Shame: « Drunk Tank Pink »

13 janvier 2021

Shame a sorti son premier album Songs of Praise dans un monde très différent de celui que nous connaissons aujourd’hui, et pas de la manière la plus évidente qu’on puisse imaginer. Appelez cela la genèse d’une scène, ou quelque chose de beaucoup plus cynique, mais de nos jours, vous pouvez difficilement gribouiller dans une playlist, feuilleter une programmation de festival ou parcourir une liste typique d’Album de l’année sans tomber sur une bande d’hommes délabrés en tenue formelle qui se disent « post-punk ».

Depuis le double coup de théâtre de 2018 qu’a été Songs of Praise et la joie fulgurante constiruée par l’apparition de IDLES en tant qu’acte de résistance, ces groupes ne manquent pas ; l’inconvénient étant que, quelle que soit la scène, il est plus difficile de se démarquer. Le genre exige d’un groupe qu’il soit franc, subversif et fort. Sachant cela, il est difficile de distinguer si un groupe ne fait que s’approprier l’image de Mark E Smith comme un costume d’Halloween hagard ou s’il porte aussi cette même étincelle d’ingéniosité, d’imagination et de rébellion. Avec leur deuxième album, Shame aurait pu facilement s’en tenir à la formule gagnante de leur premier album – mais heureusement, l’étincelle a prévalu et Drunk Tank Pink est une obsédante et excellente suite à l’opus précédent.

Alors que le morceau d’ouverture et le premier « single » « Alphabet » reprend là où l Songs of Praise s’était arrêté, il se transforme rapidement en « Nigel Hitter », inspiré par Talking Heads, avec ses rythmes new-wave syncopés. Ailleurs, on peut entendre des hochements de tête à des titres comme Deftones, les B-52 et la trilogie berlinoise de Bowie. Une boîte à rythmes peu familière introduit l’entraînement chaotique de « March Day » alors que « Water in the Well » est accentué par une fantastique sélection de percussions. Des castagnettes, des agogos (instument de percussion africain) et des blocs de bois illuminent le morceau comme un cours de musique d’école primaire incontrôlable. Musicalement, nous sommes en territoire imprévisible ; comme Dorothy dansThe Wizard of Oz, nous avons abandonné la familiarité teintée de sépia au profit de traits de couleur expansifs, déconcertants et fascinants. 

Comme nous l’avons déjà dit, les groupes du genre de Shame ont tendance à ne faire que du bruit ; des guitares déformées et bruyantes convoquent les moshpits à travers le pays et un chanteur en sueur hurle directement dans les tympans de la foule. Bien que Drunk Tank Pink ait encore des nuances de ce genre, le bruit est utilisé de manière beaucoup plus inattendue – comme un contraste direct avec le silence. Le silence, et le fait d’y faire face, est le thème principal de l’album – le nom de l’album lui-même fait référence à la couleur (une nuance de rose utilisée pour calmer les détenus de la cellule de dégrisement) de la pièce où le frontman Charlie Steen a écrit les paroles de l’album. Dans « Human, For a Minute », Steen chante « IJe suis la moitié de l’homme que je devrais être » (I »m half the man I should be) ; le poids psychologique de la sortie de la vie rigoureuse d’un musicien en tournée pour revenir à une relative normalité s’attarde sur les mots illustrés par des guitares dures et abrasives. Dans une vie imprégnée de bruit, le retour au silence peut souvent être ressenti comme un coup de fouet ; Drunk Tank Pink parvient à transmettre ces thèmes d’une manière rafraîchissante, honnête et complexe. 

Malgré la lourdeur des thèmes lyriques, Shame porte toujours en elle son humour franc. « Station Wagon » commence par une phrase typique de Steen : »j‘ai besoin d’une nouvelle résolution et ce n’est même pas la fin de l’année » (I need a new resolution and it’s not even the end of the year), et se termine par ce qui ne peut être décrit que comme un sermon cacophonique. Dans le premier « single » du groupe, « The Lick », Steen appelle à la fin d’une musique qui est « racontable, pas discutable ». D’une certaine manière, Drunk Tank Pink parvient à frapper ce milieu en étant racontable ET discutable. C’est un album qui démontre l’énergie, l’esprit et le charisme de Shame, pourquoi leur voix est vitale et pourquoi ils méritent d’être des influenceurs à part entière. 

***1/2


Bloom: « In Passing »

14 décembre 2020

Le monde de Bloom s’est formé de façon plus visible autour de la thématique de la perte et du chagrin d’amour qui figuraient dans leur EP Past Tense.  Avec In Passing , le groupe de Sydney explore à nouveau la perte d’une manière personnelle, mais cette fois-ci, il s’agit de la mort d’un être cher et de tous les événements internes que cette expérience apporte.

L’ouverture, avec « The Service », entraîne rapidement l’auditeur dans l’intensité de la mort, où nous sommes immédiatement projetés à l’intérieur d’une vieille église et où un service funèbre a lieu autour de nous. Le malaise de l’expérience est ressenti et entendu, et l’observation des personnes en deuil se fait à travers le chant et une lentille lyrique émotionnellement restreinte. Les voix atteignent des hauteurs fébriles et tout cela se traduit comme un cri intérieur ; on essaie de comprendre tout cela dans le calme et la révérence, tandis que le protagoniste (le chanteur Jono Hawkey) se demande si ce qu’il ressent est également vécu par d’autres personnes autour de lui.

Au début, le rythme de l’émission est très variable, mais « The Service », est sur le registre de l’incertitude, ce qui n’est pas surprenant, lorsque nous apprenons que la mère de Hawkey est sur le podium et qu’elle parle de son père décédé.  Cela frappe à sa façon, là où se trouve la trame de la familiarité généalogique entre Hawkey) et son grand-père, ainsi que les mots qu’elle a prononcés. L’empathie s’accumule autour de l’inconfort de l’expérience.

Le regret ouvre une porte latérale à cette immersion d’un instant, en repassant l’expérience et en remarquant ce qui n’a pas été fait à ce moment-là. Mais ce n’est que fugace, car les pensées de l’être aimé disparu et leur impact sont à nouveau au centre de l’attention. Et à travers tout cela, comme un long fil qui se trace, Bloom honore l’expérience et ses tournants et changements subtils avec un sentiment continu de présence et d’attention.

En descendant la colline, dans une ambiance de type « j’ai du mal à y penser », complétée qu’elle est par des mouvements de guitare et de basse, le cercueil est porté, avec un partage entre le souvenir de l’expérience et le fait d’être là « Le jour le plus froid de l’hiver » (The coldest day inwinter). Le coup de poing émotionnel de l’expérience est frappé par des coups de percussion incessants et des hauteurs inquiétantes, atterrissant en un « Je ne veux plus jamais revivre ça ». C’est une scène difficile à mettre en place, difficile à avaler, difficile à avoir en tant qu’ouverture d’un disque, mais néanmoins directe et significative.

Nous continuons In Passing avec  » »he Boat and The Stream », qui est d’abord froid et dépourvu d’une guitare en arrière plan finement purée. Le titre met immédiatement en scène une scéquence de réflexion et d’émerveillement, qui correspond à cemême sens de la réflexion que clui qu’on l’on varetrouver dans In Passing.Son sujet en est révélé lorsque « The Boat and The Stream » devient un effort de groupe complet, avec des voix entrelacées qui considèrent la perte d’une personne et essaient de lui donner un sens.

Une fois de plus, avec le sentiment de se déhancher sur la signature temporelle de la chanson (au moins pendant un moment), on a l’impression que cela correspond bien à la pochette de l’album et à son eau, sans parler du malaise émotionnel. Avec Bloom qui brise le troisième mur, on entend une question posée – on se demande si la tristesse est forcée pour la musique – et alors que le rythme et l’instrumentation semblent fluides et entraînés, on sent un sous-courant chaotique qui correspond à ce courant de conscience et à ce flot de pensées sur tout cela.

Pour en revenir au balancement, la frustration du « plus » qui aurait pu être fait se répercute sur cette rivière, comme si l’on essayait d’atteindre l’inaccessible depuis une barque terrestre.  Les voix rauques et douloureuses, il est facile de s’immerger dans la douleur de ce qui semble être un regret aussi bien qu’une perte, et la basse suinte la finalité avec une connexion sincère par le biais des guitares en même temps.

C’est difficile à accepter, lorsque les voix s’entremêlent et que l’instrumentation se construit, et dans la dernière partie de « The Boat and The Stream » – avec un changement inattendu de poche sonore – une douleur empathique persiste, et l’attention se porte à nouveau sur la mère de Jono. Il y a quelque chose de sincère et d’organique dans ce fil conducteur et ce cycle de pensées sur plusieurs chansons ; des pensées qui sont là dans le monde et qui reviennent au protagoniste avec leur propre rythme.

Plus clair d’esprit, « Daylight » a la dure réalité de la mortalité qui coule dans ses veines et il l’emmène dans des endroits paniqués tout en la présentant comme un fait. « Parce que tout le monde meurt » (Because everyone dies), la chanson porte en elle la volonté de se connecter et d’oublier ce qui nous tient à distance, et elle le fait avec des pas descendants et des vagues rocheuses d’instrumentation.  Poussé par la basse, le bateau métaphorique de la chanson précédente se présente, ce qui est également un élément clé de tout l’album. Selon les mots du groupe : « Bryan discutait d’un tableau qu’il avait au mur et qui représentait un ruisseau entouré d’arbres. Dans son état de fatigue, il a simplement regardé le tableau en disant qu’il « attendait que le bateau descende le ruisseau ». C’est ce moment qui a inspiré la chanson [« The Boat and The Stream »], et qui a même inspiré l’œuvre d’art qui est tirée de ce même tableau ».

Hawkey a une peur atroce du bateau métaphorique qui vient pour le reste de sa famille, et il se présente comme celui qu’il devrait prendre. La question de savoir si tout ira bien est un choc récurrent après la perte de son grand-père. L’humeur exacerbée et assombrie se traduit par un moment aiguisé qui tombe dans une poche à deux pas avant de s’alourdir encore. La lourdeur des pensées convient naturellement à la lourdeur du son.

Une guitare solitaire à une oreille ne prépare en rien à l’angoisse qui débarque dans « June ».  Avec des instruments claquants et douloureux, nous sommes ramenés dans le temps et dans le secret des conversations de chevet qui ont eu lieu avant le décès en question.  Le guitariste et chanteur Jarod McLaren tient le flambeau dans ce morceau, où (soutenu par la basse) sa voix s’étend du calme de la conversation à la panique impuissante tout en détaillant l’expérience.

Dans « June », il y a un passage intéressant vers quelque chose qui sonne rétroactivement plus lisse pendant un moment, me se rappelant les conversations avec les membres du groupe Bloom et le fait qu’ils ne veulent pas être restreints par un label de genre hardcore mélodique.  Mpuis rapidement, l’attention se portera sur l’histoire qui est racontée, où une visite à l’hôpital a été tellement marquée par une tension inexprimée que Hawkey est apparu comme inévitablement distant, même s’il aimait beaucoup son grand-père. Comme pour les autres morceaux du disqueon y adorera la tonalité de la basse ainsi que le mouvement fluide de la chanson à travers ses sections, qui suit un fil thématique.

La chanson titre se termine là où elle se doit de terminer.  Sonorité trépidante et chaotique, « In Passing » donne l’impression de regarder les morceaux désordonnés qui suivent et de réfléchir à la vie après la mort. Il y a un élément d’acceptation, et avec le marchandage véhiculé par « Daylight », on se demande si les chansons de cet opus retracent librement les cinq étapes du deuil à leur manière.  Le galop bat le couple avec un courant de stress sous-jacent, ponctué de glissades vers le bas dans des effondrements dus à la pression.

Le malaise s’infiltre dans le morceau et, une fois de plus, les tremblements en réponse à cette perte inspirent la question de savoir si elle est justifiée dans son ampleur, étant donné que leur relation n’était pas étroite. Entendre « In Passing » offre une spirale que beaucoup pourraient trouver familière : se sentir mal, puis se demander si ce sentiment a un sens, puis s’enfoncer davantage lorsqu’il est jugé.

La voix de Jarod, habilement rejointe par Hawkey et avec une portée instrumentale pour rassurer, navigue au-dessus de la spirale.  Le monde créé ici dans In Passing est inconfortable, toutes les parties se rassemblant et se construisant pour une instrumentation vraiment déchirante.  L’attention est, alors, à nouveau attirée par ces pensées sur la perte, avec un changement de cap brillant qui arrive à la dernière minute. Hommage est rendu à ce grand-père disparu ainsi qu’à la mère et à leur lien avec lui, et cette expression extérieure de tendre la main est une chose émouvante à comprendre.

Dès la première écoute d’In Passing, on peut se retrouver ému et impressionné par la façon dont le disque fait partager ces pensées et ces craintes tout en attirant suffisamment l’attention pour que les chansons tiennent debout. Le fait qu’il y ait des fils d’idées qui s’étendent sur l’ensemble deu LP relie tout cela, et il est tout à fait logique que Bloom ait choisi de laisser « Cold » en tant que sortie indépendante.

Avec In Passing, l’attente douloureuse de l’arrivée du bateau de la mort et la panique de ceux qui seront pris par lui sont bien capturés par des moments intenses et exacerbés, et l’auditeur se perd dans la tempête de questions liées à la mortalité en même temps que Bloom. Less moments les plus marquants de In Passing sont les intimités surprenantes, les conversations franches au chevet des malades, les aveux de ce qui est le plus effrayant dans le fait d’être un être mortel et le geste de connexion envers la femme qui a perdu son père. Mais ce qui brille aussi, c’est l’instrumentation et la production serrées qui sont si bien faites qu’elles ne font jamais d’ombre, permettant au contraire à l’élément narratif de briller avec le soutien total et cohérent du groupe.

Bien que le sujet soit sombre et qu’il laisse un arrière-goût d’émotion, In Passing est une suite impressionnante d’un Past Tense qui a permis à Bloom de continuer à élargir son sonorité tout en se sentant ancré dans un sens authentique.

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The Smashing Pumpkins: « CYR »

1 décembre 2020

Les Smashing Pumpkins n’ont jamais eu peur de l’excès ou n’ont jamais osé s’aventurer sur un territoire étrange et inattendu. Ils ont commencé comme un hybride shoegaze/post punk/alt-rock avant d’être entraînés dans le courant dominant comme l’étrange cousin du grunge avant de rejeter tout le succès qu’ils ont connu en devenant des dieux du rock pour se lancer dans la synth-pop sombre. En coulisses, les problèmes n’étaient jamais loin de la surface et les implosions inévitables créaient des failles dans les relations, entraînant de nombreuses scissions et réincarnations avec des membres différents (Billy Corgan étant la seule constante) et des sorties ultérieures décevantes en conséquence.

Ces dernières années, Corgan a tenté de guérir les divisions et de redonner au groupe, qui a reçu plusieurs Grammy Award-winning, sa gloire d’antan en publiant CYR, un double album aux synthés qu’ils appellent le troisième volet d’une trilogie qui a débuté avec l’album 33 titres Mellon Collie and the Infinite Sadness, que beaucoup considèrent comme leur plus grand opus, et le moins apprécié Machina/The Machines of God.

Il est audacieux d’essayer de mesurer leur dernier LP à un disque qui définit non seulement les Smashing Pumpkins, mais aussi, sans doute, le son des années 90 si tard dans leur carrière. Il est clair que CYR a é beaucoup travaillé, avec pas moins de 20 titres et, à la manière typique des Pumpkins, a également l’audace de raconter une histoire épique et fantastique à travers trois vidéos d’animation qui l’accompagnent – mais est-ce que cela correspond vraiment ?

CYR prend certainement un bon départ, puisque le premier “single” et le premier titre “The Colour of Love” sont une déclaration d’intention que les Smashing Pumpkins sont clairement en train de faire appel au courant dominant avec des clins d’œil à New Order, comme on peut l’entendre dans les titres suivants « Confessions of a Dopamine Addict », le titre « CYR » et tout au long de l’album. Mais c’est un album plein de problèmes.

Tout d’abord, ne vous attendez pas à voir d’énormes rafales de guitares enragées sur ce disque. Nous devons attendre presque la moitié du double album pour obtenir « Wyttch », la seule chanson qui a un peu de muscle, et même celle-ci tombe un peu à plat. Nous n’avons pas besoin que chaque chanson ait un riff classique comme « Cherub Rock » ou soit un chef-d’œuvre de fusion du visage comme « Zero », mais c’est tellement mouillé, c’est détrempé ; ce « Wyttch » ne flotte définitivement pas.

Et ce n’est pas la seule mauvaise chanson qui entache cet album pompeux, car « Dulcet in E » sonne un peu comme une chanson rejetée du dernier album de Muse. De plus, « Starrcraft » est incroyablement irritant et « Tyger, Tyger » sonne comme quelqu’un qui joue avec un clavier Casio pour enfants pour la première fois. Avec « Adrennalynne », ils semblent être cyniquement intitulés par un boomer qui tente de faire appel à la génération TikTok.

En fin de compte, le défaut de CYR est qu’il sonne presque toujours de la même manière et, quand il y a 20 morceaux, il fait un effort pour passer, sans parler du plaisir. Plutôt qu’une gamme dynamique de pop baroque et de hard rock que l’on trouve sur Mellon Collie, nous restons rigidement dans des chansons de synthétiseur comme « Wraith », « Haunted », « Anno Satana » et le morceau de clôture « Minerva », qui établit des parallèles avec leur incroyable “single” « Stand Inside Your Love » sans jamais toucher ces hauteurs passionnées. C’est une fin molle pour un disque qui s’éternise, qui sonnerait probablement mieux si l’on n’avait pas eu l’impression d’avoir travaillé si dur pour tout surmonter.

Mais cela ne veut pas dire que tout est mauvais. “Ramona » est un “single” qui va vous rester longtemps en tête, « Birch Grove » et « Telegenix » sont tous deux très bons et « Black Forest, Black Hills » a une très bonne ligne de basse. En fait, la seconde moitié comporte de grands moments dont « Purple Blood », qui rôde avec menace et rappelle la sensation de prédation de « Ava Adore ». « Save Your Tears » est un classique de Corgan, avec une voix haletante et un désir ardent, et « The Hidden Sun » est vraiment le son qu’ils essaient d’atteindre. Une attention particulière doit être accordée à « Schaudenfreud » car c’est le meilleur morceau de l’album et, avec des paroles shakespeariennes déprimées parsemées de références obscures avec un sentiment automnal omniprésent, il a toutes les caractéristiques d’une chanson classique des Smashing Pumpkins. Il aurait dû être un “single”, mais il se sent étrangement négligé vers la fin.

L’histoire des Smashing Pumpkins est certainement plus rock que la plupart des autres, et coche la case de presque tous les clichés OTT. L’un des problèmes majeurs des grands groupes qui reviennent bien après leur apogée est qu’ils finissent par devenir une mauvaise reprise d’eux-mêmes. C’est une allégation que beaucoup avaient contre le précédent disque du groupe, Shiny and Oh So Bright, Vol. 1 / LP : No Past. No Future. No Sun, le premier à voir Corgan enfin réuni avec Jimmy Chamberlain et James Iha (mais pas le bassiste D’arcy Wretzky pour compléter le line up classique) en près de deux décennies. C’est une surprise qu’ils aient choisi de s’attaquer à la troisième partie d’un plan directeur de la trilogie (selon les dires de Corgan) plutôt que de continuer avec le volume 2 du LP susmentionné et il faut reconnaître qu’ils se sont poussés et ont essayé quelque chose de radicalement nouveau, même si cela ne signifie pas qu’ils ont réussi à trouver ou à maîtriser ce nouveau son.

L’ombre de New Order a toujours plané sur les Pumpkins, et peut-être qu’avec l’arrivée du fils de Peter Hook, Jack Bates, comme bassiste de tournée, cela leur a donné l’inspiration ou le sentiment de pouvoir enfin plonger dans une sombre fusion similaire de pop et d’électronique. C’est juste que CYR n’a aucun des charmes ou des chansons vraiment impressionnantes créés par le groupe du père de Bates, il est juste étrangement stérile, froidement extraterrestre et se sent plutôt perdu. Adore a fait un bien meilleur travail pour équilibrer l’électronique et le sens de l’humanité. Avec la multiplication des écoutes de CYR, l’aspiration à des accès de rage incandescente que l’on retrouve sur « Bodies », des moments sucrés comme « Perfect » et des hymnes colossaux comme « Tonight, Tonight » et « Mayonaise » devient de plus en plus forte.

S’il peut être injuste de tout comparer aux sommets de leur longue carrière, c’est une bonne façon de mesurer ce dont Corgan and co. est capable, surtout lorsque leur dernière offre est vendue comme le dernier volet d’une trilogie de 25 ans. CYR est un record qui, de toute évidence, poursuit l’attrait du grand public, mais qui se sabote en étant une trop longue complaisance.

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Lake Saint Daniel: « Good Things »

28 novembre 2020

Il est difficile d’imaginer qu’un titre d’album récent soit aussi saisissant que Good Things de Lake Saint Daniel’ C’est un titre assez simple, mais il se démarque au milieu d’une année que la plupart des gens ont considérée comme totalement misérable, une fleur en fleur au milieu d’un champ d’hiver stérile. De plus, Lake Saint Daniel est le nouveau projet solo de Daniel Radin, membre du groupe pop-punk Future Teens, connu pour ses chansons accrocheuses sur les côtés les plus déprimants de la chute amoureuse (ou de l’impossibilité de la trouver). Il est donc ironique que Radin fasse ses débuts en solo avec une évocation aussi simple de la positivité.

Les choses prennent un peu plus de sens quand on appuie sur play on the record, car Radin commence avec une forte dose d’autodérision. L’apéritif de l’album « Be Here Now » est une rapide méditation sur le chemin parcouru (ou non) par Radin dans sa vie de musicien, préoccupé par une vie potentiellement gâchée qui se raccourcit de jour en jour. Mais Radin se rend bien compte que s’inquiéter du passé est un exercice futile : « Parce que j’ai tellement essayé, je ne suis pas allé si loin / Mais si j’avais ralenti, je ne serais pas là maintenant. Je serais là maintenant » (‘Cause I’ve tried so hard, haven’t come that far / But if I had slowed down I wouldn’t be here now. I’ll just be here now).

C’est une introduction appropriée à l’album, une prise de conscience que regarder trop loin derrière ou devant nous, c’est demander de la douleur et du doute de soi. Radin se tourne plutôt vers l’idée de la pleine conscience, de vivre pleinement le moment présent et de l’apprécier à sa juste valeur. Ce n’est pas une tâche facile, mais la simple existence de bonnes choses semble suggérer qu’il est sur le bon chemin. Les chansons de ce disque sonnent comme un exercice de méditation pacifique – la guitare est douce et spacieuse, et la pédale d’acier de Danny Hoshino est transcendante, vous aidant à vous transporter vers une journée ensoleillée dans l’herbe fraîche. La voix de Radin n’est souvent qu’un tendre murmure, alors qu’il réfléchit à ce que signifie apprécier activement la vie avant qu’elle ne disparaisse.

Si son sens du calme et de la douceur est le grand signe distinctif de Good Things, il peut certainement être une épée à double tranchant. Perdez votre concentration en écoutant, et ses chansons se fondent dans un brouillard inoffensif, ne laissant que l’ombre d’une humeur. Bien sûr, la facilité d’écoute n’a rien de mal en soi, mais la qualité aérienne de Good Things peut vous laisser insatisfait et vous amener à vous demander où ses chansons sont passées avant même d’être terminées.

Mais même si vous vous perdez dans une écoute du disque, une chanson se démarquera forcément. éSitting right before Good Things endsé est une reprise d’un classique bien connu, éRainbow Connectioné de Jim Henson. La manière douce et sérieuse dont Radin a interprété cette chanson ferait la fierté de Kermit, et son choix d’inclure la reprise est inspiré. Après tout, « Rainbow Connection » s’inscrit parfaitement dans ce disque sur la recherche de la paix intérieure. Elle a toujours été une chanson magnifique dans son optimisme et son imagerie, mais sa profondeur vient de ce qui n’est pas là. Ce n’est pas une simple chanson sur la beauté, c’est plutôt une chanson sur l’espoir. L’espoir que nous trouvons la beauté dans la vie, même si elle n’est pas sous nos yeux. Espérer que la gentillesse est sa propre récompense, même si nous ne pouvons pas toujours voir si c’est vrai.

Sur Good Things, Radin comprend ce sentiment de fidélité. Tout au long de l’album, il ne peut s’empêcher de s’inquiéter de savoir si sa vie est sur la bonne voie. Mais en appréciant ces bonnes choses – aussi petites soient-elles – dans sa vie, il peut avoir confiance en une vie qui ne s’attarde pas sur les regrets. Sur les bonnes choses, Radin nous offre le choix d’apprécier la vie, au lieu de simplement la vivre.

***1/2


The Big Easy: « A Long Year »

28 novembre 2020

A Long Year est le nouveau et flamboyant disque de The Big Easy. Anciennement projet solo du chanteur Stephen Berthomieux, The Big Easy s’est réuni en groupe avant cette sortie qui permet au disque de sonner adroitement et de manière exploratoire tout en restant dans un univers décidément lo-fi. 

Si vous êtes en droit de supposer que le titre du disque fait référence à l’année 2020 (et la pandémie mondiale a certainement allongé le processus d’enregistrement), il n’y a aucune mention explicite du climat sociopolitique tendu de l’année. Au lieu de cela, Berthomieux réfléchit à une relation douloureusement dissolue, qui continue à s’effilocher aux extrémités avant de se défaire finalement. Sur chaque morceau, Berthomieux chante pour un « toi » anonyme, parfois avec nostalgie, parfois avec colère. Ses paroles racontent des regrets et des angoisses si spécifiques qu’elles reviennent à un sentiment général pour l’auditeur. Une longue année pourrait tout aussi bien être son journal intime, des entrées écrites pour sa propre réflexion et sa réconciliation plutôt que pour la compréhension d’un public.

Mais même si les détails de la douleur de Berthomieux sont un mystère, la traduction de cette douleur par le groupe vous hurle (souvent littéralement) tout au long du disque. La voix de Berthomieux est aussi torturée et émotive que ses paroles, alors qu’il se fraye un chemin à travers l’album. Pendant ce temps, les guitares hurlent et les cymbales crash de Pete Clark enveloppent le son du groupe comme un mal de tête le matin après une cuite. 

Tout au long de l’album, le groupe se met en branle, ses chansons fluctuant entre punk anthemique (« It’s All Fun and Games Until Someone Gets Hurt »), émo de la quatrième vague (« Fake It Till I Make It ») et alt-rock granuleux façon Pixies sur « « Alone ». Il arrive que le son soit trop lo-fi, le timbre médium des instruments saignant ensemble, mais pour ce qui manque au disque, il compense en sérieux.

Au bout du compte, Berthomieux ne trouve pas forcément une voie claire pour échapper à la douleur qu’il a ressentie au cours de la longue année qu’il a endurée. Le jour de l’an, il prend la résolution d’être heureux, mais se rend compte quelques lignes plus tard qu’il « ne pense pas que cette année sera différente » (doesn’t think this year will be any different). Comme beaucoupi, il semble supposer qu’il n’y a pas de magie dans un nouveau calendrier sur un mur. 

Et pourtant, après avoir pris conscience de sa douleur et de ses défauts personnels, il trouve un certain réconfort dans cette prise de conscience. Berthomieux y arrive peut-être avec cynisme, mais il a compris que les choses ne changent pas du jour au lendemain. Le bonheur demande du travail, pour certains d’entre nous le travail le plus dur qu’ils auront à faire dans leur vie. Notre santé émotionnelle et nos relations sont entre nos mains, indifférentes aux bornes kilométriques qui les définissent avec le recul. Ainsi, à l’approche de la nouvelle année, je me souviendrai que je pourrais profiter d’un moment de soulagement, mais qu’il y a beaucoup de travail à faire.

***1/2


Marty Willson-Piper: « Nightjar »

27 novembre 2020

Dans la foulée de Painkiller, l’album solo de Steve Kilbey, le chanteur et bassiste de The Church, et avec un nouvel album de Church intitulé Untitled #23 qui arrive bientôt, voici un autre bel effort de Marty Willson-Piper, la guitariste du groupe qui est également chanteuse et auteure-compositrice occasionnelle. Les membres de Church pourraient chanter l’annuaire téléphonique, on les l’écouterait bien, mais Nightjar et Painkiller sont tous deux de si bons disques que l’on ne peut qu’attendre avec impatience le nouvel album du groupe.

Les disques solos de Kilbey ressemblent souvent à The Church mais Willson-Piper s’oriente généralement un peu plus vers la power pop, le folk et la pop baroque, en plus du rock épique et psychédélique de son travail quotidien. Il s’est écoulé pas mal de temps depuis son dernier disque solo en studio, Hanging Out In Heaven, qui est sorti en 2000, et il semble quelle a accumulé beaucoup d’excellents morceaux depuis lors.

Comme prévu, il y a un énorme travail de guitare incroyable, à la fois acoustique et électrique, soutenu par de très belles harmonies vocales et des cordes mélancoliques. En fait, il y a tout un défilé d’invités de marque : le Suédois et Polynésien Tiare Helberg au chant (intéressante combinaison de nationalités, qui fait penser au commentaire du bassiste de Spinal Tap, Derek Smalls, déclarant qu’il est quelque part entre les personnalités de feu et de glace de ses compagnons de groupe – peut-être comme l‘eau tiède ?); l’ancien maestro de pedal steel des Triffids, « Evil » Graham Lee (qui fait également une apparition sur l’album de Kilbey) ; et la « Cornish Queen » Julie Elwin sur divers accompagnements musicaux et vocaux. MWP a même dessiné la pochette lui-même et a produit le disque en Angleterre avec le « poète technique » Dare Mason, son ancien copain de Noctorum.

Les chansons sont éclectiques, mais d’un niveau bien plus élevé que ce que l’on trouve souvent sur les albums solo. MWP a parfois l’air d’être un fan du style de guitare magistral et de la manière sombre de Richard Thompson, avec une mélodie et des paroles, sur « More Is Less » par exemple.

L’un des points forts du disque sera la fantastique « Lullaby For The Lonely » qui rappelle magistralement le regretté Grant McLennan. La mélodie nostalgique et les chœurs plaintifs évpquent beaucoup les chansons de ce dernier, par exemple « One Plus One », « High Down Below » qui est aussi un clin d’oeilaux Go-Betweens, une mélodie électrique circulaire avec des cordes qui fondent et fondent comme dans un puirs.

L’autre morceau hantera k’esprit, ce sera « Feed Your Mind » qui fait exéctement çasur un registre étrage dans lequel on aimera baigner. Les couplets cisèleront la mélodie de « Have Yourself A Merry Little Christmas », et il est certain que des paroles comme « …et tu es assis dans ta voiture de sport avec tes plaques d’immatriculation de Monaco / Et tu roules sur la côte pour prendre l’avion / Et tu te réveilles à l’hôpital avec ton visage méconnaissable / Et l’infirmière vient et éteint la lumière … » (.and you’re sitting in your sports car with your number plates from Monaco / And you’re driving down the coast to catch a flight / And you wake up in the hospital with your face unrecognizable / And the nurse just comes and switches off the light ) ne pourront que trouver accueil mémoriel en chacun de nceux qui l’écouteront.

The Church va bientôt faire une tournée complète aux États-Unis ;on peut, à cet égard, espérer que MWP et Kilbey sortiront tous deux quelques uns de leurs nouveaux morceaux en solo pendant les spectacles ; ce seraient des moments d’épiphanie et de catharsis.

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Spectres: « It’s Never Going to Happen and This is Why »

17 novembre 2020

Leur son a peut-être changé au cours des dix années qui se sont écoulées depuis qu’ils ont commencé à faire de la musique, mais Spectres n’a pas fait de compromis d’un iota. En fait, c’est probablement le contraire, ce qui, pour un groupe qui a toujours défié la norme et repoussé les limites à chaque sortie ultérieure, est une revendication estimable. Ainsi, toute suggestion selon laquelle Spectres serait devenu « pop » – principalement en raison de plus de la moitié des morceaux de It’s Never Going to Happen et This is Why, qui ne durent pas plus de trois minutes – serait pour le moins prématurée.

Alors que ses deux prédécesseurs, Dyingen 2015 et la suite deux ans plus tard, Condition, les ont sans aucun doute présentés comme la réponse du Royaume-Uni à A Place to Bury Strangers, avac It’s Never Going to Happen et This is Why, ils ont quelque peu remanié leur manifeste. Bien que les éclats de guitare soient omniprésents, le groupe s’est concentré sur une approche plus légère qui réduit de moitié ses maelströms sonores souvent longs, sans pour autant en perdre l’impact.

Écrit et enregistré au début de l’année 2018, c’est pendant la tournée de Condition, alors qu’il testait sur route certaines des nouvelles chansons, que le groupe a réalisé que quelque chose n’allait pas. À leur retour, ils ont repris la planche à dessin et ont fait appel à l’estimé producteur Alex Greaves (bdrmm, Menace Beach et Working Men’s Club étant trois groupes avec lesquels il a récemment travaillé), et le reste appartient à l’histoire.

Ici, dans toute sa splendeur, It’s Never Going to Happen et This is Why frappe comme un choc court et brutal pour le système. Le premier et récent « single », « Idolise Us ! », se situe quelque part entre l’intensité viscérale des autres Bristoliens Giant Swan et Idles tout en évitant à Spectrescette propension ancienne à l’annihilation sonore. Plusieurs invités font une apparition tout au long du disque, notamment Elvin Brandhi et French Margot sur « On Nepotism », un titre qui rappelle Atari Teenage Riot à leur époque la plus féroce.

Pendant ce temps, les musiciens expérimentaux Klein et Ben Vince aident à transformer « Define ‘With’ » en une peinture abstraite et sonore. Le dernier morceau, « I Was An Abattoir », suit le même chemin que certains des segments plus longs du prédécesseur de It’s Never Going to Happen et This is Why, tout en démontrant le penchant de ses créateurs à mélanger les choses comme et quand ils le jugent bon.

Il en résulte une collection de collages musicaux à la fois abrasive et séduisante, et qui s’assoit confortablement aux côtés des deux longs musiciens précédents de Spectres dans leur triumvirat de délices auditifs.

***1/2


She’s got Spies: « Isle Of Dogs »

14 novembre 2020

Parmi les pauvres âmes chargées de planifier le soi-disant Brexit Festival qui se trouvent à court d’idées, elles pourraient peut-être se tourner vers Laura Nunez alias She’s Got Spies pour obtenir des conseils.

En effet, sur « Super Sniffer Dogs », le morceau d’ouverture de son deuxième album, elle imagine une sinistre fête civique dans les tours de l’est de Londres. La sécurité est lourde, il y a des chiens d’élite renifleurs pour tous et il n’est pas question de divertissement. Un événement plus approprié pour marquer ce départ de l’Union européenne que beaucoup ne pouvaient souhaiter.

La chanson a un air de music-hall tordu et donne le ton de ce qui va suivre. Isle of Dogs est certainement une affaire de bricolage, la voix de Nunez se révélant être une narrattice flétrissante et souvent désabusée. Mais, lorsqu’elle manque de valeurs de production raffinées et de perfection vocale, elle compense largement par des éléments plus importants – de bons airs, de l’originalité et de la communication.

« Mariah Pariah » en est un parfait exemple. Débordant d’énergie et de rythmes de Garageband, Nunez se fait passer pour un faux ami. « Tu n’as aimé aucun de mes messages », dit-elle, « tu es une vraie menteuse » (You didn’t like any of my posts. « you’re such a liar..) C’est amer mais irrémédiablement contagieux, et ça nous fait sourire. « Where Did You Go », qui clôt l’album, la voit arriver comme un Billy Bragg féminin, avec une orchestration à bas prix qui rappelle le  Prince of Tears de Baxter Dury.

Nunez partage son temps entre Cardiff et son Londres natal. Elle a appris la langue galloise en s’inspirant de Gorky et des Super Furry Animals, et environ un tiers de l’album est chanté en gallois. « Wedi Blino » se targue d’avoir des claviers d’une excellente qualité sonore, et « Cwymp » » est l’un des plus beaux moments de réflexion parmi les douze morceaux de l’album, même si nous devons admettre que nous ne sommes pas les plus avisés quant à sa signification.

« The Fear » est sans doute notre moment préféré, la meilleure démonstration de sa capacité à lancer des accords inattendus et des rebondissements mélodiques quand on s’y attend le moins. Isle of Dogs est un diamant brut d’une écoute, mais regardez au-delà de ses bords bruts et vous découvrirez que c’est tout de même un bijou.

***1/2


Tunng: « Dead Club »

12 novembre 2020

Lorsque Tunng s’est lancé dans un projet qui allait amorcer une conversation sur la mort et la mort, ils n’auraient pas pu prévoir l’environnement dans lequel ils le rejetteraient. Leur septième album, Presents…Dead Club, est arrivé en un an, traversé par le chagrin, ce qui en fait la meilleure écoute possible ou la pire, selon votre endurance.

Le projet a débuté en 2018 par une série d’entretiens avec des auteurs, des musiciens, des philosophes, un médecin de soins palliatifs et un anthropologue légiste qui ont contribué au thème de Dead Club. Des extraits de ces entretiens sont découpés dans les chansons, ce qui rend impossible d’échapper au fait que cet album traite de la réflexion sur la mort, parfois dans un sens spirituel et parfois en termes pratiques de préparation de fin de vie ou de ce qui arrive au corps. Les interviews complètes sont disponibles sous la forme d’un podcast d’accompagnement du même nom et permettent une écoute convaincante en soi.

Mais si un groupe devait faire une étude quelque peu académique de la mort dans un album, Tunng se sent comme le bon groupe. La nature généralement douce de leur musique les empêche de devenir trop lourds ou larmoyants. Il y a toujours des paroles bizarres dans chaque chanson qui sonnent comme étant brutales ou comiques, et la chanson sur le la mort en Suède oscille entre nostalgie douloureuse et absurdité.

« C’est une chose corporelle », a rappelé son auteur Max Porter et les paroles qu’il a écrites et récitées pour ses auditeurs de sont détaillées comme suit : les caractéristiques et les défaillances du corps, et sa décomposition après la mort. Sa phrase « on pourrait lire votre corps comme un livre » ( someone might read your body like a book) confond le sensuel et le corporel, résumant les sentiments ineffables d’un corps ou d’un esprit avec une déclaration solennelle.

Bien que la solennité ne soit pas une caractéristique déterminante de Dead Club, il semble juste que les arrangements des chansons soient plus discrets que la plupart des œuvres antérieures de Tunng, qui penchent plus vers le folk que vers l’électronique, avec des chansons menées par des guitares ou un piano acoustiques. L’électronique est plutôt comme un tissu grossier, offrant un fond à la fois doux et rugueux. Il n’y a pas pour autant d’écart complet par rapport à leur style « Death is the New Sex », avec son rythme électronique bourdonnant, ressemble beaucoup à la folktronica autour de laquelle le groupe s’est construit, et la mélodie sautillante de « Three Birds » ressemble autant à d’autres arrangements vocaux de leur catalogue qu’à des comptines sur la peste.

Le plus grand succès de Dead Club réside dans son équilibre entre émotion et pragmatisme, qui laisse la place à la fascination qu’exerce la mort tout en permettant à ceux qui l’entourent de ressentir une réelle peur. C’est ainsi que « Scared to Death » est le noyau émotionnel de cet album. Avec son rythme de synthétiseur et son doux arrangement au piano, il est intime, tandis que ses paroles évoquent ce que les gens craignent et ce qu’ils osent espérer lorsqu’ils se permettent de penser à la fin.

Cette année nous a montré que les gens ne savent pas vraiment comment – ou du moins n’en ont pas la capacité actuellement – faire leur deuil. Aucun album ou série de podcasts ne changera cela. Mais ce que Tunng a montré avec Presents…Dead Club, c’est qu’aborder le deuil et la mort n’a pas besoin d’être dévastateur. Cela peut susciter la réflexion. Cela peut aussi être simplement agréable.

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Hey Colossus: « Dances / Curses »

9 novembre 2020

Quand on a entendu Hey Colossus pour la première fois, aux environs de 2013 de 2013, le groupe venait d’atteindre de nouveaux sommets avec le psycho-sludge enragé Cuckoo Live Life Like Cuckoo. La férocité lysergique de ce disque avait laissé une empreinte indélébile sur nombre d’âmes et nous a amené à nous demander ce que la musique « psychédélique » pouvait ou devait être. Menaçante, brutale et vibrante, son intensité d’acide brun avait frappé droit au cœur de l’oeil intérieur.

Le Hey Colossus de 2020 est une bête différente. Les dernières sorties les ont vu abandonner la sauvagerie de l’ancien temps au profit d’un son plus fluide et plus agile. Ce qui nous reste maintenant, c’est une machine très compétente, bien huilée, capable non seulement d’exercer une force pure, mais aussi d’offrir des moments de beauté tranquille et de bonheur introspectif. Les 75 minutes du double album Dances/Curses tissent une riche tapisserie sonore dans laquelle la richesse des idées, la clarté de la vision et le souci du détail font de cette expérience une expérience très gratifiante, toujours imprévisible et parfois totalement transcendante.   Le premier morceau, « The Eyeball Dance », se déploie progressivement avec des drones et un riff serré et réfléchi qui vient compléter une ligne de basse monotone. La mélodie simple ne sert qu’à ajouter de la couleur à ce qui est avant tout une introduction rythmique, une entrée lente dans l’atmosphère psychique de l’album. Les guitares entrelacées de « Donkey Jaw » sont plus présentes, mais le contrôle est habilement appliqué et la tension ne déborde jamais dans une frénésie totale. Il est clair à ce stade que l’interaction télépathique des précédents albums n’a pas été perdue. Les compositions sont d’une facilité et d’une confiance que l’on pourrait attendre de ces vétérans, mais le sens de la catharsis si essentiel à leur musique demeure. L’impression d’un traumatisme spirituel martelé au cours du processus d’enregistrement est palpable.

Il y a des hochements de tête au Hey Colossus d’autrefois. L’euphorie hymnique de « Medal », avec son accroche irrésistible et son refrain vocal hédoniste : « I found an easy way down » (J’ai trouvé un chemin facile), s’assiérait confortablement sur une setlist avec le matériel prêt à l’emploi des albums précédents. Cependant, c’est lorsque le groupe passe à la vitesse supérieure sur l’odyssée « kosmische » de 16 minutes « A Trembling Rose » que les subtilités de leur art de la chanson transparaissent. Un exercice de retenue et de timing, le morceau a plus en commun avec les grooves insistants de Neu ! qu’avec le riff de doom inspiré par Melvin. Des lignes de guitare luxuriantes scintillent sur une base rythmique bien ancrée et ce n’est qu’au bout de 12 minutes que l’on ressent tout le poids du groupe dans un moment d’extase. 

Dans la seconde moitié de l’album, Hey Colossus se languit dans un espace libre humide, en se s’offrant une somptueuse introduction à la guitare slide de « U Cowboy » et en se prélassant avec les voix riches et maladives de Mark Lanegan, fan de longue date, sur « The Mirror ». Ce qui marque cette moitié du disque, c’est son ampleur. Les tempos lents et les arrangements spacieux offrent à l’auditeur la possibilité de se prélasser dans les textures de l’album et de méditer sur sa résonance émotionnelle. Tout se fond et s’arrête sur « Blood Red Madrigal », puis se prépare à nouveau pour un dernier coup de baguette avec le riff de fin du monde qu’est « Tied In A Firing Line ».   

Le raffinement est si souvent un obstacle à l’expression authentique. Au fur et à mesure que les groupes vieillissent et s’éloignent des expériences primitives de leur jeunesse, l’intensité brute est souvent délaissée au profit de la démonstration d’un « sérieux musical » ou de la recherche du succès commercial. Hey Colossus a subi au cours de sa vie des changements stylistiques que l’on pourrait certainement assimiler à du raffinement, mais ce qui rend ce changement non seulement acceptable, mais aussi tout à fait bienvenu, c’est que les nobles intentions du groupe se reflètent dans les résultats.

Dances/Curses – tout comme Four Bibles et The Guillotine avant lui – ne porte pas témoignaged’un groupe qui fait jouer ses muscles techniques pour le plaisir ou qui tente de percer ce qui reste de l’industrie musicale traditionnelle. Il s’agit d’une distillation de l’expérience cumulée d’un groupe de bricoleurs invétérés qui a accumulé près de deux décennies de travail acharné. C’est un perfectionnement de leurs capacités considérables à créer un disque nuancé et détaillé qui porte tout le poids, l’urgence et l’attrait émotionnel de leurs premiers travaux tout en continuant à avancer inexorablement vers de nouveaux territoires revigorants.

***1/2