Lump: « Animal »

4 août 2021

En 2018, la coqueluche de l’indie-folk Laura Marling et Mike Lindsey de Tunng ont surpris tout le monde avec leur collaboration : Lump Leur personnage multicolore et poilu a fait la couverture de leur premier album éponyme, qui a stupéfié les critiques par son mélange intelligent de textures acoustiques luxuriantes, de rythmes frémissants et du style vocal lyrique de Marling. Animal aborde toujours la musique à travers sa lentille folktronica ; cette fois, l’identité, la célébrité et le désir sont examinés à travers des clins d’œil à la psychanalyse, également.

Cet album aurait pu devenir plutôt mélodramatique, mais Lump tempère ces instincts avec des rythmes fiables ancrés par des ostinatos mémorables. Le premier morceau de l’album, « Bloom At Night », commence par un motif de synthétiseur en écho qui vous incite à fermer les yeux et à perdre complètement vos repères. Le chant plus sobre et le lyrisme exceptionnel de Marling, cependant, élèvent véritablement le morceau, alors qu’elle chante sur les instincts primaires libérés dans une tentative d’atteindre la célébrité : « il a fallu à un dieu sept jours pour devenir fou » (t took one god seven days to go insane). Le titre « Animal » reprend ces thèmes avec un rythme dance des années 90 et une mélodie de fond entraînante. Ici, des rimes serrées et précises pour contraster avec des hurlements sauvages et animaux : « briques rouges/couverture d’astuces bon marché/je suis venu ici pour balancer des bites » (red bricks/covering cheap tricks/came here to swing dicks).

Cela ne veut pas dire que des risques n’ont pas été pris ; avec sa fascination pour les vagues, Lindsey a cjoisi de mettre certaines compositions en mode 7/4 pour refléter la façon dont les vagues se déplacent par séries de sept. « Gamma Ray » » met ainsi en contraste une ligne de basse affirmée et une batterie dictatoriale avec ses synthés psychédéliques. Chapeau à Marling pour avoir réussi à écrire une chanson en 7/4 dans laquelle le rythme est si maladroitement mis en valeur ; bien qu’il s’agisse d’une combinaison infectieuse de sons, « Gamma Ray » ne semble jamais trouver son équilibre. « Phantom Limb » , en revanche, est un morceau sinueux qui intègre plus élégamment la signature temporelle inhabituelle avec un riff de guitare langoureux et des synthétiseurs voltigeants. Et bien qu’il s’agisse d’un 4/4 basique, « Paradise » se distingue comme une chanson délicieusement aigre qui s’ouvre sur un synthé dissonant et rayonnant et qui s’articule autour d’un solo vers la fin qui ressemble à une guitare en plein trip.

Un écueil de l’album, cependant, est son approche de son personnage central, Lump – la marionnette poilue et multicolore qui semble être évoquée comme un concept et négligée pendant une grande partie de l’album. Bien que l’album contienne des idées vocales, lyriques et sonores d’une complexité impressionnante, il semble oublier d’expliquer la signification plus large de Lump et de ce qu’il représente. Certains morceaux, bien que bien produits, contiennent des récits qui ont une résonance thématique mais ne semblent pas contribuer à la mythologie globale de Lump – « Red Snakes », bien qu’étant une magnifique ballade sur les rêves surréalistes, ne semble pas aborder ce sujet, tandis que « Oberon » est un interlude obsédant avec des paroles confuses, presque insensées dans le contexte de l’album. 

Néanmoins, Animal est un disque ambitieux aux multiples facettes qui semble être fasciné par le côté plus violent et primitif de la célébrité. Marling et Lindsey ont clairement affiné leur palette sonore par rapport à leur prédécesseur éponyme, ce qui a donné lieu à un mélange magnifique et détaillé d’éléments électroniques et acoustiques. L’album n’a pas peur d’être ambitieux, mais en cherchant à atteindre les étoiles, Animal oublie parfois d’où il vient, ne parvenant pas à présenter correctement à l’auditeur Lump considéré comme une métaphore.

***1/2


Bleachers: « Take the Sadness Out of Saturday Night »

3 août 2021

Jack Antonoff est l’une des figures les plus reconnues de la musique grand public actuelle. Il a été l’homme des coulisses de classiques pop instantanés comme 1989 de Taylor Swift, Melodrama de Lorde et Norman Fucking Rockwell de Lana Del Rey ; son premier album solo sous le nom de Bleachers, Strange Desire, reste un pilier des playlists estivales indé. Aussi influent qu’il ait été au cours de la dernière décennie, son style a également commencé à s’essouffler auprès de ses propres auditeurs. L’exemple le plus récent est l’accusation fréquente selon laquelle le single de Lorde « Stoned at the Nail Salon » ressemble presque exactement à « Wild at Heart » de Lana Del Rey et ce pour la bonne raison que Antonoff a produit les deux. Ceux qui ont écouté le dernier LP de Clairo, Sling, peuvent également attester du chevauchement sonore entre ses chansons et l’atmosphère de nombreuses autres collaborations d’Antonoff. Au bout d’un moment, tout se brouille. Même si Antonoff est une sorte de poney à un seul tour, c’est un tour glorieux car il a fallu environ sept ans pour que nous nous en lassions. Certains d’entre nous ne ressentent toujours pas de fatigue, ce qui montre à quel point la marque Antonoff est forte.

Revenons à 2017 pour un instant : ce fut une grande année pour Antonoff, puisqu’il a aidé à guider Melodrama vers ses niveaux de succès fulgurants, et qu’il a également mis la main sur Masseduction de St. Vincent sur des morceaux appréciés des fans comme « New York » et « Happy Birthday Johnny ». Alors qu’il profite des fruits de sa collaboration avec des artistes aussi talentueux, sa propre carrière musicale connaît un petit coup d’arrêt. Il a sorti Gone Now, qui, tout en présentant les mêmes cloches et sifflets que Strange Desire en 2014, en était essentiellement une version zéro calorie. Les hymnes n’étaient pas aussi revigorants, les ballades étaient moins convaincantes et les mélodies pas aussi mémorables. Il semble que Jack ait appris la leçon, car quatre ans plus tard, on le voit faire quelque chose qui ne ressemble pas du tout à Antonoff : inverser complètement le scénario. Sur Take the Sadness Out of Saturday Night, il atténue la théâtralité, augmente le rock vintage et se lance dans sa meilleure imitation de Bruce Springsteen. Étonnamment, ce n’est pas aussi mauvais qu’on pourrait le croire.

À première vue, oui, cela ressemble à un désastre en devenir. Après tout, nous avons déjà de meilleurs Springsteens modernes qui sont à la fois plus excitants et moins une copie conforme (prenez Gang of Youths par exemple). De plus, l’idée qu’Antonoff semble essayer quelque chose de nouveau sans vraiment essayer quelque chose de nouveau semble dénoter une transition frustrante dans sa carrière solo. Mais si Take the Sadness Out of Saturday Night manque d’originalité, il se rattrape sur le plan de la technique. Ici, l’écriture des chansons est beaucoup plus serrée que sur Gone Now, et l’album est beaucoup plus cohérent en conséquence. Il n’y a pas de morceaux qui explosent avec les qualités hymniques de « Don’t Take the Money », mais il ne tombe jamais vraiment en panne comme Gone Now avec des poches d’ennui prolongées comme « All My Heroes », « Goodbye » et «  Nothing is U ». Take the Sadness Out of Saturday Night reste fidèle à sa mission de slow rock complexe et mélodique, et avec ses trente-quatre minutes, il n’a jamais l’occasion de stagner. Alors que le prédécesseur de ce disque était la définition d’un sac mitigé, Take the Sadness Out of Saturday Night est nettement fiable – un produit que vous êtes susceptible de prendre ou de laisser dans son intégralité.

Si Gone Now avait des vibrations matinales et Strange Desire affachait une poussée euphorique de soleil d’été, Take the Sadness Out of Saturday Night représentait la dégringolade qui devait suivre. C’est comme regarder un groupe jouer un concert en plein air alors que le soleil disparaît derrière les arbres, offrant des rappels sous un ciel étoilé. Cela s’explique en partie par le fait qu’Antonoff a troqué son habituelle synth-pop clinquante pour un rock ‘n’ roll teinté de saxophone, entouré d’un groupe complet. Les améliorations instrumentales sont perceptibles tout au long de l’expérience, des guitares qui sont plus hautes dans le mixage à la batterie brute et vivante. Sur le plan vocal, Antonoff (et ses collaborateurs) donnent l’impression de se serrer autour du micro et de chanter à l’unisson. Tout cet album donne l’impression de se dérouler devant vous, et étant donné que la plupart d’entre nous n’ont pas assisté à des concerts depuis des années, c’est une transformation bienvenue de l’esthétique de Bleachers.

Les textes sont une autre raison pour laquelle Take the Sadness Out of Saturday Night semble si personnel. Le contenu de cet album est pesant et impressionnant, et tourne autour de l’amour, des relations et même de l’infidélité. La chanson « 91 », balayée par les cordes, donne l’impression de regarder quelqu’un de l’autre côté de la pièce, et il y a une tension provenant de la poursuite de quelque chose (ou de quelqu’un) qui vous transformerait en quelqu’un que vous n’êtes pas : « Je sais ce que je ne suis pas… Tout comme toi, je ne peux pas partir » (I know what I’m not…Just like you, I can’t leave). Dans la ballade acoustique « Secret Life », Jack chante au dessus d’une batterie bégayante « À tue-tête, je supplie pour du peau à peau / Tu ne dis pas grand chose car tu as été trompé avant moi »… « Je veux juste une vie secrète / Où toi et moi, on s’ennuie à mourir » (Out of my head I’m beggin’ for skin to skin / You don’t say much ’cause you’ve been cheated before me… I just want a secret life / Where you and I can get bored out of our minds). La voix de Lana Del Rey se pose sur le deuxième couplet et le refrain, inondée de réverbération comme un rêve brumeux. À l’arrivée de « Stop Making This Hurt « , il semble ne plus vouloir rien avoir à faire avec toute cette tentation : « Arrête de faire souffrir / et dis au revoir comme si tu le pensais » (Stop making this hurt / and say goodbye like you mean it). Il s’agit là d’interprétations libres qui n’ont rien à voir avec Antonoff, bien sûr – la plupart des paroles sont racontées d’un point de vue (comme dans une histoire), tandis que d’autres lignes sont entièrement métaphoriques. Quoi qu’il en soit, il s’agit d’une avancée conceptuelle par rapport aux refrains amusants mais insipides comme « Les montagnes russes, je ne dis pas non / Les montagnes russes, quand tu ne dis pas non / Et ce sont de vraies montagnes russes ! » (!Rollercoaster, I don’t say no / Rollercoaster, when you don’t say no / And it’s such a rollercoaster ! ) Le contraste entre cela et le moment où Jack chante « Mais si on enlève la tristesse du samedi soir, je me demande ce qu’il nous restera / Tout cela qui vaut-il la peine de se battre ?» (But if we take the sadness out of Saturday night, I wonder what we’ll be left with / Anything worth the fight?) est palpable.

Tout cela fait de Bleachers un troisième album très intime. Alors que Strange Desire et Gone Now étaient élégants, modernes et explosifs, Take the Sadness Out of Saturday Night est mièvre, désuet et introspectif. L’inconvénient inhérent à ce disque est qu’il n’atteint pas les sommets épiques qui ont permis à Bleachers d’être sous les feux de la rampe en premier lieu. Cependant, ce morceau coule mieux et possède un air plus unifié. C’est un compromis qui favorisera les écoutes en isolement réfléchi plutôt que les voyages sur route pleins d’action. Certains seront peut-être déçus par ce fait – surtout si l’on considère que Bleachers est fondamentalement synonyme de plaisir estival – mais comme nous avons déjà des albums comme Strange Desire dans notre poche, il est agréable de voir une autre facette de ce projet. De plus, faire traîner l’approche standard d’Antonoff pour une troisième fois n’aurait fait que voir les retours diminués de Gone Now continuer. Le culte de Springsteen n’est peut-être pas le remède à long terme à ce que beaucoup appellent la «  fatigue d’Antonoff », mais en attendant, c’est une belle nouveauté et une plus qu’une agréable petite distraction dérivative.

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Modest Mouse: « The Golden Casket »

3 juillet 2021

Malgré son titre quelque peu effronté, The Golden Casket nous montre un Modest Mouse imprégné d’optimisme. Ce groupe d’indie-rock vétéran a parcouru un long chemin depuis Strangers to Ourselves en 2015, un projet en gestation depuis longtemps qui a vu le « frontman » Isaac Brok s’agiter sur tout, des questions environnementales à la cupidité des entreprises – exprimée dans ses pensées habituellement embrouillées et éparpillées. Mais il a également montré comment la troupe du nord-ouest du Pacifique s’est installée confortablement dans un sens musical qui, malgré une durée de 77 minutes, prouve qu’aucune quantité de musiciens invités ou de producteurs ne peut remplacer la qualité à composer des chansons. Et, pour un groupe aussi idiosyncratique que Modest Mouse, c’était, à cet égard, un projet plus qu’intimidant.

Cela ne veut pas dire que leur septième album studio, et le premier en six ans, n’a pas la saveur hymnale qui a aidé à propulser leur « single » « Float On » vers un succès radio massif en 2004. Le groove dansant de « We Are Between » et ses paroles qui englobent tout le monde sont ce qui se rapproche le plus de ce succès, alors que les ceffluves de synthé de « Leave the Light On » ressemblent à ceux de Zooropa de U2. Dans les deux cas, Brock maintient une position positive et communautaire, qu’il soit prêt à accueillir les autres à bras ouverts ou qu’il chante à quel point il est bon d’être en vie.

L’essence même de lrxistence est explorée ici de différentes manières, un concept qui, selon Brock, ne vaut pas la peine d’être longuement médité. Sa joie semble naturelle et non forcée avec un « We’re Lucky » sur lequel il se sent privilégié d’apprécier ce que la vie lui offre au moyen de guitares sonnantes caractéristiques et d’une section de cuivres. La paternité est également au cœur de ses préoccupations, comme sur « Lace Your Shoes », un rocker émouvant et envolé où il décrit en détail les nombreuses façons dont il a hâte de voir son enfant grandir. Brock, cependant, est tout aussi préoccupé par le monde dans lequel il a inévitablement amené son fils et sa fille. Il n’est pas naïf face à la laideur de la vie quotidienne dans « Never Fuck a Spider on the Fly », où il critique les divisions politiques toxiques qui nous rendent plus fermés d’esprit. En revanche,e Brock partage toute l’étendue de ses appréhensions sur le morceau central de l’album, « Transmitting Receiving », où il parle de la manière dont la technologie nous contrôle et de la façon dont nous laissons faire – même si ses illusions le poussent à bout : « Rien dans ce monde ne me pétrifiera, nous nous répétons » (Nothing in this world’s gonna petrify me, we are repeating).

Bien que The Golden Casket montre Modest Mouse sous son jour le plus accessible et le plus mélodieux, un changement créatif qui a commencé avec Good News For People Who Love Bad News en 2004, ils reviennent à certains des aspects expérimentaux qui ont défini une grande partie de leurs premiers travaux. Les chansons punk-lite vigoureuses (« Japanese Trees ») s’équilibrent avec une palette sonore plus riche (« The Sun Hasn’t Left »), semblable à l’utilisation éparse de sons électroniques texturés que The National a utilisée sur Sleep Well Beast en 2017. Et bien que certaines de leurs idées ne se développent pas complètement, la diversification de leur son dans un cadre guitar-rock revitalise la dynamique du groupe.

Cette facette plus évidente de Modest Mouse peut continuer à rebuter les détracteurs qui apprécient leur travail des années 90, en particulier ceux qui aimaient leurs affectations sinueuses et post-rock. Cela peut être ressenti comme une perte, car ils étaient si bons dans ce domaine, bien sûr. Mais Brock n’a rien perdu de sa bizarrerie inhérente – ses tendances névrotiques sont même habilement intégrées aux sentiments du groupe. Le seul élément qui puisse apaiser tous les camps est le morceau de clôture « Back to the Middle », un rocker aérien et arpégé qui se transforme en un final explosif. Il termine l’album sur une note énigmatique mais excitante – juste assez ouverte pour qu’on ne sache pas exactement dans quelle direction ils nous emmèneront la prochaine fois. Et même si nous devrons attendre un bon moment pour leur prochaine sortie, ils prouvent une fois de plus que leur capacité à rester pérennes est indéniable.  

***1/2


Bobby Gillespie and Jehnny Beth: « Utopian Ashes »

3 juillet 2021

Bobby Gillespie et Jehnny Beth. Un couple étrange sur le papier, l’un étant un ancien du monde du rock indépendant, l’autre une icône du post-punk abrasif. On ne s’attend pas à ce qu’ils collaborent un jour, et encore moins à ce qu’ils collaborent sur un album complet de ballades inspirées de la country. Sur Utopian Ashes, c’est pourtant ce qu’ils ont fait.

Gillespie et Beth partagent une vigueur commune, un manifeste mutuel pour ne jamais rester stagnant sur le plan créatif. Avec leur album en collaboration, Utopian Ashes, les stars de Primal Scream et Savages créent un paysage aride fait de tumbleweed et de bagages émotionnels, et vous invitent à entrer dans leur monde.

Avec ses cordes florissantes et ses accents dramatiques, le morceau d’ouverture « Chase It Down » fait écho à l’ouverture cinématographique d’un western spaghetti, alors que Beth et Gillespie racontent l’effondrement désordonné de la relation des protagonistes. Gillespie répète « I don’t love you anymore » dans le climax, mais à qui ce personnage doit-il le prouver ? Utopian Ashes n’hésite pas à évoquer les complexités de la rupture, comme le titre «  English Town » » de Tom Waits, qui évoque un désir d’évasion futile. « Remember We Were Lovers « , de son côté, marie des harmonies béates à des touches moroses, offrant une thèse désespérée sur la nature de l’amour : « Nous sommes stupides et ingrats, nous n’apprendrons jamais » (we’re stupid and ungrateful, we’ll never ever learn)

L’album ne reste pas désespéré. « Your Heart Will Always Remain » est un rouleau infectieux qui reste doux et sincère au milieu des passages rocheux, et l’alchimie entre Gillespie et Beth scintillera sur « Stones of Silence ». Beth est enjouée et inhabituellement discrète, et bien que Gillespie n’ait jamais été le meilleur des chanteurs, sa voix douloureuse fait passer le désespoir des paroles. Dans « You Don’t Know What Love Is », le personnage de Gillespie se contredit fréquemment ; au début, il accuse l’amour d’être une maladie, mais il retourne la situation à sa partenaire en disant que, quel que soit l’amour, elle ne sait pas «e qu’est l’amour . C’est ce niveau d’écriture émotionnellement mature et stratifié qui élève Utopian Ashes en territoire vraiment passionnant, alors que Beth et Gillespie illustrent leur imagination à l’auditeur.

« Tu t’es transformé en quelqu’un que je ne connais pas » (You turned into someone I don’t know”) chante Beth sur le titre phare de l’album, « You Can Trust Me Now » », un morceau qui commence par une intro parlée de Gillespie et se termine par le même silence fantomatique que l’intro ; leur voix est obsédante dans cette musique country atmosphérique qui n’offre pas de solutions faciles. L’album raconte l’histoire de ceux que l’on croyait aimer et qui changent à cause de la lutte inévitable qui vient avec le vieillissement, ce qui amène Gillespie à conclure que cela nous brise le cœur dans « Living A Lie ». « Sans confiance, comment peut-il y avoir de l’amour ? » (Without trust, how can there be love?) murmure Beth, et bien que les accords de guitare enjoués et les harpes éthérées puissent dire le contraire, au, cune fin heureuse de livre de contes n’attend ce couple. 

Ce qui attend les personnages de Beth et de Gillespie à la fin est incertain. Ce dernier décrit « un vide de toute émotion, rien qui puisse faire frémir » (a void of all emotion, nothing left to thrill) sur le morceau « Sunk In Reverie », mais il n’y a pas de portes fermées. De même, toutes les portes sont ouvertes pour ces deux artistes ; ils n’ont jamais été cantonnés au punk ni aux remixes baggy de Weatherall, mais des visionnaires à part entière. Ensemble, ils s’accordent parfaitement. Peu importe ce qu’ils feront par la suite, et qu’ils fassent ou non un autre disque ensemble, cela reste à voir, mais avoir un effort de collaboration de ce calibre est un honneur qui nous est fait. C’est un album théâtral et vulnérable qui n’est peut-être pas facile à écouter, mais qui est tout simplement une expérience. L’un des plaisirs les plus inattendus de 2021, cela est chose certaine.

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The Mountain Goats: « Dark in Here »

28 juin 2021

Être un fan des Mountain Goats n’est pas sans rappeler l’appartenance à une secte. Cela ne veut pas dire qu’on vous demandera de boire un liquide au goût de mort ou de porter des robes affreuses, mais il est très difficile d’être dool et décontracté à propos du groupe. John Darnielle écrit des chansons sous ce nom depuis un peu moins de 30 ans et, bien qu’il ait ralenti depuis son époque la plus prolifique, son groupe – aujourd’hui composé de quatre membres – a accumulé 20 albums, d’innombrables EP, plusieurs projets secondaires et collaborations et suffisamment de matériel inédit pour rendre Bob Pollard nerveux. C’est le genre de musicien qui vous pousse à vous interroger sur la profondeur potentielle du puits de chaque artiste, et à vous demander quand son propre puits pourrait se tarir. Le sien ne l’est manifestement pas, mais les acolytes de longue date peuvent tout à fait se poser des questions sur le degré de remplissage de chaque seau. De nombreux inconditionnels n’ont pas apprécié un album depuis Transcendental Youth, en 2012, lui ont reproché des expériences comme Goths, sans guitare, en 2017, et ont eu l’impression qu’il n’avait quelque chose de nouveau à dire que sur la cassette « de quarantaine » Songs for Pierre Chuvin, l’an dernier, son premier enregistrement pour boîte de nuit depuis les années 90.

Pourtant, son rythme de retour ne s’est pas ralenti – en fait, sa prolifération semble reprendre. Dans l’ombre imminente de Covid-19, Darnielle et son groupe se sont retrouvés à Memphis pour enregistrer Getting into Knives en l’espace de cinq jours, posant des morceaux à chaud et rapidement. Pour nous qui sommes à l’extérieur, c’est logique : début mars, la fermeture de l’entreprise est devenue imminente, et il semble possible qu’ils aient écourté leur séjour pour rentrer chez eux et se calmer. Ce n’est que quelques mois plus tard que la vérité a été révélée : ils se sont en fait installés à Muscle Shoals, en Alabama, pour enregistrer un deuxième album, qui devait être annoncé lors du premier concert de la tournée Getting into Knives. Covid, ainsi que l’incapacité de l’Amérique à agir intelligemment en réponse à Covid, ont fait échouer ce plan. Mais nous voilà sur le point de voir les concerts redevenir une réalité, et nous obtenons ce deuxième album : le tortueux et étonnamment compliqué Dark in Here.

Le fait que ce lot de chansons ait été écrit en même temps que celles de Getting Into Knives amènera inévitablement certains à faire des comparaisons avec Amnesiac, mais n’appelez pas Dark in Here une collection de faces cachées. Il vaut mieux le considérer comme le jumeau sombre de Knives, tout en gardant à l’esprit il ne ressemble pas du tout à cet album. Le son exact de Dark in Here est étrangement difficile à cerner, bien que l’emballage nous donne quelques indices. L’autocollant publicitaire de l’album déclare qu’il s’agit d’une collection de chansons « à chanter dans les grottes, les bunkers, les trous de renard et les espaces secrets sous les planchers », sa pochette représentant un rivage sombre, de petits feux ponctuant le paysage d’un noir d’encre, un contraste frappant avec les images en gros plan de couteaux de table ornés qui ornaient la pochette de Knives. Dark in Here ne broie pas nécessairement du noir comme tout cela pourrait le laisser croire, mais en dehors du « single » « Mobile », rien ici ne peut être décrit comme « amusant » au sens traditionnel du terme.

Cela ne veut pas dire, en revanche, que ce n’est pas un produit engageant. Ces chansons sont toutes des environnements luxuriants avec des choses merveilleuses et étranges partout pour vous faire revenir pour quelque chose de plus que le simple « fun ». Dark vous attire immédiatement, avec Darnielle qui crache des paroles plus rapidement qu’il ne l’a fait dans le passé sur « Parisian Enclave », les mots étant insondables pour Darnielle : « Signal dessiné sur les briques d’une clinique pour déshérités/ Récupérer la saumure des gouttières, laisser le diable s’occuper du reste/ Les rats rentrent chez eux dans leur nid/ Sous les rues de la ville avec mes frères/ Dans les ombres sans fin, me voilà. » (Signal drawn upon the bricks of a clinic for the dispossessed/ Collect the brine from the rain gutters, let the devil take the rest/ Rats returning home to our nest/ Beneath the streets of the city with my brethren/ In the neverending shadows, there I go). « Parisian Enclave » ne dure qu’un peu moins de deux minutes, mais il établit l’ambiance et la palette de couleurs de Dark de manière immaculée, surtout lorsqu’il est associé à The Destruction of the Kola Superdeep Borehole Tower, un morceau brut de basse qui ouvre également la voie à l’un des éléments les plus distinctifs de l’album : l’absence totale de guitare comme instrument principal de facto.

Ce n’est pas quelque chose que l’on remarque au premier abord, et vous n’avez peut-être même pas remarqué avec Getting into Knives le nombre accru de chansons qui ne sont pas simplement construites autour de Darnielle et de sa guitare (voir : « Tidal Wave » et « Bell Swamp Connection »). Il y a beaucoup de guitare partout – après tout, il ne s’agit pas des Goths qui n’en ont pas – mais sur de nombreuses chansons, les membres du groupe qui ne sont pas Darnielle ont beaucoup de temps sous les projecteurs. Cela oblige les chansons à adopter des structures peu orthodoxes, comme l’étrange « Lizard Suit », qui vit pratiquement entre les cymbales de la batterie de Jon Wurster et les cordes de la basse de Peter Hughes, les deux étant ponctuées par des éclats de piano. Cette chanson maintient son rythme pendant les trois premières minutes avant de se transformer en une cacophonie choquante de claviers martelés et de pédales charleston frappées. Puis il y a l’ondoyante « The Slow Parts on Death Metal Albums », qui se distingue comme l’une des chansons les plus étranges des Mountain Goats dans l’ensemble et au sein de leur collection de singles d’album ; elle se traîne sur la combinaison de la ligne de basse de Hughes et des claviers de Matt Douglas, Darnielle lui-même étant rejoint par des choristes spectraux. C’est une chanson à la construction déroutante, mais la façon dont elle bouge (sans parler de la façon dont les chanteurs interviennent pour transformer les fins de lignes en un écho de type call-and-response).

Et que dire de John Darnielle ? Il est, bien sûr, le centre du cercle, et son écriture reste aussi cohérente que d’habitude. Pour lui, Dark est une collection de grands succès d’actualité, pleine de rats, de reptiles, de relations artistiques compliquées, d’accomplissement et d’amélioration de soi, de personnages bibliques et d’une relation inébranlable avec le temps et le lieu. Il regorge également d’excellentes images ; émerveillez-vous devant « Someday the hellhound will pick up the scent on the trail/ Zero in on my penthouse and then pierce the veil » (un jour le chien de l’enfer va ramasser l’odeur sur la piste / Zéro dans mon penthouse et puis percer le voile )de la chanson « Let Me Bathe in Demonic Light » ou « Practice our prayers until some small hope crystallizes/ Follow the shoreline till some better hope arises » (Pratiquons nos prières jusqu’à ce qu’un petit espoir se cristallise/ Suivre le rivage jusqu’à ce qu’un meilleur espoir surgisse) sur « When a Powerful Animal Comes ». Et puis, l’ouvrage dédié à David-Berman et au nom fantastique « Arguing with the Ghost of Peter Laughner About His Coney Island Baby Review » (que vous devriez lire, car c’est vicieux) nous donne cette strophe : « Que ton passage soit assuré/ Que tes afflictions nauséabondes soient toutes guéries/ Les systèmes se ferment sur plusieurs fronts/ Tu auras toujours été là une fois/ Cap le dernier puits sauvage de l’Ouest/ Quand tu es tombé » (May your passage be assured/ There may your foul afflictions all be cured/ Systems closing down on several fronts/ You will always have been here once/ Cap the west’s final wildcat well/ When you fell). Sur « The Slow Parts on Death Metal Albums », il lance rapidement l’auto-référence « Never quite free, still filling out our dance cards » (Jamais tout à fait libres, nous remplissons toujours nos cartes de danse), faisant astucieusement référence au classique All Eternals Deck et à ses compagnons de tournée passés et futurs d’un seul coup. Cela dit, il y a une chose qui cloche : la chanson titre se termine par la phrase « I live in the darkness/ It’s dark in here » (Je vis dans l’obscurité/ C’est sombre ici/), qui fait tout ce qui est en son pouvoir pour empêcher l’atterrissage d’une chanson autrement dynamique.

Il y a des choses dans Dark in Here qui vont forcément polariser certaines personnes. Aussi intéressant soit-il sur le plan sonore, le plus gros inconvénient est que Darnielle garde sa voix assez douce tout au long de l’album, en dehors de  « Superdeep Kola Borehole » et « Dark in Here ». Cela fonctionne bien pour ce lot de chansons, mais il est difficile de ne pas vouloir une composition qui a le même punch que « Bell Swamp Connection » ou « Rat Queen ». La beauté de « Before I Got There » et « To the Headless Horseman » ne perdrait rien avec un tout petit peu plus d’urgence. Ces chansons ne sont pas non plus tout à fait révolutionnaires ou hors des sentiers battus pour Darnielle en tant qu’auteur-compositeur, qui est à la fois beaucoup plus et beaucoup moins intéressant en tant qu’auteur-compositeur depuis l’époque des chansons obliques et déroutantes comme  » »Song for an Old Friend «  ou « Narakaloka « . Malgré tout, il y a beaucoup, beaucoup de choses à aimer et à admirer dans Dark in Here. Va-t-il amener de nouvelles personnes au bercail ? Difficile à dire – mais le culte qu’il entretient déjà sera ravi d’être encore aspiré par un groupe qui vaut la peine d’être endoctriné.

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Hiss Golden Messenger: « Quietly Blowing It »

27 juin 2021

Il y a une raison pour laquelle Hiss Golden Messenger s’est imposé comme l’un des groupes les plus en vue de ces dernières années. Ce n’est pas seulement dû à leurs prouesses mélodiques, mais aussi à la façon dont ils incorporent le ton et la texture dans leurs chansons et créent ainsi un son si expressif.

Cela n’a jamais été aussi évident que sur leur superbe nouvel album, qu’ils nous ont légué avec Quietly Blowing It, un titre qui dément clairement l’excellence de ce qu’il contient. Il s’agit d’un ensemble de chansons qui parviennent à être à la fois subtiles et affirmées dans la même mesure. Ce n’est pas une tâche facile, bien sûr, mais c’est tout à l’honneur des prouesses du groupe que de réussir non seulement à franchir ce cap délicat, mais aussi à le faire avec efficacité.

Bien sûr, ils ne le font pas seuls. Un nombre impressionnant d’artistes invités contribuent également à l’album, parmi lesquels Griffin et Taylor Goldsmith de Dawes, Anaïs Mitchell, lauréate d’un Tony Award, Zach Williams de The Lone Bellow, le célèbre leader et guitariste Buddy Miller, et le producteur/musicien Josh Kaufman, membre du super groupe folk Bonny Light Horseman. Le fait que Hiss Golden Messenger soit capable d’attirer un groupe de musiciens aussi prestigieux est une preuve supplémentaire du fait qu’il a atteint un statut sacré.

Bien sûr, ce sont les chansons qui témoignent le plus de leur capacité et de leur agilité. « Way Back in the Way Back » en est l’exemple idéal ; il donne à l’album une introduction étonnamment discrète, puis monte progressivement en puissance avec une détermination tranquille qui lui confère une réelle autorité. On peut dire la même chose de « Hardlytown », un morceau qui se laisse porter par une foulée facile et une caresse apaisante tout en laissant une impression de triomphe dans son sillage. De même, l’allure facile de « Glory Strums » semble en contradiction avec son intention, une intention que M.C. Taylor, chef d’orchestre, auteur-compositeur et chanteur de Hiss Golden Messenger, décrit comme ayant été écrite « au printemps vert chaotique de 2020 comme un hymne à la recherche des lieux et des espaces qui nous rendent humains ».

Cela dit, la plupart des morceaux peuvent être appréciés simplement pour le son qu’ils partagent, qu’il s’agisse du flux tentaculaire de l’idyllique « Painting Houses » et de la rêverie douce de la chanson titre, ou du tic-tac uptempo de « Mighty Dollar » et « The Great Mystifier ». Tous contribuent à une conclusion indéniable. Il est douteux que l’on puisse un jour accuser ce groupe de gâcher quoi que ce soit, discrètement ou non. 

***1/2


Justin Sullivan: « Surrounded »

11 juin 2021

« Certaines personnes ont un paysage écrit dans leurs os », chante Justin Sullivan sur Surrounded, la suite incroyablement attendue de Navigating By The Stars, sorti en 2003. Toutefois, il convient de lui lâcheri la bride tant il a été très occupé à diriger New Model Army, l’un des groupes les plus travailleurs du rock jusqu’à ce que le Covid ne rende la tâche difficile aux groupes. Ils ont tout de même réussi à organiser un live stream épique pour leur quarantième anniversaire ; il a donc continué à travailler, à écrire et, plus tard, à enregistrer – avec un groupe de musiciens comprenant ses camarades du NMA – un nombre impressionnant de seize nouvelles chansons parmilesquelles émerge aussi cette phrase : « Si je pouvais voir dans ton cœur, il y aurait de la pierre et de la bruyère » (If I could see in your heart there would be stone and heather).

Il ne fait aucun doute que Sullivan est lui-même l’une de ces personnes. La terre de sa patrie d’adoption, le nord de l’Angleterre, est aussi fermement gravée en lui que le Wessex l’est dans Thomas Hardy, ce qui n’est pas une si mauvaise comparaison car tous deux sont des réalistes romantiques avec un œil pour la vie des gens ordinaires – l’explorateur occasionnel dans le cas de Sullivan – et un talent pour la narration.

À la première écoute, on pourrait croire qu’il s’agit d’un album introspectif ; on y trouve beaucoup de guitares acoustiques et de cordes, et pas du tout de l’agitation qu’il sait si bien faire dans son travail – « Sao Paolo », prononcé presque dans un murmure, est une chose si fragile qu’elle menace constamment de s’évanouir dans le silence tout en abritant des communautés entières et des histoires sous sa surface faussement tranquille – mais c’est un album qui a une portée littéralement mondiale. Car les thèmes de Sullivan, comme toujours, se situent sur un continuum avec la condition humaine à une extrémité et la nature (métaphorique et littérale) à l’autre, et beaucoup de combinaisons très compliquées, belles et effrayantes des deux à tous les points intermédiaires.

Lorsqu’il les oppose l’un à l’autre, comme dans « Amundsen » (comme le titre le suggère, sur le célèbre explorateur polaire Roald Amundsen, qui a battu Robert Falcon Scott au pôle Sud, mais a vu sa victoire éclipsée par l’échec héroïque de son rival), c’est exaltant. Ou encore « Coming With Me », une plongée dans l’esprit troublé d’un pilote suicidaire – et meurtrier (pensez au vol 9525 de la Germanwings), qui est aussi sinistre et compatissant que l’exploration par NMA de l’esprit d’un kamikaze sur « One Of The Chosen » en 2007, et qui rappelle presque certaines des œuvres les plus sombres d’Edward Ka-Spel, avec un peu de psychédélisme et quelques romans de SF.

Bien sûr, les obsessions de longue date que sont la famille (de sang et créée) et les relations humaines jouent également un rôle – « si tu n’as pas de clan, alors qu’est-ce que tu es ? » (if you have no clan, then what are you?), comme il le chante sur « 28th May » (qui pourrait parler de beaucoup de choses qui se sont passées à cette date, mais qui ne parle probablement pas de la mort d’Harambe), l’une des quelques chansons de l’album qui porte la marque des premiers Leonard Cohen.

Mais avant tout, Surrounded semble être un album sur la transcendance, ou du moins sur la quête de celle-ci. De l’ouverture « Dirge » qui regarde le monde depuis les montagnes, à « Sea Again » (comme le titre le suggère, un autre de ses thèmes récurrents), jusqu’à sa conclusion avec le souhait d’être « entouré de toute la lumière que je verrai jamais » (surrounded by all the light that I will ever see), il s’agit peut-être d’une œuvre créée lorsque la majeure partie de la planète était isolée, mais elle englobe à la fois le monde sur lequel nous tournons et celui qui se trouve dans nos têtes.

On ne pourrait certes pas qualifier Surrounded de chef-d’œuvre, maisce n’est pas un opus qui ne souffrirait pas d’un jugement conci ou hâtif. Disponible dans un coffret avec son prédécesseur et compagnon Navigating By The Stars, c’est un album tout aussi merveilleux, même si on peut trouver que Stars était un opus emblématique de ce que serait cette tarte à la crème nommée « disque la croissance ». Surrounded est plus immédiat. Deux faces d’une pièce très précieuse dans la mesure où, près quelques mois d’enfermement, il était un peu déprimant de n‘entendre parler que de la manière prosaïque dont les gens avaient meublé leurs quptidiens respectifs. Que Justin Sullivan ait été si merveilleusement productif ne peut, à cet égard, que nous rendre heureux.

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Guided By Voices: « Earth Man Blues »

29 mai 2021

Le 33° album de Guided By Voices, Earth Man Blues, est l’un des disques les plus synchronisés que les membres Pollard, Gillard, Bare Jr, Shue et March aient sorti ensemble. Pour ceux qui ne sont pas aussi familiers avec le groupe, vous pourriez vous demander comment cela est possible puisque tant de groupes ont été mis à l’écart de leurs compagnons depuis plus d’un an maintenant. Pour beaucoup d’artistes, l’arrêt de la pandémie a paralysé leurs activités normales d’écriture, d’enregistrement et de collaboration, mais pour GBV, c’est comme d’habitude ! Pollard a un CV rempli d’albums qui ont été créés avec des contributeurs dans différents états et Earth Man Blues n’est pas différent.

La façon dont nous en sommes arrivés là n’est pas aussi importante que les transitions fantastiques de Earth Man Blues, les changements internes de chansons, l’expérimentation sans peur, les accroches accrocheuses et suffisamment de riffs durs pour occuper votre meilleure air guitar. L’album se déchaîne avec une liberté qui n’était pas aussi évidente sur certains des albums plus récents de GBV avec cette formation. Ils ont tous eu une direction et un groove, mais EMB bouge rapidement et sort parfois du champ gauche avec une injection spectaculaire de rock Pollard. C’est le morceau auquel les fans de longue date et les nouveaux fans s’identifieront et diront qu’il s’agit du meilleur album depuis Alien Lanes. On ne pourra pas formular la même appréciation sur Earth Man Blues mais pn peut toutefois être d’accord pour dire que c’est l’un des albums les plus agréables que cette formation ait sorti et qu’il contient des transitions et des inserts qui ne lassent jamais.

Il y a de nombreux points forts sur cet opus et certains d’entre eux ont vraiment retenu motre attention. 45 secondes après le titre d’ouverture, « Man Made », le rock se transforme en orchestre et se termine par une belle accroche. Le registre vocal bas de «  The Disconnected Citizen » vous fera également remarquer que cette ballade plus légère dans l’air se termine par une fantastique harmonie superposée. « The Batman Sees The Ball » et « Trust Them Now », eux, s’orientent tous les deux vers le rock et se connectent, tandis que « Sunshine Girl Hello » et « Dirty Kid School » sont un peu plus expérimentaux et comprennent un échantillon, une reprise et le dernier donne quelques claquements de doigts musicaux comme un West Side Story des temps modernes. Le stomp new wave de « Ant Repellent », de son côté, vous fera également chanter en un rien de temps. La liste de ce type de moments peut donc continuer car ils constituent, au final, l’ingrédient spécial qui fait briller Earth Man Blues.

Il y a beaucoup de choses à aimer sur cet album donc et, étant donné le large catalogue de GBV, ce sera un disque difficile à oublier lorsque le prochain projet sortira. C’est la clé, car, si on aime la nouvelle musique, elle a toujours de l’éclat, même, et cela arrive souvent, quand le battage initial d’un album s’estompe lorsque le « prochain » grand album du moment est lancé. C’est en cela que Earth Man Blues réussit ; son exécution aérée et mémorable vous fera le réécouter tant il y a à chaque fois quelque chose de nouveau et de différent qui vous ramène à l’excitation initiale. C’est une victoire, car Guided By Voices est verrouillé et créatif, et peu importe ce qu’ils sortiront ensuite (et nous savons qu’ils le feront), Earth Man Blues sera une référence pour les années à venir.

***1/2


Lord Huron: « Long Lost »

29 mai 2021

Être critique musical c’est pouvoir écrire avec ferveur et conviction sur tout ce qui touche profondément, mais c’est aussi être capable de tempérer cet enthousiasme pour tenir compte de toutes les choses qui diminuent naturellement l’impact d’un album avec le temps. Pour nous, la musique a toujours été liée au moment présent : la valeur d’un album ne réside pas dans ses prouesses instrumentales, mais dans l’investissement émotionnel qu’il suscite. Quand on regarde ses albums préférés, ils sont le produit de souvenirs à la fois déchirants et joyeux que chacun pourra emporter jusqu’à son lit de mort. Peu importe qu’il s’agisse de métal complexe/progressif ou de pop-punk simplement accrocheur, si on peut y associer un souvenir essentiel qu’aucun autre morceau de musique ne peut revendiquer, alors il s’est taillé une place permanente dans notre cœur. Quand on regarde en arrière et que j’additionne ses expériences, elles sont nombreuses : la preuve d’une vie avec de nombreux hauts et bas que l’on peut feuilleter comme un album photo en cliquant simplement sur « play ».

Long Lost pourrait bien êtrela dernière photo de cet album, une image légèrement décolorée par le soleil associée à d’autres s’éclipsant de notre tourne-disque presque constamment le week-end.Plus jeune, on avait l’habitude de définir la vie par ses plus grands moments ; maintenant, on trouve du réconfort dans le quotidien. Dans cette veine, Long Lost va être un autre album de ces albums qui tournera en boucle les week-ends… c’est chose indéniable. C’est en partie parce que certains partagent une affinité pour le folk mélodique, et aussi parce que le nouveau Iosonouncane n’est pas exactement propice à des journées placides. Aujourd’hui, la musique ne se limite plus à soi, mais plus à vouloir partager un album avec son entourage et à le regarder avec tendresse. Après tout, il n’y a qu’un nombre limité de souvenirs que l’on peut se forger seul dans sa voiture, ou confiné au PC de sa cave à jouer quelque chose de sombre/dissonant/profane pendant que la vie continue savec ou sans vous.

Le dernier album de Lord Huron est tout le contraire de cela. Ce n’est pas seulement leur meilleur album (oui, encore meilleur que « Lonesome Dreams) », mais aussi le plus riche et le plus absorbant sur le plan émotionnel. Les guitares acoustiques scintillent comme des diamants à la surface d’un lac tranquille, tandis que les couplets mélodiques de Ben Schneider font écho à un mélange magique de nostalgie et de romance. Au milieu de toute cette beauté, des cordes passionnées se mêlent à chaque note comme une brise légère qui s’empare de ses mots et les emporte dans les airs. Long Lost possède la beauté terrestre de Helplessness Blues de Fleet Foxes, mais elle est encore plus sereine – la campagne ouverte aux forêts brevetées de Pecknold. Dans ces plaines, Schneider alterne entre la contemplation de chaque brin d’herbe et le fait de baisser la tête, de tout laisser tomber, et de simplement abandonner son âme au dôme bleu qui l’entoure.

D’un point de vue atmosphérique, Long Lost incarne le genre de beauté à couper le souffle que nous avons tendance à percevoir comme commune (en partie grâce aux pionniers du genre qui, il y a des décennies, ont établi le son dans le courant dominant) ; pourtant, on peut compter sur une main le nombre d’artistes contemporains qui écrivent un folk aussi esthétiquement magnifique et simultanément mémorable que Lord Huron. On ne peut qu’être complètement conquis par cet album, qui s’est immédiatement imprimé dans l’esprit lors de la première écoute, entouré d’une fdans l’environnement le plus agréable qui soit comme pour nous tirer de ce beau rêve qu’est le déroulement de cet album.

« Drops in the Lake »est, à cet égard, un titre dont on adore chaque moment – tout comme la teneur hilarante et désynchronisée d’un morcea comme eMine Forever ». En ces momenst, tout semble baigner dans cette brume surréaliste. Tout brille dans la lumière du matin, et notre esprit est en ébullition. « Where Did The Time Go » fait ainsi écho à nos propres pensées » « C’était délicieux / Puisses-tu rire et chanter toute ta vie / Puisses-tu apprendre les raisons pour lesquelles / Puisses-tu vivre jusqu’à ta mort. »( It’s been delightful / May you laugh and sing your life full / May you learn the reasons why / May you live until you die) Le moment est si parfait qu’il peut donner presque envie de pleurer.

Peut-être que la musique ne devrait pas être aussi importante. Mais elle l’est. On ne peut pas écrire sur la musique sans être proche et personnel, et la vie est dépourvue de couleur sans la musique pour la remplir. C’est la raison pour laquelle Long Lost est vecteur de t’ant d’inspiration (et d’aspirations) ; c’est un album si étonnant à tous égards que mon esprit ne peut s’empêcher de dériver vers toutes les choses qui comptent le plus pour moi. Il n’y a pas si longtemps, la musique était un canot de sauvetage pour me délivrer de la solitude et de la dépression ; aujourd’hui, elle est une représentation de tout ce qui est à sa place – la preuve que les choses s’améliorent, la preuve que la vie s’arrange, et la preuve qu’on peut être une personne suffisamment chanceuse pour sortir de son introversion paralysante et trouver accidentellement le bonheur. L’avant-dernière chanson « What Do It Mean » chante alors telle une sérénade en fond sonore, et ses mots flottent dans les oreilles et le cerveau : « Toute la joie que j’ai connue / Les façons dont j’ai grandi / Les amours auxquels j’ai montré mon cœur / Je vais me ressaisir et vivre pour toujours » (All of the joy I’ve known / The ways I’ve grown / The loves I’ve shown my heart to / I’m going to get it together and live forevеr). Long Lost nous parle d’une manière presque intangible dès le moment qui s’appelrait la « première fois » et où, maintenant, plus on s‘attarde sur les paroles et les thèmes de l’album, plus on se rend compte, ou on fantasme, qu’il a été écrit pour nous – maintenant, dans ce moment précis de bonheur que l’on n’oublieracertainement jamais – même s’il provient de la banalité de son chez soi. Les quatorze minutes de cette magnifique ambiance qu’est « Time’s Blur » viennent de commencer, et la seule chose que l’on peut penser à dire maintenant est la suivante : la vie est courte – aime ce que tu aimes. Pour nous, Long Lost sera le rappel constant de faire exactement ce que nous dictent ces émois.

****1/2


Dinosaur Jr.: « Sweep It Into Space »

24 mai 2021

Les parrains du rock alternatif fuzz sont de retour avec douze nouvelles chansons sur un album qui ravira les fans de longue date et incitera les nouveaux auditeurs à se précipiter sur l’imposant catalogue de Dinosaur Jr.

Dinosaur Jr. s’est formé dans le Massachusetts en 1984 en tant que groupe à trois, composé de J Mascis (guitare/voix), Lou Barlow (basse/voix) et Murph (batterie). Ils ont réalisé certains des albums de rock alternatif les plus influents de la fin des années 80 et du début des années 90, tels que Your Living All Over Me, Bug et Green Mind, avant que des tensions ne conduisent au départ de Murph puis de Barlow. Barlow a formé Sebado, et Mascis a continué avec quelques albums de grandes marques jusqu’à la dissolution du groupe en 1997. Le trio original s’est reformé en 2005 pour des apparitions à la télévision et une tournée, puis a enregistré son album de retour triomphal Beyond en 2007. Depuis, le second souffle de Dinosaur Jr  « chchote » droit et vrai.

Sweep It Into Space a été enregistré en 2019, après que le groupe ait terminé sa tournée, et les douze chansons ont un indéniable côté de concordance de leurs éléments. Le groupe a fait appel à l’auteur-compositeur-interprète Kurt Vile comme coproducteur, et il apporte un style plus soigné à la production de l’album.

Le disque s’ouvre sur « I Ain’t », dans lequel Mascis confesse être au mieux quand il est en compagnie. Dès le départ, Sweep It Into Space est ainsi composé de compositions mélancoliques, un terrain familier pour Dinosaur Jr. Mascis s’abstient de ses solos de guitare caractéristiques sur « I Ain’t », laissant les mélodies et les accords de guitare prendre le dessus. Cependant, la majorité de l’album trouvera Mascis dans une forme excellente et souvent féroce. Sur « I Meet The Stones », son solo se pavane et rugit sur la batterie de Murph qui martèle etsSur le morceau presque pop-rock « And Me », Mascis pose un autre solo foudroyant qui ne peut être que de lui. Alors que Kurt Vile jouera d’innombrables plans tout au long de « I Ran Away », laissant Mascis faire un solo pour le dernier tiers de la chanson.

Comme cela semble être le cas sur les albums récents de Dinosaur Jr., Lou Barlow prend les fonctions de chanteur principal sur deux compositions:la chanson de clôture, maladroite et soft rock « You Wonder » et le « single » hymnique « Garden » récemment sorti. Un C’est un titre qui parle de revenir à l’essentiel et de se concentrer sur ce qui compte vraiment et, à cet égard, Il est facile d’imaginer que si « Garden » était sorti au milieu des années 90, il aurait été un énorme tube alternatif.

Il y aura aussi une surprise très inattendue et étrangement agréable dans le rebondissement du clavier mellotron de « Take It Back » Dinosaur Jr. y fait presquedu reggae. Sweep It Into Space est un album solide de Dinosaur Jr. Il y a quelques surprises, surtout agréables, malheureusement il n’est pas aussi punk et brut que les albums précédents, mais il a toujours la fantastique signature sonore criarde du combo.

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