The Marrs Volta: « The Mars Volta »

20 septembre 2022

Cedric Bixler-Zavala et Omar Rodríguez-López ont attendu une décennie. Le septième album (éponyme) du duo montre les paysages sonores complexes qui ont fait leur réputation, désormais habillés et chaussés d’un costume encore plus sophistiqué. The Mars Volta s’inscrit dans la continuité des bouleversements émotionnels et de l’expressivité fulgurante qui ont toujours fait partie du groupe.

Il y a beaucoup de psychédélisme et de riffs de guitare enrobés de sons plaintifs. En fait, il ne serait pas surprenant que Rodríguez-López ait percé un trou dans son pédalier pendant l’enregistrement, étant donné les nombreuses nuances d’effets wah-ing que l’on trouve ici. Mais l’album propose également des morceaux aux couches compliquées, comme  » Blank Condolences « , qui superposent des mélodies contrapuntiques, et même le court et éclatant  » Qué Dios Te Maldiga Mí Corazón « , qui présente des motifs de batterie hispaniques dans une forme de tango rock. Cerulea » est fièrement triste et acceptée. « Enfin, j’ai trouvé mon moment pour m’effondrer » (At last I’ve found my moment to fall apar), chante Bixler-Zavala alors qu’une guitare fulgurante s’élève au-dessus de lui dans un moment crucial pour le groupe.

The Mars Volta s’éloigne du modèle des longs morceaux qui grimpent et qui nous avaient été présentés sur Noctourniquet en 2012, et pourtant, il parvient à ne pas être en deçà de leur chaos coloré tant apprécié. Dans le morceau d’ouverture  » Blacklight Shine « , nous sommes accueillis par des percussions et des guitares aux accents des années 60, avant d’entrer dans  » Graveyard Love « . Cette deuxième piste est alimentée par des basses pulsées et des rythmes lents et gonflés, avec une caisse claire de style militaire. Il dévoile les recoins les plus sombres de cette nouvelle version du duo. En restant volontairement disparate dans un album où aucune chanson ne dépasse les quatre minutes et treize secondes, le disque est aussi bien construit que ses prédécesseurs, mais sait, dans sa maturité, qu’il n’a pas besoin de faire traîner les choses.

Il y a beaucoup de choses à décortiquer ici. The Mars Volta pourrait bien être un de ces albums qui grandissent en vous. C’est un disque qui peut vous faire penser à mille choses à la fois. Mais si vous êtes prêt à vous asseoir et à savourer le goût avant de digérer, vous comprendrez pourquoi il a mis si longtemps à fermenter.

***1/2


Holy Western Parallels: « Holy Western Parallels »

10 septembre 2022

Le premier album éponyme de Holy Western Parallels est l’œuvre de Steve Marek (Monobody), originaire de Chicago, et a été enregistré avec la participation des membres du groupe Monobody, Nnamdi Ogbonnaya, Collin Clauson, Conor Mackey (Lynyn) et Al Costis. Marek a également fait appel aux talents vocaux de Joshua Virtue, Davis Blackwell, NIIKA et V.V. Lightbody. Le travail sur le disque a commencé pendant les premiers mois de la pandémie. Clauson et Ogbonnaya étant les colocataires de Marek, leurs ajouts au disque sont un choix logique, d’autant plus qu’ils étaient tous enfermés ensemble.

Si vous avez passé du temps à écouter Monobody, Holy Western Parallels vous semblera familier. Les chansons sont imprégnées de claviers fluides et de lignes de basse chaudes et énergiques dans lesquelles on peut s’allonger comme dans un fauteuil. Des chompositions comme « Wrong Body » (la première vraie chanson du disque après l’intro) sont agréablement désorientantes dans leur complexité. Dès que Joshua Virtue commence à rapper, il devient évident que cet univers est différent de celui de Monobody. Virtue rappe sur deux chansons.

Sur ces deux-, en effet, il est fort dès le départ, avec un flow et un style qui complètent la syncope dense, laissant chaque chose à sa place. Avec « Arrival », il laisse apparaître son côté comique, décrivant Mothman abandonné par ses amis et sans moyen de transport à  l’aéroport de Chicago, O’Hare. Pour prouver que le voyage peut être plus sauvage, la chanson se transforme en un refrain triomphant avec un outro parlé d’armageddon sur des synthétiseurs menaçants des années 1980.

Comme on peut s’y attendre de la part de Nnamdi Ogbonnaya, le jeu de batterie est serré, frénétique et propulsif tout au long de l’album. Il brille dans de nombreux instrumentaux, où l’accent est mis sur les performances vocales. Des chansons comme « Miniscule 9 » ressemblent au thème d’une série télévisée de science-fiction sur l’exploration de l’espace, où l’humanité a résolu tous ses problèmes, sauf les plus graves, et où il est révélé que le langage universel du cosmos est en fait une batterie malade, et non les mathématiques.

Les performances vocales sont brillantes tout au long de l’album. Davis Blackwell crache des rimes qui font tourner la tête sur « Stigmata », un morceau down-tempo qui lui permet d’ajouter des syllabes supplémentaires, ce qui l’incite à réécouter le morceau pour comprendre les paroles. Ses paroles traitent de la religion et de la situation critique des Noirs en Amérique, ce qui ajoute une touche particulière au morceau. La performance de NIIKA sur « Mayfly » est magnifique, confortablement nichée dans les lignes de basse denses et les synthétiseurs superposés, augmentant et diminuant en intensité au fur et à mesure que la chanson s’écoule. À mi-chemin de l’album, « Anchorage » vous retrouve en quelque sorte dans un bar country western avec une voix éthérée assurée par V.V. Lightbody. Une sensation mathématique se dégage, vous rappelant que ce bar n’est pas rempli de normies Miller Lite, tombant de leur Ford F150.

Comme tous les travaux récents de Marek, les sons et les grooves sont savoureux et la qualité de l’enregistrement est excellente. L’album est une œuvre dense et débordante, s’avançant intentionnellement malgré sa masse, consumant tout jusqu’à la supernova sur l’avant-dernière piste « Decoherence ». C’est un disque puissant qui mérite d’être écouté plusieurs fois.

***1/2


The Afghan Whigs: « How Do You Burn? »

10 septembre 2022

Greg Dulli est l’un de ces artistes, du genre que ceux qui savent, savent vraiment. Les preuves de ses capacités s’empilent inexorablement au cours d’une odyssée créative de trente-cinq ans qui lui a apporté une richesse inouïe.

En tant qu’artiste, l’âme de Dulli est profonde, « âme » étant le mot-clé qui relie tout ce qu’il touche, qu’il s’agisse de Marvin Gaye, Grant Hart ou Bon Scott est sans importance et c’est là que réside la clé de son génie particulier. Voici un fan de musique avec des goûts très larges et un dédain des frontières entre les genres, il a même travaillé une fois dans le magasin de disques Tower Records à Los Angeles, ce qui a dû être le paradis malgré le salaire minimum. Mais ne faites pas l’erreur de penser qu’il s’agit d’un autre enthousiaste qui rend hommage à ses héros, oh non, il s’agit d’un vrai groupe et il l’a toujours été depuis qu’il a cliqué et claqué avec Congregation en 1992.

De nombreux groupes adoptent une approche mesurée et font monter l’intensité au fur et à mesure que l’album progresse, c’est une stratégie raisonnable. Pas les Afghan Whigs. Trois albums après une réactivation du groupe, How Do You Burn ? ne frappe pas poliment à la porte, il la défonce.

Le titre « I’ll Make You See God » est une promesse surprenante, peut-être irréfléchie, mais il est clair qu’il s’agit d’une musique qui, tout en procurant un frisson viscéral certain, vise également la transcendance que l’art véritable peut apporter. En tant que chanson, c’est un morceau de Stooges métallique, tordant les basses, avec une arrogance qui surpasse Queens of the Stone Age en intensité désinvolte. Mais dans le contexte de How Do You Burn, elle ne raconte qu’une partie de l’histoire.

L’air pur, les connaissances refaites, l’attention assurée : c’est ainsi que Dulli opère via une forme puissante de magie noire musicale hypnotique, vous ne remarquez même pas l’acte d’être attiré mais c’est génial quand vous y êtes. Il s’agit certainement d’un album sombre et dense, qui couvre un large éventail du paysage émotionnel et musical et qui nécessite donc idéalement une exposition répétée afin d’atteindre pleinement les secrets qu’il renferme, qu’il s’agisse de la soul douloureuse aux yeux bleus de « Please, Baby, Please » ou du spectral « Domino and Jimmy » avec le retour sublime de Marcy Mays, vingt-neuf ans après sa participation à « My Curse ».

Alors que la mort pèse lourdement sur un disque qui a apparemment été titré par le regretté Mark Lanegan, ami et collaborateur de Dulli, c’est la réaction de rage contre la mort de la lumière plutôt que la résignation ou même l’acceptation.

Moins une réunion qu’un autre point sur un continuum, ou plus prosaïquement une reprise nécessaire d’une affaire inachevée, How Do You Burn ? augmente la mise sur ses deux prédécesseurs en allant plus loin dans une démonstration richement assurée des capacités de Dulli et du groupe.La catharsis a rarement eu un goût aussi doux,et, oui, ici, elle déchire aussi. Naturellement.

***1/2


Thurston Moore: « Screen Time »

27 août 2022

Tout au long de leur carrière, Sonic Youth a sorti des albums noise-rock pour les masses alternatives, puis s’est adonné à son côté plus avant-gardiste avec des projets plus petits qui exploraient principalement des idéaux bruitistes/instrumentaux sur leur propre label. Thurston Moore a poursuivi cette tendance avec son travail solo, des albums comme Rock N Roll Consciousness et By The Fire ont été suivis d’œuvres expérimentales comme Spirit Counsel et maintenant Screen Time.

Cette œuvre instrumentale discrète se compose de diverses cordes qui pincent tandis que d’autres couches sont ajoutées, déplacées ou mises en phase par la guitare de Moore et les effets de production. Les trois premiers titres ont tous le même motif, avec des cordes qui s’entrechoquent et qui sont plus ou moins irritantes. « The Station » commence par les sons les plus anguleux. « The Town » est toujours aussi troublant mais introduit également des carillons gonflants tandis que « The Home » délivre des scintillements tendus avec succès.

« The View » change de vitesse et le résultat est la meilleure des offres instrumentales présentées sur Screen Time. L’ambiance chilled-out et nuancée crée une magnifique portée cinématographique avec un jeu délicat et une essence vibrante. Des offres comme celle-ci prouvent que les aventures guitaristiques de Moore sont des trésors lorsque les étoiles s’alignent. 

Cependant, la plupart des chansons correspondent à la formule expérimentale des cordes du trio d’ouverture et offrent peu de nuances. Des morceaux comme le vibrant « The Upstairs » et le minimaliste « The Dream » durent trop longtemps, sans jamais donner de direction. Le dernier morceau, « The Realization », tente de tout résumer avec des répétitions de scratchs, de boucles et de carillons ; bien que plus consistant que ce qui l’a précédé, il n’éclaire jamais complètement.  

Dans l’ensemble, Screen Time est un curieux morceau d’écoute et d’ambiance, les sorties sont toutes semi-intéressantes mais (comme l’album dans son ensemble) restent sur une seule note, laissant une empreinte viscérale minimale. Les esquisses de Screen Time et les errances atonales de jazz à la guitare ont des moments, mais pas assez, cependant, avec Moore, toutes les phases et sorties de guitare valent la peine d’être suivies.  

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Demi Lovato: « Holy Fvck »

22 août 2022

La plupart d’entre nous ont déjà été témoins de ce genre de situation : une pop star en a marre et s’attaque à sa propre musique en lui injectant de la lourdeur, oui bien sûr ! Les résultats sont généralement risibles, parfois agréables, et rarement vraiment bons. Ce qui différencie Holy Fvck de Demi Lovato de la plupart de ses frères et sœurs spirituels insipides, c’est non seulement qu’il réussit vraiment ce qu’il veut faire, mais aussi que les racines de Demi sont depuis longtemps liées au rock/métal plutôt qu’au paysage infernal de la pop alternative contemporaine pour adultes dans lequel elle a gaspillé la majeure partie de sa carrière après avoir été diplômée du système agricole effrayant de Disney. Lovato a toujours cité des groupes tels que Dimmu Borgir, Job for a Cowboy, Emperor et Abigail Williams comme influences – et si cela ne signifie pas qu’ils savent soudainement comment écrire un album de rock et encore moins de black metal, cela indique que la passion et l’intention sont là depuis longtemps. En d’autres termes, il ne s’agit pas d’un gadget ponctuel, mais bien de leurs préférences musicales, et il se trouve que nous en faisons l’expérience pour la première fois. D’une certaine manière, cela fait immédiatement de Holy Fvck une œuvre plus honnête que certains morceaux comparables des contemporains de Lovato.

Holy Fvck est surtout un album de rock amusant et optimiste. Il n’est pas aussi « lourd » que le prétendent de nombreuses critiques, mais il possède la capacité d’être accrocheur, hymne et immensément agréable. La plupart des chansons de cet album remplissent ces conditions, ce qui en fait un lot cohérent de bangers pop-rock punky et grinçants. La chanson titre incarne véritablement les aspirations rock de Lovato, avec des riffs électriques flamboyants enroulés autour d’une mélodie bien ficelée, tandis que  » Eat Me  » est plutôt un hybride métallique/industriel dans la veine de  » I Disagree  » de Poppy. Substance  » est un morceau pop-punk qui rappelle les premiers disques de Paramore,  » Bones  » est un morceau espiègle et ouvertement sexuel : » So many feelings when you said my name / ‘Cause I want you so bad that I need restraints  » (Tant de sentiments quand tu as dit mon nom / Parce que je te veux tellement que j’ai besoin d’être attaché.), et le dernier joyau  » Help Me  » est un rocker agité, imprévisible et extatique sur lequel figure également Emily Armstrong de Dead Sara.

L’aura omniprésente de cet album oscille entre une promiscuité pleine de blasphèmes et une réalisation personnelle exaltante, sans que l’un ou l’autre ne semble en contradiction avec l’autre. Entre la montée de l’énergie et la vague sans fin d’énormes crochets, Holy Fvck est un album dont on peut tirer un plaisir immédiat.

Ce qui est peut-être plus surprenant (et facilement plus important) que le tempo endiablé de la musique, c’est la profondeur qui se dégage de l’ensemble de l’expérience. Le combat permanent de Lovato contre la dépendance et la maladie mentale a été bien documenté, et tout au long de leur carrière, ils ont abordé ces luttes (‘Skyscraper’, ‘Anyone’) – mais alors que ces chansons les peignaient sous un jour brillant, approuvé par la radio (voir : enrobé de sucre), Holy Fvck se plonge volontiers dans le laid. On pense immédiatement à « 29 », une chanson qui dénonce le penchant de Wilmer Valdarrama à sortir avec des femmes beaucoup plus jeunes – dont Lovato, alors que Valdarrama avait vingt-neuf ans et Demi dix-sept ans :  » Finally twenty-nine / Seventeen would never cross my mind / Thought it was a teenage dream, a fantasy / But it was yours, it wasn’t mine » (Enfin vingt-neuf ans / Dix-sept ans ne m’aurait jamais traversé l’esprit / Je pensais que c’était un rêve d’adolescent, un fantasme / Mais c’était le tien, ce n’était pas le mien), chantent-ils après des couplets montrant à quel point les hommes plus âgés peuvent facilement manipuler les jeunes femmes : « “Petal on the vine, too young to drink wine / Just five years a bleeder, student and a teacher / Far from innocent, what the fuck’s consent? / Numbers told you not to, but that didn’t stop you »( Pétale sur la vigne, trop jeune pour boire du vin / Juste cinq ans de saignement, étudiant et professeur / Loin d’être innocent, c’est quoi le putain de consentement ? / Les numéros t’ont dit de ne pas le faire, mais ça ne t’a pas arrêté).Si des titres comme  » 29  » font imédiatement monter les enchères sur le plan lyrique, même la pochette de l’album – qui semble au départ un peu épaisse avec Demi posant en bondage au sommet d’une croix – symbolise parfaitement ce qu’ils ont vécu en tant que jeune star de l’industrie musicale. Lovato faisait partie de l’ère des anneaux de pureté de Disney, et ils pointent du doigt cette culture comme l’une des raisons de leur hésitation à parler de l’agression sexuelle qu’ils ont subie à l’adolescence. Une grande partie de Holy Fvck peut sembler manquer de subtilité, mais cet album est l’équivalent d’un majeur – une explosion viscérale et réactionnelle à une colère refoulée. Honnêtement, il aurait dû l’être depuis longtemps.

Il est compréhensible d’aborder Holy Fvck avec un certain scepticisme. Tout ce que l’on peut voir à sa surface donne l’impression qu’il s’agit d’un coup de pub glorifié, le genre de pivot que les artistes font lorsqu’ils tentent de relancer leur propre popularité – un peu comme une publication en ligne mourante qui aurait recours à des titres chocs de type clickbait pour attirer le trafic Internet. Si cet album ne cache rien, il n’est pas non plus un artifice. C’est Demi Lovato qui abandonne sa formule pop endoctrinée en faveur de la musique qu’elle veut vraiment faire, tout en s’attaquant à la jugulaire en termes d’échelle. Holy Fvck est un album massif et exagéré à presque tous les égards, mais ancré dans une douleur très réelle qui donne de la substance à chaque moment grandiose. En lever de rideau de l’album, Demi sort de son personnage tout en révélant une rare vulnérabilité : « Quand nous sommes seuls, le temps s’envole… nous nous regardons » (When we’re alone, time floats away…we stare at each other), chantent-ils, avant de plonger dans un moment encore plus intime : « J’ai hâte de serrer ta mère dans mes bras et de la remercier… J’ai hâte de te montrer, tu verras / Je promets que son cœur est en sécurité avec moi » (I can’t wait to hug and thank your mother…I can’t wait to show you, you’ll see / I promise his heart’s safe with me ). Au milieu de l’atmosphère contrastée de Holy Fvck, le sérieux et la confiance du public sont magnifiés, surtout lorsqu’ils se lancent dans la confession centrale du morceau, « So here I go speaking honestly / I think this is forever for me ». Pour Lovato, dont la vie au cours de la dernière décennie a été définie par diverses luttes internes, il semble que Demi cherche à atteindre un lieu de stabilité et de permanence. Même s’ils ne sont pas sûrs de la façon dont ils y parviendront, cette chanson décrit ce qu’ils imaginent de ce moment. Le temps nous dira si Demi garde cette nouvelle direction musicale plus lourde, mais si elle est capable d’inspirer de telles intuitions tout en créant une vision d’espoir, alors jnous conseillerions à Lovato de garder le cap.

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The Goo Goo Dolls: « Chaos In Bloom »

12 août 2022

The Goo Goo Dolls sont surtout connus pour leur chanson à succès de 1998, Iris. Formé en 1986 par le chanteur/guitariste John Rzeznik, le bassiste et chanteur Robby Takac (qui sont maintenant les deux seuls membres restants), et l’ancien batteur George Tutuska, le groupe a sorti douze albums entre 1987 et 2020. Leur treizième album, Chaos In Bloom, fait suite à leur album de Noël de 2020, It’s Christmas all Over Again.

Chaos In Bloom a été entièrement produit par Rzeznik, et c’est un album beaucoup plus expérimental. Il se compose de dix compositions « Yeah, I Like You » est la première chanson. Il s’agit d’une chanson indie rock optimiste qui ressemble un peu à un morceau des Killers. Cependant, ce n’est pas une mauvaise chose car c’est quelque chose de différent. Malheureusement, la chanson suivante, « War », sonne comme une répétition exacte de « Yeah, I Like You ». C’est dommage car les deux chansons ont un son identique et il est donc difficile de les différencier. Heureusement, cette erreur n’affecte pas le reste de l’album. Cela est dû à la production. Cet album est le premier à être produit par Rzeznik, mais il est tellement bien produit que c’est un travail exceptionnel. Il est clair qu’il sait ce qu’il fait, car le rythme de l’album n’est ni trop lent ni trop rapide.

En plus d’être plus expérimental, cet album est aussi un retour aux sources. Comme ils sont un groupe depuis si longtemps, il est évident que The Goo Goo Dolls ont voulu changer leur son au fil des ans. Cependant, il y a quelque chose de rafraîchissant à revenir à un son plus ancien avec une paire d’yeux plus anciens. De plus, The Goo Goo Dolls montrent que le fait d’être ensemble depuis presque quatre décennies a fait des merveilles. Le meilleur exemple en est « Loving Life », qui pourrait figurer sur la bande-son d’un film des années 80 sur le passage à l’âge adulte.

Cependant, ce qui est le plus impressionnant dans cet album, c’est que chaque chanson sonne un peu différemment. Bien sûr, si vous écoutez les chansons seules, cela ne fera pas de différence. Par contre, si vous les écoutez dans l’ordre, elles sonnent différemment. Par exemple, « Day After Day » est une chanson pop-rock, alors que « Past Mistakes » est une chanson indie-rock. Même s’ils ne sont pas aussi expérimentaux que d’autres groupes, il est agréable de voir que The Goo Goo Dolls sont ouverts à l’exploration des nombreux sous-genres de la musique rock.

En conclusion, The Goo Goo Dolls ont montré qu’ils ont encore le talent nécessaire pour revenir à leurs racines sans que cela ressemble à un coup d’argent. Chaos In Bloom est un album joyeux qui met en valeur le talent du groupe et les compétences de production de Rzeznik. Bien que les deux premières chansons sonnent de la même façon, ce problème est rapidement corrigé avec le reste de l’album. La différence de chaque chanson est subtile, mais il est amusant d’entendre la progression. L’album est bien rythmé, bien produit, et c’est un travail cohérent. C’est agréable de voir The Goo Goo Dolls revenir à leurs racines. Cet album est un ajout fantastique à leur vaste catalogue, et il plaira aux anciens et aux nouveaux fans.

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Stars: « From Capelton Hill »

28 mai 2022

Capelton Hill est situé dans les Cantons de l’Est au Québec, où l’on peut visiter l’une des plus anciennes mines de cuivre du pays. L’endroit est également cher au cœur de Torquil Campbell de Stars, dont le grand-père y construisait des maisons à la fin des années 1800. Il n’est donc pas étonnant que le nouvel album du groupe, From Capelton Hill, aborde les thèmes de la nostalgie, de la perte et de l’espoir, pour aboutir à un disque magnifique et émouvant.

Après presque 25 ans de carrière et neuf albums studio à leur actif, Stars peut faire ce qu’il veut. Sur There Is No Love in Fluorescent Light en 2017, ils ont mélangé leurs récents travaux orientés vers la danse avec la pop baroque de leurs débuts. Si ce disque était le son d’un groupe qui sait exactement ce qu’il est, From Capelton Hill révèle un groupe qui sait d’où il vient, conscient de son héritage et désireux de s’appuyer dessus pour affiner son art. C’est également l’album le plus proche de la réalité depuis des années, qui vise une sensation plus personnelle plutôt qu’une grandeur cinématographique.

Pour être clair, il n’y a rien ici que Stars n’a pas fait auparavant. Des morceaux comme « Back to the End » et « Hoping » rappellent les textures orchestrales de leur classique Set Yourself on Fire, tandis que « Build a Fire » fait écho à l’esthétique des pistes de danse de « No One Is Lost », sorti en 2014. Mais leur expérience leur permet de s’inspirer de ces tendances sans se laisser submerger par elles, ce qui conduirait à l’auto-pastiche.

La plus grande qualité de From Capelton Hill est sa retenue. Par le passé, les stars ont eu tendance à en faire trop. Bien sûr, leurs penchants mélodramatiques font partie de leur charme, mais ici, ils s’appuient sur leurs forces et laissent la qualité de l’écriture faire le reste. Le morceau d’ouverture « Palmistry » en est un excellent exemple : une mélodie simple propulsée par de belles harmonies vocales avec des arrangements de cordes luxuriants mais subtils. La chanson suivante, « Pretenders », est tout aussi accrocheuse, avec une accroche contagieuse et un refrain qui évoque le jangle pop des Stone Roses.

Même le croon caractéristique de Campbell a été un peu atténué, ce qui donne lieu à certaines de ses meilleures prestations vocales. Sa performance sur le morceau acoustique « Snowy Owl » est particulièrement émouvante, avec des paroles sur l’amour, les relations perdues et le passage du temps qui semblent tout simplement typiquement Stars : « Es-tu libre ce soir ? / Ouais tu me manques / Encore une dispute stupide et je pourrai t’embrasser / Tu n’es plus le même, tu es plus fort / On ne peut plus rester dans cet endroit » (Are you free tonight? / Yeah I miss you / One more stupid fight then I can kiss you / You don’t sound the same, you sound stronger / We can’t stay in this place any longer).

« Capelton Hill » est le véritable morceau phare. Propulsée par un refrain épique, la chanson résume les thèmes de la nostalgie et de la perte au cœur de l’album avec son histoire teintée de pandémie d’une famille qui échange la ville « pour des nuages dans le sud » après avoir dû « fermer la maison pour une année de plus ». C’est l’album le plus proche de la magie de l’hymne de 2004 « Your Ex-Lover Is Dead », grâce en grande partie au brillant duo entre Campbell et Amy Millan, qui reste une présence brillante tout au long de l’album.

From Capelton Hill bénéficie également de la riche production de Marcus Paquin et Jace Lasek, deux vétérans de la scène montréalaise. C’est un disque finement texturé, où chaque instrument a l’espace qu’il mérite, laissant plus de place à la guitare acoustique piquée au doigt ou au cor français de Chris Seligman. Le seul véritable faux pas est l’oubliable « If I Never See London Again », qui souffre d’un excès d’effets de studio visant à reproduire le style de production des années 80 – de la réverbération en grille à, oui, un solo de saxophone.

Dans l’ensemble, From Capelton Hill nous rappelle avec brio qu’il est tout à fait possible de s’appuyer sur ses points forts et de les développer pour produire de la belle musique sans avoir à chercher constamment de nouvelles astuces. En termes de narration, il existe très peu de groupes comparables à Stars, et c’est pourquoi nous avons toujours besoin d’eux après toutes ces années. En fin de compte, ces histoires sur le fait de grandir et de savoir si l’on doit s’accrocher au passé ou le laisser partir ne concernent pas seulement eux, mais aussi nous.

***1/2


Riding The Low: « The Death Of Gobshite Rambo »

11 mai 2022

Riding The Low continue de défier les genres avec son dernier album, The Death Of Gobshite Rambo. Le titre de l’album est une déclaration en soi, et ce disque de 12 pistes confirme ce nom qui fait tourner la tête, le groupe équilibrant les moments d’introspection avec des rythmes qui font tilt. L’acteur, musicien et réalisateur Paddy Considine a récemment rencontré Mark Millar sur le podcast XS Noize pour parler de son dernier album avant les prochaines dates de la tournée d’avril. 

The Death Of Gobshite Rambo s’ouvre sur « Carapace Of Glass », l’un des deux singles du projet. L’intro est une houle de guitares flastées désorientantes et Considine plonge directement dans ce morceau en chantant « I struggle in relationships / I struggle to be myself »(J’ai des difficultés dans mes relations / J’ai du mal à être moi-même). La simplicité et l’honnêteté des paroles traversent l’album et constituent une base solide pour la chanson. Considine explore ses défauts et ses problèmes sur un lit de batterie stable et un accompagnement de guitare clairsemé dans ce numéro. 

« Wake Me Up When It’s Over » suit et oriente le disque dans une direction plus lourde. Avec des guitares distordues musclées et une faible contre-modalité de violon aiguë, Considine joue avec l’existentialisme dans ce morceau épique. Les couplets moelleux se juxtaposent joliment au refrain entraînant, qui a un côté paradoxal. « Si ce sont les meilleurs moments de notre vie / Réveillez-moi quand c’est fini », chante Considine. Avec une guitare acoustique infusée au phaser, un cor sinueux et une voix off énigmatique, Riding The Low mène la chanson à son apogée avant qu’elle ne se termine par un dernier refrain contagieux.

« Live From The Tramp Fights » a une forte connotation de rock classique, Riding The Low s’imprègne du son grinçant des années 60 et du style lourd des années 70. Parsemé de cornes et mettant en vedette la voix déformée de Considine, ce morceau est dynamique et diversifié. « Tommy Hawk » suit avec un son blues distinct, et une ambiance Far West. En créant un personnage fictif avec un jeu de mots sur « Tomahawk », Considine trace l’histoire d’un personnage à la morale douteuse et au passé trouble comme un commentaire en passant sur la nature humaine.

 » By-Product of the Last Flats » est l’un des morceaux les plus intéressants de l’album, car le groupe combine le grunge et l’indie avec Considine dans sa voix la plus erratique. Cela s’insinue dans l’oreille et en fait un morceau qui est aussi déroutant qu’infectieux. « Black Mass « , le premier single de l’album, plonge dans le son rock des années 90 pour une chanson acoustique qui inclut Considine dans son émotion la plus envoûtante. 

La chanson titre fait office d’avant-dernière piste de ce disque captivant avant que « Truth Is All I Have » ne vienne clore l’album avec un moment « briquets en l’air ». C’est un véritable hymne de festival, avec un refrain entraînant, complété par un riff lourd et des guitares distordues qui donnent au morceau une dimension supplémentaire. 

The Death Of Gobshite Rambo explore certaines des pensées les plus chères à Considine et équilibre ses paroles perspicaces avec des morceaux de rock percutants. C’est le disque parfait pour une écoute de fin de soirée, et chaque chanson a le potentiel pour devenir un incontournable des festivals alors que nous entrons dans le premier été de musique live depuis 3 ans. 

***1/2


The Builders And The Butchers: « Hell & High Water »

9 mai 2022

Cela fait cinq ans que The Builders And The Butchers n’ont pas sorti de disque, aussi Hell & High Water, leur dernier opus, vise à compenser largement ce retard.Le groupe s’est formé à Portland, mais ses membres sont maintenant dispersés et séparés par des frontières d’état et un océan dans un cas. Pour réaliser ce disque, il a fallu surmonter la géographie, la pandémie et bien plus encore. La plupart des membres vivent dans l’Oregon, le Colorado et Washington, mais le bassiste Willy Kunkle est capitaine de bateau à Malte, alors le reste des membres l’ont rejoint là-bas en 2019, s’installant dans un hangar à bateaux dans la marina pour travailler sur l’album. « Tout au long de l’automne et de l’hiver 2019, nous nous réunissions chaque semaine, faisions un feu, buvions de la bière et du whisky et essayions de trouver une certaine cohésion dans ces airs », a déclaré le chanteur Ryan Sollee. « Ce lieu de rassemblement a été le plus inspirant que nous ayons eu dans tout processus créatif pour tout album jusqu’à présent. »

Et malgré ce qui s’est passé ensuite, l’album est toujours remarquablement cohérent, de la première grenade et de la voix plaintive de Sollee sur la première chanson « The River », à la chanson finale, émotionnellement puissante, « Sonoran Highway Song ». Début 2020, après avoir posé les premières pistes de batterie en studio, la pandémie et les quarantaines mondiales ont contraint le groupe à terminer l’enregistrement à distance. Ajoutez à cela le fait que les membres ont dû faire face à des incendies de forêt en furie et à des émeutes dans les rues.

En conséquence, les performances sur Hell & High Water sont très émotionnelles, tant au niveau de la voix que du jeu, ce qui fait de Hell & High Water l’album le plus marquant du groupe en presque deux décennies de collaboration. Vous pouvez l’entendre dans le doom sonore de « West Virginia », une chanson de caractère sur le fait de se cacher des flics, et dans la magnifiquement subtile « Nebraska » (pour ce que ça vaut, il y a une autre « chanson d’état » ici, la rauque « Montana », recouverte de guitare floue et d’énergie frénétique). 

Le disque, qui compte une douzaine de titres, parvient à être à la fois tendu sur le plan émotionnel par moments et satisfaisant sur le plan du divertissement. Compte tenu de tous les obstacles qui ont dû être franchis pour que Hell & High Water voie le jour, le titre est remarquablement approprié.  

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Archive: « Call To Arms & Angels »

8 mai 2022

Tout vient à point pour qui sait attendre. Pour les fans d’Archive, Call To Arms & Angels met fin à la plus longue période de sécheresse du groupe avec un magnum opus brillant de près de deux heures. En raison, au moins en partie, de la pandémie de 2020 et du surplus de temps libre qui en résulte, nous voyons toujours plus d’artistes qu’à l’accoutumée sortir ce genre d’albums gigantesques, mais il a rarement été aussi facile de naviguer sur un double LP de dix-sept titres et 103 minutes qu’ici. Call To Arms & Angels glisse et caresse, s’écoulant avec une grâce sans effort où les instruments résonnent avec une clarté immaculée, les mélodies s’épanouissent et les morceaux s’entremêlent comme des veines servant toutes le même organe vital. Plongé dans une brume éthérée, le douzième album studio d’Archive vous emmène dans un voyage dramatique, époustouflant et imprévisible qui ne ressemble à rien de ce que vous entendrez en 2022.

Call To Arms & Angels est en quelque sorte une renaissance pour Archive. Depuis une demi-décennie, le groupe a été témoin et a dû faire face à des bouleversements à l’échelle mondiale. Le frontman Darius Keeler a comparé l’atmosphère de l’album au flux et reflux de la lumière et de l’obscurité, forces réelles de la société : « L’écriture de notre douzième album studio a été une période extraordinaire pour le groupe. L’écriture des chansons est devenue un récit qui se déroule alors que le monde devient chaque jour plus étrange et plus inquiétant. Avec les libertés des gens poussées à bout, la souffrance causée par Covid et les terribles événements aux États-Unis menés par Trump et la montée de la droite, tout semblait possible. Réfléchir à cette époque en tant qu’artistes a fait surgir une noirceur et une colère, mais aussi une étrange sorte d’inspiration qui était parfois troublante. Cela nous a vraiment fait apprécier le pouvoir de la musique et la chance que nous avons de pouvoir exprimer nos sentiments de cette manière. Il semble qu’il y ait de la lumière au bout du tunnel, mais il y a toujours des ombres dans cette lumière ».

On peut ressentir cette dynamique à travers Call To Arms & Angels, qui regorge d’éléments contrastés mais parfaitement mélangés. Il y a une ambiance délicate, chargée de piano, qui recouvre l’album comme un brouillard, tandis que des éclats de voix harmonisées en forme de crescendo agissent comme des rayons de lumière coupant les couches froides et mystérieuses de l’atmosphère. On l’entend immédiatement dans la transition entre le spacieux et céleste « Surrounded By Ghosts » et le rock plus concret et rebelle de « Mr Daisy », avec ses guitares électriques amplifiées et son message de défi : « Va te faire foutre si tu crois que je suis dans ton ombre / joue ton rôle de leader, de trompeur / tu sais bien que je vois clair dans ton jeu (Get fucked if you think I’m in your shadow / play your part as the leader, the deceiver / thick fuck, well you know I see right through ya). Le jeu d’Archive avec les concepts de clarté et d’obscurité n’est pas seulement un moyen de créer une atmosphère, c’est aussi une application des thèmes principaux du disque. On pourrait dire que « Mr Daisy » représente une figure autoritaire ignorante, dont l’obtusité/densité émotionnelle (par opposition à la transparence/l’ouverture d’esprit) projette une ombre et crée ainsi une poche d’obscurité là où il y aurait autrement de la lumière.

Lorsqu’Archive n’explore pas ces textures littérales et métaphoriques, il s’attaque à l’alt-rock électronique de manière progressive, dépliant ses limites rigides pour créer quelque chose de plus élaboré et de plus étendu. Si l’ensemble de Call To Arms & Angels respire comme un tout, l’ambition d’Archive est plus évidente dans les cinq mini-épopées qui durent toutes plus de huit minutes. « Daytime Coma « , d’une durée de quatorze minutes et demie, est un monde immersif en soi, qui commence par d’élégants pianos qui s’enchevêtrent lentement avec des synthés propulsifs avant de tomber d’une véritable falaise ; à partir de là, le morceau se reconstruit lentement jusqu’à sa fin chaotiquement dissonante. Sur les neuf minutes et demie de  » Freedom « , nous avons droit à un hymne à la liberté personnelle (ou à un regard ironique sur les privilèges et l’avidité aux dépens des autres) qui fait irruption dans la salle avec des niveaux de grandiosité dignes de Queen et des paroles exaspérantes et pompeuses ( » My word is right / It’s good, c’est génial, c’est blanc / C’est droit / Je vis comme ça parce que je peux ») avant que le tout ne se brise – peut-être de manière appropriée – comme un ego en verre après seulement trois minutes suivant les lignes poignantes « La liberté remplit les tombes / La liberté pour l’amour de Dieu / La liberté a le goût de la saleté » (Freedom fills the graves / Freedom for God’s sake / Freedom tastes like dirt). Les six minutes restantes serpentent à travers des pianos sans but et des ronflements sourds qui semblent amplifier la distinction entre les deux ambiances de la chanson – l’une de confiance imparable et l’autre reflétant ce à quoi cela ressemble lorsque vous réalisez que vous n’êtes pas aussi invincible que vous le pensiez.

Ce qui est si impressionnant dans ces chansons – toutes, et pas seulement les plus longues – c’est la manière audacieuse et presque intrépide avec laquelle elles progressent. Archive n’a pas peur de faire s’effondrer sur eux-mêmes des tubes grand public extrêmement contagieux comme « Freedom ». Ils n’ont pas non plus peur de faire miroiter la carotte devant leur public qui attend un crescendo, pour que tout s’éteigne sur le magnifique filet d’un piano classique. Dans le même ordre d’idées, il y a des moments où vous pensez avoir flotté dans un pâturage tranquille pour vous reposer quand Archive sort soudainement les guitares électriques et inonde cet espace de bruit. Les transitions peuvent être brutales mais ne le sont généralement pas, car Call To Arms & Angels ressemble moins à un puzzle constitué de pièces séparées qu’à un tableau dont les différentes couleurs se mélangent pour former une belle image. Tout semble lié, le produit d’une vision audacieuse, créative et éclectique qui a été exécutée à la perfection.

Certaines des chansons qui contribuent le plus à donner vie à cette vision sont aussi les plus courtes. Malgré l’énorme durée de l’album et la présence de morceaux absolument imposants, c’est le doux et feutré « Shouting Within » qui résonne le plus une fois que Call To Arms & Angels a suivi son cours. Alors que Darius Keeler et Holly Martin se partagent les tâches vocales tout au long de l’album, c’est la performance de Martin qui finit par être le point central de toute l’expérience, tant sur le plan esthétique que thématique. Elle s’auto-harmonise de manière absolument époustouflante, avec un son pur et angélique sur les notes de piano prudentes mais énergiques qui semblent porter ses mots. L’écriture est brillante jusqu’aux paroles, qui capturent l’essence de l’inspiration de Call To Arms & Angels : « Les temps changent maintenant / L’existence est différente maintenant… Les gens semblent désespérés d’une certaine façon » (Times are a changing now / Existence is different now…People seem desperate somehow). Keeler a aussi ses moments de gloire, notamment le chant braggadocios et épique de  » Freedom « , mais il livre aussi un joyau dans le refrain magnifiquement gonflé de  » Every Single Day « , où la beauté inhérente de la chanson est démentie par le désespoir ressenti dans les paroles : « éteignez le sentiment, éteignez le sens / il n’y a rien » (extinguish feeling, extinguish meaning / there is nothing). Cet album déborde de ces diamants dans la pierre ; des moments qui donnent corps et forme à l’ambiance et permettent à l’expérience d’atteindre un équilibre idéal entre aura hypnotique et mélodie contagieuse.

Pris dans son ensemble, Call To Arms & Angels peut être un peu écrasant. C’est un commentaire sur les événements historiques de notre époque. C’est un voyage hypnotique à travers l’ambiance, la musique électronique et les synthés. C’est aussi un album de rock avec des refrains plus grands que nature… oh, et aussi un délicat morceau de folk au piano. La désorientation ressentie par les auditeurs peut ou non être une autre composante thématique intentionnelle du disque, mais elle fonctionne certainement dans les limites de ce qui a inspiré Call To Arms & Angels : la série d’événements mondiaux aliénants et presque incroyables de ces six dernières années qui ont fait que beaucoup d’entre nous se sentent de plus en plus détachés de la réalité. Il y a un vague sentiment d’errance, semblable à l’aspiration à des réponses dans l’ambiguïté des vérités modernes. C’est ce sentiment précis qui semble être dans la ligne de mire d’Archive ici : une observation de toutes les choses intangibles, tout en perdant le sens de ce qui est réel. Call To Arms & Angels nous guide dans le brouillard, n’offrant aucune voie de sortie claire – seulement la promesse qui vient avec un rayon de lumière occasionnel.

****1/2