Lone Bellow: « Love Songs For Losers »

9 novembre 2022

Bien qu’il ne soit pas étranger à la musique délicate et émouvante de l’Americana, sur Love Songs For Losers, le cinquième album de The Lone Bellow et le deuxième en deux ans, le groupe retrace une fois de plus les cicatrices de la solitude et de la douleur, mais propose également une réflexion sur l’amour et la joie, ce qui en fait l’un des albums les plus éclectiques à ce jour, tant sur le plan musical que thématique.

« Honey », l’un des premiers singles de l’album, possède toutes les caractéristiques de The Lone Bellow, des voix obsédantes mais douces, des harmonies délicates et des paroles profondément informées. Mais dès la chanson suivante, « Gold », le groupe s’attaque à la dépendance aux opioïdes et aux communautés mourantes à la première personne – en s’appuyant à nouveau fortement sur les synthétiseurs, mais dans une ambiance totalement différente.  Ailleurs, « I’m In Love » est ancrée par des guitares électriques et un refrain triomphant, tandis que « Dreaming » est une ballade douce et langoureuse au piano, mais les deux chansons sont tout aussi impressionnantes. « Caught Me Thinking « , un titre d’inspiration R&B agrémenté de cuivres, est l’une des chansons les plus ambitieuses du groupe à ce jour et elle est parfaitement réussie.

Alors que Zach Williams est le chanteur principal sur la plupart des morceaux, Kanene Donehey Pipkin prend le micro sur le rêveur « Cost Of Living ». Williams reprend le chant principal sur « Unicorn », une lettre d’amour très publique à sa femme qui a réussi à se remettre d’une paralysie : « Je me disais que je pourrais te dire ce que je ressens, t’asseoir et te briser avec des mots qui sont jolis, je pourrais te dire ‘je t’aime’ mais c’est tellement ennuyeux, je pense que Dieu a fait une licorne » (I was kind of thinking I could tell you my feelings, sit you down and wreck you with some words that are pretty, I could say ‘I love you’ but it’s such a bore, I think God made a unicor ).

L’album a été enregistré dans la maison hantée de feu Roy Orbison – ce qui n’est pas vraiment pertinent pour cette critique mais un fait cool, néanmoins. Bien que Love Songs For Losers comporte de nombreuses marques familières du groupe, l’album montre le trio sous son aspect le plus expérimental, diversifié dans ses sujets et ses sons – tout en sonnant toujours comme un album de Lone Bellow. 

***1/2

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Turnover: « Myself in the Way »

8 novembre 2022

Que vous l’aimiez ou non, Peripheral Vision est tout ce qui compte vraiment pour Turnover. Peu importe ce que vous pensez de l’album NOTSHOEGAZEHOWDAREYOU sorti en 2015, son existence même est destinée à financer leurs chapeaux à godets et leurs champignons dans un avenir proche. Bien sûr, les setlists de Turnover peuvent saupoudrer quelques morceaux des machins musicaux qu’ils ont sortis après Periph, mais il est difficile d’imaginer qu’un public préfère ces trucs à des titres comme  » Cutting My Fingers Off « ,  » Take My Head  » ou  » Humming « .

Ceci étant dit, Good Nature a été assez impressionnant en étant à la fois facile à écouter et légèrement irritant, en grande partie grâce à un son de guitare qui s’appuie trop sur le thème de la nature en ressemblant à un putain de moustique. De même, Altogether a compensé de manière experte l’ajout d’éléments intéressants (lire : des synthés) aux chansons de Turnover par une écriture totalement ennuyeuse, rendant l’ensemble du disque oubliable et finalement jetable. Trois ans plus tard, c’est l’heure de Myself In The Way ! Où se situera cet album dans la discographie de Turnover ?

La façon la plus simple de répondre à cette question est peut-être d’utiliser l’un de nos images préférés, celle d’un lémurien pixellisé assis sur une branche accompagnée d’une voix disant « idk man, sometimes I don’t want to move it move it ». En fait, Myself In The Way est un autre lot de morceaux ennuyeux que le groupe a concocté parce que les bonnes gens de Run For Cover Records ont besoin d’être nourris eux aussi. Il est rempli de synthés qui n’apportent pas grand-chose (sérieusement, imaginez à quel point « Wait Too Long » aurait été légèrement meilleur sans cet d’autotune qui aurait été plus utile lors de la session Audiotree en 2015 . Alors que la présence de Brendan Yates sur Myself In The Way est amusante pour une confusion Turnover/Turnstile supplémentaire, la décision de faire contribuer le chanteur de Very Hype à une outro ennuyeuse pour une chanson ennuyeuse est courageuse.

De temps en temps, l’engagement de Myself In The Way dans l’ennui mène à une musique agréable. « Bored of God/Orlando  » est adéquatement rêveur et incorpore ses synthés dans la chanson plutôt que de les plaquer par-dessus. Ailleurs, ‘Ain’t Love Heavy’ réussit à être un morceau vibrant et dansant, en grande partie grâce à un featuring de Bre Morell qui vous permet d’oublier qu’il s’agit d’une chanson d’un groupe qui avait l’habitude de faire de la musique qui semblait s’intéresser à, euh, quelque chose. Ne vous méprenez pas, on est heureux que Turnover n’ait plus à se soucier de quelque chose. Tant mieux pour eux. C’est juste que on se moque de leurs trucs qui ne se soucient pas de se soucier… Parfois, on na pas envie « de bouger, de bouger ».

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First Aid Kit: « Palomino »

5 novembre 2022

La reproduction est tout, et pour First Aid Kit,cette nouvelle sortie, Palomino, n’est que la dernière étape du processus. Lorsque vos parents sont fans de Patti Smith, du Velvet Underground et des Pixies, vous savez que vous avez la musique dans le sang, même si vos propres goûts vont plutôt vers Devendra Banhart et CocoRosie. Pour Johanna et Klara Söderberg, la chance a fait partie de l’équation, tout comme le travail acharné dès le plus jeune âge. Par chance, leur frère a fréquenté le même jardin d’enfants que la fille de Karin Dreijer de The Knife et Fever Ray. Très vite, les deux jeunes femmes ont été signées sur le label de The Knife et leur premier EP est sorti en 2008. Produit par le père des Söderberg, Drunken Trees est une collection de chansons enregistrées sur leur page MySpace.

Leur chance a continué à tourner avec l’attention de Robin Pecknold de Fleet Foxes, Conor Oberst qui les a rencontrés après un concert des Monsters of Folk à Stockholm, Mike Mogis (qui a proposé de produire leur prochain album) après les avoir vus dans une pré-fête d’Austin City Limits en octobre 2010. Après un concert à Nashville, Jack White les a emmenés dans son studio Third Man où ils ont enregistré « Universal Soldier » de Buffy St. Marie et « It Hurts Me Too » de Mel London et Tampa Red. En 2011, ils avaient ému Patti Smith aux larmes avec leur version de « Dancing Barefoot » lors du gala du Polar Music Prize à Stockholm que Smith a remporté. En 2012, elles avaient enregistré leur deuxième album, The Lion’s Roar, produit par Mogis, ainsi que le tendre single, « Emmylou ». Pas mal pour deux femmes qui n’avaient que 19 et 22 ans.

Sur Palomino, les Söderbergs jouent un jeu délicat, essayant de rester fidèles à leurs racines « country » suédoises tout en s’aventurant dans des directions beaucoup plus rock que tout ce qui a été fait auparavant. Ils ont bien appris leurs leçons, enregistrant en Suède et s’appuyant sur Daniel Bengtson pour apporter les touches de production dont ils avaient besoin. Bien que toutes les influences mentionnées ne se retrouvent pas sur Palomino, c’est un mélange intriguant d’ancien et de nouveau, de Fleetwood Mac, Carole King, Tom Petty, T. Rex et Elton John à des créateurs plus modernes comme Angel Olsen, Whitney et Big Thief.

La batterie qui ouvre la voie sur « Out of my Head » montre qu’il ne s’agit pas du simple petit groupe de country de la dernière décennie. Comme ils l’ont fait tout au long de leur carrière, ils marchent à leur propre rythme et, après cinq années passées loin des feux de la rampe, ils sont prêts à se déchaîner. Pourtant, il y a des questions à résoudre en cours de route. « Back in time, oh I go wanderin’/ Through the rooms of my mind/ Every door that I’ve been closedin’/ All the people that I have let down » (Retourner dans le temps, oh je vais errer / A travers les pièces de mon esprit / Toutes les portes que j’ai fermées / Toutes les personnes que j’ai laissé tomber). Elles se demandent si elles ne manquent pas de temps, ce qui est intéressant pour deux chanteuses encore si jeunes.

Ayant développé un don pour créer de grands arrangements, comme les cuivres qui conduisent « Angel » dans des espaces où ils ne sont jamais allés auparavant. Il n’est pas surprenant qu’ils aient eu à faire face à leur succès d’une manière qui suggère qu’ils ne méritent peut-être pas vraiment tout ce qu’ils ont accompli. « “I’ve been afraid all of my life/ Crippled with anxiety, shame and doubt/ And sometimes sometimes I’d like to shout/ At the top of my lungs and just let it out » (J’ai eu peur toute ma vie/ Paralysée par l’anxiété, la honte et le doute/ Et parfois, j’aimerais crier/ A pleins poumons et tout laisser sortir). Quand elles chantent comment la peur les a retenus, on commence à réaliser que les luttes font partie de la vie. Mais First Aid Kit arrive à gérer ses angoisses en écoutant des cuivres qui créent quelque chose d’un peu plus majestueux que ce que la personne habituelle pourrait entendre.

L’un des thèmes qui traverse Palomino est le sentiment d’être prêt à courir, impatient de voir ce qui se trouve juste derrière l’horizon. « A Feeling That Never Came » met en lumière ce sentiment tandis que les Söderbergs combinent un peu de T. Rex avec les cuivres de Memphis. Ils ne chantent pas en souhaitant ce qui était, mais plutôt en regardant ce qui vient après. Ils chantent : « On s’est fait virer du bar et on est partis vers l’ouest/ Je t’aimais, mais j’ai mis tout ça de côté/ Je suis restée au coin de la rue, solennelle sous la pluie/ J’attendais quelque chose, un sentiment qui n’est jamais venu » (Got kicked out of the bar and we headed west/ I loved you, I did, but I’ve put that all to rest/ Stood at the corner, solemn in the rain/ Waiting for something, a feeling that never came). Alors, elles passent à ce qui vient ensuite. Au fil du temps, First Aid Kit pourra se souvenir de ce moment et savoir qu’elles ont fait un choix judicieux.

***1/2

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Daikini: « Lisa Hammer »

1 novembre 2022

Dakini, le premier album de Lisa Hammer (Requiem In White, Mors Syphilitica), est sorti en 2009. Il a été décrit comme « une musique pour le rituel, l’introspection et « l’éveil des sens », « un manifeste complet de recherche intérieure dans lequel on retrouve de nombreuses influences de différents genres musicaux », et qu’il a été « conçu pour transporter l’auditeur loin du monde manifeste et dans un espace plus profond ».

Réédité ici sur un vinyle coloré limité, en version étendue avec trois morceaux supplémentaires, il offre une occasion idéale aux fans actuels de se remettre en question et de se réadapter, et aux nouveaux venus de se familiariser avec l’album.

Il se trouve que je fais partie de ce dernier camp, et j’aborde donc l’album avec des oreilles fraîches, et seulement le fait qu’il est présenté comme étant pour les fans de Dead Can Dance et qu’il promet  » des voix sans précédent, parfois angéliques et parfois maudites comme si elles venaient d’une autre période oubliée par le temps « .

On pourrait se demander si, si la version originale était un « manifeste complet », l’inclusion de morceaux supplémentaires n’est pas un gage de réussite. Surtout si l’on considère que « les ragas indiens correspondent aux heures de la journée, l’album représente donc un condensé de 24 heures, ce qui est parfait pour un rituel ou tout voyage émotionnel et spirituel ». Dans ce contexte, la question se pose de savoir comment assimiler le matériel supplémentaire de la manière la plus discrète possible, avec le moins d’impact possible sur le flux qui fait partie intégrante du concept original.

L’ouverture de l’album avec un nouveau morceau de sept minutes, « Alte Clamat Epicurus », fonctionne bien ; c’est une incantation vocale évocatrice sur un fond de bourdonnement clairsemé. Elle ressemble – à vue de nez, et avec un peu d’imagination – à un lever de soleil, à un réveil. Hammer sonne à la fois comme un monde à part et incroyablement terrestre, ce qui n’est pas une mince affaire – mais je trouve que c’est quelque chose de particulier à la musique, en particulier aux vocalisations, qui puisent dans les échos de l’ancienne spiritualité. Tout en exaltant les cieux, on a l’impression qu’il existe une connexion plus profonde avec le sol, les rochers, les arbres, les éléments. Cela ouvre parfaitement la voie à « In Taberna Quando Sumus » ; simple, rythmique, répétitif. Au fur et à mesure que l’album progresse, on s’accorde sur le sens d’un arc, d’un cycle, et Hammer entraîne l’auditeur dans un voyage intérieur. Certains arrangements musicaux sont si minimaux qu’ils sont à peine présents, le son du vent et des réverbérations caverneuses, tandis que d’autres sont centrés sur des percussions hypnotiques et des vocalisations chorales sans paroles, comme sur le puissant « Samsara » et le lilting, éthéré « Vajra ».

Ce flux est quelque peu perturbé par un mixage dance de  » Chant Nr 5 « , déposé comme quatorzième morceau à la fin de la troisième face. Dans le sens où il sert de conclusion à la face qui s’ouvre sur la version originale, cela a un certain sens, mais quand même… c’est incongru, balayant l’encens à la dérive avec un rythme effréné et un son d’orgue chevrotant. C’est peut-être pour cette raison que j’hésite toujours à utiliser le terme « musique du monde » : il s’agit d’une vision occidentalo-centrée du globe, où le « monde » est vaste et où l’Occident n’en occupe qu’une infime partie, tant sur le plan géographique que culturel. En Occident, l’Occident est le monde et perçoit sa domination culturelle comme telle. C’est une perspective très faussée.

Alors que Dakini incorpore des éléments de ce qui serait communément décrit comme de la musique « mondiale », c’est vraiment de la musique « mondiale » dans le sens où elle embrasse vraiment la musique du monde dans toute son ampleur, avec le chant délicat de « Lullaby » qui doit peut-être plus aux traditions occidentales et qui montre que pour Hammer, toutes les sources sont égales, et cela donne une expérience d’écoute riche et émouvante.

La quatrième face se termine, et clôt l’album, avec le troisième et dernier morceau bonus,  » Hurdy Gurdy Gavotte « . Et là, tout est parfaitement assumé.

****1/2

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Adam Geoffrey Cole: « The Tracks of the Afterlander »

31 octobre 2022

Sous le nom de Trappist Afterland, Adam G Cole s’est taillé un catalogue intransigeant et souvent excitant de folk spirituel acide qui tisse des signatures temporelles orientales, des drones éthérés et des voyages audio méditatifs, qui ont abouti à Seaside Ghost Tales en 2020. Le double album culmine dans une série de chansons qui semblent en désaccord avec ses performances live, et avec le plus grand des respects, on a l’impression que Cole a exorcisé toutes les possibilités sonores de son domaine trappiste avant de s’en débarrasser dans un acte de transcendance audio. 

Les pistes dépouillées de l’Afterlander sont un antidote parfait à l’édition ultérieure du Trappist Afterland, se limitant à des instruments à cordes soigneusement sélectionnés et supprimant les nombreux instruments de percussion. Cela permet aux compositions d’Adam Cole d’avoir de l’espace pour respirer et, en effet, avec beaucoup de chansons revisitées, une chance d’apprécier leur brillance sans le bagage sonore supplémentaire qui a fait que ses sorties précédentes s’insèrent bien dans le paramètre folk acide. 

The Tracks of the Afterlander montre également la subtilité du jeu de Cole et la façon dont il a trouvé sa voix en tant qu’instrument, avec des murmures et des chuchotements agréables qui s’intègrent parfaitement à son travail instrumental sûr. Une autre observation qui devient évidente est la façon dont Cole s’est concentré sur l’écriture de fils concis, avec la moitié des pistes qui font moins de 3 minutes. S’agit-il d’un exemple de Cole se lançant dans la pop baroque acoustique ?   

Cela ne va en aucun cas polariser l’auditeur, car les morceaux les plus longs (notamment « Clay Sparrows » et « Man of Sorrow ») conservent leur brillance médiative et fonctionnent encore mieux comme des exercices de voix et de guitare avec seulement le plus subtil des soutiens, fourni par Anthony Cornish, collaborateur de longue date.

Cette régression naturelle donne naissance à un album qui plaira aux fans actuels tout en attirant l’attention d’un nouveau public grâce à un son accessible qui conserve les nuances qui ont fait des précédents albums de Trappist Afterland des expériences uniques. The Tracks of the Afterlander ressemble à la quintessence d’un moment de Janus, regardant à la fois vers l’avant et vers l’arrière, et évaluant la bifurcation naturelle de la route qui aboutit à deux voies musicales à explorer davantage en toute confiance. Un album accompli.

***1/2

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Sports: « Team Gulp! »

30 octobre 2022

La Grande-Bretagne a toujours eu une histoire saine en ce qui concerne le rock indé, et on peut même dire que c’est le pays qui a inventé cette classification. Depuis quelques années environ, il semble que ce vaste domaine ait reçu une impulsion créative. Des groupes surgissent de différentes villes et produisent certains de leurs meilleurs morceaux, tout en remettant l’accent sur la sphère musicale.

Les Londoniens de Sports Team sont l’un des nombreux groupes qui font partie de ce renouveau naissant et leur nouvel album Gulp ! signale leur arrivée de manière éclatante. L’album, qui est sorti le 23 septembre sur Island et Bright Antenna Records, combine des paroles accrocheuses, des rythmes énergiques et une vigueur débridée pour créer des morceaux contagieux.

La caractéristique immédiate qui me saute aux yeux à l’écoute est le chant d’Alex Rice. Il a cette façon unique de crooner qui se situe entre la soul de la Motown et l’élégance de la pop orchestrale des années 50. Son registre contribue au dynamisme des chansons, tout comme les guitares de Rob Knaggs et Henry Young. Oli Dewdney à la basse et Al Greenwood à la batterie forment la base des arrangements, tandis que Ben Mack au clavier et aux percussions apporte la touche finale. Ensemble, ces musiciens créent des hymnes délirants et rauques qui résonnent de vibrations optimistes et libératrices.

« The Game » donnera le coup d’envoi de l’album avec des guitares foudroyantes, des paroles accrocheuses et des harmonies joyeuses. Si cela ne fait pas danser les gens, je ne sais pas ce qui le fera. Avec un ton plus sombre, « Cool It Kid » illustre la façon dont la voix de Rice peut porter une chanson, tandis que le reste du groupe se joint à elle à divers moments. Un autre morceau qui fera bouger le corps est « Fingers (Taken Off) », surtout lorsque les guitares entrent en jeu après que la batterie et la basse aient mené l’introduction. D’autres points forts de Gulp ! qui méritent une certaine attention sont « The Drop », « Unstuck » et « Kool Aid ».

Cet album est composé de musique qui peut faire en sorte que l’auditeur se sente vivant. Quiconque se branche et appuie sur play aura envie de couper un tapis ou au moins de bouger un peu la tête et de taper du pied. N’est-ce pas là que la musique est la meilleure, lorsqu’elle vous fait ressentir quelque chose de positif ? C’est ce que fait Sports Team et sa musique mérite d’être acclamée et louée. C’est pourquoi leur nouvel album est super bon et les gens devraient l’écouter.

***1/2

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Honey Harper Honey: « Harper and the Infinite Sky »

29 octobre 2022

Starmaker, le premier album d’Honey Harper en 2020, est l’un de ces rares albums qui semblent capables de révolutionner un genre. Sa fusion de country traditionnelle et de dream-pop envoûtante s’est avérée être le genre de mouvement tectonique qui pourrait modifier le paysage musical de la scène… si seulement il pouvait atteindre suffisamment d’oreilles. Malheureusement, comme c’est le cas pour la plupart des artistes les plus talentueux de l’industrie, Will Fussell et Alana Pagnutti n’ont pas réussi à se faire entendre. InfiniteSkyStarmaker est sorti le 6 mars 2020, et l’Organisation mondiale de la santé a déclaré la COVID-19 pandémie le 11 mars. En conséquence, Honey Harper n’a jamais pu partir en tournée avec ce lot de joyaux de rêve, et sur le plan promotionnel – malgré sa beauté indéniable et son invention intelligente – Starmaker a connu des ratés. C’est une histoire bien trop familière pour les artistes du monde entier qui ont atteint l’apogée de leur créativité au mauvais moment de l’histoire. Bien qu’un tel échec soit naturellement décourageant, Will et Alana ont choisi de garder les yeux fixés sur l’avenir, et en novembre de la même année, l’album qui allait devenir Honey Harper & The Infinite Sky était né.

Dans sa forme finale, l’album représente un changement notable par rapport à Starmaker. Il est comparativement dépouillé, libre et insouciant. Il y a un son de groupe complet car Fussell/Pagnutti ont été rejoints par le claviériste de Spoon Alex Fischel et John Carroll Kirby (Solange, Steve Lacy) en studio. En conséquence, le disque ressemble moins à sa propre galaxie isolée et éthérée qu’à un groupe jouant sous les étoiles. Il a toujours cette qualité spacieuse et chatoyante, mais ses bottes sont fermement plantées dans la terre. Si Starmaker était de la country cosmique de rêve, Infinite Sky ressemble davantage à un voyage dans l’Americana, chargé de groove et d’écran large.

La principale idiosyncrasie d’Honey Harper – cette voix soyeuse et toujours douce – est toujours le moteur de l’album, mais l’atmosphère environnante est plus organique que céleste : les pianos scintillent à la surface, les guitares électriques gémissent comme si elles sortaient tout droit d’une scène d’un vieux western, et la batterie a un son terrien et organique.

On pourrait en déduire que Honey Harper & The Infinite Sky est le fruit du travail de Fussell et Pagnutti, qui ont rattrapé le temps perdu sur la route, en créant quelque chose qui se traduirait bien sur scène tout en sonnant bien sur disque. Cette transformation esthétique est particulièrement évidente sur des titres tels que  » Ain’t No Cowboys in Georgia  » et  » Broken Token « , qui confèrent à Infinite Sky ce sens très précoce de la country brute et non filtrée. Il y a encore beaucoup de ballades poignantes, qui se balancent doucement, comme la gracieuse « Lake Song » ou la touchante « The World Moves », enveloppée de piano, donc si vous êtes trop inquiets que Honey Harper ait perdu toutes ses qualités magiques, ne le soyez pas.

À l’instar de Starmaker, les meilleures caractéristiques de cet album sont celles qui ne sont pas immédiatement perceptibles. Il y a la flûte de pan subtile et enfouie dans « Reflections », la façon dont ce solo de guitare prend vraiment son envol et devient une accroche mémorable sur « Georgia », la façon dont la batterie passe à un tempo enjoué vers la fin de « Tired of Feeling Good », les touches et les cordes qui jouent à danser sous la surface de l’acoustique à couper le souffle de « Crystal Heart », les versets d’auto-réflexion d’une honnêteté brutale (« sometimes I’m so tired of making music / I just want to live »), les chœurs impeccables d’Alana qui lévitent au-dessus de chaque harmonie comme l’ange gardien du disque. … il se dévoile, dans toutes ses couches étonnantes, si vous le permettez. Si l’on compare cet album à son prédécesseur, il semble souvent un peu plus sale, nonchalant et honky tonk – et il est vrai qu’il n’est pas aussi constamment accrocheur – mais Honey Harper a prouvé une fois de plus qu’il était suffisamment complet et complexe en tant qu’auteur-compositeur pour transcender ce qui serait, pour tout autre artiste, des faiblesses inhérentes. En conséquence, Honey Harper & The Infinite Sky best un opus étincelant.

Les meilleurs artistes sont ceux qui se réinventent constamment, et c’est exactement ce que fait Honey Harper ici. Ils sont sans doute toujours à leur meilleur lorsqu’ils reviennent aux styles qui nous ont charmés et envoûtés sur Starmaker, mais il y a aussi des voies entièrement nouvelles pour le succès qui se déploient directement devant nos oreilles. Sur l’avant-dernier morceau « Heaven Knows I Won’t Be There », nous avons droit à un contraste magnifique entre la voix grave de Harper et un refrain de fond à couper le souffle. Alors que les styles contradictoires s’entremêlent et se gonflent d’une émotion croissante à chaque tournant, nous avons l’impression d’être transportés dans un endroit plus époustouflant et plus profond que ce que nous pouvons comprendre ou même voir. Honey Harper & The Infinite Sky est en phase avec ce moment ; il n’est peut-être pas en soi le classique instantané qu’était Starmaker, mais il est magnifiquement suspendu entre les mondes – en route vers le prochain moment parfait. En ce moment, l’avenir de ce groupe semble illimité, et The Infinite Sky est un titre on ne peut plus approprié.

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Show Me The Body: « Trouble The Water »

29 octobre 2022

« En ces jours de haine, je cherche la vérité. » Cette phrase résume parfaitement le troisième album de Show Me The Body, « Trouble The Water », un album finement adapté à l’esprit du temps, très tendu et marqué par l’anxiété. Le dernier album du trio new-yorkais rend hommage à sa ville natale, tant sur le plan sonore que narratif.

Dans le premier cas, il s’agit d’un assaut féroce de punk hardcore, de hip-hop et de bruit déconstruit, et dans le second, d’une célébration des riches sous-cultures de la Big Apple, et de la façon dont elles se combinent pour créer un style et un esprit uniques. Malgré les tendances new-yorkaises de l’album, beaucoup de ses thèmes sont universels, principalement la frustration, le désenchantement et un puissant dédain pour la bureaucratie sans visage. Si vous écrasez tout cela, vous obtenez une collection de chansons qui frémissent d’une violente fureur, mais ce n’est pas une fureur aveugle. Malgré cette rage ardente, Show Me The Body transmet un message de communauté et montre comment la force du nombre peut susciter le changement.

Si « in these days of hate/I search for truth » via « War Not Beef » caractérise le ton de « Trouble The Water », le grognement acerbe de « everything suppressed boils up » ( tout ce qui est réprimé remonte à la surface) du volcanique « Boils Up » s’enfonce profondément dans la colère de l’album. Il s’agit d’un appel aux armes explosif hurlé par Julian Cashwan Pratt (chanteur/banjo) et qui se trouve au cœur du disque. C’est ici que la tension mondiale palpable, littéralement, explose au son d’une distorsion hip-hop punk.

Si ce morceau est le plus viscéral de Show Me The Body, leur troisième album ne manque pas de violence gutturale. « Food From Plate  » convulse avec une énergie de confrontation qui fait que Pratt aboie  » they try to save their face/fuck that/we try to take it away  » (ils essaient de sauver leur visage / merde à ça / nous essayons de l’enlever) comme un homme à la tête d’une unité déterminée à démasquer les escrocs du pouvoir. Le morceau d’ouverture « Loose Talk » dresse un constat sombre de la vie moderne, où des personnages malfaisants se cachent à la vue de tous : « sometimes I think of silence/sometimes I think of the words they speak/sometimes I think of the wolf in the carcass of the sheep «  (parfois je pense au silence/parfois je pense aux mots qu’ils prononcent/parfois je pense au loup dans la carcasse du mouton). S’écartant brièvement de la mêlée apparemment perpétuelle de « Trouble The Water », la livraison dépouillée de « WW4 » permet à Pratt de faire le commentaire le plus accablant sur son pays d’origine « difficile de rester en vie en Amérique ». Le titre éponyme de l’album clôt l’album de façon menaçante par un hochet punk et rugueux. On peut entendre une légère lueur d’optimisme poindre dans le paysage sonore dense, alors que le leader du groupe grogne « it’s easy to tell hate from love ».

Lorsqu’il ne s’agit pas d’aborder les questions sociétales de front, Trouble The Water nous présente une figure assiégée, qui ploie sous le poids du monde. Un brouhaha de bruits électroniques et de tambours qui s’emballent alimente la personnalité désenchantée de Radiator, tandis que le leader du trio crache « give me a problem/give me a break/don’t know how to communicate/there’s nothing for me when I try to stay/there’s nothing for me here » (donnez-moi un problème / donnez-moi une pause / je ne sais pas comment communiquer / il n’y a rien pour moi quand j’essaie de rester / il n’y a rien pour moi ici). Les sous-entendus nauséeux de  » Out Of Place  » injectent un moment de calme dans le disque, alors que Pratt lance  » I wasn’t meant for earth/escape the hurt/I reach for space « (Je n’étais pas fait pour la terre, j’ai fui la douleur, je suis parti pour l’espace.) avec un puissant sentiment de douleur et de vulnérabilité.

Trouble The Water est un disque intense, un disque de confrontation, de colère et de recherche de la vérité dans un monde plein de mensonges.

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Peter Buck/Luke Haines: « All the Kids are Super Bummed Out »

29 octobre 2022

Absurdement prolifique et jamais à court de sujets à chanter, Luke Haines pourrait probablement écrire un opéra dans le temps que la plupart d’entre nous mettent à faire une liste de courses. Ancien leader des Auteurs et de Black Box Recorder, Haines a poursuivi une carrière solo qui lui a permis de mettre sa verve en avant et, avec l’aide de son ami Peter Buck, il nous a offert une nouvelle série d’envolées surréalistes sur All the Kids Are Super Bummed Out. Haines semble invariablement plus intéressé par l’ambiance et les jeux de mots délicats que par une ligne narrative claire, mais sur cet ensemble de chansons (17 titres en 68 minutes), il est obsédé par la collision entre la politique de la confrontation armée et les excès de la culture jeune de la génération précédente. « The Commies Are Coming », « The British Army on LSD » et « 45 Revolutions » offrent tous un niveau divertissant de paranoïa poétique enveloppée d’une part égale d’esprit surréaliste et d’une concentration cynique aiguisée. Avec cette dernière série de salves d’une longueur de deux albums, c’est une bonne chose que Haines ait Peter Buck à bord pour l’aider à écrire et produire la musique.

Comme sur la précédente collaboration entre Haines et Buck, Beat Poetry for Survivalists en 2020, l’ancien guitariste de R.E.M. a mis de côté son jangle caractéristique pour adopter un ton plus sombre qui convient mieux au fatalisme enthousiaste de la voix de Haines ; ses mélodies et ses arrangements s’accordent parfaitement aux paroles, et son utilisation créative d’un synthétiseur Moog démodé s’accorde parfaitement avec la nostalgie inversée des chansons. (Comme à son habitude, Buck a également fait appel à quelques amis talentueux pour l’aider dans ces sessions, notamment Scott McCaughey du Minus 5, Linda Pitmon du Baseball Project et Lenny Kaye, guitariste de longue date du Patti Smith Group). All The Kids Are Super Bummed Out fait l’erreur de concentrer les morceaux les plus excitants dans la première moitié de l’album, ce qui rend le dernier acte plus difficile qu’il ne devrait l’être, les angoisses verbales de Haines commençant à l’emporter sur son esprit. Mais aucun fan des précédents travaux de Haines ne risque d’être déçu par All the Kids Are Super Bummed Out, et il a la chance d’avoir trouvé en Peter Buck un collaborateur dont la musique est aussi forte, idiosyncrasique et pleine d’esprit que les textes qu’elle soutient.

***1/2

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Publié par rockdecibels

The Soft Pink Truth: « Is It Going to Get Any Deeper Than This? »

28 octobre 2022

Is It Going to Get Anyeper Than This ? est un titre approprié. Ce n’est pas surprenant, étant donné l’héritage de The Soft Pink Truth ; Drew Daniel, l’une des moitiés du groupe expérimental bien-aimé Matmos, est également professeur d’anglais, bien publié dans les angles et les créneaux de son domaine. Le schéma de dénomination de son travail, orienté vers les questions, peut sembler être un gadget, mais il y a quelque chose de plus pathologiquement honnête dans les titres qui sont ouverts et méditatifs de cette manière, refusant la spécificité abstraite de l’identité pour se rendre plus orienté vers le processus, même par le titre.

Cela se retrouve dans les méthodologies déployées ici. L’album n’est pas spécifiquement séquencé comme un morceau de musique continu, mais il pourrait tout aussi bien l’être, signe d’un esprit vif derrière les plus petits détails comme l’ordre de l’album. Je dois admettre que les premières fois que j’ai écouté ce disque, c’était avec un froncement de sourcils. Les morceaux avaient de multiples facettes, certes, ils étaient palpitants et évolutifs, mais il était difficile de saisir une impulsion, un élément motivant, le pourquoi du disque (à part l’évidence : « qu’y a-t-il d’autre ? »). Tout cela s’est dissous dans l’air dès que, duh, j’ai augmenté le volume. Parce que c’est ce qui différencie ce disque de Matmos. L’expérimental est préservé ici, fabriqué par la même main, mais le détournement se concentre davantage sur le maniement des multiples outils développés par Matmos vers quelque chose de plus naturellement humain. Ou, plus simplement : c’est un disque de danse, et on ne peut pas danser si cette merde est trop silencieuse.

Avec ce coup de fouet, il prend vie. L’album nage et vole, un murmure d’étourneaux, des bancs de poissons qui s’élancent comme des poignards faits d’éclats de miroir brisés qui tranchent dans la mer, des éclats de couleur et des fleurs éclatantes tricotées dans un lit. Il y a des implications de l’eau, de la végétation, comme une couverture d’album de Yes réglée sur un rythme lancinant de naissance perpétuelle à quatre sur le plancher. On ne saurait trop complimenter l’ingénierie du son et le mixage ; les couches s’enchaînent comme le papier bruissant d’un bureau, formant ces motifs ondulants où, par-dessus, des éléments de plomb percent le mixage comme une brique ou une lampe lancée à travers les feuilles. Il y a un sens de la profondeur et de la dimension des sons, une plénitude piquante si riche que vous pourriez presque les saisir, comme s’ils étaient physiquement là.

Cet élément intensément physique et imaginaire de la musique ne semble pas indélibéré ou masturbatoire. Ces choses sont motivées par un but précis ; comme une version relaxante de la pluralité des genres de Fire-Toolz ou de Mr. Bungle cherchant à créer un objet unique et continu plutôt que ces éclats juxtapositionnels, Daniel insère les coins de ces éléments sonores, qu’il s’agisse de voix, de cuivres, de synthés, de guitares, de rythmes ou de quoi que ce soit d’autre, les forçant à se soumettre à ce rythme continu en constante évolution. On peut vérifier des référents sonores allant de la house à la tropicália, du dub à la fusion, de l’afrobeat au rock progressif, du New Age au disco. Daniel pense clairement comme un DJ, même dans la composition ; chaque élément est introduit ou retiré afin de ne pas se servir lui-même, mais ce méta-objet en constante évolution, un DJ set parfait d’une heure composé de compositions originales.

Étant donné que cet album sort la même année que le récent album de Matmos, résolument outré et expérimental, qui réinterprète des compositions polonaises d’avant-garde dans un espace électronique, il est logique qu’il se tourne vers quelque chose d’aussi vivant et dansant. Le projet global de Matmos et de The Soft Pink Truth ressemble à une carte de l’univers transposée à la musique électronique, agnostique dans ses origines même si le produit final est habilement façonné pour revenir à deux styles de base. Il y a un élément d’équilibre, un peu comme lorsque, l’année du dernier LP de The Soft Pink Truth, nous avons reçu un coffret 3LP d’expérimentations de Matmos ainsi qu’un EP de reprises hardcore de Drew Daniel lui-même. Les pouvoirs de Daniel restent à ce même sommet impeccable, évoquant l’émerveillement et la beauté de la fouille de caisses dans des compositions originales qui, surtout dans le vide existentiel auquel fait allusion la question titre de ce disque, doivent être répondues par la dance.

***1/2

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Publié par rockdecibels

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