No BS: Just Rock & Roll!

Est-ce là l’usufruit des libertés acquises chez M. Chandler (le groupe qui’il a formé avec Ian Kelly?) À côtoyer sous cette appellation pas contrôlée les Rick Haworth, Sylvain Clavette et Mario Légaré, champions paysagistes de l’imaginaire musical, ça déteint. Le folk de Ian Kelly est ici un canevas autour duquel se greffent toutes sortes d’instruments, claviers, cuivres, cordes (les Mommies on the Run) et chœurs variés (jusqu’à la famille Kelly elle-même). L’approche impressionniste compose un sixième album à la fois intimiste et ouvert, une maison où l’on entre par toutes les portes et fenêtres.

Écouter « Let’s Just Be Together », « Simple Song », « Sweet Times, » c’est comprendre que Ian nous veut tout près, d’où que ce soit que nous venons. De la même façon qu’il a invité tous ces musiciens et chanteurs à embellir ses airs déjà beaux, il nous appelle à ses côtés pour magnifier l’espoir de « Hopeful Mind, » traverser la tristesse de « Digging for Love ».Pour faire une longue histoire courte, il nous demande de tenir bon.

***1/2

The Ballad of the Runaway Girl est le troisième album de cette chanteuse originaire de l’Arctique canadien. La jeune Inuit installée à Montréal se passionne pour la musique folk et la pop fragile et langoureuse, alliage qui est parfaitement digéré dur son petit dernier The Ballad of the Runaway Girl. Sa voix mélancolique et touchante nous raconte en partie ses racines, son histoire personnelle et les tribulations de sa terre natale (« Call of the Moose »). Côté musique, on navigue souvent entre ballades folk fortes en émotions (« Wolves don’t Live by the Rules », « Rodeo », « Ikajunga ») qui laissent place par moments à des morceaux plus nettement influencés par le rock comme l’inaugurale « Arnaq » et son côté pas farouche façon The Kills ou la très rythmée « Qanniuguma » qui pour le coup donne des indications en musique sur les racines de la chanteuse.

Des titres plus inspirés pop touchent aussi en plein cœur comme l’excellent « Don’t Make me Blue » » qui serait un parfait « single » radio, ou encore « Darkness Bring the Light », titre composé avec Joseph Yarmush (Suuuns), et qui dévoile sa richesse progressivement. Bref, un programme chargé de sensations pour les âmes sensibles et les curieux.

***1/2

Il y a quelque chose de particulier chez Júníus Meyvant, une identité autre ; c’est plus que jamais clair avec Across the Borders. Deux ans et demi après Floating Harmonies, l’artiste et musicien islandais, spécialiste de l’orchestration ample et luxuriante, déploie cette fois non plus un folk habillé de pop, mais une pop habillée de soul ; un pas plus en evant dans le flot dansant qui servait de toile de fond à ses morceaux.

Il n’y a donc plus trop de cette mélancolie acoustique en floraison, pourtant si harmonieuse, sauf peut-être dans le relâchement de qui essaime certains passages.

Cela dit, son rythme est toujours foisonnant : cordes, cuivres, guitares électriques, piano, percussions (celles, très solides de « High Alert » par exemple) font monter un fumet de pop-rock façon années 1980.

Avec sa voix agréablement râpeuse, même certaines passages un brin suaves (dont « Carry On With Me ») gardent un relatif effet brouillon. Si la fragilité de ses débuts nous fait défaut sur ce nouvel opus Júníus Meyvant aborde toujours ses compositions comme une redoutable, et par conséquent périlleuse, exploration.

***1/2

Puisque Mumford & Sons ont abandonné les violons pour les guitares électriques, ce troisième album des Strumbellas pourrait bien permettre au combo canadien de renouer avec cet oriflamme « indie americana ».

Produit par Dave Schiffman (Hohnny Cash, Haim ou Weezer), Hope est une introduction très claire à ce qu’un son gros, large et taillé pour les stades peut ressembler. Le groupe a toujours fait preuve d’une certaine faconde pop en nous proposant des titres accessibles qu’ils parvenaient à greffer sur des refrains hymnaux de type folk-pop et des textes abreuvés de ces démons intérieurs dont Simon Ward, leur chanteur, était la proie.

Le titre d’ouverture, « Spirits », en est une démonstration flagrante, lui qui figure déjà dans les charts outre-Atlantique. D’une manière générale, la mayonnaise prend plutôt bien, les refrains ont cette qualité universelle qui leur permet d’être repris en choeur sans vergogne mais, si on s’éloigne d’une démarche qui nous fait prendre les chansons les unes après les autres, l’ensemble souffre assez vite d’une certaine imprécision. On y ajoute des formulations qui ont peine à se défaire de certains clichéss, ce qui, quand on se veut dans une positivité vectrice d’espoir et, à l’image de la photo d’une ambiance festive on est très vite frappé par un climat redondant.

L’impact émotionnel est indéniable, les vocaux suffisamment dépenaillés pour faire sourdre l’affect mais l’effet soul recherché, par exemple sur « Dog » ou « The Hired Band »), souffre de la comparaison avec une simple ballade au piano comme « I Still Make Her Cry ».

Entre The Lumineers et Springsrteen, Hope nous propose des compositions que l’ion peut reprendre aisément en festivals, étayant refrains positifs, violons et tonalités comme un groupe de six membres peut en engendrer ; il suffira désormais de faire en sorte que les chorus triomphants n’édulcorent pas ces climats lugubres qui,trop sous-jacents encore, donneront chair à ce qui demeure écorché.

***1/2