Svart Crown: « Wolves Among The Ashes »

On peut considérer Profane de Svart Crown comme le pendant d’Ulcerate, un combo propre à nous narrer les voayages de ce pauvre homme qui tenterait d’apporter quelques éléments d’autres influences (Behemoth par exemple) et nous aiderait à modeler notre avancée dans la scène du métal extrême. Pour la plupart, cette descriptionde quête ou pélerinage fonctionne bien, identifiant les parties de la musique de Svart Crown qui sont intéressantes ou profondes tout en équilibrant ces moments parfois sans éclat qui venaient avec le territoire du death metal et autres vagues métal En 2017, avec Abreation, le groupe, s’est inspiré de Witnessing The Fall et de Profane pour ouvrir sa palette sonore à un monde où Svart Crown pourrait se développer en un amalgame de death metal de qualité.

Wolves Among The Ashes est une sortie ambitieuse qui commence à séparer les sorties passées de Svart Crown de son état actuel. Même à première vue, il est clair que le dernier album de Svart Crown est un opus varié et évolutif. Parfois, leur style de death metal devient progressif, car ils tournent autour du black metal, du hardcore et de certains des death metal les plus typiques que vous entendrez de ce côté-ci de l’année 2010. Mais Wolves Among The Ashes ne se conforme pas non plus à une simple hybridation de death metal noirci.

Après un court morceau d’introduction, « Thermageddon » se fraye un chemin jusqu’à une balade et l’ambiance devient instantanément frénétique lorsque les riffs se fondent dans la basse et le lead, frappant l’auditeur avec un mur sonore rapide et presque cliché. En comparaison directe avec le précédent album du groupe, Abreation, Wolves Among The Ashes est plus singulier en prenant leurs sons piste par piste – plutôt que d’envelopper l’album dans un motif instrumental singulier. La frénésie implicite initiale de l’album n’est cependant pas la seule carte de visite de Svart Crown pour 2020. Après ce qui ne peut être considéré que comme un « Thermageddon », « Art Of Obedience » et « Blessed Be The Fools » se détendent dans un groove accueillant, s’appuyant sur un festival de riffs plus accessible mais complètement dissonant, et comblant à leur tour les lacunes entre certains visages plus extrêmes du métal.

La nouvelle capacité de Svart Crown à changer de vitesse dans Wolves Among The Ashes apporte de nouvelles dimensions sonores à la lumière, en particulier les vibrations d’un combo comme Gojira, sans équivoque, pendant l’attaque de « Blessed Be The Fools ». Ce sont ces changements de tonalité qui renforcent une structuration semi-fondée de l’écriture de la chanson, ne serait-ce qu’en laissant une certaine place à la liberté pour certains des légers problèmes d’identité du groupe. Ce sont ces moments qui créent un niveau de disparité entre la grandeur et la médiocrité moyenne, une ligne qui n’est pas si facilement définie dans le death metal moderne. Wolves Among The Ashes n’est pas si facilement assimilé à l’une ou l’autre de ces deux foules, car ses récompenses proviennent d’écoutes répétées. La trajectoire de carrière de Svart Crown a montré de nombreuses indications que l’album s’appuierait sur les attentes souvent mal placées et élevées par Abreation et pour cela, l’effort de Svart pour 2020 est un pas important dans la bonne direction. Dans l’ensemble, Svart a apporté une base de sorties passées et a progressivement resserré l’emprise sur un paysage sonore désormais intéressant et semi-fondé – rendu réel par quelques défauts intrinsèques qui demeurent non substantiels.

***1/2

Pictish Trail: « Thumb World »

Quatre ans après sa création, Thumb World suit avec style Future Echoes de Pictish Trail, un opus salué par la critique et présélectionné pour le prix du Scottish Album of the Year. Pictish Tail, alias de Johnny Lynch, ouvre les portes de sa maison sur l’île d’Eigg, laisse entrer le soleil et produit une merveille psycho-pop électro-acoustique avec des chansons concernant tout, des enlèvements par des extra-terrestres aux cochons qui ressemblent à Donald Trump. Si cela donne à cet album l’air d’une folie complaisante faite par un fou en ermite, alors vous auriez à moitié raison, mais laissez Thumb World enfoncer ses clous dans votre conscience et il y a de quoi s’amuser.

L’album s’ouvre sur « Repeat Neverending », une méditation en écho qui rappelle le Beta Band à son meilleur niveau de transe, tandis que « Pig Nice » s’ouvre sur des tambours fortement déformés avant de s’enfoncer dans une méditation solitaire et troublée sur la politique intérieure du président américain. C’est un morceau émouvant, tout comme le morceau-titre qui ressemblerait à un Pet Sounds squi éurait été confectionné dans une hutte plutôt qu’en Californie.

Ailleurs, « Lead Balloon » est une émouvante excuse adressée à la partenaire de Lynch après une soirée qui s’est transformée en monstrueuse gueule de bois et dont le refrain est si fantastique et fantasque qu’il vaut à lui seul mille absolutions. Créatif, plein de vie, drôle et beau, Thumb World mérite qu’on lève le pouce à son écoute.

****

Drama: « Dance Without Me »

Drama est le nom d’un projet parallèle mené par un duo composé de Na’el Shehade et Via Rosa. Shehade est le producteur derrière la musique, tandis que Rosa chante et écrit. La richesse de leurs origines et de leurs cultures respectives contribue à influencer leur art. L’objectif de Drama est de s’assurer que chaque chanson qu’ils publient est dansable. 

Leur dernier projet est, à cet égard, intitulé Dance Without Me. Il commence sur une note agréable, avec le morceau « 7:04 » qui affiche le côté plus doux de la pop, avec un rythme lent hypnotique et des percussions silencieuses. « Years », a chanson qui suit, est un peu plus optimiste, mais elle conserve la sensation mélancolique du morceau précédent, soulignée par l’écho des voix et un message sombre de type « ven in death/ I hope you’ll know I was here for you » (même dans la mort/ j’espère que vous saurez que j’étais là pour vous). 

Les deux premiers « singles » de l’album sont « Hold On » et « Gimme Gimme » qui mettent en avant le son dance-pop dont le duo est fortement influencé, avec des paroles répétitives associées à des mélodies accrocheuses. « Gimmie Gimmie » en particulier a un côté old school des années 80, mêlé aux sons de synthé actuels qui rappellent sans aucun doute le côté plus tendance de l’indie-pop.

Un morceau qui se démarquera un peu du reste sera « Good For Nothing » qui chevauche en parfait équilibre entre les éléments électroniques, l’influence des années 80 et la pop lunatique actuelle avec un chant émotionnel et des paroles vulnérables mais attrayantes comme « There’s nothing better than a good love letter to confess/ and I thought there was nothing left » ou « I used to dream of falling in love/ I had some dark, strange fantasy of/ finding the one »( Il n’y a rien de mieux qu’une bonne lettre d’amour à confesser/ et je pensais qu’il n’y avait plus rien) et (Je rêvais de tomber amoureux/ j’avais un fantasme sombre et étrange de/ trouver l’âme soeur).

Le projet se termine sur une note de piano avec le titre éponyme, « Dance Without Me » » et bien qu’il ne partage pas la qualité dansante de certaines autres, c’est le morceau qui a le plus de touches R&B et même jazz dans la voix et les styles rythmiques qui y alternent  Dance Without Me est un bon mélange de chansons faciles et accrocheuses, mais aussi sombres et profondes. Drama explore un côté plus doux et plus déchirant de la dance-pop ; des paroles tragiques, des émotions tristes masquées par des airs envoûtants et entraînants.

***1/2

Giver: « Sculpture Of Violence »

Quiconque cherche un disque hardcore de bonne ou moyenne facture à ajouter à sa collection le trouvera avec Giver st son premier album Sculpture Of Violence. Le quintette allemand s’efforce évidemment de combler le vide qui est actuellement incroyablement évident dans le genre hardcore, et il y parvient, peu ou prou.

Certaines des chansons de Sculpture Of Violence ont, en effet, certainement le potentiel d’être quelque chose de plus grand qu’elles ne le sont, mais pour y arriver, il faudra peut-être un peu plus que ce qu’elles présentent sur cet album. Des partitions comme « Evil Is » ne font qu’en donner l’impression.L’enseimble paraaaît inachevé à divers points de vue, et même si certains titre, comme « Every Age Has Its Dragons (Like An Empire) », tentent d’y insuffler un peu d’air frais, la vible est malheureusement mal ajustée.

Toutes les chansons ont la même énergie, ce qui fonctionne de manière à la fois négative et positive pour Giver. Si l’album ne perd jamais son rythme et sa fluidité, il ne la change pas non plus. Il n’y aura pas une seule composition pour se démarque particulièrement dans un sens ou dans l’autre. Rien n’est épouvantable, rien n’est excellent. Giver réussit à surfer sur une vague d’insipidité tout au long de ce processus créatif.

Malgré tout cela, Giver innove avec son propre son et montre qu’il peut, en évoluant un peu plus, jouer parmi ses pairs et s’intégrer parfaitement à la sphère hardcore.

**1/2

Syko Friend: « Fontanelle »

Syko Friend est la vision solo de la musicienne et écrivaine Sophie Weil, basée à Los Angeles. Elle a créé Syko Friend en 2012 alors qu’elle vivait à Minneapolis, en enregistrant simplement sur un Tascam 244 Porta-studio. Depuis, le projet s’est transformé en une musique folk électrique, sans équivoque, qui se fait entendre au son d’une guitare légère et tonitruante, sous des chuchotements ou des hurlements de poésie. Fontanelle est le deuxième LP de Syko Friend, son premier depuis son installation à Los Angeles en 2015, et son premier pour le label Post Present Medium, qui vient de renaître. Il a été précédé de Problem Child (sorti sur le label Mind Rider de Minneapolis en 2014) et d’une myriade d’EP et de cassettes autoproduits. En six ans d’engagement infatigable dans les tournées de bricolage sonore et d’entraide, Weil est devenue un pilier de sa communauté musicale à Los Angeles, organisant des spectacles et des sorties pour une cohorte d’amis très variés et d’une grande portée sous la bannière de son label Dove Cove Records.

Elle est connue pour la lourdeur de ses concerts de sensibilisation et s’est produite en tant que Syko Friend dans des clubs underground, des centres communautaires, des sous-sols, des parcs, des parkings, des forêts et des fermes partout aux États-Unis, dans des villes à la fois peuplées et souvent négligées.

Fontanelle fait référence à la tache molle et non développée sur la tête d’un enfant. Ce disque mérite son titre surprenant, vulnérable et tectonique comme celui qui comble la brèche dans le crâne. Désireux d’être soigné, il fait preuve d’utopie et de scepticisme tout en participant à la vie de la commune. Désireux d’amour, de franchise, de communication et de nourriture gratuite. Dans cet album, Syko Friend est irradiée, clarifiée, sort de l’ombre, a soif d’air frais et l’enfer est prête à s’épanouir. Sa voix riche et humaine tourne patiemment dans l’œil d’une tempête qui fait rage juste hors champ au-delà de la coque rouillée et parfumée de son sanctuaire sous-marin. C’est une musique de conspiration, qui rappelle par moments la rafale de camarades Body/Head, l’approche avant-gardiste des Rallizes, la lucidité et la puissance discrète de Sibylle Baier.

« Liberty », le premier titre de Fontanelle, s’est étoffé lors d’une tournée sur la côte ouest il y a quelques automnes. Il s’ouvre sur une sirène malsaine de tourbillon de guitare qui établit l’espace. « Remind me how to write your name » (Rappelle-moi comment écrire ton nom). Quand la voix de Weil arrive, elle se fait entendre à travers une belle mais menaçante pastorale à Los Angeles, celle faite de fermes de mauvaises herbes, de petites villes de cabanes et de baraques, de wapitis en migration ; de sables noirs et de bords rocheux luxuriants, incroyablement verts, de soleil brumeux de fumée provenant de feux de forêt dévastateurs. « …And I can drink the juice out from your broken glass / it’s heavy when the lights get low to recognise / and all to see the elk they kneel around me in a circle / that’s mother earth she’s standing with her smoking gun. » (…Et je peux boire le jus de votre verre brisé / c’est lourd quand les lumières sont basses pour reconnaître / et tout ça pour voir les élans qu’ils agenouillent autour de moi en cercle / c’est la terre mère qu’elle tient avec son pistolet fumant.) On y trouve tour à tour des aveux, des incantations, des adresses directes, des accusations accablantes, comme les verbalise Syko Friend. « Kitten Coop », l’avant-dernier morceau du disque, est d’aspect plus doux, un simple arrangement de guitare carillonnée et triée sur le volet, suivi d’un murmure acoustique. Celui-ci est une chanson d’amour à une vie plus simple, de l’avoine trempée dans du lait et du miel, un papier d’aluminium à la fumée que nous avons toussé pour arriver jusqu’ici sur le disque. Ce n’est pas le rêve d’un pays imaginaire, mais le désir d’un lieu d’abondance modeste et réalisable. Une directive sérieuse, éclaboussée de désinvolture et couronnée d’une belle promesse : «  So find your kitten ranch / and buy your chicken coop / and I can see the fine light / that love is all around you. » (Alors trouvez votre ranch à chatons / et achetez votre poulailler / et je peux voir la belle lumière / que l’amour est tout autour de vous.)

Fontanelle a été tendrement enregistré et mixé par Robert Cody et Evan Burrows au printemps 2019. Les guitares électriques ont été suivies dans le garage de Weil. Les voix et la guitare acoustique ont été enregistrées dans son placard et sa salle de bain. Sa maison est située entre la I-5 et la rivière L.A., dans la vallée de l’Elysée. Un micro contact fixé à la porte du garage pendant le suivi de base a capté ces ambiances, qui sont mélangées dans le disque comme matériau, invitant l’extérieur à entrer. Un disque accueillant et nous souhaitant la bienvenue.

****

Handguns: « When The Light Burns Out »

On peut dire sans se tromper que Handguns a connu son lot de changements de line-up, mais maintenant, armés à nouveau des membres originaux, ils reviennent avec leur quatrième album, When The Lights Burn Out.

Le premiee titre, « Constructive Criticis » », ne dure peut-être qu’une minute, mais il est percutant dès le début et constitue un retour très attendu, étant donné que leur dernier album est sorti il y a cinq ans.

« Cap Peeler » ensuite est tout ce que l’on peut attendre d’un disque pop-punk : une histoire de rupture angoissante avec des riffs extrêmement accrocheurs, sans parler de la nostalgie inattendue façon Pinky And The Brain, qui s’arrête à mi-chemin pour laisser place à un « Hey Marco what do you want to do tonight? / The same thing we do every night Jake / Try to take over the world. » (Hey Marco, que veux-tu faire ce soir ? / La même chose que nous faisons tous les soirs Jake / Essayer de conquérir le monde.)

L’ensemble du son du disque rappelle le genre de pop-punk qui faisait des vagues au début des années 2010, et, bien qu’il soit très facile d’écarter cela comme un manque d’évolution, il est plus significatif qu’ils restent fidèles à leurs racines. « Frictional Damage » le montre parfaitement avec ses chants infectieux qui seront sans aucun doute bien accueillis dans n’importe quel spectacle, et qui ont cet air nostalgique de jeunesse.

Le morceau phare, « Liquid Therapy », est un hymne énergique et roboratif qui reflète la qualité du lyrisme du groupe, facteur de longévité de leur succès. Bouleversant un peu la direction, « Glass Lanterns » en revanche adoptera un nouveau son rafraîchissant pour le combo ; un son légèrement plus lourd qui se rapproche presque du style pop-punk de Sum 41. Le chant déformé et les riffs puissants fonctionnent très bien, et il aurait été intéressant d’en entendre un peu plus sur l’album. Une des choses les plus remarquables à retenir de ce disque est le fait qu’il s’agit d’un groupe qui sait très bien qui il est. Il est regrettable qu’il n’ait pas eu l’éclat qu’il mérite pleinement après douze ans, mais Handguns restera un groupe à part entière dans la sphère pop-punk.

***1/2

Orthodox: « Let It Take Its Course »

Sur Let It Take Its Course, lun titre comme « Leave » est, à cet agard, remarquable en raison de son style vocal. Adam Easterling fait un travail fantastique grâce à la façon dont il utilise sa voix pour raconter les ténèbres de la chanson. Tout au long du morceau, Easterling parle d’une voix basse et persuasive et vers la fin de la chanson, il commence à chuchoter les paroles et, d’une certaine manière, les chuchotements façonnent le thème du morceau.

Le titre « Let It Take Its Course » est amusant en raison de la façon dont l’instrumentation est composée. Le groupe fait un excellent travail en jouant sur un tempo plus rapide avec un son agressif. D’une certaine manière, il semble que Orthodox prouve qu’il est encore capable de jouer du métal profond et percutant.

D’autre part, « Obsinity » sera un titre exemplaire car il fait office de présentation de la nature sonique du combo, à savoir agressivité doublée de chuchotement. Entre douceur et tonalités grinçantes elle ajoutera ainsi de la puissance et de l’autorité à la folie de ce morceau et elle sera est une excellente introduction à l’album.

Le titre « Wrongs » montre un côté différent du groupe. L’instrument principal en est le piano et il a un son fantastique ; rempli d’émotion et en accord avec le chant de Easterling qui, lui, est malmené par l’angoisse.Orthox n’est orthofdoxe que suand il le veut bien ; à ce titre il fait montre de prestance, d’inventivité et d’intelligence ; c’est un album auquel on ne êput qu’adhérer dans la manière où il poursuit son chemin.

***1/2

The Homesick:  » The Big Exercise »

Le groupe néerlandais The Homesick est apparu sur le radar de la plupart des auditeurs britanniques avec son énergique premier album Youth Hunt. C’était un disque aussi passionnant que chaotique. Aujourd’hui, avec la suite de The Big Exercise, le groupe a élargi sa palette sonore mais les des résultats sont mitigés.

Le titre d’ouverture « What’s In Store » donne un premier aperçu de leur gamme élargie, des guitares acoustiques pastorales se heurtant à des harmonies vocales psychédéliques des années 60. « Pawing » suit également un chemin ouvertement accrocheur avec des sons de clavecin en myriades irisées qui rencontrent des motifs de batterie délicats. Il est louable que le groupe ait essayé d’apporter différents sons à son éventail, mais les niveaux de fantaisie sont si élevés qu’on a l’impression d’entendre une bande-son de télévision pour enfants en plein délire hallucinogène.

Parfois, ces nouveaux sons sont payants, les harmonies vocales réapparaissent sur « Kaïn » et sur le bienheureux « Small Exercise », et, cette fois, pour un effet qui se veut envoûtant. Le disque est vraiment à son meilleur lorsque le groupe s’épanouit sur des morceaux comme « Children’s Day » et « Male Bonding ». C’est en ces moments que le combo prend vraiment son envol, les guitares carillonnantes rencontrant des rafales de sonorités justes. Si The Homesick parvient à conserver certains de ces nouveaux éléments et à réduire un peu l’étrangeté, il pourrait bien s’agir d’un excellent disque.

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Babehoven: « Demonstrating Visible Difference of Height »

Délicatement élaboré pendant trois mois dans les bois du Vermont, Babehoven, sous la direction de l’auteur-compositeur Maya Bon de Philadelphie aux côtés de Ryan Albert de Pornog, livre un EP de cinq titres confrontant les luttes familiales, les nouvelles relations et l’expérience de la dissociation de soi. La voix de Bon est au premier plan de chaque morceau, tandis que les instruments d’Albert racontent leur propre paysage sonore complémentaire, simplement structuré, mais parfaitement tonique, pour compléter le dynamisme de la voix et du lyrisme de Bon. 

« I’d rather be lost, than a loner / I wish I had the choice, anyway » (Je préfère être perdu qu’un solitaire / J’aimerais avoir le choix, de toute façon), déclare Bon dans l’introduction du EP « Only So ». Vocalement mené et instrumentalement timide, il est presque aliéné des pistes suivantes, se délimitant clairement comme la seule chanson qui n’a pas encore été écrite avant l’enregistrement. En tant que tel, son thème de l’isolement est profondément enraciné, invoquant immédiatement l’imagerie dramatisée de leur être seul dans les bois. À certains moments, la voix de Bon devient exaspérée dans sa montée, ces moments d’inflexion indiquant une catharsis douloureuse, mais elle est tellement enveloppée de simplicité brute qu’elle invite au réconfort dans des sujets autrement trop difficiles à affronter. C’est dans ce pousser-tirer sans fioritures d’une solitude complaisante qui ouvre le paysage sonore que l’on comprend vite pourquoi, pour Babehoven, la simplicité est nécessaire.

« Confident and Kind » souligne ce sentiment d’aliénation sonore, alors que son paysage sonore boisé et sombre danse en incongruité avec le lyrisme ludique de Bon. À la fois ode satirique aux principes consuméristes complaisants de « l’auto-prise en charge » : « Went to the salon to treat myself / Searching for a way to restore my health » … « I feel awful / So much for self care »(« Je suis allée au salon pour me soigner / Je cherche un moyen de me refaire une santé » … « Je me sens mal / Tant pis pour l’auto-prise en charge) et commentaire affligé sur les difficultés de l’acceptation de soi, les lamentations de Bon insufflent de l’humour dans son récit brutalement pellucide. En liant sans effort des vignettes abstraites à un commentaire sur la consommation et le moi, « Confident and Kind » devient ludique dans sa circularité et étonnamment joyeux malgré son paysage sonore sombre. « Asshole » poursuit cette tendance, mais la transcende ouvertement. Son chant sédatif et son murmure instrumental maîtrisent son imagerie mordante, éclipsant l’imagerie brutatiste des limites corporelles dans les nouvelles relations, flirtant avec l’ironie.

***1/2

Tennis: « Swimmer »

Dix ans après sa formation, le groupe Tennis a sorti son cinquième album Swimmer. Après que le duo mari-femme ait trouvé son premier succès commercial avec son album Yours Conditionally, le couple a connu une année difficile. Selon la chanteuse Alaina Moore, c’est en répandant les cendres du père de Patrick Riley, membre du groupe, en mer que Moore a décidé de baptiser l’album Swimmer. Bien qu’il s’agisse d’un disque basé sur une période difficile, l’album n’est en aucun cas un album de désespoir, mais le resserrement d’un lien.

Pour un disque avec une histoire aussie endeuillée, on a plutôt droit à une collection de chansons plutôt optimistes. La réflexion et le temps que le couple a mis dans chaque chanson et dans chaque texte se révèlent. La voix de Moore est pure, intemporelle et parfois enfantine. Néanmoins, elle offre une performance vocale sans faille sur chaque morceau. Son chant, associé à un filtrage vintage et à des instruments de style années 80, donne un son rétro à l’oreille moderne.

Le titre de l’album, « Swimmer », est l’histoire de la dispersion des cendres du père : « Some summer you have planned for me/ emptied into the sea. » ‘Un été que vous avez prévu pour moi/ s’est vidé dans la mer.)’ L’utilisation estivale de la guitare mélangée à la voix angélique de Moore, donne à la chanson une ambiance de plage. Ils ont permis à leur public d’être là et de vivre cette journée monumentale à leurs côtés en illustrant cette scène par leur musique.

Bien que Tennis ait un son très distinct tant musicalement que vocalement, il n’y a pas deux chansons qui sonnent de la même façon, ce qui rend leur musique excitante et tout sauf ennuyeuse. Le morceau « Need Your Love » en est un bon exemple ; pleine de colère contre le monde et l’environnement, la composition ressemble à une rage maniaque après avoir laissé quelque chose bouillir pendant un peu trop longtemps. Le refrain de la chanson est plus lent, plus décontracté que les couplets.  Ce changement constant de tempo et de style tient les auditeurs en haleine jusqu’à ce que Moore puisse reprendre son souffle et recommencer à fulminer.

Après avoir enfin eu un aperçu du succès, Tennis ne s’attendait pas à couper court à la célébration. Même à travers les nombreuses balles courbes de la vie, le duo a prouvé sa résistance inébranlable et, ce faisant, nous a donnéun abum exemplaire en matière de indie-pop mainstream

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