Weezer: « OK Human »

19 février 2021

De toutes les combinaisons orchestre/groupe rock que vous pouvez imaginer, le jumelage de Weezer avec un ensemble complet de musiciens classiques devrait être l’une des plus gênantes et potentiellement désastreuses. Du moins, il est difficile de ne pas l’imaginer sur le papier. Mais maintenant que la nouvelle collaboration orchestrale surprise de Weezer, OK Human, est une chose réelle, il est temps de vérifier nos hypothèses, aussi fondées soient-elles. Il y a probablement une douzaine de raisons pour lesquelles l’institution alt-rock iconique, basée sur la guitare, aurait dû être mal adaptée pour travailler dans ce genre de cadre, et il y a une absurdité inhérente à la prémisse : Cuomo et ses compagnons de bande débranchant leurs amplificateurs et trempant son dernier lot de chansonnettes pop-rock dans des cordes au lieu de la distorsion de guitare qui définit le groupe.

Pire encore, depuis trois albums consécutifs, le groupe s’est fortement orienté dans une direction polie, voire pelucheuse. Même après être tombé dans un moment de bien-être culturel en 2018 avec leur reprise du « Africa » de Toto, Weezer a cyniquement essayé d’exploiter ce moment en produisant un album entier de reprises pop des années 80 de style similaire (lire : produit génériquement) sous la forme de l’album Teal de 2019. Weezer, semble-t-il, était un groupe désespérément à la recherche du prochain gadget. Il est donc logique que l’on puisse approcher OK Human avec une extrême prudence. Mais apparemment, Weezer n’avait plus de gadgets cette fois-ci, car Cuomo a prouvé une fois de plus à quel point le son de son groupe peut être remarquablement élastique.

Comme nous l’avons vu avec « Africa », une grande partie de l’ironie de Weezer a consisté à s’engager dans une forme d’ironie timide. Lorsque, par exemple, le groupe a emprunté le slogan « death to false metal » au groupe genré et musclé qu’est un Manowar qui en porte les attributs, la présentation a toujours semblé directe. Si vous optez pour ce genre de chose, le gag est censé se situer dans la dissonance entre l’image de Weezer et le choix du matériel. Mais à moins de considérer Weird Al Yankovich comme un génie de la bande dessinée, c’est un trope fatigué, qui aurait dû prendre sa retraite depuis longtemps.

Même les hommages gestuels de Weezer à la majesté du rock sentent la peur, de devoir cacher l’affection évidente de Cuomo pour la culture pop derrière un voile de fraîcheur, plutôt que de baisser sa garde et d’admettre qu’il aime quelque chose. Prenons le dernier exemple en date, la décision de choisir Van Weezer comme titre de leur prochain album, prévu dans trois mois. Au lieu de se contenter d’être amoureux de Van Halen, Cuomo ressent le besoin de répondre à l’attente du public qui va rire de la chose à laquelle il rend hommage. Il lance donc lui-même la plaisanterie, en plantant sa langue dans la joue pour être dans le coup, un peu comme un adolescent qui veut éviter qu’on se moque de lui.

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Rhonda Taylor: « AFTERPARTY »

19 février 2021

Enregistré pendant les premiers jours de la consigne de se confiner au Nouveau Mexique l’année dernière, ce recueil d’improvisations pour saxophone et voix capture cet état de transition désormais familier : après la perte catégorique de la normalité, avant de comprendre pleinement le nouveau mode d’existence. Cela ressemble à la tentative de Taylor d’articuler une expérience dans laquelle l’absence est la seule certitude, regroupant des craquements, des gémissements surchargés et des paroles sous des formes vagues, bourdonnant avec une intensité qui s’étend dans toutes les directions au lieu de savoir précisément quelle voie emprunter. Elle fait remarquer que la variété de ces morceaux est le résultat d’une durée d’attention réduite, ce qui explique pourquoi les marmonnements agités se transforment en 10 minutes de cris déformés lors du  dernier appell appelant à disparaître à leur tour dans les impulsions laser fantastiquement frénétiques de la « trans mission ».

Mais AFTERPARTY exprime également l’effondrement des mondes intérieur et extérieur – comment la distinction entre pensées et « mots devient futile dans la solitude, avec des dialogues internes qui débordent de la bouche et dont les contours sont gravés dans les inhalations de saxophone de Taylor, ou des mélodies oisives qui apparaissent avec pour seule fonction de repousser le calme sinistre. De façon magistrale, elle imprègne chaque geste de FX – distorsion, écho, phaseur – sans jamais ébranler la réalité brute d’être coincé chez soi. Comme dans les rêves les plus vifs ou dans les limites de l’imagination, ces effets spéciaux voient Taylor manipuler son ton pour échapper à la familiarité fatigante de sa propre compagnie en confinement, seulement pour ces tentatives de frapper comme des mouches vertigineuses contre les fenêtres fermées.

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Martina Bertoni: « All The Ghosts Are Gone »

18 février 2021

Un changement total n’est possible que par l’effacement du formulaire actuel. Il ne peut pas être ajouté à l’entité existante. Les anciennes formes doivent être décomposées et utilisées à nouveau comme matière première, réduites à une poudre de pure possibilité, libérées des structures qui forcent la création d’une manière ou d’une autre. Le violoncelle est le sujet de cette transformation sur All The Ghosts Are Gone, et le processus semble donc particulièrement physique : bois déformé et courbes fracturées, éclats poussant vers le haut à travers le vernis comme des dents. Des piles de bruit s’amoncellent sur les bords comme des monticules de débris balayés, des morceaux de carcasse de violoncelle sont visibles au milieu des fragments de distorsion et d’électronique. Mais au centre, il y a un tremblement de couleur : une corde solitaire courbée qui s’élève comme une fleur en herbe. Les premiers signes de renaissance apparaissent au milieu des ruines.

Il n’est pas surprenant que All The Ghosts Are Gone soit ressenti comme une entreprise douloureuse. La mélodie est rare et sa manifestation est soit fanée, soit naissante, frôlant la mort et la vie comme une fissure dans un cheveu. Ailleurs, les grincements des cordes de violoncelle creusent l’interstice comme les fantômes du titre, rendus sans abri par la transition. D’une certaine manière, Bertoni parvient à capturer à la fois une misérable physicalité – des cordes arrachées au corps, du bois bouclé en bois d’allumage – et une déprimante absence de forme, qui sème l’action en écho, encadrant cette destruction matérielle dans un contexte d’incertitude existentielle. Souvent, nous constatons que la liminalité est représentée dans des nuances d’aquarelle pâles, flottant au-dessus du domaine physique tout entier ; la musique de Bertoni réimpose ce processus avec un travail émotionnel et un corps brisé.

***1/2


Mogwai: « As The Love Continues »

18 février 2021

25 ans. C’est le temps que Mogwai a passé, silencieusement (et bruyamment), à faire exploser des guitares au son d’une pédale d’overdrive Stuart Braithwaite. Après tout ce temps, le combo a sans aucun doute une méthode, mais le beau bruit qu’ils ont fait au fil des ans n’a tenu que grâce à leur dévouement à réimaginer le potentiel du volume pur et des murs de bruit plongeants.

Si The Love Continues a toutes les caractéristiques qui le caractérisent (les accalmies plaintives, les pics qui s’envolent, la colère qui tourbillonne), aussi éprouvées que soient ces structures, il y a quelques subtilités inattendues qui font du dixième album de Mogwai une écoute surprenante.

« Pat Stains » et « Drive The Nail » sont les éclairs de la rage calme et violente qui a rendu le Every Country’s Sun de 2017 si tendu et impétueux. « Fuck Off Money » et « It’s What I Want To Do, Mum » rafraîchissent la mélancolie tumultueuse et vocale de l’époque de Happy Songs for Happy People, et « Midnight Flit » se transforme en un crescendo de guitare et d’orchestre qui s’entrechoque, s’élève et s’effondre pour donner un effet de superproduction. Mais c’est la délicatesse du premier « single », » « Dry Fantasy, » qui fait un tabac. Rêveur et mélodieux, il dérive comme les premières mesures d’un opus de M83, en remplaçant les accords de puissance par une pluie de synthétiseurs et une réverbération bien grasse qui se répand délicieusement.

C’est Mogwai comme vous les avez toujours entendus, mais aussi comme vous ne les avez jamais entendus auparavant. Trois décennies plus tard, leur « guitarmageddon » évolutif continue de surprendre.

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Dag Rosenqvist: « Vraen Centrum »

18 février 2021

Vraen Centrum de Dag Rosenqvist, et un opus futuriste et immergé dans la pluie, emmenant les auditeurs dans une métropole nocturne et nous soffrant un spectacle époustouflant. Ses rues regorgent de synthétiseurs en sang, qui brillent comme des joyaux et scintillent comme des logos éclairés au néon. La musique de l’album porte ses influences sur ses manches, les brandissant comme un impressionnant ensemble de tatouages. Des éléments de néo-noir, de science-fiction, de cyberpunk et de tech noir peuplent chaque coin et chaque rue, mais il a aussi un pied dans le passé, grâce à son histoire d’amour avec les années 80. Toute sa luminescence et ses couleurs vives et néo-normandes se retrouvent dans l’ordinateur central de Rosenqvist, mais la musique marche aussi à un rythme soutenu d’un morceau à l’autre, se déroulant patiemment, donnant à ce nouveau LP une ambiance de bande-son lourde, comme Blade Runner dans une autre dimension.

Les synthés sont aussi froids que la pluie, n’émettant pas vraiment beaucoup de lumière à part un bref flash ou un stroboscope intermittent de néon. Rosenqvist a toujours tenté de faire progresser sa musicalité, et sa musique est capable de s’affranchir d’un style ou d’un genre concret grâce à cela. La musique immersive est rendue d’autant plus forte par des enchaînements ambiants, qui offrent un répit par rapport à un synthétiseur à lames dures. À un moment donné, une guitare se dose sur une épaisse réverbération, et ses notes éclaboussent de profondes flaques. Mais même dans ce cas, les synthés de la police ne sont jamais bien loin, traquant les notes les plus douces grâce à son I.A. sensible. D’épaisses plaques électroniques planent au-dessus de la tête, perçant l’air comme les pales rotatives d’un hélicoptère de la future technologie. Ces synthés acrimonieux semblent avoir faim et, d’une certaine manière, cette approche sera sûre de vous mettre en appétit.

***1/2


Natasha Barrett: »Isostasie »

18 février 2021

Après ne pas avoir entendu parler de cette merveilleuse sortie pendant plusieurs années, on a récemment revu une grande partie de son catalogue et on ne peut qu’être étonné par la, qualité 3D de cette sortie, ainsi que par les autres empreintes digitales qu’ont étéles parutions de Bouteilles de Klein à partir de 2010.  Le sens de la multidimensionnalité de ces enregistrements (et d’autres qui ne sont pas sur ce label) est d’abord curieux, comme dans « wow, c’est inhabituel », mais il se transforme ensuite rapidement en une fascination et un émerveillement enfantin devant le tableau sonore qui est disposé devant, au-dessus, en dessous et derrière vous.  

On veut, ici, dire que ce genre de choses est totalement surréaliste !  Ce qui est intéressant c’est que, même si Mme Barrett semble vivre et respirer la technologie, ses sources sonores sont essentiellement naturelles et élémentaires.  En lisant certaines des notes sur son site/blog, elle n’a pas peur de sortir dans le monde pour capturer l’environnement sous forme d’enregistrements sur le terrain. Certaines de ces excursions semblent carrément risquées. Le morceau le plus long de ce disque, « Viva la Selva ! », nous emmène dans un voyage sonore de 18 minutes à travers une forêt tropicale d’Amérique centrale. Des sons incorporels/immatériels semblent approcher l’auditeur de toutes les directions. Les sons humains sont parfois substitués aux sons animaux, et la distinction est souvent floue. La forêt tropicale nocturne est à la fois invitante et menaçante. La spatialité de tout cela est stupéfiante.

En parlant de spatialité, c’est une qualité qui se retrouve dans la plupart de ses musiques. IL n’est que de commencer ce texte en disant qu’elle peint sur une surface noire. Cela se peut dire parce que les perceptions sensorielles que l’auditeur reçoit en écoutant sa musique semblent provenir d’un paysage sombre et non d’une direction particulière dans l’espace. Dans la piste « The Utility of Space », la voix humaine et d’autres sons indéterminés semblent se matérialiser à partir d’une source de velours noir, pour être ensuite momentanément illuminés afin de permettre au cerveau d’enregistrer qu’ils sont bien là. Le morceau phare sur l’album « Red Snow » contient tellement de friandises sonores que l’auditeur est ravi de les découvrir que cette richesse en est presque exagéré. Entre tous les micro-sons qui tournent autour de la scène sonore tridimensionnelle et les sons terrestres plus organiques comme des bruits de pas dans la neige croquante… l’esprit a du mal à suivre le rythme.

Les morceaux plus courts de cet album ne sont pas moins attrayants. Les trois premières œuvres forment une trilogie intitulée « Three Fictions » et chacune présente à l’auditeur un microclimat ou un événement météorologique différent. Sur ces fonds, le compositeur a ajouté une voix féminine chuchotée qui confère à la pièce une qualité fantasmagorique/mystique. La voix chuchotée prend forme de nulle part sans que rien de concret ne la maintienne en place… un murmure de néant qui se forme en quelque sorte sur la psyché de l’auditeur, ne serait-ce que pendant quelques secondes avant de se désintégrer en quelque chose de moins que sa structure moléculaire… pour toujours.

C’est une musique qui ne se révèle pas complètement à la première écoute, ni d’ailleurs à la dixième.  Au lieu de cela, chaque visite à ces œuvres est comme une nouvelle écoute. De nouveaux sons que vous jurez n’avoir jamais entendus auparavant apparaissent de nulle part.  On ne peut que se détendre et se laisser envahir par ces sons. Si vous êtes un fan des enregistrements ambisoniques ou binauraux, il vous sera facile de recommander Natasha Barrett. Si vous êtes un auditeur plus aguerri d’Acousmatic mais que vous ne l’avez jamais entendue, il vous sera suggéré de courir (et non de marcher) jusqu’à votre vendeur préféré et de faire le grand saut. Une écoute attentive au casque est fortement recommandée. Le compositeur utilise largement les fréquences profondes et subsoniques.  Personnellement, pour un type qui aime écouter de la musique Acousmatic à des volumes assez élevés, la musique de Barrett n’exige pas du tout cela.  En fait, à titre de mise en garde, ces sons profonds (pas bas, mais profonds) peuvent vraiment faire un malheur au casque ou aux écouteurs.  Un volume plus faible est de mise ici, et cela n’enlève rien au plaisir de l’expérience.  Sans casque, un subwoofer fera des merveilles. Isostasie est un point de départ fantastique et il sonne envoie et occasion d’une nouvelle plongée dans Bouteilles de Klein incessamment sous peu.

****1/2


Robert Dick & Dan Blake: « Laugh and Lie Down »

17 février 2021

Des artistes comme Steve Lacy, Gianni Mimmo et Harri Sjostrom ont démontré que le saxophone soprano peut travailler en combinaison avec des partenaires de duo apparemment étranges et, ce faisant, faire une musique convaincante et étonnamment complète. L’année dernière, par exemple, Mimmo a publié une série de duos avec la violoniste Alison Blunt ; lui et Sjostrom ont même enregistré un ensemble de duos pour deux saxophones sopranos. Il existe donc un bon précédent pour un enregistrement comme Laugh and Lie Down, une série de trois duos pour flûte et saxophone soprano.

Les trois duos sont des improvisations libres enregistrées lors d’un concert donné par le flûtiste Robert Dick et le saxophoniste soprano Dan Blake fin 2019.

Comme on peut s’y attendre dans un duo de deux instruments monophoniques, une grande partie de la musique est contrapuntique, Dick et Blake tissant des lignes chromatiques complexes l’un autour de l’autre. Il arrive que l’un ou l’autre présente une figure répétée faisant allusion à une progression d’accords ou un bourdon pour que l’autre joue par-dessus, ou que les deux jouent dans des schémas rythmiques opposés ou complémentaires ; le premier plan et l’arrière-plan sont définis de manière invitante et ambiguë tout au long de la pièce. Il y a également une bonne dose de contrepoint timbral, comme on pourrait s’y attendre de deux instruments partageant une même tessiture mais ayant des profils sonores très différents ; Dick et Blake utilisent tous deux des techniques étendues pour pousser le contraste timbral jusqu’à un point de crise créative. L’interaction est agile, éthérée et impulsive ; même sur la chanson titre de vingt-sept minutes, les deux musiciens ne laissent jamais l’élan vers l’avant s’arrêter.

***1/2


Chris Schlarb & Chad Taylor: « Time No Changes »

17 février 2021

C’est un de ces albums qui fonctionne comme si de rien n’était. Le guitariste acoustique Chris Schlarb et le batteur/percussionniste Chad Taylor ont enregistré spontanément Time No Changes lors d’une session en décembre 2019. Bien que ce ne soit pas gratuit, le duo explore et improvise à travers un ensemble qui couvre le jazz, le folk, et un peu de blues et de rock. Schlarb joue à la fois sur 6 et 12 cordes, ce qui génère des mélodies et des thèmes accrocheurs. Il double sur Moog et Hammond mais le travail au clavier est relégué à un rôle mineur. Taylor, bien sûr, est un joueur très respecté qui a enregistré avec Rob Mazurek, Nicole Mitchell, Ken Vandermark et bien d’autres.

Ces morceaux ont une qualité onirique et méditative. Principalement structurées et répétitives, elles bercent l’auditeur par leur sophistication trompeuse. Mais une écoute active peut se justifier de temps en temps lorsque Schlarb et Taylor sortent des sentiers battus pour s’aventurer dans des territoires plus ouverts. Néanmoins, la teneur générale de l’album reste agréable et évite les discordances. Ils font leurs déclarations d’improvisation dans ce cadre lâche et sans prétention. Le résultat est une très belle façon de passer 40 minutes de sa journée. La comparaison la plus proche à laquelle on peut penser est celle des débuts de Steve Tibbetts, mais sans les héroïques guitares électriques. 

***1/2


Anna B Savage: « A Common Turn »

16 février 2021

Avec le succès inattendu de son premier EP d’Anna B Savage a été frappée par des accusations syndrome d’imposture qui ont étouffé sa créativité. Il a fallu cinq ans à la musicienne londonienne pour reprendre confiance en elle et enregistrer un suivi qui examine franchement sa vie.

Pendant cette période, elle a suivi une thérapie, s’est échappée d’une relation toxique, a fait divers petits boulots et a déménagé deux fois à l’autre bout du monde. Ces expériences se traduisent à maintes reprises par une réflexion brutale sur soi-même qui navigue de manière diverse sur la sexualité féminine, le doute de soi et les propriétés curatives de la nature.

Les sujets sont si importants qu’elle décrit comment elle a « imprimé toutes les paroles, les a collées sur mon mur et a tracé des lignes entre chaque idée correspondante », pour s’assurer qu’elle avait couvert tous les thèmes qu’elle aspirait à aborder. Il serait erroné d’appeler A Common Turn un album conceptuel mais les morceaux montrent un sens du développement personnel.

Le disques’ouvre sur « A Steady Warmth », un demi-piste expérimental qui semble être fortement influencé par la production de William Doyle. Elle a pris contact avec l’artiste, qui avait auparavant enregistré sous le nom de East India Youth, après qu’il ait publié un post sur les médias sociaux demandant aux gens de le contacter s’ils voulaient enregistrer ensemble.

Sa touche habile introduit des éléments électroniques dans un album qui, autrement, aurait été un auteur-compositeur-interprète supérieur. La plupart des dix morceaux pourraient facilement être réalisés avec seulement la voix et la guitare acoustique, mais ici, on leur donne des synthés chatoyants et des beats industriels subtils. À la fois austère et mélodique, cette production apporte des textures et des tournures sonores inattendues. « Two » et « BedStuy » sont les points forts de cet amalgame, de tristes beats de club se faufilant par intermittence dans le mix.

Cette production moderne est le parfait contrepoids à son arrière-plan. Ses deux parents sont chanteurs classiques et elle a passé les anniversaires de son enfance au Royal Albert Hall, où ils étaient toujours programmés pour le bal de Bach. Son contralto très contrôlé aurait pu être tourné vers l’opéra, mais avec son sens inné du mélodrame, elle ressemble plutôt au style vocal d’Anohni.

Les arrangements sûrs et confiants sont également l’équilibre idéal au doute lyrique de soi. Ils sont encadrés par d’innombrables références à la culture pop. Pendant 50 minutes, elle écoute « Spice, then Funera » », écrit »une ligne sur le mug de la chouette Edwyn Collins et se masturbe en pensant à Tim Curry en lingerie du Rocky Horror Picture Show.

La fiabilité et l’humour de ces confessionnaux de chambre à coucher rendent le contenu explicite plus vulnérable que choquant. Le « single » « Chelsea Hotel #3″ » une réponse à la chanson « Chelsea Hotel #2 » de Leonard Cohen, aligne la croissance personnelle sur la libération sexuelle. Après avoir avoué qu’elle ne « sait pas comment me faire plaisir » (now how to please myself), elle achète une balle – une sorte de vibromasseur – et se promet qu’elle « apprendra à prendre soin de moi » (will learn to take care of myself).

Cette promesse est un moment important dans le parcours émotionnel de l’album. Elle commence avec une telle déconnexion et un tel engourdissement qu’elle admet sur « Corncrakes » qu’elle ne « ressent plus les choses aussi vivement qu’avant » (feel things as keenly as I used to). La profondeur de son désespoir est telle qu’elle est prête à « essayer n’importe quoi, j’achèterai n’importe quoi » pour se sentir mieux. A la fin de l’album, sur « One », elle n’est pas tout à fait guérie mais on reconnaît qu’elle a le contrôle. « Je veux être forte » (I want to be strong), répète-t-elle, sa guitare gonflant et gagnant la force personnelle qu’elle désire tant.

En luttant pour le contrôle de sa vie émotionnelle et physique, Savage crée un paysage aussi distinctif que celui d’Aldous Harding. Sur cette base, elle peut être assurée que ses craintes de créer un album médiocre – comme elle l’avoue sur « Dead Pursuits » – ne sont pas fondées. On peut seulement espérer que son succès mérité ne déclenche pas une autre période d’écriture réduite à une page blanche.

***1/2


Hospital Bracelet: « South Loop Summer »

16 février 2021

Il y a un étrange trope en musique qui peint l’été comme un moment de joie, avec une fin de saison teintée d’une nostalgie sépia. Mais le mordant South Loop Summer de Hospital Bracelet n’est pas sans rappeler que le trio emo de Chicago a trouvé la juste note pourmettre à plat les changements d’humeur qu’implique la métamorphose des saisons.

Tout au long du disque, Eric Christopher aborde des sujets tels que les relations, la solitude, la sobriété et les abus avec une franchise sans faille. Il s’agit peut-être des thèmes de base de l’emo, mais ne vous attendez pas à un mélodrame angoissant. Malgré tous les sentiments positifs suscités par un Chicago ensoleillé, South Loop Summer est moins un drame de maturité qu’une horreur psychologique. Nous sommes peut-être aux premières loges en 2021, mais il est peu probable qu’il y ait un autre album cette année qui soit aussi troublant ou lyrique.

C’est particulièrement vrai pour « Feral Rat », « Sheetz » et « Happy Birthday », qui possèdent des récits graphiques et on y trouve une telle charge émotionnelle qu’il c’est presque oppressant, comme l’est le fait de se retrouver coincé sous une avalanche et de grimper dans la neige pour respirer.

Ce sentiment de claustrophobie ne se retrouve pas dans la musique, mais South Loop Summer est plutôt un voyage sonore audacieux à travers des jams pop-punk et des titres indie-rock tortueux. Le fait qu’un album puisse s’ouvrir avec les grands yeux du base-ball moderne et se terminer avec le cœur blessé de Big Thief souligne encore cette large palette.

En ce qui concerne le sujet, le fait que l’album mérite d’être écouté à plusieurs reprises et témoigne de la qualité des chansons écrites par Hospital Bracelet. C’est une chanson magnifiquement construite, dense sur le plan thématique et si bien écrite que le L du « Loop » (surnom du métro) de Chicago sic! est présent dans chaque note. Cela peut rendre l’écoute difficile, mais ces contes façonnés tels qu’ils sont par le combo exigent d’être entendus.

***1/2