce projet véritablement guérisseur.

***1/2


Activity: « Unmask Whoever »

30 mars 2020

Débuts sombres, extraterrestres et captivants pour ce groupe de Brooklyn né des cendres de Grooms, Russian Baths et Field Mouse Après une décennie à mener The Grooms à travers diverses transformations tant sur le plan sonore que personnel, Travis Johnson a dissous le groupe et a lancé Activity avec un batteur exceptionnel et inventif, Steve Levine, en y ajoutant la bassiste Zoë Browne (Field Mouse) et le guitariste Jess Rees (Russian Baths). Sur le plan sonore, le premier album d’Activity n’est pas très éloigné des paysages extraterrestres que The Grooms échafaudaient sur leur dernier album, mais ils s’y adossent, ajoutant de l’électronique et jouant aux forces de chacun. Beaucoup de musique a été appelée de « lynchienne », généralement à cause de guitares solitaires et grêles, et ceci même c’est une analogie trop utilisée.

Activity y est parvenu sans jamais ressembler à Angelo Badalamenti ou Chris Isaak. Unmask Whoever est, toutefois, le double de cette musique : troublant, sensuel, sinistre, familier mais étranger et indéniablement captivant.

« Earth Angel », qui partage un titre avec le premier classique de doo-wop des Penguins (sûrement un des favoris des Lynch), est un bon point de départ (bien qu’il soit au milieu du disque), en vérifiant les cases sensuel et sinistre. Il mijote lentement avec des couches de guitares bourdonnantes et un motif de batterie elliptique, tandis que Johnson chuchote « I wanna fuck around » à plusieurs reprises et ce, avec un phrasé, démoniaque . La composition s’ouvre à mi-parcours avec ce qui est soit une section de cuivres, soit des guitares fortement déformées qui sonnent comme un mur de projecteurs soudainement allumés, prêts à l’emploi dans un univers alternatif et fantasmagorique.

L’album maintient cet équilibre loufoque tout en son long en utilisant parfois des loops et des rythmes qui n’auraient pas sonné déplacés sur un album de Tricky ou de Portishead il y a 25 ans (« Calls Your Name », « Auto Sad »), ou des synthés nauséabonds qui se fondent dans les guitares (« Nude Prince », « Heartbeat » »). Les arrangements, les performances et la production sont excellents dans tous les domaines, tout comme les chansons, révélant des nuances à l’écoute répétée et en font un très bon album pour casque d’écoute. « Spring (Low Life) », « Violent and Vivisect » et « Calls Your Name » sont accrocheurs et mémorables tout en vous donnant la chair de poule. Dans le bon sens du terme.

***1/2


Ultraísta: « Sister »

23 mars 2020

Après une longue attente le supergroupe indie Ultraísta lance son deuxième opus, Sister. Il est difficile de croire que 8 ans se sont écoulés depuis la sortie du premier album éponyme jusqu’à ce que vous considériez qui peuple la collaboration, le producteur/musicien Nigel Godrich de la renommée Radiohead, et de nombreux autres projets, le percussionniste Joey Waronker, Beck, REM, Atoms for Peace, etc et la vocaliste/journaliste Laura Bettinson, de Femme et Lau. Chacun d’entre eux est extrêmement prolifique, avec une énergie apparemment surhumaine qui fait qu’avec eux, une fission nucléaire semble, en comparaison, manquer de réalisme. On a souvent songé que la première sortie d’Ultraísta serait leur seule mais le très espéré Sister fournit une autre dose d’electronica exaltante et saine, focalisée sur le laser, mais permet également à Ultraísta d’ajouter de nouvelles dimensions à leur son.

Pour enregistrer Sister, le trio utilisera des sessions d’improvisation sporadiques afin de créer ses neuf nouveaux morceaux. Chaque membre s’efforçait intentionnellement de porter des chapeaux différents et de sortir de sa zone de confort pour essayer quelque chose en dehors de son travail quotidien. Le trio a réussi à combiner de nombreux fils sonores : afrobeat, electronica post-moderne, cordes évocatrices et basse entraînante pour créer un album iconoclaste tout en conservant les motifs sonores uniques établis lors de leur première sortie. Godrich a, à ce propos, décrit la complexité de l’assemblage de Sister comme une tentative de construire une navette spatiale à partir d’allumettes.

L’intensité des sessions d’enregistrement a exigé que le trio fasse des pauses après chaque partie afin d’avoir la volonté de continuer. L’objectif principal du combo était de réaliser un album qui soit plus qu’une simple œuvre d’art, mais un concept d’album libre, accessible mais aussi sophistiqué. Tout au long du disque, on retrouve ainsi le savoir-faire de chaque interprète, le chant de Bettinson devenant plus clair et occupant le centre de chaque morceau.

La première piste est le « single » « Tin King », une chanson chargée d’une énergie incommensurable qui la rend si attachante. Bettinson a complètement habité l’ambiance postmoderne de la sélection avec sa voix et en affichant juste assez d’énergie pour accompagner le confort de sa voix. Les paroles attaquent la cupidité et le comportement de voyeur égocentrique. Lorsqu’on l’examine de près, le morceau est intrinsèquement contre-intuitif et pourtant totalement addictif. « Harmony » est plus sinueux avec une atmosphère plus rêveuse. Les percussions sont à couper le souffle et la sensation harmonique du morceau est en accord avec son titre. « Anybody » remet en question ce que nous considérons comme la beauté et le culte des icônes. L’instrumentation sophistiquée comprend des violons qui ajoutent un nouvel élément à la palette sonore d’Ultraísta.

« Save it Til Later » est un chant du flambeau mis à jour pour le 21ème siècle. Le morceau est un mariage de la fraîcheur glaciaire une electronica mariée à la chaleur de la voix de Bettinson. Ce morceaun, ainsi que « Anybody » contient les éléments plus personnels dans les textes par rapport aux débuts du trio. « Ordinary Boy » est une vitrine de l’excellence percussive de Waronker sur ce morceau effervescent et nerveux et l‘impressionnante « Mariell » » passe à un minimalisme ensoleillé tout en apportant une sagesse bien nécessaire dans les paroles, : « Survivre n’est pas vivre… attention à la nostalgie » (Surviving is not living… beware of nostalgia) . Bettinson utilise des voix éthérées, ce qui est tout à fait approprié pour cet autre impressionnant morceau.

Le tempo et le rythme de l’enregistrement sont d’une brillance palpable. La production habile de Godrich se manifeste par le fait qu’il semble savoir exactement quand accélérer et quand relâcher. Cette capacité rare devient de plus en plus évidente au fur et à mesure que l’album avance. « Water in My Veins » prend des basses funk, de l’electronica entièrement actualisée, évoque Caribou, et ajoute le grain de la ville pour produire une alchimie musicale. Cette vibe frénétique est ensuite mise en contraste avec la sensation organique et simple d’un « Bumblebees » qui fascine par son chant hypnotique et sa production propre. Sister se terminera par « The Moon and Mercury », où un délicat synthétiseur relie le terrestre à l’éternité de l’interstellaire, créant une fin obsédante à un album remarquable.

La genèse de Sister a pris beaucoup de temps, mais cela vaut vraiment la peine d’attendre. Cette nouvelle version est l’aboutissement des compétences que chaque membre du trio a acquises au cours des 12 dernières années. Il y a un fil conducteur commun à l’ensemble de l’enregistrement qui est la marque de fabrique dUltraísta. Chaque morceau est distinctif et maintient l’attention de l’auditeur. Si vous n’avez jamais écouté de l’lectronica sérieusement, une chance de le faire y est offerte tant cet opus est une excellente porte d’entrée vers ce genre. Ajoutons que, chaque membre d’Ultraísta apportant quelque chose à l’enregistrement, la collaboration en sort renforcée et elle crée pour le trio quelque chose de multidimensionnel et digne de reconnaissance.

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Boris Brejcha: « Space Diver »

29 janvier 2020

Boris Brajcha sort ici son nouvel album Space Diver. Le producteur et DJ allemand masqué a parcouru un long chemin depuis ses débuts au milieu des années 2000. Sa musique a évolué, passant d’un minimalisme décalé à un mélange plus optimiste de house, de techno et de trance, reflétant probablement la taille de son public lors des spectacles. Aujourd’hui, sur son neuvième album, Space Diver distille ce qui a été pour lui un parcours remarquable au cours des dernières années.

Ce diqsue n’ouvre pas de nouvelles voies, mais il apporte un complément utile à son canon et au paysage de la musique électronique. Il reste ancré dans les rythmes de la house à quatre pattes, mais flirte avec divers autres genres pour garder l’auditeur engagé. Qu’il s’agisse de distorsions, de synthés à la Justice sur « To The Moon And Back », de mélodies ambiantes apaisantes sur « Blue Lake » » de musique house entraînante sur « Lieblingsmensch » et de lourdes influences trance pour « Never Look Back », on y trouve un peu de tout.

L’album cherche à combler largement le fossé entre la house et la trance, en utilisant des mélodies de type trance pour ajouter du caractère et de l’émotion à chacun des disques. Certains d’entre eux sont strictement destinés aux pistes de danse, comme le numéro d’acid velouté « Take It Smart » » Cependant, la majeure partie du disque tourne autour de la house progressive avec des rythmes endiablés et des mélodies endiablées.

Le disque tourne à 12 pistes et plus et à une heure et demie. Bien qu’il soit assez long, il semble toujours assez cohérent. Il s’intègre bien, même si certaines pistes peuvent être un peu raccourcies. Brejcha apporte le dancefloor à son album et fera venir Space Diver sur le dancefloor. Il ne s’agit pas de réécrire le dogme de la musique dance, mais de l’ajouter à l’esprit du temps actuel.

***1/2


Octo Octa: « Resonant Body »

21 janvier 2020

Bouldry-Morrison célèbre la douce lueur des espaces de fête, lieux où les corps racisés, queer, trans, féminins et aux capacités différentes sont libres d’être ce qu’ils sont.

Pour les corps non conformes, la piste de danse peut être un espace sûr. Sous la douce lueur des lumières du disco, avec une musique de toutes les couleurs, les corps racisés, queer, trans, féminins et aux capacités différentes sont libres d’être. Tout le monde peut être qui il veut sur la piste de danse.

Resonant Body, le cinquième album complet du DJ et producteur Octo Octa (Maya Bouldry-Morrison), basé dans le New Hampshire, célèbre ces espaces sacrés. Sur huit morceaux, Bouldry-Morrison réimagine la culture rave des années 90 dans une perspective sexospécifique, où PLUR (Peace, Love, Unity, Respect) commence par le respect de soi-même.

Bouldry-Morrison est transgenre. Et si l »Where Are We Going ? » en 2017 s’est senti triomphant grâce à un optimisme prudent, elle était peut-être une question que Bouldry-Morrison s’est posée et aussi une interrogation des communautés LGBTQ+, surtout avec la montée de la visibilité trans et non-binaire.

Après une année de tournée bien remplie suite à la sortie d’un nouveau disque, Bouldry-Morrison était prête à répondre à cette question dans Resonant Body. Enregistré dans sa cabane dans les bois du New Hampshire, l’album a un lien fort avec la nature et s’inspire des thèmes de la survie, de la guérison et de la spiritualité. Même la pochette, créée par Brooke, partenaire de longue date de Bouldry-Morrison, est la peinture vibrante d’une forêt.

L’album s’ouvre en mode survie avec « Imminent Spirit Arrival », qui commence par un bourdonnement grave et pulsé qui se transforme en un break-beat classique des années 90.

Toutes les huit mesures, une voix dira « Come on »  et « go », convoquant les auditeurs sur la piste de danse. « Move Your Bod »y, qui suit, fait monter le tempo avec une batterie implacable et la phrase de titre est répétée à l’infini, même après qu’une ligne de basse doublée ait fait les trois quarts du chemin.

Cependant, tous les morceaux ne ressemblent pas à des tubes de club. « Deep Connections » a une qualité douce et éthérée créée par des arpèges de synthèse et des samples de « My Body Is Powerful » apaisant les sons de la nature – cris d’oiseaux et hurlements lointains – sur une gamme pentatonique.

Une question est posée sur cet album : « Can You See Me ? ». Elle est probablement une référence à l’identité de Bouldry-Morrison, d’autant plus que les DJ des clubs sont en grande majorité des hommes cis. Mais ici, la question est d’une rhétorique retentissante, comme si Bouldry-Morrison plantait un pieu dans le sol annonçant qu’elle est là pour rester. Une voix chaude chantant combien elle sait ce que l’on ressent est un message pour les autres transsexuels, leur disant qu’ils ne sont pas seuls et que lorsque des corps marginalisés arrivent sur la piste de danse, on les voit, on les protège et ils importent.

***1/2

 

 


Alice Dodo: « Volgina »

7 décembre 2019

On ne sait rien sur ce patronyme qu’est Alice Dodo si ce n’est qu’elle vient de Russie et que la pochette de son album, Volgina, cultive l’équivoque quant à son genre. La musique, elle, fraie dans l’electronica en y mêlant tous les éléments qui peuvent la constituer. On pourra donc parler de synthwave, d’ambient, de techno et, pour souronner cet éclectiqme, de chill ou vaporwave.

Volgina se cimentera sur une atmopshère qui semble tout droit issue de son origine slave, un romantisme triste et pour le moins mortifère. De quoi renvoyer Mission ou autres Jesus & Mary Chain à leurs chères études avec, cerise sur le gâteau (mets tous deux emposonnés bien sûr) un soupçon de Bauhaus ou Peter Murphy.

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Fink: « Bloom Innocent »

25 novembre 2019

Jamais à court d’inspiration, Fink, alias de Fin Greenall, sort ici son neuvième album, Bloom Innocent. Toujours en quête de la composition electronica parfaite, l’Anglais propose ici cette fois huit titres pour un ensemble d’une durée de cinquante-deux minutes. Un disque ambitieux, comme à l’accoutumée, à l’image de ses prédécesseurs.
Avec sa chanson-titre et premier « single » de l’album, on frisera clairement cette quête ; peut-être même trop. Trop lisse, trop pensé, le morceau, malgré ses nombreuses qualités, ne parvient pas à émouvoir ni même entièrement satisfaire. Il est si bien produit qu’on a l’impression de l’avoir déjà entendu avant. En y réfléchissant, on se rend compte d’avoir déjà entendu la composition electronica parfaite, par exemple sur Sort Of Revolution et Hard Believer.

Fort heureusement, le songwriter n’en reste pas qu’à ces bases conventionnelles, intégrant à sa musique des éléments diversifiés légers, de la soul (« Out Loud ») au folk (« Once You Get A Taste »), en passant par le blues (« I Just Want A Ye »s) et le gospel (le beau final de « We Watch The Stars »). Parmi les huit morceaux de Bloom Innocent, seuls deux d’entre eux tombent tout juste sous les six minutes, à savoir « Once You Get A Taste » et son folk rock saupoudré de nappes synthétiques ainsi que « That’s How I See You Now » et sa synthpop à la rythmique menaçante.


Fink conclut son neuvième album sur deux de ses compositions les plus intimistes, à commencer par « Rocking Chair », aux arrangements sobres et au chant solennel. La réverb, les quelques accords blues ainsi que les chœurs discrets en arrière-plan viendront, à cet égard, apporter à la chanson une ambiance assez unique. « My Love’s Already There « est quant à elle la ballade la plus accomplie du musicien expérimenté, quasi a capella, où les silences sont aussi beaux que la voix de Fink.
Non exempt de défauts, Bloom Innocent est une œuvre complète, fidèle à son auteur dont la démarche artistique semble être de parfaire chaque composition pour en façonner la création la plus pure et efficiente. Il y parvient fortement sur plusieurs titres de ce neuvième disque tout en réussissant à se renouveler et proposer de nouvelles directions, certes minimes, mais dont on aperçoit l’exigence et le savoir-faire au fil des écoutes. Fin Greenall demande notre attention et parvient à l’obtenir lorsqu’il vole vers de nouveaux horizons.

***1/2


Jane Weaver: « Loops In The Secret Society »

9 juillet 2019

Jane Weaver a commencé à faire parler d’elle il y a une dizaine d’années avec son album The Fallen By Watchbird qui avait auguré d’un des parcours féminins et électroniques les plus riches et singuliers de l’ère moderne. La compositrice de Liverpool officie désormais depuis quasiment vingt ans, dans un registre qu’elle recompose et décentre au gré de ses expériences en studio. Jane Weaver est tantôt folk, psychédélique, rock. Elle habite un territoire électro où on a le sentiment souvent d’évoluer dans un futur proche, une succession de bandes son exotiques et passionnantes où affleure toujours une féminité sensuelle et en permanente recherche de vérité.

Loops In The Secret Society est venu d’une série de « lives » que l’artiste a donnés en s’imposant la contrainte de ne pas utiliser de bandes et donc de tout jouer en direct. Le défi est immense quand on connaît un peu sa manière de composer qui consiste à empiler les couches de musique et à assembler une structure monstrueusement compliquée et éphémère, autour d’un squelette ou d’une mélodie à deux doigts. Jane Weaver a profité de ces concerts pour revisiter des morceaux venus de toute sa discographie. C’est cette expérience que prolonge Loops In The Secret Society, un album aussi déroutant que somptueux.

La recomposition des morceaux leur donne une saveur nouvelle. Le ton est spatial à l’entame avec les grandioses « Element » et « Milk Loop ». Mais c’est l’incroyable « Arrows » qui donne le ton et la mesure du dépouillement à l’œuvre. La chanson est ramenée à sa plus simple expression : une voix d’ange, posée sur une pulsation élémentaire. Jane Weaver met un reverb sur sa voix et nous propulse dans une sorte d’outre-monde futuriste, nébuleux et nuageux. On a clairement ici le sentiment d’évoluer en apesanteur. Jane Weaver expérimente au point d’effrayer.

On pensera à Can et aux grands expérimentateurs. Le krautrock cotoye le spacerock mais aussi la synthpop (« Did you see Butterflies ») sans aucune trace d’effort. Avec ses 22 titres qui alternent les instrumentaux et les passages chantés, mais évoluent aussi dans des genres très différents, Loops in the Secret Society est un album roboratif mais aussi étonnamment homogène. « Mission Desire » fait office de tube à la Kraftwerk et fait le grand écart avec le quasi gothique et sépulcral « Found Birds ». La balade est prodigieuse et hypnotique. Il y a dans cette électro une vie propre, des parfums naturels (Majic Milk, par exemple, qui est à tomber) et biologiques qui émeuvent et transforment ce qui est d’essence technologique en un monument de sensibilité organique. Jane Weaver continue après quasiment deux décennies de musique à surprendre et à fasciner par sa capacité à animer des structures électroniques qui relèvent à la fois de la pop et de la musique classique. On marche dans les pas de Debussy, en même temps qu’on entend les machines qui respirent et discutent entre elles.

La musique de Jane Weaver s’adresse autant à ses fans de longue date qu’à ceux et surtout celles qui veulent découvrir une nouvelle facette des musiques électro, féminine et habitée. La musique de Jane Weaver donne parfois l’impression d’une culture scientifique, comme si on avait prélevé quelques cellules d’une partie de son corps et qu’on avait laissé le soin à des machines d’en assurer la croissance et l’éducation. La femme électronique. L’enfant louve, nourrie par des synthétiseurs. C’est d’une beauté sidérante et d’un charme troublant.

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