Riding The Low: « The Death Of Gobshite Rambo »

11 mai 2022

Riding The Low continue de défier les genres avec son dernier album, The Death Of Gobshite Rambo. Le titre de l’album est une déclaration en soi, et ce disque de 12 pistes confirme ce nom qui fait tourner la tête, le groupe équilibrant les moments d’introspection avec des rythmes qui font tilt. L’acteur, musicien et réalisateur Paddy Considine a récemment rencontré Mark Millar sur le podcast XS Noize pour parler de son dernier album avant les prochaines dates de la tournée d’avril. 

The Death Of Gobshite Rambo s’ouvre sur « Carapace Of Glass », l’un des deux singles du projet. L’intro est une houle de guitares flastées désorientantes et Considine plonge directement dans ce morceau en chantant « I struggle in relationships / I struggle to be myself »(J’ai des difficultés dans mes relations / J’ai du mal à être moi-même). La simplicité et l’honnêteté des paroles traversent l’album et constituent une base solide pour la chanson. Considine explore ses défauts et ses problèmes sur un lit de batterie stable et un accompagnement de guitare clairsemé dans ce numéro. 

« Wake Me Up When It’s Over » suit et oriente le disque dans une direction plus lourde. Avec des guitares distordues musclées et une faible contre-modalité de violon aiguë, Considine joue avec l’existentialisme dans ce morceau épique. Les couplets moelleux se juxtaposent joliment au refrain entraînant, qui a un côté paradoxal. « Si ce sont les meilleurs moments de notre vie / Réveillez-moi quand c’est fini », chante Considine. Avec une guitare acoustique infusée au phaser, un cor sinueux et une voix off énigmatique, Riding The Low mène la chanson à son apogée avant qu’elle ne se termine par un dernier refrain contagieux.

« Live From The Tramp Fights » a une forte connotation de rock classique, Riding The Low s’imprègne du son grinçant des années 60 et du style lourd des années 70. Parsemé de cornes et mettant en vedette la voix déformée de Considine, ce morceau est dynamique et diversifié. « Tommy Hawk » suit avec un son blues distinct, et une ambiance Far West. En créant un personnage fictif avec un jeu de mots sur « Tomahawk », Considine trace l’histoire d’un personnage à la morale douteuse et au passé trouble comme un commentaire en passant sur la nature humaine.

 » By-Product of the Last Flats » est l’un des morceaux les plus intéressants de l’album, car le groupe combine le grunge et l’indie avec Considine dans sa voix la plus erratique. Cela s’insinue dans l’oreille et en fait un morceau qui est aussi déroutant qu’infectieux. « Black Mass « , le premier single de l’album, plonge dans le son rock des années 90 pour une chanson acoustique qui inclut Considine dans son émotion la plus envoûtante. 

La chanson titre fait office d’avant-dernière piste de ce disque captivant avant que « Truth Is All I Have » ne vienne clore l’album avec un moment « briquets en l’air ». C’est un véritable hymne de festival, avec un refrain entraînant, complété par un riff lourd et des guitares distordues qui donnent au morceau une dimension supplémentaire. 

The Death Of Gobshite Rambo explore certaines des pensées les plus chères à Considine et équilibre ses paroles perspicaces avec des morceaux de rock percutants. C’est le disque parfait pour une écoute de fin de soirée, et chaque chanson a le potentiel pour devenir un incontournable des festivals alors que nous entrons dans le premier été de musique live depuis 3 ans. 

***1/2


Peaness: « World Full Of Worry »

11 mai 2022

Pour une fois, lorsque le communiqué de presse utilise l’expression  » longuement attendu  » pour parler d’une nouvelle sortie, on ne peut qu’être d’accord à 100% car ce premier long player du trio de Chester Peaness donne l’impression d’être en route depuis une éternité. Mais ne nous en plaignons pas, il est là et il est étonnant ; ce qui mérite bien qu’on y plonge. World Full Of Worry démarre avec la strate acoustique relativement douce de  » Take A Trip « , une chanson pleine de douceur et d’innocence mais aussi d’une tristesse palpable. L’ancien single  » Kaizen  » augmente considérablement le niveau d’énergie avec ce que l’on ne peut décrire que comme de l’indie-pop punchy et guillerette qui fait mouche. Ces guitares hachées sont de nouveau au premier plan sur  » How I’m Feeling « , une chanson qui parle d’une relation ou d’un travail qui n’est pas satisfaisant et qui détruit l’âme, et dont il faut sortir. Nous sommes tous passés par là, non ? 

La basse massive de  » Girl Just Relax  » est rapidement équilibrée par le riffage paresseux des guitares et vous vous retrouvez au milieu d’un diagramme du mathématicien Venn des années 90, entre Britpop, Shoegaze et Grunge, et vous vous sentez vraiment, vraiment chez vous.

Un de nos morceaux préférés de 2022 est le récent single  » irl  » qui met le  » pop  » dans l’indie-pop avec les harmonies vocales mélodiques de Jessica Branney et Carleia Balbenta formant un puissant rayon de positivité visant directement votre cœur. Le titre intermédiaire  » Doing Fine  » ressemble à l’enfant orphelin de Lush et Bis, tandis que  » Worry  » ressemble à un titre de Long Blondes qui se serait perdu dans le dossier d’un fauteuil vintage.

L’une des merveilles de cet album est qu’il donne l’impression à l’auditeur de rajeunir grâce à l’énergie et aux mélodies de chansons bien construites. La chanson douce ‘Left To Fall Behind’ est empreinte d’une nostalgie lourde avec des lignes telles que « hoping for the best, preparing for the worst » (espérer pour le meilleur, se préparer pour le pire) avant que ‘Whats The Use ? L’avant-dernier morceau,  » Hurts ’til It Doesn’t « , a un côté Looker qui me ramène aux nuits passées sur Kilburn High Road, avant que l’album ne se termine sur le très explicite  » Sad Song « , qui sera joué en boucle par de nombreux jeunes indé lorsque leur relation actuelle connaîtra une fin insatisfaisante. C’est un grand album indé et on peut imaginer beaucoup, beaucoup de gpersonnes le garder près de leur cœur pour un vertain bout de temps en raison du soin, de l’énergie et de la joie pure qui ont été versés dans chaque morceau. Pas mal pour un début. 

***


Niagara Moon: « Good Dreams »

11 mai 2022

Le groupe folk et fantasque  qu’est un Niagara Moon, mené par Thomas Erwin, sort son tout nouvel album, Good Dreams, dont le thème est l’esprit sur la matière. Composé d’une douzaine de titres, le disque évoquera Pet Sounds ou The Soft Bulletin, mêlant textures classiques et pop symphonique.

Good Dreams est le résultat de l’insomnie de Thomas Erwin en pleine quarantaine, provoquée par un sentiment d’incertitude et d’isolement immersif. Pour trouver le sommeil, Erwin a fait ce qu’il faisait quand il était enfant, imaginant de grandes lettres gonflées épelant les mots « Good Dreams ».

La notion de l’esprit sur la matière apparaît souvent au cours des 12 chansons de l’album. Après quelques années passées à lutter pour trouver leur son avec un arrangement plus conventionnel, Niagara Moon a embrassé l’orchestre électronique qui vit à l’intérieur de leur Mac Mini. Ainsi, Good Dreams est devenu un livre d’histoires baroque en technicolor et une échappatoire bienvenue aux moments plus difficiles de ces dernières années.

L’album commence par « Bad Vibes », une chanson sur la peur et la désinformation. Elle s’ouvre sur un piano étincelant surmonté de couleurs orchestrales vives, tandis que la voix veloutée d’Erwin imprègne les paroles de tonalités savoureuses. Rappelant vaguement la musique pionnière des dernières chansons des Beatles, les harmoniques s’élèvent et se retirent sur des teintes vives et flottantes.

« Who Needs Who » voyage sur de délicieux leitmotivs sur la pointe des pieds, pleins de sons vifs et scintillants. Ici, la voix d’Erwin donne aux paroles des timbres joyeux, comme si l’on faisait une promenade insouciante dans un parc par une journée ensoleillée.

L’ambiance lumineuse et aérée de « Surprise For You » offre aux auditeurs une légèreté aérienne, pleine d’accents percolants et de voix soyeuses et douces. « Hindsight », une chanson sur la perte de la jeunesse et de la liberté, présente des harmoniques plus sombres mais toujours lustrées, ondulant avec des cordes lumineuses.

« Sink Or Swim » s’ouvre sur des sonorités émergentes et florissantes et se transforme en une mélodie gracieuse, avec un piano doux et scintillant surmonté d’accents platine et de cordes en cachemire. Le dernier morceau, « Boxed In », reflète le sentiment menaçant engendré par les limites et la claustrophobie de la pandémie. Une humeur lugubre et persistante imprègne les harmoniques, donnant à la chanson une sensation latente de Cauchemar avant Noël.

Simultanément somptueux et innovant, Good Dreams offre une expérience d’écoute unique et séduisante.

***1/2


P.E.: « The Leather Lemon »

10 mai 2022

Person, le premier album de P.E. en 2020, débordait d’une inspiration qui ne peut être planifiée avec soin. Essentiellement le résultat d’un concours de circonstances – des membres de Pill and Eaters (d’où : P.E. ) formant un nouveau groupe lorsque les formations complètes de l’un ou l’autre groupe n’étaient pas disponibles pour un concert programmé – Person était un produit de l’électricité et de la spontanéité, ses grooves post-punk industriels nés de sessions improvisées et de jams dancepunk qui, lorsqu’on leur donne la poésie surréaliste hypnotique de Veronica Torres et l’éclat du saxophone de Benjamin Jaffe, transcendent l’idée de jam session punk, se transformant en joyaux pop d’avant-garde avec juste ce qu’il faut de polissage et de montage.

Sur leur deuxième album, The Leather Lemon, P.E. commence avec un ensemble d’outils similaires et une approche relativement libre, mais le résultat final est un peu différent de leur précédente expérience de laboratoire. Ils creusent des sillons plus profonds et exploitent des textures plus sombres, se délectant d’une sorte d’ivresse, d’exaltation nocturne – ces chansons ne sont pas tant plus lourdes que plus denses, tous les éléments qui s’étaient réunis sur Person se calcifiant maintenant en un solide cristal.

La première chanson de The Leather Lemon, « Blue Nude (Reclined) », est en quelque sorte une pièce maîtresse. Sa ligne de basse hypnotique à deux notes ne change que rarement, voire jamais, mais sa pulsation minimaliste fournit une toile texturée sur laquelle le saxophone de Jaffe se déchaîne, tandis que les claquements de mains de la boîte à rythmes claquent et claquent, et que Torres truffe la chanson de déclarations ludiques et obliques comme « French kiss to keep the peace ». Mais il a à la fois une direction et un élan, structuré pour le jeu en club autant que pour les écouteurs – tant que P.E. continue à avancer, il n’y a aucune raison pour que vous vous arrêtiez.

Alors que Person ressemblait en grande partie à une réduction des idées musicales destinées à des mixes de 12 pouces – ou à des fragments de ces mixes – les morceaux de The Leather Lemon semblent plus serrés et plus rationalisés, même si le groupe évite largement les structures de chansons conventionnelles. La plupart du temps, en effet, le banger industriel funk-and-clang « Contradiction of Wants » comprend en fait deux véritables ponts. Et la superbe pièce maîtresse de l’album, l’élégante ballade sophistiquée et pop « Tears in the Rain », avec Andrew Savage de Parquet Courts, est le P.E. le plus adaptable, embrassant une sorte de beauté élégante qui semble à la fois fraîche et fidèle à leur esthétique. C’est sublime.

Bien que P.E. se soit plongé dans le groove hypnotique, il y a encore beaucoup de choses sur The Leather Lemon qui témoignent de leurs origines imprévisibles et expérimentales, que ce soit la cacophonie percussive de  » New Kind of Zen « , le morceau de piano ambiant  » 86ed  » ou le minimalisme breakbeat de  » Lying With the Wolf « . Dans leurs moments les plus étranges ou les plus propulsifs, il y a une physicalité qui semble suggérer que leur acronyme n’est pas limité à une signification littérale. P.E. est toujours en mouvement.

***1/2


Silverstein: « Misery Made Me »

9 mai 2022

Il y a deux ans, nous avons émis l’hypothèse que le plutôt moyen A Beautiful Place to Drown n’était qu’une documentation inutile de Silverstein drainant toute sa sensibilité pop dans un projet avant de revenir à de plus grandes et meilleures choses. Même si je suis un visionnaire incroyablement brillant et humble, je n’avais que partiellement raison. Alors que le tout nouveau, Misery Made Me, est nettement meilleur que son frère un peu plus âgé, l’amélioration n’est pas due au fait que le nouvel album est plus lourd et moins pop-centrique ; c’est plutôt parce que l’écriture des chansons est marginalement meilleure. Mot clé : un peu mieux.

Au fur et à mesure que les années 20 progressent, il devient douloureusement clair que Silverstein… n’est plus aussi génial. Bien sûr, les Canadiens sont encore capables de produire un banger absolu sous la forme de « Die Alone », mais la majorité de Misery Made Me voit le groupe masquer des chansons fades avec des choix de production plus grands que nature et d’autres astuces peu convaincantes. Faire suivre les paroles profondément inspirantes  » I don’t care, I don’t care, I don’t care  » d’un  » YEAH !  » ne masque pas exactement les défauts flagrants de  » Our Song  » ; de même,  » The Altar/Mary  » se tire une balle dans le pied avec un pistolet à eau en contrastant des couplets d’une excellente intensité avec un refrain chargé d’effets très discutables. L’atmosphère recherchée par le groupe n’est tout simplement pas là, car aucun élément n’a le temps et l’espace nécessaires pour se développer en quelque chose d’attachant. Ailleurs, ‘It’s Over’ s’appuie trop sur un riff peu inspiré tandis que ‘Don’t Wait Up’ sous-utilise son excellent riff, illustrant parfaitement l’incompétence de l’album : les bons ingrédients sont peut-être là, mais Silverstein semble avoir perdu la recette.

Malgré cela, Misery Made Me est un album parfaitement écoutable. À l’exception de  » Die Alone « , ses meilleurs moments sont essentiellement des moments épars. Le refrain de  » Ultraviolet  » est une tranche de pop rock très agréable ;  » Cold Blood  » fournit une bonne toile pour la voix de Shane Told, à défaut d’autre chose ;  » Misery  » se construit jusqu’à un point culminant quelque peu inattendu, en dépit de ses paroles terriblement peu inspirées. Si Misery Made Me est peut-être un meilleur album que A Beautiful Place to Drown, il est aussi plus explicitement déprimant à l’écoute : il confirme que les Silverstein, autrefois admirablement fiables, ne sont plus capables d’écrire un bon disque de manière constante. La lourdeur ne peut pas masquer la fadeur : de plus, la lourdeur ne peut pas excuser une énième mélodie de refrain forcée lorsqu’elle n’est pas accompagnée par le riffage caractéristique du groupe. Chose étonnante : la misère n’est pas chose très amusante.

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Häxenzijrkel: « Urgrund (Amor Fati) »

9 mai 2022

Les 27 premières minutes d’Urgrund, le nouvel album du groupe de black metal allemand Häxenzijrkell, constituent un vortex sonore soutenu. Les riffs mid-to-down-tempo grondent et hurlent, imitant les sons des glaciers qui vêlent ; le tonnerre percussif est précis, et bien que les coups soient épargnés, ils se répercutent avec une force considérable. Les structures mélodiques des chansons sont simples, mais elles sont vraiment mélodiques, conférant aux maelströms de « Die Entschleierung » et « Von Zeit und Form » une puissance magnétique. Ces chansons vous attirent et vous aspirent vers le bas, dans des profondeurs sombres et délibérément tourbillonnantes. Comme l’indique le titre de « Die Entschleierung », on a l’impression que quelque chose est en train d’être révélé, un message cryptique qui se fraye un chemin à travers l’encre de ces profondeurs. L’expérience est lourde, musicalement et par rapport à un sentiment dominant de profondeur pesante. En un mot : Yikes.

Alors, quelques autres mots : Urgrund, Entschleierung, Zeit, tous philosophiquement épais, et l’allemand fait sonner les choses comme Heideggerian. On s’imagine beaucoup de montagnes alpines brumeuses, de fourrés spirituellement impénétrables, de longs discours obscurs sur des concepts comme « dwelling » et « Dasein ». Il suffit d’un ciel nocturne, d’une file de skieurs portant des torches et de Leni Riefenstahl, les joues rouges, pour ouvrir la voie.

Ce sont des noms lourds de sens, indiquant des degrés divers de collaboration avec l’aile culturelle du Troisième Reich – et probablement sensationnels, des fruits mûrs à cueillir dans le contexte du black metal. Ce chroniqueur n’a aucune idée de la position du duo (identifié seulement comme P et MK, dans le style cultissime du black metal) de Häxenzijrkell dans les schismes actuels NSBM/RABM, si tant est qu’il en ait une. De nombreux groupes se sont déclarés Artistes (mon A majuscule, avec une pointe d’ironie), installés dans des espaces élevés, au-dessus de la mêlée mesquine de la politique. Désolé, les amis : si c’est social, et surtout si de l’argent change de mains, c’est politique.  

Qu’en est-il de la musique ? Elle est plutôt bonne, bien qu’un peu moins dynamique sur le plan stylistique. Le troisième et dernier morceau du disque, « Der Pfad der Finsternis » (pour nous : « Le chemin des ténèbres »), accélère le rythme en une marche forcée, qui se transforme bientôt en trot. Celui des deux membres du duo, MK ou P, qui est chargé des fonctions vocales, grogne et crie beaucoup. Les guitares intensifient toute la menace soutenue. Ce qu’il y a de mieux dans Häxenzijrkell, c’est peut-être le son que produit MK, qui est à la fois d’acier et de fonte. Pas « acier fondu » ; il ne coule pas tant qu’il croustille. Les guitares sur Urgrund sonnent comme de l’acier déchiré au milieu d’une activité volcanique volatile. C’est un son irrésistible avec lequel on s’attardera volontiers, et pendant de longues périodes. 

***1/2


Stranger Dreams: « After The Raven Has Died For The Dove »

9 mai 2022

 « Defiant » est le son d’aujourd’hui: Stranger Dreams a sorti le premier single de leur nouvel album, After The Rave Has Died For The Dove, qui est sorti via Unknown Pleasure Records et Crunch Pod. et à cet égard, c’est un bijou de rock gothique, datant de 2022, qui suit les lignes des piliers du dit genre en modela vieille école. Un son compact, des guitares tranchantes et une voix profonde et sombre exceptionnelle.

Il n’y a pas d’histoire heureuse derrière les rockeurs gothiques américains, Stranger Dreams. Le groupe a été formé en 2008 par le producteur de musique électronique Karloz.M, mais il s’est rapidement mis en sommeil après la sortie de son premier EP, la même année. 13 ans plus tard, en 2021, on retrouve Stranger Dreams dans la compilation hommage à The Sisters Of Mercy et The Sisterhood, HONORIS II TRIBUTE TO THE SISTERS OF MERCY & THE SISTERHOOD. Leur reprise de « Driven Like The Snow » est l’un des points forts de la compilation, et les influences sont évidentes.

Avant cela, Stranger Dreams a été ressuscité en 2018, lorsque Karloz.M a trouvé l’homme qui serait son partenaire dans ce voyage froid, dark wave, goth rock, le guitariste Seamus Simpson. Leur amour mutuel pour les sons sombres les conduit à commencer la création de l’album After The Rave Has Died For The Dove. Alors que le duo est en train d’écrire et d’enregistrer, la pandémie de 2020 les oblige à reprogrammer la sortie de l’album pour l’automne 2021, afin de terminer les enregistrements et la production après la fin de la fermeture. Tragiquement, le vendredi 25 juin 2021, le guitariste Seamus Simpson est décédé soudainement de complications cardiaques, moins de 72 heures après avoir entendu et approuvé les nouvelles versions des chansons sur lesquelles la paire avait travaillé auparavant.

Suite à cet événement tragique, Karloz.M, ainsi que sa collègue musicienne Amoreena Stout, ont réussi à rassembler tout le travail que le groupe avait fait jusqu’alors. After The Raven Has Died For The Dove comporte plus de 21 guitares différentes dans son intégralité. Le titre et la pochette de l’album ont été décidés avant la mort de Seamus, et c’est une coïncidence étrange. Pourtant, l’album est à la fois une dédicace et un monument à la mémoire de Seamus Simpson, à son don inestimable et à son amour inébranlable de la musique.

***1/2


The Builders And The Butchers: « Hell & High Water »

9 mai 2022

Cela fait cinq ans que The Builders And The Butchers n’ont pas sorti de disque, aussi Hell & High Water, leur dernier opus, vise à compenser largement ce retard.Le groupe s’est formé à Portland, mais ses membres sont maintenant dispersés et séparés par des frontières d’état et un océan dans un cas. Pour réaliser ce disque, il a fallu surmonter la géographie, la pandémie et bien plus encore. La plupart des membres vivent dans l’Oregon, le Colorado et Washington, mais le bassiste Willy Kunkle est capitaine de bateau à Malte, alors le reste des membres l’ont rejoint là-bas en 2019, s’installant dans un hangar à bateaux dans la marina pour travailler sur l’album. « Tout au long de l’automne et de l’hiver 2019, nous nous réunissions chaque semaine, faisions un feu, buvions de la bière et du whisky et essayions de trouver une certaine cohésion dans ces airs », a déclaré le chanteur Ryan Sollee. « Ce lieu de rassemblement a été le plus inspirant que nous ayons eu dans tout processus créatif pour tout album jusqu’à présent. »

Et malgré ce qui s’est passé ensuite, l’album est toujours remarquablement cohérent, de la première grenade et de la voix plaintive de Sollee sur la première chanson « The River », à la chanson finale, émotionnellement puissante, « Sonoran Highway Song ». Début 2020, après avoir posé les premières pistes de batterie en studio, la pandémie et les quarantaines mondiales ont contraint le groupe à terminer l’enregistrement à distance. Ajoutez à cela le fait que les membres ont dû faire face à des incendies de forêt en furie et à des émeutes dans les rues.

En conséquence, les performances sur Hell & High Water sont très émotionnelles, tant au niveau de la voix que du jeu, ce qui fait de Hell & High Water l’album le plus marquant du groupe en presque deux décennies de collaboration. Vous pouvez l’entendre dans le doom sonore de « West Virginia », une chanson de caractère sur le fait de se cacher des flics, et dans la magnifiquement subtile « Nebraska » (pour ce que ça vaut, il y a une autre « chanson d’état » ici, la rauque « Montana », recouverte de guitare floue et d’énergie frénétique). 

Le disque, qui compte une douzaine de titres, parvient à être à la fois tendu sur le plan émotionnel par moments et satisfaisant sur le plan du divertissement. Compte tenu de tous les obstacles qui ont dû être franchis pour que Hell & High Water voie le jour, le titre est remarquablement approprié.  

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Mandy Moore: « In Real Life »

9 mai 2022

L’auteure-compositrice-interprète Mandy Moore poursuit son évolution vers un son plus organique sur In Real Life. Après avoir attendu plus d’une décennie pour sortir son sixième album, le transformateur Silver Linings, il ne lui a fallu que deux ans pour former son prochain effort. Son dernier opus s’appuie sur la transition de la chanteuse, qui s’est éloignée de la pop grand public pour se rapprocher du style folklorique de Laurel Canyon.

In Real Life ressemble à une œuvre post-pandémique, qui fait appel aux émotions de la reconnexion. L’album a également une intimité personnelle supplémentaire. C’est parce que Moore l’a écrit juste avant la naissance de son premier enfant. Dans ses textes, la chanteuse imagine ce que pourrait être la parentalité. Que ce soit intentionnel ou non, le contraste est saisissant avec la mère expérimentée qu’elle a incarnée pendant six ans dans la série télévisée This Is Us.

Il est difficile de définir le son qui définit le disque. Mandy Moore expérimente tout, de la ballade au piano à la country, en passant par l’indie pop sourde, chaque chanson offrant un aperçu différent de sa psyché.

L’album s’ouvre sur la chanson titre, une ballade acoustique chaloupée, soutenue par une basse et un synthé chauds. Cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas quelques rebondissements, notamment un violon et des solos de guitare.

« Somebody loves me/ Somebody needs me/ In real life/ Somebody wants me », déclare Moore, la voix tranchante et directe. Il est intéressant de noter que la vidéo de cette chanson met en vedette les personnes qui accompagnent Moore dans l’émission de télévision, ce que beaucoup de fans veulent croire être la vraie vie.

« Heartlands » est fidèle à son nom : une magnifique ballade aux accents americains, pleine d’harmonies et d’un piano discret. Le morceau est complexe et bien délivré. C’est une chanson simple avec un message simple que Moore délivre efficacement. L’enjoué « Little Dreams » offre quelque chose de très différent : un morceau à la basse lourde qui fusionne la sensibilité indie avec un arrangement acoustique de chanteur-compositeur. Mélangeant tout, des cordes aux synthés, la chanson est énergique sans être exagérée, s’intégrant à la personnalité du reste de l’album.

L’ambiance change avec la ballade dramatique au piano de « Just Maybe ». Mélangeant les moindres touches pop, le morceau a un aspect très cinématographique et une montée et une descente d’optimisme prudent. « Just maybe we’re all that we’ve got/ And that’s more than enough to keep on dreaming » (Peut-être que nous sommes tout ce que nous avons et que c’est plus que suffisant pour continuer à rêver), chante Moore.

Les choses changent du tout au tout sur l’amusante jam de bar « Living in the in Between », où Moore échange sa voix avec son mari (et le leader de Dawes) Taylor Goldsmith. Ce n’est pas la seule collaboration de Moore sur le disque, elle travaille également avec Lucius, The War on Drugs et Phoebe Bridgers.

Les choses restent optimistes avec la chanson d’amour « In Other Words », un indie rock acoustique construit sur un jeu de guitare brillant et chatoyant.

Four Moons », d’inspiration méridionale, est empreint d’une authenticité Americana organique, tandis que « Little Victories » réserve des surprises avec une jam acoustique entraînante et des éclairs de funk old-school nuancés. La production de In Real Life est solide. Avec un casque sur les oreilles, vous pouvez distinguer tous les instruments et les harmonies dans les arrangements.

« Heavy Lifting » est une chanson d’amour acoustique détendue et légère qui va et vient avec une touche légère. « Brand New Nowhere » est insouciant et funky. « When we run out of road/ Let’s find a brand new road » (Quand nous n’aurons plus de route, trouvons une toute nouvelle route), chante Moore, débordant d’optimisme à cet agard.

C’est ce genre d’attitude positive que Mandy Moore transmet tout au long de l’album. Elle est présente à la fois dans les paroles et dans l’arrangement des chansons. L’album s’achève sur la note la plus complexe et la plus subtile avec la légère touche acoustique de « Every Light », un morceau élaboré de main de maître.

In Real Life témoigne de la croissance et de la maturité de Moore en tant qu’auteur-compositeur et interprète. L’album est amusant et enjoué, mais surtout, il est authentique à son expérience personnelle.

***1/2


Širom: « The Liquified Throne Of Simplicity »

9 mai 2022

Notre premier contact avec Sirom remonte à 2017 : alors qu’ils étaient présentés comme la prochaine grande chose dans la musique free/avant-folk n’avient pas du tout impressionné par son offre musicale essentiellement axée il semblait, sur un registre où ces multi-instrumentalistes expérimentés n’aviaient pas développé d’idées au-delà de l’idée de jouer autant d’instruments divers que possible. Néanmoins, le trio a reçu des éloges et des critiques globalement positives par sa manière de verser dans l’improvisation et la musique traditionnelle.

Plus de 4 ans ont passé maintenant, et Sirom en est à son quatrième album studio – et les éloges n’ont fait qu’augmenter depuis. N’attendant pas grand-chose, nous avions décidé de leur donner une seconde chance : peut-être avions-je jugé trop vite ? peut-être se sont-ils étoffés depuis, et leur maîtrise des instruments qu’ils jouent en tant qu’artistes naïfs – plutôt que formés dans chaque tradition spécifique – est-elle maintenant suffisante pour que nous soyons capable de groover avec eux, plutôt que de hausser la tête devant leurs tentatives de présenter des impressions sans but de la musique folk comme une sorte de jam cérébral qui sonne délibérément ainsi ?

Dès le premier morceau, on est agréablement surpris. Les instruments ne sont peut-être pas utilisés de manière traditionnelle ou particulièrement impressionnante sur le plan technique, mais ils réussissent parfaitement à créer une atmosphère – celle d’une jam acoustique introspective et onirique. Un fort groove de basse (dans la première jam – les autres jams sont maintenues de manière similaire par différents instruments de fond) aide à maintenir l’ensemble, et les « instruments bizarres » ne sont plus une distraction, mais ajoutent chacun leur timbre spécifique qui donne à l’offre finale multicouche un caractère unique. Le trio semble également s’abstenir de mettre des instruments qu’ils ne maîtrisent manifestement pas en avant ou seuls (ou peut-être que les 4 années supplémentaires de jamming y ont contribué ?), les utilisant plutôt comme bourdons lorsque leur timbre est spécifiquement nécessaire.

Dans l’ensemblenous avons fini par apprécier ledit jam. Bien qu’il n’y ait pas grand-chose de révolutionnaire ici, il s’agit dans l’ensemble d’une improvisation acoustique très bien équilibrée, avec une bonne idée de l’utilisation du timbre et de la texture, qui évoque une ambiance méditative pastorale chaleureuse. Un jam terre-à-terre d’un folk décontracté d’une époque plus simple, qui sait prendre son temps et profiter de la vie.

***1/2