New Dark Ambient for the Fall: Kloob, BlackWeald, Altus, and Ager Sonus

19 octobre 2021

Alors que l’automne apporte des températures plus fraîches et des jours plus courts, les artistes de dark ambient sont occupés à sortir de nouveaux titres qui capturent le déclin cyclique de la nature ainsi que la crainte existentielle d’un autre monde.

Kloob – Parallel States

Les paysages sonores obsédants de Dani Kloob grondent et se déploient de manière discrète. Presque hypnogéniques, ces pièces sont ressenties autant qu’entendues. Alors que de longs et lents drones dominent l’avant-plan, des éléments électroacoustiques et des sons traités crépitent sur les bords. Évoluant à des échelles de temps tectoniques, chaque morceau est étonnamment riche et densément stratifié. L’un d’entre eux contient des motifs de beats qui confèrent une intensité cinématographique supplémentaire à cette offre.

BlackWeald – 90377 Sedna

Après avoir sorti un album de 11 heures ( !) en début d’année, BlackWeald s’est un peu calmé sur 90377 Sedna. Mais cet album est accompagné d’une histoire courte, d’une vidéo et d’une pochette détaillée, alors peut-être pas tant que ça. L’accent est mis ici sur l’ambiance spatiale, avec des drones sombres et chatoyants, des voix synthétiques et des murs déformés. Ces sons évoquent certainement une combinaison de machines et l’immensité de l’espace profond, avec plus qu’un peu d’horreur. La version numérique est accompagnée d’un morceau bonus de 32 minutes, « сингулярность », qui est un drone étendu et lent – peut-être pas essentiel mais néanmoins agréable.

Altus – Hypoxia

Altus (Mike Carss) prend une direction différente avec des vagues de synthétiseurs propres qui gonflent et diminuent, un peu comme les œuvres de Steve Roach et d’autres artistes électro-ambiants plus « grand public » des deux ou trois dernières décennies. Des motifs séquencés sans prétention vont et viennent en arrière-plan. Néanmoins, il y a une tension distincte dans ce travail, une anxiété ou une urgence sous-jacente qui apparaît occasionnellement dans des motifs de battements programmés ou des textures plus rugueuses. On retrouve une partie de cette tension sur « Metal Fatigue », un morceau qui associe des lavis de synthétiseurs à des statiques en ébullition. Carss a sorti plus de 50 albums sous le nom d’Altus, et Hypoxia est un bon point de départ pour explorer sa longue discographie.

Ager Sonus – Niflheim

Ager Sonus (Thomas Langewehr) est de retour avec une nouvelle excursion ambient percussive. Celle-ci se concentre également sur l’utilisation intensive de flûtes et de synthétiseurs. Visant à raconter une histoire de batailles et de mythologie nordique du 9ème siècle, les rythmes de Langewehr sont à la fois tribaux et martiaux. Les synthétiseurs, associés à des effets et des enregistrements, créent un environnement sonore complémentaire. La flûte, associée à l’utilisation occasionnelle d’instruments à cordes et de chants gutturaux, ajoute des textures primordiales granuleuses et quelques moments déchiquetés. Néanmoins, le travail de synthétiseur est lisse et stratifié dans la plupart des cas. L’ambiance n’est pas ouvertement guerrière, mais donne l’impression d’une préparation à la guerre – une petite armée se préparant au combat à la lueur des torches dans une forteresse sombre. Nous avons déjà fait des comparaisons entre Ager Sonus et Robert Rich, et ces similitudes se vérifient.

***1/2


Sylvie Courvoisier and Mary Halvorson: « Searching for the Disappeared Hour »

19 octobre 2021

Nous connaissons tous aujourd’hui la notion de « temps pandémique » – lorsque votre routine normale a été perturbée au point qu’il est difficile de se rappeler le jour de la semaine et encore moins l’heure de la journée. Deux compositrices/improvisatrices expérimentées basées à New York, la pianiste Sylvie Courvoisier et la guitariste Mary Halvorson, ont tenté de saisir ce phénomène dans 12 pièces en duo.

Bien que toutes deux soient bien connues dans les cercles du jazz créatif moderne, leur approche sur Searching for the Disappeared Hour est plus orientée vers le classique, ou du moins mieux décrite comme du jazz de chambre. À cet égard, chaque composition comprend une série de structures mélodiques et harmoniques que Courvoisier et Halvorson traversent avec fluidité. Il y a peu de répétitions ou de développement thématique traditionnel – ils disent leur morceau et passent à autre chose. Mais en plus et entre les aspects écrits, il y a beaucoup de place pour l’improvisation.

À première vue, le ton est pastoral et calme, avec des thèmes contrapuntiques colorés et enjoués, allant du dépouillement à la densité des arrangements. Mais après une écoute plus approfondie, l’expérimentalisme de ce duo apparaît au grand jour. L’utilisation par Halvorson de techniques étendues et de note-bending à l’électrique dissipe toute idée de facilité d’écoute, tout comme les moments anguleux et percussifs de Courvoisier. Mais le plus remarquable est sans doute la façon dont ils ont su capturer les montagnes russes émotionnelles des 18 derniers mois. Même au sein d’un morceau, l’humeur peut passer plusieurs fois entre des interludes joyeux et des expressions plus sombres. Le bonheur peut se transformer en un instant en morosité ou en mélancolie, et vice versa.

Par conséquent, Searching for the Disappeared Hour fonctionne à plusieurs niveaux. Il peut être écouté comme un témoignage des prouesses techniques de deux musiciens. Mais c’est aussi une exploration étrangement émouvante de la désorientation que nous avons tous ressentie ces dernières années.

***1/2


From the Mouth of the Sun: « Light Caught the Edges »

19 octobre 2021

From the Mouth of the Sun revient ici avec son quatrième album studio, Light Caught The Edges (Lost Tribe Sound). Associant les cordes bien ancrées d’Aaron Martin aux changements de tonalité imprévisibles et à la puissance dynamique de Dag Rosenqvist, leur musique a la capacité de cracher du feu et de calmer la tempête, jetant des sorts d’une profonde beauté et d’une grande intrigue à chaque tournant. Le duo respecte les éléments constitutifs de chaque composition et fait preuve de patience dans leur développement. Il ne faut pas se précipiter. Balletique et enchevêtrée, la musique ne contient pas de déclarations ou de concepts complaisants ; elle est suffisamment étonnante telle qu’elle est, et elle n’a pas besoin de maquillage pour poudrer ou déguiser son vrai visage. Elle est accessible et poétique, assez douce pour effleurer la surface de la peau et capable de faire tanguer le bateau avec son côté plus sauvage. 

Dans l’ouverture aérienne, « For a Moment We Were Weightless », la musique se gonfle lentement, emportée par ses degrés d’aigus et donnant l’impression d’une descente à travers des nuages vaporeux ; l’attraction tenace de la gravité est absente. La présence réconfortante des cordes contrebalance la sauvagerie potentiellement déchirée des autres tonalités électroniques, mais elles ne sont jamais violentes ou malveillantes. Les bruits sourds légèrement inquiétants du début de « Ashen » ressemblent plus à un chant de deuil ou à un frémissement répétitif et moins à une menace ou à un avertissement.

Les tons lents et larmoyants qui émergent comme un esprit de la brume semblent le confirmer. Les cordes agissent comme un sédatif, calmant toutes les autres parties de la musique, bien qu’il ne s’agisse pas d’une expérience d’écoute passive. Même les tons traînants et sinueux, mordus par des prédateurs enveloppés de statique, n’échappent pas à la lenteur de l’atmosphère. Des éclats de lumière parviennent tout de même à se faufiler dans la musique, comme des DM sur l’Instagram d’un mannequin, s’infiltrant dans les tons gris. C’est surtout « The Warmth Falls In » qui ressemble à cela, ses tons glissants trouvant confort et intimité même dans les coins les plus sombres et ombragés.  

Plusieurs invités se sont mêlés à la musique. Lisen Rylander Löve joue une séquence de saxophone pétillante sur « Breaking Light », et avec le batteur Esben Willems (de Monolord), la musique est glorieusement vivante et très certainement dynamique. Sur « Landing in the Dark », le piano pâle de Jakob Lindhagen s’arrête et se tourne vers l’ajout des cordes. Les deux peuvent partager leur chagrin, et la musique a des relents de mélancolie. Et comme les mélodies s’enchaînent et se connectent, elles créent des fils qui pourraient aussi passer pour des toiles d’araignée.

***1/2


Vanishing Twin: « Ookii Gekkou »

19 octobre 2021

Mélange hallucinant de plusieurs genres en un seul paysage sonore intergalactique, Ookii Gekkou est la dernière sortie du groupe expérimental londonien Vanishing Twin. 

Après s’être formé en 2015 grâce à un amour commun pour les instruments inhabituels et les vinyles vintage, Vanishing Twin a entrepris de réaliser une approche synesthésique de la musique, en combinant l’art et l’imagerie avec le son pour créer une expérience du corps entier. Leur dernier album de neuf titres, produit par Malcolm Catto (une figure de la scène groove du nord de Londres), est imprégné de nuances de jazz, de funk et d’exotisme qui s’unissent pour créer une surcharge sensorielle parfaite. À travers la folie et la turbulence de l’enfermement, Ookii Gekkou fournit un récit musical pour les expériences de vie parfois surréalistes et inhabituelles auxquelles nous nous sommes collectivement habitués au cours des 18 derniers mois. 

Le morceau d’ouverture « Big Moonlight » illustre la riche variété de sons, de rythmes et de textures que l’on retrouve tout au long de l’album. Il commence par un shuffle jazz qui tape du pied et se termine par un fondu mystique acid folk. Les paroles et les carillons fantaisistes donnent l’impression que nous sommes entrés dans un jardin magique plein de beauté naturelle, mais qui a aussi un côté sinistre et obsédant, transportant l’auditeur dans un voyage au clair de lune dans un royaume des merveilles surnaturel. 

« Phase One Million » explorera un univers funky incorporant des fusions de psychédélisme et de disco. Un riff insistant exécuté dans le style wah-wah des années 70 fournit un groove impeccable, tandis que des couches de voix harmonieuses offrent un air de tranquillité et de douceur soulfulness à la sensation générale.

« Zuum » est, de son côté, certainement l’approximation la plus proche à ce jour de ce à quoi ressemblerait un événement sur Mars, rempli de motifs rythmiques infectieux et d’instruments qui se fondent mystérieusement pour se transformer en d’autres formes toujours changeantes à mesure que le morceau progresse. Les paroles surréalistes ajoutent au ton éthéré du morceau, la chanteuse Cathy Lucas demandant « Who are we ? We are everyone », reconnaissant implicitement que toute crise existentielle doit être affrontée ensemble, en tant que race humaine unie. Ce collectivisme contraste avec la structure musicale variée du morceau qui nous emmène dans un voyage troublant, comme si nous voyagions d’une planète à l’autre dans notre quête incessante d’une solution.

Le morceau le plus expérimental de tous, « The Organism », comprend des carillons en écho, des percussions en bois, des paroles et des touches au milieu d’une large palette de sons qui réveillent l’âme. Le morceau fait référence à des questions fondamentales telles que « Qu’est-ce que cette simulation ? Et pourquoi suis-je ici ? » tout en racontant une histoire de fascination et de confusion, comme si l’entité du titre avait ouvert les yeux et découvert le monde pour la première fois, ou peut-être s’était-elle réveillée dans un monde qu’elle ne reconnaissait plus. Le rythme rapide et répétitif de la chanson et sa mélodie donnent l’impression d’un narrateur qui cherche des réponses dans un environnement inconnu, faisant ainsi allusion à l’incertitude de nos circonstances actuelles. 

La batterie latine de « In Cucina », quant à elle, évoque parfaitement l’agitation d’une atmosphère de carnaval, à la fois vibrante, audacieuse et déroutante. Ce morceau est une expérience d’écoute immersive, pleine d’émotions contrastées et de rythmes effrénés qui reflètent le flux et le reflux de nos vies. 

Concluant l’album sur une note funky, « The Lift » serz un délice énergique dont l’instrumentation robotique et électronique offre un contraste stimulant avec la chaleur de la basse et de la section rythmique. Ses thèmes reflètent le ton général de l’album avec des références aux forces de la nature, à l’exploration humaine et au questionnement existentiel de notre existence. Lucas déclare « I am a dizzy wind » et « a hurricane » et, en tant que collectif, « we are the weather », soulignant que nous sommes tous sur une route sinueuse à travers les modèles changeants de notre temps ». La dernière ligne du morceau nous encourage à « regarder la tempête droit dans les yeux » (look the storm right in the eye) pour qu’ensemble nous continuions à combattre l’adversité et à canaliser nos énergies unies dans des actes, créatifs ou non, qui rendront le monde meilleur. En exprimant de tels sentiments, Ookii Gekkou s’avère être un album pour et sur l’époque dans laquelle nous vivons, s’inspirant du meilleur de l’esprit humain.

***1/2


The World Is a Beautiful Place & I Am No Longer Afraid to Die: « Illusory Walls »

19 octobre 2021

Sur leur quatrième album studio, Illusory Walls, The World Is a Beautiful Place & I Am No Longer Afraid to Die amènent leur marque de post-rock aux accents emo à des endroits plus grands, plus sombres et plus affirmés que jamais. L’album exploite la clarté lyrique de Always Foreign (2019), la grandeur non dissimulée de Harmlessness dn 2015, et le post-rock spacieux de Whenever, If Ever datant de 2013, tout en incorporant une bombance prog-rock et une finesse de studio qui servent à revitaliser le son caractéristique du groupe.

La première moitié d’Illusory Walls fait avancer ce son avec force grâce à de nouvelles textures et structures de chansons. Le morceau d’ouverture, « Afraid to Die », passe du statut de berceuse calme à celui d’hymne rock, rempli à ras bord de synthétiseurs pulsés, de cordes dramatiques et de guitares aux sonorités futuristes. Plus tard, « We Saw Birds Through the Hole in the Ceiling » adopte une approche similaire, passant d’une dream-pop élégante et mystérieuse à un rock hérissé et déchiqueté, tandis que « Invading the World of the Guilty as a Spirit of Vengeance », en perpétuel changement, est dense et menaçant.

Bien que TWIABP expérimente ces nouvelles sonorités, Illusory Walls conserve une orientation thématique qui le distingue du reste de son catalogue. « Blank//Drone » et « Blank//Worker » décrivent tous deux sans ambages les coins dans lesquels les gens de la classe ouvrière sont poussés par les puissants : « Une drogue à 400 000 dollars contre une fois de plus, le câlin de ma mère » (A 400,000-dollar drug versus one more time, my mother’s hug), chante Dave Bello sur ce dernier titre, une sorte de chant funèbre. Une grande partie du contenu lyrique est projeté à travers cette lentille critique, parfois avec une cible concrète, comme sur la chanson « Died in the Prison of the Holy Office », qui se construit vers un final opératique tout en critiquant l’Église catholique.

Ces chansons sont traversées par une désaffection aiguë, mais elle est souvent délivrée avec un désir d’action qui empêche Illusory Walls de paraître nihiliste. De grosses guitares audacieuses soulèvent des harmonies vocales étendues et cristallines qui transforment des paroles défaites telles que « Se dissoudre dans les fluides de la dissolution des frontières travail/vie/ Avez-vous peur ? » (Dissolving in fluidities of dissolving work/Life boundaries/ Are you getting scared ?) en cris de ralliement sur des chansons comme « Trouble ». ; « Ils se sont levés et ont secoué le sang. » (I barely stood/They rose and shook the blood off), chante Bello après qu’un solo de guitare ait fait évoluer la chanson dans une direction plus punchy, plus pop-punk.

Au cours de la seconde moitié de l’album, TWIABP étend et développe encore plus les éléments fondamentaux de sa musique, revisitant son histoire à travers deux morceaux de clôture monstrueux, « Infinite Josh » et « Fewer Afraid », qui occupent ensemble 35 minutes de l’album. Et ils en gagnent chaque seconde, puisant dans le même puits que les morceaux des albums précédents du groupe, comme « Getting Sodas » et « I Can Be Afraid of Anything », mais poussant ce modèle à ses limites.

« Infinite Josh », en particulier, détourne le penchant de l’album pour l’obscurité en une méditation plus ambiguë sur la nostalgie et le changement, le refrain aérien de Katie Dvorak flottant de-ci de-là à côté de l’arrangement lumineux et jangly du morceau. Alors que « Fewer Afraid » s’approchera avec succès de sa durée à deux chiffres grâce à des phases changeantes et des segments quelque peu distincts, « Infinite Josh » s’appuie ainsi sur une répétition patiente et captivante de mélodies de plus en plus entêtantes. Lorsque la ligne thématique clé de l’album apparaît vers la fin de la chanson – Les objets dans lesquels nous sommes enfermés, immobiles et violents/Juste moins comme ça, moins de peur… » ( The objects we’re locked in, immobile and violent/Just fewer like that, fewer afraid) – cela ressemble à l’éveil vers lequel le groupe a toujours tendu.

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PinkPantheress: « to hell with it »

19 octobre 2021

PinkPantheress n’a sorti sa première chanson qu’en janvier dernier et elle s’est déjà imposée comme l’un des nouveaux talents les plus brillants et les plus dynamiques du Royaume-Uni. Star en devenir, elle est à la tête d’une nouvelle génération d’artistes qui créent de la musique étonnante selon leurs propres termes.

Sa première mixtape to hell with it est une introduction parfaite à l’esthétique enivrante de Pink Pantheress. D’abord remarquées sur TiKTok, ses chansons chatouillent l’oreille intimement ; il sont parfaitement formés, alignés sur des rythmes électroniques et des sons UK garage d’une simplicité trompeuse, mais extrêmement satisfaisants. Il s’agit d’un mélange dynamique entre la nostalgie et le présent, comme en témoigne son premier titre « Pain », qui fait le buzz et qui s’appuie sur la bande-son du classique « Flowers » de Sweet Female Attitude, combiné à un chant habile et sans effort, jusqu’à ce que le tout soit haché et mélangé.

L’ambiance est celle de la vieille école qui se mêle à la nouvelle école dans une douce harmonie. C’est brut et rudimentaire, mais c’est ce qui le rend si excitant. La meilleure partie de cetalbum n’est pas seulement la façon dont il sonne. Ce n’est pas non plus simplement la qualité des chansons. C’est la promesse de ce qui est à venir : quelque chose de vraiment très spécial.

***1/2


Sarah Davachi: « Antiphonals »

19 octobre 2021

Tout ce qui concerne l’étonnant et tentaculaire Antiphonals est baigné dans une mer de merveilles ; intemporel, doux et captivant. Sarah Davachi a une capacité exceptionnelle à créer des enceintes sonores immersives où l’on peut se sentir en sécurité pour réfléchir aux émotions les plus lourdes et vagabonder librement dans notre propre esprit. Mais sa musique n’est pas sûre, c’est même tout le contraire. En créant ces cocons sonores enveloppants, Davachi nous envoie dans les zones les plus sombres sans nous méfier.

Antiphonals se déplace avec aisance, un large éventail d’instruments fondus ensemble en synchronisation. Des plumes solennelles dans des accords surprenants sont des portes ouvertes sur « Chorus Scene », un signe de bienvenue, estompé mais toujours présent. Il crée l’ambiance comme un rideau qui se lève pour révéler le vaste dôme sourd de « Magdalena ». Des braises montantes éclairent un chemin introspectif, la touche retenue de Davachi déverrouille la chaleur affective d’Antiphonals. Peu d’artistes communiquent autant avec quelques notes étirées et enroulées autour d’elles comme des puzzles complexes, où se concentrer trop sur le son éloigne de l’émotion qui imprègne la musique de Davachi. « Magdalena » est un chef-d’œuvre de raffinement, qui laisse respirer chaque accord.

Même si c’est dans les morceaux les plus longs que notre esprit vagabonde le plus, les morceaux courts sont tout aussi évocateurs. « Gradual of Image » est une danse sombre et fantaisiste de guitare acoustique et d’orgue, valsant à travers des paysages en décomposition comme un rappel de notre perte collective. Dans les plis indulgents entre le doux fingerpicking et les drones en expansion, les souvenirs deviennent définitivement gravés dans le verre, un sanctuaire de la solitude. « Border of Mind » se trouve au bord du précipice de la libération et de la folie, l’isolement devenant une béquille vicieuse. La dissonance s’infiltre dans les changements d’accords répétitifs pour perturber l’équilibre méditatif, un sonnet pour le chemin qui s’assombrit ; une question posée au vide alors que quelques secondes supplémentaires de silence pèsent lourd à la fin.

Il est, en outre, nécessaire mentionner à quel point on aime et apprécie la qualité sonore de l’enregistrement de Davachi. Il y a une douce couche de sifflement sur tout l’album qui agit comme un délicat tissu conjonctif. Lorsque Antiphonals se termine par les lamentations tranquilles de la ruminative « Two Flutes », ce flou vaporeux reste inébranlable. Davachi tisse une couverture sonore complexe qui nous donne le temps de nous demander si nous voulons nous cacher un peu plus longtemps ou étouffer l’air caustique qui continue de brûler comme un millier de soleils. Antiphonals ne nous donne pas la réponse, mais ses étendues sonores séduisantes et contemplatives nous donnent le temps de trouver notre propre chemin.

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Luke Stewart & Jarvis Earnshaw Quartet: « Luke Stewart & Jarvis Earnshaw Quartet »

19 octobre 2021

Peu d’artistes ont occupé une place aussi centrale dans nos écoutes ces dernières années que Luke Stewart. Son travail est en mouvement constant, car il trace une voie singulière, explorant une palette sonore toujours plus étendue. Cela dit, certains de ses travaux les plus intéressants ont été réalisés au sein d’ensembles, qu’il s’agisse de l’album Exposure Quinet paru l’an dernier sur Astral Spirits, de Irreversible Entanglements ou de cet intriguant quartet dirigé par le sitariste Jarvis Earnshaw, avec Ryan Sawyer à la batterie et Devin Waldman au saxophone alto.

En six morceaux, le groupe s’aventure dans de nombreuses zones différentes. Mettant les auditeurs au défi de rester engagés, se concentrant sur la nature spectrale de l’endroit où le chaos et le réconfort se rencontrent, il y a beaucoup d’espace pour voler ici. Le sentiment d’exploration présent tout au long de la session est une carotte cosmique brillante brandie vers l’horizon, invitant quiconque se trouve à portée d’oreille à lacer ses chaussures et à chercher sans se retourner lorsque les pluies violentes arrivent.

Les courses fantaisistes de Waldman sont soutenues par la résonance effervescente du sitar sur « Kenopsia », la basse de Stewart poussant toujours la musique à aller de l’avant. Cette interaction est soutenue par Sawyer, qui peut jouer n’importe quoi, n’importe quand, n’importe où, laissant Stewart danser sous les feux de la rampe quand le moment l’exige ou mettant le sitar au premier plan. C’est revigorant, purifiant.

La cohésion est toujours essentielle, mais ce quatuor vit dans cet espace rare où le fait de s’écarter un peu ici et là fait avancer les morceaux, élargissant les possibilités sonores. « Red Hook Blues Got Me Smiling » est peut-être discret, mais il chante avec une énergie astrale. La qualité tonale de la sitar d’Earnshaw ajoute quelque chose de si unique, de si spirituel à la session qu’il est pratiquement impossible de ne pas être absorbé. Sawyer et Stewart sont solides comme le roc, créant ces énormes masses sonores qui se déplacent lentement et qui seraient impénétrables si le saxophone de Waldman ne dessinait pas des formes sonores complexes. 

Il y a beaucoup à aimer dans les réconforts cathartiques de ces six pièces. Stewart et Earnshaw sont des fils conducteurs en quête, et tout s’achève de manière frontale avec « Where I Go, I Am There ». Sawyer met en place des grooves rapides et entêtants, lançant des fills en forme de poignards à chaque occasion, posant une vague vertueuse pour les trois autres. Les lignes de basse de Stewart sont contemplatives et touchantes, ouvrant une voie à Earnshaw et Waldman pour chercher, non pas tant des réponses, mais les bonnes questions. Les angles s’ouvrent, obtus et spacieux, où chacun peut respirer avant de plonger la tête la première dans la tempête qui s’annonce.

***1/2


Finneas: « Optimist »

18 octobre 2021

La plupart des artistes auraient du mal à supporter un monde obsédé par la célébrité qui les projette constamment dans l’ombre d’un frère ou d’une sœur plus célèbre. En travaillant avec sa petite sœur Billie Eilish, Finneas peut déjà prétendre avoir changé le paysage musical – mais il ne fait aucun doute que, quelle que soit l’intelligence et l’importance de ses contributions, le pouvoir de la star à ce jour est ailleurs. Et honnêtement, ce n’est pas grave.

Ce qui est rafraîchissant avec Finneas, c’est l’impression qu’il n’est pas vraiment intéressé par les feux de la rampe. Il n’y a jamais eu aucune suggestion de jalousie ou de compétition au sein de l’unité familiale. Quiconque a regardé The World’s A Little Blurry – le documentaire centré sur la création du premier album de Billie – a pu voir un frère compréhensif, heureux d’aider sa sœur à montrer à quel point elle pouvait être brillante. Avec une série régulière de musique publiée dans le cadre de la préparation du premier album, Optimist, on a presque l’impression qu’il a apprécié la possibilité d’affiner sa propre identité en tant qu’artiste solo sans la chaleur directe de la liste des grands artistes.

Et, celle-ci, il l’a trouvée. Il y a quelque chose d’indéniablement sûr de soi dans la musique de Finneas sous son propre nom. Il ne s’agit pas seulement de la production pop sombre, primale et zeitgeisty avec laquelle il s’est fait connaître, avec une autre voix par-dessus. C’est quelque chose de tout à fait différent. « Happy Now » se pâme avec une certaine arrogance, immédiate mais intemporelle. « The 90s «  se languit d’une vie sans Internet à travers le genre de paysage sonore buggé et pulsé qui rappelle un modem téléphonique particulièrement mélodieux, tandis que « The Kids Are All Dying » n’a pas peur d’évoquer les exigences de quiconque dispose d’une plateforme pour prendre constamment position dans un monde politiquement polarisé et activiste en feu.

Par moments, Optimist est un disque magnifiquement délicat – « Love Is Pain » scintille comme la lumière des étoiles, traitant des regrets et de l’insécurité avec la plus légère des touches. À d’autres moments, il est strident, le coup de poing dramatique de « Medieval » confrontant la nature éphémère de la popularité de manière frontale.

Peu d’artistes sortent un premier album avec le genre d’attentes auxquelles Finneas est confronté – bien trop conscient des comparaisons qui seront faites. Il a le mérite de ne tenir compte d’aucune d’entre elles dans Optimist. Il fait sa propre musique à sa manière indéniable et n’a pas besoin de crier « regardez-moi » pour retenir l’attention. Confiant dans ce qu’il veut être, Finneas est un homme qui assume qui il est.

***1/2


The Album Leaf: « One Day XX »

18 octobre 2021

One Day XX est une édition spéciale 20e anniversaire et une reprise de One Day I’ll Be On Time de The Album Leaf, alias Jimmy LaValle. Sorti à l’origine en 2001 cet opus a changé la donne pour The Album Leaf. Presque du jour au lendemain, il est passé d’un projet solo à temps partiel à un groupe complet. Des tournées avec Sigur Rós et la fondation du groupe de rock instrumental Tristeza ont également suivi.

Les mélodies sont placées sur les plus hauts sommets, les ailes douces et planantes s’étirant vers l’extérieur dans des mouvements méditatifs et des rythmes balayés. Plus c’est calme, plus c’est puissant.

LaValle a fait appel à un collaborateur de longue date, James McAlister (Sufjan Stevens, The National, David Bazan), et à des membres de son groupe pour réimaginer la musique de l’album qui a lancé sa carrière, en travaillant sur les compositions avec un regard neuf et des années d’expérience. Les chansons ont été vues sous des angles différents et présentent heureusement une « clarté émotionnelle » renouvelée, ce qui n’était pas possible au moment de l’enregistrement original – seules les années écoulées peuvent le faire.

LaValle n’a pas repris la musique dans le but de l’élever ou de la nettoyer. Au contraire, il donne aux jeunes mélodies le respect et l’espace nécessaires pour se dresser à nouveau. L’authenticité de l’original n’a pas été entamée, mais elle a été revisitée par des mains plus âgées et plus sûres, et les sons sont maintenant influencés et façonnés par vingt ans d’expérience. La musicalité peut changer, se déplacer et évoluer au fil des ans, mais la compétence demeure, voire s’accroît.

LaValle a enregistré cet album alors qu’il avait une vingtaine d’années, et le temps lui a permis de mieux comprendre sa progression en tant que musicien. Il s’agit d’une rétrospective dans laquelle le renouvellement est embrassé et l’original du passé est respecté. Les fans adoreront ce remaniement, car il reste fidèle à l’original tout en recevant un look rafraîchi ; c’est le même corps dans une nouvelle tenue. One Day XX est une musique pour l’ici et le maintenant, mais elle est issue du passé.

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