Johanna Samuels: « Double Bind »

18 juillet 2021

La chanteuse Johanna Samuels pourrait être considérée comme la Joni Mitchell de la génération actuelle d’innovateurs folk-pop. Son premier album, Double Bind, combine des aspects de folk, de swing jazz, de country-western et de pop acoustique, faisant preuve d’un talent artistique synonyme d’Ingrid Michaelson et des rêveries des Decemberists.

Les accents tordus qui entourent « Real Tragedies » ont un côté folk porche, tandis que « Please Say Some Good » a une touche de swing. « From Above You » présente un glaçage pop classique qui rappelle Carole King, et les rythmes de basse lourde qui soutiennent « This Place » sont accentués par des acoustiques teintées de country.

Les couplets accrocheurs de la chanson titre démontrent les compétences de Samuels en tant qu’auteur-compositeur lorsqu’elle dit : « Dis-moi comment tu veux que je sois / Je suis plutôt douée pour faire semblant d’être libre / Montre-moi comment tu veux que je me sente / Je ferai de mon mieux pour prétendre que tout est réel / La vérité de nous n’est jamais ce qu’elle semble être / Tu as dit que c’était la raison pour laquelle nous formons une bonne équipe… Est-ce que ça irait si je m’éloignais / Les parties que tu as écrites ne fonctionnent pas de toute façon ». ( Tell me the way you want me to be / I’m pretty good at pretending I’m free / Show me the way you want me to feel / I’ll do my best and pretend it’s all real / The truth of us is never how it all seems / You said that’s why we make a good team…would it be all right if I stepped away / Parts that you wrote don’t work anyway).

Comme Carole King, Samuels dissèque ainsi les relations personnelles dans ses textes, un thème récurrent tout au long de l’album. Il y a une qualité de Matt Costa dans son timing mélodique, comme le montrent « Give It Up » et « Chanson ». Elle passe des textures folkloriques de ces deux titres à une teinte country-western dans « Your Door », en introduisant des éléments américains dans l’enregistrement.

Double Bind démontre l’acuité de Johanna Samuels en tant qu’artiste folk-pop. Son lyrisme naturel rappellera au public Joni Mitchell et Carole King, complété par un timing mélodique qui a la signature de l’esthétique folk-pop moderne.

***1/2


Johanna Samuels: « Double Bind »

24 décembre 2020

La chanteuse Johanna Samuels pourrait être appelée la Joni Mitchell de la génération actuelle d’innovateurs folk-pop. Son premier album Double Bind combine en effetles aspects du folk, du swing jazz, du country-western et de l’acoustic-pop, affichant un art synonyme d’Ingrid Michaelson et les réflexions de The Decemberists.

Les accents nerveux qui entourent « Real Tragedies » forment une mousse folk sous le porche tandis que « Please Say Some Good » montre un lustre proche de la mouvance swing et que « From Above You » présente un glaçage pop classique rappelant Carole King après que les rythmes de basse lourds qui soutiennent « This Place »ne soient accentués dans une acoustique aux nuances country.

Les couplets accrocheurs de la chanson titre démontrent les compétences de Samuels en tant qu’auteur-compositeur, comme elle le reflète : « Dis-moi comment tu veux que je sois / Je suis plutôt douée pour faire semblant d’être libre / Montre-moi comment tu veux que je me sente / Je ferai de mon mieux et prétendrai que tout est réel / La vérité sur nous n’est jamais ce qu’elle semble être / Tu as dit que c’est pour ça que nous formons une bonne équipe… Est-ce que je pourrais me retirer / Les parties que tu as écrites ne marchent pas de toute façon » (Tell me the way you want me to be / I’m pretty good at pretending I’m free / Show me the way you want me to feel / I’ll do my best and pretend it’s all real / The truth of us is never how it all seems / You said that’s why we make a good team…would it be all right if I stepped away / Parts that you wrote don’t work anyway).

Comme Carole King, Samuels dissèque les relations personnelles dans ses paroles, un thème récurrent tout au long de l’album. On trouvera également une qualité à la Matt Costa dans son timing mélodique, comme on peut le voir dans « Give It Up » et « Chanson »et elle saura passer des textures folkloriques de ces deux titres à une nuance country et western dans « Your Door », qui tisse des traits imprégnés d’Amérique dans l’enregistrement.

Double Bind démontre la perspicacité de Johanna Samuels en tant qu’artiste folk-pop. Son lyrisme naturel rappellera au public Joni Mitchell et Carole King, complété par un timing mélodique qui a la signature de l’esthétique folk-pop moderne.

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Joshua Burnell : « Flowers Where The Horses Sleep »

2 septembre 2020

Dans l’idiome folk, il y a naturellement une forte concentration sur les artistes qui mettent la chanson au premier plan. À juste titre, il s’agit d’une tradition de narration qui ne se construit pas autour de stars ou de personnalités, mais de musique. Une musique dont les racines sont bien visibles, avec une forte tradition et une histoire qui exige la participation, la collaboration et l’interprétation pour maintenir la forme vivante. Je respecte pleinement cela, mais en tant que hardcore, obsédé par la musique death-in-the-wool, j’ai trouvé mon chemin vers le folk il y a des décennies, sans grande appréciation des formes traditionnelles, bien plus parce que, en tant que fan de l’écriture de chansons, j’aimais entendre des arrangements acoustiques bruts et des performances intimes, et j’ai donc approfondi mes connaissances des musiciens de type folklorique. Mais pour moi, la musique a toujours été un divertissement et une forme d’art plutôt qu’un exercice académique et donc, quand je trouve un artiste comme Joshua Burnell, qui semble faire de la musique avec la même intention, je dois m’asseoir et le remarquer.

Il y a deux choses qui vous sautent immédiatement aux yeux à propos de Joshua ; la première est qu’il n’a aucun désir de travailler dans un seul genre de musique, car pour lui, toutes les formes font partie du même processus créatif. Deuxièmement, il est certainement motivé pour divertir, provoquer la réflexion et même semer un peu la confusion. Jetez un coup d’œil à l’emballage de ce dernier, son tout nouvel album sorti ce mois-ci. À l’intérieur d’une couverture glorieuse, représentant une scène à la Bambi d’un homme tirant à la carabine et visant un couple de cerfs (voir ce que je veux dire, beau et dérangeant à la fois), nous trouvons l’homme lui-même, se fondant littéralement dans le thème de la couverture. Dans un plan qui me rappelle une infection virale extraterrestre engloutissant une victime désespérée au début des années 70, Doctor Who, Joshua est vu avec cette même zone boisée représentée sur la couverture de Hari et Deepti, le visage et les mains écartées. C’est vraiment tout mettre en œuvre pour le bien de votre art, le genre d’effort que nous tenions pour acquis quand nous venions d’un géant du Rock ou du Prog comme Bowie ou Gabriel, mais c’est beaucoup moins courant dans le monde folk. Et c’est certainement ce qui fait de Joshua Burnell un artiste sérieux à tous égards.

Évidemment, rien de tout cela n’aurait d’importance si la musique ne tenait pas la route, mais il n’y a pas non plus d’inquiétude à ce sujet. La création et l’esprit d’exploration que promet la pochette sont plus que réalisés dans le contenu musical. On ne peut pas annoncer que c’est un album folk. Il y a des éléments qui sont sûrs, c’est un album qui a fait ses preuves, l’a démontré son projet Songs From The Seasons en 2018, et il y a ici un morceau appelé « Joan Of The Greenwood » que Burnell décrit comme sa « dernière tentative d’écrire un pastiche sur les chansons folkloriques anglaises traditionnelles ». Mais il y a tellement plus que cela, jon dirait que le folk est sa rampe de lancement, alors peut-être que c’est du folk progressif ? Ou bien moderne et traditionnel ? Contemporain vintage ? Vous ne pouvez vraiment pas classer cela, mais alors pourquoi prendre la peine d’essayer ? La nature imprévisible du cycle de chansons, les petites surprises sonores et texturales magiques font toutes partie de l’attrait et au centre de tout cela se trouve le mystérieux M. Burnell, un énigmatique faisceau de pensées et d’énergie.

L’album a été achevé juste à temps, le travail ayant été achevé en février de cette année, juste avant que le monde ne soit bouclé. C’est une production complète du groupe, avec huit musiciens crédités dans les notes de pochette et une combinaison alléchante de sons comprenant des guitares électriques, des cordes, des violons, un mélodéon, une basse droite, une batterie et des chants de gang. Ce mépris des limites et de la compartimentation est abordé directement dans le numéro d’ouverture « Labels ». Inspiré par une citation d’Ian McKellen, dans laquelle il affirme que « le seul label dont chacun d’entre nous a besoin est son nom », Joshua introduit l’album sur une note légèrement chantante, avec des violons luxuriants et une performance vocale mesurée.

Burnell a déclaré que cet album de dix titres a été inspiré par des personnes du présent et du passé, en l’honneur de « la remarquable capacité des êtres humains à trouver la beauté, même dans les moments les plus difficiles ». Ainsi, deux chansons nous ramènent à l’époque arthurienne et à la légende de la sorcière Morgane Le Fey, qui changeait de forme. Joshua reconnaît dans ses notes de pochette détaillées que « Le Fey » a manipulé la beauté à ses propres fins. Je dirais que si vous devez vous plonger dans un personnage des histoires arthuriennes, elle est certainement l’un des sujets les plus mystérieux, le personnage parfait que Joshua doit honorer en chantant, car elle semblait traverser les pôles du bien et du mal avec un abandon sauvage. Mettez cela de côté et je dois signaler que « Le Fay » est un enregistrement dans lequel les ambitions musicales de cet artiste pour le grand écran clouent leurs couleurs au mât. C’est un morceau épique, tenu par un piano qui martèle, la batterie marche et le chant oscille entre l’atteinte du ciel et l’isolement claustrophobe. Alors que les guitares électriques allongées s’envolent et que la mélodie se propage dans les airs, je me souviens un peu des Pink Floyd de Kate Bush et Gilmour. Oui, c’est bien le genre d’épopée que nous écoutons ici, mais si vous voulez tirer haut, autant faire de votre mieux et Joshua fait ici une déclaration d’intention très sérieuse.

« Mark Jeffrey’s story, » un condamné du Cambridgeshire du 19ème siècle, est racontée dans la chanson suivante. Écrite avec la vigueur d’une ballade de Broadside, elle est digne d’être sifflée et les détails de la personnalité sont nombreux. Joshua ajoute une fois de plus de la couleur dans le livret intérieur : « Mark Jeffery s’est retrouvé face au diable lui-même alors qu’il travaillait comme fossoyeur. Et maintenant il a sa propre ballade, « Quel type ! » Nous sommes de retour sur un terrain plus terrestre avec « Invisible Wings », un hymne acoustique sincère aux familles inspirantes. Mais « Mark Jeffrey’s story » ne peut pas laisser son imagination débordante s’éteindre tant qu’il n’a pas atteint un scénario improbable (en partie représenté sur la couverture) où il ferme les yeux sur une biche effrayée qui a surpris deux sinistre personnages tenant des fusils en train d’explorer une forteresse en ruine près de Harewood House dans le Yorkshire. Cette scène est basée sur un événement réel avec sa partenaire Fe, dont la présence dans la scène fantastique est représentée par un chant magnifique de Frances Sladen, bien que typiquement pour Joshua, il la raconte comme une scène de livre d’images d’un conte de fées honoré par le passé.

Il convient de noter que Joshua est également un multi-instrumentiste, ce qui explique certains des changements de forme et de style les plus surprenants qu’il peut exécuter avec facilité. Dans « Let Me Fall Dow » », il découvre son Billy Joel intérieur sur un piano Steinway Grand Piano et il est capable d’insuffler un peu de drame dans ces touches. « Outside » revisite le mode ballade au piano et à la guitare acoustique, en méditant sur quand vous feriez n’importe quoi pour aider ceux que vous aimez. « Look At Us Now » est la deuxième ballade de l’album sur les transports (l’autre étant « The Ballad Of Mark Jeffrey »), cette fois-ci en envisageant un futur à la Elon Musk où les humains habitent une autre planète. Le piano est à nouveau joué avec une théâtralité de vrai classiciste sur le numéro de clôture « Two Stars », il fait penser que Burnell en a probablement assez dans son casier pour écrire un jour une comédie musicale de scène. En substance, je pense que ce que j’admire le plus chez Joshua Burnell, c’est qu’il mène le bon combat pour nous tous, les amoureux du folklore, en prenant des risques et en tendant audacieusement la main pour attirer l’attention et l’imagination de notre communauté, qui n’est pas seulement déjà gagnée. La méthode de son ambition est de créer une musique brillante et accessible, débordante d’idées, d’images et d’une capacité assurée à la mélodie et à la structure des chansons, on ees sincèrement qu’il attirera l’attention de beaucoup d’autres personnes à l’avenir. Remarquable.

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Westerman: « Your Hero Is Not Dead »

5 juin 2020

L’auteur-compositeur-interprète londonien Will Westerman qui se produit sous son nom de famille ouvre et clôture son premier album par le titre de celui-ci, assurant à l’auditeur que votre héros n’est pas mort, tout en restant ambigu sur ce que cela signifie réellement et pourquoi cela pourrait être important. La musique de Westerman porte dans son ADN des traces de Neil Young, Nick Drake et Tear for Fears, mais sa folk-pop légère comme une plume réside entièrement dans son point de vue unique.

De nombreuses chansons de Your Hero Is Not Dead ont déjà été publiées sous forme de singles, certaines remontant jusqu’en 2018, et Westerman les combine avec de nouveaux morceaux pour créer un album complet cohérent et gracieux. La musique de Westerman est si délicate et légère qu’il semble que ces chansons puissent s’envoler au gré de la brise de l’après-midi ou s’éparpiller comme des particules de lumière. Pourtant, ces chansons sont étonnamment accrocheuses, en partie grâce à la production électronique rebondissante et tourbillonnante de Bullion et à la compréhension aiguë de la mélodie par Westerman.

Une certaine espièglerie se dégage des floraisons électroniques de Bullion, surtout si on les combine avec l’esprit subtil de Westerman. Vers la fin de « Easy Money », une ode à la richesse matérielle, Westerman déclare clairement « Maintenant, je peux avoir ce que je veux / Alors je…le veux » (Now I can have my fill / So I…will,), une simple déclaration qui incite l’auditeur à ne pas le prendre trop au sérieux. La subtilité et la sobriété sont les principes directeurs de cet album, mais cela n’empêche pas Westerman de traverser un éventail d’émotions, de pensées et de sujets.

Le lent « Blue Comanche » est une méditation sur le changement climatique et l’anxiété concernant l’avenir de la vie humaine sur Terre. Il parle de cyborgs, d’arbres, de glands, de maïs bleu au coucher du soleil, et exhorte le titulaire du Comanche faire demi-tour, comme si l’inversion du temps était la seule façon de sauver le monde de l’effondrement total, un sentiment qui trouve un écho dans la chanson titre (« You want to turn the Earth backwards » ». La chanson « Think I’ll Stay », qui est pleine d’entrain et de poésie, résonne étrangement : « Je contrôle le contrôlable / Ne te console pas en trompant la mort / Mais je le ferai / J’ai hâte de te rencontrer, mon ami. » I control the controllable / Don’t take comfort in cheating death / But I will / Look forward to meeting you, my friend) Après un examen approfondi, ces paroles offrent un récit réfléchi des hauts et des bas de la vie avec la douleur chronique.

Parfois, les paroles de Westerman semblent impénétrables, obscurcies sous une poésie de tulle : « …des souvenirs dans des vagues de timbres et dans ton sang » (memories in waves of stamps and in your blood) , mais chaque ligne est livrée avec une sincérité sincère qui récompense une réflexion approfondie. L’album se distingue par « Confirmation », une contemplation chatoyante sur le travail créatif. Les paroles sont désarmantes d’autodérision (« Good job, pinhead / So happy you were born ») et de sagesse (« Don’t you wonder why confirmation’s easier / When you don’t think so much about it »), ce qui a valu à Westerman d’être comparé au musicien d’avant-garde Arthur Russell.

Your Hero Is Not Dead est un premier album d’une contemplation impressionnante, rempli de musique calme qui a un impact émotionnel surprenant. Westerman est sensible à la façon dont les subtilités s’épanouissent – percussions de bois, ligne de synthé tranquille, voix éthérée en couches – peuvent élever et ajouter des couches à une chanson. Sa marque unique de folk-pop douce et tranquille est parfaitement représentée ici, et laisse l’auditeur avec un mystère irrésistible à ruminer : « Votre héros n’est pas mort, il dort, c’est tout. »

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Leif Vollebekk: « New Ways »

1 novembre 2019

Cet auteur-compositeur-interprète Leif Vollebekk présente New Ways comme un album écrit pour qu’elqu’un d’autre, à l’inverse du précédent, l’excellent Twin Solitude, comme un opus exclusivement ntrospectif. Musicalement, il privilégie donc des accents soul plutôt que folk, sans, toutefois, atteindre la beauté de son prédécesseur.

La marche était certainement très haute après l’estimé Twin Solitude, qui avait permis à Vollebekk de se frayer un chemin jusque sur la liste du Prix Polaris en 2017. Sur ce troisième opus, le musicien natif d’Ottawa (désormais établi à Montréal) avait réussi à transcender son côté folk très inspiré de l’œuvre de Neil Young ou Bob Dylan pour offrir une œuvre immensément personnelle, marquée par un premier côté dominé par le piano et une face B qui plaçait la guitare à l’avant-plan.

New Ways poursuit dans la même veine que la première moitié de Twin Solitude, en particulier sur les cinq premiers titres, où Vollebekk mise avant tout sur le piano pour transmettre ses émotions. Le ton apparaît cependant plus léger, moins nostalgique, avec une plus grande importance placée sur le groove (une constante sur la plupart des chansons). « Never Be Back », par exemple, surprend avec sa rythmique syncopée et une diction proche du hip-hop. Puis, « Hot Tears » adopte un ton résolument R&B pour donner vie à un texte qui expose les questionnements d’une nouvelle relation, où la Neuvième de Beethoven devient une image pour l’émerveillement.

Comme sur Twin Solitude, la guitare prend le relais en deuxième moitié d’album. Ça commence avec la très réussie « Blood Brothers », qui flirte avec des accents Southern Rock (plus loin, sur la ballade « Apalachee Plain », Vollebekk fait un clin d’œil à Jimmie Rodgers et sa technique du yodel). « Change » et « I’m Not Your Lover » mettent elles aussi l’accent sur la guitare, la première avec un côté soul et la seconde, plus intéressante, portée entre autres par un solo digne de Mark Knopfler.

Vollebekk revient au piano le temps d’une chanson, la très courte « Wait a While »,  évitant ainsi de reproduire exactement le même procédé que sur Twin Solitude. N’empêche qu’il y a un peu de redondance dans cette manière d’organiser la séquence des titres en fonction de leur instrumentation, à moins que le but soit effectivement d’assurer une certaine continuité d’un disque à l’autre.

Si Twin Solitude montrait déjà un Leif Vollebekk cherchant à s’affranchir de son image de troubadour folk, le virage est complet sur New Ways. Il s’agit d’un album plus sentimental, évoquant autant Prince que Bill Withers, où l’approche vocale du chanteur s’approche par moments de celle de type crooner, ce qui convient parfaitement aux textes qui parlent tantôt de désir ou d’amour, tantôt d’absence ou de souvenir.

Si on s’ennuie un peu du Vollebekk introspectif qui nous avait pris aux tripes sur Twin Solitude, sa voix reste aussi riche. La production de David Smith (sauf pour trois titres) sied bien au caractère intimiste, voire « fleur bleue », de ce nouvel album, et on sent une belle proximité avec le groupe. Cela dit, il manque un petit quelque chose à ce New Ways pour s’inscrire au rang des albums marquants.

***1/2


Ian Kelly: « Long Story Short »

30 août 2019

Est-ce là l’usufruit des libertés acquises chez M. Chandler (le groupe qui’il a formé avec Ian Kelly?) À côtoyer sous cette appellation pas contrôlée les Rick Haworth, Sylvain Clavette et Mario Légaré, champions paysagistes de l’imaginaire musical, ça déteint. Le folk de Ian Kelly est ici un canevas autour duquel se greffent toutes sortes d’instruments, claviers, cuivres, cordes (les Mommies on the Run) et chœurs variés (jusqu’à la famille Kelly elle-même). L’approche impressionniste compose un sixième album à la fois intimiste et ouvert, une maison où l’on entre par toutes les portes et fenêtres.

Écouter « Let’s Just Be Together », « Simple Song », « Sweet Times, » c’est comprendre que Ian nous veut tout près, d’où que ce soit que nous venons. De la même façon qu’il a invité tous ces musiciens et chanteurs à embellir ses airs déjà beaux, il nous appelle à ses côtés pour magnifier l’espoir de « Hopeful Mind, » traverser la tristesse de « Digging for Love ».Pour faire une longue histoire courte, il nous demande de tenir bon.

***1/2

 


Elisapie: « The Ballad of the Runaway Girl »

5 avril 2019

The Ballad of the Runaway Girl est le troisième album de cette chanteuse originaire de l’Arctique canadien. La jeune Inuit installée à Montréal se passionne pour la musique folk et la pop fragile et langoureuse, alliage qui est parfaitement digéré dur son petit dernier The Ballad of the Runaway Girl. Sa voix mélancolique et touchante nous raconte en partie ses racines, son histoire personnelle et les tribulations de sa terre natale (« Call of the Moose »). Côté musique, on navigue souvent entre ballades folk fortes en émotions (« Wolves don’t Live by the Rules », « Rodeo », « Ikajunga ») qui laissent place par moments à des morceaux plus nettement influencés par le rock comme l’inaugurale « Arnaq » et son côté pas farouche façon The Kills ou la très rythmée « Qanniuguma » qui pour le coup donne des indications en musique sur les racines de la chanteuse.

Des titres plus inspirés pop touchent aussi en plein cœur comme l’excellent « Don’t Make me Blue » » qui serait un parfait « single » radio, ou encore « Darkness Bring the Light », titre composé avec Joseph Yarmush (Suuuns), et qui dévoile sa richesse progressivement. Bref, un programme chargé de sensations pour les âmes sensibles et les curieux.

***1/2


Two Medicine: « Astropsychosis »

29 mars 2019

Two Medecine n’est ni plus ni moins que le projet de Paul Alexander, bassiste de Midlake, et ce disque se situe sensiblement dans la même veine, à savoir une folk pop légèrement progressifve très posée et faisant preuve d’une douceur et d’une mélancolie qui confine à la magie. D’ailleurs, plusieurs membres participent à cet opus qui ressemble presque à un side-project commun.

Le disque est sorti il y a quelques mois maintenant et il est splendide. Les influences psychédéliques et pop jouent un rôle particulier et on peut aisément y percevoir l’ombre des Beach Boys et du Floyd.

Concrètement pourtant, la musique de Two Medicine ne prend racine que dans son propre langage ; une voix caressante, une guitare sèche, des choeurs en écho, des claviers qui jouent l’emphase, une rythmique discrète, sèche mais pas trop percussive, et un format assez pop, qui ne va pas trop chercher dans l’expérimental et le psyché.

Astropsychosis est assez accessible, et peut s’adresser aux amateurs de Midlake dernière période comme à ceux que la pop sixties pas trop mainstream n’effraie pas. Quand on saura enfin que « Two Medicine » fait référence à une région du Montana, dont les montagnes, forêts et lacs auront probablement inspiré ce disque bucolique on saura tout et on écoutera Astropsychosis avec l’état d’esprit qui a résidé à sa conception.

***1/2


Júníus Meyvant: « Across the Borders »

3 février 2019

Il y a quelque chose de particulier chez Júníus Meyvant, une identité autre ; c’est plus que jamais clair avec Across the Borders. Deux ans et demi après Floating Harmonies, l’artiste et musicien islandais, spécialiste de l’orchestration ample et luxuriante, déploie cette fois non plus un folk habillé de pop, mais une pop habillée de soul ; un pas plus en evant dans le flot dansant qui servait de toile de fond à ses morceaux.

Il n’y a donc plus trop de cette mélancolie acoustique en floraison, pourtant si harmonieuse, sauf peut-être dans le relâchement de qui essaime certains passages.

Cela dit, son rythme est toujours foisonnant : cordes, cuivres, guitares électriques, piano, percussions (celles, très solides de « High Alert » par exemple) font monter un fumet de pop-rock façon années 1980.

Avec sa voix agréablement râpeuse, même certaines passages un brin suaves (dont « Carry On With Me ») gardent un relatif effet brouillon. Si la fragilité de ses débuts nous fait défaut sur ce nouvel opus Júníus Meyvant aborde toujours ses compositions comme une redoutable, et par conséquent périlleuse, exploration.

***1/2


Molly Burch: « First Flower »

29 octobre 2018

Molly Burch continue de nous enchanter avec ce First Flower qui fait suite à Please Be Mine paru en 2017. Dans un registre pop folk mâtiné de do-wap et de country, voilà un opus qui lui donne ce charme rétro incomparable.

La native d’Austin Texas délivre une suite de chansons irrésistibles aux mélodies légères et vite mémorisables. Accompagnée par une guitare aux accents surf délicieux, Molly Burch confirme là sa capacité à composer de bonnes chansons mais aussi son talent de vocaliste aux multiples registres.

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