Pinkcourtesyphone: « Leaving Everything To Be Desired »

Et maintenant, vous pouvez vous asseoir… La suite de la précédente collection de musique d’ambiance négative de Pinkcourtesyphone, Indelicate Slices, est arrivée et elle est encore plus sonore que son prédécesseur. Leaving Everything To Be Desired est une somptueuse sérénade révélant avec franchise l’essence des nombreux adjectifs prudents utilisés pour décrire des situations.

Les écarts de Pinkcourtesyphone s’étendent d’un intérieur à l’autre, allant de brillants chatoiements de cordes douces comme un rêve, d’arrangements crémeux, de bourdons à la dérive, à des cha chas disséqués. Tantôt charmant et flamboyant, tantôt sombrement nostalgique, tantôt mortellement apaisant, tantôt abrasivement tendre, mais toujours engageant et finalement engloutissant de nous.

Cet enregistrement d’extravagances temporelles est destiné à mettre en valeur avec toute la richesse coussinée de la haute fidélité pour vous apporter toutes les nuances fascinantes du son. Son esthétique « soft focus » berce l’oreille de l’esprit dans un état d’ivresse étourdissante, confortablement instable sous les pieds.

C’est peut-être l’album auquel vous pensez avoir droit, conçu pour être conservé à proximité. Le temps du rêve est venu et reparti, nous laissant avec l’inconfortable prévisibilité que, soudain, nous ne pouvons plus nier le choc de chaque instant.

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Marcelyn: « Monstrous Existence »

Ce récent album de Marcelyn, Monstrous Existence a, pour origine, le projet solo de la chanteuse classique Marcelyn Lebovitz dont la démarche, sous forme de désormais un trio, propose « un rock indie bizarre sur un plateau d’argent avec un chant doux, une basse audacieuse et des rythmes groovy » ce qui est bien le cas ici sur cet opus.

Le groupe a, en effet, une bonne maîtrise des mélodies et il ne manque jamais de livrer des grooves fantastiques et des beats cool qui travaillent ensemble pour créer de bien joilies choses. « Set It On Fire » est un excellent exemple de cette combinaison et vous oblige à vous y mettre, suivi des mélodies rumbunctives de « I Smell Like Experience » avec ses rythmes incroyables ; une batterie qui fait impact et qui est combinée avec le travail vocal sur les mélodies pour délivrer un son sidérant.

Les voix sont extraordinaires. Au premier plan, mais utilisé comme une couche supplémentaire dans les mélodies, le chant est incroyable, quelle que soit la façon dont il est utilisé sur ce disque. « Number A » et « The Show Is Ove » » en sont la preuve, le premier mettant en valeur les tons plus doux qui se superposent incroyablement pour donner une tonalité incroyable. Sur un autre registre, le côté brut et puissant de la voix de Marcelyn sur « Sled Ted » est surprenantdans la façon dont il délivre un message puissant et féroce sur le morceau. 

Album qui met en lumière toutes les facettes du talent de ce groupe pour les mélodies et le chant, Monstrous Experience vaut la peine d’être écouté ne serait-ce que pour considérer comment ce groupe utilise tous ses talents pour créer des sons brillants et obsédants et qui concourent à vous donner l’envie de vouloir les mieux assimiler.

***1/2

Thurston Moore: « By The Fire »

La disparition de Sonic Youth est survenue juste au moment où les vénérables noiseniks gravissaient de nouveaux sommets de brillance. Rather Ripped et The Eternal méritent tous deux d’être cités avec la même vénération que le matériel précédent qui a fait leur nom. Mais la musique suivie par les membres du groupe s’est avérée tout aussi satisfaisante.

Et si c’est probablement une fantaisie romantique que les albums sortis dans le sillage de Sonic Youth ont donné des œufs sur chacun d’eux (la qualité de la musique a été sur une trajectoire ascendante indéniable), c’est avec By The Fire que Thurston Moore se met correctement en orbite. Ne vous y trompez pas, c’est un album qui se tient au coude à coude avec le meilleur de son alma mater.

Tout est est comme si Moore avait fait le point sur ses meilleurs moments et les avait consolidés en un tout unifié. Non pas que cela implique un nouveau parcours, mais plutôt un guide du chemin parcouru jusqu’à présent et de la manière de l’utiliser pour aller de l’avant. Bien que le nom de Moore figure sur l’étiquette, il s’agit d’un travail de groupe avec Deb Googe à la basse, le guitariste James Sedwards, Jon Leidecker de Negativland qui fournit l’électronique et Jem Doulton à la batterie (avec Steve Shelley sur un morceau), et le poète londonien Radieux Radio qui fournit la plupart des paroles. Une formidable combinaison, ce groupe frappe avec une précision satisfaisante et palpitante tout au long du morceau.

De plus, By The Fire est un voyage de 83 minutes qui s’accélère, développe l’énergie et couvre ensuite une sérieuse distance auditive. Le premier et le second de « Hashish » et « Cantaloup » » suggèrent un album de rock direct ; les rythmes de moto et les guitares du premier en témoignent, tandis que le second est un descendant direct de « Sugar Kane ». Mais c’est avec les épopées que la vraie nature de By The Fire est révélée.

Avec une durée de 11 minutes, « Breath » est plutôt une série de mouvements qui s’interconnectent pour créer une déclaration cohérente. Ici, des carillons bizarrement accordés et allongés font place à des accords explosifs qui cèdent la place à un rocher droit devant avant de faire un virage en U.

Si le jeu de guitare sans rythme de « Calligraphy » permet une écoute enchanteresse, c’est avec « Locomotives » que Moore et ses acolytes sont les plus ambitieux et les plus audacieux. Avec près de 17 minutes, c’est l’un des rares cas où le temps passe à toute allure grâce à un étirement de ce que les guitares et la batterie peuvent réellement faire. Des couches d’accords et des cordes qui vibrent bizarrement s’unissent pour balayer et laver, tandis que les percussions et les basses servent de contrepoint. La reddition est demandée et donnée, ce qui est ensuite récompensé par des changements et des déplacements dans des lieux inattendus.

Touchant à presque tous les aspects de la carrière de Moore à ce jour, By The Fire n’est pas tant un patchwork qu’un tissage sans faille d’ambitions et de capacités. C’est un travail qui a été construit pour durer.

***1/2

Ekin Fil: « Coda »

La musique d’Ekin Fil est capable de créer une réponse émotionnelle profonde et durable, et l’atmosphère épuisée et squelettique de Coda est imprégnée d’un ensemble lugubre de mélodies mélancoliques et d’harmonies fantomatiques. Sa voix calme flotte sur la vague d’une harmonie froide, dont la force est balayée par celle-ci. L’harmonie, tout comme sa voix, est à peine présente – une sorte de fantôme qui plane en arrière-plan. Récemment, et avec beaucoup de succès, la musicienne turque s’est concentrée sur l’art et la forme de composition de la musique de film, et les ombres du cinéma sont visibles quand on observe Coda, se penchant dans sa lumière et l’obscurcissant dans des silhouettes et des sons profonds et inquiets.

Les harmonies floues et délavées sont imprégnées de réverbération, et on se sent seul, comme coupé des choses, et désynchronisé par rapport à l’époque actuelle ; un étranger dans une foule de couples souriants. La musique semble agitée et mal à l’aise, malgré les lignes vocales apaisantes qui répètent les mots et les phrases juste au-delà d’un murmure, presque à elles-mêmes, soit comme un mantra personnel et rassurant, soit comme l’indication d’un esprit en détresse, à la recherche d’un exutoire ou d’un soulagement quelconque.

La progression au piano de « Burn Up » est d’autant plus rare qu’elle est brève et claire, donnant à la musique l’apparence (ou l’illusion) de devenir plus distincte, au moins temporairement, mais une queue de réverbération est toujours attachée aux notes qui passent, et les toiles d’araignée n’ont pas été complètement dégagées. La piste suivante est « Grand Illusion », où la musique se retire une fois de plus dans un nid d’ombres, revenant dans différentes nuances de gris, évitant la saturation des couleurs. La distorsion granuleuse de « On Sand » provoque une soudaine augmentation de la dynamique et du volume, ce qui pourrait indiquer un changement d’humeur inattendu, passant du découragement à la rage pure et simple en un clin d’œil, et il y a des épisodes violents parmi les moments plus calmes. Coda fait allusion à des fins – non seulement dans son nom mais aussi dans ses souffrances léthargiques et ce sont des sons fatigués.

***1/2

Gus Dapperton: « Orca »

Après le succès monumental du ravail de Gus Dapperton sur le « single  « Supa Lonely » de BENEE, il semble que plus de gens que jamais attendent avec impatience de nouveaux éléments de la part du célèbre chanteur, auteur-compositeur et producteur indépendant. En emmenant les auditeurs dans une nouvelle direction lors de sa deuxième sortie, Orca voit Gus Dapperton aborder les thèmes forts des luttes pour la santé mentale et trouver l’acceptation dans son œuvre la plus transparente et la plus honnête à ce jour.

La mélodie entraînante, optimiste et instantanément contagieuse de « Bottle Opener » rappelle fortement le premier album de Dapperton, Where Polly People Go to Read, avec un refrain subtilement imprégné de chœurs superposés. Les paroles, cependant, sont ce qui donne à cet album un avantage immédiat sur les œuvres précédentes de Dapperton : « Tu ne les laisses jamais t’atteindre / Je les laisse toujours m’atteindre / Je ne sais pas si je tiendrai jusqu’à demain / C’est une épreuve si dure de toujours tout mettre en bouteille » (you never let them get to you / I always let them get to me / I don’t know if I’ll last until tomorrow / it’s such an arduous test to always bottle it up). La mélancolie qui se cache dans les paroles, ainsi que son titre évocateur, « Bottle Opener, représentent Dapperton qui enlève enfin le verrou et laisse tout se déverser et s’ouvrir.

Bien que la plupart des chansons de Dapperton tout au long de sa carrière aient été accompagnées d’un chant très stratifié, les chœurs d’Orca peuvent parfois détourner l’attention de la chanson, en particulier sur « First Aid » et « Grim ». De plus, sur ce dernier, qui est peut-être l’un des morceaux les plus faibles de l’album, les guitares qui s’entrechoquent et les chœurs féminins dominants enlèvent à la chanson son essence, ce qui est particulièrement déplacé sur l’album pris en sandwich entre « My Say So » et « Antidote », plus doux et plus atmosphérique.

Le duo de milieu d’album « Bluebird » et « Palm » rappelle davantage la production précédente de Dapperton. Les mélodies légèrement disjointes mais accrocheuses se combinent avec les paroles uniques et parfois difficiles à suivre, qui portent la même signature mystique. La plus grande transparence du lyrisme d’Orca est ce qui se prête à une expérience plus immersive. En outre, Orca contient également un morceau avec un élément de l’artiste Chela. Bien que les chœurs puissent parfois détourner l’attention de la mélodie de la chanson, il est réconfortant et rafraîchissant d’entendre Dapperton permettre à plus de gens de s’immerger dans sa musique.

La ballade acoustique-pop qui clôt l’album s’intitule « Swan Song » et est l’une des chansons les plus douces-amères de l’album avec des textes comme « Je me suis fait ça à moi-même / Je ne demande pas d’aide … Je m’en suis sorti avec l’enfer » (I did that to myself / I’m not asking for help … I put me through hell ). Dapperton, qui s’est engagé à être vulnérable (« Bottle Opener ») et qui a terminé par une réflexion sur toutes les émotions de l’album, en invitant les auditeurs à partager si ouvertement ses sentiments et ses expériences, trouvera son point de départ pour la prochaine étape. Il est vraiment difficile de prédire où Gus Dapperton ira après cela, plus haut et plus loin sans doute.

***1/2

Deftones: « Ohms »

Par certains aspects, Ohms trouve que les Deftones retournent à leurs racines. Peut-être pas musicalement – il y a autant d’ADN d’Adrenaline et d’Around the Fur que d’autre chose, dans la mesure où le quintette s’appuie sur son vaste catalogue de références – mais certainement d’un point de vue créatif, car c’est la première fois qu’ils ont Terry Date derrière les planches depuis l’album éponyme de 2003. La relance de ce partenariat offre une combinaison idéale sur le nouvel album du groupe basé à Sacramento.

Il est important de noter que le quintette – Chino Moreno, Stephen Carpenter, Frank Delgado, Sergio Vega et Abe Cunningham – sont tous engagés et prêts à partir. L’attaque métallique d’ « Error » en est la preuve, s’élançant vers l’avant et entraînant l’auditeur dans son sillage, avec la guitare solo de Carpenter en vedette. S’il s’est senti un peu à l’écart du Gore de 2016, il ne perd pas de temps à faire sentir sa présence dans la suite du spectacle. L’ouverture sinistre et atmosphérique de « Genesis » laisse place à un riff punitif alors que lui, le bassiste Vega et le batteur Cunningham s’élancent à l’unisson. Le groupe a l’habitude de présenter les premières parties de ses albums comme des déclarations de mission et commence les choses avec aplomb, la fin explosive de la chanson s’écrasant sur « Ceremony » sans une seconde d’avance.

Le coup de poing qui donne le coup d’envoi de l’album met en évidence un groupe rajeuni – pour citer son premier album, il a connu une renaissance, en un sens, et aborde le disque avec le genre d’enthousiasme juvénile qui rappelle ces premiers jours et leur lien original avec Date. Ce n’est pas une mince affaire pour un groupe qui en est à sa quatrième décennie d’existence – les fans de longue date seront heureux d’apprendre que leur esprit inventif demeure. « Je n’ai plus de patience pour l’attente » (I have no patience now for expectation), rugit Moreno rugit sur l’oppressant « This Link is Dead », le souffle dans sa gorge, alors que la chanson s’élève vers un crescendo cathartique rappelant leur album éponyme, guidée par le trémolo de Carpenter et ses rythmes polyvalents. « Expectation » est une chanson qui a suivi le groupe depuis la sortie de leur troisième album White Pony, qui a eu une grande influence, mais ils n’ont pas hésité à la mettre en veilleuse – ces dix compositions sont fluides dans leur exploration du ton et du tempo.

« The Spell of Mathematics » éclate dans la vie avec une urgence bruyante et un mur de son imposant qui monte et descend instinctivement. À un moment donné, puis à un autre, Carpenter et Vega se livrent à une lutte musicale acharnée, l’accent alternant entre la guitare et la basse, et la chanson se transforme en une coda essentiellement instrumentale, soutenue par la batterie expressive de Cunningham – son approche compositionnelle est révélatrice de la nature collaborative du disque. Chaque membre se retrouve sous les feux de la rampe, que ce soit Delgado qui ramène « Pompeji », un moment fort en plusieurs mouvements, avec des touches fantomatiques qui sont dûment effacées par l’intensité de « This Link is Dead » qui a été brûlé par la terre, ou la performance énergique de Vega sur « Radiant City » qui ouvre le morceau et permet au chant caractéristique de Moreno de s’immiscer dans le refrain, comme alimenté par cune fusée.

L’album est structuré de telle sorte que ces chansons s’enchaînent les unes aux autres, que ce soit par des transitions bien exécutées ou par des morceaux reprenant là où leur prédécesseur s’est arrêté – la place pour respirer est offerte à l’intérieur de ces chansons caméléoniennes elles-mêmes, plutôt qu’ailleurs, ce qui permet une expérience d’écoute sans faille de 46 minutes. Si la mise en scène de « Genesis » encourage l’auditeur à faire le grand saut, la chanson titre est le moment de l’impact ; elle est plus directe dans son exécution que la plupart de ce qui l’a précédée, mais elle trouve le groupe qui part en l’air, ancré par des mélodies brillantes et un sens approprié de la finalité. « Le temps ne changera pas cette promesse / Cette promesse que nous avons faite / Nous resterons » (Time won’t change this / This promise we made / We shall remain) déclare Moreno avant que les projecteurs ne se posent à nouveau sur Carpenter, clôturant le disque par une reprise de son riff triomphant en majeur.

Avec Ohms, Deftones s’engage dans une nouvelle décennie avec des moments de lourdeur et de beauté céleste qui secouent l’os, tirant sur tous les cylindres et refusant de se reposer sur leurs lauriers, peaufinant leur signature sonore avec des touches expérimentales et abordant leur dernière œuvre comme une pièce autonome. Le monde qu’ils y créent est fascinant et imprévisible, car ils font preuve d’une volonté de mélanger les choses. Ils s’épanouissent dans un état de flux constant et leur neuvième album les trouve toujours aussi excitants.

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Into It. Over It: « Figure »

Sur le dernier album de On Into It, Standards, Evan Thomas Weiss a réalisé un disque de type « I’m thirty and afraid ». C’est un sujet qui peut être rebattu et clichémais Weiss a pris un thème peut-être insignifiant et lui a donné un vrai sens des enjeux et de l’excitation aini générée. Cela n’a pas fait de mal que les chansons soient très rock : même si le titre d’ouverture ,« Open Casket », avait tous les signes d’un enregistrement réalisé dans une cabine, des morceaux comme « Closing Argument » et « Vis Major » étaient aussi vivifiants et exaltants que les albums de Weiss en 2011 et 2013. Avec la sortie de son nouvel opus, Figure, il semble que les parties ennuyeuses de l’emo d’âge moyen l’ont rattrapé. C’est un album rempli de Into It. Over It., qui se caractérise par des sentiments lyriques conversationnels, une partie de guitare math-rock occasionnelle et une batterie d’ancrage. Mais même avec les compositions solides et généralement excellentes de Weiss, ça ne fait jamais tilt.

La question prédominante ici est sa production. Les chansons s’effacent pour laisser place à des guitares électriques, boueuses et atmosphériques. Les grands refrains s’effacent pour laisser place à des grooves midtempo mous avec des guitares acoustiques oubliables et des touches de piano électrique. D’autre part, les paroles de Weiss sont d’une beauté attendue. La lente construction de l’instrumentation de « A Left Turn at Best Intentions » est sans surprise, mais les détails elliptiques d’environ un mois, de pire en pire, sont incroyablement résonnants. Cette prose est attrayante, car elle est à la fois cryptique et universelle. Des phrases comme « J’ai essayé et je pense que c’est le mieux que je puisse faire » (I’ve been trying and I think that’s the most I can do) sont très racontables, mais des expressions désinvoltes sur les tueurs de cow-boys qui se préparent et sur « Armitage Avenue » donnent à ces chansons un air de vie. Malgré la grande poésie, la moitié des chansons ici : « (Dressing Down // Addressing You » et « Hollow Halos » n’ont pas de personnalité sonore.

Heureusement, il y a des moments de brillance dans Figure. Les deux « single »s de l’album, « We Prefer Indoors » et « Living Up to Let You Down », s’y joignent immédiatemen et montrent un Over It. à son meilleur. Le premier, avec ses rythmes de guitare acrobatiques et son jeu de batterie habile, ressemble à une chanson prête pour l’énergie d’un live. C’est un couple parfait de paroles mélancoliques sur une rupture (« A beginner’s guide to annoyance » est l’une des lignes les plus tranchantes de l’album) et une accroche-anthémique on ne peut plus recommandable. Lorsque vous arrivez à la fin, cela devient cathartique. « Living Up to Let You Down » a une vague énergie (Death Cab, avec le sentiment lugubre de « We sing along but the feeling’s gone » appliqué à une relation sur une mélodie chaude. Au fur et à mesure que la chanson avance, elle devient carrément déprimante. Weiss énumère des possibilités pour l’avenir avant de tomber sur la pire : son partenaire actuel va déménager à un pâté de maisons de là et ils vont passer à autre chose. Des moments comme « Living Up to Let You Down » sont inoubliables ; c’est juste une déception que le reste de l’album ne soit pas du même tonneau.

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Spencer Zahn: « Sunday Painter »

Le multi-instrumentiste new-yorkais Spencer Zahn a déjà sorti deux albums solo au synthé, People of the Dawn (2018) et When We Were Brand New (2019). Pour son troisième album, Sunday Painter, il a réuni une équipe de joueurs de premier plan, dont le percussionniste Mauro Refosco (Atoms For Peace) et le guitariste Dave Harrington (Darkside), pour suivre ses compositions en studio. Inspiré par la pierre de touche du jazz d’ambiance In A Silent Way de Miles Davis et par la production du label ECM Records, Sunday Painter présente des compositions détaillées et élégamment arrangées et des performances sobres qui s’écoulent doucement autour de la basse de Zahn.

La liste des titres de l’album est agréablement symétrique, avec un court interlude dans chaque moitié (« Empathy Duet » et « Promises ») et la chanson titre se trouve directement au cœur de l’album. La plupart des morceaux s’appuient sur une pulsation minimaliste, s’installent sur un thème répété, puis changent de vitesse de façon brutale. Sur « Key Biscayne », la section rythmique entraînée par le piano et la trompette, avant que le saxophone et la trompette n’entonnent un thème paisible. Cela crée une merveilleuse atmosphère de repos, mais la tranquillité est troublée dans la dernière minute. C’est toujours calme et beau, mais les joueurs se déplacent avec tant d’assurance les uns autour des autres que le changement semble dramatique.

« The Mist » est probablement la plus belle pièce ici, alors que les nuages d’orage commencent à se rassembler au-dessus de l’idylle bucolique de Sunday Painter. Le batteur Kenny Wolleson s’enferme dans un motif de tambour lourd comme une voiture, qui rappelle Lee Harris de Talk Talk, avec un contrepoint métallique et brillant des percussions de Refosco. Quelques minutes plus tard, la ligne de basse de Zahn dirige les changements, sur lesquels l’orgue et Rhodes tissent une toile chatoyante. (Si vous aimez les Floating Points, vous trouverez beaucoup de choses à aimer sur ce morceau.) Cette vibe inquiétante et réfléchie se poursuit sur le « Roya », richement ondulé, qui tire pleinement parti de la palette de basses chaudes et enveloppantes du groupe.  

À mi-chemin de l’album, la chanson titre met en vedette un magnifique jeu de guitare tremolo de Dave Harrington, mais les lignes de saxophone soprano de Mike McGarril se rapprochent dangereusement du territoire de Kenny G. Les percussions accordées par Refosco au début de « Ten To One » sont tout aussi distrayantes, ce qui est dommage car le reste de l’arrangement de la chanson grésille. « To the One You Love » est une complainte de bar enfumée, avec un beau jeu de piano, tandis que « At High Tide » met fin à l’ensemble de façon un peu abrupte. Zahn prend soin d’établir et de maintenir une ambiance langoureuse tout au long du disque et y réussit admirablement dans la plupart des cas.

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Al Riggs & Lauren Francis: « Bile & Bone »

Bile and Bone est le nouvel album de l’auteur-compositeur Al Riggs et de l’annihilatrice de guitare Lauren Francis. Après deux ans de travail, entre d’innombrables projets parallèles, « singles » et albums, et une première au festival de musique de Hopscotch en 2019, Al et Lauren ont enregistré cet album de neuf chansons dans deux appartements différents à New York, un appartement à Durham, une maison de l’autre côté de Durham, et d’autres enregistrements dans une autre maison de l’autre côté de Durham.

Le morceau-titre représente une approche quelque peu différente de l’écriture pour Al, comme elles l’expliquent, « la chanson était une collection de lignes et d’idées que j’avais pour d’autres compositions »… J’ai commencé à les assembler et j’ai eu l’impression de créer une friperie ou un prêteur sur gages à partir de ces idées, alors la chanson est devenue l’histoire d’un prêteur sur gages ». Après un scepticisme initial quant à son originalité, Lauren Francis en est venue à aimer le morceau, « au début, je me suis dit, bon sang, ça ressemble à « This Year » des Mountain Goats, mais c’est une bonne chose. Je voulais en faire notre propre chanson… c’est depuis lors devenu mon morceau préféré parce qu’il est si simple.

Musicalement, comme les meilleures collaborations, cela ressemble à la rencontre de deux mondes musicaux. Le parcours d’Al en tant qu’auteur-compositeur acoustique se confond avec les contributions de Lauren à la guitare, au piano et, comme elle l’explique, après que les deux hommes aient débattu de l’introduction d’une batterie complète, « j’ai ajouté la boucle de grosse caisse juste pour lui donner un peu d’élan ». Le morceau qui en résulte semble exister à deux rythmes différents, la voix facile d’Al et les méandres du piano semblent regarder le monde tourner, tandis que la pulsation de la grosse caisse ajoute une certaine urgence aux débats.

Les cordes et le piano électrique sont coupés par une guitare acoustique qui vacille parfois sur l’intrus. Les flirts avec le soft rock (« Werewolf »), la motorik pop (« Boyfriend Jacket ») et la ballade d’ambiance Eno-esque (« Apex Twin ») s’asseyent confortablement contre les fantômes de Fahey (« Dying Bedmaker Variations ») et les restes encombrés de poussière d’un prêteur sur gages (« Love Is An Old Bullet »).

Le morceau titre est un point culminant de fureur retenue, résumant l’air général de l’album avec un lyrisme volatile : « Je ne devrais pas être à un endroit/où je suis à genoux chaque soir/prier pour mes dirigeants/être abattu à vue » (I should not be in a place/where I am on my knees each night/praying for my leaders/to be shot down on sight) avec des harmonies pop classiques fournies par Rook Grubbs (Vaughn Aed).

« Love is An Old Bullet » sera pour certains une belle introduction, et pour ceux qui le savent déjà, un rappel supplémentaire que la combinaison d’Al et Lauren vient peut-être de commettre ici un disque convaincant de chez convaincant.

***1/2

Fleet Foxes: « Shore »

Rien n’est plus évocateur de l’automne qu’un nouveau disque de Fleet Foxes. Voyez les choses en face : l’été est passé, les températures baissent, les feuilles commencent à tomber et le groupe de Robin Pecknold vous invite à écouter la bande son de la collection de vêtements que vous vous préparez à enfiler pour la saison.

Cela ne veut pas dire, toute fois, que Shore n’est pas le bienvenu. Loin de là – en fait, peu de personnes sont mieux adaptés que le combo pour construire ces moments indie-folk mielleux, avec la nostalgie des yeux de rosée inhérente à un son qui tire sur les cordes du cœur d’une manière qu’aucun autre groupe ne peut faire.

Avec une sortie surprise, Shore s’ouvre sur le duo « Wading In Watt-High Water » et « Sunblind ». Nous sommes immédiatement en terrain connu – la mélancolie heureuse du chant, l’accent mis sur la performance du groupe plutôt que sur l’audace individuelle. Pourtant, l’ensemble s’aventure en terrain inconnu : l’instrumentation ondulante, la douce montée de la mélodie qui rappelle celle des Cocteau Twins si ceux-ci avaient pris un virage folk.

La voix magnifique et entêtante du morceau « Can I Believe You » dément la complexité tranquille des rythmes sous-jacents, une chanson en perpétuel mouvement. A » Long Way Past The Past » fait paraître l’introversion automnale merveilleusement enivrante, tandis que « Young Man’s Game » est la réflexion subtile d’un groupe qui a toujours sonné plus vieux que son âge.

Ce qui est remarquable dans Shore, c’est à quel point tout est naturel, sans hâte. Cette sortie surprise met fin à trois ans d’attente pour du nouveau matériel dans un certain style, un vaste disque d’une réelle profondeur qui contient des moments d’une beauté saisissante. Prenez ces contre-mélodies sur « Jar » » – presque brésiliennes dans leur merveille lumineuse – des douces affirmations qui courent à travers le majestueux « I’m Not My Season ».

Cela dit, lorsque les Fleet Fox jouent pour former, ils assument le trône indie-folk avec une réelle affirmation. Ainsi, « Quiet Air / Gioia » est un coup de maître, tandis que l’atmosphérique « Going-to-the-sun Road » pourrait bien apaiser les nombreuses inquiétudes suscitées par cette année chaotique.

Produit par Pecknold lui-même, Shore est un disque consciemment « grand » – en effet, en parlant de ce processus, l’auteur de la chanson n’a-t-il pas comparé cet opus à « 15 big ones » ? C’est une collection de panoramas de plusieurs kilomètres, d’horizons infinis, une vision de l’Americana comme une étendue infinie, une source perpétuelle de confort personnel et de réinvention esthétique.

C’est un disque qui met l’épaule à la roue, un souffle de lumière dans les moments les plus sombres. Qu’il s’agisse du simple unisson choral de la miniature médiévale « Thymia » ou de l’émotion angoissée de « Cradling Mother, Cradling Woman », il s’agit d’une collection de compositions qui dominent leur rôle de manière emphatique.

Aussi naturel et invitant que le frisage des feuilles, Shore montre les Fleet Foxes à leur meilleur : une voix de réconfort pour une génération modernisée, c’est moins un album qu’un coffret empli de trésors.

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