Midori Hirano: « Invisible Island »

Invisible Island s’éloigne tranquillement du reste du monde et l’album est la continuation de Minor Planet en 2016. La musique sobre et sombre de Midori Hirano reflète plus un jardin d’eau japonais qu’un paradis ensoleillé. En fait, le soleil ne projette pas beaucoup de lumière du tout. Les verts dilués remplacent les sables brillants alors que le ciel couvert et pluvieux plane au-dessus d’un piano.

Le piano de Hirano partage la zone avec un ensemble d’appareils électroniques cachés, parfois subtils dans leur course et parfois serpentant dans les sous-bois. Certains éléments électroniques sont abrasifs, mais ils sont peu nombreux, et les tons aqueux, qui se répandent vers l’extérieur par une série d’ondulations rythmiques, sont toujours là pour adoucir le son.

Invisible Island est un album de rythme, à la fois caché et évident, avec un mouvement doux et ondulant qui souligne toute l’expérience. Les rythmes prennent la forme de lignes de piano répétitives, d’électronique obtuse ou d’un battement sourd et continu – le son d’un battement de cœur.

Des bourdonnements fluctuants, des tremblements et des ondulations comme sur un lac en tempête, contribuent à l’expansion de l’album. Chaque ton ajoute à la saveur exotique du disque, et la musique conserve une atmosphère de détente et de calme sobre. L’introduction d’un violon sur « Belong » (joué par Christoph Berg) permet de garder les pieds sur terre et de les enfoncer dans la boue d’un registre inférieur.

Les jours de pluie peuvent aussi être magnifiques, et la musique d’Hirano adopte une approche différente, le piano se déployant vers l’extérieur et trouvant son propre espace discret. Se déployant comme une étrange fleur, Invisible Island est née dans la solitude, et sa musique permet à l’auditeur de se ressourcer. Se déconnecter du monde et trouver une telle retraite cachée est non seulement recommandé mais essentiel pour le bien-être.

***1/2

Anna Burch: « If You’re Dreaming »

Le premier album d’Anna Burch, Quit the Curse, sorti en 2018, l’a fait découvrir au monde entier avec des mélodies pop à la guitare. Malgré des paroles douces-amères, le rock indie de Burch éclate avec une énergie satisfaisante et brillante. If You’re Dreaming est différent de la première chanson. Les compositions ici sont aériennes, oniriques et beaucoup moins directes que les premières de Burch. Bien que l’exécution discrète donne un album moins immédiat que le précédent, ces méditations sur l’isolement et l’anxiété affichent une douce beauté.

La voix aérienne de Burch est le point culminant de If You’re Dreaming. Elle flotte au-dessus des instruments, donnant aux chansons un air tranquille. Elles s’intègrent parfaitement au son pop et spatial de chansons telles que « So I Can See »ou « Every Feeling ». D’autres titres créent un soft rock ensoleillé, comme l’ouverture “Can’t Sleep” ou le chaud solo de guitare sur « Go It Alone ». Ces morceaux se rapprochent de ce que les auditeurs ont trouvé sur Quit the Curse mais avec une approche langoureuse qui laisse ressortir la voix immaculée et les beaux arrangements de Burch.

If You’re Dreaming est coloré par des sentiments d’isolement, de fugacité et de désir de connexion. Burch a écrit l’album après une longue période de tournée intense. « Party’s Over » reflète cet état d’esprit quelques minutes après le début de l’album, alors que Burch entonne « I’m so tired/I’m so tired/I’m so tired ». L’espace incertain et transitoire dans lequel l’album a été écrit capture l’anxiété de cette époque de façon presque prévisible. À l’ère de la distanciation sociale, le désir de lignes telles que « Tu me demandes quand tu vas revenir/Mais je dois rester à l’écart pour pouvoir voir clairement » (You’re asking when will you come back to me/But I gotta stay away so I can clearly see), expression qui nous parlera plus que jamais.

Alors que la mélancolie et l’introspection caractéristiques de Burch constituent la majeure partie de la première moitié de l’album, la seconde moitié trouve des points lumineux d’espoir et de joie intérieure. « Not So Bad » apporte une note d’optimisme dans les moments sombres où Burch trouve le bonheur dans ses souvenirs avec un partenaire. Elle chante : « Ça résonne dans ma tête toute seule/Notre amour est un spectacle de photos » (It plays in my head alone/Our love is a picture show). Le titre ajoute également une variété instrumentale bienvenue avec ses léchés de guitare, son groove de basse, et ses saxophones jazzy. Mais elle conserve aussi l’énergie facile de l’album dans son ensemble. Le LP se termine également sur une note ensoleillée et romantique avec « Here With You », car Burch trouve du réconfort dans le simple fait d’être avec son partenaire.

If You’re Dreaming est sans aucun doute un album différent de son prédécesseur. L’approche douce et rêveuse apporte moins de l’énergie indie rock instantanément accrocheuse de son premier album. Pourtant, la lente combustion de l’album lui confère une grande longévité. Entre-temps, l’exploration par Burch des hauts et des bas de son monde intérieur reste plus convaincante que jamais. Elle donne une voix à l’incertitude et à l’isolement tout en pointant vers l’espoir et la paix intérieure. Combiné à un son béat et à une instrumentation luxuriante, l’album joue comme un simple réconfort pour ces temps turbulents et agités.

***1/2

M. Ward: « Migration Stories »

M. Ward est une sorte de héros folk moderne qui a connu une vingtaine d’années très prolifiques. En plus de sa propre carrière solo, Ward a fait équipe avec une série d’autres artistes au cours des vingt dernières années. Il a sorti six albums avec Zooey Deschanel dans le rôle de She & Him, s’est produit avec d’autres héros folk-rock indépendants dans le supergroupe Monsters of Folk et a collaboré avec de nombreux artistes dont Jenny Lewis, Neko Case, Cat Power et My Morning Jacket entre autres. La sortie de Migration Stories sera le dixième album solo de Ward et le plus cohérent en termes de narration. Pour cet album, Ward apporte des histoires de ses amis, des coupures de journaux et sa propre histoire familiale pour construire l’album autour du concept de migration.

Si la narration de l’album est cohérente, le contenu global est extrêmement varié. Du simple et synthétisé « Unreal City » à l’instrumental « Stevens Snow Man », en passant par sa reprise de la ballade de cow-boy « Along the Sante Fe Trail », Ward offre à ses auditeurs un large éventail de sons différents. C’est peut-être parce que pour enregistrer Migration Stories, M. Ward s’est rendu au Québec, où il a travaillé avec les membres d’Arcade Fire Tim Kingsbury et Richard Parry, ainsi qu’avec leur producteur, Craig Silvey.

Le résultat est un disque aussi élégant et professionnel que n’importe quel album de rock indie, sans pour autant sacrifier les mélodies acoustiques de M. Ward. « Migration of Souls » ouvre le disque avec des sons de guitare familiers et chaleureux associés à la voix langoureuse et brumeuse de Ward, qui servent à créer un paysage sonore d’ouverture rêveur. « Heaven’s Nail and Hammer » adopte ensuite une approche différente et, bien qu’il soit toujours enveloppé dans une couverture de guitare acoustique occidentale et de twang classique, nous avons également droit à des guitares et des rythmes intermittents et bluesy qui dansent autour de la mélodie.

Migration Stories est un album au son brillant qui fait appel aux talents de Ward pour créer une atmosphère chaleureuse et rayonnante, même si les paroles sont à l’opposé. Des chansons douces et des voix tendres transportent l’auditeur dans un monde où tout est possible. Même si la production de l’album semble un peu plus soignée que les précédentes, il n’en reste pas moins que le son de M. Ward restera sans aucun doute celui que les fans préfèrent.

***1/2

August Burns Red: « Guardians »

Au fil des ans, August Burns Red a constamment et sans aucun doute livré ce que les fans de metalcore souhaitaient et est donc resté un groupe de base du genre. Intégrant leur signature sonore dans chaque chanson, ils continuent à créer des morceaux instantanément reconnaissables qui non seulement utilisent des techniques maîtrisées et des riffs perfectionnés, mais qui les rehaussent en y ajoutant une touche subtile mais perceptible, donnant un sentiment de fraîcheur.

Leur neuvième album Guardians ne s’écarte pas de cette recette éprouvée et pourtant perpétuellement couronnée de succès et peut facilement être considéré comme leur plus grand succès à ce jour. La narration donne le ton de cet album, après quoi chaque chanson monte d’un cran. Bones y ajoute une touche d’hymne, avant de calmer brièvement les esprits, juste assez pour que l’énergie fougueuse de Paramount frappe de plein fouet et se propage dans les titres suivants : « Defender », « Lighthouse » et « Dismembered Memory ». Ces chansons posent des questions intrigantes sur l’individu et l’unité, en se battant en duel contre le destin de l’homme, le sien et celui des autres.

« Ties That Bind » apportera un léger changement de rythme avec une intro étonnamment « lapaisée, mais elle revient rapidement au rythme des fusillades et des combats tout en faisant une déclaration incitative en faveur de la libération avec une forte croyance dans la réussite de la liberté. Cet esprit combatif est encore alimenté par « Bloodletter » et « Extinct By Instinct », dont la partie médiane offre une pause inattendue mais bien placée par rapport à la folie, sous la forme d’un morceau instrumental mélodique, presque dépouillé, comme si un moment de recueillement était nécessaire pour que les idées prêchées jusqu’à présent se synchronisent correctement dans l’esprit de l’auditeur. Tandis que « Empty Heaven » et « Three Fountains » introduisent les idées de fin et, par conséquent, de ce que l’après-coup signifiera – sera-t-il une occasion de se réinventer ou une amère réalisation de son vrai moi ?

Dans l’ensemble, une fois de plus, ABR répond aux attentes avec un album de metalcore fort et mature, restant fidèle à lui-même et au genre tout en apportant à ses fans quelque chose de différent. Ensemble, les chansons suivent un flux naturel et sans faille tout au long de l’album, tout en réussissant individuellement à se maintenir en tant que musiciens nous rappellant ce qu’est le metalcore grâce à une nouvelle série de munitions de dynamitage.

***

Pure Reason Revolution: « Eupnea »

Quand l’inspiration frappe, un artiste suit l’appel. Ainsi, lorsque Jon Courtney a commencé à écrire des textes qui ressemblaient davantage à son ancienne unité de rock progressif Pure Reason Revolution, il a rapidement pris contact avec sa co-conspiratrice Chloë Alper. Le groupe n’avait pas fait d’album depuis près de dix ans, ayant d’abord fait sensation avec un premier opus plutôt bien accueilli, The Dark Third en 2006, suivi de deux albums qui se sont orientés davantage vers l’électronique et la pop. Il devait y avoir de bonnes raisons de reformer le groupe après une longue absence et Courtney a donc décidé de faire appel au guitariste original Greg Jong qui a finalement aidé à coécrire la moitié de l’album. Qu’il s’agisse de cette collaboration à l’écriture des chansons ou d’un aspect de l’absence qui a fait grandir le cœur, Eupnea est un retour aux affaires qui pourrait bien être une manière de remettre Pure Reason Revolution en selle.

La plus grande partie de l’album est interprétée par Courtney et Alper, les percussions étant assurées par Geoff Dugmore. Tous les éléments nécessaires sont là : des voix masculines et féminines magnifiquement entrelacées, des jams spacieuses influencées par le Pink Floyd, des murs de guitares électriques qui frappent fort et des incursions électroniques qui maintiennent une pointe de modernité. Plus important encore, la base de chaque morceau est fondée sur une écriture solide, avec de nombreux accrochages et variations.

L’album est un mélange bien équilibré de trois morceaux longs et de trois autres, plus courts. Bien que les six titres soient tous très forts, ce sont sans aucun doute les plus longs qui serviront de point de mire pour la plupart des auditeurs. « Silent Genesis » contient à peu près tout ce que l’on peut attendre de PRR : un début magnifiquement éthéré de trois minutes, suivi de couplets mélodiques forts, d’un groove au clavier (les « Echoes » de Floyd) et enfin d’une attaque de guitare qui ravira les fans actuels de Porcupine Tree. Sorti comme le « single » initial, le titre risque pour autant de révéler trop tôt le point culminant de l’album.

Les deux autres mini-épopées maintiennent néanmoins le niveau artistique à un registre plus élevé. « Ghosts & Typhoons » met en évidence la force de ces deux chanteuses, avec la voix d’Alper qui s’élève au-dessus et Courtney qui fournit le dessous au milieu d’un arrangement enivrant. Parfois, la nature évanouie des lignes vocales d’Alper est presque trop lourde à porter, mais l’attaque des guitares, de la basse et de la batterie lourdes ramène rapidement le morceau sur terre. Sérieusement, pour tous ceux qui pleurent encore la mort de Porcupine Tree, voici l’antidote. Le titre « Eupnea » est également le plus long de l’album, un autre morceau finement arrangé qui atteint une dynamique similaire aux deux précédents, mais qui reste original et engageant. Avec plus d’une demi-heure consacrée à ces « mini-epics », Pure Reason Revolution est clairement dans la maîtrise de son propos.

Les trois morceaux plus courts ont autant de style et de substance, bien que dans un format plus court, ce qui est impressionnant. « Maelstrom » est le plus fort d’entre eux avec un refrain accrocheur et le groupe qui livre une performance étonnamment optimiste. Le morceau d’ouverture « New Obsession » illustre les solides compétences de production qui se retrouvent tout au long de l’album, avec le chant en tête et au centre sur une toile de fond en constante évolution. Enfin, « Beyond Our Bodie » laisse un peu de répit entre les autres morceaux qui se distinguent par leur sensibilité pop et leur chant en duo.

Pure Reason Revolution possède un son qui lui est propre. Il est probable que les fans d’Anathema, de Marillion et des groupes précédents mentionnés plus haut, mais aussi d’autres groupes comme U2 et Kraftwork, leur accorderont rapidement leurs faveurs. Le « progressif » et le « rock » trouvent ici leur place en incorporant des inspirations des années 70, 80 et 90 et en en tirant quelque chose de nouveau. Heureux est le fan qui les découvrira.

***1/2

Mystery Jets: « A Billion Heartbeats »

Initialement prévu pour septembre de l’année dernière, A Billion Heartbeats a été soudainement reporté lorsque le chanteur Blaine Harrison a été hospitalisé pour une grave infection de la jambe et a dû être opéré d’urgence.

Harrison, qui est né avec le spina-bifida, utilise régulièrement sa tribune dans Mystery Jets pour louer le travail inestimable que le NHS a fait pour lui et pour ce pays ; c’est par une amère coïncidence que la date de réédition nous place au milieu d’une pandémie sanitaire mondiale, mais alors que COVID-19 ferme le pays, cet album nous exhorte à juste titre à se battre pour l’avenir du service de santé qui est l’apanage de nombreux pays en Europe..

Défenseurs de longue date du changement social, Harrison et les autres membres de Mystery Jets se sont déjà exprimés sur des causes telles que la crise des réfugiés, l’urgence climatique et le soutien à la santé mentale. En janvier, ils ont animé un panel de discussion, diffusé sur Youtube, pour faire avancer ces questions avant la sortie de A Billion Heartbeats, dans le but d’inciter à l‘esprit à la conteattaion. Harrison explique qu’après avoir emménagé dans une maison de Trafalgar Square, il assistait régulièrement aux manifestations de groupes représentant toutes les extrémités de l’échelle politique et sociale, ce qui a inspiré l’écriture de nombre de ces chansons. Avec le pouvoir unificateur de la musique à leurs côtés, les Mystery Jets espèrent rallier une réponse pour guérir une nation fracturée.

Musicalement, ce n’est pas très éloigné de leur son déjà établi – à peine plus lourd et un peu plus brut par endroits – mais c’est la passion, la profondeur et la réalité qui se cachent derrière les messages de cet album qui le portent à des lieues devant tout ce qu’ils ont fait auparavant. La voix émotionnelle très reconnaissable de Harrison ne chante plus des histoires d’amour obscures, mais encourage un mouvement et exige de l’action.

Le morceau le plus audacieux de l’album, « Screwdriver », traite de l’idée du bien et répand le désir d’éradiquer la haine véhiculer par l’alt-right par l’amour, en avançant que « Un ennemi n’est que ce avec quoi on le combat ». (An enemy is only what you fight them with) Ailleurs, on pointe du doigt les responsables de « History Has It’s Eyes On You » tout en se penchant sur notre responsabilité les uns envers les autres, pour façonner un avenir plus positif et plus solidaire.

L’accent le plus fort revient bien sûr sur notre service de santé, avec le premier « single » sorti de l’album, « Hospital Radio », qui est un merci à tous les travailleurs du NHS, et un rassemblement pour sauver son avenir face à un gouvernement avide d’argent, qui se termine par le refrain chanté « Notre sans n’est pas à vendre ! »

Alors que le titre « Watch Yourself Disappear », à la fois émotionnel et positif, est un regard plus approfondi sur les services de santé mentale essentiels que le NHS fournit, le titre de l’album appelle l’humanité à garder à l’esprit que, derrière tout cela, nous sommes tous les mêmes. En commençant par la question douloureusement pertinente « Pourquoi faut-il une tragédie pour que nos vraies couleurs se révèlent ? » (Why does it take a tragedy to make our true colours come out) il nous est rappelé de nous entraider et de compatir les uns avec les autres – de briser toutes les divisions au sein de notre société et de faire preuve de compassion.

À une époque où beaucoup ont soif d’évasion, Un milliard de battements de cœur pourrait frapper un peu trop près de chez eux pour être vraiment apprécié en ce moment. Mais dans les mois difficiles à venir, il sera important de se rappeler les valeurs d’unité pour lesquelles les Mystery Jets font campagne ici ; il ne fait aucun doute que l’on peut considérer cet album comme essentiel du climat social d’aujourd’hui de par son discours articulé quoi qu’un peu didactique  tout en faisant abstraction de ses propres qualités artistiques.

**1/2

San Fermin: « The Cormorant I & II »

Tout a commencé en juin 2019 lorsque San Fermin a dévoilé la première partie de The Cormorant, un disque luxuriant et tourbillonnant construit autour d’un personnage masculin et féminin, interprété par Allen Tate, qui endosse le rôle masculin, tandis que le protagoniste féminin est interprété par une équipe tournante de collaborateurs : Claire Wellin, Karlie Bruce, Sarah Pedinotti et Samia Finnerty. Le projet dirigé par Ellis Ludwig-Leone devrait maintenant arriver à sa conclusion naturelle grâce à son deuxième volet, puisque San Fermin se passera de la collection complète des « deux parties du Cormoran ».

The Cormorant I & II est un voyage émotionnel à travers la vie de deux personnalités qui s’entremêlent, l’une qui documente les moments tendres de nos premières années, la période de turbulence de l’adolescence, les montagnes russes de l’âge adulte, puis l’inévitable glissement vers la vieillesse et la mort éventuelle des deux rôles principaux. Réparti sur 16 titres, la quatrième sortie de San Fermin est une sorte d’épopée, mais avec une subtilité calme. Elle est attribuée aux différentes couches sonores des cordes en pâmoison, des cuivres et de l’électronique délicate, tandis que la myriade de chanteurs qui racontent votre chemin à travers les méandres du Cormoran, ajoutent un ton apaisant et resplendissant à la traversée de l’album à travers le grand voyage de la vie.

Le disque commence par le morceau éponyme du LP, un rebondissement ludique de piano qui s’enroule autour de petites nuances et de cordes tendues, tandis que notre leader féminine met en scène des enfants qui jouent dans la cour de récréation/une lumière dorée s’écoule dans votre lit/une poussière flottante au-dessus de votre lit. C’est avec une immédiateté que l’on ressent le confort et la chaleur de l’enfance, une enfance pleine d’émerveillement et de bonheur étourdissant. Alors que le disque s’accélère, nous passons à travers de nombreux scénarios, comme les douleurs de croissance de « The Hunger », un scénario qui raconte quelque chose de proche de l’agitation romantique, alors que notre actrice principale soupire les histoires suivantes d’une relation qui est un dur labeur « épar la suite je tomberai pour une autre déception » (eventually I’ll fall for another disappointment) et « alors donnez-moi toutes vos valentines/vos chocolats et vos lignes de fromage » (so feed me all your valentines/your chocolates and your cheesy lines). Dans « The Living », les deux rôles principaux se combinent pour illustrer quelque chose de plus réfléchi, car notre personnage masculin rumine « la vie est faite pour vivre/ alors emmenez-moi au cœur battant/ c’est difficile à décrire/ comme si nous faisions partie de quelque chose de plus grand » (life is for living/so take me to the beating heart/it’s hard to describe/like we’re part of something bigger).

Les cordes, les percussions et les cuivres créent une toile simple pour que l’histoire puisse être retravaillée avant que la chanson ne s’épanouisse en quelque chose de plus grandiose. Alors que nous arrivons au dernier tiers de Cormoran, on sent que les choses ralentissent ; « Westfjords » se joue comme une réflexion sur une vie bien remplie alors que quelqu’un demande « racontez-nous une histoire/quelque chose dont nous pouvons tous rire » (tell us all a story/something we can all laugh at). Cette réflexion s’accompagne d’une mise en garde : des couches de cuivres et sordes soulèvent une houle émotionnelle « vous n’avez qu’une seule chance de le faire/vous n’avez qu’une seule chance de fuir le futur/pensez à toutes les choses qui vous manqueront » (you only get one chance at this/you only get one chance/running from the future/think of all the things you’ll miss). Les claquements de mains syncopés au cœur de « Do Less » battent un chant rituel d’une teinte chorale, tandis qu’une mer de voix affirme « pouvons-nous prendre un moment avant de repartir » (can we take a moment before we go again). « Freedom » est étrangement jubilatoire, mais au fond, on a l’impression que les deux personnages principaux se rendent compte qu’il ne leur reste pas beaucoup de temps. « Je ne m’inquiète pas pour les enfants/Je n’essaie pas de faire la liste/Il n’y a pas besoin d’être épuisant »(I’m not worried about the kids/I’m not trying to make the list/there’s no need to be exhausting), ce qui ressemble à quelqu’un qui se rebelle à l’idée de faire un testament. La teinte céleste de « Tunnel ML » guide notre chemin vers le ciel, tandis que des cordes frémissantes et un chœur de voix angéliques séparent les nuages et emmènent les sujets du disque vers leur dernière demeure, alors que The Cormorant I & II se termine sur une note céleste. Cet opus est, tout bien entendu, un récit tendre, vulnérable et plein d’âme sur la fragilité humaine, un récit à la fois réconfortant et bouleversant.

****

Las Kellies: « Suck This Tangerine »

Las Kellies est le groupe argentin formé en 2005, composé de deux membres, Cecilia Kelly à la basse, aux guitares et au chant, et Silvina Costa à la batterie, aux percussions et au chant et on trouve, parait-il, Las Kellies dans les discothèque post-punk pleines de Goths et d’Indie Kids portant des vestes en cuir noir.

Le premier motif de batterie et le son de basse de « Closer  ramènent directement au Sandinista ! des Clash. En fait, l’ensemble de leur répertoire a un côté dub un peu plus rapide e, que comme leur premier opus, il est produit par Dennis Bovell. « Closer » mélange également ce que l’on peut décrire comme du gravier et du miel, une douceur dans les voix et des lignes de basse qui contrastent fortement avec les attaques de trilles et de coups de couteau de la guitare. Souvent, comme dans une composition telle que « Baby », la basse et la voix occupent un monde onirique enveloppé de réverbération, tandis que la guitare se juxtapose avec colère. Cependant, la guitare offre également des passages mélodieux comme le riff percutant qui traverse « Charade » ou le glissement cosmique qui joue dans « White Paradise ». Il y a aussi des chansons comme « He’s Who’s », « Despite » et « Weekdays » qui ont la puissance motrice de « Not Great Men » ou « To Hell With Poverty » de Gang of Four.

Comme la plupart des groupes ne comptant que deux ou trois membres, ils doivent faire preuve d’inventivité dans le jeu entre si peu d’instruments et Las Kellies sont excellentes pour savoir quand laisser de l’espace pour permettre à la voix et à l’instrument de respirer et quand se laisser déchirer par un millier de poignards de flics hurlants. La section rythmique de la basse et de la batterie maintient un rythme solide et ingénieux avec une excellente utilisation occasionnelle des bongos (quelque chose qui peuplait beaucoup de morceaux indés des années 80 mais qui semblait se retrouver dans le faste des années 90) et permet à la guitare d’attaquer les sens comme un choc statique inattendu. Il s’agit d’une capacité à danser avec des angles aigus et des sauts supplémentaires. En écoutant leurs précédents albums pendant l’écriture de cette critique, il semble que Las Kellies aient affiné leur son sur la pierre à aiguiser de l’expérience pour sortir un album qui est vraiment confortable dans sa propre peau indie et plein de plaisirs croustillants à croquer.

***1/2

The Eyelids: « The Accidental Falls »

The Eyelidss ne sont pas un combo qu’il est facile de réduire. Bien qu’ils ne soient pas vraiment connus, les membres du groupe ont un certain cachet qui vient du temps passé à jouer avec Guided By Voices, The Decemberists, Stephen Malkmus et Elliott Smith. Ainsi, lorsque Larry Beckett a approché Chris Slusarenko et John Moen pour écrire les paroles de leur quatrième album, ils ont été intrigués. Beckett, poète acclamé, a également collaboré avec Tim Buckley sur ses deux premiers albums. D’abord incertain, comme le raconte Moen, « C’est la confiance que Larry nous a accordée qui nous a vraiment fait penser que nous devions le faire. Quand quelqu’un comme ça s’intéresse à votre travail au point de vouloir collaborer, cela nourrit certainement votre confiance »..

On trouve dans le disque beaucoup de guitares chatoyantes (outre Moen et Slusarenko, Jonathan Drews joue également de la guitare, tandis que Jim Taltstra et Paul Pulvirenti s’occupent de la basse et de la batterie). Pourtant, les couches musicales ont été fabriquées avec un soin remarquable, convenant à des interprètes munis de tels curriculum vitae. Il est également utile d’avoir un producteur en qui vous pouvez avoir confiance, surtout lorsque le producteur se trouve être le guitariste de R.E.M, Peter Buck. Il n’est donc pas surprenant que les membres du groupe ont été enthousiastes à l’idée de travailler avec ce dernier.

En 13 chansons et 39 minutes, Eyelids évoque les œuvres d’artistes commeTeenage Fanclub et The Posies, en passant par The Byrds et le R.E.M.. Bien qu’il y ait en son sein des groupes de ce genre, il s’agit d’une proposition résolument différente, en particulier sur un morceau tel que « Found At The Scene Of A Rendezvous That Failed », avec des paroles et une musique de Tim Buckley et Larry Beckett. Starlight Limelight Machine et une belle partie de l’ADN de R.E.M. qui flotte dans ses veines, même si les paroles de Beckett l’entraînent dans une autre direction.

Le son de Love résonnera également à travers le riff de guitare d’ouverture de « Mermaid Blues », tandis que Monterey servira de mise en bouche avant le riff et le grondement plus psychédélique de « 1 2 3 ».  Pour clore l’album avec une touche de country, « Passion » a, de son côté, un swing byrdsien qui ne serait pas déplacé sur Sweethearts Of The Rodeo.

 En dépit de la participation très médiatisée, The Accidental Falls est en fin de compte l’œuvre de cinq musiciens qui savent parfaitement ce qu’est leur musique. Ils jouent avec soin et passion, montrant ainsi qu’ils méritent un public beaucoup plus large que la mme de leurs pedigrees..

***1/2

Irist: « Order Of The Mind »

Le métal extrême est en mauvaise santé. Grâce aux progrès culturels naissants, des intérêts qui étaient autrefois des niches deviennent maintenant largement accessibles. Il y a eu des inconvénients, mais dans l’ensemble, les coins les plus sombres et les plus étranges de la culture contemporaine se sont développés sans perdre beaucoup de ce qui les rendait si uniques au départ.

Parallèlement à cette expansion, les ambitions musicales des groupes les plus lourds ont été largement révélées. Des groupes comme Irist ne se contentent plus de régurgiter des clichés de genre, ils veulent jeter tout ce qu’ils savent dans le mixeur et produire un beau frankenstein de parties dérangées.

Les influences d’Irist sont évidentes ; l’ADN de Gojira, The Ocean et Converge se retrouvent tous entrelacés dans Order Of The Mind, et, tout comme aucun de ces groupes ne peut être décrit comme musicalement complaisant, Irist ne l’est pas non plus. Il se pousse sur chaque morceau, sans jamais se contenter d’une structure familière ou d’une séquence de riffs prévisible.

L’album fonctionne au mieux lorsqu’il vise une sorte de transcendance, comme sur « Severed », qui utilise de magnifiques guitares carillonnant au sommet de ses refrains et punissant la seconde moitié. Le moment le plus étonnant de l’album, le dernier tronçon en particulier, est peut-être une œuvre d’une beauté sauvage. Beaucoup de chansons de « Order Of The Mind » contiennent des moments comme celui-ci, et chacun d’entre eux se révèle particulièrement frappant.

Le groupe est également assez sûr de lui pour traverser un territoire mathématique et dissonant. « Order Of The Mind » est un morceau méchant et laid, plein de riffs qui font tourner la tête et d’une dépression presque hardcore. « The Well » joue de la même façon, bien que quelques voix propres sur la moitié arrière de la chanson tempèrent intelligemment la brutalité.

Bien que Order Of The Mind soit clairement un album brillamment composé et interprété, une mention spéciale mérite d’être accordée au producteur Lewis Johns, dont le récent CV se lit comme un who’s who des jeunes groupes de métal talentueux (Conjurer, Employed To Serve, Rolo Tomassi, pour n’en citer que quelques-uns). Son travail tout au long de l’album est formidable, assurant à Irist un son aussi expansif et puissant que leurs chansons l’exigent.

Le groupe est clairement vert, et s’il y a une critique à faire à l’album, c’est qu’il ne frappe pas tout à fait avec le plus grand sens de l’individualité. Cependant, avec des influences aussi uniques et disparates que celles d’Irist, cela arrivera sûrement avec le temps.

Par-dessus tout, Order Of The Mind est un album très réjouissant ; tout metalleux s’amusera avec l’intro frénétique de « Dead Prayers » »ou les riffs de la dernière partie de « Harvester ». L’album, qui tend souvent vers une beauté terrifiante, est tout simplement un disque de métal solide d’un jeune groupe passionnant, qui devrait les mettre sur la voie de grandes choses.

***1/2