Flock Of Dimes: « Head of Roses »

2 mai 2021

Jusqu’à présent, une grande partie de la carrière de Jenn Wasner a été définie par la collaboration : plus connue comme la moitié du duo de rock indé Wye Oak, l’artiste née à Baltimore et basée à Durham a également formé le projet plus pop Dungeonesse avec le musicien Jon Ehrens, et ces dernières années, elle a été membre de tournée de groupes comme Bon Iver et Sylvan Esso. En 2016, elle a publié son premier album solo sous le nom de Flock of Dimes, If You See Me, Say Yes, enregistré en grande partie seule avec l’intention de se concentrer sur sa propre vision artistique. Mais en plein milieu d’une pandémie, et encore en train de traiter la dissolution d’une relation, cette sorte d’isolement créatif ne semblait plus être une perspective séduisante. Son deuxième album – après un EP surprise l’année dernière, Like So Much Desire, sa première sortie chez Sub Pop – a été coproduit par Nick Sanborn, de Sylvan Esso, et enregistré en quarantaine avec une poignée de collaborateurs, dont Meg Duffy, de Hand Habits, à la guitare et Matt McCaughan, de Bon Iver, à la batterie.

Malgré et peut-être à cause de ce changement, Head of Roses représente une étape naturelle dans l’évolution artistique de Wasner. Flock of Dimes a été conçu à l’origine comme un pendant plus direct à la présentation souvent cryptique de Wye Oak, et le fait de voir Wasner continuer à s’ouvrir en tant qu’auteur-compositeur sur son deuxième album en fait une réalisation encore plus directe et honnête, centrée sur le sentiment plutôt que sur le concept ou la narration. Et, plus important encore, il s’agit toujours d’un disque profondément personnel, qui met en évidence ses forces en tant que parolière et musicienne capable d’explorer confortablement de nouveaux territoires sans les utiliser pour se protéger de la vulnérabilité. Les textures synthétiques de Sanborn offrent de riches couches dans lesquelles elle et l’auditeur peuvent nager, mais la production extrait un tout autre type de magie de la voix émotive de Wasner, de loin la présence la plus puissante et la plus attachante de l’album.

Il est donc normal que ce soit la première chose que l’on entende : « Comment puis-je m’expliquer ? « » (How can I explain myself ?) chanté sur le morceau d’ouverture « 2 Heads » nous fasse ouïr une voix est presque méconnaissable alors qu’elle est projetée à travers une foule d’effets et de fioritures électroniques, fracturée et repliée sur elle-même pour évoquer les questions d’identité qui résultent d’un chagrin d’amour et d’un deuil profond et irréconciliable. Tout au long de l’album, elle se confronte à des parties d’elle-même qui lui semblent étrangères ou inaccessibles, se perdant dans des fantaisies lointaines (comme sur le tendre et douloureusement sérieux « Hard Way » ou le glaçant « One More Hour ») mais trouvant des poches de vérité dans le processus.

Ces prises de conscience sont souvent porteuses d’une charge électrique, et elle canalise cette colère à travers un solo de guitare brutal et ardent sur « Price of Blue », où elle se retrouve « seule derrière l’œil de ton regard électrique/ Les reflets de ton miroir, je suis devenue » (lone behind the eye of your electric stare/ Reflections in your mirror I’ve become). Sur l’éthéré « Lightning », la dernière chanson que Wasner a écrite pour le disque, elle reprend la même idée, mais elle le fait depuis un lieu de réflexion et de maturité, sa voix claire au milieu d’une guitare dépouillée et rêveuse : « Quand tu m’as habillée d’une autre peau/ J’ai oublié qui j’étais », admet-elle, avant de conclure avec la plus grande révélation de l’album : « Je veux la foudre/ Mais je ne peux pas l’avoir comme ça. » (When you dressed me in a different skin/ I forgot who I am) avant de terminer sur la prévélation essentielle de l’album : « Je veux la foudre/ Mais je ne peux pas l’avoir comme ça » (I want the lightning/ But I can’t have it like that ).

Bien qu’il s’agisse d’un album de rupture, ce qui fait résonner Head of Roses est le fait qu’il s’agit d’un opus abordant le thème du besoin de connexion humaine – et sur la façon dont nous essayons de nous accrocher à ces étincelles d’intimité sans perdre notre individualité. Même sur la bouillonnante « Two », la chanson pop la plus proche de l’album, elle ne peut fermer les yeux sur les questions qui envahissent son esprit : « Est-ce que je peux être un ? / Est-ce que nous pouvons être deux ? / Est-ce que je peux être pour moi-même ? / Est-ce que je suis toujours avec toi ? » (Can I be one?/ Can we be two?/ Can I be for myself?/ Still be still with you?) Wasner n’offre pas de réponses directes, et à la fin de l’album, on la retrouve plus ou moins au même endroit qu’au début : toujours dans le désir, toujours dans l’effort pour s’en sortir. Mais la progression musicale vers un indie folk plus doux et mélancolique reflète les changements subtils qui surviennent avec le passage du temps – il y a une lourdeur qui vient avec la prise de conscience des espaces infinis que votre corps peut occuper, de laisser tout cela gonfler dans votre poitrine, et, en cela, cela constitue aussi une liberté.

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Leon Vynehall: « Rare, Forever »

2 mai 2021

Leon Vynehall, un des producteurs britanniques les plus en vue, sait depuis longtemps canaliser ses souvenirs dans la musique. Son premier album Nothing Is Still racontait l’histoire de ses grands-parents émigrés à New York dans les années 1960, tandis que Music for the Uninvited s’inspirait des mixtapes que sa mère lui faisait écouter sur le chemin de l’école. Mais lorsqu’il a atteint son 30e anniversaire, Vynehall s’est trouvé être la muse ultime.

Rare, Forever est, à cet égard, une mise à nu. Comme l’ouroboros représenté sur sa couverture, l’album est un acte de réinvention et de renaissance. Vynehall entre dans une nouvelle ère musicale, plus abstraite, moins linéaire, plus tournée vers l’avenir, moins vers le rétroviseur. En essayant de se découvrir plus complètement en tant qu’artiste, Vynehall laisse tomber le noyau cohésif et la progression linéaire qui ont largement sous-tendu la majorité de sa discographie, bien que ce ne soit pas entièrement une mauvaise chose. Rare, Forever ressemble moins à un album qu’à une série de pensées ponctuées, ou à la longue méditation d’un homme. C’est un peu nerveux, et ça pulse avec une énergie frénétique. Il oscille entre les bangers du dancefloor (« Dumbo ») et les transitions langoureuses (« Allchea Vella Amor »). 

Toujours aussi intellectuel, il commence l’album par « Ecce ! Ego ! » (« Behold ! Me ! » en latin), une ouverture audacieuse qui met à nu son protagoniste. S’appuyant sur son penchant pour les éléments classiques, il change rapidement de rythme pour se lancer dans un déluge de synthétiseurs et de basses. L’album est hanté par la présence d’un personnage mystérieux nommé Velvet, dont l’existence est volontairement ambiguë et entourée de mystère. Velvet apparaît sur quelques morceaux, comme « In>Pin » et « All I See Is You, Velvet Brown », mais Vynehall se garde bien de fournir trop de détails. Velvet apporte une couche philosophique supplémentaire à Rare, Forever, ainsi qu’un contrepoids bienvenu à sa propre personnalité.

Le producteur britannique est un maître de la texture, et son deuxième album ne déçoit pas. Il passe de la house au jazz, à l’ambient, au drone et à la techno, tout en se délectant du genre de construction de monde que seul Vynehall peut apporter à la table – bien qu’il puisse être considéré comme un projet de démolition dans ce cas. Rare, Forever donne à Vynehall l’espace nécessaire pour expérimenter et explorer la musique au-delà de ses racines de DJ. Son plongeon dans l’abstrait et le conceptuel est un choix audacieux, qui s’avère payant. « An Exhale » est un pur optimisme sonore qui ne peut que faire des adeptes, tandis que « Mothra » décrit l’euphorie de trouver un but. Le résultat, dans l’ensemble, est une entreprise extrêmement créative qui s’exclame haut et fort : « Behold ! Moi ! »

Il est banal de prendre le titre d’un album comme une traduction littérale, mais comment décrire autrement la présence durable de Vynehall dans l’industrie – il est une rareté, et sa musique a certainement la possibilité de durer pour toujours.

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Amigo the Devil: « Born Against »

2 mai 2021

Le premier album d’Amigo the Devil en 2018, Everything’s Fine, a placé la barre assez haut pour le chanteur/compositeur folk gothique Danny Kiranos. Bien qu’une partie du buzz initial de Kiranos soit venue de l’esthétique « Murder folk » qu’il a créée, cet album a tenu ses promesses, avec des chansons bien construites et intelligentes qui présentaient une crudité émotionnelle. Avec son deuxième album Born Against, il ne s’écarte pas du modèle de cet album. Ses paroles intelligentes et souvent citables sont une fois de plus un élément essentiel. Mais il y a un son de production plus gros et plus lisse sur cette série de chansons, qui passe d’un murmure timide à des cordes qui s’envolent et à une scansion qui fait éructer sa voix avec le talent d’Elvis à Vegas.

Born Against contient quelques-unes des plus grandes chansons qu’Amigo the Devil ait jamais produites. Les rues de la Nouvelle-Orléans, chargées d’alcool, sont évoquées par la chanson « Quiet as a Rat ». Sur le plan lyrique, il s’en prend à la religion : « tout le monde traite les commandements comme une liste de choses à faire » (everyone treats commandments like more of a bucket list), mais plutôt que le blasphème adolescent que l’on trouve dans le métal, ses sarcasmes visent plutôt le rôle que joue la société dans son ensemble en favorisant les aspects régressifs de la religion.

Il y a une grande tension dans « Murder at the Bingo Hall », avec une variété de nouveaux éléments sonores et quelques éléments lyriques plus traditionnels de ballades meurtrières. Mais son approche sinistre et pince-sans-rire lui a bien réussi jusqu’à présent, et cela ne change pas ici. 

« Different Anymore » est l’une des compositions qui ressemble le plus à celles de son précédent album, mais la production plus soignée la distingue. Pourtant, il conserve sa touche lorsqu’il s’agit de l’écriture des chansons. Ces chansons sont davantage racontées comme des histoires et moins portées par des accroches, mais elles sont suffisamment convaincantes pour que cela ne soit pas un obstacle.

« Shadow » rappelle également les premiers travaux de Danny Kiranos, mais avec plus d’arrogance et une atmosphère plus sombre. Et avec « Letter From Deathrow », Amigo the Devil livre une ballade douce-amère au banjo, revenant au son caractéristique qui a lancé sa carrière. Sur ce Born Against, Amigo the Devil adopte de nouveaux sons et une nouvelle approche, qui lui réussissent largement. Danny Kiranos ne cesse de grandir en tant qu’artiste et auteur-compositeur, mais où qu’il aille, l’obscurité n’est jamais très loin derrière lui.

***1/2


The Manchester Orchestra: « The Million Masks of Gold »

1 mai 2021

Le sixième album de Manchester Orchestra, un quatuor alt/rock d’Atlanta, ressemble à l’aboutissement de leurs 15 années d’enregistrement, réunissant leurs inclinations rock à guitare du début avec la profondeur de composition orchestrée qui est venue plus tard. L’album A Black Mile to the Surface, sorti en 2017, adopte une approche cinématographique et narrative, inspirée par l’expérience des membres fondateurs et principaux auteurs-compositeurs Andy Hull et Robert McDowell, qui ont créé la bande originale du film Swiss Army Man. Dans les années qui ont suivi, le duo a non seulement ajouté une autre bande originale de film à son palmarès, mais a également produit l’album solo de Paris Jackson (la fille de Michael), et a sorti un album avec Kevin Devine sous le nom de Bad Books. Sans doute inspirés par l’arrivée d’enfants dans leur vie, Hull et McDowell s’inspirent, sur A Black Mile…, du cycle de la vie et de la mort et de toutes les questions de relation et de sens attachées à l’existence. Ici, sur The Million Masks of God, ils poussent plus loin ces questions existentielles sur le sens et le but de la vie, impactées par la mort du père de McDowell d’un cancer en 2019.

La trame de l’histoire découle des questions que l’on se pose lorsqu’on rencontre « l’ange de la mort » et que l’on doit faire le tri dans les événements de sa vie pour tenter de donner un sens à la vie elle-même. Les vidéos des deux premiers « singles » de l’album nous donnent des indices sur l’intrigue de l’album. Sur le rocker trépidant « Bed Head », une jeune fille divertit un fantôme, son ami invisible, autour de sa maison qui est hantée par cette présence persistante. Dans le rythme plus clair de « Keel Timing », un jeune garçon danse à travers la vie avec une partenaire choisie, leurs mouvements étant synchronisés jusqu’à ce qu’elle parte et que l’homme âgé reste seul sur sa chaise. Les paroles imaginent ces moments de connexion profonde dans une vie qui marquent un moment comme spécial, voire sacré. « Est-ce sacré ? » (Is it holy?) Confronté aux problèmes de la vie et de la mort, Hull chante des questions sur Dieu, le sens et l’au-delà, affirmant : « je ne veux plus retenir ma foi » ( I don’t want to hold back my faith anymore), ce qui lui donne du courage pour « Let It Storm ».

Compte tenu de l’histoire de l’album, il est logique que les morceaux les plus rock et les plus bruyants dominent la première moitié de l’album, mais sur « Telepath », alors que les questions deviennent plus réfléchies, on entend davantage de guitares acoustiques, de violoncelles et d’orchestrations, que l’on ressent plus fortement dans le flux et le reflux de « Let It Storm ». McDowell et Hull sont rejoints dans la création de la production luxuriante et texturée par Catherine Marks, avec qui ils avaient travaillé sur A Black Mile…, et le multi-instrumentaliste Ethan Gruska, qui avait travaillé sur la production des récents efforts de Fiona Apple et Phoebe Bridgers. La section rythmique du groupe est complétée par Tim Very à la batterie et Andy Prince à la basse, qui se montrent à la hauteur de l’événement dans la dynamique douce/fort de « Dinosau »r et les soubassements percussifs plus complexes de « Obstacle ».

Dans l’ensemble, The Million Masks of God réussit ce que le grand art a toujours fait face aux grands mystères de la vie, le ténor chaleureux de Hull et ses hurlements angoissés donnant une voix au chagrin et à la perte sans perdre de vue l’amour, la beauté et l’émerveillement devant le miracle de l’être lui-même. Les chansons, prises dans leur ensemble, pointent dans la direction du sacré sans tout gâcher en suggérant qu’il y a une seule vraie réponse aux questions de la vie. La musicalité luxuriante suggère une résolution affirmative, presque réconfortante, sans devenir moralisatrice ou résolue. La douce beauté de « Way Back » suggère qu’il est possible de se lier d’amitié avec les sentiments de perte sans se perdre soi-même, tandis que les vigoureux sons de guitare anguleux qui interrompent « The Internet », la conclusion de l’album, suggèrent que les mystères de la vie ne sont pas faciles à apprivoiser. La volonté du Manchester Orchestra de faire une musique qui reflète l’incertitude tempétueuse et le désir au cœur de l’existence consciente continue d’intriguer et d’inviter à l’engagement. Plongez-y, l’eau y est excellement bonne.

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Rosie Tucker: « Sucker Supreme »

1 mai 2021

Parfois, on a pour règle découter quelques tites d’un album au hasard avant de s’engager dans l’écoute exhaustive dudit album ; ici, sur la base du récent « single » de Rosie Tucker, « Habanero »,on a enfreint cette ègle d’or pour découvrir ce nouvel album de Rosie Tucker, Sucker Supreme, et,la gratification a été immédiate.

 L’album s’ouvre sur « Barbara Ann », une chanson pleine de riffs entraînants et imprégnée des vibrations du slacker de la côte ouest, où l’esthétique grunge-pop brille par l’accent mis sur les mélodies et la puissance, dans cet ordre. « Habanero », déjà mentionné, suit et il nous rappelle gracieusement pourquoi on a pu flasher sur cet album ; vibrations douces mais douloureusement heureuses qui font sourire, le genre de sourire qui vous fait mal à la mâchoire et vous pique la salive. « Different Animals » est une autre de ces bestoles soniques, ressemblant plus à du Regina Spektor avec sa mélodie vocale sinueuse et ses instruments épars, avant que « Trim » ne fasse remonter l’énergie avec un riff acoustique lo-fi qui s’échappe d’une fenêtre voisine par un dimanche après-midi ensoleillé.

Cette ambiance grunge-pop est de retour sur un « For Sale : Ford Pinto » qui dresse des portraits à la Dandy Warhol, tandis que la voix de Tucker passe de la douceur et de la discrétion à la frustration et à la force en un tour de main. Il y a des mélodies à la Beatles dans « Ambrosia » qui donenront à la chanson un sentiment de nostalgie pour les matins pluvieux, tandis que « Arrow » arriveva à toute vitesse comme un flot de conscience sur une guitare acoustique habilement pincée avant de se transformer en un tourbillon de crescendo statique. « Creature of Slime » » est un bref interlude brumeux qui mène à «  Brand New Beast », une tranche théâtrale et criminellement courte de pop-rock qui ressemble à une collaboration entre Courtney Love et Lady Gaga.

 Les guitares inspirées de Zappa sur «  Airport » vous feront lutter pour suivre le rythme avant qu’il ne s’installe dans une chanson narrative à la Ben Folds, mais l’humeur de la ligne de basse sur « Dog » change encore une fois l’énergie vers quelque chose de plus introspectif et de plus profond. Il y aura, en outre, un autre court interlude sur « Clinic Poem », un enregistrement lo-fi saupoudré d’un peu de magie, qui nous amène à l’avant-dernier morceau » Peach Pit » rappelant une Lana Del Rey se décidant à expérimenter avec une guitare et un groupe s’empoyant à combler les lacunes qui en surgissent. L’album se termine par « How Was It ? », titre qui ressemble à de la muzak d‘ascenseur pour monter au paradis : désorientant mais véritablement intéressé par la façon dont votre vie s’est déroulée. Rosie Tucker fait partie de ces artistes passionnants que l’on ne peut classer dans un seul genre, ce qui fait de cet album une véritable expérience à chérir. Je vous conseille de prendre le temps de le mettre en boucle, de vous installer avec une tasse de thé et de laisser les sons, les idées et les thèmes vous envahir. C’est une musique nourrissante pour la tête, le cœur et l’âme.

***1/2


Triptides: « Alter Echoes »

1 mai 2021

La génération actuelle, appelons la « génératon streaming », ne semble pas, en majorité, vraiment aimer écouter un album jusqu’au bout et encore moins développer une loyauté envers un artiste. C’est l’époque, je suppose, mais il y a beaucoup de groupes qui n’auraient jamais réussi s’ils n’avaient pas eu le temps de mûrir et de développer leur son sur une série d’albums. J’ai l’impression que c’est exactement ce qui est arrivé aux Triptides, un groupe de rock psychédélique new wave de Los Angeles, dont le dernier album, Alter Echoes, est l’un des plus complets et des plus musicaux à ce jour.

Le groupe sort des 33 tours depuis 10 ans maintenant et son dernier album, qui sort sur le label Alive Natural Sound, est d’une qualité accrue en termes d’écriture, de précision et de production. Si vous avez été un fan au fil des ans, vous entendrez immédiatement cette différence, car le groupe s’est éloigné de la psychédélique à réverbération plus ancienne et a nettoyé chaque coin et chaque note de son arsenal. Cela donne de la profondeur à l’album et, en particulier sur les ballades comme « Moonlight Reflection » et un « Shining » à la Pink Floyd, le groupe clique à un niveau différent.

The Triptides combinent globalement leur psychédélisme avec un folk-rock plus classique qui fonctionne vraiment. Sur des chansons plus enlevées comme « It Won’t Hurt You » et « Hand Of Time », le groupe monte les guitares, vous attrape avec des accroches et vous fait revenir pour les arrangements serrés. Alter Echoes est un disque qui a besoin de plusieurs écoutes pour s’imprégner, car il ne fait que s’améliorer avec le temps. Les Triptides sont clairement passés d’un groupe un peu plus à la pointe du mouvement psychique new wave à un groupe qui compense l’absence de la réverbération tant appréciée par des chansons de qualité et un son intemporel qui rend ce disque agréable à écouter, quel que soit le moment où vous avez chosi de le faire.

***1/2


The Coral: « Coral Island »

29 avril 2021

Après presque deux décennies depuis la sortie de leur premier album en 2002, The Coral est de retour avec leur nouveau double album épique Coral Island, qui regorge d’idées nouvelles, de sons frais et d’une créativité magistrale que le groupe a manifestement bien maîtrisée depuis son émergence au début des années 2000.

Le double album thématique est divisé en deux parties, la première étant la lumineuse et optimiste Welcome To Coral Island, et la seconde étant The Ghost Of Coral Island, plus sombre, plus solitaire et plus mood. Les deux disques juxtaposés donnent aux concepts thématiques du disque un sentiment de profondeur, en induisant d’abord l’auditeur en erreur et en lui faisant croire que l’île fictive de Coral Island est un lieu d’amour, de luxure et de rêves. Dans la deuxième partie, les modes de vie transitoires et solitaires des habitants de l’île deviennent des chansons, ajoutant un sentiment de désolation et d’obscurité au disque. 

La première partie commence par « Welcome to Coral Island », un morceau de 54 secondes en spoken word qui plante le décor de ce qui semble être un lieu magique de luxure adolescente, avec en fond sonore des mouettes et des vagues qui suggèrent que Coral Island ressemble à la quintessence d’une ville britannique de bord de mer. La première face continue avec de superbes morceaux tels que l’entraînant « Lover Undiscovered », et des morceaux mémorables et brillamment mélodiques comme « Vacancy » et «  My Best Friend ».

La deuxième partie est la plus faible de l’album, mais elle contient quand même des moments merveilleux et développe presque suffisamment le concept de Coral Island pour créer un lore, ce qui prouve que les idées du groupe sont extrêmement bien conceptualisées dans le disque. Les points forts de la seconde partie de l’album sont le titre « Summertime », qui contient des harmonies vocales presque typiques des Beatles, le magnifique titre acoustique « Old Photographs » et l’avant-dernier titre « The Calico Girl ».

En parlant des Beatles, Coral Island pourrait facilement être considéré comme le White Album de The Coral. Les deux disques sont une collection expansive et épique de morceaux remplis d’idées fraîches et de sommets étonnants de créativité. Ce qui est le plus impressionnant, c’est que The Coral a réussi à faire cela dans les limites d’un concept thématique.

Bien que cela ajoute de la profondeur et de l’histoire à l’album conceptualisé, l’étendue des interludes parlés tout au long de l’album affecte le flux de l’album, le rendant plus lent qu’il ne devrait l’être. Malgré cela, l’inclusion des neuf interludes a une justification créative absolue. 

Le voyage à Coral Island est certainement agréable. Il est est profond, émotionnel et musicalement frais. Après deux décennies de musique, The Coral a prouvé qu’il avait gardé son dynamisme et sa créativité, et il espère qu’il continuera à le faire à l’avenir. Même si l’embarcadère de Coral Island a du plomb dans l’aile, nous ne voulons pas d’une spirale descendante de sitôt.

***1/2


Death From Above 1979: « Is 4 Lovers »

29 avril 2021

Cela fait dix-sept ans que Death From Above 1979 a sorti son premier album, You’re A Woman, I’m A Machine. Cependant, étant donné l’état du monde aujourd’hui par rapport à 2004, cela pourrait aussi bien faire un opus marquant le millénaire duo torontois a toujours existé hors du temps, créant un dance-punk matraqué qui ne ressemblait en rien au rock garage et au revival post-punk qui dominaient la culture à l’époque de leur création. Ils ont toujours été plus modernes, plus conflictuels et étrangement plus sexy que leurs pairs en vestes en jean et cravates fines, maniant une palette sonore plus redevable à Lightning Bolt et à la musique house française qu’à Gang Of Four et Joy Division.

Des divergences créatives ont conduit le duo à s’épuiser avant de s’éteindre, se séparant un an seulement après la sortie de leur premier album. Depuis leur réunion en 2011, cependant, Death From Above 1979 est en pleine forme. The Physical World, sorti en 2014, a élargi leur champ d’action tout en conservant le plaisir de la fête, et avec Outrage ! Is Now (2017), ils ont réduit leur son à sa plus simple expression, créant quelque chose de plus sombre, plus lourd et plus cynique qu’ils n’avaient jamais réussi auparavant.

Is 4 Lovers barque ce début d ‘année 2021, dans un monde grouillant d’angoisses et de contradictions. Death From Above 1979 parvient à exploiter cet étrange état de fait avec un enthousiasme impressionnant, basant une grande partie des paroles du disque sur les complexités foisonnantes de l’existence contemporaine. « Glass Homes » contrecarre les accusations de cynisme en scandant que « il y a de la magie dans le monde, crois en quelque chose ou ça ne tourne pas » (but there’s some magic in the world, believe in something or it doesn’t turn), tandis que « Mean Streets » s’en prend à la masculinité et aux « jeunes egos fragiles » ( fragile young egos).

Le commentaire social de « Outrage ! Is Now » a fait sourciller quelques personnes, tout comme l’amitié supposée du bassiste Jesse Keeler avec le fondateur des Proud Boys, Gavin McInnes (Keeler a depuis clarifié qu’il s’oppose avec véhémence à l’idéologie des Proud Boys, et n’est plus ami avec McInnes), et en général la perspective de Death From Above 1979 est celle de la vraie neutralité, jetant des regards provocateurs, sinon particulièrement profonds, sur notre paysage social sauvage. L’absence de prise de parti ne manquera pas d’en agacer plus d’un, de la dénonciation des élites de la ville dans « N.Y.C. Power Elite Parts 1 + 2′ »( ou »‘Glass Homes ».

La quantité de contenu politique n’est qu’une distraction mineure. On peut se demander si Death From Above 1979 n’avait pas besoin d’y aller aussi fort, étant donné qu’à leur meilleur, comme sur le classique des débuts « Romantic Rights » et sur les titres plus récents « White Is Red’ et ‘All I C Is U & Me », les cœurs romantiques battants du duo offrent des perspectives plus intemporelles et poignantes que leurs coups de gueule satiriques sur la culture moderne. Il y a aussi une touche de contradiction en jeu ; le duo semble vouloir se présenter comme des observateurs neutres qui regardent le chaos se dérouler, mais ils ont aussi beaucoup de choses à dire.

Is 4 Lovers n’est pas le meilleur album de Death From Above 1979. En fait, c’est probablement leur plus faible. Cependant, il possède toujours une grande partie du charme fougueux qui a fait de Jesse Keeler et Sébastien Grainger des héros cultes à l’origine, avec ses riffs fuzzy, ses grooves dansants et sa joie de vivre contagieuse, même si elle a été compliquée par les innombrables complexités de ce nouveau monde étrange.

***1/2


Lunatraktors: « The Missing Star »

28 avril 2021

Les notes de pochette du disque des Lunatraktors exposent clairement la situation.The Missing Star « est un « rapport sur le triste état des îles britanniques, sous la règle oppressive des voleurs et des menteurs pendant de nombreux âges, et dernièrement sous l’influence d’imbéciles méprisants de gauche et de droite, tous deux méritant d’être oubliés ».

Le morceau d’ouverture « Rigs of the Time » reprend intelligemment la chanson traditionnelle, mais actualise les paroles pour y inclure des mentions du Brexit, de Facebook et même de Covid-19. C’est une critique puissante du gouvernement actuel. Et ça marche. Ce qui est inquiétant, c’est que le sujet souligne que peu de choses ont changé depuis le début des années 1800, lorsque « Rigs of the Times » a été écrit pour la première fois. Il s’agit d’une réécriture prémonitoire, livrée avec une rage claire et percutante par Carli Jefferson et Clair Le Couteur.

Il y a un élément de théâtre inhérent à Lunatraktors, avec des nuances de cabaret, de punk et même un peu de Punch-and-Judy / Music Hall dans leur performance.  Les percussions à main, les sabots, le mélodica et l’harmonium occupent une place importante dans cet enregistrement qui se joue des attentes et entraîne l’auditeur sur des chemins intrigants et inattendus.

Malgré le sérieux inhérent à l’album, il y a aussi plusieurs touches curieuses et amusantes. Le doux drone de « My Witch » a été inspiré par l’expérience de fredonner sur une brosse à dents Sonicare. C’est une interprétation sinistre d’un verset de Nicholas Breton et un petit morceau tout à fait mélancolique. En outre, toutes les chansons ne sont pas traditionnelles. Leonard Cohen est présent ici, avec une reprise efficace de « Lover, Lover, Lover », agrémentée d’un bel arrangement de cordes par Geoffrey Richardson.

Le producteur Julian Whitfield joue de la contrebasse sur « Unquiet Grave », un morceau qui adapte deux chansons traditionnelles pour en faire un commentaire acerbe sur la politique d’austérité des conservateurs. La colère est palpable, et elle est méritée. On peut entendre cette même colère dans « The Exciseman », une interprétation de la ballade anglaise. Il s’agit d’une interprétation sombrement ludique et satirique, qui mérite d’être vue en concert.

« Mirie It Is (Anemoi » adaptera ce titre du début des années 1200 dans un bref morceau qui joue avec le chant choral avant de se diriger vers un instrumental plutôt abstrait et délibérément troublant. C’est une combinaison efficace. « Drone Code «  est un autre instrumental, conçu pour un synthé analogique et chantant de Korg Monologue. C’est un petit morceau hypnotique qui permet de faire le vide entre la chanson-titre et la douce « The Keening ». Ce dernier est une chanson de deuil magnifiquement interprétée et elle démontre une fois de plus la connaissance et le respect de Lunatraktors pour le processus et le développement de la chanson traditionnelle. « The Blacksmith » » est une interprétation tout à fait sincère de la chanson traditionnelle. ; elle est simplement, et efficacement, interprétée uniquement par les voix de Carli et Clair et fonctionne incroyablement bien. On peut dire la même chose du morceau le plus proche «  Ecclesiastes 1.1-18 » » une conclusion fascinante, obsédante et stimulante pour un album tout aussi stimulant.

Le titre « The Missing Sta »’ est certainement le morceau le plus formidable et le plus furieux. Une chanson de protestation adaptée des discours du parti conservateur et du Brexit de 2020, dont le message est délivré avec une juste fureur par le duo. Les mots placés dans ce contexte renforcent le contenu dérangeant des messages originaux.

The Missing Star, parfois, n’est pas facile à écouter. Enregistré avant les récentes révélations concernant des figures centrales de notre gouvernement, il est exaspérant de constater que peu de choses ont changé. Mais il y a aussi de la beauté ici, et c’est un enregistrement qui restera dans vos pensées. Un commentaire puissant sur la politique de notre époque, il mérite une écoute plus large, et pour ma part, j’aimerais beaucoup le voir joué en direct. Un enregistrement qui tombe à pic. Nous avons bien besoin de cela.

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Too Much Joy: « Mistakes Were Made »

28 avril 2021

Ce retour à l’enregistrement des power pop/punk rockers de Too Much Joy, sonne comme quelque chose de positif au regard de notre année de confinement. Les natifs de Scarsdale, NY, ont connu un succès critique et commercial modéré avec Cereal Killers en 1991, puis ils ont fait quelques autres albums avant d’arrêter les frais. Une partie du problème était que les gens ont du mal à prendre au sérieux un groupe qui écrit des chansons drôles, et le penchant de TMJ pour des paroles intelligentes, souvent comiques, a eu tendance à les faire étiqueter comme un acte de nouveauté et à les comparer à des contemporains comme They Might Be Giants et Barenaked Ladies (ces deux groupes ont fait de la meilleure musique qu’ils ont eu tendance à être crédités). Les satiristes ont toujours mélangé le pathos et l’humour, comme ils l’ont fait dans « Theme Song » : « Nous vivons pour le plaisir et la liberté/Nous éradiquons la peur et l’avidité/Pour créer, il faut détruire/Casser un verre et pleurer Too Much Joy » (We live for fun and freedom/We stamp out fear and greed/To create you must destroy/Smash a glass and cry Too Much Joy).

Le groupe attribue le fait qu’ils aient fait un nouvel album à leurs fans et au fait que 2020 était tellement nul. Ils avaient mis la plupart de leurs albums indépendants sur bandcamp.com où les fans ont continué à les soutenir, ce qui a encouragé les joueurs originaux à mettre en place des singles pour le Record Store Day, et puis l’ennui de l’arrêt viral a fait que travailler sur un nouvel album semblait être une bonne idée, et les fans enthousiastes ont soutenu leur campagne de « crowdsourcing » IndieGoGo suffisamment bien pour financer l’enregistrement et le mixage.

L’album de quinze titres commence par un rocker audacieux et percutant, avec une ligne de basse lancinante, des guitares qui résonnent et un refrain qui chante « Blinding Light of Love ». Ils poursuivent avec un chant acoustique « Uncle Watson Wants to Think », où le chanteur Tim Quirk est rejoint par Joan Osborne pour les harmonies vocales dans une chanson folk-rock qui ressemble à celle de The Band, défiant la masculinité toxique. « Pong », un parcours percutant à travers l’histoire de l’enfance des membres, où « Everyone’s invited/To join in on this song/All love’s unrequited/Every game is Pong » (Tout le monde est invité à se joindre à cette chanson, tous les amours non réciproques, tous les jeux sont des Pong…), un hommage à l’un des premiers jeux vidéo et à la futilité de la vie. « Snow Day » rappelle ces grandes vacances d’hiver forcées, tandis que « New Memories » raconte l’histoire d’une romance basée sur la qualité des matelas des lits où ils ont dormi. « Flux Capacitor » est… vous l’avez deviné, une ode à la technologie du voyage dans le temps de Retour vers le Futur. « Not Being You » décrit toutes les personnes horribles qu’une personne rencontre lorsqu’elle n’est pas avec celle qu’elle aime, et s’appuie sur les synthétiseurs pour fournir le remplissage sur le rythme dansant de la batterie, bien qu’ils ajoutent un savoureux solo de guitare pour adoucir le tout.

La chanteuse Quirk est soutenue par les piliers de TMJ, Jay Blumenfield aux guitares, Sandy Smallens à la basse, Tommy Vinton à la batterie. William Wittman joue des guitares et des claviers, et s’occupe également de la production. Bien que la plupart de ces chansons soient très amusantes, Quirk devient également sérieux ici et là. Dans « More Of The Stuff I Like », il souhaite que le monde coopère pour nous donner ce que nous désirons, comme un vaccin contre les peines de cœur. Sur « Something To Drink About », il déplore le déclin des idéaux américains, où les gens ne veulent pas de la liberté d’expression pour tout le monde et où certains brandissent des signes de pouvoir blanc alors que 40% du pays applaudit, et Quirk chante « I’m ashamed that it happened here » (J’ai honte que cela se soit produit ici). Ailleurs, « Tranq It Up » a plus de ces gros accords de guitare audacieux, et vers la fin, pour ceux qui en ont besoin, de la cowbell. Le disque se termine par « Just Around the Bend », un autre rocker amusant qui espère, contre toute attente, que les choses s’amélioreront à l’avenir. Et après quelques minutes de silence, une 16e piste secrète, dans laquelle Quirk & Co. ont écrit des paroles qui célèbrent les investisseurs d’IndieGoGo qui ont payé le prix fort, faisant un effort supplémentaire pour honorer leurs fans et partager cette joie avec le reste d’entre nous.

Arrivé quelques jours seulement après que l’extravagance télévisuelle des Grammy n’ait fait que quelques clins d’œil passagers au rock traditionnel et alternatif, Too Much Joy vient à notre secours juste à temps.

***1/2