Brian Fallon: « Local Honey »

Depuis l’interruption indéfinie de The Gaslight Anthem, Brian Fallon a réussi à triompher de l’obscurité qui peut souvent envelopper beaucoup qui s’engagent sur la voie solitaire de l’artiste solitaire devenu frontman. Les quatre dernières années ont vu la sortie de Painkillers en 2016 et de Sleepwalkers en 2018, deux succès qui contenaient toujours des éléments du punk-rock emblématique de Gaslight.

Le troisième solo de Fallon est un peu différent. Faisant équipe avec le producteur Peter Katis (The National, Interpol, The War on Drugs), lauréat d’un Grammy Award, Fallon a identifié que pour ce disque, il voulait que tout tourne autour des éléments du quotidien qui entouraient sa vie. En conséquence, Local Honey est l’offre la plus unique qui soit issue de son parcours d’artiste solo à ce jour. Le disque s’appuie davantage sur une guitare acoustique dépouillée et offre une expérience d’écoute chaleureuse et introspective. Le changement de son est rapidement devenu apparent avec la sortie du premier « single » « You Have Stolen My Heart » – une chanson d’amour rêveuse qui révèle une nouvelle dimension de la voix de Fallon, typiquement terre-à-terre, d’une grande portée et qui est ici tout à fait bienvenue.

Le « single » suivant a été une autre source de surprises bienvenues. Une partie de la composition nous rappelle l’époque où Fallon travaillait avec le guitariste Ian Perkins sur le projet The Horrible Crowes. Si le premier titre est indéniablement captivant, « 21 Days » a été le premier morceau à se mettre dans la peau et à entrer dans le cycle des reprises sans fin. Poursuivant, en effet, les tons vulnérables du premier « single », la chanson reflète magnifiquement le processus tourmenté de la rupture d’une dépendance et de l’arrêt de la cigarette. C’est l’incarnation de ce qui a valu à Brian Fallon d’être un fan fidèle dans le monde entier ; une capacité à faire passer la difficulté à travers un spectre et à créer un son merveilleusement accessible et édifiant dans le processus.

Qui auraà assisté à un concert de Brian Fallon, aura sans doute remarqué que ses chansons sont prêtes à être interprétées par un public en direct. Le troisième » single » « I Don’t Mind If I’m With Yo » sera sans aucun doute l’un de ces morceaux. L’introduction est une mélodie de guitare acoustique au rythme lent qui fait écho à « She Loves You » de The Gaslight Anthem, pour finalement se transformer en un refrain qui s’enroule autour de vous et vous donne envie de chanter, comme tout un chacun pourrait le faire.

Bien qu’il s’en tienne à une recette relativement simpliste de guitare acoustique et de piano, l’album est finalement porté par le charme irrésistible de la voix de Fallon. L’esthétique générale du disque a été renforcée par la production habile de Peter Katis, qui a mis au jour certains aspects de l’écriture de Fallon qui, jusqu’à présent, semblaient se cacher sous la surface.

L’artiste a été ouvert sur les difficultés qu’il a rencontrées pour accepter son parcours d’artiste solo, mais il a reconnu qu’à l’avenir, il voulait que la musique soit un livre honnête et ouvert sur sa vie. Local Honey est un disque confortable et complet, avec huit pistes entrelacées de manière soyeuse qui leur sont merveilleusement familières – le résultat global est un classique épanoui qui marque un nouveau chapitre pour lui.

***1/2

Haggard Cat: « Common Sense Holiday »

Initialement un side-project pour la moitié de Heck (anciennement Baby Godzilla), le groupe susmentionné s’est depuis longtemps dissout, et Haggard Cat semble bien parti pour un plus long terme. Après Challenger en 2018, ils sont donc de retour et leur vision du rock’n’roll a évolué et les premiers signes de ces progrès sont visibles sur leur deuxième album, Common Sense Holiday.

« First Words » démarre sur un riff d’ouverture monstrueux qui domine complètement la chanson. Le refrain est conduit par un chanteur invité, qui n’est autre que Jamie Lenman montrant que le combo s’est vraiment lancé dans l’art de la tension et du relâchement, surtout quand le final ne peut être qu’infernal. Dans ce qui se poursuivra tout au long de l’album, l’accent est davantage mis sur le jeu propre et traditionnel du guitariste/chanteur Matt Reynolds, mais n’allez pas croire que cet album est une manne financière.

Haggard Cat n’est pas considéré comme un groupe particulièrement politique, mais « European Hardware » dont l’accroche de « We are building a wall / Nous construisons un mur », ne laissera pas de doutes, surtout avec en toile de fond leurs récentes manifestations.

« Show Reel » met également en avant une qualité idiosyncrasique qui leur est presque unique – les constructions militaires qui apparaissent sur des chansons comme « Challenger » et « American Graffiti » – grâce aux percussions tonitruantes de Tom Marsh, et les lignes de guitare de Reynolds qui ne peuvent que nous tenir en haleine. Les capacités de Reynolds en tant que chanteur restent également sous-estimées, avec l’un des cris les plus puissants qui soient, ainsi que des accroches mélodiques contagieuses. « Rational » a aussi un rythme de batterie décalé que personne n’aurait pu prévoir, avant qu’il ne redevienne tout simplement bestial avec sa montagne de velléités  expérimentalistes.

Commençant comme ce que Queens Of The Stone Age aurait pu faire, « The Natives » voit le chant de Reynolds mettre en scène un rythme de rock sauvage avant de se transformer en un composition monstrueuse et, si on y ajoute, « Cheat » et son break au saxophone,ou aura droit à une autre surprise sur l’album.

« Pearl » excelle de manière convenue dans son rock’n’roll imprégné de punk, mais « Ghosts Already » est une chanson qui fait preuve de la plus grande ambition, puisqu’elle dure 7 minutes et s’étoffe énormément tout au long du morceau. Au moment où vous pensez qu’ils pourraient être à court d’idées ce sera la meilleure façon de terminer l’album avec sa fin abrupte qui donne envie d’en (s)avoir plus.

Common Sense Holiday est un moment de croissance pour Haggard Cat, qui montre que ce groupe est bien plus que ce qu’on peut entendre à la surface. Il est très rare qu’un disque avec une configuration aussi simple puisse autant nous intrigue, chose qui mérite d’être mentionnée…. et poursuivie.

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Luke Haines & Peter Buck: « Beat Poetry For Survivalists »

Ce n’est pas le cas, mais ce pourrait même être le Monster de REM qui orne la pochette. Néanmoins, c’est peut-être l’album qui se rapproche le plus du remplacement du regretté combo d’Athens en Géorgie.

Pour être honnête, il ne semble pas trop éloigné de l’œuvre de Haines qui se trouve sur la même page (ou la suivante). À nos oreilles, cela sonne des clochesqui ramènent à Jarvis Cocker et Vinny Peculiar qui a travaillé avec Haines. Découvrez l’album New York In The 70’s de Haines et le buzz lo-fi de son Lou Reed.De ce dernier ; Buck en a acheté dertains de ses tableaux et le reste est une partie de l’histoire, une partie de l’histoire sans importance.

C’est une sorte de style parlé auquel Roger Waters revient souvent avec ses divagations mais dont le sujet couvre des chansons sur le légendaire spécialiste des fusées et de l’occultisme Jack Parsons ne station de radio post-apocalyptique qui ne diffuse que des disques de Donovan, Bigfoot et Pol Pot. C’est justement ce genre de réflexion et de référence aléatoires qui fait de Beat Poetry for Survivalists un morceau si essentiel à savourer.

Ainsi, Jack Parsons commence les choses avec une pléthore de références et nous faisons un voyage à Apocalypse Beach où nous rencontrons (sans surprise) Donovan Leitch, rencontre avec a witch dont c’est la saison, un lavage de rêve avec ce drôle de frotté acoustique etdle grain électronique. Un avant-goût de ce qui nous attend qui évolue vers des morceaux de guitare tribaux et déformés et l’irrésistible morceau-titre – essayez simplement de vous débarrasser de ce « smoke weed in America » (peut-être injecté avec un Dylan .en tant que sage des années soixante)…. Tout au long du voyage, vous rencontrerez également tout le monde, de Liberace à la Mère Russie, des sacs fourre-tout Tout Mask Replica et Johnny, Joey, DeeDee et Tommy Ramone.

Oui, il y a des éléments bizarres ; mais il est difficile de ne pas faire référence au passé de M. Buck, y compris quand Bobby’s Wild Years donne un aperçu de la guitare surchargée de l’ère du Monster de REM et, pendant que nous sommes au chapitre des influences, « Rock ‘N’ Roll Ambulance » pourrait être quelque chose qui vient de la plume de Ian Hunter.

En fin de compte, Beat Poetry For Survivalists est très amusant ; un lot entier de vocables en impertinence étalé en paquets de quatre minutes où musicalement tout est possible dans ce disque délicieusement décalé.

***1/2

The New Pagans: « Glacial Erratic »

The New Pagans sont un combo qui livrent ci un nouvel EP indie-pop plein de punch.  Nominés récemment pour le prix de la meilleure interprétation en direct du Prix de la musique d’Irlande du Nord, leurs chansons n’ont rien à voir avec le fait qu’elles viennent des côtes irlandaises mais louchent plutôt du côté rock aternatif ou grunge américain. Formés en 2016 par le guitariste et chanteur Cahir O’Doherty, The New Pagans ont fait leur première apparition sur scène au Belfast Empire au début de 2017. Depuis lors, ils ont produit de nombreux « single »s tels que « I Could Die »/ « Lily Yeat » » et « It’s Darker ». Ce premier EP regroupe leurs précédentes sorties, dont le « single » « Admire », récemment sorti.

Curieusement intitulé Glacial Erratic, on peut penser, à première vue, qu’il s’agissait de deux mots abstraits réunis pour une ambiguïté artistique. En fait, le terme fait référence à une roche déposée par les glaciers, dont la taille et le type diffèrent, et qui est native de la région dans laquelle elle se trouve. L’opus est unique ou du moins assez différent de celui de leurs pairs issus de la même région.

L’énergique premier morceau « It’s Darker » ainsi que « Charlie Has the Face of a Saint » avec la ligne de basse de Miskimmin sur « Monkey Gone to Heaven », ont tous des nuances lourdes rappelant les Pixies classiques. La voix et le style de McDougall ont également des parallèles avec ceux de Kim Deal de The Breeders, Courtney Love’s Hole et Juliana Hatfield. Dans la même veine que l’explosion du rock alternatif et du grunge au début des années 90, le groupe a cité Sonic Youth comme son inspiration et son guide.

Dans l’ensemble, Glacial Erratic n’est pas que la somme de ces influences; assez disjoint et changeant dans certaines parties, mais contenant aussi des moments vraiment sublimes et créatifs. Avec des compositions plus fluides et le talent qu’ils ont en germe, il sera intéressant de voir dans quelle direction ils se dirigent ensuite. Une fois maturité acquise.

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The Wants: « Container »

Comme ceux qui ont écouté les impressionnants « singles » du groupe le savent, The Wants exécutent remarquablement bien le post-punk motorik et kraut-rocking – le « single » principal « The Motor » s’élève avec une frénésie dansante mais toujours sombre sur fond de paroles, de guitares implacables et d’électronique pulsée. La pop, elle aussi, est un jeu d’enfant et Le titre « Containe » » est un thrash dance-punk avec sa part de bruits anxiogènes et le phrasé paniqué du chant de VanDam.

L’anxiété est un thème qui revient sans cesse, les cordes pliées de la guitare de VanDam s’entrechoquant dans le démantèlement sociétal de style Depeche Mode sur « Fear My Society ». Elle est là aussi, dans le bruit industriel grinçant de l’instrumental d’ouverture « Ramp », du rembourrage des pistes « Machine Room » et du paysage sonoique complet « Aluminium ». Dans les synthés bouillonnants, les basses vacillantes et les percussions creuses, il est facile d’entendre la proximité apolcalyptique qui fait de ce Container à un Can des temps modernes, une réexploration du genre, aujourd’hui perdu, de la positivité originale que les ancêtres de The Wants semblaient avoir tant. 

Il y a des tubes dans des chansons qui n’ont pas fait l’objet de « singles ». « Ape Trap » est une autre fête dance-rock avec un riff de guitare classique auquel The Wants fredonnent jeunesse et nouveauté. »Nuclear Party » joue avec le rock anthemique, mais conserve la nature expérimentale d’un groupe qui ne supporte pas de servir de la banalité.

Au total, Container propose une suggestion remarquable sur la façon dont la scène musicale underground peut répondre à la diversification continue des genres de la pop grand public. Bien que nous visions à identifier les genres qui ont précédé afin de les catégoriser et de les contenir, comme toujours, c’est l’impact émotionnel d’un groupe qui identifie son contenu. Et, à ce prpos, Container est un voyage exaltant qui flirte avec l’aphorisme.

***1/2

Too Free: « Love In High Demand »

Too Free est un combo natif de ashington, D.C. composé de Awad Bilal (chant), Carson Cox (batterie électronique) et Don Godwin (guitare). Ses trois ont une façon particulière  d’entrelacer le R&B, la dance-pop, le rock, le rap, l’électronique, la synthé-wave et une foule d’émotions fortes dans un tissage fin avec des voix progressives et toutes sortes d’instruments – organiques et électroniques – dans chaque piste. Neuf titres accompagnent ce premier album dansant, et la diversité sonore que chaque membre apporte scintille tout au long de Love in High Demand.

La voix nostalgique du premier morceau, « Gold », rappelleront les débuts de Brian McKnight au début des années 90. Le morceau est expérimental, léger et rêveur. Les vibrations R&B ne s’arrêtent pas là, et ce son se retrouve également sur le morceau « Elastic », qui a toute l’attitude qu’il faut et des mots de type « I’m not a clown », ce son « no bullshit»   stransparaît dans le chant de Bilal ou des phrase comme «  I could be the one you like / I can’t be around all night » (Je pourrais être celui que tu aimes / Je ne peux pas être là toute la nuit) ajouteront à ce compostement « no bullshit » qui accompagne le combo et qui est renforcé par la guitare électrique de Godwin traversant le morceau avec un solo impressionnant qui rappelle le bon vieux temps du rock’n’roll.

Une forte sensation de confiance s’est toutefois emparée de moi dès la première écoute de « ATM ». C’est le premier « single » de l’album et un excellent choix – il montre un côté espiègle et sûr de soi du groupe. La basse lourde et le chant risqué introduisent le titre avant qu’un kaléidoscope de touches intrigantes n’entre en jeu avec la batterie électronique. La voix de Bilal est sensuelle, délivrant des paroles telles que « Baby, catch me in color / Luxury notice / All you could ask for ». L’effet de vogue que dégage la chanson ne fait qu’ajouter à l’intensité de l’envie de danser et de déverser ses émotions. Il y a un sentiment de vouloir être visible, que ce soit pour quelqu’un que vous trouvez attirant, comme le chante Bilal ; « I want to be seen by you / I want to be noticed / Oh, to be seen by you. » (Je veux être vu par toi / Je veux être remarqué / Oh, n’être vu que par toi).

Un titre comme « X2 » déstabilisera en raison de son chant ; avec un sens de spiritualité brute qui est différent de tout autre morceau de l’album. La variété des chants graves qui coïncident avec les tambours de Cox donne l’impression d’être en plein milieu d’un ancien rituel dans la jungle avec une sensation de bain vectrice de calme et de soulagement qui traverse le corps durant l’écoute et « The Void » sera un morceau, à cet égard, ne pourra que grandir à l’inétrieur de soi. Peu à peu d’ailleurs on sera amené à analyser les différents sons qui composent l’ensemble. Le chant et la basse se mettent en place avec des changements de rythme différents, et tous deux sont intimidants. C’est un morceau qu’on apprend à apprécier et qui peut très bien devenir un titre-phare pour qui est ouvert à la démarche du groupe.

« Breathing Underwater » fera voyager de manière introspective, effet que l’on peut attribuer aux ondes hypnotiques et à la respiration lourde qui démarrent la chanson. C’est le seul morceau qui contient du rap, et la performance n’est pas à dédaigner. Le rythme apaisant de la voix de Bilal correspond au flux onirique du morceau et le rap ajoutere un sentiment de nervosité qui vous ramène dans la chanson. Quelque chose dans « Wanna Let Me Know », par la suite, donnera l’impression de nous transporter dans un souvenir au loin. Le chant semble lointain et, quand, Bilal parle de faire quelque chose pour un amant, un sentiment de mélancolié ne peut que s’échapper de la suppliqu ainsi verbalisée.

Il est peu de dire que la musique de Too Free nous emporte là où elle veut et dicte là où l’on se sent capable d’aller. Ainsi on ressentira et on libèrera variétés d’émotions ; danser où petdre la tête. Cependant, chaque morceau offre une excellente façon de regarder à l’intérieur de soi. Le mélange subtil de différents genres est ce qui rend l’album parfait pour un premier jet ; Love in High Demand est une image polyvalente de ce que le trio qu’est Too Free apporte à la musique.

***1/2

Guided By Voices: « Surrender Your Poppy Field »

Lorsque les rockers lo-fi américains Guided By Voices ont sorti leur premier EP Forever Since Breakfast en 1986, personne n’aurait pu prédire que le titre du disque, inspiré par Charles Manson, serait un commentaire aussi approprié sur la prodigieuse créativité et la longévité de ce groupe vénéré ! Mieux connus pour leurs chansons pop-rock indépendantes, pétillantes et percutantes, d’une durée d’à peine 3 minutes, et pour avoir sorti de la musique pratiquement chaque année de leur existence, les Guided By Voices ont guidé les oreilles de presque tous les musiciens de rock actuellement actifs sur la scène.

Au cours des 35 dernières années, le groupe dirigé par l’énigmatique génie et légendaire auteur-compositeur-interprète Robert Pollard a sorti (officiellement) 29 albums studio, et Pollard lui-même a plus de 100 albums à son actif ! Leur mélange intemporel de pop lo-fi, de post-grunge, de garage, de British Invasion et de punk a fait du groupe un groupe culte aux États-Unis et à l’étranger, ce qui en fait l’un des groupes indépendants les plus appréciés de ces dernières décennies.

Ainsi, lorsque la date de sortie de leur 30e album studio officiel, Surrender Your Poppy Field, a été repoussée, la seule critique qui a toujours été formulée à l’encontre de ce groupe a été qu’on était à la merci d’un nouvel enfantillage. Compte tenu de leur travail prolifique, le groupe de cinq musiciens a toujours eu plus de ratés que de succès. En publiant autant en termes de quantité, le groupe risquait de diluer la qualité globale de son considérable catalogue. Mais toutes les appréhensions concernant l’héritage de GBV ont été mises de côté une fois le disque écouté. Ne vous y trompez pas, cet album est exceptionnel et se classe parmi les meilleurs, comme « Mag Earwhig ! », « Bee Thousand » ou « Alien Lanes ».

Le titre de l’album lui-même est un hommage au film The Wizard of Oz et (il y a même une scène où « Surrender Dorothy » apparaît dans le ciel), ainsi qu’au propre catalogue de GBV. Comme l’explique Pollard le Magicien d’Oz lui est venu à l’esprit lors de sa conception et il réalisé un EP de cinq chansons il y a quatre ou cinq ans sous le nom de Sunflower Logic avec un catalogue factice pour le nom du label utilisé, Pink Banana Records. On y trouve 50 ou 60 faux noms de groupes avec des titres de 45 tours, d’albums EP et de compilations, et l’une des chansons était « Surrender Your Poppy Field ». Cette dernière est restée et Pollards a décidé de lui donner une vraie place sur un album de Guided by Voices ».

La chanson d’ouverture, « Year of the Hard Hitter », évoque des visions de la violence liée au sexe à l’ancienne, avec son riff de Stooges et son solo de guitare. « Volcano », la deuxième composition et le premier « single » du LP, continue dans la même veine rock. On peut facilement imaginer qu’un super groupe des années 90 a donné naissance à cette chanson à l’atmosphère floue et brûlante. Comme d’habitude, le talent de Bob Pollard pour écrire des paroles étonnantes n’est pas diminué : « True is the time when I see you / Blue are the blinds that I see through / Red are the taillights in your eyes / Said what I needed, now it’s through. »(C’est vrai que quand je te vois / Bleu sont les stores que je vois à travers / Rouge sont les feux arrière dans tes yeux / J’ai dit ce dont j’avais besoin, maintenant c’est fini.)

Les titres « Queen Parking Lot », « Man Called Blunder » et « Stone Cold Moron », avec leurs tambours énergiques et leurs riffs entraînants, sont généralement des numéros courts et doux de GBV – ils ressemblent à quelque chose que les Pixies, Nirvana ou même les Melvins auraient pu produire. Le morceau « Arthur Has Business Elsewhere » est un autre des points forts de cet album, avec ses guitares fluides et ses paroles : « He likes to run around / Because he’s played up this old town / Arthur has business elsewhere » (Il aime courir partout / Parce qu’il a joué dans cette vieille ville / Arthur a des affaires ailleurs), rappeleront le Arthur Dent du Hitchhiker’s Guide to the Galaxy. Ce morceau est également l’un des nombreux titres impressionnants de l’album qui utilise la valse, avec un morceau de stand-along comme « Steely Dodgers », tournant autour d’une ligne de basse ascendante, ainsi que le groove de « Andre the Hawk » qui sonne comme Pavement quand il était dans la fleur de l’âge.

L’euphorique « Cul-De-Sac » est un punk-rocker qui joue du punk rock avec des sifflements accrocheurs et un rythme de batterie de fanfare pour faire bonne mesure et « Physician » est un titre que le groupe de Franz Ferdinand aurait pu rêvé d’inventer.

Une autre touche agréable à souligner sur ce nouvel album est l’ajout de belles parties de synthétiseurs mélodiques et elle renforcera véritablement l’atmosphère particulière du disque. Un exemple typique en est « Woah Nell » », probablement le morceau le plus surprenant et le plus beau de l’album, avec sa section de cordes tourbillonnante et ses harmonies à l’ancienne qui agissent comme le nettoyeur de palais ultime. La dernière chanson rock de l’album, « Next Sea Level », est le fruit d’une introduction lente et ascendante qui se transforme en un véritable climax orchestral, ce qui en fait l’une des meilleures clôtures d’album de GBV que nous ayons entendues ces dernières années. 

Dans l’ensemble, il s’agit d’un disque on ne peut plus mélodieux, avec des virages azimuthés sans précédent et des effluves sonores pour garder l’auditeur captif.Pour être totalement franc, ce disque ressemble déjà à un classique des temps modernes d’un des groupes les plus appréciés de notre époque. Le seul talon d’Achille de GBV était, jusuq’à présent, un épuisant déluge de contenu. Mais à ce stade de carrière, Surrender Your Poppy Field prouve qu’en approfondissant sa musique au lieu de se contenter de la proliférer, le combo continue à grandir au lieu de vieillir.

****1/2

Best Coast: « Always Tomorrow »

Les Californiens de Best Coast sont de retour avec leur quatrième album, le plus introspectif à ce jour : Always Tomorrow. La chanteuse Bethany Cosentino continue de fouler les thèmes de l’insécurité et du doute de soi, mais le disque se définit par son développement personnel plus évolutif ce qui inclut des nouveaux niveaux d’acceptation de soi et de gratitude.

Une autre caractéristique déterminante de l’album est le son rock gonflé de Bobb Bruno, son co-fondateur avec Cosentino. L’album déborde de riffs endiablés, de refrains envoûtants et de tempos percutants, polis par des synthés subtilement chatoyants et une production fluide. Le morceau d’ouverture « Different Light » reflète tous ces détails : «  Who am I to judge if you still see things in a different light » (Qui suis-je pour juger si vous voyez encore les choses sous un autre angle ?) demande Cosentino avec diplomatie.

Sur « Everything Has Changed », dont l’hymne rappelle le « Beverly Hills » de Weezer, son ancien compagnon de scène, elle décrit l’avant et l’après de sa vie idéalisée, depuis l’abandon insouciant de la jeunesse débauchée, où elle ne buvait que de l’eau et du whisky, jusqu’à une vie plus sédentaire où elle promenait son chien, vivait dans une grande maison et faisait la cuisine pour deux chaque jour. Ce titre aborde également les critiques et les brimades auxquelles Cosentino a dû faire face ; « I used to cry myself to sleep reading all the names they called me. Used to say that I was lazy, a lazy, crazy baby. Did they think that maybe I was in on it? » (J’avais l’habitude de pleurer pour m’endormir en lisant tous les noms qu’on m’appelait. Je disais que j’étais paresseuse, un bébé paresseux et fou. Est-ce qu’ils pensaient que j’étais peut-être dans le coup ? Mais même si elle fait référence à ses critiques, sur « Wreckage, elle réfléchit toujours sur elle-même et son image de soi : « No one’s saying that I’ve got so be perfect, so why do I keep pushing myself? » (Personne ne dit que je dois être parfaite, alors pourquoi est-ce que je continue à me pousser ?)

« Everything Has Changed » et « Wreckage » abordent également le blocage de l’écrivain. «  If everything’s okay, then what the hell do I complain about? » (Si tout va bien, de quoi diable me plaindre ?) chante-t-elle sur le premier. Et sur le second : «  wanted to move on, but I kept writing the same songs » (Je voulais passer à autre chose, mais j’ai continué à écrire les mêmes chansons.)

Le syndrome de l’imposteur s’installe complètement sur « Graceless Kids » : «  Who am I to keep preaching to the graceless kids of tomorrow? They need a hero, not a wreck. I’m just a phony in a floral print dress . » (Qui suis-je pour continuer à prêcher aux enfants sans grâce de demain ? Ils ont besoin d’un héros, pas d’une épave. Je ne suis qu’un imposteur dans une robe à imprimé floral), chante-t-elle en s’habillant.

Cosentino se reproche également d’être coincée dans de vieilles habitudes et de vieux schémas, comme rester trop longtemps au lit ou tomber amoureuse de types qui ne savent pas ce qu’ils veulent. Mais elle se réjouit aussi des progrès qu’elle a accomplis. Sur le thème élastique, fantaisiste et clairvoyant « Feel Like Myself Again », elle semble renouvelée : « On Friday nights, I don’t spend too much time lying on the bathroom floor like I used to. The demons deep inside of me, they might have finally been set free. And I guess this is what they mean when they say people can change, ‘cause I finally feel free. I feel like myself again, but for the first time. » (Le vendredi soir, je ne passe plus trop de temps allongée sur le sol de la salle de bains comme avant. Les démons qui sont au fond de moi, ils ont peut-être enfin été libérés. Et je suppose que c’est ce qu’ils veulent dire quand ils disent que les gens peuvent changer, parce que je me sens enfin libre. Je me sens à nouveau moi-même, mais pour la première fois). La chanson parle de la distance la plus grande que Best Coast semble obtenir par rapport à son anvien répertoire comme « Why I Cry », sur lequel on chante désespérément « Look to the future, nothing’s there. Don’t know why I even care. Walk around in a haze. Seems to be the way I spend my days. I’m stuck in the gray.. » ( Je ne sais même pas pourquoi je m’en soucie. Marche dans la brume. Il semble que ce soit la façon dont je passe mes journées. Je suis coincé dans le gris.)

Musicalement, Always Tomorrow est très loin des débuts lo-fi de Best Coast, qui sont imprégnés de distorsions. Sur le plan thématique, cependant, Cosentino est toujours aux prises avec les problèmes qui l’ont toujours rongée. Mais c’est un travail en cours, et de plus en plus, elle prend le dessus sur ses insécurités et convient que, pour toutes les fois où celles-ci la perturbent, il y a toujours un lendemain, un « always tomorrow ».

***1/2

Greg Dulli: « Random Desire »

Greg Dulli est un fournisseur de rock n roll sombrement sinistre imprégné de R&B depuis un certain temps déjà. Sa voix puissante est à l’origine du son emblématique des Afghan Whigs, qui ont attiré l’attention du monde de la musique avec leur album Gentlemen en 1993. Depuis cette époque, Dulli et les Whigs se sont séparés, il a lancé un projet parallèle appelé The Twilight Singers, qui a donné naissance à cinq grands disques, a réuni les Whigs et sort maintenant son tout premier véritable album solo intitulé Random Desire. Tout au long de sa carrière, Dulli est restéle fer de lance de son œuvre, mais avec Random Desire, l’intention du chanteur est un peu plus concentrée et finalement plus satisfaisante. Produit par Dulli avec le collaborateur de longue date Christopher Thorn dans un petit studio à Joshua Tree et avec la majorité des instruments joués par le chanteur lui-même, Random Desire est un portrait réfléchi, ouvert et honnête de la situation dans laquelle se trouve l’artiste à ce stade de son pèlerinage musical.

L’album débute sur « Pantomima », avec une ligne de basse grondante et la voix de Dulli qui sonne plus fraîche que jamais. Lorsque le groupe au complet se met en place, le morceau devient une véritable montée d’adrénaline avec la mélodie vocale de Dulli qui s’élève au-dessus d’une voix merveilleusement placée. Avec ses claquements de mains épars et son double battement de tambour, l’ensemble de la démarche ressemble à une véritable déclaration de Dulli et à la manière parfaite de lancer une sortie solo tant attendue. À partire de cele, le disque n’en finira pas d’être satisfaisant. « Sempre » prend un tournant avec son côté sombre et romantique qui devrait être familier mais qui ne pourra qu’être attachant pour tout fan qui l’écoutera. « The Tide », l’un des points forts de l’album et le plus ouvertement interne des chansons de Random Desire, met en valeur la force de Dulli avec sa mélodie et ses paroles. Lorsqu’il chante  » » got things to do before I fade away » ce n’est pas le reniement d’une promesse de ce qui est à venir, mais plutôt une déclaration provocante qui est soutenue simplement, mais auffisamment, par les tambours tonitruants entrant dans le refrain de la composition.

Pendant toute la durée de l’album, les choses resteront captivantes. « Scorpio » démarrera simplement avec la voix de Dulli et un piano qui se développera en un morceau de groupe plus complet et addictif dont l’intimité ne faiblit pas. « Lockless » affichera un rythme électronique intéressant et des synthés qui bourdonnent. « You’ll be the end of me » chante-t’il sur un fond sans guitare, mettant ses paroles et les émotions qui les sous-tendent dans un contexte nouveau et ouvert, libéré de toute posture masculine, et au moment où les cuivres font leur entrée, on ne peut qu’être accroché. L’album se termine par « Slow Pan », une jolie complainte remplie d’une ligne de piano arpégée, de lap steel gonflant et d’une harpe envoûtante. C’est une belle façon de clore une collection déjà magnifique.

Greg Dulli semble toujours créer de la musique et il est clair, d’après ce qu’il a produit au cours des dernières décennies, qu’il aime ce qu’il fait et que cela transparaît dans sa production. Avec Random Desire qui est présenté comme son tout premier album solo, l’attente est grande pour ce qu’il peut réaliser sans se cacher derrière, même au sens figuré, un groupe de musiciens et Dulli ne déçoit pas. L’entendre continuer à faire preuve d’une si belle honnêteté, qui ne fait que frôler les limites de l’obscurité que l’on attend de lui, est follement merveilleux et n’est que le dernier ajout à un magnifique héritage musical qui ne cesse de grandir.

****

Tame Impala: « The Slow Rush »

Tame Impala est de retour avec son premier album depuis Currents qui date de 2015. The Slow Rush représente une rupture par rapport au son de l’opus précédent qui proposait des où les synthés avaient la place d’honneur. Cet album une fois de plus, va analyser le concept de temps notre rôle dans l’univers à travers l’esthétique psychédélique unique de Kevin Parker. D’alleurs, bien que l’e disque soit mené par les « singles » « Borderline » et « Lost in Yesterday », The Slow Rush va avoir bien plus à offrir que ces deux titres.

L’album comprend de nombreux titres optimistes comme « One More Year » ou « Instant Destiny », cepandant Parker montre également sa capacité à ralentir les choses sur l’incomparable « Posthumous Forgiveness » où le morceau abore un rythme délibéré accompagné d’un travail minutieux au synthétiseur etloù le chant de Parker semble flotter au-dessus du rythme d’une manière presque éthérée. La chanson est unique car elle comporte des mouvements, où le rythme et le chant sont un peu secoués, chose qui rendra le titre d’autant plus intéressant.

Parmi d’autres favoris, on trouvera « On Track », un morceau qui présente une mélodie basse et un chant délicieusement versatile, « It Might Be Time », un autre titre qui met en avant le travail vocal de Parker et l’harmonie dynamique du synthé conugué à la batterie. L’album se termine par « One More Hour », qui si ce n’est une heure, dure un peu plus de sept minutes et qui est grandiose dans ses objectifs avec son enchevêtrement de mélodies en plein essor qui s’enchaînent mais qui l’est également dans sa réalisation et ses mouvements ; une composition qui vaut totalement le temps que l’écoute y consacrera.

Amusant, varié et serré sont les adjectifs qui s’imposent pour décrire ce dernier effort de Tame Impala. The Slow Rush se sent important quand on l’écoute et vous apporte un peu de tout. Pour les déjà fidèles, The Slow Rush ne sera pas une déception. Pour ceux qui cherchent à entrer dans l’univers de Tame Impala, il sera différent de Currents, mais il ne fait quel montrer l’évolution de l’artiste qu’est Parker : aventureux et désireux de s’attaquer à des idées audacieuses et compliquées, Parker a, une fois de plus, frappé fort.

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