Riding The Low: « The Death Of Gobshite Rambo »

11 mai 2022

Riding The Low continue de défier les genres avec son dernier album, The Death Of Gobshite Rambo. Le titre de l’album est une déclaration en soi, et ce disque de 12 pistes confirme ce nom qui fait tourner la tête, le groupe équilibrant les moments d’introspection avec des rythmes qui font tilt. L’acteur, musicien et réalisateur Paddy Considine a récemment rencontré Mark Millar sur le podcast XS Noize pour parler de son dernier album avant les prochaines dates de la tournée d’avril. 

The Death Of Gobshite Rambo s’ouvre sur « Carapace Of Glass », l’un des deux singles du projet. L’intro est une houle de guitares flastées désorientantes et Considine plonge directement dans ce morceau en chantant « I struggle in relationships / I struggle to be myself »(J’ai des difficultés dans mes relations / J’ai du mal à être moi-même). La simplicité et l’honnêteté des paroles traversent l’album et constituent une base solide pour la chanson. Considine explore ses défauts et ses problèmes sur un lit de batterie stable et un accompagnement de guitare clairsemé dans ce numéro. 

« Wake Me Up When It’s Over » suit et oriente le disque dans une direction plus lourde. Avec des guitares distordues musclées et une faible contre-modalité de violon aiguë, Considine joue avec l’existentialisme dans ce morceau épique. Les couplets moelleux se juxtaposent joliment au refrain entraînant, qui a un côté paradoxal. « Si ce sont les meilleurs moments de notre vie / Réveillez-moi quand c’est fini », chante Considine. Avec une guitare acoustique infusée au phaser, un cor sinueux et une voix off énigmatique, Riding The Low mène la chanson à son apogée avant qu’elle ne se termine par un dernier refrain contagieux.

« Live From The Tramp Fights » a une forte connotation de rock classique, Riding The Low s’imprègne du son grinçant des années 60 et du style lourd des années 70. Parsemé de cornes et mettant en vedette la voix déformée de Considine, ce morceau est dynamique et diversifié. « Tommy Hawk » suit avec un son blues distinct, et une ambiance Far West. En créant un personnage fictif avec un jeu de mots sur « Tomahawk », Considine trace l’histoire d’un personnage à la morale douteuse et au passé trouble comme un commentaire en passant sur la nature humaine.

 » By-Product of the Last Flats » est l’un des morceaux les plus intéressants de l’album, car le groupe combine le grunge et l’indie avec Considine dans sa voix la plus erratique. Cela s’insinue dans l’oreille et en fait un morceau qui est aussi déroutant qu’infectieux. « Black Mass « , le premier single de l’album, plonge dans le son rock des années 90 pour une chanson acoustique qui inclut Considine dans son émotion la plus envoûtante. 

La chanson titre fait office d’avant-dernière piste de ce disque captivant avant que « Truth Is All I Have » ne vienne clore l’album avec un moment « briquets en l’air ». C’est un véritable hymne de festival, avec un refrain entraînant, complété par un riff lourd et des guitares distordues qui donnent au morceau une dimension supplémentaire. 

The Death Of Gobshite Rambo explore certaines des pensées les plus chères à Considine et équilibre ses paroles perspicaces avec des morceaux de rock percutants. C’est le disque parfait pour une écoute de fin de soirée, et chaque chanson a le potentiel pour devenir un incontournable des festivals alors que nous entrons dans le premier été de musique live depuis 3 ans. 

***1/2


The Builders And The Butchers: « Hell & High Water »

9 mai 2022

Cela fait cinq ans que The Builders And The Butchers n’ont pas sorti de disque, aussi Hell & High Water, leur dernier opus, vise à compenser largement ce retard.Le groupe s’est formé à Portland, mais ses membres sont maintenant dispersés et séparés par des frontières d’état et un océan dans un cas. Pour réaliser ce disque, il a fallu surmonter la géographie, la pandémie et bien plus encore. La plupart des membres vivent dans l’Oregon, le Colorado et Washington, mais le bassiste Willy Kunkle est capitaine de bateau à Malte, alors le reste des membres l’ont rejoint là-bas en 2019, s’installant dans un hangar à bateaux dans la marina pour travailler sur l’album. « Tout au long de l’automne et de l’hiver 2019, nous nous réunissions chaque semaine, faisions un feu, buvions de la bière et du whisky et essayions de trouver une certaine cohésion dans ces airs », a déclaré le chanteur Ryan Sollee. « Ce lieu de rassemblement a été le plus inspirant que nous ayons eu dans tout processus créatif pour tout album jusqu’à présent. »

Et malgré ce qui s’est passé ensuite, l’album est toujours remarquablement cohérent, de la première grenade et de la voix plaintive de Sollee sur la première chanson « The River », à la chanson finale, émotionnellement puissante, « Sonoran Highway Song ». Début 2020, après avoir posé les premières pistes de batterie en studio, la pandémie et les quarantaines mondiales ont contraint le groupe à terminer l’enregistrement à distance. Ajoutez à cela le fait que les membres ont dû faire face à des incendies de forêt en furie et à des émeutes dans les rues.

En conséquence, les performances sur Hell & High Water sont très émotionnelles, tant au niveau de la voix que du jeu, ce qui fait de Hell & High Water l’album le plus marquant du groupe en presque deux décennies de collaboration. Vous pouvez l’entendre dans le doom sonore de « West Virginia », une chanson de caractère sur le fait de se cacher des flics, et dans la magnifiquement subtile « Nebraska » (pour ce que ça vaut, il y a une autre « chanson d’état » ici, la rauque « Montana », recouverte de guitare floue et d’énergie frénétique). 

Le disque, qui compte une douzaine de titres, parvient à être à la fois tendu sur le plan émotionnel par moments et satisfaisant sur le plan du divertissement. Compte tenu de tous les obstacles qui ont dû être franchis pour que Hell & High Water voie le jour, le titre est remarquablement approprié.  

***


Archive: « Call To Arms & Angels »

8 mai 2022

Tout vient à point pour qui sait attendre. Pour les fans d’Archive, Call To Arms & Angels met fin à la plus longue période de sécheresse du groupe avec un magnum opus brillant de près de deux heures. En raison, au moins en partie, de la pandémie de 2020 et du surplus de temps libre qui en résulte, nous voyons toujours plus d’artistes qu’à l’accoutumée sortir ce genre d’albums gigantesques, mais il a rarement été aussi facile de naviguer sur un double LP de dix-sept titres et 103 minutes qu’ici. Call To Arms & Angels glisse et caresse, s’écoulant avec une grâce sans effort où les instruments résonnent avec une clarté immaculée, les mélodies s’épanouissent et les morceaux s’entremêlent comme des veines servant toutes le même organe vital. Plongé dans une brume éthérée, le douzième album studio d’Archive vous emmène dans un voyage dramatique, époustouflant et imprévisible qui ne ressemble à rien de ce que vous entendrez en 2022.

Call To Arms & Angels est en quelque sorte une renaissance pour Archive. Depuis une demi-décennie, le groupe a été témoin et a dû faire face à des bouleversements à l’échelle mondiale. Le frontman Darius Keeler a comparé l’atmosphère de l’album au flux et reflux de la lumière et de l’obscurité, forces réelles de la société : « L’écriture de notre douzième album studio a été une période extraordinaire pour le groupe. L’écriture des chansons est devenue un récit qui se déroule alors que le monde devient chaque jour plus étrange et plus inquiétant. Avec les libertés des gens poussées à bout, la souffrance causée par Covid et les terribles événements aux États-Unis menés par Trump et la montée de la droite, tout semblait possible. Réfléchir à cette époque en tant qu’artistes a fait surgir une noirceur et une colère, mais aussi une étrange sorte d’inspiration qui était parfois troublante. Cela nous a vraiment fait apprécier le pouvoir de la musique et la chance que nous avons de pouvoir exprimer nos sentiments de cette manière. Il semble qu’il y ait de la lumière au bout du tunnel, mais il y a toujours des ombres dans cette lumière ».

On peut ressentir cette dynamique à travers Call To Arms & Angels, qui regorge d’éléments contrastés mais parfaitement mélangés. Il y a une ambiance délicate, chargée de piano, qui recouvre l’album comme un brouillard, tandis que des éclats de voix harmonisées en forme de crescendo agissent comme des rayons de lumière coupant les couches froides et mystérieuses de l’atmosphère. On l’entend immédiatement dans la transition entre le spacieux et céleste « Surrounded By Ghosts » et le rock plus concret et rebelle de « Mr Daisy », avec ses guitares électriques amplifiées et son message de défi : « Va te faire foutre si tu crois que je suis dans ton ombre / joue ton rôle de leader, de trompeur / tu sais bien que je vois clair dans ton jeu (Get fucked if you think I’m in your shadow / play your part as the leader, the deceiver / thick fuck, well you know I see right through ya). Le jeu d’Archive avec les concepts de clarté et d’obscurité n’est pas seulement un moyen de créer une atmosphère, c’est aussi une application des thèmes principaux du disque. On pourrait dire que « Mr Daisy » représente une figure autoritaire ignorante, dont l’obtusité/densité émotionnelle (par opposition à la transparence/l’ouverture d’esprit) projette une ombre et crée ainsi une poche d’obscurité là où il y aurait autrement de la lumière.

Lorsqu’Archive n’explore pas ces textures littérales et métaphoriques, il s’attaque à l’alt-rock électronique de manière progressive, dépliant ses limites rigides pour créer quelque chose de plus élaboré et de plus étendu. Si l’ensemble de Call To Arms & Angels respire comme un tout, l’ambition d’Archive est plus évidente dans les cinq mini-épopées qui durent toutes plus de huit minutes. « Daytime Coma « , d’une durée de quatorze minutes et demie, est un monde immersif en soi, qui commence par d’élégants pianos qui s’enchevêtrent lentement avec des synthés propulsifs avant de tomber d’une véritable falaise ; à partir de là, le morceau se reconstruit lentement jusqu’à sa fin chaotiquement dissonante. Sur les neuf minutes et demie de  » Freedom « , nous avons droit à un hymne à la liberté personnelle (ou à un regard ironique sur les privilèges et l’avidité aux dépens des autres) qui fait irruption dans la salle avec des niveaux de grandiosité dignes de Queen et des paroles exaspérantes et pompeuses ( » My word is right / It’s good, c’est génial, c’est blanc / C’est droit / Je vis comme ça parce que je peux ») avant que le tout ne se brise – peut-être de manière appropriée – comme un ego en verre après seulement trois minutes suivant les lignes poignantes « La liberté remplit les tombes / La liberté pour l’amour de Dieu / La liberté a le goût de la saleté » (Freedom fills the graves / Freedom for God’s sake / Freedom tastes like dirt). Les six minutes restantes serpentent à travers des pianos sans but et des ronflements sourds qui semblent amplifier la distinction entre les deux ambiances de la chanson – l’une de confiance imparable et l’autre reflétant ce à quoi cela ressemble lorsque vous réalisez que vous n’êtes pas aussi invincible que vous le pensiez.

Ce qui est si impressionnant dans ces chansons – toutes, et pas seulement les plus longues – c’est la manière audacieuse et presque intrépide avec laquelle elles progressent. Archive n’a pas peur de faire s’effondrer sur eux-mêmes des tubes grand public extrêmement contagieux comme « Freedom ». Ils n’ont pas non plus peur de faire miroiter la carotte devant leur public qui attend un crescendo, pour que tout s’éteigne sur le magnifique filet d’un piano classique. Dans le même ordre d’idées, il y a des moments où vous pensez avoir flotté dans un pâturage tranquille pour vous reposer quand Archive sort soudainement les guitares électriques et inonde cet espace de bruit. Les transitions peuvent être brutales mais ne le sont généralement pas, car Call To Arms & Angels ressemble moins à un puzzle constitué de pièces séparées qu’à un tableau dont les différentes couleurs se mélangent pour former une belle image. Tout semble lié, le produit d’une vision audacieuse, créative et éclectique qui a été exécutée à la perfection.

Certaines des chansons qui contribuent le plus à donner vie à cette vision sont aussi les plus courtes. Malgré l’énorme durée de l’album et la présence de morceaux absolument imposants, c’est le doux et feutré « Shouting Within » qui résonne le plus une fois que Call To Arms & Angels a suivi son cours. Alors que Darius Keeler et Holly Martin se partagent les tâches vocales tout au long de l’album, c’est la performance de Martin qui finit par être le point central de toute l’expérience, tant sur le plan esthétique que thématique. Elle s’auto-harmonise de manière absolument époustouflante, avec un son pur et angélique sur les notes de piano prudentes mais énergiques qui semblent porter ses mots. L’écriture est brillante jusqu’aux paroles, qui capturent l’essence de l’inspiration de Call To Arms & Angels : « Les temps changent maintenant / L’existence est différente maintenant… Les gens semblent désespérés d’une certaine façon » (Times are a changing now / Existence is different now…People seem desperate somehow). Keeler a aussi ses moments de gloire, notamment le chant braggadocios et épique de  » Freedom « , mais il livre aussi un joyau dans le refrain magnifiquement gonflé de  » Every Single Day « , où la beauté inhérente de la chanson est démentie par le désespoir ressenti dans les paroles : « éteignez le sentiment, éteignez le sens / il n’y a rien » (extinguish feeling, extinguish meaning / there is nothing). Cet album déborde de ces diamants dans la pierre ; des moments qui donnent corps et forme à l’ambiance et permettent à l’expérience d’atteindre un équilibre idéal entre aura hypnotique et mélodie contagieuse.

Pris dans son ensemble, Call To Arms & Angels peut être un peu écrasant. C’est un commentaire sur les événements historiques de notre époque. C’est un voyage hypnotique à travers l’ambiance, la musique électronique et les synthés. C’est aussi un album de rock avec des refrains plus grands que nature… oh, et aussi un délicat morceau de folk au piano. La désorientation ressentie par les auditeurs peut ou non être une autre composante thématique intentionnelle du disque, mais elle fonctionne certainement dans les limites de ce qui a inspiré Call To Arms & Angels : la série d’événements mondiaux aliénants et presque incroyables de ces six dernières années qui ont fait que beaucoup d’entre nous se sentent de plus en plus détachés de la réalité. Il y a un vague sentiment d’errance, semblable à l’aspiration à des réponses dans l’ambiguïté des vérités modernes. C’est ce sentiment précis qui semble être dans la ligne de mire d’Archive ici : une observation de toutes les choses intangibles, tout en perdant le sens de ce qui est réel. Call To Arms & Angels nous guide dans le brouillard, n’offrant aucune voie de sortie claire – seulement la promesse qui vient avec un rayon de lumière occasionnel.

****1/2


Rolling Blackouts Coastal Fever: « Endless Rooms »

7 mai 2022

En errant dans les mêmes rues de West Brunswick – encore et encore – pendant les interminables confinements sur Melbourne, Tom Russo de Rolling Blackouts Coastal Fever a réfléchi à la « quantité décente de choses qui vont clairement mal dans ce pays ».

Le troisième album de Rolling Blackouts Coastal Fever aborde donc des thèmes lourds, comme « les répercussions de la vie sur des terres volées » et les horribles catastrophes naturelles (feux de brousse, inondations) dont notre pays a souffert ces derniers temps. Mais parce qu’il y a une exubérance joyeuse, rebelle et jeune dans le son global du groupe, il faut vraiment tendre l’oreille pour saisir le contenu lyrique plus politique qui est dispersé dans Endless Rooms.

Ce quintet est composé d’un trio d’auteurs-compositeurs-interprètes jouant de la guitare – les cousins Fran Keaney et Joe White et leur compagnon Russo – avec le frère de Russo, Joe, bassiste, et Marcel Tussie, batteur, pour la section rythmique. Parfois, leur voix est celle de Mark Callaghan de GANGgajang, parfois celle de Steve Kilbey.

Le son d’une porte grinçante ouvre Endless Rooms, se transformant en un paysage sonore d’ouverture d’une minute : l’atmosphérique « Pearl Like You », qui évoque « In The Air Tonight ». « Tidal River » – décrit par Russo comme « un petit instantané de la vie dans un endroit à un moment où l’on a l’impression qu’il n’y a personne au volant » – emploie avec art un effet de chant sous-marin à l’occasion : « Jetski over the pale reef/ Chase the pill for some relief/ As long as you don’t point out/ What’s underneath your feet » Jetski sur le récif pâle/ Chassez la pilule pour vous soulager/ Tant que vous ne montrez pas du doigt/ Ce qu’il y a sous vos honoraires…) – il y a des résidus de Midnight Oil dans ce morceau, qui démonte la réputation de « pays chanceux » de l’Australie.

Enregistré en grande partie à The Basin – une maison en briques de terre crue que la famille Russo a construite dans la région de Victoria dans les années 70 (voir l’image de la pochette de l’album) – Endless Rooms contient des enregistrements de « bruits de feu, de pluie et d’oiseaux ». Et ce cadre rural, au bord du lac, a inspiré le son vaste et vivant que Rolling Blackouts C.F. déploie sur son opus numéro trois.

Au cours du single principal « The Way It Shatters « – qui fait appel à un synthétiseur hyperactif et à des lignes de guitare métalliques et chatoyantes – White lance un appel aux « entitled mofos » (les gens qui ont des droits ) : « It’s desolation by rote/ All around your home/ If you were in the boat/ Would you turn the other way ? » (C’est la désolation par cœur/ Tout autour de ta maison/ Si tu étais dans le bateau/ Tu ferais demi-tour ?). Le morceau phare « Dive Deep » met en valeur un riff syncopé et frisé (c’est une véritable prouesse !) et la conclusion flippante de Blue Eye Lake donne l’impression de se balancer au bout d’une corde dans une rivière rafraîchissante par une journée de canicule. L’avant-dernière chanson-titre de l’album, morne et désespérée, se contente d’un accompagnement minimal de cordes et de larsens, et braque les projecteurs sur nos protagonistes épuisés : « Through endless rooms we walk/ Just tryna find somewhere to lay down » (Nous marchons dans des pièces sans fin, cherchant juste un endroit où nous allonger.).

Un sens distinct du lieu fait de Endless Rooms une expérience d’écoute vivante. Attendez, est-ce qu’on peut vraiment sentir la fumée des feux de brousse en ce moment ? Un mantra répété dans le morceau de l’album » Saw You At The Eastern Beach », écrit par Russo, « Things always can look up » Les choses peuvent toujours s’améliorer), résume bien l’esprit brisé mais plein d’espoir de cet album.

***1/2


Warpaint: « Radiate Like This »

6 mai 2022

Il fut un temps où il semblait qu’un nouvel album de Warpaint ne verrait pas le jour. Les quatre membres du groupe (Emily Kokal (chant/guitare), Jenny Lee Lindberg (basse/voix), Stella Mozgawa (batterie/voix) et Theresa Wayman (guitare/voix)) étaient occupés par de nombreuses choses, à savoir « des bébés, des emplois, des tournées et des albums solos » et des déménagements qui les ont vues se disperser à travers le monde. Finalement, l’attrait de leur travail les a toutes ramenées, comme un rayon tracteur, à Warpaint, où elles ont commencé à travailler sur ce qui allait devenir Radiate Like This, leur quatrième album et leur premier en six ans.

La formation de l’album a commencé dans le sens traditionnel du terme, avec le quatuor qui a jammé des idées et jeté les bases du LP avec le coproducteur Sam Pett-Davies (Thom Yorke, Frank Ocean et Skullcrusher). Cependant, une fois que Covid est arrivé, Warpaint s’est retiré dans ses maisons respectives pour terminer ses parties dans des studios improvisés. Le groupe s’est donc échangé de la musique, pour que la personne suivante s’appuie sur ce qui avait été envoyé précédemment. Couche après couche, les chansons ont commencé à prendre forme dans ce qui est devenu une expérience positive pour le groupe. En réfléchissant à la naissance de l’album, Kokal a déclaré : « C’est la première fois que nous faisons un album comme ça, mais d’une manière étrange, cela nous a fait prendre notre temps avec tout. Le processus nous a semblé plus méditatif, moins précipité ». Il n’est pas surprenant que cette notion coule dans les veines de Radiate Like This, c’est un album de nature éthérée, où les sons émergent, fusionnent et évoluent dans une longue séquence nébuleuse. Il rappelle opportunément le moment où le monde s’est arrêté pendant un bref instant ; il y a un sentiment de calme mais avec le spectre de l’incertitude qui plane.Aiflike et rêveur, le dernier et très attendu retour de Warpaint est un album qui séduit son auditeur, comme l’attrait de l’appel d’une sirène. C’est un disque qui évite la tangibilité, avec des sons vaporeux qui se manifestent et s’évaporent rapidement. Le morceau d’ouverture et single principal « Champion » donne le ton avec son bourdonnement brumeux et bas et ses rythmes coupés. Le chant de Kokal respire la fraîcheur sans effort, alors que le chanteur ronronne une déclaration de solidarité « nous sommes tous le même soleil/ nous sommes tous notre propre soleil aussi/ nous sommes tous l’océan/ nous te regardons tous » (we’re all the same sun/we’re all our own sun too/we’re all the ocean/we all look up to you), tandis qu’un riff cyclique s’amalgame avec une basse subtile, pour créer quelque chose de discrètement dansant.

Les thèmes de l’unité et de la camaraderie reviennent tout au long de l’album, ce qui est logique étant donné la façon dont l’album est né. Il est clair que « Radiate Like This » est né de l’isolement, mais il est évident que Warpaint est une unité très soudée et cette notion brille de mille feux. De même, les références au soleil et à la solidarité sont constantes. Stevie se déhanche avec une douceur R’n’B discrète où Kokal affirme « tu me rends heureuse/ tu me fais vouloir/ tu me fais vouloir danser/ avec toi »( you make me happy/you make me wanna/you make me wanna dance/with you) . Des rythmes tribaux se combinent à une teinte atmosphérique sur « Altar », une chanson qui finit par culminer avec un amour béat à 4 heures du matin et Kokal murmurant des mots d’engouement « here I am at your altar ». Pendant ce temps, la fantaisie de « Melting » brille d’une affection désinhibée « tu es la seule que je veux, tu sais, j’ai besoin de toi ». Enveloppée d’une palette plus large et plus sombre, la chanson s’achève par un groove de basse sans fin.

Pour un disque de nature rêveuse, il y a des flirts occasionnels avec l’extrémité la plus sombre du spectre sonore. « Hips » serpente et se tortille avec une position de prédateur, alors qu’une proclivités clairsemée et lunatique enveloppe la voix feutrée de Kokal. « Don’t fuck with her/she knows where you’re hiding » (Ne la cherche pas, elle sait où tu te caches) souligne la menace discrète de la chanson. L’élégante et sombre « Trouble » explique le besoin d’exorciser les démons et de se débarrasser des mauvaises pensées : « trouble/I carry with me all you have said/trouble/now I need your voice out of my head » (trouble/je porte avec moi tout ce que tu as dit/trouble/maintenant j’ai besoin que ta voix sorte de ma tête.). De luxueuses touches orchestrales donnent à la chanson une couche supplémentaire de théâtralité, afin d’accentuer son récit. L’électronique tonale et les grooves épais de la basse ajoutent un niveau de flottaison au bourdonnement constant de « Hard to Tell You ». C’est ici que nous trouvons Kokal hors d’elle, se débattant avec ses pensées et ses actions : « Je ne sais pas où commencer / mon cœur sera-t-il toujours aussi agité ? » (I just don’t know where to start/will this heart of mine always be so restless?).

Comme si nous avions besoin d’être reconfirmés… Radiate Like This souligne à quel point Warpaint est un groupe spécial – écoutez-le avec émerveillement.

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Arcade Fire: « WE »

2 mai 2022

WE, le premier véritable LP d’Arcade Fire en presque cinq ans, semble un peu mince au premier abord. Comparées aux 64 minutes de The Suburbs ou aux 75 minutes de Reflektor – sans parler de l’édition deluxe de 102 minutes de ce dernier – les 40 minutes du nouvel album semblent particulièrement maigres. En fait, sans compter les singles ou la bande originale de HER, ces sept titres constituent la plus courte sortie du groupe canado-américain depuis son premier EP de 33 minutes en 2003.

Certains pourraient penser qu’un groupe – surtout s’il est aussi bien accueilli commercialement et par la critique – devrait avoir plus à offrir après une demi-décennie d’absence. Pourtant, WE ne montre aucun signe d’avoir été jeté pour une bouchée de pain ou bricolé comme un produit pour une tournée. Entre la production épurée de l’album et ses chansons claires et directes, on a l’impression que Win Butler, Régine Chassagne et les autres ont pris le temps de trouver exactement quoi dire et comment le dire. Cela rappelle la citation de Blaise Pascal : « J’aurais écrit une lettre plus courte, mais je n’ai pas eu le temps. »

Et finalement, c’est à cela que ressemble WE : Une lettre bien ficelée et sincère d’un vieil ami que vous n’avez pas vu depuis longtemps. Même s’il n’a pas les détails piquants et le pouvoir cathartique de The Dream d’Alt-J ou, surtout, d’Angel in Realtime de Gang of Youths, l’empathie et la bonne volonté de l’album lui permettent de passer le cap. Bien sûr, les mélodies solides et les rythmes enjoués aident.

De manière typiquement grandiloquente, Arcade Fire divise le LP en faces et sections avec des étiquettes imprégnées de présage. La première face, intitulée « I » (comme dans « me, myself, and »), se concentre sur le désespoir pas si tranquille de la vie pendant MAGA, COVID-19 et le changement climatique. La deuxième face, « We », appelle à l’unité, à la guérison et à la persévérance face à ce désespoir. Les compositions de chaque face portent des noms comme « End of the Empire I-IV ». Heureusement, toute cette pompe liturgique se dissipe dès que l’on appuie sur le bouton de lecture.

La face « I » commence par le thème « Age of Anxiety I ». Sur un piano doux et plaintif, Butler se lamente sur notre « époque actuelle où personne ne dort », peu importe la quantité de télévision que nous regardons ou le nombre de pilules que nous prenons. Des accords de synthétiseur fantomatiques planent en arrière-plan, comme les inquiétudes lancinantes que toutes nos commodités modernes ne parviennent pas à apaiser.

Mais à mesure que la musique enfle, le frontman semble puiser sa force dans la batterie régulière et la voix céleste de Chassagne. Le morceau se transforme finalement en un rythme disco palpitant. « Je dois faire sortir cet esprit de moi » (Gotta get this spirit out of me), gémit Butler alors que Chassagne flotte et tourbillonne autour de lui et que les accords de synthétiseur vont crescendo comme le soleil levant. Voilà, en résumé, le message de l’album : On ne s’en sortira qu’ensemble.

Mais ce message ne passe pas tout de suite. Le deuxième morceau, « Age of Anxiety II (Rabbit Hole) », montre Butler et Chassagne en train d’essayer à nouveau le confort des créatures de l’ère moderne. « Heaven is so cold », soupire-t-il, et les synthés glacés et le rythme robotique ne font rien pour apaiser son désespoir.

La face « I » se termine par le sombre « End of the Empire I-IV ». Piano, guitare acoustique et synthétiseur se rassemblent alors que Butler médite sur le déclin et la chute de l’empire américain. Le rythme solennel et quelques cordes qui s’évanouissent donnent au morceau une atmosphère funèbre.

Le premier single de l’album, « The Lightning I, II », donne le coup d’envoi de la partie « We ». Le grappillage urgent de Butler annonce la fin de la nuit noire de l’âme de la première face. « Nous pouvons y arriver si tu ne me laisses pas tomber/je ne te laisserai pas tomber » (We can make it if you don’t quit on me/ I won’t quit on you), promet-il tandis que le groupe marche à ses côtés. Lorsqu’ils se lancent dans un galop extatique à la Springsteen vers les trois minutes, c’est comme le premier jour chaud du printemps après un hiver long et froid.

Vient ensuite « Unconditional I (Lookout Kid) », aux accents folk, dans lequel Butler offre sa solidarité à tous les jeunes qui devront se frayer un chemin dans ce monde désordonné. « Fais confiance à ton corps/ Tu peux danser, tu peux te secouer » (Trust your body/ You can dance, you can shake), dit-il. Le rythme enjoué et trépidant les encourage à le faire.

Sur « Unconditional II (Race and Religion) », Chassagne promet une dévotion sans faille sur un groove sensuel et bouillonnant. « You and me/ Could be we », roucoule-t-elle. On peut lire cela de manière romantique ou politique.

WE se termine par la chanson titre, sobre et lumineuse. « I wanna get well, I wanna get free/ Would you wanna get off this ride with me ? » (Je veux aller mieux, je veux être libre/ Voudrais-tu descendre de cette voiture avec moi ?) demande Butler. Les guitares acoustiques qui résonnent laissent entrevoir les merveilles qui attendent l’auditeur s’il répond par l’affirmative.

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3rd Secret: « 3rd Secret »

19 avril 2022

De nos jours, il est rare d’être pris par surprise par une sortie, mais c’est exactement ce qui s’est passé avec le premier album du « supergroupe » 3rd Secret.  Celui-ci est composé de l’ex-guitariste de Soundgarden Kim Thayil, du batteur de Soundgarden/Pearl Jam Matt Cameron, de l’ancien bassiste de Nirvana Krist Novoselic, ainsi que des chanteuses un peu moins connues Jillian Raye et Jennifer Johnson, qui ont toutes deux joué avec Novoselic dans Giants In The Trees.

L’album est une bête curieuse car il est partagé entre les rockers lourds et le côté plus folk du groupe.  Il s’ouvre sur le pastoral et décontracté « Rhythm of the Ride, » aussi éloigné de Soundgarden que possible, avec la voix de Raye soutenue par les grattements de guitare de Novoselic.  Un changement complet s’ensuit, avec le rocker « I Choose Me », qui présente des riffs de guitare efficaces de Thayil et la batterie battante de Cameron, comme on n’en a pas entendu depuis la disparition du groupe.  Le lourd prog-folk de « Last Day of August » aurait même pu apparaître vers la fin de Superunknown.

Cependant, l’élan de l’album est brisé par des morceaux plus lents et plus folkloriques qui sont bons mais qui semblent appartenir à un autre album.  « Winter Solstice » et « Dead Sea » voient le groupe s’adonner à un folk flottant, avec de légères touches de synthétiseur ici et là.  En revanche, « Right Stuff », où l’on retrouve notamment Krist Novoselic à l’accordéon, est bien trop enjoué.  Lorsque le groupe est un peu plus rock, il est vraiment à la hauteur sur des ctitres comme « Lies Fade Away, Diamond In The Cold » et l’hymne « Live WIthout You », même si parfois on se demande comment ils sonneraient si le regretté Chris Cornell s’en prenait à eux.  Ils combinent à la fois des tendances folk et rock sur le morceau « The Yellow Dress », un titre ambitieux qui semble un peu trop complexe et exagéré pour son propre bien.

Il y a quelque chose de Them Crooked Vultures à ce sujet. Les meilleurs moments sont ceux où le groupe se lâche et « rock out ».  Ils délivrent des mélodies classiques que l’on n’avait pas vues depuis le début des années 90. Mais d’une manière ou d’une autre, le résultat est légèrement inférieur à la somme des parties.

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Ava Vox: « Immortalised »

17 avril 2022

Quand une chanson est-elle terminée ? Quand l’artiste en question le décide, suppose-t-on. Et les enregistrements de chansons ne sont-ils pas de toute façon des moments fugaces dans le temps ? Juste une étape dans une odyssée musicale plus longue. Si vous êtes d’accord avec ces affirmations, et toute personne dotée d’un esprit large et créatif devrait l’être, alors l’idée qu’un artiste revisite, réimagine et réenregistre des chansons du passé, leur donnant un nouveau sens, une nouvelle pertinence et une nouvelle vie à l’ère moderne semble être la chose la plus logique qu’un artiste puisse faire.

C’est exactement ce qu’Ava Vox fait sur son dernier album, Immortalised, en permettant à une sélection de chansons écrites collectivement par elle et son ancien groupe d’avoir un autre jour au soleil. Enfin, peut-être pas le soleil en tant que tel, car la marque de fabrique de la musique que l’on trouve ici est un son sombre et délicieux, infusé de gothique, évocateur de lieux plus ombragés et de terres obscures.

Il y a des morceaux joyeusement optimistes, la ligne de basse pulsée de « Crash » et la voix séduisante de Vox, qui placent l’album quelque part entre le rock alternatif sombre de Skeletal Family et l’hybride goth-punk expérimental de The Banshee. Et puis il y a des moments d’euphémisme, « One Sweet Goodbye » donnant l’impression que Kate Bush a pris un chemin beaucoup plus sombre, la musique étant à la fois belle et déchirante.

Et ce sont peut-être les artistes qu’elle choisit de reprendre ici qui aident à définir la portée et l’échelle de la musique qu’elle crée. En reprenant « Tainted Love », elle jette un pont entre la froideur clinique de Soft Cell et le climat plus chaud de l’original. « Love Song » de The Cure est réduit à sa plus simple expression et en reprenant « Life On Mars » de Bowie pour en faire un morceau classique sombre, elle nous montre à quel point elle est prête à repousser les limites des classiques les plus établis.

Il s’agit, ici, d’une magnifique collection de musique, de ses aigus qui s’envolent vers le ciel à ses doux bas, de son énergie et de son euphorie à son élégance et son éloquence musicale.

***1/2


Destroyer: « Labyrinthis »

24 mars 2022

Le dernier morceau de Labyrinthitis de Destroyer – de loin le titre d’album le plus insolent du catalogue du groupe, souvent laborieusement arty – présente un arrangement dépouillé de grattages de guitare électrique discontinus et la remarquable voix filiforme de Dan Bejar. Avec son ambiance hermétique et ses paroles ésotériques et autoréférentielles, « The Last Song » est un retour aux premiers jours du groupe, lorsqu’il n’était qu’un mystérieux projet d’enregistrement pour un auteur-compositeur-interprète introverti de Vancouver. Le couplet «  Une explosion vaut cent millions de mots/Et c’est peut-être trop de mots à dire… »(An explosion is worth a hundred million words/And that is perhaps too many words to say) est la quintessence de Bejar, et un clin d’œil caractéristique à l’auteur-compositeur-interprète qui a l’habitude de remplir ses chansons avec des tonnes de poésie bohème.

Le reste de Labyrinthitis s’appuie davantage sur le prisme dance-rock qui définit le travail de Destroyer depuis Kaputt, sorti en 2011, et regorge de rythmes disco entraînants, de manipulations vocales numériques et d’interludes de piano free jazz. C’est sans doute l’œuvre la plus ambitieuse du groupe sur le plan sonore, mais malgré tout, beaucoup de ces chansons ne seront pas inconnues de ceux qui ont suivi le parcours de Destroyer. « The Last Song », par exemple, souligne la façon dont, malgré toutes les cloches et les sifflets que le groupe a ajoutés à sa musique, Destroyer a bouclé la boucle.

Comme Have We Met en 2020, Labyrinthitis a été enregistré en grande partie à distance, Bejar et John Collins, producteur et bassiste de longue date, se transmettant les idées depuis leurs domiciles respectifs en Colombie-Britannique. Ainsi, tout comme ce fut le cas lorsque Bejar a commencé à sortir des enregistrements solo quatre pistes sous le nom de Destroyer au milieu des années 90, le groupe est redevenu un projet d’enregistrement à domicile.

Labyrinthitis, cependant, est en fait plus un effort de groupe complet que Have We Met, avec des contributions indélébiles de l’équipe de tournée élargie de Destroyer. Et au lieu de Robyn Hitchcock et Pavement, Bejar s’inspire maintenant de New Order (« It’s in Your Heart Now ») et de Donna Summer (« It Takes a Thief »). Mais aussi dansantes et souvent accrocheuses que soient ces chansons, il y a toujours un sentiment de réclusion, d’impénétrabilité, qui imprègne l’album.

Si le sentiment d’isolement est une qualité déterminante des chansons du groupe, alors le sinistre « Tintoretto, It’s for You » est en quelque sorte le sommet de Destroyer. Dissonant et désorientant, avec Bejar qui chante « la bête mythique », « l’air de la mort » »et « le son de votre téléphone qui sonne et sonne et sonne », ce n’est pas un morceau typique pour les pistes de danse. Mais avec son battement sourd et sa section de cuivres bruyants, le morceau n’est pas exactement effrayant ou atmosphérique non plus, défiant toute catégorisation.

C’est ce que Bejar et sa compagnie font de mieux : transformer des éléments familiers en quelque chose d’inattendu. « June » ressemble à un remix prolongé d’un tube pop des années 80, imaginé par un prédicateur dérangé qui s’est retrouvé DJ dans une boîte de nuit. Bejar s’insurge contre les « putains d’idiots que quelqu’un a fait dans la neige » (fucking idiots someone made in the snow), chantonne à travers un breakdown céleste avec certains de ses jeux de mots bien sentis (hilarant, une rime littérale absurde de « moon » et « June » est impliquée), et finit par se lancer dans un discours parlé décalé alors que le groove soyeux et contrôlé du groupe devient de plus en plus frénétique.

Mais Bejar peut aussi être un mélodiste de classe mondiale, comme en témoignent les pulsations dance-rock « Eat the Wine, Drink the Bread » et « Suffer », cette dernière étant une chanson pop aussi entraînante que toutes celles qu’il a écrites, y compris pour les New Pornographers. Mais il y a quand même une certaine noirceur, avec Bejar qui parle de se venger de ses méfaits passés sur la guitare hurlante de Nic Bragg.

Labyrinthitis ne faiblit que légèrement lorsqu’il devient moins bizarre. Le titre « It Takes a Thief », aux accents disco, est trop direct pour offrir autre chose qu’une élévation passagère, tandis que « The State » », statique et lent comparé à « It’s in Your Heart Now » et « June », est peut-être l’épopée dansante de sept minutes de trop. On n’obtient jamais tout à fait ce que l’on attend de Destroyer, mais s’il y a une formule pour comprendre Labyrinthitis, comme toujours, elle se trouve dans l’esprit énigmatique de Bejar.

***1/2


String Machine: « Hallelujah Hell Yeah »

19 mars 2022

Il y a un sentiment de poussée et d’attraction dans les chansons de Hallelujah Hell Yeah ; à la fois le désir d’embrasser le monde et d’y prendre part et le désir d’embrasser la solitude et de se retirer de la société, pour ne plus jamais en entendre parler. Ce sentiment de contradiction se retrouve dans le style unique d’indie folk de String Machine, qui est à la fois ancré dans la tradition et expérimental et décalé, ajoutant des touches de clavier, des cuivres, des cordes et parfois des touches électroniques à la guitare acoustique et aux harmonies vocales qui sont au cœur des chansons. 

Le groupe de sept membres se penche sur ce conflit dès le début avec « Places to Hide », un morceau incroyablement accrocheur qui souligne le son énorme avec lequel String Machine travaille ici, et qui comporte également un break de trompette soul qui ne manquera pas d’attirer votre attention. Le sentiment d’anxiété et d’être coincé entre deux pôles apparaît dans la façon dont la ligne « I wanna hide forever with my jaw scotched shut / paper cuts on my jotting hand » ( e veux me cacher pour toujours avec ma mâchoire fermée / des coupures de papier sur ma main qui écrit) est suivie par le refrain final de « but I can’t pretend / it’s not worth it in the end / to drop all of my plans / and pick up » (mais je ne peux pas prétendre / que ça ne vaut pas la peine au final / de laisser tomber tous mes plans / et de ramasser…). 

« Churn It Anew » poursuit ce sentiment de reconnaître qu’il vaut la peine de ramper hors de l’endroit où l’on s’est retiré pour rejoindre le monde, avec des paroles comme « but the thrill is chased from all these spaces / with sacred stones and the scent of sages / and I just wanna know how it feels to feel it again » (mais l’excitation est chassée de tous ces espaces / avec des pierres sacrées et l’odeur des sages / et je veux juste savoir ce que ça fait de la ressentir à nouveau), ce qui mène à un refrain massif qui ne manquera pas de plaire à la foule en concert. « Gales of Worry » est un peu plus calme, et c’est l’un des morceaux les plus simples de l’indie folk (mais il est toujours parsemé de contre-mélodies et de programmations trippantes). L’indie folk est probablement la meilleure façon générale de décrire la musique de String Machine, mais elle ne rend pas vraiment compte de ce qu’ils font – il y a des moments de punk lourd, des interludes électroniques spatiaux, et un sentiment de non-conventionnalité qui va à l’encontre de l’indie folk grand public qui a eu son heure de gloire. Beaucoup de ces groupes ont fait de la musique qui correspondait à une esthétique particulière, mais qui était finalement fade et ennuyeuse, avec peu de profondeur lyrique.

Hallelujah Hell Yeah est tout sauf fade et ennuyeux, et les paroles de David Beck sont fantastiques, avec la phrase « hands on the helm of aging / I’ve had friends jump ship » (mains sur la barre du vieillissement / J’ai eu des amis qui ont quitté le navire) qui ouvre « Gales of Worry » et vous prépare au refrain mélancolique de « I take another one down / I can’t pick myself up now / so I take another one down / and I pour myself out » (J’en prends un autre, je n’arrive pas à me relever, alors j’en prends un autre, et je m’épanche)

L’un des aspects les plus impressionnants de ce disque est que, même si les premiers morceaux sont phénoménaux, on pourrait raisonnablement dire que l’album est en fait chargé à l’envers – en particulier avec la série de quatre chansons qui commence par « Eyes Set 4 Good », un morceau entraînant avec des touches et une trompette bondissantes, ainsi qu’un refrain qui est peut-être le meilleur de l’album (mais vraiment, il n’y a pas de ratés Hallelujah Hell Yeah, et chaque refrain est un brûlot absolu). « Dark Morning (Magnetic) » est l’un des morceaux les plus ambitieux de l’album, avec un rythme entraînant, une trompette staccato qui saute et des moments magnifiques au violoncelle. Les paroles évoquent des sentiments d’anxiété et d’incertitude, Beck se demandant « how will I feel today / with where I am getting born again? / My past life breathing on down my neck / I wake up & then I’m sworn in / but I never asked to be with this way / but I am, and I can’t just give up now » (comment vais-je me sentir aujourd’hui / avec l’endroit où je vais renaître ? / Ma vie passée respire sur mon cou / Je me réveille et je suis assermenté / mais je n’ai jamais demandé à être avec cette façon / mais je le suis, et je ne peux pas abandonner maintenant).  Après un pont répété de « I don’t want to let you go », le groupe prend un virage serré à gauche dans une coda punk lourde, marquant le moment le plus hardcore de l’album.

Elle est suivie par la chanson « Touring In January », qui démarre avec une ligne de corne énergique, créant un contraste ensoleillé avec la fin de « Dark Morning (Magnetic) ». C’est un autre morceau remarquable qui met en valeur tous les membres de String Machine et qui, comme l’ensemble de l’album, s’intègre parfaitement dans un contexte de concert. « Soft Tyranny » fait des allers-retours entre une ambiance plus décontractée et une attaque énergique avant de se fondre dans un interlude électronique rêveur et spatial. « Your Turn » n’est composé que de voix et d’une guitare acoustique, ce qui vous oblige à vous concentrer sur les paroles surréalistes de Beck, tandis que le reste du groupe fait lentement sentir sa présence. Le morceau se transforme en un magnifique mélange tourbillonnant de falsetto et d’harmonies, de cordes et de piano qui disparaissent subtilement pour laisser la note finale à l’acoustique. 

Ce qui est vraiment étonnant avec Hallelujah Hell Yeah, c’est l’une des contradictions du disque : il est à la fois extrêmement accessible et quelque peu excentrique. C’est un disque que l’on a l’impression de pouvoir montrer à tous ceux qui aiment la musique, quel que soit le type de musique qu’ils aiment. Pourtant, il ne s’agit pas d’une musique simple et édulcorée destinée à plaire aux masses, et il ne perd rien de son originalité dans son attrait omniprésent. Trouvant son cœur dans ces contradictions, Hallelujah Hell Yeah est un disque beau et rauque qui vous laisse avec un sentiment de joie presque écrasant.

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