Peel Dream Magazine: « Agitprop Alterna »

Des éclats d’inspiration dansent au rythme de la conformité. Le musicien new-yorkais Joe Stevens continue à former un collage de spectacles sonores archivés avec l’album Agitprop Alterna, deuxième album de Peel Dream Magazine. Dès le morceau d’ouverture « Pill », un décollage sans séquences se lance vers d’étranges vibrations. Les tambours des moteurs de fusée ravivent la fureur explosive de leurs performances live en studio. La puissance de Brian Alvarez et Kelly Winrich derrière le kit semble illimitée alors que des frappes incessantes atterrissent avec précision. Les guitares à réaction bourdonnent en arrière-plan de chaque morceau, ne relâchant jamais leur attaque sur la réalité. Nous sommes déjà venus ici, mais pas comme ça. Les Peel Dream Magazine sont au-delà de l’hommage ou du pastiche ; ils élèvent le niveau de la dream-pop sans compromis. 

L’hypnotique et lucide harmonies vocales homme-femme de Joe Stevens et de son amie de longue date Jo-Anne Hyun sont présentes tout au long de l’album. Des morceaux particuliers comme « Emotional Devotion Creator » et « Escalator Ism » démontrent le potentiel d’une collaboration en direct et l’ampleur de leur capacité à transcender les murs des studios. Le chant contrôle un espace entre les rêves et la réalité. À chaque écoute, je reste un passager dans une croisière cosmique. Peel Dream Magazine mène une imagination affamée avec une direction complexe. Le perfectionnisme de Stevens expose des secrets faits maison qui suscitent l’admiration.

Contrairement à Modern Meta Physic, Stevens ne chante pas seul pour la plupart des morceaux. Lorsqu’il le fait, les chansons sont accompagnées d’un cyclone d’effets de guitare, ce qui donne une impression de ton et de technique. L’un des morceaux les plus courts, « Do It », illustre la carte de visite du magazine Peel Dream : une simplicité étonnante. Vous entendez la ligne de basse qui se répète lors de vos promenades à la bodega, sous la douche, dans vos rêves. Toucher la psyché n’est pas un tour de passe-passe ni une aspiration répétée. Il arrive sans intention. 

Les souhaits flous Agitprop Alterna sont réalisés par la concentration. On peut entendre une continuation des méthodes de production expérimentales de My Bloody Valentine pendant Isn’t Anything tout au long de l’album, cependant, l’approche unique de Joe Stevens avec des membres qui entrent et sortent du studio, de la scène ou du comté, a fourni une mode utopique pour l’enregistrement. La patience et le dévouement à une forme d’art ressemblent à la fois à Kevin Shields et à Neil Halstead dans la manière de la délicatesse. Chaque engin tourne à son propre rythme et la récompense de la fluidité peut être retracée. 

Dans une période de turbulences énormes et de gel de la culture, le Peel Dream Magazine sort d’une chambre en quarantaine comme l’un des principaux champions de New York. Agitprop Alterna est un album qui sera rejoué d’innombrables fois dans notre étrange monde de musique post-live. Joe Stevens nous a involontairement réunis dans un moment où les New-Yorkais sont séparés, nous le rappelant ; quand nous sommes surpris, nous réfléchissons.

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Mrs. Piss: « Self-Surgery »

On peut dire sans risque que l’album de Chelsea Wolfe, Hiss Spun, sorti en 2017, est son disque le plus agressif à ce jour. Cela est dû en partie au jeu de percussions animaliste d’un certain Jess Gowrie. Les deux artistes ont développé leur alchimie musicale au fil des ans, et ce n’était donc qu’une question de temps avant que le duo ne se sépare de sa propre tangente, Mrs. L’histoire de Gowrie avec des groupes punk comme Happy Fangs lui donne une vibration plus intense, mais ce qu’elle fait en tant que multi-instrumentiste sur To Crawl Inside se détache comme Acid Bath se faisant piétiner par le hardcore numérique. Wolfe n’a jamais sonné comme ça non plus, poussé vers des hauteurs et des profondeurs terrifiantes sur fond de lourdeur brute et frénétique.

Les 40 secondes de « To Crawl Inside » donnent l’impression de descendre dans les égouts de l’enfer, tandis que des explosions électroniques déformées guident les vocalises hyperventilées de Wolfe pour les faire tomber dans un slogan glacial : « Je me baigne dans la saleté du monde » (I’m bathing in the filth of the world . C’est un bon avertissement sur les endroits où les 20 prochaines minutes vont se dérouler. Ensuite, ce sera le départ pour les courses avec l’impact brutal et lunatique de « Downer Surrounded by Uppers » – pensez à une version plus bruyante de « The Origin of the Feces »de Type O Negative (l’accent est mis sur cette œuvre d’art). La voix virtuose de Wolfe n’a jamais semblé aussi folle auparavant, mais son aura caractéristique est plus présente sur « Knelt ». Ses mélodies inquiétantes s’entremêlent dans son destin occulte, flou et riff, rendu fou par le chagrin et Noothgrus.

Le duo semble prendre du plaisir dans la dépravation sonore, alors que les synthés pulsés et les bruits de cliquetis cèdent la place à un bruit de fond martelant sur « Nobody Wants to Party With Us ». « Je bois trop/ je baise trop fort » (I drink too much/ I fuck too hard) résume le manque de contrôle et d’inhibition que représente Mme Piss. Le fait que Wolfe puisse maintenir des mélodies atmosphériques dans un tel vacarme grinçant est franchement absurde, mais elle doit faire preuve d’une rage sans précédent et débridée pour coïncider avec des numéros plus chaotiques. 

Gowrie intègre des textures dures et des rythmes mécaniques dans les riffs primitifs de « M.B.O.T.W.O. » » mais l’appeler musique industrielle semble réducteur. Les lignes de basse crasseuses et les changements de rythmes qui font sauter la colonne vertébrale de « Self-Surgery » ont une touche humaine distincte, amenée dans le royaume de la musique bruyante par un enregistrement à volume réduit. Wolfe ne perd rien de sa tessiture impressionnante lorsqu’elle atteint ces notes aiguës, mais le filtre de gravier en fait autant un coup de poignard de rétroaction qu’un chant de sirène qui transcende. De la même façon, « You Took Everything » réussirait par ses propres mérites en tant qu’assaut de riffs sensuels et percutants. Les harmoniques grinçantes agissent plus comme un rehausseur de dynamique que comme un contraste saisissant.

Le dernier morceau, « Mrs. Piss », complète cette attaque furtive d’un premier album avec son backbeat synthétique et ses riffs de buzzsaw qui se déversent dans une obsédante série de grunge-doom folky. Dans les deux cas extrêmes, la profondeur harmonique et les mélodies captivantes de Wolfe sont au rendez-vous. Elle conserve ses meilleurs éléments en tant que guitariste et chanteuse dans l’instrumentation sauvage de Gowrie, mais il est également clair que cet album lui a donné une dose d’adrénaline bien nécessaire après avoir pleinement embrassé le folk sur son dernier LP. Le plus grand succès de Self-Surgery vient de l’ambiance unique qu’il suscite chez les deux musiciens. C’est un concept qui mérite d’être développé.

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Happy Accidents: « Sprawling »

Happy Accidents – Phoebe Cross et Rich Mandell – font un retour bienvenu avec leur troisième album Sprawling. Autoproduit, les récentes sorties de « Secrets » et du morceau-titre laissaient présager que le duo s’aventurerait sur de nouveaux territoires, au-delà de l’indie-pop accrocheuse qui les a si bien servis dans le passé

Phoebe chante « Swallowed you whole » à plusieurs reprises sur un piano plus silencieux et rêveur au début de l’album Whole. Il s’agit d’une intro à combustion lente avec de nombreuses couches texturées pour envelopper vos oreilles et elle est rapidement suivie par le style Delta Sleep de « Secrets ». Dans « Grow »le tandem se dirige vers un son plus lâche et parlent de se libérer des liens qui vous lient dans un effort pour grandir en tant que personne : « Dis-moi quand tu vas bien. Quand tu es d’humeur à rire. Peut-on s’il te plaît être qui on veut être ? » (Tell me when you’re OK. When you’re in the mood to laugh. Can we please be who we want to be?)

Le titre de la chanson a, en son coeur, un côté DIY car Rich offre un aperçu expressif de son état d’esprit : « If I Do » se situe dans le même genre d’espace mélodique que Peaness, sa précédente collègue de label, tandis que Phoebe prend la tête du chant et parle de passer à quelque chose de nouveau : « Toi, je sais que tu ne veux pas que je le fasse. Je sais que tu ne le veux pas, mais que se passerait-il si je le faisais ? »; « Et si je soupirais alors que l’exaltation s’ensuivrait habituellement ? » (You, I know you don’t want me to. I know you don’t want me to, but what if I do?; What if I sighed when elation would usually ensue?)

« Sparkling » est saupoudré de sonorités scintillantes et expérimentales, tandis que le groupe parle de ses amis, de ses soucis et de l’effrayante perspective du changement. Le premier commence avec des accroches de guitare plus bruyants et bégayants, à la Tellison, et Rich révèle « I felt today I might not get much done », tandis que le second est un morceau de sadpop avec Cross qui se mobilise contre le passé : «  I don’t want to see our face. I see it every time I close my eyes. »

« Back in My Life » se tourne vers la surf pop avec des guitares puissantes et des paroles conscientes de soi sur la perte de quelque chose qui aurait pu être spécial (« The years have slowly burned our trust away ») avant que l’album ne s’achève avec le psychédélisme flottant, doux et perspicace de « Comet » Sprawling montre le son d’un combo plus sobre et plus réfléchi, un accident dont on aimerait bien être victime.

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Holy Hive: « Float Back To You »

Le premier album de Holy Hive sur Big Crown Records fait découvrir au grand public la « folk soul » qu’ils se décrivent eux-mêmes, avec un jeu propre, un style R&B rétro lent et un chant impeccable. Float Back To You porte bien son nom, car la musique dérive sur un rythme et une ambiance très détendus.   

Le groupe a été formé par le batteur Homer Steinweiss (Sharon Jones and the Dap-Kings, Amy Winehouse) et l’auteur-compositeur-interprète Paul Spring (Steinweiss a produit les albums de Spring). Ils ont recruté Joe Harrison à la basse pour compléter le noyau du groupe. Il ne s’agit cependant pas d’une affaire de trio, car les invités arrivent pour débusquer le son avec succès. 

Le premier morceau, « Broom », présente instantanément le plan de Float Back To You, car la voix de fausset de Spring est une lumière vive qui entoure le groove downbeat facile à jouer avant que les cuivres ne viennent colorer le morceau. Les percussions et la caisse claire de Steinweiss ouvrent la voie aux originaux « Hypnosis » et « Blue Light » tandis que le piano entre dans le mixage sur la soul rétro de « Cynthia’s Celebration », tandis que le groupe s’enfonce dans son son serein.

Le combo bénéficie de l’aide d’invités talentueux. Mary Lattimore commence « Oh I Miss Her So » avec des cordes de harpe et le solo de trompette de Dave Guy (The Roots) clôt le meilleur effort du disque. Le morceau est un gagnant époustouflant qui pourrait durer encore plus longtemps car les sons sont parfaitement assortis, tandis que d’autres efforts comme le morceau titre et « Didn’t You Say » utilisent tous deux des cors de manière remarquable, ce qui constitue un argument pour en intégrer un à plein temps dans le groupe. 

Le groupe rappelle les Black Pumas d’Austin, mais ils remontent aux temps anciens pour y puiser différentes influences. Ils ont ainsi intégré le « Fragment 31 » du poète grec Sappho dans une chanson aux doux sons soul intitulée « Embers To Ash » et une légère tournure de danse avec des beats programmés autour de l’air folklorique irlandais « Red Is The Rose ». L’influence folklorique ressort directement dans une reprise un peu plus moderne de « Be Thou By My Side » de Honeybus. 

Float Back To You peut vous faite tomber de sommeil à cause du style du groupe, mais Holy Hive termine ses débuts avec le groove détendu de « You Will Always Be By Side Forever » et le falsetto rêveur de Springs pendant « Sophia’s Part ». Cette collection tranquille de mélodies langoureuses prouve que Holy Hive est sur quelque chose avec leur son folk/soul sinueux et retenu.

***1/2

The Howl & The Hum: « Human Contact »

Alors que nous sommes souvent désireux de battre en brèche les directives établies par les standards de la musique pop, le monde de l’indie a administré ses propres tropes, des tropes qui peuvent facilement devenir des pièges pour les groupes prometteurs. The Howl & The Hum de York n’évite peut-être pas volontairement ces pièges à ses débuts, mais même lorsqu’ils répondent aux attentes, ils font bien de mettre en avant une certaine individualité.

Human Contact est un premier album timide, lyrique et conflictuel, qui cherche à montrer sa personnalité et sa vigueur, mais qui est en réalité timide. The Howl & The Hum sont un exutoire rock romantique, amoureux des années 80, et plus encore de l’allégeance des années 2000 aux synthés, thématiquement dépouillés, mais émotionnellement disponibles.

Ils sont fiers de leur poésie ; « Love You Like a Gun « brille par sa métaphore – « tu m’aimes comme un serpent à sonnette aime la musique de la queue qui fait du bruit»,( you love me like a rattlesnake loves the music of the rattling tail) tout en berçant la simplicité de la romance, voir le tourbillon de pop informatique « Got You on My Side », toujours équipé de références à Jekyll & Hyde.

Ces chansons sont livrées avec un sourire tendre, bien que The Howl & The Hum n’hésitent pas à se lever et à bouger. « Until I Found a Rose » met en avant la batterie comme l’arme de prédilection du groupe, constamment en mouvement au milieu de textes d’amour criant sur les toits.

C’est un Noel Gallagher dansant, un Killers intime, ils font venir les Heartlands en Angleterre, notamment avec Hall of Fame, qui est abordé avec une fente téméraire, un romantique dont le cœur est suspendu à une manche, sur un corps empêché de tomber en morceaux par des trombones. L’embuscade du groupe est suivie d’une autre embuscade au synthétiseur, qui brille comme si les empreintes digitales de Brandon Flowers étaient présentes sur le morceau.

Le manque d’idées avant-gardistes est évident, mais si l’appartenance à la même classe que des modernistes comme Circa Waves et Catfish and the Bottlemen est le modus operandi du groupe, les épaules sont assurément frottées. Ils savent ce qu’ils font à cet égard ; ils associent les tripes d’un rocker à la couleur disco (« A Hotel Song »), ils embrassent la Britpop (« Human Contact »), commandent l’empathie par la douceur (« Sweet Fading Silver »), et sont peu susceptibles de snober un crochet de guitare percutant (Smoke).

Les Howl & The Hum font plus de choses sans s’éloigner trop du confort que certains ne le font en se délectant de l’expérimentation. Ils sont rarement frivoles, ne recherchent qu’une poignée de sensations fortes, mais parviennent à obtenir une touche indie pop, faite de timidité, emmenée dans la disco alternative.

***1/2

Apologist: « Dirt Road »

Des temps et des lieux qui n’ont pratiquement jamais existé dans notre imagination, ou peut-être notre passé, sont apparus au premier plan de notre conscience, par un besoin soudain de s’évader, tant physiquement que mentalement (et peut-être émotionnellement, d’accord). Rose Actor-Engel, expérimentaliste et directrice de label à Philadelphie (No Rent Records), ne semble que trop familière avec l’urgence d’une telle évasion, avec la sortie de son projet, Apologist, est assorti d’un nouvel album, Dirt Road un opus qui n’aurait pas pu être mieux chronométré. En effet, des drones magnifiquement réfléchissants, se mêlent à d’autres tonalités, se mêlent à des enregistrements sur le terrain, pour créer des espaces et des espaces de tête tout à fait contraires au chaos et à la morbidité de l’époque. Ceux qui sont frais et désencombrés, paisibles et naturels. Ils nous étaient peut-être familiers autrefois, mais leur retour est plus que bienvenu maintenant.

Un piano mélancolique et mélancolique sur le morceau d’ouverture « Memory Space » introduit un son archaïque, le son d’un passé oublié depuis longtemps. L’enregistrement du piano est entouré de statique. Il oscille, crescendo comme des flots de pluie, ou des vagues atteignant doucement le rivage, ou des fréquences radio provenant d’un mort. Les bourdonnements et les méditations se multiplient dans la voie de la consommation totale sur « Barstool Sports Sublet », et encore sur « Haks ». L’utilisation par les apologistes des enregistrements de terrain est importante et cruciale pour inculquer une certaine distance. Ce qui ressemble à une roue branlante qui tourne au milieu d’une pluie matinale, se répète, et se répète encore.

Elle vous joue des tours aux oreilles en se mélangeant avec un tremblement rythmique, le son d’un million de cigales d’un été perdu. Le chant lointain d’un coq et l’aboiement des chiens, des choses dont votre vie a été trop occupée pour que vous vous souveniez du son. Les oiseaux gazouillent joyeusement parmi les carillons du vent sur « Wet Spot », et vous pouvez presque imaginer une silhouette sans visage vêtue d’un tablier à carreaux, déposant gentiment une tarte à rafraîchir sur le rebord d’une fenêtre, surplombant un paysage de campagne si luxuriant et si vaste qu’il noie la complexité moderne qui nous tue activement, si puissante soit-elle.

La paix est interrompue sur « Tool Shed » » avec une violente agitation statique, comme les tout premiers grondements d’une phase industrielle brisant la paix de l’histoire humaine. Elle revient, parmi les synthétiseurs magnifiquement dimensionnés de la chanson « Title Track », rendant le paysage rugueux, mais sans le durcir, comme pour nous rappeler qu’il y a un monde auquel nous devons retourner. Les paroles prononcées sur « Neptune » nous rappellent qu’il y a des gens avec lesquels nous devons interagir. C’est quand même agréable, n’est-ce pas, de savoir qu’une telle libération est possible, simplement en appuyant sur la touche « play ».

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Painted Zeros: « I Will Try »

À travers cette pandémie, une part de l’humanité est revenue à ceux qui ont oublié son existence et l’auteure-compositrice de Brooklyn Katie Lau a profité de cette période pour apporter la touche finale à son nouvel album When You Found Forever, son premier projet à sortir en cinq ans sous le nom de Painted Zeros. Il s’agit d’un voyage sans compromis traitant d’une personne frappée par un combat psychique, qui surmonte une relation tumultueuse avec l’alcool et se libère des griffes d’un ancien amour. Lau n’a pas peur de montrer les douleurs de la dépendance mélangées à la belle palette de couleurs qui revient une fois qu’elle a été abandonnée. Sur son dernier « single » que nous sommes ravis de présenter en première, « I Will Try », Lau prend les différentes nuances qui nous composent pour créer un hymne doté d’une affirmation restaurée de son identité et tirant le meilleur parti de l’avenir.

Une lueur d’espoir s’élève alors que la guitare toujours aussi gracieuse de Lau tire sur les cordes de votre cœur, soutenue par une batterie attachante qui la guide tout au long du chemin. Une vague d’émotion se déverse alors que le morceau se fraye un chemin à travers des paroles étincelantes, enhardies par l’honnêteté de Lau, « When it comes, I’m still here / The dark dissolves, to stay another year ». Comme le précise Lau, « j’ai écrit cette chanson en canalisant le sentiment de gratitude que j’éprouve pour ce qui me donne vraiment l’impression d’avoir une seconde chance dans la vie grâce à la sobriété, et de me mettre de l’autre côté d’une période difficile sur le chemin de la santé émotionnelle/mentale en général. »

Chaque jour qui passe donne volonté de faire ce qu’il faut pour vivre une vie honnête et utile et d’aider les autres. Elle précise ainsi ; «  Lorsque je buvais et consommais encore, la vie était devenue si sombre et misérable, et maintenant, après trois ans de convalescence, ma vie a changé au-delà de toute reconnaissance ; elle est meilleure que ce que j’aurais pu imaginer ».

Ce titre signifie que nous devons accepter les démons de notre passé et apprendre à accepter nos défauts parce qu’en fin de compte, nous ne sommes qu’un être humain. Par nature, nous sommes imparfaits, mais c’est dans ces soi-disant « imperfections » que nous devrions embrasser la doublure de nos étoiles. Un final empreint d’optimisme, où Lau revient à une habileté oubliée, celle de taper du doigt, pour créer une réalisation harmonieuse de la vérité imprégnée de passion.

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Christian Lee Hutson: « Beginners »

Sous sa forme magistrale, Beginners de Christian Lee Hutson a une profondeur et une accessibilité qui en font un album adapté à de nombreuses expériences d’écoute.

Fusionnant la chaleur de la campagne, les arrangements classiques et l’écriture de chansons du cœur, c’est un disque plein de caractère. Produit et interprété par Phoebe Bridgers, le récit est vif – et mêlant la pensée rationnelle à une émotion exagérée, Hutson documente un chemin de progression vers l’âge adulte qui résonnera aux oreilles de beaucoup. Le développement du timbre, associé à la candeur lyrique de Hutson, fait naître un lien d’amitié.

Poli dans son introduction, le premier numéro offre une incursion constante. Habillés d’une douce sérénade de guitares enfantines, « Atheist » et « Talk » évoquent un sentiment de nostalgie digne d’une production de Pixar dirigée par Sufjan Stevens. Mais malgré le prologue du conte de fées, des relents de ténèbres apparaissent bientôt dans « Lose This Number ». Les interjections vocales de Bridgers et les percussions imminentes font apparaître le regret d’un morceau que Hutson décrit comme « une fixation sur le passé ».

Au fur et à mesure que l’album grandit, l’intrigue s’amplifie. Ce qui a commencé par un jeu presque enfantin s’ouvre bientôt aux épreuves et aux tribulations de l’angoisse adolescente. Northsiders en est l’exemple parfait. Alors que Hutson se remémore ses passe-temps communs, comme apologistes de Morrissey et psychologues amateurs, le véritable génie de son art lyrique est mis en valeur. De la flottaison à la larme au bout d’un interrupteur, son esprit discret est mis en évidence.

Bien que cela ne soit pas évident à la première écoute, avec le recul, « Twin Soul » est un rafraîchissement bienvenu. D’une tonalité nautique, il offre une immersion dans l’album dont je ne savais pas que j’en avais besoin. Lorsque vous flottez sur le morceau éclairé par le corail, sa série de bips sonar vous met dans un état de tranquillité – avec l’ajout de trompettes colorées qui font le paon sur le morceau, un sentiment de bien être est instillé.

Pourtant, l’album ne suit pas le chemin direct vers la fermeture auquel « Twin Soul » a peut-être fait allusion. Dans ce qui fut personnellement l’un des spectacles vocaux les plus intenses de l’année, l’avant-dernier morceau, « Keep You Down », offre une réémergence brute dans la réalité. Magnifique mais presque traumatisant, Hutson et Bridgers s’engagent dans un chant du cygne de pure émotion. Rappelant Michael Stipe, ce morceau ajoute une dimension inédite à l’ensemble des compétences déjà impressionnantes de Hutson. Non filtrée, provocante et profondément intime, elle est vraiment touchante.

Regal et relaxant, l’album est un portrait honnête et romantique de l’adolescence et des histoires qui l’accompagnent. Alors que l’album se dirige vers son coucher de soleil sous la fanfare du dernier morceau, « Single for the Summer », il y a un véritable sentiment d’espoir – l’album mûrissant en quelque chose de bien plus complexe que ce qui semblait à première vue, et ironique pour un album intitulé Beginner. Malgré la douceur du récit de Hutson, ce qui est si particulier dans cette œuvre, c’est sa polyvalence. Pas une seule fois on ne se sent obligé de suivre sa trace. Hutson trace la voie, tout en encourageant l’aventure. Ce qui, au début, semblait être un album simplement agréable, devient vite un aliment émotionnel de base.

***1/2

Brigid Dawson & The Mothers Network: « Ballet of Apes »

Les années Brigid Dawson de Thee Oh Sees ont été parmi les plus belles que le groupe de longue date ait eu à offrir. Bien qu’elle soit toujours une collaboratrice fréquente (mais plus un membre principal), il faut mentionner que sa présence a toujours amélioré le groupe, en offrant des voix et des touches et une touche légèrement plus raffinée à l’étrange spectacle de punk garage toujours changeant (ceci est un compliment). Aujourd’hui, après toutes ces années, Dawson a sorti son premier album solo, Ballet of Apes, sous le grand nom de Brigid Dawson & The Mothers Network. Bien que l’intrigue ait fait de ce disque l’un de nos plus attendus, l’album est tout à fait brillant, un joyau intemporel d’un début qui s’améliore à chaque écoute.

Enregistré avec la contribution de Mike Donovan (Peacers, Sic Alps), Mikey Young (Eddy Current, Total Control) et Sunwatchers, il y a une vieille âme dans le Ballet des singes, mais un son qui refuse de rester immobile, canalisant un psychisme floral, un folk acide, une âme réverbérante et une ballade caustique. Chaque chanson évolue dans un espace et un temps qui lui sont propres, la voix magnifique de Dawson et son écriture contemplative étant le fil conducteur qui relie le tout. C’est l’un des meilleurs disques néo psychédéliques de l’année.

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GoGo Penguin: « GoGo Penguin »

L’album éponyme du trio de jazz expérimental de Manchester GoGo Penguin les voit développer leur palette sonore déjà impressionnante. Il y a des enregistrements sur le terrain, des structures rythmiques complexes et des moments épars, souvent au sein d’un même morceau.

Comme un engin de William Heath Robinson, « Signal In The Noise » est un instrumental précis et inventif.

« F Maj Pixie » est flou et délicat, avec des lignes de piano tremblantes de Chris Illingworth, et la basse de Nick Blacka est poussée en avant et au centre, créant un groove irrésistible.

C’est ce « push and pull » qui garde l’auditeur sur ses gardes. Kora fait résonner une musique électronique qui devrait plaire aux fans de Gold Panda et de Four Tet.

Le premier single, « Atomised », avec la batterie de Rob Turner et un piano hypnotique, est plus minimaliste.

L’ensemblel est épique, ambitieux et pourtant spacieux par moments. Nous avons besoin d’une musique aussi belle et rassurante pour ces temps tristes et angoissants.

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