Bewider: « Gymnopedies Rework »

1 mars 2021

La musique de Joseph Shabason avait frappé les esprits grâce à son brillant et magnifique premier album Aytche. L’écoute de ses œuvres suivantes, dans les domaines de l’ambient et du jazz, nous a complètement captivés à chaque fois. La nouvelle d’un nouveau « single » du talentueux compositeur et multi-instrumentiste est donc une merveilleuse nouvelle. Il s’agit de la nouvelle série Composure de Western Vinyl : Classical Reworks for Modern Relief, qui invite les artistes à reprendre leurs propres compositions classiques influentes, Shabason a choisi Gymnopedie No. 1 d’Erik Satie. Le compositeur qui est devenu une source d’inspiration pour la musique d’ambiance moderne et qui a composé les Gymnopedies, composées de trois courtes pièces pour piano, en 1888.

Dans son interprétation de »Gymnopedie No. 1 », Shabason a collaboré avec le joueur de cordes Drew Jurecka et a utilisé la manipulation de bandes pour créer un morceau étrange, relaxant et réfléchi qui ressemble à un baume pour cette époque. « Lorsque Satie a créé ce morceau pour la première fois, il a réuni tous les critiques musicaux et les musiciens de Paris dans un théâtre, et a organisé un grand cocktail avec un pianiste qui jouait de la musique de fond », explique Shabason.

Il poursuit :« Sur le côté, il y avait un espace de concert avec une scène, un piano et des chaises. Après la fête, tout le monde s’est rangé dans l’espace de concert et a trouvé ses sièges. Satie est monté sur scène et a dit à tout le monde que la musique de fond qu’ils venaient d’entendre autour d’un verre était son nouveau matériel, « merci et bonne nuit ».

Shabason veut ici capturer la solitude de jouer quelque chose qui a un sens musical pendant que les gens parlent de ce que vous faites et de ce que vous avez créé. C’est quelque chose que chaque musicien a vécu, et c’est vraiment horrible… mais il y a aussi une sorte de solitude chaleureuse. « Vous savez que personne ne se soucie de votre musique, et cette connaissance vous donne le sentiment de faire quelque chose juste pour vous… ce qui renforce encore votre détermination et votre investissement dans ce que vous faites. »

***1/2


The Staves: « Good Woman »

1 mars 2021

Pendant la plus grande partie de la dernière décennie, The Staves ont été l’un des actes les plus importants de la musique folk. De leur trio d’excellents studios à leur tournée avec Bon Iver, les trois sœurs qui composent le groupe se sont taillé une place respectable dans ce genre en plein essor. Pour la première fois depuis six ans, un nouvel album portant leur nom a été dévoilé. 

Good Woman est la preuve que les Staveley-Taylors évoluent de manière organique, car il reprend les éléments qui les ont rendus si magiques avant l’ère angélique – des harmonies vocales et des arrangements folkloriques savamment élaborés – et les emmène vers de nouveaux sommets, tant sur le plan instrumental qu’émotionnel. C’est sincère, accueillant et sans aucun doute raffiné.

Sur « Nothing’s Gonna Happen », le groupe est essentiellement lui-même, tandis que les rythmes entraînants de « Best Friend » et les grooves enracinés de la chanson titre évoquent des nuances d’un style nettement plus ambitieux. La plupart des 12 chompositions sont réservées mais puissantes, sans qu’il soit nécessaire de prendre une décision de production superflue. Sur le plan des textes, tout y est doux, intime et profondément personnel, ce qui fait que les mots chuchotés sont parfaitement en accord avec les arrangements instrumentaux qui leur sont associés. 

Les titres les plus impressionnants du disque sont peut-être « Failure » et « Satisfied », qui présentent tous deux des refrains planants aux contours sublimes et équilibrés. Ce sont ces types de paysages sonores qui, lorsqu’on va plus loin, font ressortir les voix et accentuent l’éclat subtil de l’écriture des chansons. Bien que le groupe ait dû faire face à d’incroyables déchirements depuis la sortie de If I Was en 2015 – leur mère, qui a encouragé les sœurs à poursuivre une carrière dans la musique, est décédée à la mi-2018 – leur interruption n’a pas entravé leur capacité à écrire des chansons incroyables. 

Dans l’ensemble, The Staves ont une fois de plus réussi à enchanter les auditeurs avec une euphorie éthérée unique qui reste inégalée. Good Woman est peut-être un peu différent des précédents travaux du groupe, mais il renforce de façon merveilleuse ce qui les rend si différentes et atypiques dans un univers pourtant déjà assez parcouru.

***1/2


Claud: « Super Monster »

1 mars 2021

Comment faire passer votre musique à un niveau supérieur sans perdre ce qui la rendait spéciale au départ ? C’est le dilemme auquel est confronté tout artiste après son premier coup de pinceau réussi.

Par définition, les musiciens de chamber-pop- une collection d’artistes aux yeux remplis d’étoiles qui font de l’art intime selon leurs propres termes – devraient être l’anathème de ce genre d’ascension. Pourtant, Billie Eilish a fait exploser l’esthétique du style pour en faire une superproduction, faisant passer les artistes les plus visibles du genre des marges de l’Internet vers le grand public. Aujourd’hui, la bedroom pop décrit de plus en plus une esthétique musicale – calme, chaleureuse, intime – plutôt que ses moyens de production et de nombreux artistes (et types d’industrie) cherchent à capter ne serait-ce qu’une fraction de l’attention que Eilish a générée. Mais que se passe-t-il lorsque vous dépensez des milliers de dollars pour faire de la musique qui est censée coûter quelques centimes ?

Claud Mintz est assise dans le vortex de cette dichotomie. Mintz s’est d’abord fait connaître en jouant la moitié de Toast, et a été brièvement engagée par Chris Taylor de Grizzly Bear et Terrible Records, qui a sorti le premier album de Toast enregistré dans une chambre d’université en 2018. Depuis lors, Mintz a maintenu un flux constant de singles et d’EPs sous le nom de Claud, construisant une fanbase attirée par leurs histoires d’amour moderne et de recherche de communauté. Ils ont construit des ponts avec des artistes partageant les mêmes idées, dont Clairo, avec qui ils ont récemment formé un side-project appelé Shelly, et ont attiré l’attention de Phoebe Bridgers, qui sort Super Monster, le premier album de Claud, comme premier disque sur son nouveau label, Saddest Factory Records.

Le buzz autour des débuts de Claud serait fort basé sur son seul pedigree, mais Claud semble regarder au-delà de la chambre à coucher. Super Monster a été enregistré dans nul autre que les studios Electric Lady, où des artistes allant de Led Zeppelin à Lady Gaga, en passant par les Soulquarians et Kanye West ont réalisé des disques défiant toute concurrence. C’est le genre d’endroit que les home studios basés sur DAW, comme ceux avec lesquels Claud et ses pairs pop de chambre se sont fait un nom, étaient censés mettre en faillite. Claud n’est pas la première artiste de chambre à passer à la hi-fi – Clairo a enregistré ses débuts avec Danielle Haim, Rostam et Dave Fridmann – mais choisir un studio aussi sacré est une déclaration d’intention. 

Mais le choix d’un studio aussi sacré est une déclaration d’intention. Il est certain que Super Monster contient tous les signifiants habituels de la pop de chambrechamber-pop son cercle étroit de collaborateurs (dont Clairo, Josh Mehling, ancien membre du groupe Toast, Nick Hakim et Jake Portrait du Unknown Mortal Orchestra) y parviennent sans succomber à ses pièges, à savoir le son fin et délavé qui peut rendre chaque chanson identique.

Super Monster est différent. Sur ses 13 chansons, les rythmes sont nets, les refrains prononcés et les riffs aiguisés. « Soft Spot » s’mmisce fermement aux oreilles et « In or In Betwee » est presque funky, ce qui n’est pas vraiment ce que l’on peut dire de la plupart des pops de chambre. Pendant la coda de « Guard Down », un plaidoyer pour la vulnérabilité émotionnelle, toute l’instrumentation est coupée, ne laissant qu’un enregistrement brut de Mintz et une guitare acoustique, exposant à quel point la production de ces chansons est stratifiée tout en exposant simultanément les solides os à la base de chacune.

Le plus remarquable est peut-être la mutabilité du son de Mintz, qu’ils adaptent à tout, des les « torch songs » (« Rocks at Your Window ») au pop-punk (« That’s Mr. Bitch to You »). Plus proche et plus remarquable, « Falling with the Rain » – avec Clairo, Mehling et Noa Getzug, ce qui en fait essentiellement un morceau de Shelly – est un indie rock mid-tempo très intense. Pourtant, les empreintes indélébiles de Mintz sont partout sur eux.

Il est douteux que même ses créateurs puissent dire quelle part de Super Monster peut être attribuée à l’environnement hi-fi dans lequel il a été créé – la plupart des chansons ont déjà été écrites avant que Claud ne mette les pieds dans le studio. Et si de nombreux artistes comptent sur leur chambre à coucher par nécessité financière, l’album est une feuille de route pour tous ceux qui espèrent continuer à ouvrir la porte de leur chambre à coucher sur le monde extérieur sans perdre le confort feutré de la maison.

***1/2


Peter Broderick & David Allred: « What the Fog »

28 février 2021

What the Fog est la deuxième sortie de la collaboration entre David Allred et Peter Broderick. Les compositions de cette sortie de 45 minutes du label Dauw sont extraites d’une bande-son d’un documentaire de 11 heures intitulé #monalisa qui montre une journée dans la vie du Louvre à Paris alors que les gens s’engagent dans l’art, la foule et la technologie – et dans cet ordre. Le film semble être un équilibre entre la reconnaissance de la déconnexion qui existe entre ceux qui font de l’art dans un espace commercial – une déconnexion qui semble encore plus exaspérée lorsque la technologie ajoute une autre couche de suppression. Mais c’est aussi une reconnaissance de ces moments de tranquillité et de partage de la connexion humaine à cause, et parfois en dépit de l’art, qui semble donner à l’espace sa signification. Musicalement, Allred et Broderick sont à la hauteur de la tâche d’élever le niveau narratif et émotionnel de cette expérience vécue.

What the Fog commence par une fin. Une fin presque lugubre, d’ailleurs. Là où le film semble être une bonne ouverture, nous faisant lentement entrer dans son monde, la musique semble être un outro tout aussi bien. « The Foghorn » s’ouvre avec de l’éther numérique, puis une trompette entre, jouant en quelque sorte comme un adieu militaire. Il y a une sorte de lamentation sur ces premières notes. Lentement, des vagues de distorsion ondulent sous le tout, laissant la mélodie de la trompette s’éloigner. Mais, lorsque le piano entre, un calme invitant et une réflexion commencent à s’installer. Et lorsque la trompette rejoint le piano, cette fois-ci, le morceau semble plus rudimentaire.

Le deuxième morceau, « Cloud Clearing », est lumineux et bref. L’œuvre de Broderick au piano nous invite à rester un peu plus loin dans ce lieu de calme.

« Stasis Oasis » sonne comme son titre – ornière et bûcheron. Mais ce contraste avec le morceau 2 montre comment Allred et Broderick peuvent rapidement frapper au cœur d’un moment et immerger l’auditeur. La pièce met en évidence une tension entre l’optimisme et la défaite.

« Sky Swamp » onduleta avec de lents coups de piano, sur une brume d’électronique éthérée. Les accords du piano jouent au ralenti, créant un suspense tout au long de la pièce – comme un métronome émotionnel, mesurant le sentiment à quelques bpm. Les synthés fleurissent au-dessus, comme s’ils attendaient que le signal se décale ou s’affaiblisse.

«  Crystal Flower » reviendra à certaines des tonalités de « Oasis Stasis ». Finalement, des traînées de vapeur de trompette flottent en arrière-plan tandis que des sons de science-fiction défilent – faisant presque allusion à la dynamique dystopique d’une foule immergée dans la technologie personnelle plutôt que dans l’art communautaire. Sur le plan sonore, l’œuvre semble être une nouvelle couche de la composition globale. Et la trompette, autrefois triste, semble plus vivante, presque prête à se transformer, mais elle est enfouie dans le fond comme si elle essayait de se frayer un chemin à travers le mirage de la déchéance technologique.

« Deep Dark » est aussi sombre qu’il y paraît. Profondément dans l’obscurité, avec à peine une lueur de lumière. On a l’impression qu’elle se consume presque entièrement.

« Shadow Diver » s’ouvrira dans un bain de distorsion circulant. Alors que le piano et la trompette entrent, l’espoir revient. Mais il avance lentement comme s’il était épuisé par tout ce qui l’a précédé. Les percussions entrent, s’installant dans un sillon – mais c’est un sillon hanté qui donne un sentiment de progrès face à l’épuisement.

Plus proche, « Outer Lands », avec de lentes nappes de synthés, l’album n’a jamais peur de jouer et de taquiner les tropes de science-fiction. Mais au fur et à mesure qu’il se déploie, il se transforme en une pièce au piano. Et à la fin, il n’y a rien d’autre qu’un piano solitaire pour mettre fin aux choses. C’est un album doux-amer – avec un espoir prudent mais en quelque sorte épuisé par le voyage.

Au total, What the Fog dure environ 45 minutes – un instantané du film dans son ensemble. Mais comme il s’agit d’un récit contenu en lui-même, il raconte une histoire complète avec un début, un milieu et une fin. C’est un voyage évocateur avec des couches qui inciteront l’auditeur à revenir, probablement plus immergé à chaque retour.

***1/2


A Winged Victory for the Sullen: « Invisible Cities »

28 février 2021

A Winged Victory for the Sullen sont de retour avec la sortie de leur nouvel album, Invisible Cities. Sorti sur leur propre label Artificial Pinearch Manufacturingcet opus est une partition de la production théâtrale du même nom, acclamée par la critique.

Une fois de plus, Adam Wiltzie (Stars of the Lid, The Dead Texan) et le compositeur / pianiste de Los Angeles Dustin O’Halloran ont déterré un autre diamant. Le couple a été chargé de produire et de composer la musique de la production de 90 minutes – une production scénique multimédia vaguement inspirée du roman Invisible Cities d’Italo Calvino de 1972.

Cette production s’articule autour de la relation tendue entre Kublai Khan, le chef instable d’un vaste empire, et l’explorateur Marco Polo, « elle donne vie à une série de lieux fantastiques et de mondes disparates par le biais du théâtre, de la musique, de la danse, du design et des arts visuels ». Les AWVFTS sont connus pour leur musique cinématographique, émotive et engageante, et ils ont eu le champ libre pendant la phase de composition. De ce fait, rien n’a été entravé ; leur imagination est libre de vagabonder. Leurs empreintes sont toujours présentes sur la musique, avec de gracieux tourbillons ambiants et électroniques, mais le couple est allé plus loin qu’avant.

Incroyablement composé et équilibré, Invisible Cities est une danse en soi, une œuvre complète avec un arc de narration définitif. Leur musique est un voyage, mais celui-ci s’étend encore plus loin, emmenant les auditeurs vers un nouveau continent et un lieu exotique tout en embouteillant d’une certaine manière l’atmosphère enfumée d’un monde ancien. Ils ont construit tout un monde dans leur musique – une cité céleste, une saga du XIIIe siècle. Un lieu où les éléments ambiants et classiques peuvent se mêler aux guerriers et aux seigneurs de la guerre. Le résultat est une partition époustouflante.

***1/2


Nick Cave + Warren Ellis: « Carnage »

27 février 2021

La relation créative entre Nick Cave et Warren Ellis remonte à près de 30 ans et coupe en deux la joie, le succès et une perte inimaginable. L’un des aspects les plus frappants du nouvel album, Carnage, est donc sa place singulière dans leur long et profond catalogue. Ce n’est pas – comme l’espéraient de nombreux fans – un retour à Grinderman. De même, avec ses spasmes électroniques, ses cordes tendues et ses penchants choraux, le disque ne ressemble pas à un disque de Bad Seeds, du moins pas dans un sens standard.

Construit au milieu de la dystopie de 2020, Carnage se présente au contraire comme quelque chose d’unique, le son de deux musiciens très expérimentés se démarquant des attentes, et construisant quelque chose à la fois de beau et de viscéral, de tendre et d’assoiffé de sang, nous présentant un totalement terrifiant et absorbant.

« Hand Of God » prend racine dans ce pouls suicidaire, la voix de Nick Cave se situant quelque part entre un prédicateur du XIXe siècle et le désir charnel d’Alan Vega. Les cordes tranchantes arrivent en soupirant, illuminant le fond clairsemé tout en compensant le cri solitaire du lyrisme de Cave.

« Old Time » offre une vision de la perte – « nous avons pris un mauvais virage quelque part » – au milieu d’un paysage sonore qui est implacable dans sa rareté. Chaque élément hurle dans les haut-parleurs, avec un long discours à l’alto de Warren Ellis dont la fin est fracassante, ponctué par un bruit de guitare rock à contre-réaction.

Malgré son surnom redoutable, la chanson titre « Carnage » est l’un des moments les plus langoureux du projet. Chaque note de synthétiseur résonne comme des ondulations sur un étang, la voix de Nick Cave s’accrochant à une perte sans nom ; sa ligne d’ouverture « I always seem to say goodbye… » ne peut manquer d’être lue en termes autobiographiques, une chanson sur la famille, et des liens qui vont plus loin que les mots.

Il serait cependant erroné de considérer Carnage comme un simple détail dsu thème de la perte. C’est une expérience bien plus complexe et nuancée que cela ; parfois, on a l’impression que Nick Cave piétine les nerfs à vif, en montrant un côté conflictuel de son art qui passe de la mélancolie soigneusement dépeinte à la vulgarité brute.

Prenez les intonations chuchotées qui animent « White Elephant » – une chanson narrative qui ressemble à Murder Ballads – dans laquelle sa voix se brise avec la ligne de rire : « Je suis une Vénus de Botticelli avec un pénis… » » ( am a Botticelli Venus with a penis…)

Si cet enthousiasme pénien effronté représente le ying explicite de l’univers de Carnage, alors le plaintif, profondément honnête, « Albuquerque » en est le yang. Simple et pertinent, il semble puiser dans le chagrin mutuel que nous avons tous ressenti lorsque 2020 a tracé son chemin – les plans annulés, les attentes déçues et la perte quotidienne des ambitions écrasées. Nick Cave est au plus désespéré lorsqu’il chante : « Nous n’arriverons nulle part / à aucun moment cette année ma chérie… » (We won’t get to anywhere / any time this year darling…) »

«Lavender Fields » est ce qui se rapproche le plus du catalogue parallèle de Nick Cave et Warren Ellis en tant que compositeurs de films. Les cordes ondulent comme le vent sur les champs, sifflant presque comme un accordéon qu’on tire et qu’on tire. C’est une beauté généreuse, indéniablement cinématographique dans son excursion solitaire – en effet, avec le chœur qui s’attarde en arrière-plan, Nick Cave fait écho aux héros singuliers qui occupent le centre de la scène dans tant de ces films. Il est difficile de ne pas être ému lorsqu’il chante : « Les gens me demandent comment j’ai changé / Je dis que c’est un chemin singulier… » (People ask me how I’ve changed / I say it is a singular road…)

Cette sensation béatifique se poursuit sur « Shattered Grounds », un morceau qui se délecte de l’extrême dichotomie entre les synthés ambiants proches de « An Ascent » de Brian Eno et l’émotion ouverte et implacable de la voix de Nick Cave. Sur le plan des paroles, il parle de la perte d’un être cher, de la perte d’un être cher dans un deuil incommensurable ; il y a une compagnonnage primordial, cependant, qui trouve sa résolution dans cette magnifique phrase de conclusion , « Et partout où tu seras, je te tiendrai à nouveau la main… » (And everywhere you are I will hold your hand again…).

Pour conclure avec « Balcony Man », Carnage est un disque qui occupe un domaine singulier. Tout semble en équilibre, organisé et profilé, un album qui s’exprime sur huit titres et pas plus ; il est succinct sans tomber dans la brièveté, un cycle de chansons d’une belle intensité qui s’épanouit dans la proximité de Nick Cave et Warren Ellis. En effet, tout au long de l’album, on se souvient de ces moments sans voix dans One More Time With Feelingen 2016, de l’offre d’une main sur l’épaule, des regards de côté pour assurer la sécurité émotionnelle des autres. Carnage rend l’inoubliable dans un son parfait.

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Architects: « For Those That Wish To Exist »

27 février 2021

Imaginez que vous ayez passé près de deux décennies à payer votre dû dans les profondeurs de la scène underground metalcore britannique, pour ensuite vous élever en territoire inconnu et faire du heavy metal, au titre de tête d’affiche et dans le Top 20 britannique après la mort de votre principal auteur-compositeur et membre fondateur. Ce serait briser les carrières des groupe les plus valeureux.

Concernant Architects,le combo a vécu cette l’histoire, et sur leur premier album sans aucune implication de leur regretté guitariste et auteur-compositeur Tom Searle, ils se sont aventurés sur des chemins moins fréquentés, embrassant un pays industriel fait de synthétiseurs défaillants, de lo-fi solennel et d’hémorragies cérébrales qui saignent leurs racines heavy metal dans un opus qui est leur plus accessible à ce jour. 

For Those That Wish To Exist occupe le paysage sonore que Holy Hell n’a pas été assez confiant pour conquérir. « Discourse Is Dead » s’articuleainsi autour de l’ère Enter Shikari, tandis que le post-hardcore pulvérulent s’oppose à l’électronique véhémente et exaltante, tandis que « Mike from Royal Blood »- flirte de manière apoplectique avec l’ère Bring Me The Horizon, qui est autant un hymne en métal qu’un appel aux armes classiques. 

Dans le premier « single », « Animals » », ils s’aventurent dans une friche industrielle post-apocalyptique qui rappelle autant le synthpunk noise-rock de Health que l’hymne alt-pop extravagant ; pendant ce temps, le rêve lo-fi à cordes qui donne la chair de poule de « Dying Is Absolutely Safe » vous laissera en larmes. 

Alors que musicalement c’est un melting-pot d’influences sans fin, For Those That Wish To Exist est témoin du son d’aun combo naviguant dans un labyrinthe lyrique de boussoles mentales. Leur association de longue date avec les changements inspirés par les problèmes environnementaux croissants de notre planète est omniprésente ici, mais elle est imprégnée de concepts contradictoires, car ils se demandent si nous pouvons espérer pour notre génération ou nous enterrer dans le désespoir pour celles qui suivront. L’espoir est peut-être en train de se battre, mais il finit par céder la place au désespoir, comme le dit Carter dans « Black Lungs » : « Quand allons-nous arracher le monde aux fous et à leur or, et à leur putain d’alliance ? » (When will we wrestle the world from the fools and their gold, and their fucking covenant?).  ?Si Holy Hell était le nom d’un architecte qui a mis en lumière son histoire jusqu’à présent, « For Those That Wish To Exist » est son grand opus. C’est le son d’Architects qui gravit une fois de plus les échelons pour devenir les leaders du heavy metal britannique.

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Nonconnah: « Songs For And About Ghosts »

27 février 2021

Nonconnah est né des cendres noircies de Lost Trail, après le déménagement de Denny et Zachary Corsa de la Caroline du Nord à Memphis, Tennessee. Les fans reconnaîtront peut-être leur série de drones influencés par des shoegazes et leur brume lo-fi caractéristique, alors que le duo mari et femme continue à évoquer l’esprit de leur projet précédent. Certes, des similitudes existent dans le ton et l’atmosphère générale, mais Nonconnah est le produit de l’évolution, et leur musique est un nouveau pas en avant.

De fragiles éclats de lumière plus brillante se retrouvent dans la musique de Nonconnah, qui est saupoudrée de poussière de lutin, rendant sa musique magique grâce à ses ficelles de folk et de kaléidoscopie, de somnolence lo-fi. Songs For And About Ghosts est un magnifique disque qui scintille et brille constamment de douceur et de lumière.

À l’aide de guitares, d’enregistrements sur le terrain, d’orchestres radiophoniques et d’instruments acoustiques (banjo, accordéon et mandoline), les quatre pièces, qui ressemblent à des collages, se succèdent et se transforment au fur et à mesure de leurs mouvements, parfois en rotation, parfois en pause, mais toujours en émettant un faisceau rayonnant de couleur prismatique. Pour son troisième album, Nonconnah est rejoint par Owen Pallett (de Final Fantasy, The Arcade Fire) et Jenn Taiga, ce qui donne encore plus de relief à l’album. Les radiofréquences et les appels téléphoniques sont captés sur la bande des ondes courtes, et des sujets tels que les messages subliminaux et la présence de traînées chimiques sont tissés en lumière et en drones lointains. Des intermèdes arpégés offrent un nectar mélodique. Les textures tourbillonnantes ne manquent pas, et certaines notes sont laissées à l’envers en permanence, coincées dans une boucle, créant un vortex fragile dans lequel la musique glisse glorieusement.

Un chant choral brillant et des drones lumineux ouvrent le disque avec « To Follow Us Through Fields Of Lightning », qui commence dans un état d’euphorie presque totale avant de se transformer en un doux coucher de soleil de bégaiements, d’électronique brouillée et de mélodie encore chaude, bien qu’elle se brise et se désintègre ; c’est un cocktail plus discret de douce psychédélie. C’est le calme avant la tempête, alors qu’un océan de distorsion emporte rapidement tout le reste. La vague de surmultiplication du grincement semble triomphante, elle aussi, et pourquoi pas ? Elle est capable de dévorer n’importe quoi, et on sent un renouvellement d’énergie presque visible, envoyant des ondes de choc sismiques à travers la musique, qui s’agite d’une excitation incontrôlée, et même de la joie.

Songs For And About Ghosts est capable de retourner son son à l’envers et à l’endroit. Il y a beaucoup de diversité à découvrir en se promenant dans son conte de fées toujours en mouvement, qui semble être le bon accompagnement pour une promenade du dimanche après-midi dans une forêt printanière. Mais en même temps, il y a des thèmes et des tons communs, ce qui donne au disque un sentiment de stabilité et d’uniformité même lorsqu’il est éclaboussé de couleurs ultra-brillantes. Ils ont laissé les fantômes derrière eux, les laissant à leur place, fermant la porte au surnaturel et à la pourriture des banlieues délavées tout en choisissant de s’enraciner dans les champs. Ce faisant, les Nonconnah foulent un nouveau sol.

***1/2


William Ryan Fritch: « Freeland »

25 février 2021

Le neuvième chapitre de la série Fearful Void de Lost Tribe Sound vient du compositeur et multi-instrumentiste William Ryan Fritch. La bande originale du long métrage Freeland, des réalisateurs Mario Furloni et Kate McLean est aussi explosive, diversifiée et riche sur le plan musical qu’on pourrait le penser.

Le film lui-même se concentre sur une femme nommée Devi (jouée par l’actrice américaine Krisha Fairchild), qui élève des souches de pot depuis des décennies, cultivant le jour et se défonçant à la tombée de la nuit. Dans l’ensemble, elle vit sa meilleure vie. Elle veut passer le reste de ses jours sur sa ferme, un endroit qu’elle a construit elle-même. Cependant, lorsque le cannabis est légalisé, sa vie de solitude et de sérénité est bouleversée. Forcée de faire face aux réalités en rapide évolution des attitudes modernes, de la culture américaine et de l’industrie de la drogue, elle se bat pour son avenir et se fait légaliser dans un paysage de plus en plus hostile qui menace tout son gagne-pain et son mode de vie.

Les cors, les percussions, les bois et les bandes sont tous présents dans la musique du film, qui ressemble à un paysage ouvert et vaste – un terrain fertile au milieu de nulle part, sur lequel la musique est libre de jouer. Les phrases dorées et chantantes sont toujours les bienvenues, rougissant comme le premier soupçon d’un lever de soleil, mais il y a beaucoup de drame dans la partition. Fritch n’essaie pas de cacher la tension croissante, ni de dissimuler les nouvelles menaces – en fait, c’est tout le contraire. Fritch s’est fixé un délai très serré tout en réussissant à faire une musique expansive et épurée. Chaque morceau est complet et entier, et parmi les morceaux les plus dramatiques, on peut trouver des sons ininterrompus, avec une sorte de paix et de beauté filtrant à l’intérieur, malgré la tempête environnante.

La partition passe souvent à l’offensive, cherchant un conflit ouvert, ses notes rageuses contenant plus de puissance qu’un mot mortel ; il faut l’aborder et l’affronter de front. D’une certaine manière, la tension croissante de la partition et les sons stressés sont un appel aux armes ; les cors sont historiques en ce qu’ils annoncent un nombre incalculable de batailles. Devi part elle-même à la guerre, livrant un combat profondément personnel, désespérée de préserver son mode de vie, son existence et son avenir. Les ramifications sont aussi profondes qu’une tranchée en première ligne.

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Dead Space Chamber Music: « Hagioscope Obscura »

25 février 2021

La « chamber-goth » de Dead Space, l’une des meilleures formations de Bristol, a atteint, sur e Hagioscope Obscura, une majesté que seul Dead Can Dance pouvait véhiculer et c’est un bonheur tout autant qu’un honneur pour nos oreilles.

Le spectre de la musique ancienne, des proverbes régionaux et du folklore gallois se profilent dans leur répertoire ; Deadspace possède un cœur sombre et battant de pur les drames oniriques et les rituels du passé – jouant souvent dans des églises majestueuses comme St Thomas on the Wall (n’est-il pas agréable, à cet égard, qu’ils ne brûlent plus les sorcières ?). Leurs soirées Dark Alchemy ont créé ces dernières années une petite communauté très soudée de commerçants et de musiciens, dont les favoris de Rwdfwd, Organchrist, et des groupes internationaux de dark ambient comme The Nent, toujours soutenus et généralement mis en avant par le house band. C’est ce combo imbattable de rituels en direct, de lumière de bougies, de théâtre vocal, de vitraux, de violoncelle, de guitare et de batterie.

Haigoscopeestune collection de leurs enregistrements et résume d’emblée la musique qui se trouve à l’intérieur : les appels brumeux de notre vie passée dans les Highlands, le crépitement des tambours et le bruissement caustique des percussions ritualisées, l’angoisse du violoncelle et les cris spectraux de « Liemont » coupés par des gémissements de guitare perçants. C’est aussi le point culminant de « Y Dref Wen / The Shining Town » (une collaboration avec Tribes of Medusa). Une épopée de wah wah funèbres, tissée par une ligne de guitare araignée et des percussions qui flottent sur l’air – pour aboutir à un crescendo de pure libération sombre. C’est le genre de morceau qui exige 10 minutes de votre douce bobine mortelle juste pour vous amener là où il va.

Bien que le groupe entier travaille en tant qu’unité au-delà de ses années, un cri particulier doit être adressé aux acrobaties vocales d’Ellen Southern, c’est une chanteuse rare d’une portée vraiment étonnante qui peut battre la mesure avec les lignes de guitare et la batterie quand les choses se mettent vraiment en place. (Certains d’entre vous reconnaîtront peut-être la voix d’Ellen Southern dans ses récentes aventures avec Roly Porter)

Leurs chansons ont un tel sens du lieu et de l’atmosphère qu’il est déconcertant que cette cassette ait été créée dans les conditions actuelles de la vie. Il y a quelque chose de vraiment beau dans cette cassette, même si elle peut sembler lourde et sombre. Ces « Lockdown Recordings » (enregitsrements de vonfinement) nous ramènent sans tristesse à la consommation de gâteaux de l’espace sur les bancs de l’église. Ils sont transportables, vous donnant un espoir pour l’avenir de la musique qui en fait finalement l’un des documents les plus prometteurs de cette période.

***1/2