Pavement: « Crooked Rain »

Lorsque Pavement a sorti son deuxième album studio en 1994, la scène musicale alternative américaine était en train de surfer sur la crête d’une vague. Des disques définissant les genres, comme Soundgarden, Nirvana et Beastie Boys, ont tous atteint la première place du Billboard cette année-là, et les groupes issus de l’underground bricolé sont devenus des noms familiers. Mais le vent commençait lentement à tourner – comme pour la plupart des crossovers, il y a toujours un danger que les chargés d’affaires « artistes et répertoire » les cadres de la télévision et les publicitaires sans scrupules commencent à voir les signes du dollar, et que les inévitables encaissements de moindre importance commencent à apparaître. Ce sont les premiers éclairs de ce cynisme qui ont fini par s’infiltrer dans Crooked Rain – un album qui a critiqué la scène musicale de façon satirique. Les questions de savoir si les Stone Temple Pilots étaient sexy ou non, les histoires de stars du cinéma, et une langue de bois sur les accoutrements de tel ou tel musicien sont autant de pamphlet à peine voilés sur la façon dont les médias traditionnels et leurs partisans ont commencé à prendre le train en marche.

Pour un auteur-compositeur qui a souvent prétendu que ses paroles étaient en grande partie absurdes et qui est connu pour utiliser des phrases uniquement parce qu’elles sonnent bien ensemble, sur Crooked Rain, il semblait que Stephen Malkmus faisait davantage valoir son point de vue. C’est encore le cas dans « Elevate Me Later ». Mais au lieu d’une attaque typiquement punk contre les riches, Malkmus les réduit à des fouilles ironiques sur les malheurs des fashionistas de la classe supérieure et encore sur les costumes de musique.

Pour toutes les tendances avant-gardistes de Pavement, noiserock-lite, ils ont toujours eu une oreille attentive pour la mélodie, et le joyau pop « Cut Your Hair » en est un bon exemple. Une chanson gaie et optimiste, avec un refrain jetable léger qui se moque de la scène musicale obsédée par l’image et des poseurs et scénaristes qui l’habitent.

Le joyau de l’album est sans aucun doute « Gold Soundz », une chanson magnifiquement écrite, embrassée par le crépuscule, qui déplace momentanément l’attention et capte le sentiment mélancolique de se souvenir de personnes ou de moments perdus. Cependant, sur un album qui s’est éloigné de la version MTV de la musique alternative, il n’est pas surprenant que Pavement ait inclus un instrumental dans une signature temporelle 5/4 – en fait, il n’aurait pas été surprenant pour eux de le sortir en tant que « single » principal.

« Range Life », un morceau de musique country, est une chanson aux accents américains qui se déroule dans la bonne humeur et qui reste juste du bon côté de la désinvolture ou de la niaiserie. Avec des paroles brillamment jetées, Malkmus décrit la jeunesse des banlieues américaines et rend le son banal idyllique : « Dehors sur mon skateboard la nuit est juste bourdonnement / Et les claques de gomme sont le pouls que je vais suivre si mon Walkman s’éteint » (Out on my skateboard, the night is just humming/ And the gum smacks are the pulse I’ll follow if my Walkman fades). Après un groupe de bar-room discret, mais parfaitement placé, au milieu de la soirée, Malkmus ne peut s’empêcher de penser à ses contemporains, en faisant référence à la fois à The Stone Temple Pilots et à The Smashing Pumpkins – et sur une chanson au sentiment si insouciant et décontracté, il est facile de comprendre pourquoi Malkmus n’a rien en commun avec les perpétuels nihilistes de Chicago.

Les trottoirs ont toujours eu une éthique punk, des valeurs de bricolage – ils ne correspondaient pas vraiment au moule de la génération X. Il est également difficile de dire exactement quand Pavement a atteint son apogée (ils allaient sortir trois autres albums studio brillants), mais on peut affirmer que commercialement, d’un point de vue critique et créatif, Crooked Rain n’a jamais vraiment été amélioré. Le groupe s’est séparé après Terror Twilight en 1999, mais se réunira à nouveau en 2010 pour une tournée de soutien à la compilation Quarantine The Past, qui a été nommée à juste titre « best of ». Ils ont également annoncé l’année dernière qu’ils se reformeraient une fois de plus pour donner deux concerts ce week-end afin de célébrer l’anniversaire du festival Primavera, qui a évidemment été reporté en raison de l’épidémie de Covid-19. Mais la réaction à cette annonce a été accueillie avec une telle anticipation qu’il est difficile de surestimer leur popularité actuelle.

Les membres de Pavement se sont lancés dans d’autres entreprises musicales depuis la scission, mais c’est Malkmus qui a connu le plus de succès dans les années qui ont suivi la fin de Pavement, en sortant une pléthore d’albums, dont Sparkle Hard en 2018, qui pourrait bien éclipser le catalogue de Pavement et se consolider comme le parrain toujours inventif et en perpétuelle évolution du rock lo-fi lâche.

En ce qui concerne son héritage, Crooked Rain a contribué à informer les nouvelles générations d’une foule d’autres artistes – y compris les artistes des temps modernes Parquet Courts et Car Seat Headrest. Leur influence a été synonyme de certaines des meilleures musiques alternatives du dernier quart de siècle, tout en restant un groupe qui ne peut tout simplement pas être imité.

***1/2

X: « Alphabetland »

Parmi les ensembles qui sont sortis de la scène de L.A. à la fin des années 70 et au début des années 80, on a tendance à relier X à ces groupes qui avaient un lien fort avec la musique roots qui alimentait leur créativité. X est arrivé sur la scène punk en jouant des sons durs et rapides, suscités par l’alchimie unique des chanteurs Exene Cervenka et John Doe, le jeu de guitare influencé par le rockabilly de Billy Zoom et le punch implacable du batteur D.J. Bonebrake, que le bassiste Doe a décrit à Zoom comme quelqu’un qui « jouait de la caisse comme si il était à une parade et frappait fort comme un marteau ». Les harmonies décalées de Cervenka et de Doe, ainsi que le jeu de guitare de Zoom ont donné au groupe un son qui se démarque, et les deux chanteurs ont écrit des paroles qui décrivent les vies de rue les plus sombres de leur époque, dans des textes poétiques souvent comparés à ceux de Raymond Chandler et de Charles Bukowski. Le quatuor original a produit un album par an de 1980 à 1983, tous considérés comme des classiques : Los Angeles, Wild Gift, Under the Big Sun et More Fun In the New World. Bien que le groupe ait été profondément influent sur la scène de Los Angeles et qu’il ait fait des tournées dans les clubs punks, il n’a pas réussi à s’imposer commercialement dans tout le pays, même lorsqu’il a repris « Wild Thing » pour apparaître dans le film Major League, qui est sorti en « single ». Zoom fera un autre album avec l’espoir de voir le groupe remporter un grand succès, et quittera X lorsque Ain’t Love Grand, en 1985, ne parviendra pas à tenir ses promesses.

A cette époque, Doe et Cervenka, qui s’étaient mariés en 1980, avaient divorcé, ils avaient engagé Dave Alvin, anciennement des Blasters, et Tony Gilkyson, anciennement de Lone Justice, pour un album chacun, mais en 1987, le groupe avait fait une pause. John Doe a eu une carrière solo prolifique au cours des décennies suivantes, avec 11 albums solo dont le plus récent, Westerner, jouant des rôles au cinéma et à la télévision, et co-auteur d’un livre sur la scène punk de L.A. de 77 à 83 avec Tom DeSavia, également sorti en 2016. La carrière de Cervenka a été plus controversée, un poète qui s’est produit avec Henry Rollins, a chanté dans des groupes avec Lydia Lunch, a débité diverses théories de conspiration, a été soigné pour une sclérose en plaques et a ensuite déclaré avoir été mal diagnostiquée, et a produit une poignée d’albums en solo. Zoom, un multi-instrumentiste qui joue également du saxophone, de la flûte, de la clarinette et de divers instruments à cordes, a ouvert un magasin de musique, et Bonebrake a fait des tournées avec les nombreux groupes dérivés de X, dont les Knitters et les Flesh Eaters, mais il a ses propres groupes qui jouent du jazz et de la musique afro-cubaine et latine. Il y a eu de nombreuses tentatives de réunion de X au fil des ans, dont la sortie en 1993 de Hey Zeus. Depuis 2004, le groupe n’a cessé de tourner et de jouer dans des festivals, mais il a limité ses setlists aux premiers albums et a jusqu’à présent combattu l’envie d’écrire et de jouer de la nouvelle musique.

Alphabetland est donc le premier album de nouvelles musiques des quatre membres originaux du combo en 35 ans, et il est aussi vital, percutant et irrépressible que les premiers albums classiques. À l’exception de deux titres qui plongent dans le passé du groupe, il y a ici 8 nouveaux morceaux punk solides et de facture punk, écrits au cours des 18 derniers mois, tous débordant du claquement, du rythme et du punch de la section rythmique et des voix jumelles de Cervenka et Doe, crachant avec iune invective contagieuse et chantant avec esprit. Des histoires ont fait surface en 2019, selon lesquelles le groupe était entré en studio l’automne précédent avec le producteur Rob Schnaph, qui les avait enregistrés depuis la table de mixage en ouverture de leur tournée 2011 pour Pearl Jam, qui est devenu leur album de démarrage en 2018 : X – Live In Latin America. Ces sessions ont jeté les bases de 5 titres, puis au début de l’année 2020, ils sont retournés en studio, la sortie sur le label Fat Possum étant prévue pour août ou septembre. Les mixes étant terminés et l’avenir incertain quant à la date à laquelle les usines pourront presser les vinyles ou les CD, le groupe a décidé de proposer une sortie numérique de l’album sur bandcamp.com, avec la promesse de produits solides disponibles à un moment donné dans le futur. Il s’est avéré que la sortie de l’album la semaine dernière marquait le 40e anniversaire de la sortie du premier album du groupe, Los Angeles.

La chanson titre s’ouvre avec toute la bile et le vinaigre auxquels on peut s’attendre. En fait, pour un groupe dont la moyenne d’âge de ses membres se situe vers la fin de la soixantaine, X se pose avec la conviction et l’autorité de quelqu’un qui sait ce qu’il fait, mais avec une énergie et un cran de jeunesse qui démentent leur âge réel. Toutes les chansons, sauf une, durent moins de 3 minutes, tout est livré avec conviction et détermination, il n’y a pas de graisse ni de remplissage. Bonebrake et Doe s’allongent sur des rythmes rapides et réguliers, les parties de guitare de Zoom s’appuient sur les mélodies des chanteurs, faisant de véritables perforations soniques avec « Free », et s’appuyant sur ses penchants rockabilly dans « Water & Wine »,tandis que dans « Strange Life », il se penche sur des sons de rock moderne.

Sur le plan de chansons en soi, les titres comme « Free », « Strange Life » et « I Gotta Fever » parlenront à tout un chacun, un peu comme ils le faisaient autrefois avec des morceaux comme « The World’s a Mess, It’s In My Kiss » et « We’re Desperate ». Sur « Star Chambered », Cervenka et Doe échangent des vers qui éructent décrivant la vie de quelqu’un qui a vécu à la dure et qui a été atteint : « J’aurais pu être des choses dont je ne me souviens pas, une femme qui se trahit, j’étais dans une autre vie, j’ai été mariée une ou deux fois » (I coulda been things I don’t remember, a double-crossing wife, I was in another life, I’ve been married once or twice), chante-t-elle. Il ajoute : « J’ai joué seize mesures et qu’est-ce que j’ai obtenu ? Une autre ville couverte de sueur, presque écrasée, avec une autre gueule de bois et un ivrogne endetté » (I played sixteen bars and what did I get? Another town over and covered in sweat, almost run over, with another hangover and drunker in debt). Dans « Angel On the Road », Exene semble d’ailleurs aspirer à quelque chose de meilleur que sa vie en chantant pour durant un de ces repas du soir pris sur la route, « j’aimerais être quelqu’un d’autre, quelqu’un que je ne connais même pas, j’aimerais être ailleurs, à faire des anges dans la neige » (wish I was someone else, someone I don’t even know, wish I was somewhere else, making angels in the snow).

Les deux titres les plus anciens sont sortis en « single » l’année dernière. « Delta 88 Nightmare » est un punk rocker très rapide qui n’avait été enregistré auparavant qu’en démo et qui est sorti en bonus lors d’une réédition. Le groupe avait enregistré « Cyrano DeBerger’s Back » sur la sortie de Zoom. Ici, ils donnent à ce rocker old school enjoué une interprétation de l’histoire mythique, et Zoom montre ses talents de saxophoniste sur cette nouvelle version. L’album se termine par « All the Time in the World », où Cervenka lit un poème original sur un piano de jazz léger, également joué par Zoom.

Après 35 ans, et alors que la plupart des 15 dernières années ont été consacrées à la musique de ce lointain passé, il était difficile de ne pas aborder la nouvelle musique de X avec de grandes attentes. Et ce qui est beau ici, c’est que X n’a pas essayé de faire quelque chose de grand, quelque chose de différent, quelque chose qui valait la peine d’attendre. Au lieu de cela, les quatre musiciens et Schnaph se sont concentrés sur ce qui fonctionnait pour X il y a plusieurs décennies, l’écriture des chansons, l’énergie, les histoires, le plaisir, et nous ont donné huit chansons supplémentaires dans cette tradition riche et enracinée. C’est assez simple, et amplement suffisant.

***1/2

RVG: « Feral »

Avec un rock plus direct ce combo de Melbourne continue de porter à bras le corps ses influences alt-rock australiennes. Cela fait environ trois ans que la RVG a sorti son premier album et beaucoup de choses se sont passées depuis, sans même prendre en compte les difficultés rencontrées ces derniers mois. Enregistré principalement en live dans la légendaire salle de Melbourne The Tote, A Quality of Mercy est sorti en 2017 et, à la surprise générale, a pris son envol, vendant instantanément sa première série de vinyles. Le combo a, ensuite, fait le tour du monde pendant près de deux ans et, bien qu’il ait reçu un titre plus féroce que son prédécesseur, Feral nous présente une création légèrement domptée et résolument plus studio, troquant un peu de l’énergie du premier album contre de la fidélité, de la finesse et de la fluidité
Avec Nick Cave & The Bad Seeds, The Go-Betweens Robert Forster, Luna et bien d’autres de leurs compatriotes, le combo sait désormais vraiment comment capter l’énergie en direct dans un contexte de studio. De toute façon, on ne peut pas vraiment enregistrer la vie d’une force imparable comme son leader Romy Vager, et on peut ainément l’imaginer rebondissant dans la pièce tout en chantant avec entrain sur « Prima Donna », « Alexandra » ou « I Used to Love You », titres qui ne peuvent que nous briser le cœur.

Vager continue de se faufiler entre l’autodérision, la colère, l’humour malicieux et les moments d’espoir et de triomphe véritables. Dans tous les cas, elle se donne à 100 % et tout est enregistré. Elle est également toujours friande d’effets sonores : « IBM » du premier album de RVG a fait bon husage d’une fraise de dentiste ; ici, le spirituel « Christian Neurosurgeon » présente un solo de scie à os. Les influences de RVG restent les mêmes : le deuxième album, qui sonne comme un romantique écran large des années 80, comme Echo & The Bunnymen et The Go-Betweens, et des sons plus sauvages de type The Gun Club, mais il y a plus de chatoiement et de jingle maintenant. Ce style était autrefois le son de l’alt-rock et de la radio universitaire et, après avoir été vidé de sa substance à la fin des années 90, RVG vous rappelle que des guitares comme celle-ci peuvent encore faire rêver.

***1/2

The Growlers: « Natural Affair »

Les durs à cuire, buveurs de bière, fumeurs de cigarettes, imprudents et téméraires sont de retour avec leur sixième album studio, Natural Affair. The Growlers, menés par leur charismatique chanteur/frontman Brooks Nielsen et le guitariste Matt Taylor, sont dans un genre à part. Tenter de décrire leur son à un nouvel auditeur est une tâche difficile ; le groupe est passé d’un rock psychédélique avec un son brut et une production de mauvaise qualité à un combo de rock funk-pop et jazzy avec une production de haut niveau. Ce changement peut facilement être mis en évidence par deux albums – Chinese Fountain en 2014 et City Club en 2016 – où The Growlers ont expérimenté avec plus d’instruments et un son plus poli que leurs précédentes sorties. City Club a été un tournant pour eux, car il s’agissait du premier album exclusivement crédité à Nielsen et Taylor, plutôt qu’au groupe tout entier. Le duo a écrit et produit l’album sur une période de trois mois, le frontman de The Strokes, Julian Casablancas, ayant produit la chanson titre. City Club est l’album qui les a fait connaître et qui a été le plus diffusé. Formés à Dana Point, en Californie, ils ont forgé leur propre genre, puisqu’ils décrivent leur musique comme  du « each goth », nom de leur festival de musique annuel qui se tient en Californie. Natural Affair est d’ailleurs sorti sous leur label Beach Goth Records & Tapes, et il est autoproduit par eux.

Un tiers du disque de douze titres est sorti sous forme de « singles » ; « Natural Affair », « Foghorn Town », « Try Hard Fool » et « Pulp of Youth » ont tous eu naissance plus d’un mois avant l’album et Natural Affair pourrait bien être leur opus le plus complet. D’une production et d’une profondeur étonnantes, les pistes présentent toutes une écoute étonnante avec des paroles poétiques et des instrumentaux dynamiques. La seule plainte pourrait être leur décision de sortir autant de chansons avant que l’album ne soit abandonné, car on a presque l’impression qu’il y a une division entre les « quatre singles » et les huit autres chansons sorties par la suite. Quoi qu’il en soit, de haut en bas, l’album livre hit après hit.

Des éléments thématiques tels que l’amour, l’enfance, la douleur et la découverte de soi continuent à mettre en valeur la musique du groupe dans leur nouvelle sortie. « Pulp of Youth » s’ouvre sur la phrase «  Le pop ne sonne plus pareil quand je tire le bouchon » (The pop don’t sound same no more, when I pull the cork) et plonge plus loin dans des réminiscences vocales avec le refrain : « Du vin encore bon marché et rouge, des yeux encore profonds et vrais, les verres se lèvent à nouveau, buvez à la pulpe de la jeunesse. » (Wine still cheap and red, eyes still deep and true, glasses raise again, drink to the pulp of youth) A 35 ans et vivant toujours comme une rockstar en vogue, Nielsen a certainement pris quelques gorgées en l’honneur de la pulpe de jeunesse.

Sur « Foghorn Town », Nielsen et Taylor ont parodié leur impatience de quitter Dana Point, en commençant par « Foghorn townoù les fleurs ne peuvent pas fleurir et les garçons et les filles, sont beaux et condamnés »,( where the flowers can’t bloom, the boys and the girls, are beautiful and doomed). Dans une interview, Nielsen a déclaré : « Toute l’année, il y a du brouillard ; j’ai vécu près de la plage où l’on pouvait entendre des cornes de brume 24 heures sur 24. C’était une bande de drogués qui nous disaient que nous étions des idiots, que nous n’y arriverions jamais ». La chanson passe de ce désir de libération à un appel à l’action inspirant, avec des phrases comme « tracez votre propre ligne dans l’existence » (draw your own line into being) ou « la vie n’est pas le paradis, c’est une paire de dés, alors laissez-les rouler » (life ain’t paradise, it’s a pair of dice, so let ‘em roll . Le changement de rythme coïncide avec ce changement lyrique, sous la forme d’un crescendo sonore intimidant et d’un refrain édifiant.

Sur un album qui illustre le nouveau son funky du groupe, « Die and Live Forever » pourrait être le plus funky, car son rythme enjoué rend la chanson tout simplement amusante. Ce morceau souligne l’importance de la fraternité, en commençant par « Tu n n’aimes peut-être pas mec, mais je suis ton frère, je ne vais nulle part  Désolé pour tout, mon frère, mais sache que je me fais du souci » (You may not like it man, but I’m your brother, I ain’t goin nowhere, Sorry for everything, my brother, know that I care). Avec six albums studio, six EP, de nombreux « singles » et quatorze ans de vie commune, The Growlers savent comment rester ensemble, comme le dit le refrain de la chanson : « Aimer ensemble, souffrir ensemble, rire et pleurer ensemble, vivre et mourir, se souvenir, mourir et vivre pour toujours. » (Love together, suffer together, laugh and cry together, live and die remember, die and live forever). Avec ce titre qui est le dernier morceau de l’album, ce sera un excellent message pour clôturer leur troisième sortie majeure en quatre ans.

« Stupid Things » est la chanson parfaite pour faire tomber quelqu’un amoureux des Growlers. Le groupe évoque la confiance en soi, encourage la pensivité et motive les auditeurs à vivre une vie de leur choix. Cette chanson est magnifiquement écrite et produite, avec Nielsen et Taylor à l’unisson parfait tout au long du morceau. Des guitares puissantes s’accordent avec des chants significatifs dans l’un des meilleurs refrains des Growlers à ce jour : Des choses stupides que vous fixeriez dans votre réflexion, si vous aviez un million d’argent, si vous saviez alors ce que vous pensez savoir maintenant, et si vous ne pouviez jamais revenir ? Quiconque a vu Brooks Nielsen sur scène peut témoigner de l’immense confiance qu’il dégage, et son message d’amour de soi, indépendamment des insécurités insignifiantes, est revigorant. La musique est un cadeau extrêmement puissant et beau au monde, et son importance et sa pureté sont gravées dans les dernières lignes de cette formidable composition : « Dans le passé était une épreuve d’amour, tout le monde doit échouer, la beauté se sent plus en sécurité dans l’ignorance, le véritable amour porte un voile, le véritable amour porte un voile. » (In the past was a love test, everybody has to fail, beauty feels safest in ignorance, true love wears a veil, true love wears a veil.)

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Lowered: « Music for Empty Rooms »

La dissonance est souvent écartée au profit de l’harmonie – vous n’en verrez jamais une trop grande part dans la musique populaire ou, par exemple, dans le Top 40 britannique – mais c’est un élément crucial de la musique et de la vie elle-même. Ces sons déchiquetés sont tout aussi pertinents que leurs voisins, plus bronzés, peut-être même, de temps en temps, être une partie nécessaire de la musique de manière à donner une voix à des sentiments importants qui ne peuvent être exprimés d’aucune autre manière.

Les grandes harmonies ne peuvent pas édulcorer ou représenter toutes les expériences de la vie, car tout le monde souffre de temps en temps. Les gens veulent dissimuler la dissonance, lui tourner le dos et prétendre qu’elle n’existe pas. Mais la dissonance et l’harmonie sont des frères et sœurs, et ils sont plus proches que ce que l’on peut penser.

Une journée normale peut rapidement se transformer en cauchemar, et il y a quelque chose d’obscur et d’aigre dans ces cliquetis décalés, une ombre qui se forme à la limite du silence et de la poussière. Le changement peut se produire soudainement et sans avertissement. Ce fut le cas avec Music for Empty Rooms .

Les chambres vides en question font référence au déménagement de Lowered dans une nouvelle maison (une maison, pas un foyer) dans une ville étrange après la mort de sa femme. Il s’agit principalement d’un album d’absence et de deuil. Son silence insondable est plus fort que la musique ne pourrait jamais l’être. Là où sa présence se faisait autrefois sentir, il n’y a plus rien maintenant.

Le troisième et dernier morceau, « Distance Flooded Us », introduit un piano sans racines et un violoncelle inconfortable et soutenu. La distance a inondé le couple ; l’un ne peut pas traverser pour embrasser l’autre. Même s’il y a une vie après la mort, leurs retrouvailles tant attendues seront toujours retardées et ne ressembleront à rien de ce qui a existé sur Terre.

Il est difficile d’accepter le fait que l’on pourrait ne jamais revoir cette personne. Ne jamais voir son sourire ou la façon dont ses cheveux brillaient à la lumière du matin. La perte est une dissonance dans la forme émotionnelle. Si l’amour se joue dans un registre majeur, alors la perte, son contraire, doit occuper le mineur. Le piano, le violoncelle, le tam tam, les bols chantants et les enregistrements de pièces quasi-silencieuses font tous partie de la trame du disque, mais les notes intermittentes peuvent à peine enchaîner une mélodie, se contentant de claquer à intervalles irréguliers, comme si elles étaient choquées et en deuil, sans aucun appétit pour autre chose.

Lowered peut non seulement imiter mais aussi présenter les symptômes de deuil et de nostalgie, de désespoir et de solitude qui apparaissent après la perte d’un être cher – qu’il s’agisse d’une relation, d’un décès physique ou de la fin d’une amitié – ce sont tous des décès à leur manière, tous des déchirements, toutes des fins.

Un vide gris et envahissant et un silence absolu s’impriment brutalement dans la musique. Mais le silence produit aussi une plus grande résonance, et quand la musique entre, tremblante et désemparée, elle est d’autant plus puissante que la musique est muette.

Dans les moments de perte, les mondes intérieur et extérieur sont laissés à eux-mêmes dans la tourmente. Les lumières du monde sont éteintes, les choses deviennent nettement plus sombres. Le monde devient incolore ; la couleur saigne de tout. L’isolement existentiel remplace le confort de sa présence : la nouvelle saison est arrivée, et elle est terne, grise et éternelle.

Le morceau du milieu introduit un long bourdon fatigué, assis les yeux écarquillés au milieu de l’album pour accroître encore le sentiment d’isolement et de solitude qui fait place à un courant d’air froid et engourdissant qui provoque une hypothermie émotionnelle. Bien qu’il ne semble pas y avoir d’échappatoire, il faut s’adapter et traiter le changement. Il n’y a pas d’autre choix que de traverser la période de deuil, de perte et de dislocation ; et, si vous traversez l’enfer, il vous faut continuer.

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Same: « Plastic Western »

Plastic Western dpermet de faire émaner l’aura d’une bougie allumée, chaude et réconfortante, mais pas accablante. Il a un son purifié et aéré, rendu possible par des voix ancrées et des riffs qui s’enchaînent doucement. Le trio de morceaux instrumentaux, en particulier, montre différentes saveurs de leur style. « Make it So », un morceau de 52 secondes, est un morceau de scratch et d’épine. « ¿Como Esta La Serenidad », qui signifie en gros « comment se manifeste la sérénité ? » est, en effet, serein et amorti, avec la chanson- titre se rapprochant d’un son folklorique. 

Le même titre est stylistiquement similaire à Soccer Mommy and Pavement, incarnant l’énergie débridée et tranquille qu’ils dégagent tous les deux. Il est également conçu avec soin, comme beaucoup d’œuvres d’Oso Oso. Chaque élément, même les plus infimes, se sent placé avec intention. Du point de vue du genre, ils se situent dans le côté plus raffiné du rock indie. 

La voix claire de ce disque est nécessaire, car les paroles sont déjà assez difficiles à comprendre en l’état. L’écriture des chansons est obscure, pleine de phrases dépourvues de sens concret.  Tout est suffisamment ouvert pour que vous vous demandiez si vous comprenez bien.

La persistance des souvenirs est un thème récurrent dans cet album. Prenez « Landlady » » qui commence par la description d’un propriétaire intransigeant sur l’application des règles, puis tombe dans une méditation sur la façon dont chaque endroit que vous visitez a été occupé par d’autres avant vous, ce qui peut sembler sinistre mais aussi en quelque sorte intriguant. La morale du Plastic Western est de ne pas se consoler des bons moments que vous avez passés – même si cela vous réjouit – parce qu’ils sont souvent truffés de dangers. « Le ruban adhésif de précaution entoure le passé » (Caution tape surrounds the past), ou parfois sans signification, « N’accumulez pas de souvenirs sans véritable sens ». (on’t hoard mementos with no significance)

La fatigue, elle aussi, est présente à certains moments. Elle souligne « Bluish », un titre qui tourne autour de la façon dont l’omniprésence de la technologie peut faire en sorte que les gens se sentent dépassés et distants les uns des autres. Peut-être que cette description de la chanson vous ferait croire qu’elle est auto-félicitative et destinée à dénigrer les gens qui passent beaucoup de temps à utiliser leur téléphone, mais ce n’est pas le cas. C’est plutôt du genre « cela nous a tous consumés – moi y compris – mais nous nous sentons incapables de nous échapper » (this has consumed all of us – myself included – but we feel incapable of escaping).

« Cherry Pull N Peel », sera, de son côté, le désir de simplicité et de facilité. Il commence par une description de l’épuisement et se termine par l’expression du désir de se sentir comme un bonbon Twizzler (ce à quoi le titre du morceau fait référence) en utilisant la nourriture comme une représentation physique de la joie.

La chosedite est succincte dans leur son ainsi que dans leur écriture. Ils racontent des histoires sans être superflus et créent des harmonies qui ne sont jamais mélangées à tort et à travers. 

***1/2

The Homeless Gospel Choir: « This Land Is Your Landfill »

The Homeless Gospel Choir revient ici avec une autre collection de chansons qui témoignent de l’émotion et de l’indéfectible engagement politique de Derek Zanetti, This Land Is Your Landfill, tout en s’éloignant des guitares acoustiques qui ont défini la production de Zanetti.

Plongeant la tête la première dans des lignes de basse floues et des chants accrocheurs, « Global Warming » donne une vision grinçante et pleine d’entrain du sujet qui fait le titre de la chanson. Avec des mélodies tordues et un refrain de chanson, Zanetti saute facilement entre la mélodie et les commentaires mordants.

Après « Don’t Compare », les guitares acoustiques soutiennent l’honnêteté sans faille de l’artiste avant de s’élancer vers un refrain endiablé. Embrassant des guitares lead floues et du punk rock tout en ne perdant pas ses bases, Zanetti réussit la transition avec facilité, du refrain rebondissant de ce qui précède au sinueux « Social Real Estate » qui conserve encore ce charme nuancé qui est propre au muscien

Ne s’étayant pas sur le changement de sonorité, « Art Punk » s’appuie sur des mélodies au piano, des chants d’appel et de réponse, et un débit rapide. Avec un refrain entraînant et un récit confessant, Zanetti élabore un morceau charmant mais dévastateur qui exige la participation du public.

Après le sombre et réservé « You Never Know », qui met en valeur les nombreux choix de sonorités de Zanetti avec ses couplets à l’accordéon, « Young And In Love » revient à la guitare et à la batterie pour offrir une explosion de mélodies floues, sérieuses et pertinentes. Alors que le dernier acte du disque arrive, « Blind Faith » prend une influence rock alternative avec des leads glissants et des temps à labatterie qui soutiennent le lyrisme chargé du bonhomme. Tout en prenant une déviation stylistique, le morceau conserve ses fondements punk, avec sa coda à base de voix de gang qui ramène le morceau à la maison.

Après « Figure It Out », un morceau intime et dépouillé, l’urgent « Punk As Fuck » passe de la sourdine de la paume des mains, des accords lâches et des percussions qui s’écrasent. Soutenu par les ruminations de Zanetti sur le vieillissement, le titre clôt le disque avec un bang rebelle.

This Land Is Your Landfill est une ré-invention du Homeless Gospel Choi ; Zanetti a réussi à emprunter de nouvelles voies tout en conservant son âme grâce àl’inclusion d’un paysage sonore plus large qui pousse le groupe encore plus loin.

***1/2

AWOLNATION: « Angel Miners and Lightning Riders »

Bien que le dernier album d’AWOLNATION n’ait pas tardé à sortir, beaucoup de choses ont changé pour Aaron Bruno et son équipe, choses qui donnent ici naissance à Angel Miners and Lightning Riders. Cela fait un certain temps que le tube alt-rock « Sail » n’a pas fait son apparition, mais Bruno ne montre aucun signe de ralentissement sur le quatrième album du groupe. Moultes chansons diversifiée et inspirées par des moments profondément personnels, AWOLNATION est de retour et met son âme à nu.

Une chose sur laquelle AWOLNATION n’a jamais reculé, c’est la création de musique que Bruno et ses compagnons de route, actuellement le batteur Isaac Carpenter, le guitariste Zach Irons, le claviériste Daniel Saslow et le bassiste Michael Goldman, veulent écouter. C’est encore une fois le cas sur Angel Miners and Lightning Riders, car le groupe possède un certain nombre de titres qui explorent stylistiquement les multiples sons qui peuvent s’intégrer dans un seul morceau d’une manière que d’autres n’auraient pas envisagée.

Par exemple, le complexe « Mayday !!! Fiesta Fever » mélange les hurlements de la grosse caisse avec les trompettes et le falsetto Bee-Gee’s-esque fourni par nul autre qu’Alex Ebert d’Edward Sharpe and the Magnetic Zeros pendant le pont. Une autre chanson expérimentera evec les attentes comme « Battered, Black and Blue (Hole In My Heart) », qui s’ouvre sur un blues rock à la AC/DC avec des accords mineurs sombres et des voix criardes. Mais à chaque refrain, elle passe rapidement à la synth-pop, dans la veine de l’anglais moderne, avec des voix chuchotées et des accords majeurs éclatants.

Aucune des deux chansons ne s’inscrit dans une boîte à genre unique, et ces changements ne semblent pas naturels. Pourtant, aucune d’entre elles ne semble déplacée ou placée au hasard sur cet album. D’une certaine manière, les différents styles s’entremêlent de telle sorte qu’un morceau cohérent s’assemble, qu’il réponde ou non aux attentes.

Bruno de AWOLNATION profite également de chaque occasion pour utiliser ses expériences personnelles sur ses compositions.  « Slam (Angel Miners) », d’une durée d’environ cinq minutes, est une ode aux pressions qui accompagnent la célébrité et les attentes. La chanson entière a une atmosphère légèrement obsédante avec des chants aériens qui font écho. « Toujours quelqu’un qui veille » (Always someone watching), répète-t-il encore et encore, la pression augmentant jusqu’à la dernière répétition, où les paroles deviennent « Toujours quelqu’un qui veille sur vous » (Always someone watching over you), ce qui, vu le contexte, est moins que réconfortant.

« California Halo Blue » puisera, lui, directement son inspiration dans les détails de la façon dont son studio et sa maison ont brûlé lors de l’incendie de Woolsey à Malibu en 2018, alors que AWOLNATION était en tournée. Bruno utilise les appels téléphoniques avec sa femme, les sentiments de choc et les liens spirituels pour discuter de la tragédie de l’incendie dévastateur.

Angel Miners and Lightning Riders comporte des chansons qui, à première vue, semblent totalement opposées mais qui sont thématiquement parallèles les unes aux autres. L’ouverture, « The Best », qui est aussi le « single » principal, est une chanson facile qui parle du désir d’atteindre le sommet de la réussite, quelles que soient les circonstances, et de la peur que le meilleur ne soit jamais assez bon. Le morceau suivant, « I’m A Wreck », revient sur cette pression et explique comment cette pression peut ruiner quelqu’un. Pour exprimer cela, le son change à mi-parcours, passant de lent, calme et obsédant à une explosion d’émotion incontrôlable Les deux chansons se complètent en abordant le cycle précaire de la poursuite de rêves qui peuvent faire plus de mal que de bien et amorcer la volonté de s’en sortir à nouveau.

AWOLNATION fait beaucoup de place à ces dix chansons. Utilisant à la fois la bravoure et l’expérimentation, Bruno a conçu un album qui touche non seulement les luttes pour la santé mentale mais aussi l’expérience humaine au sens large.

***1/2

Frank Iero and The Future Violents: « Barriers »

Sur son nouvel album, un Barriers qui porte bien son nom, Frank Iero et son groupe, The Future Violents, font tomber toutes les limites et les barrières qu’ils se sont fixées dans le passé. Barriers ne se contente pas de briser le moule sur le plan sonore, comme Iero ne l’a jamais fait avec ses deux dernières sorties en solo (ou même avec ses projets précédents), mais il force également les auditeurs à se confronter à des émotions autrement inconfortables comme le regret, la peur et l’incertitude. Barriers est un album très introspectif qui, espérons-le, sera apprécié par les auditeurs réceptifs d’Iero. Il s’agit sans aucun doute de sa sortie la plus vulnérable et la plus dynamique à ce jour.

Dans une démonstration courageuse de la gamme dynamique de l’album, Iero donne le coup d’envoi du disque avec l’ouverture optimiste, « A New Day’s Coming », qui a d’abord commencé comme une berceuse avant de se transformer en l’hymne dirigé par les orgues qu’il est devenu maintenant. L’espoir véhiculé par « A New Day’s Coming » donne parfaitement le ton du reste de l’album, non seulement sur le plan émotionnel mais aussi sur le plan sonore. On dirait une nouvelle direction du groupe, et les treize autres chansons suivent le mouvement.  

Alors que « A New Day’s Comin » est un premier titre plutôt ouvert et enpué, les chansons qui suivent ont tendance à explorer des émotions plus sombres et plus vulnérables. L’énergique « single » « Young And Doomed », par exemple, se concentre sur la peur tandis que l’explosif « Fever Dream » suinte pratiquement l’anxiété. Avec une seule chanson les séparant, « Fever Dream » ne pourrait pas être plus différent de « A New Day’s Coming », mais l’album a un rythme qui fait que la variation entre les sons et les émotions semble naturel.

D’une certaine manière, Barriers nous montre un Iero qui retourne à ses racines et explore de nouveaux sons. Un exemple parfait de cela est le contraste sonique sur des chansons comme le punk et punchy « Fever Dream » et l’incroyablement dynamique « The Host », qui est animé par un piano brillant et des chants sur les versants émotionnels. Des compositions comme le grand hymne « Basement Eyes » se placeront facilement à côté de la plus sombre « Ode to Destruction ». Ce contraste sonore se ressent vivement, par exemple, entre l’excuse vulnérable et émotionnelle, « The Unfortunate », et l’énergie grinçante, intemporelle et élevée, « Moto-Pop », qui suit. Quid du meilleur ? Bien que chaque chanson de Barriers sonne différemment de la précédente, elles coulent toutes ensemble grâce à leurs thèmes sous-jacents de regret et d’espoir.

Barriers est non seulement le premier album que Frank Iero a écrit depuis Parachutes en 2016, mais c’est aussi le premier album qu’il a écrit depuis une expérience de mort imminente en 2016. Dire que l’accident a changé Iero, sa façon de voir la vie et la musique qu’il crée serait un euphémisme, et Barriers en est le reflet direct. Émotionnellement brut et vulnérable, il peut être douloureusement honnête parfois, mais c’est ce qui en fait une sortie si puissante. Ceci, associé à une écriture de chansonsintrépides comme le percutant « Moto-Pop » associé des morceaux émotionnels comme « No Love » et « Six Feet Down Under ») fait de ce Barriers un disque dynamique et excitant comme on en fait rarement.

***1/2

Brian Fallon: « Local Honey »

Depuis l’interruption indéfinie de The Gaslight Anthem, Brian Fallon a réussi à triompher de l’obscurité qui peut souvent envelopper beaucoup qui s’engagent sur la voie solitaire de l’artiste solitaire devenu frontman. Les quatre dernières années ont vu la sortie de Painkillers en 2016 et de Sleepwalkers en 2018, deux succès qui contenaient toujours des éléments du punk-rock emblématique de Gaslight.

Le troisième solo de Fallon est un peu différent. Faisant équipe avec le producteur Peter Katis (The National, Interpol, The War on Drugs), lauréat d’un Grammy Award, Fallon a identifié que pour ce disque, il voulait que tout tourne autour des éléments du quotidien qui entouraient sa vie. En conséquence, Local Honey est l’offre la plus unique qui soit issue de son parcours d’artiste solo à ce jour. Le disque s’appuie davantage sur une guitare acoustique dépouillée et offre une expérience d’écoute chaleureuse et introspective. Le changement de son est rapidement devenu apparent avec la sortie du premier « single » « You Have Stolen My Heart » – une chanson d’amour rêveuse qui révèle une nouvelle dimension de la voix de Fallon, typiquement terre-à-terre, d’une grande portée et qui est ici tout à fait bienvenue.

Le « single » suivant a été une autre source de surprises bienvenues. Une partie de la composition nous rappelle l’époque où Fallon travaillait avec le guitariste Ian Perkins sur le projet The Horrible Crowes. Si le premier titre est indéniablement captivant, « 21 Days » a été le premier morceau à se mettre dans la peau et à entrer dans le cycle des reprises sans fin. Poursuivant, en effet, les tons vulnérables du premier « single », la chanson reflète magnifiquement le processus tourmenté de la rupture d’une dépendance et de l’arrêt de la cigarette. C’est l’incarnation de ce qui a valu à Brian Fallon d’être un fan fidèle dans le monde entier ; une capacité à faire passer la difficulté à travers un spectre et à créer un son merveilleusement accessible et édifiant dans le processus.

Qui auraà assisté à un concert de Brian Fallon, aura sans doute remarqué que ses chansons sont prêtes à être interprétées par un public en direct. Le troisième » single » « I Don’t Mind If I’m With Yo » sera sans aucun doute l’un de ces morceaux. L’introduction est une mélodie de guitare acoustique au rythme lent qui fait écho à « She Loves You » de The Gaslight Anthem, pour finalement se transformer en un refrain qui s’enroule autour de vous et vous donne envie de chanter, comme tout un chacun pourrait le faire.

Bien qu’il s’en tienne à une recette relativement simpliste de guitare acoustique et de piano, l’album est finalement porté par le charme irrésistible de la voix de Fallon. L’esthétique générale du disque a été renforcée par la production habile de Peter Katis, qui a mis au jour certains aspects de l’écriture de Fallon qui, jusqu’à présent, semblaient se cacher sous la surface.

L’artiste a été ouvert sur les difficultés qu’il a rencontrées pour accepter son parcours d’artiste solo, mais il a reconnu qu’à l’avenir, il voulait que la musique soit un livre honnête et ouvert sur sa vie. Local Honey est un disque confortable et complet, avec huit pistes entrelacées de manière soyeuse qui leur sont merveilleusement familières – le résultat global est un classique épanoui qui marque un nouveau chapitre pour lui.

***1/2