Elysian Fields: « The Transience of Life »

13 octobre 2020

Dans la mythologie grecque, les Champs Elysées (Elysian Fields) sont une destination accessible uniquement après la mort, une place réservée aux quelques héros et justes qui ont été admis dans la dimension paradisiaque. En musique, Elysian Fields sont un duo musical basé à Brooklyn, dont le surréalisme sonore confirme le mythos de leur nom. Le duo, Jennifer Charles et Oren Bloedow, a été inspiré par Cáo Xuěqín, l’écrivain chinois qui a écrit l’un des quatre grands romans classiques de la littérature chinoise, Dream of the Red Chamber, qui, en Chine, est à peu près aussi célèbre que Shakespeare en anglais. Dans ce projet, ils ont mis en musique certains des poèmes de l’écrivain. Ce qui ressort de la micro-onde sonore alchimique de la création est The Transience of Life, un assemblage d’instruments sublimement utilisés da manière anticonventionnelle avec une touche d’hommage littéraire chinois, le tout lié et scellé dans avec des accroches proprement infectieuses.

En hommage au titre, les petits caprices des compositions sont tout aussi éphémères que le dernier. Quand un rythme devient bon, un autre encore meilleur se fraye un chemin à travers les méandres. Il s’ouvre sur des harmoniques de guitare naturelles, celles qui ressemblent au carillon de votre grand-mère et au chant très respirable de Charles, qui vient de l’autre monde. Mais cela ne dure pas longtemps. Il se transforme en un autre caprice qui déploie ce riff de guitare beurré et débonnaire, puis en un riff excentrique qui se transforme progressivement en quelque chose de plus palpable. Son chant rappelle Adele et la seule constante un peu permanente du LP. De petits tourbillons ambiants étranges font surface dans le son fondamentalement anesthésique.

Le morceau suivant, « Transience Of Life », s’ouvre sur une ligne de guitare acoustique agréable mais curieuse qui s’interroge sur des riffs ascendants. Charles’ semble être dans son élément dans ce morceau au niveau vocal. C’est un morceau vraiment doux et apaisant, qui peut inciter les plus libres d’esprit à une giration langoureuse.

L’instrumentation de l’album est si singulière. Dans « Spurned By The World », cette guitare électrique méticuleuse et comprimée semble s’éveiller continuellement en s’émerveillant de la façon dont elle reprend conscience dans un environnement différent du précédent. Elle a une volonté propre dans le schéma de la chanson. Il y a une ligne de guitare sinueuse dans « Sorrow Amidst Joy », qui sonne comme si elle n’avait rien de bon, cherchant à semer la zizanie comme un vandale à l’affût dans la nuit urbaine, en même temps que cet accord discordant de déni de message qui résonne avec force. On dirait Siouxsie Sioux, car elle se lamente et jubile à la fois devant le son post-punky, chuchotant « inutile » pour s’éteindre. À cet égard, toute chanteuse qui peut ressembler à la fois à Adele et à Siouxsie Sioux dans le même album devrait mériter l’admiration de tous).

La piste dix, « The Indifference Of Heaven », est particulièrement étrange. Elle commence par des coups de piano très bas qui instillent immédiatement un sentiment de solennité et de rumination. « Le passé me semble plus réel que le présent maintenant » (The past seems realer than the present to me now), montre Charles contre les arpèges numérisés. Sa cadence est un peu décalée par rapport à celle des crochets, ce qui ne donne pas crédit à ses prouesses musicales. Pourtant, c’est le seul glissement identifiable de l’album alors qu’elle médite sur « l’éternité sous la vaste indifférence du ciel » ( -eternity under the vast indifference of heave- dans un mode de vide existentiel abject. Ce vide existentiel abject se poursuit dans le dernier morceau (« The Birds Scatter To The Wood »), où Charles chante les paroles les plus déprimantes que l’humanité ait jamais connues : « Tout ce qui reste est vide et la tombe pour cela » (All that’s left is emptiness/ and the grave for it). Et, bien que ce soit l’impression de « walk-away » de l’album, ne laissez pas cela entacher la magnanimité de l’ensemble. C’est un album vraiment merveilleux, même, et surtout paut-être, avec tout ce contenu peu enthousiasmant.

Elysian Fields a produit une sorte de chef-d’œuvre. Des parties de violon et de piri occasionnelles à la discorporate, sorte de chant fantasmatique, aux mélodies syncopées et fondatrices de genre, The Transience of Life est destiné à étinceler

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Crippled Black Phoenix: « Ellengæst »

10 octobre 2020

Lorsque Crippled Black Phoenix ont commencé leur dernier album Ellengæst, ils se sont retrouvés avec un chanteur et un claviériste masculin, après le départ de Daniel Anghede. Plutôt que de laisser ce revers les vaincre, ils ont fait appel à des amis musiciens pour les aider. Vincent Cavanagh d’Anathema, Kristian « Gaahl » Espedal de Gaahls Wyrd, le bassiste itinérant Ryan Patterson de Coliseum/Fotocrime/one-time Crippled Black Phoenix, l’artiste solo Suzie Stapleton et Jonathan Hultén de Tribulation sont les invités d’honneur. Bien qu’il s’agisse d’un éventail d’artistes, à aucun moment l’album ne semble rapiécé ou disjoint. Produit par Justin Greaves et Karl Daniel Lidén, le son est immense et majestueux tout au long de l’album.

Le morceaud’ouverture, « House of Fools », chanté principalement par Cavanagh est accompagné de la trompette sombre d’Helen Stanley avant d’être brutalement balayé par une rafale de guitares enragées. Comme dans le monde moderne, tout ce qui est beau doit être piétiné. Le sentiment de malheur s’empare de l’auditoire et le chœur a la puissance tonitruante d’un Godspeed You ! Piste de Black Emperor. Le chant s’élève dans un passage de piano serein et la trompette solitaire réapparaît, meurtrie mais toujours vivante. Un rythme funèbre signifie le trouble alors que les sirènes retentissent par intermittence et que la tempête de merde des guitares s’écrase à nouveau. C’est une épopée ouverte sur l’album, et ne laisse aucun doute sur le ton du disque.

Une boîte à jouets sonne une sinistre introduction de « Lost », et elle met en vedette une voix étonnante et exaspérée, celle de Belinda Kordic. La houle des guitares dans le refrain est sismique et vous enveloppe de tout votre sang. Cavanagh hurle « Nous sommes perdus en tant qu’humains ! » (We are lost as humans !) et vous vous sentirez coupable de tout ce que vous avez fait pour provoquer le déclin de la civilisation. Le sentiment dominant de cette chanson est celui du désespoir pur et simple et de l’abandon de tout ce qui est bon. Greaves martèle un rythme apocalyptique qui ne s’arrête jamais et les guitares hurlent et s’envolent, c’est vraiment une chanson puissante. 

« In the Night » commence par un extrait du récit déchirant d’une jeune fille, que je ne vais pas tenter de résumer car il faut l’entendre pour qu’il ait un impact complet. La chanson vous entoure comme un serpent, avec une seule issue noire à l’esprit. Les contributions de Belinda Kordic sont fantomatiques et totalement tragiques, « live to fight another day » est répété par le groupe qui s’épanouit dans un paysage sonore à la Pink Floyd de solos de guitare liquides et d’orgue brûlant. Alors que le morceau se transforme en un crescendo écrasant, Kristian « Gaahl » Espedal rugit puissamment les mêmes paroles comme un dieu mystique de la guerre et c’est terrifiant, à vrai dire.

Le galop de « Cry of Love » peut inquiéter lors de la première écoute mais la chanson est un sacré morceau de culture et la combinaison pont et choeur est une chose puissante à voir. La mélodie est forte pour correspondre à la majesté de la musique et je trouve maintenant que la chanson est l’une des plus fortes de Crippled Black Phoenix. Ryan grogne « Le temps est un ennemi cruel et il est trop tard » et le chahut de la terreur redescend le long de votre colonne vertébrale. Alors que la chanson s’élève, les magnifiques guitares d’Andy Taylor et de Justin Greaves tourbillonnent et font tourner de belles mélodies. Incroyable.

« Everything I say » est une ballade tendre (puissante) où Kardic ronronne comme Edith Piaf et où le groupe superpose le bruit, sa voix devient intense et puissante, jusqu’à l’effet hypnotique. La rage est palpable tout au long de cet album car le son est immense et sans retenue, essayant de vous dominer et de vous coincer. Il est à la fois expansif et claustrophobe, l’album est extrêmement sombre en perspective. Il est implacable et difficile à écouter, mais passionnant et absorbant en même temps.

« The dark (-) » est un interlude échantillonné d’un homme qui parle de sa dépression de façon graphique. Encore une fois, je ne vous transmettrai rien de tout cela car cela diminuerait la puissance du contenu, mais ma parole, cela frappe vraiment l’âme. Compte tenu du monde dans lequel nous vivons aujourd’hui, il se peut que vous vous trouviez au bord du gouffre à ce stade. Soyez avertis…

L’humeur est au beau fixe, la bizarrerie de la reprise du Bauhaus « She’s In Parties », qui essaie d’être ludique mais qui sonne juste en contradiction avec les autres chansons. L‘album aurait mieux valu se terminer par » »The Invisible Past », mais il y a évidemment une raison pour laquelle cette chanson se trouve là où elle est. La citation d’ouverture de l’album dit bien : « Une chose que nous ne ferons jamais, c’est de respecter les règles et de rester dans les limites de la boîte » (One thing we’ll never do is stick to the rules and stay within the box), alors pourquoi la remettre en question ?

Les fans de Crippled Black Phoenix savent à quoi s’attendre avec leurs disques, mais Ellengæst apporte un niveau d’obscurité encore plus sombre que d’habitude. Parfois, l’album terrifie par les pensées qu’il provoque et il n’est vraiment pas à écouter si vous ressentez les tensions de ce monde malfaisant en ce moment. Le groupe est cependant dans une forme redoutable et il y a une rage tonitruante que je crois n’avoir entendue auparavant que sur un Godspeed You ! Black Emperor, c’est donc un véritable exploit pour toutes les personnes concernées. Je ne recommanderais pas cet album comme introduction à Crippled Black Phoenix, mais pour les initiés, laissez-vous emporter.

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Thurston Moore: « By The Fire »

25 septembre 2020

La disparition de Sonic Youth est survenue juste au moment où les vénérables noiseniks gravissaient de nouveaux sommets de brillance. Rather Ripped et The Eternal méritent tous deux d’être cités avec la même vénération que le matériel précédent qui a fait leur nom. Mais la musique suivie par les membres du groupe s’est avérée tout aussi satisfaisante.

Et si c’est probablement une fantaisie romantique que les albums sortis dans le sillage de Sonic Youth ont donné des œufs sur chacun d’eux (la qualité de la musique a été sur une trajectoire ascendante indéniable), c’est avec By The Fire que Thurston Moore se met correctement en orbite. Ne vous y trompez pas, c’est un album qui se tient au coude à coude avec le meilleur de son alma mater.

Tout est est comme si Moore avait fait le point sur ses meilleurs moments et les avait consolidés en un tout unifié. Non pas que cela implique un nouveau parcours, mais plutôt un guide du chemin parcouru jusqu’à présent et de la manière de l’utiliser pour aller de l’avant. Bien que le nom de Moore figure sur l’étiquette, il s’agit d’un travail de groupe avec Deb Googe à la basse, le guitariste James Sedwards, Jon Leidecker de Negativland qui fournit l’électronique et Jem Doulton à la batterie (avec Steve Shelley sur un morceau), et le poète londonien Radieux Radio qui fournit la plupart des paroles. Une formidable combinaison, ce groupe frappe avec une précision satisfaisante et palpitante tout au long du morceau.

De plus, By The Fire est un voyage de 83 minutes qui s’accélère, développe l’énergie et couvre ensuite une sérieuse distance auditive. Le premier et le second de « Hashish » et « Cantaloup » » suggèrent un album de rock direct ; les rythmes de moto et les guitares du premier en témoignent, tandis que le second est un descendant direct de « Sugar Kane ». Mais c’est avec les épopées que la vraie nature de By The Fire est révélée.

Avec une durée de 11 minutes, « Breath » est plutôt une série de mouvements qui s’interconnectent pour créer une déclaration cohérente. Ici, des carillons bizarrement accordés et allongés font place à des accords explosifs qui cèdent la place à un rocher droit devant avant de faire un virage en U.

Si le jeu de guitare sans rythme de « Calligraphy » permet une écoute enchanteresse, c’est avec « Locomotives » que Moore et ses acolytes sont les plus ambitieux et les plus audacieux. Avec près de 17 minutes, c’est l’un des rares cas où le temps passe à toute allure grâce à un étirement de ce que les guitares et la batterie peuvent réellement faire. Des couches d’accords et des cordes qui vibrent bizarrement s’unissent pour balayer et laver, tandis que les percussions et les basses servent de contrepoint. La reddition est demandée et donnée, ce qui est ensuite récompensé par des changements et des déplacements dans des lieux inattendus.

Touchant à presque tous les aspects de la carrière de Moore à ce jour, By The Fire n’est pas tant un patchwork qu’un tissage sans faille d’ambitions et de capacités. C’est un travail qui a été construit pour durer.

***1/2


The Walkmen: « Lisbon »

16 septembre 2020

Lisbon n’est pas seulement l’un des plus beaux moments des Walkmen, c’est aussi l’un des meilleurs disques de ces derniers temps ; un album où nous gagnons et perdons ensemble. Une flopée de grands groupes ont émergé de la scène new-yorkaise dsur ces derniètres décennies, chacun avec sa propre marque distinctive. The Strokes ont eudroit eu hype, Interpol a eu le facteur cool, et Yeah Yeah Yeahs a eu l’abandon sauvage de la jeunesse. Mais c’est The Walkmen, avec leur goût pour les sons et les équipements vintage – et en Hamilton Leithauser, un chanteur capable de susciter une passion extraordinaire – qui a eu le cœur. Grâce à leur charme universel, les auditeurs ont retrouvé de vieux amis avec lesquels ils pouvaient se souvenir et se confier. Ou, à tout le moins, un chagrin d’amour audible qu’ils pouvaient accompagner eavec émoi.

Llettre d’amour à la ville dont elle porte le nom, le quatrième disque des Walkmen, est porteur d’une incertitude tumultueuse. Il est inondé de récits ensoleillés de chagrins d’amour, de regrets et de nostalgie, avec parfois une victoire en prime. Mais ce qui rend Lisbon si spécial, c’est sa capacité à s’enrouler autour de vous ; à vous présenter le passé, le futur et le présent dans un brouillard nostalgique. Comme la lumière unique qui accompagne un coucher de soleil de vacances, une brume jaune et brumeuse plane sur l’album. Coincée entre le début et la fin, elle oscille entre la tristesse et l’espoir. Il est souvent difficile de dire si les personnages vus à travers ce brouillard s’approchent ou se retirent, si vous accueillez quelqu’un dans votre vie ou si vous le laissez partir, pour de bon. Le groupe présente une version réchauffée de la misère, du vieillissement et de la nostalgie, mais surtout, il célèbre toutes ces émotions dans une égale mesure – reconnaissant d’avoir ressenti quoi que ce soit.

Lisbonne a peut-être été conçue sur une plage donnant sur l’Atlantique Nord, mais elle est tout aussi bien informée par le grand sud américain. Une ambiance western spaghetti se dégage de la guitare de Paul Maroon, qui évoque les images d’une impasse mexicaine. On dirait qu’il a été enregistré avec des micros plus vieux que tous les membres du groupe réunis, et un prix à faire pleurer, Lisbon a une qualité intemporelle sans jamais sembler démodée.

Le ton est donné immédiatement sur « Juveniles », alors que Leithauser tente de cacher son angoisse sur le fait que son amour sera « avec quelqu’un d’autre demain soir » (with someone else tomorrow night) . Des guitares lourdes en aigus scintillent sur les battements de cœur irréguliers de la basse de Walter Martin, tandis que Leithauser chante avec des yeux de perlés de larmes « Je vois de meilleures choses arriver » (I see better things to come .

Sur « Angela Surf City, » alors que Matt Barrick frappe la batterie, la voix de Leithauser est en feu. En vous tirant dessus, front contre front, vous vous sentez rassuré de pouvoir vous aussi affronter cette vie de front. Chaque ligne est livrée avec la passion d’un cri de guerre propre à accompagner les troupes hors des tranchées. Barrick, un batteur doué et nuancé, capable de battre l’enfer du kit quand c’est nécessaire, est l’as du groupe dans le trou. Il donne une leçon d’endurance sur le shuffle country de « Blue as Your Blood » ; le clip clap implacable de son kit ne cessant jamais, si ce n’est pour fournir des éclaboussures de cymbales au refrain d’une euphorie dévastatrice du morceau.

The Walkmen donnent toujours l’impression de s’être sortis du caniveau, battus, mais intacts, pour se dépoussiérer et persévérer dans le sang et le gravier. Aussi serrés qu’ils soient musicalement, ils traduisent une insouciance brute. A travers des secousses et des claquements, ils se frayent un chemin à travers des tentatives de stoïcisme et de calme alors qu’ils s’effondrent de l’intérieur.

Dans « While I Shovel the Snow, » Leithauser décrit son rôle de spectateur : « La moitié de ma vie / J’ai regardé / La moitié de ma vie / Je me suis réveillé » (Half of my life / I’ve been watching / Half of my life / I’ve been waking up). Cela sert d’avertissement. Nous pouvons être somnambule dans la vie, ou nous pouvons sortir et la trouver, préparés au chagrin que cela pourrait entraîner. Après tout, qu’est-ce qui est préférable ? Vivre une demi-vie sans douleur, ou en embrasser tous les aspects.

Le récit de Lisbon peut s’articuler autour des relations amoureuses, mais les leçons sont universelles. En partageant les échecs, vous soulignez la joie que l’on trouve à essayer. Lisbonne est un espace dans lequel les échecs et les défauts semblent triomphants. Il ne célèbre pas la gloire de la victoire, mais l’héroïsme que l’on trouve en se battant.

The Walmen n’ont pas peur de dire que la vie est dure. Vous en aurez le cœur brisé. Parfois, ce sera de votre faute, d’autres fois non, mais nous vivons et apprenons et nous nous brossons les dents pour réessayer. Il vaut mieux ne pas trop y penser « Chaque fois que vous en avez l’occasion / Tout l’amour et la vie /Toute la joie et la grâce /Ne soyez pas absurde, ne pensez pas / Vous savez ce que la pensée fait /L’amour brille, et l’amour est lumière » ‘Every chance you have / All the love and life / All the joy and grace / Don’t be absurd, don’t you think it out / You know what thinking does / To love’s shine, and love’s light.)

****1/2


Liela Moss: « Who the Power »

13 septembre 2020

Mieux connu comme la voix des alt-rockeurs britanniques The Duke Spirit, le deuxième album solo de Liela Moss, Who the Power, est une affaire suffisamment fougueuse et dramatique. Travaillant avec son partenaire, le producteur et le bassiste de The Duke Spirit, Toby Butler, Moss évite la dream-pop intime de son premier album solo My Name Is Safe in Your Mouth pour quelque chose de beaucoup plus puissant.

Moss a peut-être enregistré Who the Power dans un home studio, mais tout au long de l’album, la puissance et l’intensité des stades sont omniprésentes. Les murs de synthés gothiques atmosphériques glacés induisent une atmosphère légèrement rétro sur certains morceaux, mais c’est le sujet et la voix toujours convaincante de Moss qui font que l’album sonne frais, vibrant et tourné vers l’avenir. L’album s’ouvre sur le très entraînant « Turn Your Back Around » qui évite de ressembler à un cliché de synthé pop-rock ou de s’égarer sur le territoire de Pat Benatar grâce à la passion de Moss et à quelques jeux de mots agiles. Le sombre « Watching the Wolf », qui parle d’un « politicien narcissique en herbe avide de pouvoir », est dramatique, furieux et plein de menaces rampantes, mais ce n’est qu’avec l’ancien « single », le superbe « Atoms At Me », que l’album atteint vraiment son apogée. C’est un morceau qui est un « appel à libérer les sens de l’appel à consommer » et qui met parfaitement en évidence la capacité de Moss à tisser son sombre charme passionné pour séduire l’auditeur. 

« Always Sliding » pourrait sonner comme un western gothique, tandis que « White Feather » est une glorieuse chanson synth-pop en spirale qui revient sur le thème du comportement prédateur. Plus proche, « Stolen Careful », met Moss dans une humeur plus réfléchie, sa voix étant complétée par des synthés atmosphériques chatoyants. Essentially Who the Power démontre adroitement que Moss possède toujours l’une des voix les plus dramatiques et captivantes de la musique britannique. Elle peut paraître impérieuse, chaleureuse, séduisante, passionnée et colérique et, sur fond de synthétiseurs atmosphériques froids et palpitants, elle apporte puissance, passion et chaleur aux procédures.

***1/2


Disheveled Cuss: « Disheveled Cuss »

5 septembre 2020

Nick Reinhart est l’un des seuls guitar-heroes qui nous restent. Alors que l’innovation dans le jeu de guitare s’essouffle et que tous les créneaux possibles de la musique rock connaissent un renouveau, Reinhart continue d’être à la pointe de l’art. Son style de jeu idiosyncrasique et sa maîtrise de tout ce que la technologie musicale peut offrir ont fait de lui un artiste hors pair, même dans les genres techniquement exigeants dans lesquels sa musique s’inscrit normalement. De son propre excellent groupe Tera Melos, de ses collaborations avec Mike Watt, Nels Cline et Greg Saunier dans Big Walnuts Yonder, à son travail de guitare saisissant sur « Jenny Death » de Death Grips, Reinhart est l’un des guitaristes les plus inventifs de sa génération.

Après toutes ces innovations, il est curieux que Reinhart ait décidé de créer un « groupe de chansons rock normal » comme il l’a appelé dans un post d’Instagram en octobre dernier. Disheveled Cuss décrit le projet comme « quelque part entre le début de Weezer et Teenage Fanclub avec une forte influence indie rock des années 90 ». Dans cette dernière catégorie, on compte les plus évidents Sonic Youth, Dinosaur Jr, Nirvana, Pixies, Pavement, ainsi que les moins évidents twee pop comme Dear Nora comme influences majeures au son de cet album. Bien qu’à première vue, ce projet puisse sembler faire partie d’une série d’albums de renouveau des années 90, solides mais sédentaires, Reinhart ne peut s’empêcher d’être lui-même. Son style de guitare unique se répand à la surface à chaque instant possible. Cela vêt Disheveled Cuss d’une nostalgie inexplorée à une nostalgie qui recontextualise la nostalgie en un souvenir qui se déforme et se décompose avec le temps.

Pour l’essentiel, Reinhart est fidèle aux soniques des années 90, bien qu’avec un style de production plus moderne. L’album regorge d’accords de puissance, de pédales de chorus désaccordées, d’overdrives empilées et de lourdes couches de fuzz. Sur « Don’t Paint the Sun », Reinhart saupoudre un synthé au son vintage et un piano qui scintille brièvement. Il maintient son style vocal doux, souvent doublé, qu’il a utilisé tout au long de Tera Melos et qui se prête parfaitement à ce style. Sur « She Don’t Want » et « Nu Complication », Reinhart s’adonne à des mélodies vocales douces et pavotées qui évoquent la scène du nord-ouest du Pacifique dans les années 90. Mais dans ces limites, il insuffle un style qui lui est propre, arrachant l’auditeur à la vague de nostalgie des années 90 et le plongeant dans son monde actuel, où il doit faire face aux facteurs de stress quotidiens qui affectent l’âge adulte. C’est particulièrement clair sur la chanson « Oh My God », où la voix démoniaque de Reinhart, dont la tonalité changeante, entonne « Give up » à chaque couplet. Sur le refrain de « She Don’t Want », il associera le falsetto caractéristique des années 90 à un retournement d’accord décalé qui prive l’auditeur du bonheur de la power pop d’un refrain de Weezer. 

Sur cet album, Reinhart se penche sur son œuvre la plus accessible à ce jour. Parallèlement à Disheveled Cuss, Reinhart a commencé à se produire et à enregistrer sous Acid Fab, un projet d’IDM qui est sans doute son plus mystérieux. Si l’on en juge par sa production récente, ses projets ne feront que le rendre plus aventureux et plus schismatique.

***1/2


Bryde: « The Volume Of Things »

3 septembre 2020

Le soleil brille depuis des semaines, le ciel reste bleu – nous devrions être à l’aube d’une spectaculaire saison de festivals. Cependant, les circonstances exceptionnelles dont on se souviendra toujours en 2020 ont malheureusement mis en sourdine l’idée de se rassembler dans des champs et des tentes et d’emporter des souvenirs particuliers de spectacles et d’artistes que nous avons rattrapés ou découverts pour la première fois. En écoutant le deuxième album de Bryde, The Volume Of Things, on soupçonne qu’il y aurait eu beaucoup de gens qui auraient fait les deux et qui auraient beaucoup apprécié l’expérience, si cette collection de chansons avait été diffusée sur les sites des festivals dans tout le pays pendant l’été.

Il fait un clin d’œil au grunge, salue quelques dynamiques pop/rock classiques et reste très amical avec la mélodie tout en laissant toujours une large place à la voix et aux paroles de Sarah Howell pour commander la scène.

L’auteure-compositrice-interprète galloise a poursuivi ses débuts bien accueillis dans le rôle de Bryde avec un album qui devrait la mener plus loin sur la voie des hautes terres ensoleillées de la reconnaissance des ligues majeures.

Écrit et enregistré entre Londres et les studios de divers amis à Berlin, l’album est produit par Thomas Mitchener (Frank Carter & The Rattlesnakes, The Futureheads et BlackWaters). Bryde décrit la sensation d’expansion du disque comme étant « le calme avant la tempête – avant le vrai calme auquel je travaille ».

Il s’agit d’un opus de 11 chansons qui s’insère très confortablement dans des collections de disques qui pourraient déjà contenir des enregistrements de folk moderne, de rock, d’indie ou même d’alt-country.

L’album est toujours fort, avec une agréable capacité à changer de rythme et de ton, tout en puisant dans les expériences très réelles de la plupart des auditeurs – tout en étant écrit dans la perspective de l’artiste elle-même.

Le premier « single », « The Trouble Is », traite des pensées et des angoisses qui nous empêchent de dormir la nuit, ce que la plupart d’entre nous auront enduré à un moment ou à un autre. « Vous cherchez un moyen de bien faire les choses / Les choses que vousvous dites à vous-même la nuit », (Looking for some way to get it right/ The things you think to yourself at night ) est une phrase clé qui, peut-être, résonne en chacun de nous.

« Ce que nous avons en commun peut souvent être ce qui nous sépare », dit Bryde. « Je suis une terrible insomniaque et j’ai plusieurs méthodes pour faire face à la situation, qui consistent principalement à essayer de calmer mon cerveau hyperactif. J’espère que les gens peuvent vraiment résonner avec cette ligne ».

Le lyrique et aigu, « 80 Degrees » démonte habilement la fin d’une relation – « De toutes les choses que tu n’as pas jetées/ Tes cadeaux fantaisistes ont été les premiers à partir » (Of all the things that you didn’t throw/ Your fancy gifts were the first to go), tandis que le complexe « Flies » et le dynamisme lancinant de « Paper Cups » ancrent le milieu de l’album, et la teinte grinçante occasionnelle n’est jamais plus forte que sur sur« Hallelujahs », qui tire même son chapeau aux parrains du genre avec sa ligne d’ouverture « Come as you are… ».

Mais si Bryde devait un jour me rappeler quelqu’un de cette période, ce serait l’axe des Muses balbutiantes/Belly des demi-sœurs Kristin Hersh et Tanya Donelly. Il est clair que le chant féminin aide à la comparaison, mais aussi la sensibilité à l’œuvre et l’exploitation de paroles qui incitent à la réflexion sur des airs accessibles.

Alors que l’album touche à sa fin, la densité et le grand rythme de « Handing It Over » cèdent la place à la rêverie brumeuse de « Outsiders » et à sa recherche de connexion dans un monde souvent fragmenté, avant de se terminer par la chanson-titre elle-même, un slow brûlant qui donne un peu de temps pour réfléchir et hocher la tête en accord avec les propres aspirations de Bryde.

« J’ai de grands objectifs pour cet album », conclut Bryde. « J’aimerais qu’il fasse vibrer les gens dans une vague de nouvelles émotions positives et qu’il soit célébré pour ses mélodies et son accessibilité. En fin de compte, j’aimerais qu’il nous rapproche tous un peu plus, même si c’est en restant à l’écart ». Mission partiellement réussie.

***1/2


Kid Dad : « In A Box »

2 septembre 2020

L’isolement. L’agitation. Retarder l’avenir. Mais assez parlé des débuts de Kid Dad, parlons de l’année 2020 jusqu’à présent. À en juger par son titre, In A Box semble taillé sur mesure pour le moment présent. En fait, le quatuor allemand a écrit ce premier long-métrage en deux ans et a commercialisé le genre de rock de guitare aliéné que Placebo avait déjà fait sien depuis le premier single « Rehab » en 2016. Il se trouve que les événements ont rattrapé la vision du monde claustrophobe de Kid Dad, ce qui fait que In A Box se sent étonnamment bien adapté à la nouvelle normalité.

Une grande partie de In A Box trouve le groupe et leur chanteur cryptique Marius Vieth se retirant dans un cocon apaisant de bruit grunge. La guitare qui mène « (I Wish I Was) On Fire » sonne comme un androïde somnambule, traînant et sans émotion, tandis que la pop agitée de « What You Call A Dream » canalise Marmozets à travers plusieurs (autres) pédales de distorsion. « Je ne peux pas atteindre le sol » (I can’t reach the floor), crie Vieth en s’enfonçant davantage, « c’est bien trop au-dessus de moi » (it’s way too far above me).

En effet, la mesure dans laquelle les murs que nous construisons pour nous protéger peuvent finir par nous piéger aussi, est mise en évidence dans « The Wish Of Being Alone ».  « Je ne montre pas mon point de vue », entonne Vieth sur un ton de somnolence, « je le veux » (I don’t show my point of view/ I want to’).

L’obsession de la solitude peut parfois sembler étouffante, mais les crochets à sang chaud signifient que Kid Dad évite de devenir larmoyant. Juste. Alors même que Vieth chante sans retenue « il n’y a que l’obscurité qui se cache derrière ces yeux » (there’s only darkness hiding behind these eyes) sur « Windows », le groupe ne tarde pas à briser la digue avec un rugissement primaire de cymbales, de guitares à manivelle et le propre hurlement de Vieth. In A Box est un cheval de Troie, un déprimant trempé dans des vagues de distorsion électrisantes. Il est imprégné d’aliénation, mais les débuts de Kid Dad sont très attendus pour défoncer les portes et être entendus par le monde entier.

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Girl Friday: « Androgynous Mary »

25 août 2020

La thèse du premier album de Girl Friday, Androgynous Mary, n’est pas difficile à déchiffrer – et ce n’est pas une mauvaise chose. Il est clair qu’ils en ont assez du patriarcat lorsqu’ils chantent « L’homme de tous les jours a-t-il l’impression de ne pas être concerné ? » (« Does the average man feel like he’s on the outside?) sur « Public Bodies ».

La franchise d’Androgynous Mary fait partie de l’attrait dont de ce groupe de rock basé à Los Angeles. Furieux d’avoir passé leur vie sous les feux de la rampe, ils chantent carrément Quand je dis que je souffre on ne le crois pas » (When I say I’m in pain they don’t believe it), sur le titre phare « Public Bodies ».

Girl Friday se sert de leurs paysages de chansons captivantes comme base pour soutenir leurs paroles et leurs thèmes – leur désillusion face à la société normative. Androgynous Mary vous emmène dans un manège de diversité sonore. Et le combo se fraye un chemin à travers l’indie, le garage rock, le punk et revient à l’indie, avant de s’installer dans un endroit qui se situe en dehors de la composition de chansons traditionnelles.

Alors que l’album progresse à travers des textures diverses, le projet atteint son apogée émotionnel à mi-chemin avec « Earthquake ». Au-dessus d’un riff de type heavy-metal, le groupe s’exclame « J’ai juste envie de me sentir comme un tremblement de terre / Tout est pourri bordel de merde » (I just wanna feel like an earthquake / Everything is boring for fuck sake » Tout en commentant simultanément notre culture de la gratification instantanée et la mise à l’index des personnes privées de leurs droits, Girl Friday trouve le moyen de rendre leur musique amusante et extatique. En même temps, les thèmes sont stimulants et profonds.

Cette dichotomie permet à Androgynous Mary de rester captivant. La batterie et les guitares qui s’envolent conservent leur énergie tout au long de l’album, tandis que les paroles lugubres jettent une ombre sombre sur tout. Girl Friday ne vous permet pas de consommer leur musique comme bon vous semble ; vous devez reconnaître le groupe de personnes qui l’ont faite. Elles parlent franchement, exigent le respect, l’équité et jouent une tonne de musique agréable.

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Bright Eyes: « Down in the Weeds, Where the World Once Was »

21 août 2020

Il est intéressant de voir tous les musiciens que nous avons grandi en écoutant, la jeune avant-garde, les créateurs de goût, non seulement en grandissant mais en vieillissant. Même s’ils n’ont cessé de faire de nouveaux disques pendant toutes ces années depuis leurs soirées de sortie, il y a un sentiment sous-jacent au cours des deux derniers cycles d’albums que ces artistes embrassent et acceptent la place qu’ils occupent maintenant dans leur vie. Des décennies plus tôt, lorsqu’ils écrivaient des chansons pointues sur ce que c’est que de grandir et qu’ils critiquaient la vieille génération, ils sont maintenant essentiellement la vieille génération. En 2011, Conor Oberst et ses acolytes de Bright Eyes, Nathaniel Walcott et Mike Mogis, ont estimé que ce chapitre de leur vie s’était achevé avec le « dernier » album de Bright Eyes, The People’s Key. Cinq albums solo, un détour par sa formation post-hardcore Desaparecidos et une collaboration exceptionnelle avec Phoebe Bridgers et le Better Oblivion Community Centre, Oberst, Walcott et Mogis sont de retour avec leur dixième album studio Bright Eyes Down In The Weeds, Where The Old World Once Was, et ils sonnent comme des êtres vivants et rafraîchis comme jamais. Beaucoup de temps a passé, pas seulement en années mais en vie, mais cette expérience n’a fait que renforcer le trio en tant que certains des meilleurs collaborateurs de leur propre chef et, en fin de compte, de toute génération.

L’album démarre comme beaucoup de disques de Bright Eyes avec « Pageturner’s Rag », une sorte d’expérience musicale et orale. Cette fois-ci, c’est une combinaison d’espagnol et d’anglais qui donne le ton de ce qui va suivre, à savoir une collection de chansons réunies autour des thèmes du regret, de la perte, de la beauté et du salut, qui sont toutes livrées avec le type d’autorité que l’on ne peut obtenir qu’en travaillant avec des amis de confiance. « Dance and Sing » débute avec la voix familière et réconfortante d’Obert et le type de paroles que lui et très peu d’autres peuvent s’offrir. Les tambours arrivent et les cordes se gonflent alors qu’Oberst chante «Je vais faire mon deuil/ Ce que j’ai perdu/ Pardonner le peloton d’exécution/ Comme la vie peut être imparfaite/ Tout ce que je peux faire maintenant, c’est continuer à danser »  (I’ll grieve/What I have lost/Forgive the firing squad/How imperfect life can be/ Now all I can do/Is just dance on through) et c’est comme si on revenait à la maison avec un vieil ami. Mais l’album n’est pas seulement de la nostalgie.

Les compositions sont parmi les plus fortes qu’Oberst ait écrites depuis des années et l’aptitude du groupe à faire essentiellement ce qu’il veut et à tout transformer en arrangements cohérents est louable. Une grande partie de ce que nous entendons dans Down In The Weeds, Where The World Once Was, semble être directement inspirée de la dissolution du mariage d’Oberst et de sa réconciliation avec tout ce qui l’entourait. Le groove valsant de « Just Once In The World » commence à la guitare acoustique et se développe en un puissant morceau de groupe, voyant Oberst chanter « Swallow hard and say you’re sorry/Just admit what you have done » et, comme toujours avec lui, il est capable de vendre l’émotion derrière tout cela. Le « single » « Mariana’s Trench » est la quintessence de Bright Eyes. Les synthés tourbillonnent autour d’une ligne de basse rebondissante et d’une batterie en sourdine.

Même avec son message très réaliste sur l’état du monde, il y a une véritable catharsis lorsqu’il chante dans le refrain « Regardez cet Everest / Regardez dans cette tranchée des Mariannes / Regardez maintenant que le 405 qui s’effondre s’écroule / Quand le gros coup arrive / Faites attention aux gens en civil / Faites attention à ce que savent les écoutes téléphoniques / Faites attention à la piste de l’argent qui ne cesse de s’élargir et où elle va  (Look up at that Everest/Look down in that Mariana Trench/Look now as the crumbling 405 falls down/When the big one hits/Look out for the plainclothes/Look out for what the wiretap knows/Look out on the ever widening money trail and where it goes ). Quand les klaxons et les tercussions à double tempo explosent dans le pont et que la pause pleine de tension nous propulse à nouveau dans le refrain, on entend le son d’un groupe au sommet de son art. Bright Eyes s’attaque au vieillissement dans « One And Done ». Oberst chante sur des tambours tachetés de réverbération : « Mon vieux pote a l’air tremblant, une cigarette à la main/du sel et du poivre saupoudrés sur son visage et sur sa tête/on dirait qu’il va se mettre à pleurer, c’est juste un truc que j’ai dit/faisons un tour dans le quartier/ce sentiment fugace est infini » My old pal looks shaky with a cigarette in his hand/Salt and pepper sprinkled on his face and on his head/Looks like he might start crying, is it just something that I said/Let’s take a walk around the block/This fleeting feeling is infinite) et le sentiment invoqué est plus que fugace, il est reconnaissable et honnête et cela vous colle à la peau. De plus, nous avons le bonus supplémentaire qu’Oberst termine causalement un couplet de rimes avec  « Anthropocene » »qui est un régal en soi. « Persona Non Grata » porte le poids des sentiments associés à l’union dissoute d’Oberst. Il chante, avec une râpe torturée, « Et maintenant toi, tu viens à moi, me demandant ça/et maintenant toi, tu viens à moi, et tu me demandes ça/ comment nous pouvons nous réconcilier » (And now you, you come to me, asking that/And now you, you come to me, and you’re asking that/Oh how can we reconcile?) et par-dessus les cornemuses, qui ajoutent une couche supplémentaire de mélodrame à la chanson, on entend combien il le pense. « Calais to Dover » est un autre point fort de l’album, avec son groove enjoué et sa mélodie planante. Oberst atteint un nouveau niveau d’émotion dans le refrain en chantant : « Maintenant que vous êtes partis/Maintenant que je suis ici tout seul/Il ne sera pas long/jusqu’à ce que je doive payer pour ce que j’ai fait » (Now that you’re gone/Now that I’m out here on my own/It won’t be long/’Til I have to pay for what I’ve done).

Mogis et Walcott font en sorte que tout bouge, en ajoutant des couches de soutien aux paroles d’Oberst et ils font en sorte que les chansons soient aussi ouvertes et aérées que possible avec tout ce qui se passe. La production de Down In The Weeds, Where The World Once Was est absolument parfaite. Rien ne s’enlise à aucun moment et qu’il s’agisse d’un synthétiseur des années 80, d’un solo de guitare absolument déchirant, d’un cor solitaire ou d’une section de cordes, tout s’intègre merveilleusement bien dans la pièce et donne du relief aux chansons. Une décennie s’est écoulée depuis que nous avons entendu Bright Eyes et, bien que tant de choses se soient passées au cours de cette période, non seulement sur le plan musical mais aussi dans le monde entier, le fait d’avoir cette nouvelle collection de chansons de ces artistes ne pouvait pas sembler plus opportun. Ce n’est pas un disque de retrouvailles comme la plupart des disques de retrouvailles le font avec cynisme. Bright Eyes n’avait pas besoin de se réunir et personne ne le réclamait particulièrement, mais c’est une si belle surprise et le disque n’aurait pas pu tomber à un moment plus opportun. Oui, les artistes avec lesquels nous avons grandi ne sont peut-être plus les jeunes débutants qu’ils étaient autrefois, mais grâce aux turbulences de la vie et à leur dévouement à leur métier, ils sont devenus tellement meilleurs que nous aurions pu l’espérer et c’est la plus inspirante des choses à retenir.

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