Weyes Blood: « And In The Darkness, Hearts Aglow »

17 novembre 2022

Si c’est un affront de considérer l’album Titanic Rising de Weyes Blood (aka Natalie Mering) en 2019 comme un simple travail en cours comparé à ce qu’elle a accompli sur And In The Darkness, Hearts Aglow, alors qu’il en soit ainsi. Malgré la majesté de ce premier album, le dernier de Mering, avec le producteur Jonathan Rado de retour à ses côtés, est immédiatement reconnaissable comme étant plus riche, plus grand et avec un budget plus important que son précédent album. Au risque d’exagérer l’évidence, c’est comme si on comparait la série télévisée The Land of The Lost à Jurassic Park pour les dinosaures les plus réalistes. Rétrospectivement, c’est la voix de Mering qui a piloté le navire Titanic Rising et ici, une myriade de contributeurs musicaux sont enfin capables de la rencontrer de front.  

Resplendissants de cordes, de cornes, d’orgues, de synthétiseurs et autres, les cinq premiers morceaux de l’album sont un cours magistral de perfection pop. Le morceau d’ouverture, « It’s Not Just Me, It’s Everybody », commence assez simplement avec un climat folklorique façon Laurel Canyon des années 70, mais comme pour beaucoup de morceaux de l’album, il se transforme en quelque chose de plus glorieux. Cette dynamique est particulièrement évidente lorsqu’on passe des rythmes slap-back de « Sloop John B », cinq minutes après le début de « Children of the Empire », au début discret du morceau suivant, « Grapevine », qui commence par une mélodie en clé mineure rappelant le type de mélodie que Jeff Tweedy de Wilco invente dans son sommeil. Mais « Grapevine » se transforme en quelque chose de plus audacieux et de plus swing que ses humbles débuts, alors qu’il se promène le long d’une côte californienne révolue où « ils ont James Dean ». 

« Grapevine » cède la place à une chomposition qui, par son titre et son exécution, semble improbable, mais Mering y parvient avec aplomb. « God Turn Me Into a Flower » ressemble à un plaidoyer sincère chanté par un chœur de moines extraterrestres, comme l’a fait remarquer un passant dans le salon d’écoute. Les voix vraisemblablement terrestres appartiennent à Mering et à l’invité Ben Babbitt, sur fond d’une houle de cordes et de synthés superposés aux mains de Mering et de Oneohtrix Point Never (Daniel Lopatin) qui portent la mélodie à des sommets toujours plus élevés jusqu’à ce qu’elle se brise en chant d’oiseau. La tension de la chanson devait être rompue d’une manière ou d’une autre, et le fait de confier quelque chose d’aussi grandiose à la plus humble des créatures témoigne de l’abondance de créativité dont témoigne l’album.

Mais si vous pensez que le meilleur de And In The Darkness, Hearts Aglow est déjà derrière, le titre qui fait référence à « Hearts Aglow » est le moment le plus marquant de l’album. Un nombre impressionnant d’invités apparaissent ici au sein d’un ensemble de quatorze musiciens – Meg Duffy de Hand Habits à la guitare, Mary Lattimore à la harpe, les enfants de The Lemon Twigs à la batterie et à l’orgue, et Rado à la basse. Hearts Aglow semble tout droit sorti d’un prélude d’entracte d’une comédie musicale de Broadway. Le type de marche tonitruante d’une chanson qui favorise les révolutions, françaises ou autres, ou les chants collectifs en claquant des doigts pendant que l’on fait la queue au stand de vente.

Bien que « Hearts Aglow » puisse constituer la pièce maîtresse de l’album, un peu comme les films de Titanic, il y a d’autres récompenses au-delà du bref interlude instrumental qui suit. Twin Flame est une chanson plus dépouillée que celle qui la précède, mais sa base plus électronique associée au joli falsetto de Mering est néanmoins saisissante. Le folky « The Worst Is Done » est aussi simple et désarmant que sa première phrase : « Ça a été une année longue et étrange » (It’s been a long, strange year). Et la dernière chanson, « A Given Thing », est un morceau de piano et de voix solo qui n’a rien à envier à aucun des ancêtres de Mering.

Dans une note adressée à ses fans, Mering a décrit And In The Darkness, Hearts Aglow comme le centre d’une trilogie d’albums. Un album qui s’attaque au fait d’être « dans le feu de l’action ». La plupart des auditeurs se soucient peu de savoir si les thèmes de l’album sont évidents lorsqu’ils sont impressionnés par les sons qui les entourent. Mering a concocté un successeur à Titanic Rising sur lequel tout parieur digne de ce nom aurait sans doute misé. Le fait que la vocaliste ait surpassé son propre chef-d’œuvre est sa propre récompense, une récompense dont nous ne sommes sans doute pas dignes. Il ne faut pas oser penser à ce qui pourrait arriver ensuite, mais laisser ce disque s’imprégner complètement et,  de ce fait, nous imprégner

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First Aid Kit: « Palomino »

5 novembre 2022

La reproduction est tout, et pour First Aid Kit,cette nouvelle sortie, Palomino, n’est que la dernière étape du processus. Lorsque vos parents sont fans de Patti Smith, du Velvet Underground et des Pixies, vous savez que vous avez la musique dans le sang, même si vos propres goûts vont plutôt vers Devendra Banhart et CocoRosie. Pour Johanna et Klara Söderberg, la chance a fait partie de l’équation, tout comme le travail acharné dès le plus jeune âge. Par chance, leur frère a fréquenté le même jardin d’enfants que la fille de Karin Dreijer de The Knife et Fever Ray. Très vite, les deux jeunes femmes ont été signées sur le label de The Knife et leur premier EP est sorti en 2008. Produit par le père des Söderberg, Drunken Trees est une collection de chansons enregistrées sur leur page MySpace.

Leur chance a continué à tourner avec l’attention de Robin Pecknold de Fleet Foxes, Conor Oberst qui les a rencontrés après un concert des Monsters of Folk à Stockholm, Mike Mogis (qui a proposé de produire leur prochain album) après les avoir vus dans une pré-fête d’Austin City Limits en octobre 2010. Après un concert à Nashville, Jack White les a emmenés dans son studio Third Man où ils ont enregistré « Universal Soldier » de Buffy St. Marie et « It Hurts Me Too » de Mel London et Tampa Red. En 2011, ils avaient ému Patti Smith aux larmes avec leur version de « Dancing Barefoot » lors du gala du Polar Music Prize à Stockholm que Smith a remporté. En 2012, elles avaient enregistré leur deuxième album, The Lion’s Roar, produit par Mogis, ainsi que le tendre single, « Emmylou ». Pas mal pour deux femmes qui n’avaient que 19 et 22 ans.

Sur Palomino, les Söderbergs jouent un jeu délicat, essayant de rester fidèles à leurs racines « country » suédoises tout en s’aventurant dans des directions beaucoup plus rock que tout ce qui a été fait auparavant. Ils ont bien appris leurs leçons, enregistrant en Suède et s’appuyant sur Daniel Bengtson pour apporter les touches de production dont ils avaient besoin. Bien que toutes les influences mentionnées ne se retrouvent pas sur Palomino, c’est un mélange intriguant d’ancien et de nouveau, de Fleetwood Mac, Carole King, Tom Petty, T. Rex et Elton John à des créateurs plus modernes comme Angel Olsen, Whitney et Big Thief.

La batterie qui ouvre la voie sur « Out of my Head » montre qu’il ne s’agit pas du simple petit groupe de country de la dernière décennie. Comme ils l’ont fait tout au long de leur carrière, ils marchent à leur propre rythme et, après cinq années passées loin des feux de la rampe, ils sont prêts à se déchaîner. Pourtant, il y a des questions à résoudre en cours de route. « Back in time, oh I go wanderin’/ Through the rooms of my mind/ Every door that I’ve been closedin’/ All the people that I have let down » (Retourner dans le temps, oh je vais errer / A travers les pièces de mon esprit / Toutes les portes que j’ai fermées / Toutes les personnes que j’ai laissé tomber). Elles se demandent si elles ne manquent pas de temps, ce qui est intéressant pour deux chanteuses encore si jeunes.

Ayant développé un don pour créer de grands arrangements, comme les cuivres qui conduisent « Angel » dans des espaces où ils ne sont jamais allés auparavant. Il n’est pas surprenant qu’ils aient eu à faire face à leur succès d’une manière qui suggère qu’ils ne méritent peut-être pas vraiment tout ce qu’ils ont accompli. « “I’ve been afraid all of my life/ Crippled with anxiety, shame and doubt/ And sometimes sometimes I’d like to shout/ At the top of my lungs and just let it out » (J’ai eu peur toute ma vie/ Paralysée par l’anxiété, la honte et le doute/ Et parfois, j’aimerais crier/ A pleins poumons et tout laisser sortir). Quand elles chantent comment la peur les a retenus, on commence à réaliser que les luttes font partie de la vie. Mais First Aid Kit arrive à gérer ses angoisses en écoutant des cuivres qui créent quelque chose d’un peu plus majestueux que ce que la personne habituelle pourrait entendre.

L’un des thèmes qui traverse Palomino est le sentiment d’être prêt à courir, impatient de voir ce qui se trouve juste derrière l’horizon. « A Feeling That Never Came » met en lumière ce sentiment tandis que les Söderbergs combinent un peu de T. Rex avec les cuivres de Memphis. Ils ne chantent pas en souhaitant ce qui était, mais plutôt en regardant ce qui vient après. Ils chantent : « On s’est fait virer du bar et on est partis vers l’ouest/ Je t’aimais, mais j’ai mis tout ça de côté/ Je suis restée au coin de la rue, solennelle sous la pluie/ J’attendais quelque chose, un sentiment qui n’est jamais venu » (Got kicked out of the bar and we headed west/ I loved you, I did, but I’ve put that all to rest/ Stood at the corner, solemn in the rain/ Waiting for something, a feeling that never came). Alors, elles passent à ce qui vient ensuite. Au fil du temps, First Aid Kit pourra se souvenir de ce moment et savoir qu’elles ont fait un choix judicieux.

***1/2

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Skullcrusher: « Quiet the Room »

21 octobre 2022

La première chose à considérer à propos de Skullcrusher est son paradoxe apparent. Dirigé par l’auteure-compositrice-interprète Helen Ballentine et son collaborateur Noah Weinman, le projet folk-meets-ambient ne fait pas nécessairement penser à une situation menaçante ou dangereuse si l’on se fie uniquement à son nom particulier. Cela dit, les textures obsédantes qui imprègnent ses chansons élégantes et luxuriantes ont quelque chose d’intrinsèquement angoissant. Guidée par un simple strumming plutôt que par un fingerpicking complexe, la majeure partie de Quiet the Room sert de lieu de contemplation, d’identité personnelle et de beauté. Elle se trouve dans une position curieuse par rapport aux auteurs-compositeurs-interprètes d’aujourd’hui, car elle est moins portée par l’indie-rock confessionnel, mais elle n’est pas non plus liée au psych-folk des années 70 qu’elle imite parfois.

Un fond calme de sifflements entoure l’ambiance spacieuse de Ballentine, comme une extension naturelle de son environnement. Un thème qui se retrouve tout au long de l’album commence dès le début de Quiet the Room, alors qu’elle se demande si les non-dits peuvent être source de confusion ou de répression émotionnelle. Il y a aussi une qualité spectrale qui ne permet pas vraiment de savoir si elle parle des vivants ou d’un être spirituel, même si l’imagerie rurale de « Building a Swing » nous fait croire qu’elle pense au passé. L’utilisation d’un piano clairsemé et de cordes douces confère un effet apaisant à ce qui ressemble à des films familiaux regardés dans un état de rêve.

Ballentine explore également des scènes de sa jeunesse avec des détails saisissants, ajoutant des touches de réalisme magique pour donner une image plus complète de son monde intérieur. Elle rayonne positivement sur « Pass Through Me », l’un des moments les plus optimistes de l’album, curieusement réconfortée par une douce apparition qui veille sur sa fenêtre. « Outside, Playing » évoque également la douce innocence de Sufjan Stevens à l’époque de Seven Swans, un instrumental guidé par un banjo qui évoque parfaitement l’image de son titre, malgré ses sous-entendus inquiétants. Et alors qu’il insinue subtilement, une fréquence déformée vient brusquement perturber ce souvenir jovial. Les petites touches, des enregistrements audio de sa jeunesse aux balançoires et aux fenêtres qui grincent, éclairent davantage ses abstractions imaginaires.

De même, Ballentine module sa gamme vocale pour s’adapter à l’ambiance langoureuse. Elle s’en tient souvent à un frémissement chuchoté, quelle que soit sa portée, comme sur le bouleversant. « Lullaby in February, » qui joue un accord minimal sur un terrain glacé avant de se transformer en une pulsation sombre et caverneuse. Alors que sur le morceau-titre légèrement renommé, elle n’a pas encore trouvé de solution, bien que la clarté surprenante de sa voix implique qu’elle a trouvé une certaine perspective pour accompagner sa détresse. Il révèle une nouvelle facette de Ballentine, qui, d’un point de vue musical également, ressemble au jour et à la nuit si l’on considère les tons plus terreux de son premier EP éponyme.

Tout aussi transcendant et ancré dans la réalité, Ballentine nous rappelle la douleur et la merveille de retrouver une jeunesse perdue. S’il y a une chose qui freine le magnifique morceau d’ambiance de Ballentine, c’est le fait que Ballentine n’a pas encore développé sa propre identité musicale. Après avoir passé un certain temps avec lui, l’utilisation massive de textures ambiantes confère une préciosité globale qui détourne le centre émotionnel de l’album. Malgré ces défauts, Quiet the Room est un ajout digne de ce nom, comparable à The Magic Place de Julianna Barwick et We Walked in Song de The Innocence Mission, des rêveries folkloriques de chambre tellement ancrées dans leur propre petit monde qu’on peut pratiquement y vivre.

***1/2

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Field Medic: « grow your hair long if you’re wanting to see something that you can change »

21 octobre 2022

Le titre très long du nouvel album de Field Medic – grow your hair long if you’re wanting to see something that you can change – est une façon détournée de décrire l’impuissance que l’artiste ressent dans sa vie. C’est ce personnage mou et défait qui est mis en avant à travers les neuf titres de l’album – mais il le fait d’une manière si honnête, humoristique et mélodieuse que nous y résonnons, même si nous traversons une période positive dans nos propres vies.

Field Medic, de son vrai nom Kevin Patrick Sullivan, ne prend pas de temps pour révéler son nihilisme sur l’album, commençant l’ouverture « Always Emptiness » par la ligne : « Je veux tomber de la surface de la Terre et probablement mourir » I wanna fall off the face of the Earth and probably die). C’est une introduction sans compromis, mais quiconque a souffert d’épisodes de dépression débilitante s’identifiera immédiatement à ce besoin. Ils devraient également reconnaître l’insertion du mot « probablement » ; il n’est pas certain qu’il va mourir. Sullivan peut agir comme s’il n’avait plus aucune envie de vivre, mais il y a presque toujours une petite étincelle de résistance au fond du puits, une braise qui ne s’éteint pas – une envie de continuer malgré le poids de tout. Même dans ses humeurs les plus noires, Sullivan a toujours cette petite flamme d’espoir, et c’est l’ingrédient clé qui fait que ses chansons ne sont pas simplement des signes avant-coureurs de malheur personnel.

Sullivan a beau affirmer que sa zone d’influence ne dépasse pas la racine de ses cheveux, cela signifie qu’il a le pouvoir sur les parties les plus importantes de son existence : son esprit, son corps et son âme. Et il a déjà prouvé qu’il avait cette force en lui, en se débarrassant de ses addictions et en restant sobre. Cependant, si ces substances ne pénètrent plus littéralement dans son corps, il ne peut empêcher leur tentation d’entrer dans ses pensées, et c’est une source d’inspiration constante pour faire pousser ses cheveux longs.

D’une certaine manière, Sullivan a de la chance d’avoir un exutoire comme la musique pour canaliser ses envies débilitantes – et il l’utilise au maximum ici. Il crée plusieurs chansons qui détournent ses humeurs dépressives avec des arrangements et une production optimistes, créant ainsi des pépites alt-pop intrigantes. « Les week-ends sont la partie la plus difficile » (Weekends are the hardest part”), confie-t-il sur le morceau « Weekends », aux accents country, où il se lamente sur ces jours où il n’a personne à voir et rien à faire à part fumer des cigarettes et se vautrer. La dynamique « I Had A Dream That You Died » est inondée de synthés superposés à une boîte à rythmes percutante, et la chanson se révèle être un message de son subconscient lui demandant de continuer et de ne pas abandonner. En cours de route, il parvient à se comparer à un animal de compagnie chia et à confesser des idées suicidaires en l’espace de quelques lignes, reflétant parfaitement son état d’esprit idiosyncrasique.

Le rêveur country planant « i think about you all the time » est effectivement une chanson d’amour pure et simple – mais elle est écrite de Sullivan à l’alcool. Cela dit, cela n’enlève rien à la beauté de la chanson, qui contient des images comme « you tumble like an acrobat through my dreams at night » (tu dégringoles comme un acrobate dans mes rêves la nuit) et « when I hear your voice in whisper / it feels to me like leisure » (quand j’entends ta voix en chuchotant / j’ai l’impression d’avoir du loisir), et comme il ne mentionne pas explicitement l’alcool dans le morceau, il fonctionne parfaitement comme une dévotion, prête à être mise sur une mixtape pour votre béguin.

Cependant, si vous êtes comme moi et que vous voulez vous pencher sur la tristesse, ce sont les chansons où Sullivan laisse la morosité régner qui résonnent le plus fort. La seconde moitié de grow your hair long est remplie de ces morceaux ; on dirait que c’est un choix de diviser le disque en deux parties, la première avec les chansons optimistes et la seconde avec les chansons purement déprimantes. Certains pourraient remettre en question ce choix d’enchaînement, mais un épisode de dépression est difficile à surmonter, et l’enchaînement des morceaux les plus lourds imite cet état de plomb. 

Le déchirant « house arrest » est orné d’une guitare acoustique dorée et de tonalités électroniques bouillonnantes, créant une atmosphère de berceuse pour que Sullivan puisse s’apaiser, essayer d’accepter qu’il ne peut pas effacer ses erreurs passées et que tout ce qu’il peut faire est de rester fort et d’espérer des lendemains qui chantent. Dans « miracle/marigold », Sullivan se trouve entraîné dans une « situation terrible et hystérique » dont seul un miracle peut le sortir. Il ne précise pas les circonstances, mais le poids de son fardeau est transmis par la pédale d’acier larmoyante, sa voix et l’aveu que « Vous savez que c’est mauvais / Quand vous ne croyez pas vraiment en Dieu / Mais chaque nuit vous fermez les yeux et priez » (You know that it’s bad / When you don’t really believe in god / But evеry night you close your eyes and pray).

Loin de la fin heureuse que Sullivan mérite sûrement, le morceau de clôture « i had my fun/back to the start » le voit évaluer honnêtement sa situation : « I had my fun til my fun turned into humiliation and a suicide scare » (Je me suis amusé jusqu’à ce que mon plaisir se transforme en humiliation et en peur du suicide.), ne trouvant aucune résolution mais « long to go back to the start ». Ce n’est peut-être pas une fin satisfaisante, mais le simple fait que Sullivan puisse maintenant accepter tout le mal qu’il s’est fait à lui-même et aux autres – et l’avouer au monde par la chanson – est un progrès.

Enregistrer et sortir un album comme celui-ci est un acte de bravoure et d’acceptation de soi, et il aidera, je l’espère, d’autres personnes à atteindre cet espace aussi. De plus, ce n’est pas la destination, ce n’est qu’un tremplin pour Sullivan et d’autres qui se sentent comme lui – l’avenir offre encore beaucoup de possibilités.

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Anna Erhard: « Campsite »

9 septembre 2022

Anna Erhard avait manifestement déjà le goût de la vie simple lorsqu’elle faisait de la musique de rue en Suisse avec son groupe Serafyn. Le deuxième album solo d’Erhard après son déménagement de Bâle à Berlin ne fait pas que s’appeller Campsite, il consacre également plusieurs chansons aux joies et aux peines de l’extérieur. « I used to have a good time at the campsite / I was the leader ’cause I had the most mosquito bites » (J’avais l’habitude de m’amuser au camping / J’étais la cheffe parce que j’avais le plus de piqûres de moustiques), chante Erhard dans le morceau-titre, accompagné d’un synthé qui couine et bleepe de la plus belle des manières.

En effet, il ne faut pas s’imaginer le trip en plein air d’Erhard trop tricoté à la main et folk, mais plutôt bien varié comme une randonnée à travers monts et vallées : avec son producteur éprouvé Pola Roy, Erhard concocte des hits au sneaking décontracté comme « Horoscope » ou « 90° », qui répandent toutefois plus de style urbain que de romantisme de feu de camp.

Celui-ci s’installe plutôt dans les chansons à la guitare comme « Family Time » ou « Three Tons Of Steel », tandis que « I Wish » sonne aussi décontracté et enlevé qu’une chanson de surf de Jack Johnson. Dans chaque morceau, on trouve de petits moments de surprise, des voix spooky qui semblent venir de partout comme des moustiques, ou la guitare commémorative de Dinosaur Jr. dans « Idiots ». Un bon disque, pas et pas uniquement pour les joies du plein air.

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Stella Donnelly: « Flood »

25 août 2022

Des cornes, des pianos et des synthés, mazette. Ce n’est pas que tous ces instruments étaient complètement absents du premier album de Stella Donnelly (Beware of the Dogs), mais le fait de mettre en avant une variété de sons rend l’ensemble plus attrayant sur son deuxième effort. Donnelly passe également d’un langage plus large à une approche plus poétique et plus nuancée. Le morceau d’ouverture, « Lungs », témoigne de l’étendue des améliorations apportées par Flood. Avec un battement de tambour tonitruant et des synthétiseurs qui se croisent, un soupçon de piano donne à la chanson une touche de douceur qui dément la colère de l’enfance dirigée contre le propriétaire de sa famille.

« Lungs » cède la place à la poussée béate de la pop partiellement parlée de « How Was Your Day », qui témoigne de la manière dont ses secrets les plus profonds et ses moments les plus hymnes deviennent les meilleurs de l’album. La ballade dépouillée au piano de « Underwater » offre un paysage totalement dévastateur pour l’enterrement d’une relation abusive. Les paroles répétées, « I take on your anger and hurt, Oh mama it’s getting worse » (Je prends ta colère et ta douleur, Oh maman, ça devient pire), montrent Donnelly à son état le plus brut.

Mais la dernière chanson, « Cold », qui porte un titre approprié, donne froid dans le dos car Donnelly est déterminée à surmonter tout cela. Donnelly martèle littéralement la chanson sur les touches tout en déclarant son indépendance : « Afraid of those you can’t control, I might just float right through your walls »(Peur de ceux qu’on ne peut pas contrôler, je pourrais passer à travers vos murs) avant de conclure dans une affirmation criée : « You are not, big enough, for my love » (Tu n’es pas assez grande pour mon amour). « Cold » aura la même portée cinématographique que « Tonight the Streets are Ours » de Richard Hawley, mais comme une déclaration d’individualité plutôt que de solidarité. 

Ailleurs, des accroches subtiles élèvent les compositions de Donnelly à un niveau supérieur. Les loops inversés de « Restricted Account » cèdent la place au riff discret de Julia Wallace au fluegelhorn, tandis que l’accroche de la batterie et de la basse sur le punchy « Move Me » rappelle la pop parfaite d’Alvvays. La capacité de Donnelly à sortir une ligne aussi verbeuse que « When I say you look like Uma Thurman / when she was in Mad Dog and Glory » (Quand je dis que tu ressembles à Uma Thurman / quand elle jouait dans Mad Dog et Glory) fait sourire. L’album comporte quelques moments plus lugubres dans Medals et Oh My My My qui passent à peine inaperçus. Mais dans l’ensemble, Flood est un bond en avant musical et lyrique qui offre une multitude de récompenses. Le fait qu’il se termine par la composition la plus forte de Donnelly à ce jour est une véritable cerise sur le gâteau.

***1/2

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Florist: « Florist »

9 août 2022

Après l’album solo de 2019, Emily Alone, la leader de Florist Emily Sprague a invité son groupe à la rejoindre pour une exploration d’un mois de sons – à la fois créés et capturés. Enregistré en direct sur bande lors de sessions qui ont souvent eu lieu sous le porche d’une maison dans la vallée de l’Hudson, l’album éponyme de près d’une heure capture des prises impromptues ainsi que des sons mélangés à partir des bois qui les entourent. Enregistré au cours de l’été 2019, l’album alterne entre de brefs instrumentaux et des chansons de plus longue forme avec des voix. C’est comme si quelqu’un avait pris les albums de chansons et d’instrumentaux séparés d’Adrianne Lenker enregistrés plus tard et leur avait donné quelques bons coups de feu.

L’album de 19 titres se déroule comme des objets tirés et étudiés d’un coffre déterré, enterré au fond des bois. La trépidation initiale qui découle de l’ouverture instrumentale frémissante, « June 9th Nighttime », cède finalement la place à la merveille du lever du jour de « Red Bird Pt. 2 (Morning) ». Dans cette chanson, Sprague réfléchit aux vies laissées derrière elle par la mort de sa mère, mais d’un point de vue d’acceptation paisible qui permet à Sprague et à son père d’aller de l’avant. Un album d’une grande douceur qui doit être pris dans son ensemble, des titres comme « Duet for Guitar and Rain » ou « Bells Pt.’s 1, 2, and 3 » sont des transitions tendres entre les observations lucides de Sprague.

Apparaissant dans la seconde moitié de l’album, « Sci-Fi Silence » constitue le moment le plus étonnant de Florist. La phrase titre elle-même évoque une image sonore, mais le mélange de notes de synthétiseur au son lointain, associé aux passages vocaux les plus dépouillés de Sprague dans la première moitié de la chanson, est la beauté personnifiée en chanson. Évoluant au fur et à mesure, la fin de la chanson montre que Sprague se languit de l’amour perdu, mais aussi qu’il se réjouit de vivre la même chose. Alors que de rares arcs de passages plus passionnés, comme les arcs de la guitare électrique sur « 43 » ou le coup de pied retardé de la batterie sur d’autres morceaux, embrassent un sentiment de s’attaquer à tout ce que la vie peut apporter. « Je sais que je suis forte », chante Sprague à plusieurs reprises sur le très harmonisé « Organ’s Drone », trouvant une force tranquille dans les chansons chantées ensemble et l’énergie innée dérivée de la création de quelque chose de précieux. Florist capture délicatement l’endroit et le moment où il est né, puis le libère des mains de Sprague comme quelque chose à contempler qui est de le nature d’une merveille.

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Pan American: « The Patience Fader »

26 Mai 2022

Le jeu de guitare de Mark Nelson est l’un des sons les plus distinctifs de la musique ambiante depuis près de 30 ans. Ses mélodies sont claires et épurées, les notes individuelles étant espacées comme les étoiles d’une constellation. L’utilisation généreuse de la réverbération peut faire penser à la guitare surf, aux bandes sonores de westerns spaghetti et à d’autres sons cinématographiques, mais la musique de Nelson ressemble davantage à un long et très lent film d’art, avec une impression générale de calme étrange et humide. Le titre de son nouvel album, The Patience Fader, peut sembler être une blague d’autodérision, mais il s’agit en fait d’un de ses albums les plus agréables, même s’il est un peu moins aventureux que la plupart des disques de son projet Pan-American. Plutôt que d’incorporer de nouveaux éléments dans son son, The Patience Fader enlève quelques couches. Tout d’abord, Nelson ne chante pas du tout ici. Ce n’est pas une évolution malvenue, car sa poésie croassée peut parfois couper l’atmosphère de sa musique. Mais The Patience Fader se passe aussi presque entièrement d’électronique, la touche technologique la plus évidente étant l’écho dubby de l’interlude « Corniel ». Une grande partie de la musique la plus intéressante de Nelson est influencée par le dialogue entre la guitare et l’électronique douce, et un peu de bruit numérique peut faire la différence entre une atmosphère séduisante et une véritable puissance émotionnelle.

Cette palette limitée crée une autre difficulté : c’est le premier album panaméricain qui donne l’impression d’écouter de la musique folk américaine, une tradition qui tend également à rejeter l’encombrement et la complexité en faveur de la vérité simple que l’on est censé trouver dans des instruments sans fioritures. La pedal steel guitar est très présente, et lorsqu’elle intervient pour commenter presque chaque changement d’accord de « Harmony Conversion », elle touche le même point sensible que lorsqu’elle apparaît dans la musique country. Le jeu de Nelson est un peu plus lâche et bluesy que sa précision austère habituelle, avec plus de slides et de notes bleues. Tout cela signifie que The Patience Fader est accompagné d’un plus grand nombre d’images toutes faites que ses meilleures œuvres, mais Nelson semble toujours allergique à tout ce qui pourrait associer sa musique à une esthétique particulière. Cela est particulièrement évident dans son traitement de l’harmonica, un instrument pratiquement synonyme de traditions folkloriques américaines et rarement présent dans la musique électronique ambiante. Sur « Corniel », « Wooster, Ohio » et « Grounded », Nelson le traite plutôt comme un mélodica dub, filtrant chaque couche à travers une gaine d’écho. C’est un hommage à son bon goût qu’il ait résisté à la tentation de hurler sur l’harmonica et d’évoquer des images de cowpokes, de cactus et de saloons pour accompagner ces guitares en acier et ces virages blues. Mais c’est ce même sens du bon goût qui définit The Patience Fader, au lieu de la puissance obsédante portée par les meilleures teuvres de Nelson.

***1/2

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The Weather Station: « How Is It That I Should Look At The Stars »

16 avril 2022

Un an après la sortie de leur album Ignorance, acclamé par la critique, The Weather Station est de retour avec How Is It That I Should Look At The Stars. Les fans d’Ignorance seront heureux d’apprendre que ce nouvel album est un compagnon du précédent ; en effet, non seulement les chansons ont été écrites en même temps, mais elles sont également liées thématiquement. Ce qui était au départ une liste de ballades pour Tamara Lindeman, trop douces pour Ignorance, s’est transformé en une œuvre à part entière.

Ce que les fans de The Weather Station trouveront sur How Is It That I Should Look At The Stars est une collection de ballades profondément touchantes, souvent accompagnées de piano et du travail vocal dynamique de Lindeman.

Alors que traditionnellement, The Weather Station a été classé dans le genre folk, cet album défie cette notion. Ce sont des ballades indie-pop qui vous touchent en plein cœur. Il est impossible d’écouter cet album sans ressentir quelque chose.

Enregistré en direct sur trois jours seulement, Lindeman et son groupe ont dû se concentrer totalement sur ces sessions. Lindeman tisse sans effort des fils thématiques sur l’amour, la perte et la crise climatique, et ça fait du bien. Avec ce nouvel opus, Lindeman a essayé de faire un disque vulnérable. Sur ce disque, via le communiqué de presse, elle déclare : « Pour comprendre où nous en sommes aujourd’hui, il faut se confronter directement à la fragilité… » Tout est mis à nu sur ce disque, sans aucune honte, c’est brutalement honnête et ouvert dans son message.

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Publié par rockdecibels

String Machine: « Hallelujah Hell Yeah »

19 mars 2022

Il y a un sentiment de poussée et d’attraction dans les chansons de Hallelujah Hell Yeah ; à la fois le désir d’embrasser le monde et d’y prendre part et le désir d’embrasser la solitude et de se retirer de la société, pour ne plus jamais en entendre parler. Ce sentiment de contradiction se retrouve dans le style unique d’indie folk de String Machine, qui est à la fois ancré dans la tradition et expérimental et décalé, ajoutant des touches de clavier, des cuivres, des cordes et parfois des touches électroniques à la guitare acoustique et aux harmonies vocales qui sont au cœur des chansons. 

Le groupe de sept membres se penche sur ce conflit dès le début avec « Places to Hide », un morceau incroyablement accrocheur qui souligne le son énorme avec lequel String Machine travaille ici, et qui comporte également un break de trompette soul qui ne manquera pas d’attirer votre attention. Le sentiment d’anxiété et d’être coincé entre deux pôles apparaît dans la façon dont la ligne « I wanna hide forever with my jaw scotched shut / paper cuts on my jotting hand » ( e veux me cacher pour toujours avec ma mâchoire fermée / des coupures de papier sur ma main qui écrit) est suivie par le refrain final de « but I can’t pretend / it’s not worth it in the end / to drop all of my plans / and pick up » (mais je ne peux pas prétendre / que ça ne vaut pas la peine au final / de laisser tomber tous mes plans / et de ramasser…). 

« Churn It Anew » poursuit ce sentiment de reconnaître qu’il vaut la peine de ramper hors de l’endroit où l’on s’est retiré pour rejoindre le monde, avec des paroles comme « but the thrill is chased from all these spaces / with sacred stones and the scent of sages / and I just wanna know how it feels to feel it again » (mais l’excitation est chassée de tous ces espaces / avec des pierres sacrées et l’odeur des sages / et je veux juste savoir ce que ça fait de la ressentir à nouveau), ce qui mène à un refrain massif qui ne manquera pas de plaire à la foule en concert. « Gales of Worry » est un peu plus calme, et c’est l’un des morceaux les plus simples de l’indie folk (mais il est toujours parsemé de contre-mélodies et de programmations trippantes). L’indie folk est probablement la meilleure façon générale de décrire la musique de String Machine, mais elle ne rend pas vraiment compte de ce qu’ils font – il y a des moments de punk lourd, des interludes électroniques spatiaux, et un sentiment de non-conventionnalité qui va à l’encontre de l’indie folk grand public qui a eu son heure de gloire. Beaucoup de ces groupes ont fait de la musique qui correspondait à une esthétique particulière, mais qui était finalement fade et ennuyeuse, avec peu de profondeur lyrique.

Hallelujah Hell Yeah est tout sauf fade et ennuyeux, et les paroles de David Beck sont fantastiques, avec la phrase « hands on the helm of aging / I’ve had friends jump ship » (mains sur la barre du vieillissement / J’ai eu des amis qui ont quitté le navire) qui ouvre « Gales of Worry » et vous prépare au refrain mélancolique de « I take another one down / I can’t pick myself up now / so I take another one down / and I pour myself out » (J’en prends un autre, je n’arrive pas à me relever, alors j’en prends un autre, et je m’épanche). 

L’un des aspects les plus impressionnants de ce disque est que, même si les premiers morceaux sont phénoménaux, on pourrait raisonnablement dire que l’album est en fait chargé à l’envers – en particulier avec la série de quatre chansons qui commence par « Eyes Set 4 Good », un morceau entraînant avec des touches et une trompette bondissantes, ainsi qu’un refrain qui est peut-être le meilleur de l’album (mais vraiment, il n’y a pas de ratés Hallelujah Hell Yeah, et chaque refrain est un brûlot absolu). « Dark Morning (Magnetic) » est l’un des morceaux les plus ambitieux de l’album, avec un rythme entraînant, une trompette staccato qui saute et des moments magnifiques au violoncelle. Les paroles évoquent des sentiments d’anxiété et d’incertitude, Beck se demandant « how will I feel today / with where I am getting born again? / My past life breathing on down my neck / I wake up & then I’m sworn in / but I never asked to be with this way / but I am, and I can’t just give up now » (comment vais-je me sentir aujourd’hui / avec l’endroit où je vais renaître ? / Ma vie passée respire sur mon cou / Je me réveille et je suis assermenté / mais je n’ai jamais demandé à être avec cette façon / mais je le suis, et je ne peux pas abandonner maintenant).  Après un pont répété de « I don’t want to let you go », le groupe prend un virage serré à gauche dans une coda punk lourde, marquant le moment le plus hardcore de l’album.

Elle est suivie par la chanson « Touring In January », qui démarre avec une ligne de corne énergique, créant un contraste ensoleillé avec la fin de « Dark Morning (Magnetic) ». C’est un autre morceau remarquable qui met en valeur tous les membres de String Machine et qui, comme l’ensemble de l’album, s’intègre parfaitement dans un contexte de concert. « Soft Tyranny » fait des allers-retours entre une ambiance plus décontractée et une attaque énergique avant de se fondre dans un interlude électronique rêveur et spatial. « Your Turn » n’est composé que de voix et d’une guitare acoustique, ce qui vous oblige à vous concentrer sur les paroles surréalistes de Beck, tandis que le reste du groupe fait lentement sentir sa présence. Le morceau se transforme en un magnifique mélange tourbillonnant de falsetto et d’harmonies, de cordes et de piano qui disparaissent subtilement pour laisser la note finale à l’acoustique. 

Ce qui est vraiment étonnant avec Hallelujah Hell Yeah, c’est l’une des contradictions du disque : il est à la fois extrêmement accessible et quelque peu excentrique. C’est un disque que l’on a l’impression de pouvoir montrer à tous ceux qui aiment la musique, quel que soit le type de musique qu’ils aiment. Pourtant, il ne s’agit pas d’une musique simple et édulcorée destinée à plaire aux masses, et il ne perd rien de son originalité dans son attrait omniprésent. Trouvant son cœur dans ces contradictions, Hallelujah Hell Yeah est un disque beau et rauque qui vous laisse avec un sentiment de joie presque écrasant.

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Publié par rockdecibels

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