A.O. Gerber: « Another Place To Need »

Un album peut être une histoire autant qu’un roman ou un film. Il n’est pas nécessaire qu’il le soit, il vaut mieux qu’il le soit. Le premier album de l’artiste de Los Angeles A.O. Gerber, Another Place To Need, dont la réalisation a duré trois ans, raconte une histoire si visuellement immersive qu’elle est presque aussi efficace qu’un film. Another Place To Need est une histoire d’amour.

« Old Blue » », le premier « single » de l’album, commence avec regret. Que ce soit le sentiment de perte que l’on éprouve après une rupture, la perte d’un ami, d’un membre de la famille, il y a toujours des choses que l’on aurait aimé dire, un degré d’honnêteté qui n’est possible que rétrospectivement. Cela vous hante, et la voix de A.O. Gerber rend cette hantise palpable. Il n’est pas nécessaire d’avoir une bonne voix pour faire de la bonne musique, mais cela aide certainement si vous en avez une. A.O. Gerber a une de ces voix où vous avez l’impression qu’elle n’a même pas besoin de dire quelque chose de particulièrement profond et qu’il faudrait quand même l’écouter encore et encore.

Mais elle dit quelque chose de profond. Si « Od Blue » signifie ne jamais se faire connaître, « Strangers » signifie que l’on ne peut jamais vraiment connaître quelqu’un. Poursuivant sur le thème du regret, « Strangers » raconte l’histoire de deux personnes qui ont été ensemble pendant des années sans jamais vraiment révéler quoi que ce soit d’important à leur sujet. C’est tragique, la façon dont on peut se sentir si proche de quelqu’un et réaliser des années plus tard que rien de ce que l’on croyait savoir sur lui n’a jamais été réel.

Selon Gerber, l’album est censé montrer comment quelqu’un peut se perdre dans son propre monde, et elle fait un travail incroyable en montrant toutes les pensées intrusives et les fantasmes répétitifs qui ont tendance à nous remplir la tête quand nous sommes seuls. Comme il peut être isolant de vouloir se connecter avec quelqu’un mais de se sentir incapable de le faire. Ce sont des thèmes très tristes, mais l’esprit de Gerber est aussi très beau. Il est rempli d’images et de lumière naturelles. La voix de Gerber, rocker girl des années 90, raconte la scène. Cela rappelle The Cranberries et Dido, le genre de berceuse apaisante qui donne l’impression que quelque chose de triste est durable.

Il y a toujours un arrêt de spectacle sur chaque album, et pour celui-ci, on peut choisir « Every Time » La musique y est si accrocheuse et magnifique en soi que les paroles peuvent s’y perdre, ne vous frappant qu’à la fin de la chanson. « Pourquoi vivre, c’est toujours comme mourir » ? (Why does living always feel like dying?) Parler de se perdre dans sa propre tête.

La musique, les films, les histoires en général, toutes ces choses ne sont que des moyens de se connecter avec les gens. Another Place To Need est un album qui parle essentiellement d’isolement, d’amour et de désir de connexion à une époque où la connexion est si difficile. Mais j’ai toujours été quelqu’un qui écoute une chanson ou lit un livre et qui ressent immédiatement une parenté avec l’auteur. L’opus n’a pas nécessairement de fin heureuse, mais il n’en a pas besoin non plus parce que, évidemment, ce n’est pas du tout une fin. C’est un début.

***1/2

Alanis Morissette: « Such Pretty Forks In The Road »

Les fans d’Alanis Morissette sont un groupe de personnes patientes. Il y a presque exactement huit ans que son dernier album Havoc & Bright Lights est sorti et il n’a pas été des plus populaire parmi lesdits fans. On peut même dire qu’elle est au mieux de sa forme quand elle a à se défouler de ses propres démons à se défouler. Si on prend son album révolutionnaire Jagged Little Pill on ne trouvera nulle part un album aussi chargé d’angoisse. Cela a bien sûr joué en sa faveur, se vendant à plus de trente millions d’exemplaires dans le monde entier. Puis il y a eu Flavours of Entanglement, un album triste de chutes post-rupture qui ferait honte à des gens comme Adele et Swifty.

Havoc & Bright Lights a vu un son beaucoup plus doux sans le contenu lyrique de son précédent travail. L’époque où l’on s’en prenait aux gens dans les théâtres est révolue, remplacée par des chansons sur la spiritualité et la maternité. Il y avait quelques belles chansons, mais elles étaient loin d’être aussi satisfaisantes que son travail précédent. 

Le premier « single » extrait de cet album, « The Reasons I Drink », marque un retour triomphal à la forme, qui semble être sorti de nulle part à la fin de l’année dernière, offrant à ses fans un cadeau de Noël anticipé. Depuis lors, elle n’a cessé de laisser tomber des morceaux ici et là jusqu’à la sortie éventuelle cette semaine de Such Pretty Forks In The Road.

L’album démarre avec « Smiling » un morceau où les plus observateurs remarqueront que, comme c’est souvent le cas, le titre de l’album est tiré des paroles d’une des chansons, qui est en l’occurrence ce morceau d’ouverture. « Smiling » est une toute nouvelle chanson écrite pour la production scénique, basée sur la musique de Jagged Little Pill. Bien que la composition s’inscrive parfaitement dans cette ère de la carrière de Morissette, cet album n’est pas pour autant un autre Jagged Little Pill. Il s’agit d’une collection de chansons beaucoup plus poignantes, réfléchies et discrètes. Jamais autant que sur « Diagnosis », une ballade piano/voix qui met en vedette des paroles de pochette parmi les plus émouvantes depuis Flavours of Entanglement. La chanson aborde les thèmes de la maladie mentale et évoque le genre de réaction émotionnelle pour laquelle elle est connue lorsqu’elle est au mieux de sa forme. Je suis sûr que tous ceux qui ont vécu ce genre de choses pourront s’identifier aux paroles. Le thème émotionnel se poursuit à travers un certain nombre de morceaux comme « Missing The Miracle » et « Her ».

Plus édifiantes dans leur production, des chansons comme « Sandbox Love » et « Ablaze » montrent que Morissette est tout aussi capable de produire un excellent morceau pop, qui résiste à ceux des albums précédents « So Called Chaos » et « Under Rug Swept ».

Morissette est à jamais la conteuse, avec l’amour de fourrer plus de mots que nécessaire dans ses phrases. Rien n’a changé sur cet album. Il a toujours le son qui lui est propre, mais il a évolué par rapport à ses précédents travaux. Alors qu’une grande partie de son travail résume une certaine époque de sa vie, Such Pretty Forks In The Road se lit davantage comme l’histoire d’une vie, couvrant un plus large éventail d’émotions qu’elle ne l’a fait à un seul endroit auparavant. Peut-être est-ce dû au fait qu’il s’est écoulé tellement de temps depuis la sortie de son dernier album.

Cela fait vingt-cinq ans que Jagged Little Pill est sorti et on se souvient encore du buzz qui a entouré cette jeune artiste. Depuis lors, elle a tellement ajouté à son incroyable travail. Such Pretty Forks In The Road s’inscrit parfaitement dans le cadre de son catalogue déjà très étoffé et montre que, toutes ces années, elle est toujours une artiste pertinente. Mais cela valait-il la peine d’attendre huit ans ? Oui sans doute mais mais mieux vaudrait ne pas attendre aussi longtemps la prochaine fois.

***1/2

Wesley Gonzalez: « Appalling Human »

De nos jours, l’omniprésence de personnes en position de pouvoir peut vraiment faire des ravages. Sur son deuxième album, Appalling Human, le pastiche sans complexe de Wesley Gonzalez, l’auteur-compositeur approfondit son autocritique. Des échecs relationnels aux efforts comiques médiocres et aux remarques acerbes à l’adresse de ses pairs, Gonzalez est extrêmement charmant dans son autodérision sans limite, réglée sur la synth-pop effervescente des années 80.

Cela fait cinq ans que Let’s Wrestle, son ancien véhicule pour les morceaux indés doux et amusants, a été dissous. Sur le plan sonore, son matériel solo ne pourrait pas être plus éloigné de ses origines, un changement déclenché par le fait que Gonzalez a mis sa guitare de côté pour écrire des chansons au piano. Le Londonien décrit la suite de Excellent Musician de 2017 (les titres d’album sont son point fort, évidemment) comme son album « post-thérapie ». Avant d’entrer dans ce monde tonalement kaléidoscopique, nous avons un aperçu de cet arc narratif à partir de quelques titres de chansons : « If I’m Sad », « Fault of The Family » et « Used To Love You ».

Avec le précédent disque de Wesley Gonzalez, ses arrangements et ses performances vocales ont été portés à onze, ce qui démontre une grande envie d’explorer ce nouveau paysage sonore. Ici, la poussière s’est installée et il semble extrêmement à l’aise pour faire la transition entre les chansons teintées de néon qu’il a composées et la bande sonore du vendredi soir, avant de résumer la léthargie qui s’installe le dimanche soir à l’approche de la peur d’affronter la réalité et d’une nouvelle semaine. Associées à sa cadence habile, les tonalités variées du synthé et des touches font partie intégrante de la création des nombreuses humeurs d’Appalling Human.

En ce qui concerne le ton de l’album, Gonzalez a cité le Yellow Magic Orchestra, Pulp, le R&B de la fin des années 90 et Arthur Russell comme sources d’inspiration qui ont inspiré ces compositions. Ces influences ont généreusement contribué à élargir la portée de ses morceaux électro-pop contagieux. Mais c’est en fermant les yeux et en écoutant attentivement que Gonzalez se souvient de certains motifs identifiables à la première époque de MGMT sur « If I’m Sad », tandis que le premier morceau, « Tried To Tell Me Something », avec son rythme puissant, son solo de saxophone exubérant et ses synthés flous, ramène l’auditeur à la première vague de synth-pop nostalgique des années 80 de Golden Silvers. Ailleurs, comme » »Fault Of The Family » évolue des années 808 vers des synthés puissants, évoquant un mélange de Giorgio Moroder et de Justice.

Outre les similitudes sonores, il y a des exemples dans ce disque où le lyrisme de Gonzalez puise dans la manière évocatrice (et racontable) dont Richard Dawson exprime ses défauts personnels et son mépris pour certains comportements sociétaux. Ces sentiments et observations découlent d’un sentiment d’inadéquation en tant que partenaire romantique : « Je ne suis pas apte à vous faire sourire » (I’m not fit to make you smile), de la consommation d’alcool bon marché : « Cette bière ne coûte que 2,99 £ » This beer just cost £2.99), de remarques acerbes (« Un crâne épais ne vous mène pas loin » /A thick skull only gets you so far/) et de l’observation de la tendance matérialiste qui s’empare des gens (« Une barre granola donnée gratuitement, est-ce le point culminant de votre journée ? » /A granola bar freely given away, is this the highlight of your day?) Ce sont ces moments qui contribuent à briser la barrière entre l’artiste et le public.

Dans ces arrangements bondés, Wesley Gonzalez s’épanouit au milieu de couches denses de riffs de basse flottants, de mélodies de piano enjouées et de solos de saxophone époustouflants. Oui, des gens épouvantables sont tout autour de nous, mais au moins nous avons ces chansons vivifiantes pour remplir nos oreilles.

***1/2

Ganser: « Just Look At That Sky »

Pas tout à fait punk, pas tout à fait post-punk, pas tout à fait alt. rock, mais toujours indie, et très Chicago. C’est ainsi que se décrit Ganser, un quatuor réputé pour son style musical sardonique, presque maniaque, auquel s’ajoute une présence énergique en live. Fidèle au son angoissant du groupe, le dernier album de Ganser est truffé d’anxiété et de tension, mais ce qui est peut-être le plus intéressant dans Just Look At That Sky, c’est la façon dont le groupe exprime ses thèmes lyriques – la contradiction entre croissance et amélioration s’avérant infructueuse ; la production est un peu plus soignée, la performance aussi serrée que le groupe l’a jamais été… en tous points, Just Look At That Sky est le meilleur son que Ganser ait jamais enregistré. Et pourtant, ce n’est pas un changement radical par rapport à ce que nous avons entendu lors de sorties passées comme Odd Talk ou You Must Be New Here. En fait, on pourrait faire valoir que Ganser n’a pas du tout progressé et, selon toute vraisemblance, les musiciens eux-mêmes seraient les premiers à le soutenir. Mais là encore, peut-être pas ? Est-ce vraiment important ? Comme on l’a dit, cet album est le meilleur que le groupe ait jamais produit, Alicia Gaines et Nadia Garofalo ayant troqué leurs fonctions vocales contre le yin et le yang d’un état d’esprit fracturé – à la fois calme et maniaque, recherchant la sérénité tout en la trouvant dans l’étreinte du chaos. Avec la précision de Brian Cundiff à la batterie, les grooves de Gaines à la basse, les touches atmosphériques de Garofalo aux claviers et les riffs de guitare stridents et grinçants de Charlie Landsman évoquant le son des premiers Killing Joke, chaque morceau de l’album offre une gamme d’émotions contradictoires qui ne manqueront pas de confondre et même de captiver l’auditeur.

Il y a les tourbillons psychédéliques et les rythmes stridents de « Told You So », avec les répétitions de « I’ll wake up tomorrow all righ » », et le trompeur et dansant « Emergency Equipment and Exits », au guttural mais harmonieux, « Self Service » bruyant mais mélodieux, rappelant la vague de Nina Hagen, un peu déséquilibrée et décalée, la parole troublante de Sean Gunderson, les guitares rêveuses et l’ambiance nuageuse de « [NO YES] », la batterie galopante, les accompagnements de cor martiaux et d’hymnes, et le chant bluesy de la chanson de clôture « Bags For Life ». ” Il suffit de dire que Ganser appuie sur tous les boutons – bons ou mauvais – de Just Look At That Sky pour rappeler à l’auditeur chaque moment d’inquiétude et d’incertitude. C’est inquiétant, c’est sûr, mais… vous pourriez vous en remettre suffisamment pour apprécier la performance de Ganser au sommet de son art.

***1/2

Madeline Kenney: « Sucker’s Lunch »

Madeline Kenney, chanteuse originaire d’Oakland en Californie, n’est pas intéressée par une approche simple. La sienne est en spirale et en couches où la guitare défie toute catégorisation facile, tout comme son aversion pour les accroches de la mélodie pop traditionnelle. Sur son troisième disque, Sucker’s Lunch, Kenney applique cette instance musicale idiosyncrasique aux complexités des relations. 

Elle continue ainsi à montrer une affinité pour les chansons qui s’envolent et tourbillonnent avec intensité cet opus. Ces morceaux peuvent sembler minimes au départ, mais il y a une beauté en couches qui se révèle à l’écoute. Kenney se rapproche du son art rock de ses débuts (Night Night at the First Landing en 2017) sur Sucker’s Lunch, en incorporant sa guitare comme un morceau mélodique majeur dans ces compositions. Mais elle continue également à s’appuyer sur les harmonies chatoyantes et les éléments électroniques de son deuxième album de 2018, Perfect Shapes. L’approche mélodique de Kenney vient souvent d’un angle inattendu, comme sur « Sugar Sweat », où son chant éthéré est soutenu par des lits luxuriants de synthés, des accents de saxophone et ses lignes de guitare filiformes. Bien qu’elle ne soit pas toujours immédiate ou familière, la musique de Kenney montre une puissance captivante. 

Jenn Wasner de Wye Oak a produit Perfect Shapes revient, cette fois-ci avec son compagnon d’orchestre Andy Stack, alors qu’ils prennent tous deux en charge la coproduction. Leur production est un élément particulièrement fort, donnant à certaines chansons, comme « White Window Light », une présence instrumentale imposante, tandis que d’autres, comme « Sweet Coffee », reçoivent une subtile chaleur.

Tout comme Kenney cherche le chemin le moins fréquenté musicalement, elle est tout aussi réticente aux réponses faciles sur le plan lyrique. Au lieu de cela, elle se penche sur les réalités difficiles de l’amour. « Double Hearted » voit l’artiste être déchiré dans différentes directions, la capturant dans un moment de spirale qui atterrit vers le point bas émotionnel de « Cut the Real » oùelle semble nier même la réalité autour d’elle. Ailleurs, dans la ballade intime « Sucker », Kenney va réfléchir à l’investissement continu d’énergie dans un amour fragile. 

De même, les chansons d’amour de Kenney ne sont pas maladivement douces ou flatteuses. Elle s’inspire plutôt de la tension entre la réserve romantique et le désir de se jeter dans l’amour avec un abandon inconsidéré. Kenney implore son partenaire, « Please/just forget me » tout en désirant une intimité vraiment vulnérable sur « Tell You Everything ». Il n’y a pas de solution facile à ce problème. Kenney aspire plutôt à la paix dans les moments banals, que ce soit dans l’imagerie romantique simple de son partenaire baigné de lumière ou dans la connexion quotidienne du partage d’une tasse de café. 

Tout comme son prédécesseur, Sucker’s Lunch ne révèle pas tout ce qu’il a à offrir dès la première écoute. Il s’agit plutôt d’un album à combustion lente, avec la voix immaculée de Kenney et des instruments curieux qui attirent l’auditeur dans son labyrinthe compliqué d’émotions. Alors que l’auditeur retire les couches de mélodies vitreuses et les bords discordants, on trouve un témoignage intime des contradictions inhérentes à l’amour.

***1/2

Land of Talk: « Indistinct Conversations »

Indistinct Conversations, le dernier album du groupe montréalais Land Of Talk, est fidèle à son nom. La chanteuse Elizabeth Powell ne chante que des traces de pensées sur ce qu’elle ressent ou essaie de parler tout au long du disque, sans jamais faire connaître complètement l’histoire à l’auditeur. 

Sur des chansons comme « Weight of That Weekend », Powell fait allusion à la récupération émotionnelle d’une série de jours importants. « Maintenant je le ressens, je m’assieds avec lui pendant que j’attends près de la lune », chante-t-elle. « Parce que je ne dors pas. » (Now I feel it, sit with it while I wait by the moon…‘Cause I’m not sleeping.)

Il y a un côté mélancolique et contrôlé dans la plupart des titress, soutenu par Mark « Bucky » Wheaton à la batterie et aux clés, et Christopher McCarron à la basse, mais c’est la voix de Powell qui reste la plus frappante. C’est une voix légère, qui va aussi bien dans les aigus que dans les graves, qui souffle facilement le long des morceaux et qui ne semble jamais déplacée. Des chansons plus calmes et acoustiques comme les magnifiques « Festivals » mettent clairement en évidence l’émotion et le talent de Powell.

Et bien que les paroles soient vagues, il y a toujours des citations mémorables tout au long du morceau. « Get lost in a dream, now we can’t escape it. Know this ice was once warm water » ,(Se perdre dans un rêve, maintenant on ne peut plus y échapper. Sachez que cette glace était autrefois de l’eau chaude ) elle trille sur la chanson « Footnotes », qui comporte également un riff de guitare hypnotique, en forme de ver d’oreille. Indistinct Conversations se termine par une collection de bribes de conversations téléphoniques. Ils s’entremêlent et n’apportent aucune réponse, mais c’est la fin d’une collection de chansons fortes et mystérieuses.

***

Julianna Barwick: « Circumstance Synthesis »

Circumstance Synthesis de Julianna Barwick couvre une seule journée. Son dernier album se veut « rendre la forme d’une journée depuis un point de vue céleste », (taking the shape of a day from a celestial vantage), comprend le matin (« Morning »), le midi («Noon »), l’après-midi (« Afternoon »), le soir (« Evening ») et la nuit (« Night »), et tous présentent des opportunités musicales uniques. Sur ces cinq morceaux, ses arrangements vocaux changent et se transforment, en synchronisation avec le cycle de la journée et le transit de la Terre, leurs différentes humeurs et énergies se soulevant et se traînant selon le moment de la journée. Ainsi, le morceau d’ouverture « Morning » est un réveil. Un flot de lumière dorée se déverse. Sa voix est volontairement plus faible et plus fine, passant par les affres entre le sommeil et la conscience. Les yeux sont sombres, la musique aussi.

Circumstance Synthesis est à l’origine une « bande sonore sensible à l’environnement ». Commandée par Sister City, un nouveau venu dans le quartier voisin du magasin de disques Commend de RVNG Intl dans le centre de Manhattan (Lower East Side), la technologie de musique générative de Barwick a identifié l’activité dans le ciel de New York grâce à une caméra installée sur le toit de l’hôtel de Sister City, déclenchant les progressions musicales de Barwick. Alimentée par l’IA de Microsoft, sa partition a enveloppé l’espace du hall de Sister City, se répercutant dans Manhattan.

Le bleu profond de la journée dans toute sa puissance est présent dans « Noon », qui se réveille au grand jour et qui est caféiné, et sa musique dérive vers l’indigo, l’orange et le rose d’une soirée d’été, baignant dans une lueur de coucher de soleil qui n’est pas encore magnifique. La musique générative permet la flexibilité et la spontanéité, ce qui donne un album au flux doux et à la grâce naturelle. Ces qualités ont toujours été présentes dans sa musique, et elle s’y consacre à nouveau. La musique de Barwick encourage les auditeurs à regarder vers le haut plutôt que vers le bas, en prenant un temps d’arrêt pour lever la tête et lever les yeux vers la gloire du monde naturel. Même dans la jungle de béton d’une métropole comme New York, on peut sentir la présence de la nature (Central Park n’en est qu’un exemple). La voix de Barwick est plus luxuriante que jamais, et sa voix porte une tonalité qui rafraîchit et détend même dans son environnement urbain. Recouverte d’une réverbération, sa voix fait partie de l’air ; des soupirs élémentaires.

Les sons stroboscopiques du soir contiennent des couleurs lumineuses, et lorsque la lumière du jour s’estompe, la musique perd sa chaleur corporelle. Elle se refroidit et finit par conduire à une nuit plus calme et plus clairsemée. Seule une poignée de notes illuminent ce morceau, un amas de lumières dans un quartier endormi. Sa voix est capable d’irradier autant de lumière et de beauté que les étoiles qui se rassemblent.

***1/2

The Lovely Eggs: « I Am Moron »

Am Moron, le sixième album de The Lovely Eggs, pourrait bien être l’antidote idéal au chaos actuel. Le duo basé à Lancaster, en Angleterre, a sorti son premier album en 2009 et, depuis lors, il a fait preuve d’une indépendance farouche. Adoptant l’esprit du bricolage, The Lovely Eggs fonctionne sans l’aide d’un manager, d’un agent de réservation ou d’une maison de disques. C’est une attitude qui, associée à une musique absolument fantastique, leur a valu une base de fans loyaux et aimants. 

Le son du groupe a, au fil des ans, réussi à incorporer tout ce qu’il y a de plus beau, de l’art-punk de Half Japanese aux écrits surréalistes de Richard Brautigan, en passant par la superbe bêtise du comédien culte John Shuttleworth. La psychedelia est devenu une influence plus importante depuis le LP This is Eggland, produit par Dave Fridmann en 2018. l’ouverture qu’est “Long Stem Carnations”, reprend là où l’album s’est arrêté. L’électronique de science-fiction s’estompe, la chanson se met en marche et nous nous précipitons à 100 mph comme nous le dit la chanteuse et guitariste Holly Ross : “Je suis aussi forte qu’une roue de chariot/Je suis connectée à ce que vous ressentez” (I’m as strong as a Wagon Wheel/I’m connected to how you feel.). Fridmann est de retour derrière le bureau et les chansons sonnent comme des vagues de sonorités dans sa production psychédélique.

L’élan déchirant de chaque chanson successive donne à I Am Moron un emballement brillamment essoufflé. L’humour du groupe s’accompagne d’un véritable sentiment de colère et, à l’occasion, d’un dégoût total. Si vous suivez le groupe sur les médias sociaux ou si vous les entendez dans des interviews, vous saurez à quel point ils sont passionnés. Leur punk joyeusement surréaliste imprégné d’urgence. La pop ridiculement accrocheuse, associée à des mots, de “You Can Go Now” donne l’impression d’un nettoyage de printemps sonique alors que tout et tous, des repas au micro-ondes aux divertissements eux-mêmes, sont montrés à la porte. “This Decision” nous fait perdre la tête et trouve Ross et le batteur David Blackwell (également son mari) en train de fournir une explosion de psycho-punk brute et magnifiquement fracassée.

« You’ve Got the Ball » prend un virage plus expérimental avec un mantra hypnotique et rythmé qui peut ou non concerner le football.Pourquoi s’en soucier ? Cela, après tout, semble frais, amusant et complètement décalé. “Bear Pit », le grognement de “I Wanna” et le névrotique “24 Eyes” sont garantis de faire tomber quelques chaussettes ; ils vont droit au but avec un triple titre de bonté punk-rock sans retenue. “The Mothership” est un moment de calme inattendu, le son du duo dérivant à travers le vide solitaire de l’espace comme Ross chante “I sleep alone/I just wanna sleep alone”. Un bref moment pour reprendre son souffle et « Insect Repellent » pourrait bien être l’un des meilleurs morceaux de l’album en s‘élançant dans la vie avec un groove brillant et lourd, “investment opportunities/repellent!/luxury coleslaw/ repellent !”

The Digital Hair” présentera un peu plus d’une minute de divagation psycho-punk, tandis que “Still Second Rate” capture parfaitement le talent du groupe pour un brûleur art-punk énergique et accrocheur.

Comme tout bon hôte, The Lovely Eggs vient peut-être de partir et de garder le meilleur pour la fin avec l’épopée “New Dawn”. Le couplet nous entraîne avec un rythme propulsif alors que Ross chante “la solitude de la vie/la vis qui ne tourne pas” (The melancholy morphs into euphoria as the chorus ushers in a new, hopeful dawn.) La mélancolie se transformera en euphorie alors que le refrain annonce une nouvelle aube pleine d’espoir. La chanson s’achève sur l’image de Ross dans une cuisine de campagne en train d’étaler des excréments sur des plans de travail en marbre. Les premiers pas vers le renversement de nos riches, les conservateurs votant les seigneurs suprêmes ? I Am Moron est un de ces albums qui semble être arrivé au bon moment ; c’est exactement ce qu’on peut avoir besoin d’entendre; et honnêtement, il se doit d’être écouté.

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Shirley Collins : « Heart’s Ease »

Charmante Shirley Collins, avec sa voix calme et douce ; nulle ne voudrait être une aspirante chanteuse de folk – pas dans son ombre. C’est une doyenne qui inspire une certaine forme de dévotion fanatique de la part de ses fans. Elle domine le genre depuis près de 60 ans, et peut magnifiquement dédaigner les intrus. Elle a déjà dit que la vraie musique folk doit être de la classe ouvrière, et qu’elle « doit avoir subi le processus de transmission de bouche à oreille… Pas seulement à propos de la beauté de la terre et de l’air, mais aussi à propos de trucs semi-hippies… Si fragile ! » (it’s got to have undergone the process of being handed down by word of mouth…. [not] all about how lovely the earth and the air is, semi-hippy stuff…. So flimsy!) Elle est très sévère sur ces deux sujets dans les interviews et on peut frémir en pensant à ce qu’elle pourrait dire de la petite aristocrate Laura Marling, avec sa voix traînante pseudo-américaine. Collins parle de M*mford & Sons comme de « Wotsit and Sons ».

On a tant écrit sur la vie de Collins, et il est inutile de propose une hagiographie maladroite. Mais tout de même. La femme a eu une vie fascinante : une socialiste ardente qui est allée en Amérique pour enregistrer les chansons du Sud profond, et qui est revenue à Blighty pour être le fer de lance du renouveau folk des années 60. Une mère itinérante dont la séparation torturée avec son premier mari – sa maîtresse se baladait en portant ostensiblement ses pulls – lui a fait perdre sa voix. Elle est tombée dans l’obscurité. Elle n’a pas chanté pendant 38 ans. Cette géante du folklore travaillait dans la librairie de la British Library. Il y a un passage désespérément triste dans The Ballad of Shirley Collins, où Collins, octogénaire et charmante, joue du violon avec des sachets de thé dans sa cuisine et soupire : « Il y a de grands chanteurs dans le coin maintenant, et j’aimerais être l’un d’eux, mais je ne le suis pas. » (here are some great singers round now, and I wish I was one of them but I’m not.) Elle a depuis décrit son come back album en 2016, Lodestar, comme « plutôt timide » et on ne ouvait qu’espérerque son nouvel album, Heart’s Ease, implique la cofiance que son titre suggère.

Heart’s Ease est un opus riche en laitières, en nostalgie, en ronces jaillissant des tombes et en amants qui pleurent abondamment, des pleurs assurés par un album qui est assuré, contemplatif, et parfois un peu triste.

Les critiques louent la pureté de l’engagement de Collins envers la musique folk – qu’elle honore la qualité intrinsèquement politique de la musique folk en préservant le bouche à oreille des histoires de la vie des gens ordinaires. La grossesse, la mort, le travail de qui humilie – tout cela apparaît dans l’album. Elle est décrite comme une héraut d’un autre temps, comme si elle était un héraut d’un marais humide sous le règne de Robert le Magnifique, ce qui n’est vraiment pas juste, dans la msure où c’est un peu réducteur. L’album comporte une poignée de morceaux non traditionnels, chacun surprenant à sa manière. « Sweet Greens and Blues », par exemple, a été écrit par son ex-mari et est – de façon charmante – consacré à ses enfants. Au début, il est déconcertant d’entendre ses références à un appartement en sous-sol après son interprétation de, disons, « Barbara Allen », une chanson folklorique écossaise mentionnée pour la première fois dans le journal du vieux débauché Samuel Pepys en 1666

Collins revient ici sur de nombreuses chansons déjà sorties, et nous les trouvons transformées par les changements de sa voix. Le vieillissement et la dysphonie ont approfondi et grossi sa voix, lui conférant une chaleur croquante. Dans ses premières œuvres, elle était une soprano pure et planante, aussi propre et sans sexe qu’un castrat. « Oh Sally, ma chère, j’aimerais pouvoir te coucher » (Oh Sally, my dear, I wish I could bed you) – livrée sans un signe de tête ni un clin d’œil. Sa voix a maintenant une qualité chaleureuse et timbrée, et quand elle se brise dans « Tell me True » (« comment puis-je vivre maintenant que mon William est parti »), la chanson est remplie de tristesse. Son interprétation de « Barbara Allen » sur Heart’s Ease est radicalement différente de celle de ses précédents albums : moins résignée, moins tragique, même si c’est toujours un paean à l’amour condamné. Sa voix ressemble plus à un instrument qu’à un vaisseau.

Mais il y a aussi beaucoup degrivoiseris sur l’album. « Rolling in the Dew » est le récit d’un gentil monsieur à la poursuite d’un fermier aux joues roses. « Rolling in the Dew » renjustices aux gens de peu ! Encore une fois, il est un peu fou de penser simplement à son âge. » Rolling in the Dew » remonte à des ballades des années 1600, et l’interprétation de Collins, avec son violon et ses percussions, est amusante et vivante malgré ces gens qui tournent en rond pour jouer du violon depuis des centaines d’années, et à qui Collins a joué un rôle important dans l’intérêt continu que l’on peut avoir pour ce genre de musique.

Ainsi, elle est un maître du traditionalisme, mais « Locked in Ice » – l’une de ses nouvelles chansons – est sans doute la meilleurecomposition de l’album. D’une mélancolie maladive, et parfaite pour son chant nouvellement altéré, elle raconte l’histoire d’une femme à la dérive sur une mer glaciale : « c’était en l’an 69, j’ai été aperçue pour la dernière fois…. Enfermée dans la glace de cent ans….Condamnée à voyager sans fin, dérivant au gré du courant ». (it was in the year of 69, I was sighted for the final tim) Il s’agit sans doute de la douleur de son interruption qur la musique, mais son style et sa façon de s’exprimer font que vous pourriez fermer les yeux et penser qu’il s’agit de la grande gelé quand lla Tamise a gelé en 1608-09. Elle mélange l’ancien et le nouveau de manière harmonieuse et reprend ce refrain sur le dernier morceau de l’album, « Crowlink », qui s’éloigne soudainement des conventions folkloriques. Son chant dérive sur un mélange de vielle à roue et de fracas de vagues et d’oiseaux marins. « J’étais enfermée dans la glace, un demi siècle » (I was locked in ice, half a hundred years). C’est un sentiment de hantise, d’inattendu. Elle a le pouvoir de surprendre et de ravir dans cet album qui montre une maîtrise de la tradition mais dont ses meilleurs moments sont les nouvelles chansons.

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Strangerous: « Death By Anticipation »

« Tout doit changer. Tout doit changer. » (Everything needs to change. Everything needs to change). À chaque loop de sample ainsi prononcé l’émotion est drainée de cette déclaration ; chaque son du morceau d’ouverture de 17 minutes est induit dans une orbite serrée et maniaque de répétition sans fin. Les voix de fausset commencent à battre comme une sirène, des bruits statiques se font entendre à plusieurs reprises, et le tintement des carillons perd son charme de paresse lorsqu’on les fait tourner en rond. Une autre voix se fait entendre, apparemment issue d’un reportage – « le changement climatique affecte déjà des millions de vies » (climate change is already affecting millions of lives) – alors que les boucles commencent à se bousculer et à se multiplier, entassées dans une zone d’urgence croissante et de familiarité banale. Des cris humains jaillissent à travers les marges, s’épaississant au fur et à mesure que le reportage se poursuit.

Alors que la musique s’enfonce dans la cacophonie, la demande de changement stagne – elle n’est plus le précurseur de l’action, mais une vocalisation habituelle, divorcée du sens.

Ailleurs, la répétition est maniée comme un adhésif par la force : un moyen brutal de fusionner le son des pas sur la neige, les surfaces métalliques perturbées et le souffle des ventilateurs de refroidissement, rompant le lien ombilical entre le son et son contexte d’origine.

Ces échantillons deviennent des éclaboussures d’autoréférence. Ce qu’ils gagnent en multifonctionnalité – des jokers sonores sans allégeances lourdes au paysage et au matériel – ils le perdent en familiarité avec le monde réel. La récurrence les rend étonnants. Les voix adoptent la texture désincarnée des sons sinusoïdaux purs ; le cliquetis du plastique commence à ressembler à des dents qui claquent. Les sons gagnent en intensité et en chaleur alors que l’esprit s’efforce de les placer, ce qui transforme l’auditeur en un paradoxe de connaissance et d’aliénation, et l’entraîne dans un bourdonnement insidieux en niveaux de gris alors que la musique résonne comme une machine à distiller de l’horreur.

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