Loma: « Don’t Shy Away »

27 octobre 2020

Ce deuxième album de Loma poursuit son incursion dans le son indie rock impressionniste et spectral qu’ils ont d’abord défini sur leur premier album éponyme de 2018 – un son approuvé par le seul et unique Brian Eno. Il s’avère qu’un ami a informé la chanteuse Emily Cross qu’Eno avait été entendu sur la radio de la BBC faire l’éloge de « Black Willow » sur son « debut album », le groupe a donc décidé de l’inviter à participer à un nouveau titre plus proche, « Homing », auquel Eno a répondu.

« Homing », ainsi que les 11morceaux qui le précèdent, sont une excursion à travers diverses itérations de rock indé mystique, qui s’écoule avec un ventre luxuriant de sons intrigants et la belle voix de Cross. Les pierres de touche sonores comprennent la pop fraîche et texturée de Karen O et Danger Mouse et le rock indie ornemental et lunatique de Bat For Lashes et Goldfrapp.

Si « Homing » porte les empreintes méditatives d’Eno, ce sont les morceaux les plus entraînants qui rendent Don’t Shy Away si agréable. Les rythmes glissants et les battements trippants de chansons telles que « Ocotillo », « Half Silences » et « Given a Sign » sont les points forts de l’album qui transforment des paysages sonores rêveurs en chansons space-pop luxueuses et glissantes. D’autres titres comme « I Fix My Gaze », « Thorn » et « Jenny » changent de vitesse et se promènent dans une direction moins captivante avec des arrangements plus durs.

Utilisant une panoplie d’instruments et de styles musicaux, et une approche particulière de l’écriture de chansons, Loma colle ensemble des fragments mélodiques avec une mystérieuse vapeur de sons intrigants. Mais ce qui les distingue et leur donne une certaine originalité, c’est le style vocal cabaretier de Cross. Sa poésie sensuelle ajoute un étrange savoir faire qui rappelle Twin Peaks (la série télévisée, pas le groupe). Le groupe comprend également Dan Duszynski et le chanteur de Shearwater, Jonathan Meiburg.  

Don’t Shy Away est peut-être un peu moins enchanteur que le premier album hypnotique de Loma, mais il s’avère être un disque agréable à la première écoute et mérite d’être joué à plusieurs reprises malgré ses quelques défauts mineurs.

***1/2


Goldmund: « The Time It Takes »

27 octobre 2020

Grâce à sa musique d’ambiance minimale, centrée sur le piano, Goldmund (alias Keith Kenniff, de Pennsylvanie) a créé un son instantanément reconnaissable sans jamais avoir l’impression d’être recyclé. The Time It Takes est un autre album émotionnel, qui rappelle la perte et le deuil – non pas à une échelle personnelle, mais mondiale – et qui est également capable de briller d’espoir, en attendant patiemment des jours meilleurs.

Un seul piano suffit à approfondir les eaux du chagrin, mais un synthétiseur rayonnant est là pour le soulever, le soutenir et le remettre sur pied ; le synthétiseur et les autres éléments supplémentaires sont des fils d’optimisme, qui parcourent toute la musique. Le synthé et les autres éléments supplémentaires sont des fils d’optimisme, qui courent tout au long de la musique. Des accords aussi brillants que la lumière du soleil traversent et se libèrent, et Kenniff est un maître dans l’art de développer l’atmosphère. Les compositions se déroulent à leur propre rythme, mais elles cherchent toujours à grandir, à se dresser de plus en plus haut, comme un tournesol qui cherche sa source de lumière. De la même manière, les accords boivent dans la lumière comme si elle contenait des nutriments vitaux, non seulement pour soutenir la musique mais aussi pour lui donner vie.

« Day In, Day Out » donne le ton pour le reste du disque, où un magnifique piano rougeoyant est rendu plus lourd, plus riche et plus plein par le traitement. La musique de Goldmund se développe à partir d’un seul point, à partir d’une seule phrase ou mélodie, pour finalement brûler de plus en plus fort et s’envelopper dans une atmosphère teintée d’ambiance. Le piano est une constante, et il semble vieux, lui aussi. La musique peut rappeler à l’auditeur une certaine époque, en lui faisant revivre des souvenirs, des visages et des lieux. La nostalgie est émotionnellement puissante, et la musique y sera toujours liée, mais la musique de Goldmund évoque le passé de manière naturelle, sans sursaturation et sans clichés. Tout cela revient dans un esprit vieillissant grâce aux réminiscences du piano.

Les morceaux de musique sont plutôt des vignettes, des épisodes pour un esprit en retrait, et les grottes de réverbération aident également à approfondir l’expérience. On peut toujours s’attendre à la plus haute qualité de la musique de Goldmund, et The Time It Takes n’est pas différent ; il y a des morceaux vraiment frappants sur cet album, peut-être pas plus hauts que le final, « The Valley In Between », qui termine l’album sur une note incroyable, et un à peine au-dessus d’un murmure. Epuré et atmosphérique, ses échos sont éternels.

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Anthéne: « Collide »

27 octobre 2020

Sous le nom d’Anthéne, Brad Deschamps continue de sortir une forme de musique d’ambiance embaumante. Chaleureux et calme, Collide fait suite à Weightless(2019) et, comme son prédécesseur, les morceaux aux influences analogiques sont d’un calibre à part. Une guitare modeste et sans prétention est transmise à l’auditeur, son style ambiant étant produit par un jeu épuré et sans prétention autant que par l’utilisation de la réverbération, et ses petites notes timides sont parsemées dans toute la musique.  Les synthés sont également présents, et Deschamps est capable d’enlacer des mélodies significatives et concentrées dans la vaste étendue d’un paysage sonore ambiant sans sacrifier l’espace et l’air frais et oxygéné qu’il apporte. 

L’accent mis sur le développement mélodique et harmonique est fort et distingue anthéne de beaucoup de musiciens d’ambiance modernes, mais les développements sont toujours laissés de l’espace et de la place, de sorte que la musique ne se sent jamais encombrée ou précipitée. Au lieu de cela, Collide semble clairsemé et propre, brillant avec des tons glacés.

Deschamps est capable de conserver l’âme de la musique d’ambiance tout en poursuivant des idées plus mélodiques, et la musique qui en résulte brille comme un bijou ; il en comprend le style.

Les sonorités sont douces comme la brise et aussi bienveillantes qu’elles le sont. Le disque est accueillant, malgré son titre. Si certaines collisions peuvent provoquer de l’anxiété, avec des images de dévastation et de ruines, elles peuvent aussi être des œuvres d’art étonnantes, tout droit sorties des mains de l’Univers. Un jour, la Voie lactée entrera en collision avec la galaxie d’Andromède, mais alors que beaucoup verraient cela comme l’apocalypse, certains y voient une nouvelle création spectaculaire, et les collisions peuvent donner naissance à une nouvelle beauté. C’est exactement le cas de ce disque, car Collide est cool, rafraîchissant et proche du sacré. 

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Elskavon & John Hayes: « Du Nord »

27 octobre 2020

Sur Du Nord, Elskavon (alias Chris Bartels) et le pianiste John Hayes respirent le climat plus froid du Minnesota, en particulier la morsure de l’hiver sous zéro dans le Midwest. Bartels et Hayes se sont liés d’amitié par leurs intérêts musicaux communs, leur point commun étant un amour partagé pour la composition ambiante et classique. Du Nord est leur premier album, et il présente un son progressif dans la veine de la composition moderne. C’est le son de leur état d’origine et de ses longs mois d’hiver, qui rugissent puis entrent en hibernation. Ces mois peuvent s’éterniser, et encore, et encore…

Le changement de saison brutal du Midwest se ressent dans leur musique, mais Du Nord reste glacé. Les températures hivernales ont des dents acérées et le froid s’infiltre dans Du Nord. Bien que les hivers du Minnesota puissent être rudes et impitoyables, la musique a toujours un œil sur l’inévitabilité du printemps, et elle est capable de trouver le confort d’un abri et d’un espace chaud et douillet même lorsque la pluie tombe à verse et que les bancs de neige profonde et molle s’accumulent ; lorsque la saison semble interminable, lorsque l’obscurité a déjà tiré un rideau sur un après-midi, et lorsque le printemps semble être une autre vie, à des millions de kilomètres. En ces heures, et les jours mornes de décembre, l’obscurité a une longue portée. Avec l’obscurité peuvent venir la futilité, la mort, la dépression et le désespoir, mais l’hiver peut être une saison contrastée, offrant le calme et la tempête, la seule constante étant les matins couverts de gel et un froid brut et pénétrant qui s’infiltre dans le squelette. Malgré cela, le renouveau n’est jamais loin, et sur Du Nord, les auditeurs ont un avant-goût de cette promesse.

Le piano dégage de la chaleur pour garder l’auditeur au chaud. Ses notes dégagent de la chaleur corporelle ; plus il y a de notes qui peuplent un morceau de musique, plus le morceau devient chaud. L’hiver est une expérience partagée, et il y a du réconfort là-dedans aussi, mais lorsque les notes se dispersent et que le vide absolu enveloppe la musique, la glace revient. Avec des titres tels que « Closer » et « Cold Is Not So Cold », la musique a un esprit combatif et résolu et un sentiment de camaraderie et de fraternité pendant un hiver morne, une communauté se rassemblant pour prendre soin les uns des autres alors qu’un blizzard continue de faire rage, sans aucun signe de ralentissement. Les notes du piano ressemblent plus à des rafales qu’à des tempêtes de neige massives, mais elles s’accumulent constamment. Les périodes d’activité accrue de Du Nord et les intervalles stériles du son ambiant, qui augmentent le sentiment d’immobilité, sont aux antipodes les uns des autres, reflétant toute une gamme de conditions météorologiques, une tempête enragée se fondant dans la beauté du sol enneigé et l’imprévisibilité de la saison.

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The Pretty Things: « Bare As Bone, Bright As Blood »

26 octobre 2020

L’histoire de la musique pop est parsemée de groupes qui ont eu une grande influence, mais qui n’ont jamais vendu autant de disques que les groupes inférieurs, et The Pretty Things était l’un d’entre eux malgré la création de leur opéra rock, S.F. Sorrow, en 1968.

Révélés par leurs contemporains – Jimmy Page était réputé pour écouter leurs nouveaux morceaux lorsqu’ils ont été signés sur le label Swansong de Zeppelin – ils ont eu une bonne carrière selon la plupart des standards, et cet album de standards de blues est un indicateur clair de la raison pour laquelle ils ont été si bien notés. Il s’agit de leur propre chant du cygne puisque le chanteur Phil May est mort le 15 mai dernier dans un tragique accident, mais c’est un disque aussi bon que tout ce que lui et son partenaire de longue date Dick Taylor ont enregistré.

Les deux hommes sont en pleine forme, mais avec la dimension supplémentaire de vétérans confrontés à leur propre mortalité, ce qui donne toujours au blues en tant que forme un avantage supplémentaire. Ce format acoustique dépouillé est atypique par rapport à leur son, mais, malgré les nouveaux défis, May s’y attaque avec un œil sur la mort de la lumière sur le jeu subtil et précis de Taylor. « Can’t Be Satisfied » donne le ton à la perfection avec une savoureuse glissade de delta blues avant que l’harmonica ne fasse une apparition précoce sur l’inquiétant « Come Into My Kitchen », qui met en scène May à son meilleur. « Faultline », moins funèbre, a des relents de maîtres modernes de l’Americana comme John Mellencamp ou The Boss.

Vous n’entendrez pas de chanson plus appropriée et plus honnête sur le plan émotionnel que « Redemption Day », qui a un ton légèrement country, et quand May chante « there’s a train that’s heading straight for heaven’s gate », il vous frappe droit entre les yeux. Elle résume parfaitement la majesté brisée de la version de Johnny Cash façon « Hurt ». La chanson la plus instantanément réconciliable est la traditionnelle « Black Girl », que Nirvana a reprise dans son légendaire set acoustique MTV, mais les décennies supplémentaires d’expérience de vie de May et Taylor lui donnent une résonance beaucoup plus profonde. « To Build A Wall » est le morceau le moins bluesy de la série – et peut-être le plus typique de leur son – mais il semble être la bonne façon de dire au revoir.

Il serait trop facile de faire l’éloge de ce disque touchant et magnifiquement joué parce que quelqu’un est mort, mais ce serait une insulte. The Pretty Things sont sortis sur un plan créatif et selon leurs propres termes en tant qu’artistes. La quête de l’album de blues britannique de l’année est, ci-devant, officiellement terminée.

***1/2


Young Girl: « The Night Mayor »

26 octobre 2020

S’inspirant clairement des pionniers de l’électronique expérimentale, Autechre et Aphex Twin, cet ensemble australien évoque un paysage de rêve surréaliste semi-éponyme sur The Night Mayor à travers une musique complexe et parfois déroutante.

La première moitié de cet album est une affaire constamment en panne qui semble incapable de rester en place ou de contenir sa propre masse d’idées. Des bips désorientants et des rafales de percussions chaotiques accompagnent des synthés sauvages et ludiques sur le morceau d’ouverture « Vomit Nightmares », qui ressemble à un ordinateur rétro qui essaie de gagner en sensibilité sans y parvenir. Même lorsque les choses deviennent un peu plus atmosphériques sur « The Low Men » pa rexemple, avec des synthés à la fois chauds et troublants, les rythmes énergiques et entraînants restent.

Le reste de The Night Mayor se construit à partir de rien, l’ancienne énergie tremblante n’étant audible que dans des poches de vibrations en écho, tandis que votre cerveau est doucement réinitialisé.

« The Red Birds » est un voyage malicieux dans un monde sonore psychédélique, et « Toilet Nightmares » continue de s’entasser dans tous ses interstices malgré son pouls plus lent. « Codeine » »est un peu comme un tournant, qui ramène les choses à une simple boucle hypnotique qui laisse place à un passage de guitare joyeux, qui agit comme un pic parmi les vallées de bizarrerie de l’album, et qui ouvre un chemin pour les morceaux restants.

Le reste de The Night Mayor se construit à partir de rien, l’ancienne énergie agitée n’étant audible que dans des poches de vibrations en écho, tandis que votre cerveau est doucement réinitialisé. Il y a encore des bords effilochés sur des morceaux comme « Frustration Nightmares » »et des sous-entendus perturbés de façon appropriée aux sons ambiants apaisants du duo de clôture « Sleep Paralysis » et « wake up… », mais, à ce stade-là, on a l’impression générale qu’un certain calme médicamenteux a été atteint.

***1/2


X-Marks The Pedwalk: « Transformation »

26 octobre 2020

Le nouvel album de X-Marks The Pedwalk commence avec l’un des morceaux les plus forts que le duo de Münster ait enregistré jusqu’à présent. « If I Stay » est un titre qui évolue lentement, qui sonne sombre, qui est instantanément sournois et qui devient de plus en plus rythmé vers la fin, ce qui montre à quel point il faut peu de moyens pour créer une musique fascinante lorsqu’elle est utilisée efficacement.

Ensuite, Transformation deviendra, à ce peopos, le travail le plus varié du groupe à ce jour. Cela va des sons ambiants sombres avec une touche industrielle et EBM pulsante (« Walk Away »), aux remplissages de pistes de danse presque légères pour l’électro-disco. Le « Voodoo Lounge » est volontiers visité en « lundi bleu ». La techno s’impose, des chœurs pour chanter et se balancer sont proposés (« Transformind »), et « Waiting » est une autre ballade atmosphérique à effet de profondeur. Le dernier morceau, « Shadows », sera, pour terminer de manière plus frappante, un peu plus percutant et encore plus intense.

Les compositions sont présentées tantôt éparses, tantôt opulentes (le multicouche « Talking », avec un synthétiseur estampillé Gary Numan), en restant toujours nettes et claires dans le son, sans que l’électronique ne gèle dans le froid glacial. Les voix bien équilibrées et parfaitement complémentaires d’Estefaniá et de Sevren Ni-Arb y contribuent. « Shadow », également divisé, est un exemple à écouter tant il est La conclusion réussie de cette Transformation quientreprend un voyage éblouissant à travers son propre cosmos sonore influencé par l’électronique. À écouter fort.

***1/2


Kevin Morby: « Sundowner »

26 octobre 2020

On peut être assez cynique pour le dire tout de suite : Kevin Morby veut désespérément être Leonard Cohen. Il suffit de vous je vous mettre au d’écouter Sundowner, le nouvel album de l’ancien front-man des Babies et de se dire qu’il ne ressemble pas à la dernière légende. Lisez dans cette remarque une sorte de compliment détourné que Morby a presque réussi à faire.

« Valley » et lest un titre simple et puissant, mais « Campfire » va n peu plus loin, avec une légère touche de poésie. Ailleurs, « A Night at the Little Los Angeles » ajoute un travail délicat à la guitare, tandis que l’élégant « Velvet Highway », et un bel instrumental, où il lâche tout pour le ipano.

On aurait pu souhaiter que Sundowner soit plus proche de ce nmorceau mais Kevin Morby est profondément en phase avac sa muse sur ce disque, de sorte que même une excellente composition, comme « Provisions » menace d’être oubliée lorsqu’elle est entendue à côté d’une douzaine d’autres compositions de même facture.

Sunowner n’est pas le genre de chose qur laquelle se précipiterait autant que n’importe quelle autre sortie de The Babies, mais il est assez bien fait dans le registre qui est le sien. Votre degré d’appréciation peut dépendre de la façon dont vous abordez ce disque, et si vous lui accordez toute votre attention il vous permettra de vous y laisser prendre.

***1/2


Pine Barons: « Mirage On The Meadow »

26 octobre 2020

Certaines musiques ne peuvent être écoutées correctement que la nuit. On peut penser à Frank Oceon et Blonde. Celle de Portishead aussi, et les disques précédents du xx. On n’est jamais suis pas tout à fait sûr de ce que c’est – ces œuvres n’ont pas grand chose en commun, musicalement ou thématiquement – mais elles ne peuvent être vraiment appréciées qu’après le coucher du soleil. Il semble qu’après la tombée de la nuit, tous nos désirs secrets et nos pulsions intimes sortent pour jouer, sans être gênés par le fléau de la lumière.

Le dernier opus du groupe de rock indépendant Pine Barons, Mirage On The Meadow, vit lui aussi dans cet espace. Bien que cet album, dirigé par le chanteur-guitariste et auteur-compositeur Keith Abrams, soit peut-être un peu plus optimiste que les œuvres des artistes susmentionnés, il possède une certaine vibration qui transmet la malice nocturne et le désir émotionnel, avec une forte dose de misanthropie. Les premières lignes de l’album, tirées de l’ouverture « Fearest the Night », résument cette perspective sombre : « tester une leçon que je n’apprendrai jamais / être aveugle au mur pendant que ma tête dirige un corbillard » testing a lesson I’ll never learn / blind by the wall while my head steers a hearse). La description de leur musique comme du rock indépendant « de cimetière » (graveyard indie-rock) ne pourrait pas être plus appropriée. Sans vouloir dire que c’est bouleversant ou trop lunatique, elle porte juste un sentiment qui ne peut être compris qu’en regardant les étoiles.

Mirage On The Meadow est une lettre d’amour au rock indépendant des années 90 et 2000, un amalgame des thèmes fumants et sensuels des Arctic Monkeys, de l’instrumentation théâtrale et du chant des The Killers et de la psychédélie tourbillonnante des Flaming Lips. Sigur Rós et Tame Impala sont aussi des clin d’œil, avec des guitares qui s’envolent sur des lignes de synthétiseur pop et trippy.

En dépit (ou peut-être à cause) de ces influences très nettes, Mirage On The Meadow appartient entièrement aux Pine Barons, qui se sont forgé une identité distincte. C’est surtout grâce aux arrangements uniques d’Abrams. « Keeping Off the Road » présente une outro absolument dévastatrice, où Abrams crie «  Nous étions tous morts / Nous étions couchés dans nos lits »(We were all dead / We were lying in bed), par-dessus un mur de son massif qui se glisse derrière vous et vous frappe au visage. C’est surprenant et efficace ; avant cela, la chanson se construit lentement, avec des tambours qui martèlent vos glandes surrénales pour la pure catharsis qui vient à la fin.

Même les morceaux les plus poivrés ont un son distinctif ; « Colette » présente une contre-mélodie de guitare triste, sur fond de rythmes New Wave, tandis que le pont instrumental de « Clique Bait » est aussi dense et épais que n’importe quelle chanson Beach House. Que la chanson soit optimiste ou non, les mélodies et les voix puissantes d’Abrams sont sans vergogne, parfois joyeuses et libres, parfois tristes et déchirantes. Si vous ne ressentez pas quelque chose à la fin de « Meadowsong » (l’un des nombreux moments forts ici), alors vous êtes soit mort, soit menteur. « Quand on me trouve, je serai habillé à la mode, nu, Abrams chante sur des guitares qui tournent.

C’est un disque qui est éclaboussé de peinture phosphorescente. Il est vif et provocateur, tout en ayant des moments de beauté subtile pour souligner les énormes crochets et les raz-de-marée sonores. Mirage On The Meadow des Pine Barons est un effort phénoménal de deuxième année d’un groupe qui n’a fait que s’améliorer avec le temps, et l’un des meilleurs albums de rock à sortir de Philadelphie cette année.

***1/2


Ela Minus: « acts of rebellion »

24 octobre 2020

Ela Minus, artiste basée à Brooklyn, a souvent qualifié son oeuvre de « musique lumineuse pour les temps sombres ». Ces « temps sombres » sont omniprésents dans les circonstances actuelles à travers le monde, où une grande partie de la musique qui sort peut être considérée comme assez sombre et décourageante. Mais cesacts of rebellion,le premier album de Minus, produisent indéniablement un sentiment élevé de curiosité optimiste.

Ayant beaucoup travaillé comme « assembleuse de synthétiseurs », Minus possède un vaste savoir associé à ces appareils électroniques ; c’est pourquoi l’album a été créé uniquement à l’aide de synthéts qu’elle a conçus et construits elle-même. Enregistré dans son home studio, l’appréciation d’Ela Minus pour une variété de genres divers lui permet de donner une tournure unique au genre électronique épuisé pour créer 10 voies distinctes sur lesdits actes de rébellion.

« N19 5NF » désenchante domme il se doit l‘introduction à l’album, principalement en raison du manque de voix, ce dont la musique électronique a désespérément besoin pour pouvoir se connecter avec l’auditeur moyen. Ceci est favorisé par l’instrumentation limitée, qui exprime une sensation et un timbre typiquement associés à la conclusion d’un morceau. « N19 5NF » est le code postal britannique du Whittington Hospital, et c’est ainsi que cetitre d’ouveture se rachète – la construction progressive de sons de synthétiseur plus aigus au moyen du plugin Soundtoys Crystallizer transmet le sentiment de méconnaissance et d’éparpillement communément associé aux hôpitaux.

L’expression « ils nous ont dit que c’était difficile, mais ils avaient tort » (they told us it was hard, but they were wrong) donne à l’auditeur un sens de l’orientation plus clair que l’opener car nous est incluse la voix de Minus tout au long de l’enregistrement, ce qui permet au public de trouver un moyen de se rapprocher d’elle. Le contenu des paroles de ce morceau s’aligne sur le mantra de l’auteur de la chanson « une musique lumineuse pour les temps sombres » ; elle élève l’auditeur avec des paroles telles que « vous voyez comme cela devrait être facile » (you see how easy it should be) et « tout le monde nous a dit que c’était difficile mais ils avaient tort ». Un sentiment électronique beaucoup plus profond émane de « el cielo no es de nadie » – on dirait presque une pièce de danse. Le son de clavier que l’on entend tout au long de la composition juxtaposé à des synthétiseurs distincts, rappelle beaucoup celui du groupe allemand Kraftwerk, don Minus a souvent déclaré qu’il était l’une de ses plus grandes influences. Ces sons à la Kraftwerk poussent encore plus loin l’accent important mis sur l’électronique dans le titre.

Comme son nom l’indique, « megapunk » diffuseraun sentiment d’angoisse ; il traite de motifs lyriques qui résonnent en accord avec l’actualité mondiale, comme dans la première ligne, « We can’t find a reason to stay quiet ». Avec un backbeat menaçant et des lignes de synthétiseur fortement compressées, cette chanson développe une puissance copieuse et un grand degré d’énergie, permettant à Minus de poursuivre cette sentimentalité punk.

Comme le morceau qui nous a fait entrer dans le monde des acts of rebellion, « pocket piano » se contente d’un point médian insatisfaisant. Le morceau ne renonce pas à son origine, ce qui lui donne un peu l’impression de ne pas être à sa place. Cependant, le morceau suivant, « dominique », remet l’album sur les rails. Une fois de plus, elle démontre sa capacité unique à jeter un éclairage différent sur un genre fortement homogénéisé. Elle le fait grâce à la composition de lignes de synthé excentriques et superposées. L’une de ces couches est un son qui imite une percussion d’acier, ce qui renforce cet élément de curiosité et d’individualité mis en avant dans les actes de rébellion.

Le morceau suivant, « let them have the internet », est un autre instrumental, le plus fort de l’album. Il n’a pas la pléthore de couches auxquelles nous sommes habitués sur la première moitié des acts of rebellion, mais il le fait à son avantage, car l’absence d’instrumentation détaillée communique une qualité quelque peu cinématographique dans le morceau. Il fonctionne efficacement comme une introduction prolongée au morceau suivant, « tony ». Cette chanson a été enregistrée entièrement en espagnol, ce qui montre la capacité de Minus à donner son éclat distinctif au genre électronique. Une fois de plus, les sons et textures peu familiers produits par les synthétiseurs sur ce morceau sont assez évocateurs de Kraftwerk, ce qui donne au morceau son propre éclat inimitable.

« do whatever you want, all the time » est encore un autre morceau sans paroles, mais il est différent de ceux qui l’ont précédé dans la liste des instrumentaux. Il s’agit d’un titre sans couture ni ossature, qui pourrait être considéré comme idéal pour la détente, et qui démontre encore plus le mantra de Minus. Les synthétiseurs minimalistes se mélangent pour générer leur propre domaine, ce qui lui permet de se démarquer véritablement des autres morceaux de l’album. 


acts of rebellion s’achèvent avec le bien nommé « close », mettant en vedette le futur artiste Helado Negro. Sa voix agit presque comme un antidote à celle de Minus », ce qui leur permet de se contraster magnifiquement. Il est notamment plus énergique que les neuf morceaux précédents, principalement en raison de la présence accrue de la voix et du battement des tambours. C’est une fin satisfaisante pour cet album inventif qui fait partie, en effet des acts of rebellion.

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