Beth Orton: « Weather Alive »

25 septembre 2022

Il est fort peu probable que Weather Alive soit le dernier album de Beth Orton, mais étrangement, on a l’impression que c’est le cas. Alors que son véritable premier album, Trailer Park, date de 1996, alors qu’elle n’avait que 25 ans, Weather Alive, sorti en 2022, montre que l’artiste folk de Norwich a vécu un autre quart de siècle depuis lors, son art ayant grandi et évolué de manière fascinante au fil des décennies. Souvent considérée comme l’incarnation de l’étiquette « folktronica », Orton a montré la profondeur de ses talents d’auteur-compositeur au fil des ans, ignorant principalement la classification facile des genres et se concentrant sur la pose unique que sa muse prenait à ce moment-là. Il y avait souvent une guitare, parfois un piano, mais sa voix texturée et ses mots étaient toujours son trait le plus convaincant.

Aujourd’hui mariée et mère de famille, Weather Alive arrive après une période de tumulte, Orton ayant déménagé sa famille de Los Angeles en Angleterre et souffrant de crises d’épilepsie qui ont été initialement diagnostiquées à tort comme des attaques de panique. Si l’on ajoute à cela une pandémie mondiale et les décès de son collaborateur Hal Willner et du producteur de Trailer Park Andrew Weatherall, il serait compréhensible que tout nouvel album d’Orton soit une affaire triste et languissante.

Pourtant, Weather Alive est une créature fascinante, qui ne se laisse pas catégoriser facilement. En travaillant avec le batteur de jazz Tom Skinner et le saxophoniste Alabaster dePlume, Orton a autoproduit un disque à l’atmosphère profonde et aux tonalités chaudes ; il sonne comme le brouillard matinal qui se dissipe d’une plage baignée par l’aube matinale. Ses musiciens de jazz ne donnent que des accents jazzy à des chansons qui n’existent pas tout à fait dans le domaine du folk, de la pop ou du rock. Les huit titres de Weather Alive ressemblent à des chansons de Beth Orton, ce qui est rare.

Au début, j’étais tellement gênée de faire écouter ces chansons aux gens, parce que je sais qu’elles sont toutes un peu ficelées ensemble »,avait déclar& Beth Orton lors d’une interview : « Je sais que certains de mes processus dans le montage étaient vraiment rudimentaires. Je veux dire qu’il a été réalisé en grande partie dans ma remise. » Si l’album est né de plusieurs arrêts et faux départs, il est clair que toutes les chansons de Weather Alive viennent du même endroit détendu, se déroulant toutes à leur propre rythme décontracté (ce qui explique pourquoi le numéro le plus court du disque pointe à un peu moins de 4:30).

La voix d’Orton est la première chose qui saute aux oreilles dès l’ouverture de la chanson-titre atmosphérique. N’ayant pas peur de s’exprimer ouvertement, sa voix, toujours aussi distincte, est aujourd’hui légèrement usée par le temps, une certaine rudesse étant intégrée dans ses inflexions, certaines tonalités étant même hésitantes et bégayantes. Alors que son dernier album (l’expérience électro encore sous-estimée qu’était Kidsticks en 2016) était inondé de styles et de sons électro de chambre, sa voix passait souvent à travers des filtres et des échos, ce qui rend son exposition si directe de l’état de ses voix sur Weather Alive d’autant plus pointue. Cette fois, Orton ne se cache pas derrière des artifices de studio : elle est émotionnellement nue à chaque instant. « C’était tout simplement atroce de l’écouter devant d’autres personnes », précise-telle lors du même entretien : « Chaque partie était personnelle et exposée. »

Pourtant, pour les fans d’Orton, Weather Alive est plus qu’un simple panache de structures de chansons éthérées. Des morceaux comme « Fractals » s’appuient sur un groove solide de basse et de piano pour capturer certains des styles les plus optimistes de son travail antérieur, reflétant même parfois l’esprit ludique de Kidsticks. « Quand quelque chose arrive, ça n’arrive pas qu’à moi, tu as arrêté de croire à la magie, mais moi je crois à la magie », roucoule-t-elle sur la section la plus enjouée de l’album, pointant vers les thèmes centraux de l’album : vivre à travers les époques avec des croyances différentes.

« Mon amour, ne chanteras-tu pas pour moi ? / Ne suis-je pas ta poésie ? » (My love, won’t you sing for me? / Am I not your poetry?) demande Orton dans l’ambiance presque trip-hop de « Forever Young », un écho délibéré à certains de ses titres favoris les plus emblématiques de l’électro. Elle se languit de l’affection de son amant avant d’ouvrir les vannes de ses propres louanges, enfermant leur passion dans un moment parfait. La meilleure qualité de Weather Alive réside dans le fait que beaucoup de ses chansons ne sont pas résolues ; le point est fait mais les questions restent sans réponse. Ses couplets passent du pointu à l’empathie, changeant ainsi la fonction contextuelle de certains refrains, ce qui permet de les réécouter de manière remarquablement gratifiante, en glanant des bribes de sens nouveau à chaque écoute.

Par exemple, dans la mélodie pastorale de « Friday Night », la narratrice d’Orton « rêve de Proust dans mon lit / Et il me parle dans mon sommeil » (dreaming of Proust all in my bed / And he speaks to me in my sleep), avant de tomber dans un rêve langoureux où elle oublie sa propre existence. Il y a beaucoup de nostalgie de l’amour dans cet album et d’inquiétude de perdre des moments précieux. Pourtant, même avec quelques passages délibérés en clé mineure, Weather Alive est moins un pur espoir qu’une belle acceptation, reconnaissante pour tout ce qui s’est passé et tout ce qui sera.Weather Alive ne sera pas l’album le plus accessible d’Orton, mais à ce stade de sa carrière, ses disques n’ont pas besoin de satisfaire un public particulier. Les pianos et synthétiseurs scintillants qui flottent au-dessus des basses en direct et des percussions brossées semblent être l’aboutissement de ses sons passés et la suite logique de sa carrière. Sur le dernier morceau de sept minutes, « Unwritten », le plus long de Weather Alive, les paroles pourraient évoquer le processus d’écriture non conventionnel d’Orton ou l’avenir qu’elle a devant elle et qui n’a pas encore été raconté.

Soyons francs : étant donné qu’Orton n’a sorti que cinq albums au cours des deux dernières décennies, on ne sait pas si elle nous offrira un jour un autre album complet, mais si cet album est son chant du cygne, c’est une belle note de grâce pour nous quitter. La nature dérivante des chansons de Weather Alive n’est peut-être pas aussi immédiatement satisfaisante que la folk-pop aux yeux brillants avec laquelle elle a flirté dans ses premières années. Pourtant, cet album est sans conteste le disque qu’elle devait faire maintenant, et nous nous sentons tous plus vivants grâce à lui.

***1/2


Jana Horn: « Optimism »

5 mars 2022

Jana Horn est un mystère, et Optimism est une sorte de mirage. Bien que ce soit l’album qu’elle avait l’intention de faire, ce n’est pas ce qu’elle a fait initialement. L’album original sonnait trop bien. Ce n’est pas ce qu’elle voulait, car il ne reflétait ni elle ni son éducation. La Texane a été élevée à Glen Rose, près de Dallas, dans un foyer baptiste strict. Ce qui semble faire partie de son conflit : « Un professeur m’a dit un jour que la masturbation est une forme d’écriture, tant que l’on regarde par la fenêtre » Inutile de dire qu’elle semble plus à l’aise dans les confins moins restrictifs d’Austin.

Il y a un sentiment de mystère et de mirage dans sa musique et ses paroles. « Friends Again » commence l’album avec seulement deux doigts sur deux cordes de sa guitare acoustique. La chanson commence avec des lignes qui pourraient aussi bien parler de la sortie de l’utérus que de la relation amoureuse, « You didn’t just push me out/ You dug me out, deep » (Tu ne m’as pas seulement poussé dehors/ Tu m’y as creusé, profondément). Ses compositions peuvent sembler simples, mais il semble toujours y avoir beaucoup plus de choses qui se passent juste sous la surface.

Enregistré avec une équipe squelettique de complices, pour la plupart issus de Knife on the Water (un groupe avec lequel elle avait déjà travaillé), plutôt que de remplir tout l’espace, il y a beaucoup d’air. Mais Horn reste en retrait, s’assurant que le mystère de la musique n’est pas submergé par sa voix et encore moins par ses paroles. Les choses nous arrivent sous des angles bizarres, et le début d’une chanson ne semble jamais être la fin. « Tonight » commence par « Tonight I wear the color blue/ And sit upon the couch with the cat/ Who would not like it if I moved » (Ce soir, je porte la couleur bleue/ Et je m’assois sur le canapé avec le chat/ Qui n’aimerait pas que je bouge). Pourtant, à la fin de la chanson, les choses sont bien différentes.

Utilisant un riff de basse en quart de note qui se heurte à de douces lignes de synthétiseur atmosphérique, « Jordan » explorera les liens qui conduisent une chanson de rupture au royaume du cauchemar religieux. Le protagoniste masculin de Horn est envoyé de Galilée pour rencontrer «  a man who is so dark/ he has black bullets in his hands » (un homme qui est si sombre / il a des balles noires dans les mains), dans l’espoir d’arrêter une bombe qui menace de «  sort out the unclean » (trier les impurs). La basse tombe à la fin, ne laissant que d’étranges sons de cloches.

Pour clore l’album, « When I Go Down Into That Nigh » » pose le genre de question que nous nous posons tous, mais que nous exprimons rarement : « When I go down into that night/ and there’s no hope in the plan/ and I can barely see my feet/ will you meet me where I stand ? » (Quand je descendrai dans la nuit/ et qu’il n’y aura plus d’espoir dans le plan/ et que je pourrai à peine voir mes pieds/ me rejoindras-tu là où je me tiens ? ). Jana Horn pose des questions, elle n’y répond pas. Parfois, seules les questions existent. Les réponses peuvent être beaucoup plus difficiles à trouver.

La chose qu’elle fait le plus clairement, cependant, est de créer l’équivalent sonore de ce qu’écrit un romancier, en exposant les failles et les déchirements qui résident en chacun de nous. Pour Jana Horn, l’optimisme est peut-être la réponse, mais il y aura beaucoup de mystères en cours de route ; telle est la substance de la vie.

***1/2


The Lumineers: « Brightside »

27 janvier 2022

À l’exception de leur tube « Ho Hey » dont l’effet de nouveauté est dû aux cris réguliers du titre, les « singles » de The Lumineers diffusés sur les ondes, comme « Stubborn Love » et « Ophelia », se sont appuyés sur des mélodies accrocheuses et sur l’attrait chaleureux de la voix de Wayne Schultz pour élever leurs chansons folk-rock relativement simples au-dessus de la clameur bruyante des modes de la musique pop et rock. Après que la violoncelliste et choriste Neyla Pekarek ait quitté le groupe avant leur dernier album, III, Schultz et le multi-instrumentiste Jeremiah Fraites ont reçu le soutien en studio de Byron Issacs à la basse, de Lauren Jacobs aux cordes et de quelques autres pour étoffer leur son. Mais ici, sur le quatrième album studio du groupe, Brightside, le duo a gardé les choses proches, plus calmes et plus intimes.

La chanson titre ouvre l’album relativement bref – 9 chansons, dont une reprise, d’une durée de 30 minutes – avec un slow rocker grunge et électrique qui tente d’offrir une vision positive d’une relation malgré les circonstances difficiles. La guitare électrique rythmique ne revient pas avant « Never Really Mind », où elle est pratiquement la seule instrumentation alors que le chanteur se rend compte que cet « amour n’a pas été conçu pour le temps », jusqu’à ce que le pont répété « don’t you fade away » se développe avec des percussions et des chœurs pour le dernier couplet et le refrain. Ailleurs, « A.M. Radio » est chantée doucement sur une subtile guitare acoustique jusqu’à ce que le piano et la batterie interviennent à mi-chemin, tandis que « Rollercoaste » », encore plus sombre, n’est soutenue que par un doux piano pendant toute la durée de l’album.

Dans la dernière, »everyone is holding on for dear life », The Lumineers semblent s’attaquer à la lutte contre la pandémie en utilisant les montagnes russes comme une métaphore évidente des hauts et des bas de nos cycles d’informations actuels et de nos divisions politiques permanentes, alors que « everyone was dyin’ to live ». « Where We Are » raconte la survie à un dangereux accident de voiture, avec le sentiment affirmatif que bien que lon ne sache pas où on est tout ira bien. Ailleurss, la meilleure chanson pop de l’album, « Birthday » », qui fait allusion aux influences des Beatles, offre le sentiment entraînant d’espoir que « it’s alright, it’s alright, it’s alright, it’s your birthday, dear ». Ecrivez-en une demi-douzaine d’autres comme ça, et vous aurez peut-être un album complet que les gens pourront célébrer, mais jusqu’à présent, The Lumineers se sont appuyés sur le sentiment et le ton familiers de leurs sons folk/pop accessibles et on peut se demander combien de temps cela suffira.

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Sally Anne Morgan: « Cups »

27 novembre 2021

À certains moments sur le délicieux Cups de Sally Anne Morgan, on peut penser que le monde entier est sur le point de s’écrouler, tandis que d’autres sections font appel à quelque chose d’ancien et de divin. Avec certains morceaux improvisés et d’autres composés, Cups évolue avec grâce et une touche de fantaisie terreuse. Le talent de Morgan en tant qu’auteure-compositeure et musicienne est toujours au centre.

« Pythagore » est lâche et séduisant. Des fils tendres sont tendus, imprégnés d’un courant sous-jacent délabré qui laisse entendre que tout s’écroule. Pourtant, Morgan le tient fermement, changeant de vitesse alors que son violon et son banjo se déplacent ensemble de façon ludique. Ce même lyrisme sature le début de « Night Window ». Accueillant la lune, un glockenspiel particulier et branlant poursuit la cadence dansante des notes de violon arquées et pincées. Tout semble si proche, si vulnérable, comme si Morgan jouait cette chanson pour un seul public, comme si elle n’était destinée qu’à exister dans ce lieu et ce moment singuliers.

Des éléments sacrés s’élèvent dans le calme de la poignante « Hori Hori ». Imprégné d’un esprit méditatif avec ses lamentations resplendissantes à la guitare et au violon, il se promène dans le ciel avec un arôme séduisant, hurlant une ode resplendissante au soleil couchant. « Through the Threshold » fonctionne sur un plan similaire. Une étreinte souriante, imprégnée d’un message chaleureux et intemporel de bienvenue et de gratitude, flotte comme un duvet de pissenlit dans les plaines ensoleillées. Appelant les derniers rayons de lumière dans l’âtre, « Home Soup » prolonge ces sentiments plus loin dans la soirée. Un feu crépite de l’autre côté de la pièce alors que l’obscurité tombe et la résonance brûlante de Morgan illumine tous les coins de manière enjouée.

Plus proche, « Angeline » est un baiser vous souhaitant une bonne nuit, que ce soit juste pour quelques heures ou pour toujours, le poids émotionnel des changements d’accords de Morgan empêche les sentiments de s’envoler, de disparaître imprudemment dans l’un ou l’autre. Les notes calmes gardent ce sentiment d’affection à portée de main, le gardant au chaud. Cups est une collection enchanteresse qui s’épanouit dans son intimité et sa franchise. Le jeu de Sally Anne Morgan et son approche de la musique éternelle et sans âge sont une véritable bouffée d’air frais.

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Johanna Samuels: « Double Bind »

18 juillet 2021

La chanteuse Johanna Samuels pourrait être considérée comme la Joni Mitchell de la génération actuelle d’innovateurs folk-pop. Son premier album, Double Bind, combine des aspects de folk, de swing jazz, de country-western et de pop acoustique, faisant preuve d’un talent artistique synonyme d’Ingrid Michaelson et des rêveries des Decemberists.

Les accents tordus qui entourent « Real Tragedies » ont un côté folk porche, tandis que « Please Say Some Good » a une touche de swing. « From Above You » présente un glaçage pop classique qui rappelle Carole King, et les rythmes de basse lourde qui soutiennent « This Place » sont accentués par des acoustiques teintées de country.

Les couplets accrocheurs de la chanson titre démontrent les compétences de Samuels en tant qu’auteur-compositeur lorsqu’elle dit : « Dis-moi comment tu veux que je sois / Je suis plutôt douée pour faire semblant d’être libre / Montre-moi comment tu veux que je me sente / Je ferai de mon mieux pour prétendre que tout est réel / La vérité de nous n’est jamais ce qu’elle semble être / Tu as dit que c’était la raison pour laquelle nous formons une bonne équipe… Est-ce que ça irait si je m’éloignais / Les parties que tu as écrites ne fonctionnent pas de toute façon ». ( Tell me the way you want me to be / I’m pretty good at pretending I’m free / Show me the way you want me to feel / I’ll do my best and pretend it’s all real / The truth of us is never how it all seems / You said that’s why we make a good team…would it be all right if I stepped away / Parts that you wrote don’t work anyway).

Comme Carole King, Samuels dissèque ainsi les relations personnelles dans ses textes, un thème récurrent tout au long de l’album. Il y a une qualité de Matt Costa dans son timing mélodique, comme le montrent « Give It Up » et « Chanson ». Elle passe des textures folkloriques de ces deux titres à une teinte country-western dans « Your Door », en introduisant des éléments américains dans l’enregistrement.

Double Bind démontre l’acuité de Johanna Samuels en tant qu’artiste folk-pop. Son lyrisme naturel rappellera au public Joni Mitchell et Carole King, complété par un timing mélodique qui a la signature de l’esthétique folk-pop moderne.

***1/2


Johanna Samuels: « Double Bind »

24 décembre 2020

La chanteuse Johanna Samuels pourrait être appelée la Joni Mitchell de la génération actuelle d’innovateurs folk-pop. Son premier album Double Bind combine en effetles aspects du folk, du swing jazz, du country-western et de l’acoustic-pop, affichant un art synonyme d’Ingrid Michaelson et les réflexions de The Decemberists.

Les accents nerveux qui entourent « Real Tragedies » forment une mousse folk sous le porche tandis que « Please Say Some Good » montre un lustre proche de la mouvance swing et que « From Above You » présente un glaçage pop classique rappelant Carole King après que les rythmes de basse lourds qui soutiennent « This Place »ne soient accentués dans une acoustique aux nuances country.

Les couplets accrocheurs de la chanson titre démontrent les compétences de Samuels en tant qu’auteur-compositeur, comme elle le reflète : « Dis-moi comment tu veux que je sois / Je suis plutôt douée pour faire semblant d’être libre / Montre-moi comment tu veux que je me sente / Je ferai de mon mieux et prétendrai que tout est réel / La vérité sur nous n’est jamais ce qu’elle semble être / Tu as dit que c’est pour ça que nous formons une bonne équipe… Est-ce que je pourrais me retirer / Les parties que tu as écrites ne marchent pas de toute façon » (Tell me the way you want me to be / I’m pretty good at pretending I’m free / Show me the way you want me to feel / I’ll do my best and pretend it’s all real / The truth of us is never how it all seems / You said that’s why we make a good team…would it be all right if I stepped away / Parts that you wrote don’t work anyway).

Comme Carole King, Samuels dissèque les relations personnelles dans ses paroles, un thème récurrent tout au long de l’album. On trouvera également une qualité à la Matt Costa dans son timing mélodique, comme on peut le voir dans « Give It Up » et « Chanson »et elle saura passer des textures folkloriques de ces deux titres à une nuance country et western dans « Your Door », qui tisse des traits imprégnés d’Amérique dans l’enregistrement.

Double Bind démontre la perspicacité de Johanna Samuels en tant qu’artiste folk-pop. Son lyrisme naturel rappellera au public Joni Mitchell et Carole King, complété par un timing mélodique qui a la signature de l’esthétique folk-pop moderne.

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Joshua Burnell : « Flowers Where The Horses Sleep »

2 septembre 2020

Dans l’idiome folk, il y a naturellement une forte concentration sur les artistes qui mettent la chanson au premier plan. À juste titre, il s’agit d’une tradition de narration qui ne se construit pas autour de stars ou de personnalités, mais de musique. Une musique dont les racines sont bien visibles, avec une forte tradition et une histoire qui exige la participation, la collaboration et l’interprétation pour maintenir la forme vivante. Je respecte pleinement cela, mais en tant que hardcore, obsédé par la musique death-in-the-wool, j’ai trouvé mon chemin vers le folk il y a des décennies, sans grande appréciation des formes traditionnelles, bien plus parce que, en tant que fan de l’écriture de chansons, j’aimais entendre des arrangements acoustiques bruts et des performances intimes, et j’ai donc approfondi mes connaissances des musiciens de type folklorique. Mais pour moi, la musique a toujours été un divertissement et une forme d’art plutôt qu’un exercice académique et donc, quand je trouve un artiste comme Joshua Burnell, qui semble faire de la musique avec la même intention, je dois m’asseoir et le remarquer.

Il y a deux choses qui vous sautent immédiatement aux yeux à propos de Joshua ; la première est qu’il n’a aucun désir de travailler dans un seul genre de musique, car pour lui, toutes les formes font partie du même processus créatif. Deuxièmement, il est certainement motivé pour divertir, provoquer la réflexion et même semer un peu la confusion. Jetez un coup d’œil à l’emballage de ce dernier, son tout nouvel album sorti ce mois-ci. À l’intérieur d’une couverture glorieuse, représentant une scène à la Bambi d’un homme tirant à la carabine et visant un couple de cerfs (voir ce que je veux dire, beau et dérangeant à la fois), nous trouvons l’homme lui-même, se fondant littéralement dans le thème de la couverture. Dans un plan qui me rappelle une infection virale extraterrestre engloutissant une victime désespérée au début des années 70, Doctor Who, Joshua est vu avec cette même zone boisée représentée sur la couverture de Hari et Deepti, le visage et les mains écartées. C’est vraiment tout mettre en œuvre pour le bien de votre art, le genre d’effort que nous tenions pour acquis quand nous venions d’un géant du Rock ou du Prog comme Bowie ou Gabriel, mais c’est beaucoup moins courant dans le monde folk. Et c’est certainement ce qui fait de Joshua Burnell un artiste sérieux à tous égards.

Évidemment, rien de tout cela n’aurait d’importance si la musique ne tenait pas la route, mais il n’y a pas non plus d’inquiétude à ce sujet. La création et l’esprit d’exploration que promet la pochette sont plus que réalisés dans le contenu musical. On ne peut pas annoncer que c’est un album folk. Il y a des éléments qui sont sûrs, c’est un album qui a fait ses preuves, l’a démontré son projet Songs From The Seasons en 2018, et il y a ici un morceau appelé « Joan Of The Greenwood » que Burnell décrit comme sa « dernière tentative d’écrire un pastiche sur les chansons folkloriques anglaises traditionnelles ». Mais il y a tellement plus que cela, jon dirait que le folk est sa rampe de lancement, alors peut-être que c’est du folk progressif ? Ou bien moderne et traditionnel ? Contemporain vintage ? Vous ne pouvez vraiment pas classer cela, mais alors pourquoi prendre la peine d’essayer ? La nature imprévisible du cycle de chansons, les petites surprises sonores et texturales magiques font toutes partie de l’attrait et au centre de tout cela se trouve le mystérieux M. Burnell, un énigmatique faisceau de pensées et d’énergie.

L’album a été achevé juste à temps, le travail ayant été achevé en février de cette année, juste avant que le monde ne soit bouclé. C’est une production complète du groupe, avec huit musiciens crédités dans les notes de pochette et une combinaison alléchante de sons comprenant des guitares électriques, des cordes, des violons, un mélodéon, une basse droite, une batterie et des chants de gang. Ce mépris des limites et de la compartimentation est abordé directement dans le numéro d’ouverture « Labels ». Inspiré par une citation d’Ian McKellen, dans laquelle il affirme que « le seul label dont chacun d’entre nous a besoin est son nom », Joshua introduit l’album sur une note légèrement chantante, avec des violons luxuriants et une performance vocale mesurée.

Burnell a déclaré que cet album de dix titres a été inspiré par des personnes du présent et du passé, en l’honneur de « la remarquable capacité des êtres humains à trouver la beauté, même dans les moments les plus difficiles ». Ainsi, deux chansons nous ramènent à l’époque arthurienne et à la légende de la sorcière Morgane Le Fey, qui changeait de forme. Joshua reconnaît dans ses notes de pochette détaillées que « Le Fey » a manipulé la beauté à ses propres fins. Je dirais que si vous devez vous plonger dans un personnage des histoires arthuriennes, elle est certainement l’un des sujets les plus mystérieux, le personnage parfait que Joshua doit honorer en chantant, car elle semblait traverser les pôles du bien et du mal avec un abandon sauvage. Mettez cela de côté et je dois signaler que « Le Fay » est un enregistrement dans lequel les ambitions musicales de cet artiste pour le grand écran clouent leurs couleurs au mât. C’est un morceau épique, tenu par un piano qui martèle, la batterie marche et le chant oscille entre l’atteinte du ciel et l’isolement claustrophobe. Alors que les guitares électriques allongées s’envolent et que la mélodie se propage dans les airs, je me souviens un peu des Pink Floyd de Kate Bush et Gilmour. Oui, c’est bien le genre d’épopée que nous écoutons ici, mais si vous voulez tirer haut, autant faire de votre mieux et Joshua fait ici une déclaration d’intention très sérieuse.

« Mark Jeffrey’s story, » un condamné du Cambridgeshire du 19ème siècle, est racontée dans la chanson suivante. Écrite avec la vigueur d’une ballade de Broadside, elle est digne d’être sifflée et les détails de la personnalité sont nombreux. Joshua ajoute une fois de plus de la couleur dans le livret intérieur : « Mark Jeffery s’est retrouvé face au diable lui-même alors qu’il travaillait comme fossoyeur. Et maintenant il a sa propre ballade, « Quel type ! » Nous sommes de retour sur un terrain plus terrestre avec « Invisible Wings », un hymne acoustique sincère aux familles inspirantes. Mais « Mark Jeffrey’s story » ne peut pas laisser son imagination débordante s’éteindre tant qu’il n’a pas atteint un scénario improbable (en partie représenté sur la couverture) où il ferme les yeux sur une biche effrayée qui a surpris deux sinistre personnages tenant des fusils en train d’explorer une forteresse en ruine près de Harewood House dans le Yorkshire. Cette scène est basée sur un événement réel avec sa partenaire Fe, dont la présence dans la scène fantastique est représentée par un chant magnifique de Frances Sladen, bien que typiquement pour Joshua, il la raconte comme une scène de livre d’images d’un conte de fées honoré par le passé.

Il convient de noter que Joshua est également un multi-instrumentiste, ce qui explique certains des changements de forme et de style les plus surprenants qu’il peut exécuter avec facilité. Dans « Let Me Fall Dow » », il découvre son Billy Joel intérieur sur un piano Steinway Grand Piano et il est capable d’insuffler un peu de drame dans ces touches. « Outside » revisite le mode ballade au piano et à la guitare acoustique, en méditant sur quand vous feriez n’importe quoi pour aider ceux que vous aimez. « Look At Us Now » est la deuxième ballade de l’album sur les transports (l’autre étant « The Ballad Of Mark Jeffrey »), cette fois-ci en envisageant un futur à la Elon Musk où les humains habitent une autre planète. Le piano est à nouveau joué avec une théâtralité de vrai classiciste sur le numéro de clôture « Two Stars », il fait penser que Burnell en a probablement assez dans son casier pour écrire un jour une comédie musicale de scène. En substance, je pense que ce que j’admire le plus chez Joshua Burnell, c’est qu’il mène le bon combat pour nous tous, les amoureux du folklore, en prenant des risques et en tendant audacieusement la main pour attirer l’attention et l’imagination de notre communauté, qui n’est pas seulement déjà gagnée. La méthode de son ambition est de créer une musique brillante et accessible, débordante d’idées, d’images et d’une capacité assurée à la mélodie et à la structure des chansons, on ees sincèrement qu’il attirera l’attention de beaucoup d’autres personnes à l’avenir. Remarquable.

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Westerman: « Your Hero Is Not Dead »

5 juin 2020

L’auteur-compositeur-interprète londonien Will Westerman qui se produit sous son nom de famille ouvre et clôture son premier album par le titre de celui-ci, assurant à l’auditeur que votre héros n’est pas mort, tout en restant ambigu sur ce que cela signifie réellement et pourquoi cela pourrait être important. La musique de Westerman porte dans son ADN des traces de Neil Young, Nick Drake et Tear for Fears, mais sa folk-pop légère comme une plume réside entièrement dans son point de vue unique.

De nombreuses chansons de Your Hero Is Not Dead ont déjà été publiées sous forme de singles, certaines remontant jusqu’en 2018, et Westerman les combine avec de nouveaux morceaux pour créer un album complet cohérent et gracieux. La musique de Westerman est si délicate et légère qu’il semble que ces chansons puissent s’envoler au gré de la brise de l’après-midi ou s’éparpiller comme des particules de lumière. Pourtant, ces chansons sont étonnamment accrocheuses, en partie grâce à la production électronique rebondissante et tourbillonnante de Bullion et à la compréhension aiguë de la mélodie par Westerman.

Une certaine espièglerie se dégage des floraisons électroniques de Bullion, surtout si on les combine avec l’esprit subtil de Westerman. Vers la fin de « Easy Money », une ode à la richesse matérielle, Westerman déclare clairement « Maintenant, je peux avoir ce que je veux / Alors je…le veux » (Now I can have my fill / So I…will,), une simple déclaration qui incite l’auditeur à ne pas le prendre trop au sérieux. La subtilité et la sobriété sont les principes directeurs de cet album, mais cela n’empêche pas Westerman de traverser un éventail d’émotions, de pensées et de sujets.

Le lent « Blue Comanche » est une méditation sur le changement climatique et l’anxiété concernant l’avenir de la vie humaine sur Terre. Il parle de cyborgs, d’arbres, de glands, de maïs bleu au coucher du soleil, et exhorte le titulaire du Comanche faire demi-tour, comme si l’inversion du temps était la seule façon de sauver le monde de l’effondrement total, un sentiment qui trouve un écho dans la chanson titre (« You want to turn the Earth backwards » ». La chanson « Think I’ll Stay », qui est pleine d’entrain et de poésie, résonne étrangement : « Je contrôle le contrôlable / Ne te console pas en trompant la mort / Mais je le ferai / J’ai hâte de te rencontrer, mon ami. » I control the controllable / Don’t take comfort in cheating death / But I will / Look forward to meeting you, my friend) Après un examen approfondi, ces paroles offrent un récit réfléchi des hauts et des bas de la vie avec la douleur chronique.

Parfois, les paroles de Westerman semblent impénétrables, obscurcies sous une poésie de tulle : « …des souvenirs dans des vagues de timbres et dans ton sang » (memories in waves of stamps and in your blood) , mais chaque ligne est livrée avec une sincérité sincère qui récompense une réflexion approfondie. L’album se distingue par « Confirmation », une contemplation chatoyante sur le travail créatif. Les paroles sont désarmantes d’autodérision (« Good job, pinhead / So happy you were born ») et de sagesse (« Don’t you wonder why confirmation’s easier / When you don’t think so much about it »), ce qui a valu à Westerman d’être comparé au musicien d’avant-garde Arthur Russell.

Your Hero Is Not Dead est un premier album d’une contemplation impressionnante, rempli de musique calme qui a un impact émotionnel surprenant. Westerman est sensible à la façon dont les subtilités s’épanouissent – percussions de bois, ligne de synthé tranquille, voix éthérée en couches – peuvent élever et ajouter des couches à une chanson. Sa marque unique de folk-pop douce et tranquille est parfaitement représentée ici, et laisse l’auditeur avec un mystère irrésistible à ruminer : « Votre héros n’est pas mort, il dort, c’est tout. »

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Leif Vollebekk: « New Ways »

1 novembre 2019

Cet auteur-compositeur-interprète Leif Vollebekk présente New Ways comme un album écrit pour qu’elqu’un d’autre, à l’inverse du précédent, l’excellent Twin Solitude, comme un opus exclusivement ntrospectif. Musicalement, il privilégie donc des accents soul plutôt que folk, sans, toutefois, atteindre la beauté de son prédécesseur.

La marche était certainement très haute après l’estimé Twin Solitude, qui avait permis à Vollebekk de se frayer un chemin jusque sur la liste du Prix Polaris en 2017. Sur ce troisième opus, le musicien natif d’Ottawa (désormais établi à Montréal) avait réussi à transcender son côté folk très inspiré de l’œuvre de Neil Young ou Bob Dylan pour offrir une œuvre immensément personnelle, marquée par un premier côté dominé par le piano et une face B qui plaçait la guitare à l’avant-plan.

New Ways poursuit dans la même veine que la première moitié de Twin Solitude, en particulier sur les cinq premiers titres, où Vollebekk mise avant tout sur le piano pour transmettre ses émotions. Le ton apparaît cependant plus léger, moins nostalgique, avec une plus grande importance placée sur le groove (une constante sur la plupart des chansons). « Never Be Back », par exemple, surprend avec sa rythmique syncopée et une diction proche du hip-hop. Puis, « Hot Tears » adopte un ton résolument R&B pour donner vie à un texte qui expose les questionnements d’une nouvelle relation, où la Neuvième de Beethoven devient une image pour l’émerveillement.

Comme sur Twin Solitude, la guitare prend le relais en deuxième moitié d’album. Ça commence avec la très réussie « Blood Brothers », qui flirte avec des accents Southern Rock (plus loin, sur la ballade « Apalachee Plain », Vollebekk fait un clin d’œil à Jimmie Rodgers et sa technique du yodel). « Change » et « I’m Not Your Lover » mettent elles aussi l’accent sur la guitare, la première avec un côté soul et la seconde, plus intéressante, portée entre autres par un solo digne de Mark Knopfler.

Vollebekk revient au piano le temps d’une chanson, la très courte « Wait a While »,  évitant ainsi de reproduire exactement le même procédé que sur Twin Solitude. N’empêche qu’il y a un peu de redondance dans cette manière d’organiser la séquence des titres en fonction de leur instrumentation, à moins que le but soit effectivement d’assurer une certaine continuité d’un disque à l’autre.

Si Twin Solitude montrait déjà un Leif Vollebekk cherchant à s’affranchir de son image de troubadour folk, le virage est complet sur New Ways. Il s’agit d’un album plus sentimental, évoquant autant Prince que Bill Withers, où l’approche vocale du chanteur s’approche par moments de celle de type crooner, ce qui convient parfaitement aux textes qui parlent tantôt de désir ou d’amour, tantôt d’absence ou de souvenir.

Si on s’ennuie un peu du Vollebekk introspectif qui nous avait pris aux tripes sur Twin Solitude, sa voix reste aussi riche. La production de David Smith (sauf pour trois titres) sied bien au caractère intimiste, voire « fleur bleue », de ce nouvel album, et on sent une belle proximité avec le groupe. Cela dit, il manque un petit quelque chose à ce New Ways pour s’inscrire au rang des albums marquants.

***1/2


Ian Kelly: « Long Story Short »

30 août 2019

Est-ce là l’usufruit des libertés acquises chez M. Chandler (le groupe qui’il a formé avec Ian Kelly?) À côtoyer sous cette appellation pas contrôlée les Rick Haworth, Sylvain Clavette et Mario Légaré, champions paysagistes de l’imaginaire musical, ça déteint. Le folk de Ian Kelly est ici un canevas autour duquel se greffent toutes sortes d’instruments, claviers, cuivres, cordes (les Mommies on the Run) et chœurs variés (jusqu’à la famille Kelly elle-même). L’approche impressionniste compose un sixième album à la fois intimiste et ouvert, une maison où l’on entre par toutes les portes et fenêtres.

Écouter « Let’s Just Be Together », « Simple Song », « Sweet Times, » c’est comprendre que Ian nous veut tout près, d’où que ce soit que nous venons. De la même façon qu’il a invité tous ces musiciens et chanteurs à embellir ses airs déjà beaux, il nous appelle à ses côtés pour magnifier l’espoir de « Hopeful Mind, » traverser la tristesse de « Digging for Love ».Pour faire une longue histoire courte, il nous demande de tenir bon.

***1/2