First Aid Kit: « Palomino »

5 novembre 2022

La reproduction est tout, et pour First Aid Kit,cette nouvelle sortie, Palomino, n’est que la dernière étape du processus. Lorsque vos parents sont fans de Patti Smith, du Velvet Underground et des Pixies, vous savez que vous avez la musique dans le sang, même si vos propres goûts vont plutôt vers Devendra Banhart et CocoRosie. Pour Johanna et Klara Söderberg, la chance a fait partie de l’équation, tout comme le travail acharné dès le plus jeune âge. Par chance, leur frère a fréquenté le même jardin d’enfants que la fille de Karin Dreijer de The Knife et Fever Ray. Très vite, les deux jeunes femmes ont été signées sur le label de The Knife et leur premier EP est sorti en 2008. Produit par le père des Söderberg, Drunken Trees est une collection de chansons enregistrées sur leur page MySpace.

Leur chance a continué à tourner avec l’attention de Robin Pecknold de Fleet Foxes, Conor Oberst qui les a rencontrés après un concert des Monsters of Folk à Stockholm, Mike Mogis (qui a proposé de produire leur prochain album) après les avoir vus dans une pré-fête d’Austin City Limits en octobre 2010. Après un concert à Nashville, Jack White les a emmenés dans son studio Third Man où ils ont enregistré « Universal Soldier » de Buffy St. Marie et « It Hurts Me Too » de Mel London et Tampa Red. En 2011, ils avaient ému Patti Smith aux larmes avec leur version de « Dancing Barefoot » lors du gala du Polar Music Prize à Stockholm que Smith a remporté. En 2012, elles avaient enregistré leur deuxième album, The Lion’s Roar, produit par Mogis, ainsi que le tendre single, « Emmylou ». Pas mal pour deux femmes qui n’avaient que 19 et 22 ans.

Sur Palomino, les Söderbergs jouent un jeu délicat, essayant de rester fidèles à leurs racines « country » suédoises tout en s’aventurant dans des directions beaucoup plus rock que tout ce qui a été fait auparavant. Ils ont bien appris leurs leçons, enregistrant en Suède et s’appuyant sur Daniel Bengtson pour apporter les touches de production dont ils avaient besoin. Bien que toutes les influences mentionnées ne se retrouvent pas sur Palomino, c’est un mélange intriguant d’ancien et de nouveau, de Fleetwood Mac, Carole King, Tom Petty, T. Rex et Elton John à des créateurs plus modernes comme Angel Olsen, Whitney et Big Thief.

La batterie qui ouvre la voie sur « Out of my Head » montre qu’il ne s’agit pas du simple petit groupe de country de la dernière décennie. Comme ils l’ont fait tout au long de leur carrière, ils marchent à leur propre rythme et, après cinq années passées loin des feux de la rampe, ils sont prêts à se déchaîner. Pourtant, il y a des questions à résoudre en cours de route. « Back in time, oh I go wanderin’/ Through the rooms of my mind/ Every door that I’ve been closedin’/ All the people that I have let down » (Retourner dans le temps, oh je vais errer / A travers les pièces de mon esprit / Toutes les portes que j’ai fermées / Toutes les personnes que j’ai laissé tomber). Elles se demandent si elles ne manquent pas de temps, ce qui est intéressant pour deux chanteuses encore si jeunes.

Ayant développé un don pour créer de grands arrangements, comme les cuivres qui conduisent « Angel » dans des espaces où ils ne sont jamais allés auparavant. Il n’est pas surprenant qu’ils aient eu à faire face à leur succès d’une manière qui suggère qu’ils ne méritent peut-être pas vraiment tout ce qu’ils ont accompli. « “I’ve been afraid all of my life/ Crippled with anxiety, shame and doubt/ And sometimes sometimes I’d like to shout/ At the top of my lungs and just let it out » (J’ai eu peur toute ma vie/ Paralysée par l’anxiété, la honte et le doute/ Et parfois, j’aimerais crier/ A pleins poumons et tout laisser sortir). Quand elles chantent comment la peur les a retenus, on commence à réaliser que les luttes font partie de la vie. Mais First Aid Kit arrive à gérer ses angoisses en écoutant des cuivres qui créent quelque chose d’un peu plus majestueux que ce que la personne habituelle pourrait entendre.

L’un des thèmes qui traverse Palomino est le sentiment d’être prêt à courir, impatient de voir ce qui se trouve juste derrière l’horizon. « A Feeling That Never Came » met en lumière ce sentiment tandis que les Söderbergs combinent un peu de T. Rex avec les cuivres de Memphis. Ils ne chantent pas en souhaitant ce qui était, mais plutôt en regardant ce qui vient après. Ils chantent : « On s’est fait virer du bar et on est partis vers l’ouest/ Je t’aimais, mais j’ai mis tout ça de côté/ Je suis restée au coin de la rue, solennelle sous la pluie/ J’attendais quelque chose, un sentiment qui n’est jamais venu » (Got kicked out of the bar and we headed west/ I loved you, I did, but I’ve put that all to rest/ Stood at the corner, solemn in the rain/ Waiting for something, a feeling that never came). Alors, elles passent à ce qui vient ensuite. Au fil du temps, First Aid Kit pourra se souvenir de ce moment et savoir qu’elles ont fait un choix judicieux.

***1/2

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Publié par rockdecibels

Elvis Costello & The Imposters: « The Boy Named If »

15 janvier 2022

Malgré ses débuts prometteurs en tant qu’incendiaire punk, Elvis Costello a, au cours des dernières décennies, délaissé le rock au profit du piano jazz, des ballades de Tin Pan Alley et de divers autres idiomes pop pour adultes. Même le travail de studio de l’auteur-compositeur-interprète avec les Imposters – essentiellement les Attractions, mais avec Davey Faragher de Cracker à la place de Bruce Thomas, qui n’est plus là – est rarement aussi solide que les concerts du groupe. Mais si The Boy Named If, le 32e album studio de Costello et le quatrième crédité à lui et aux Imposters, est une indication, il a délibérément attendu. Dans ses meilleurs moments, l’album rivalise avec l’énergie fracassante et la verve mélodique de la période classique du chanteur.

Le dernier projet de Costello, Spanish Model, était une réimagination de son album de 1978 This Year’s Model, avec un ensemble d’artistes latins chantant des versions en espagnol des chansons sur les pistes originales. Il semble concevable que le processus d’excavation et de refonte de ses anciens titres ait influencé la façon dont Costello a abordé The Boy Named If. The Imposters jouent ici avec un sens comparable de l’énergie nerveuse – impressionnant étant donné que le groupe a enregistré ses parties séparément dans leurs maisons respectives en raison de la pandémie.

Costello a décrit les chansons de The Boy Named If comme décrivant les derniers jours d’une enfance déboussolée jusqu’à ce moment mortifiant où l’on vous dit d’arrêter d’agir comme un enfant. C’est peut-être ce sentiment d’adolescence fugace qui a fait de Costello le jeune homme en colère, blasé sur le plan romantique, qui a réalisé This Year’s Model et My Aim Is True en 1977.

Sur « Magnificent Hurt », Costello proclame : « Mais la douleur que j’ai ressentie me permet de savoir que je suis en vie et j’ai ouvert mon cœur à ce que tu me fais ressentir » (But the pain that I felt/Lеt me know I’m alive/And I openеd my heart/To the way you make me feel ). C’est un sentiment vulnérable, tragiquement romantique, qui n’a rien à voir avec ce que le Costello d’antan professerait. De même, sur la délicieusement ludique « Penelope Halfpenny », il s’émerveille d’une amourette plus âgée, là où le Costello de la fin des années 70 n’aurait fait que ricaner.

Tout au long de The Boy Named If, Costello souligne ces thèmes de jeunesse avec un mélodisme si vif qu’on pourrait croire qu’il s’est remis à écrire des chansons avec Paul McCartney. La chanson-titre blues-pop, une ode à un ami imaginaire malicieux, se balance de façon tour à tour démente et étourdie, tandis que « The Difference » et « Mistook Me for a Friend » s’enchaînent avec des rythmes radieux.

Avec « What If I Can’t Give You Anything but Love » et « My Most Beautiful Mistake », Costello propose des chansons en roue libre aux accents country, tout en laissant aux Imposters la liberté de créer leur groove nerveux habituel. C’est quelque chose que l’on pourrait rarement dire des incursions plus formelles des Attractions dans le genre pendant leur apogée dans les années 80. Ailleurs, les traits d’orgue de Steve Nieve jouent habilement avec la voix de Costello sur « Magnificent Hurt » et le boogie de « Farewell, OK ».

Après tout cela, la fin de The Boy Named If trouve Costello soudainement de retour en mode crooner avec le swing des chaussures souples de « Trick Out the Truth » et le lunatique « Mr. Crescent ». Les deux morceaux sont tranquillement exquis et permettent de se détendre après les montées d’adrénaline de la première moitié de l’album. Ils soulignent les façons dont The Boy Named If est aussi complet et souvent passionnant que tout ce que Costello a enregistré depuis des années.

***1/2

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Publié par rockdecibels

Bruce Springsteen: « Letter To You »

3 novembre 2020

En plus d’être, la première fois depuis Born in the U.S.A. que Springsteen et le E Street Band ont enregistré en studio, Letter To You est le seul album où c’est tout le groupe qui joue en même temps avec toutes les voix et tout cela complètement en « live ». et, à cet égard,

le 20e album de Springsteen a été « coupé » en quatre jours. Letter To You est très complet et fait référence à des événements qui sont arrivés à Springsteen depuis l’âge de quatorze ans jusqu’à aujourd’hui.

Alors que Springsteen a maintenant 71 ans, Letter To You remonte à loin, rendant hommage à son premier groupe, Castiles, où il a appris son métier et s’est mis en relation avec le public local.  Castiles a donné à Springsteen l’idée de ce que pourrait être le E Street Band – le plus grand « bar room group » du monde. Que ce LP gagne ou non le cœur des fans du Boss, il faut admirerson habileté à écrire 12 chansons couvrant 57 ans d’expérience de vie en seulement dix jours. En outre, ce style d’écriture a permis à Bruce de retracer ses débuts de carrière avec le glockenspiel, les introductions lyriques au piano et les arrangements d’accords d’orgue qui s’enflent. L’approche essentiellement autobiographique de Letter To You a permis à Bruce de séparer sa politique et son activisme.

En ouvrant avec « One Minute You’re Here », l’auditeur reçoit un accueil acoustique musclé et sanguin qui rappellera la « Girl From The North Country » de Dylan. On sent quel’artiste est spirituellement et lyriquement revenu à l’essentiel en chantant, par exemple Red river running along the edge of town on the muddy banks… » (Rivière Rouge longeant le bord de la ville sur les rives boueuses). À partir de ce morceau, Letter To You se fait très rapide, puissant et éthéré. Avec des chansons rock puissantes et dilatées, au milieu d’un cocktail d’accords d’orgue audacieux, de saxophones, d’harmonica avec une batterie brute et de guitares acoustiques et électriques vibrantes.

La diversité des paroles couvre un large éventail de sujets et d’expériences différentes. « Last Man Standing » est dédié à George Theiss qui a invité Sprn,gsteen à jouer dans son premier groupe Castiles et qui, il n’y a pas longtemps, a perdu sa bataille contre le cancer du poumon. La puissance de la relation entre les deux hommes est magnifiquement décrite dans ce qui suit : « En regardant le passé. Images délavées dans un vieil album. Images délavées que quelqu’un a prises. Quand vous étiez jeune et fier, dos au mur, vous couriez bruyamment » (Looking back on past. Faded pictures in an old scrapbook. Faded pictures that somebody took. When you were hard and young and proud back against the wall running raw and loud). « Last Man Standing » s’appuie sans aucun doute sur l’offre de Springsteen en 1980 de The River où Springsteen mentionne le mariage de Theiss avec sa femme Diana à l’âge de 20 ans.

La religion est un élément crucial à travers des chansons comme « The Power of Prayer » qui rend hommage à la voix de Ben E. King et « If I Was the Priest » où il fait référence à Jésus, Marie et la messe. De plus, les références religieuses de Bruce ne se limitent pas au catholicisme ; sur « Rainmaker », Springsteen parle de lever la main sur « Yahweh » : le nom hébreu de Dieu utilisé dans l’Ancien Testament.

On pourrait penser que des paroles telles que « Your old Fender Twin from Johnny’s Music downtown, I shoulder your Les Paul and finger the fretboard » (Ton vieille Fender Twin de Johnny’s Music en ville, j’épaule Les Paul et le doigt le fretboard) figureraient sur la chanson « House Of A Thousand Guitars », ce qui n’est pas le cas ; au contraire, elles figurent sur Ghosts, ce qui maintient l’intérêt et permet à Springsteen de surprendre un public en vingt albums. Le plus poignant est son humilité et son attachement aux terres agricoles fertiles dans « Rainmaker », avec « Des récoltes desséchées qui meurent sous un soleil mort » ( Parched crops dying ‘neath a dead sun) et « Il vient en rampant à travers les champs secs comme un linceul sombre » ( He comes crawlin’ ‘cross the dry fields like a dark shroud) sur « If I were the Priest ».

Si certains membres du E Street Band ne sont plus parmi nous, notamment le saxophoniste Clarence Clemons, son héritage se perpétue avec son neveu Jake Clemons qui l’a remplacé, rendant son oncle et du reste de du E Street Band fier de faire des offrandes magnifiques et contagieuses sur des chansons telles que « Last Man Standing ». La mort est, en effet, un thème récurrent pourPringsteen, il est le dernier membre restant de Castille et, à l’exception de George Theiss, tous les autres membres du groupe de Castille sont morts jeunes.

Alors qu’une grande partie de Letter To You se concentre sur la tristesse, les épreuves et la brutalité que la vie peut infliger à des personnes qui ne méritent pas de telles souffrances. L’inspiration donnée à Springsteen pour écrire ce LP d’une manière qu’il n’avait pas visitée depuis des années provient d’un acte de gentillesse lorsqu’un soir après qu’il a joué dans son spectacle Springsteen on Broadway, un fan lui a offert une guitare « confortable » et « bien adaptée ».

***1/2

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Publié par rockdecibels

Tom Petty: « Wildflowers & All the Rest » (Deluxe Edition)

1 novembre 2020

La première sortie posthume de Tom Petty, An American Treasure, suggérait si fortement que le regretté rockeur atteignait un nouveau niveau de sophistication dans son écriture au moment de sa mort tragique et inattendue. Mais il est juste de dire que Wildflowers en 1994 a été un pas important dans cette même direction et c’est une évaluation juste, même sans entendre ces archives ou sans mesurer à quel point leur surplus de contenu est pleinement révélateur de la combinaison d’inspiration et d’artisanat derrière le projet produit par Rick Rubin. 

Le deuxième album solo de TP ne s’est pas vendu dans les mêmes proportions que son premier, Full Moon Fever, mais il a connu un succès commercial assez important et, depuis sa sortie, le titre a acquis un statut quelque peu sacré, car l’artiste lui-même en avait parlé en termes si révérencieux. Plus tard dans sa vie, Petty a également souvent parlé de jouer l’album en live dans son intégralité avec les Heartbreakers, ainsi que de sortir une édition augmentée basée sur le matériel laissé dans ses archives. Mais en raison de sa disparition soudaine, le premier événement n’a jamais eu lieu (en une seule série de concerts comme il l’avait prévu de toute façon), mais sa famille survivante a fait en sorte que le second devienne réalité.

Si le disque compact n’avait pas été la configuration audio dominante au moment de la sortie de Wildflowers il y a plus d’un quart de siècle, ses soixante minutes et plus auraient été composées d’un double jeu de vinyles. C’est-à-dire, au moins si Tom Petty et Rick Rubin voulaient conserver une qualité audio aussi supérieure que ce son remasterisé (au moins par rapport à certains des CD disponibles du titre) : le mixage de proximité de cette édition de luxe permet à de multiples nuances supplémentaires dans la voix de Petty et les instruments d’accompagnement d’émaner des haut-parleurs ou des écouteurs. Même dans un arrangement aussi épars que celui de la chanson titre, la présence des soniques est une vertu estimable en soi, alors que sur des morceaux moins importants comme « You Don’t Know What It’s Like », cette caractéristique camoufle au moins quelque peu les lacunes des chansons.

Des collections d’archives étendues comme Wildflowers & All The Rest obligent généralement à penser à des listes de pistes alternatives et souvent à de multiples reconfigurations de ce type, surtout dans un cas comme celui-ci : avec un disque d’environ quarante minutes de sorties, les perspectives sont vraiment généreuses. Ajoutez à cela la réalité : l’album tel qu’il a été publié à l’origine a été, sur l’insistance de Warner Records, réduit à ses quinze derniers morceaux, laissant dans la chambre forte les dix numéros de ce deuxième disque de quatre. Pourtant, des morceaux tels que « Confusion Wheel » et « Hung Up and Overdue » prennent une importance encore plus grande, en raison des thèmes profondément introspectifs qui imprègnent la majorité du matériel.

Ce volet du recueil plus vaste précise toutefois que les arrangements peuvent parfois éclipser les compositions : « « Somewhere Under Heaven », par exemple, finit par imiter un peu trop Who’s Next en raison de la densité du son. Par ailleurs, il est révélateur que les morceaux doux-amers comme « Something Could Happen » ne soient pas la proie de cette complaisance, précisément parce que, comme une grande partie de « The Last DJ » de Petty, ils ressemblent davantage à un hommage stylistique et productif judicieux à son grand ami, le regretté George Harrison. « Leave Virginia Alone » évoque le même mélange luxuriant d’instruments, se déplaçant à un rythme tranquille mais affirmé, évoquant un monde à part entière dans la chanson.

Dans une mesure encore plus grande, ces quinze démos et enregistrements maison réaffirment la notion de Petty et Rubin d’une sortie plus expansive. Des morceaux plus discrets de l’ordre de « Only A Broken Heart » et des titres inédits comme « There’s A Break In The Rain (Have Love Will Travel) »sont des morceaux avec « Crawling Back to You ». Si cette qualité homogène est par ailleurs transparente, basée sur le ton du chant de TP, la continuité est encore plus claire grâce à la juxtaposition des deux derniers morceaux. Cette petite touche significative témoigne de la perspicacité que Ryan Ulyate, ingénieur et coproducteur de longue date de Petty, a offerte aux conservateurs de ce set, les filles de Tom, Adria et Annakim, et sa femme Dana, ainsi qu’à Heartbreakers Mike Campbell et Benmont Tench.

Le fait que le redoutable groupe de Tom Petty – le guitariste Campbell, le claviériste Tench, le multi-instrumentiste Scott Thurston, le bassiste Howie Epstein et le batteur Steve Ferrone- se produise souvent lors des sessions de Wildflowers suggère que les prises de concert ne sont pas très différentes de leurs homologues en studio. Mais il est un fait que, même sans improvisation poussée, le jeu de ces quatorze représentations, enregistrées lors de diverses tournées de 1995 à 2017, apporte une nouvelle vie et jette un nouvel éclairage sur ce matériel par ailleurs familier. En outre, « Girl On LSD » apparaît ici à la place de « Only A Broken Heart », devenant ainsi facilement disponible en dehors de son statut autrement très rare en studio (conçu comme une face B unique, il a été jugé trop controversé par la maison de disques).

En plus de varier les setlists avec des titres roots comme « To Find A Friend », la garantie collective découlant du lien entre le leader du groupe et le quintette donne une touche délicate à des morceaux comme « Climb That Hill » et « Hope You Never » : la fragilité des émotions qu’ils contiennent impose une musicalité proportionnellement délicate. De plus, en entendant la voix du leader chanter « Time to Move On », on prend une distance saine supplémentaire par rapport au sujet qui, plutôt que de miner la nature personnelle du matériel, renforce le sentiment évident de fierté et de plaisir que l’auteur prend à jouer ces chansons particulières.

L’écoute de Wildflowers & All The Rest Deluxe Edition peut inévitablement susciter chez les auditeurs la triste pensée que l’ensemble représente une grande ambition laissée insatisfaite avant la mort inattendue de Petty. Néanmoins, que la perception soit basée ou non sur l’un des somptueux formats contenant de multiples essais, des paroles complètes, des images graphiques personnalisées et une série de photos, son existence même fournit un aperçu précieux du processus de création. En fin de compte, c’est le plus durable de tous les ajouts possibles à l’héritage de Petty.

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Publié par rockdecibels