Fashion Club: « Scrutiny »

15 juillet 2022

À l’écoute de Scrutiny, il est difficile de croire que Pascal Stevenson, de Fashion Club, ne s’est jamais considérée comme une leader avant d’écrire les chansons qui ont donné naissance à son premier album. Elle a passé des années dans l’ombre de la scène indé de Los Angeles avant de devenir sobre, une décision qui l’a amenée à jeter un long regard sur sa vie et le monde qui l’entoure et à partager ses sentiments. Fidèle au titre de l’album, elle dénonce l’hypocrisie partout où elle la voit avec la confiance et l’éloquence d’une artiste chevronnée ; comme elle le grogne sur « Scrutiny » sur des basses caverneuses et des synthés et guitares lugubres, elle « fait tomber les masques » (brings the spectacle down). Sur ladite composition et sur l’entraînante « Reaction », on retrouve l’énergie post-punk de confrontation de son autre projet Moaning, mais Fashion Club a sa propre identité. La voix profonde et brute de Stevenson contribue à différencier Scrutiny de toutes les autres musiques sur lesquelles elle a travaillé auparavant, en particulier sur des morceaux comme « Phantom English », où la combinaison de sa voix directe et de la production inspirée de Jam & Lewis définit la tension de Fashion Club entre le faux fier et le trop réel. Elle saisit les nuances de ce conflit de manière évocatrice, en chantant « You’ll never see it/But the chapel walls are filthier than your bedroom » (Tu ne le verras jamais/Mais les murs de la chapelle sont plus sales que ta chambre) sur la méditation de « Chapel » sur la croissance et le doute ; sur « Dependency », elle exprime un traumatisme persistant de manière poignante : « Weaponize your brain/What good is a weapon if it drives you insane ? » (Armez votre cerveau / A quoi sert une arme si elle vous rend fou ? ). L’empathie dans l’écriture de Stevenson rend Scrutiny d’autant plus accessible et indélébile, surtout lorsqu’elle révèle le désespoir derrière la tromperie.

Sur « Pantomime », elle s’en prend à juste titre à l’altruisme de façade, mais si les paroles sont tranchantes, la mélodie fluide ajoute complexité et sympathie. Sur le morceau phare « Feign for Love », Stevenson construit une maison de miroirs avec des guitares chatoyantes et des paroles pleines de déni. Aussi sombre que puisse être l’ambiance, Fashion Club n’oublie pas de tendre vers la lumière, et les lueurs d’espoir et de rédemption de « Failure » et « All in Time » élèvent le disque au-delà de la simple mélancolie. Scrutiny offre un éclat apparemment hors du commun qui demande beaucoup de temps et d’énergie pour être créé, et lorsque Stevenson fait venir le spectacle à nous, elle réalise un premier album époustouflant.

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mixdown: « rising »

15 juillet 2022

L’artiste pop mxmtoon a commencé à attirer l’attention à l’âge de 18 ans avec sa chanson « Prom Dress », un morceau mélancolique mais entraînant sur les attentes déçues et les déceptions du lycée. Ses progressions guillerettes au ukulélé et ses mélodies hyper accrocheuses ont largement contribué à la popularité de la chanson, et son deuxième album, rising, lui permet de s’affirmer avec tous les éléments qui existaient sous une forme plus brute sur ses premiers titres autoproduits. Alors que « Prom Dress » et d’autres chansons du catalogue précédent de mxmtoon semblaient au moins un peu tirées d’expériences personnelles d’adolescentes, rising est résolument axé sur les chapitres suivants de la vie de jeune adulte. Les thèmes du vieillissement et des leçons de vie apparaissent sur de nombreux morceaux, notamment sur « growing pains » et la pop à la guitare acoustique de « victim of nostalgia ». Mxmtoon se languit de sa jeunesse et s’inquiète de l’avenir sur ces chansons, mais se penche sur le changement personnel et la fin des vieilles époques sur le morceau synth pop particulièrement accrocheur « coming of age ». Tout au long de rising, l’écriture et la production de mxmtoon semblent plus raffinées et réfléchies que tout ce qui a précédé, ralentissant et devenant plus réfléchies, particulièrement sur les chansons à mi-chemin comme « florida ».

https://embed.music.apple.com/fr/album/rising/1615652997

Bien que l’album montre une croissance, certains moments sont trop sucrés pour leur propre bien. L’ouverture de l’album, « mona lisa », sonne comme la bande originale d’une comédie romantique du début des années 2000, avec des mélodies et des dynamiques prévisibles qui finissent par être banales et banales comparées à l’exploration personnelle plus vulnérable présentée plus loin dans l’album. D’autres choix de production, d’écriture et d’arrangement sont tout aussi creux, et semblent construits à partir d’un modèle plutôt que des sentiments réels qu’ils sont censés explorer. Malgré son arrière-goût parfois sucré, les chansons de rising sont une représentation solide du champ émotionnel conflictuel de la période entre l’adolescence et le début de la vingtaine, et les chansons résonneront particulièrement avec ceux qui naviguent dans cette phase tumultueuse en 2022.

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The Avalanches: « Wildflower »

14 juillet 2022

Bien que l’échantillonnage précis de musique et d’extraits de films des Avalanches puisse créer un son détaché du lieu et du temps, Wildflower nous rappelle que beaucoup de temps s’est écoulé depuis leur premier album en 2000, Since I Left You. Le disque s’accompagne également de l’attente que le groupe recrée l’accroche de ses premiers travaux tout en faisant preuve d’une certaine croissance créative. Et surtout à l’heure où tant d’artistes, sur tant de plateformes, ont affaire à la gratification instantanée, Wildflower est confronté à une vérité inévitable : plus les gens attendent un album, plus ils s’attendent à ce qu’il soit immédiat et brillant.

Loin d’être un mash-up vertigineux et hyperactif comme Since I Left You, Wildflower est une collection plus spacieuse et ruminative de séquences cinématiques et de collage pop en boucle, qui se déploie en vagues impressionnistes de samples de la culture pop et d’enregistrements de terrain. La dernière partie de l’album en particulier (à partir de « Over the Turnstiles ») capture ce réseau de paysages sonores de la manière la plus vivante, rendant même les penchants kitsch de Since I Left You (ainsi que certains des morceaux les plus accrocheurs ici) une nouveauté. Pour ceux qui sont fascinés par le processus des Avalanches, plutôt que simplement impressionnés par ses résultats les plus attachants, Wildflower est une écoute gratifiante et stimulante.

« If I Was a Folkstar » et « Colours », sur lesquels figurent respectivement Toro y Moi et Jonathan Donahue de Mercury Rev, sont la première exposition au côté plus expérimental des Avalanches. « Folkstar » sonne comme si un magnétophone était resté bloqué sur la musique qui pourrait introduire la séquence de rêve d’un film ; il faut plusieurs tours pour s’y retrouver dans cette boucle de flûtes ascendantes, de guitare jangly, de basse syncopée et de nuées de voix de fond. « Colours » est un morceau tout aussi ensoleillé, programmé en profondeur, avec une signature temporelle complexe et une superposition de la voix de Donahue pour obtenir un effet d’écho désorientant, à l’image de My Bloody Valentine dans sa bonne humeur. Les riffs lents et vertigineux abondent, enfouis dans une production dense et trippante : dans la guitare jazz de « Saturday Night Inside Out », qui ressemble à une reprise de « Head Over Heels » de Tears for Fears par Dire Straits ; dans le refrain surf-pop de « Live a Lifetime Love » ; et même dans les synthés frétillants de « Stepkids », qui ressemblent à des boutons de téléphone joués en rythme parfait. Les arrangements astucieux et discrets permettent aux Avalanches de laisser libre cours à leur talent de bricoleur.

En revanche, les moments « bizarres » de Wildflower ressemblent parfois à des blagues vides. « Frankie Sinatra » surpasse les Gorillaz en matière de rebondissements de faux gangsters : « S’il vous plaît, Monsieur l’Officier, je n’ai bu que de la vodka, un peu de marijuana, juste un peu de Vicodin » (Please Mr. Officer, I only had some vodka/Little marijuana, just a few Vicodin), rappe Danny Brown, mais le mélange de rap et de big band devient lassant, et n’est sauvé que par un twist final où le morceau des Beatles « Being for the Benefit of Mr. Aucun moment de ce genre ne peut sauver « The Noisy Eater », une combinaison enfantine de « Come Together » et des paroles de Biz Markie sur ses aliments préférés pour le petit déjeuner, bien que l’interlude instrumental suivant, « Wildflower », serve à nettoyer le palais. D’autres morceaux d’une minute, dont le banjo-folk « Park Music » et le sinueux « Over the Turnstiles », éclipsent discrètement toute tentative de  compositions se voulant grandiloquentes.

The Avalanches ont eu l’intelligence d’éviter les moments trop voyants sur Wildflower. En plus de ses courts enchaînements, l’album présente de longues transitions entre les chansons et d’autres pauses dans son action sonore – comme si le groupe essayait d’empêcher quiconque de qualifier l’album de mix de danse. Par exemple, « Because I’m Me » commence par une version déformée de sa propre accroche, tandis que « Going Home » poursuit le groove disco-molasse de la précédente « Subway » avec la basse et les paroles qui s’enchaînent, comme si on écoutait la chanson « Subway » dans le métro. Ces décisions ne font pas un album facile ou instantané, mais plutôt un son brumeux qui révèle sa splendeur et sa forme avec le temps. Et après tant d’années d’attente, cela vaut la peine de s’armer de patience pour laisser Wildflower s’installer.

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Banks: « Serpentina »

14 juillet 2022

La musique de Banks évoque celle de nombreuses artistes féminines. Par exemple, elle combine le poids dramatique d’Adele avec les affectations détachées de Lana Del Rey. Le problème est que Banks ne parvient jamais à sortir de l’ombre des artistes et des sons qu’elle emprunte. Le quatrième album de l’auteure-compositrice-interprète, Serpentina, est une méditation sombre sur le chagrin d’amour et la perte, mais il n’a pas le côté expérimental de l’album III en 2019, dont les coups de basse distordue et les effets vocaux durs renforçaient les paroles de Banks et lui permettaient de se faire une place à part.

Le nouvel album trouve Banks sur un terrain sonore plus conventionnel, où les hauts sont élevés mais les bas sont… juste là. L’élément singulier et constant qui le distingue de la pop contemporaine et du R&B alternatif est la voix de Banks. Tantôt douloureuse et frénétique, comme sur le désespéré « Holding Back », tantôt insupportablement mélancolique, comme sur la ballade au piano « Birds by the Sea », le chant de Banks a considérablement mûri au fil des ans. Le refrain de ce dernier titre est ancré par sa voix haut perchée, complétée par des couches tourbillonnantes de sa voix plus naturelle et un chœur qui semble émaner d’au-delà de l’horizon.

Les morceaux les plus pénétrants de Serpentina sont ceux qui se complaisent dans des sentiments d’abattement et de déchirement. Le dernier morceau, « I Still Love You », est l’une des chansons d’amour les plus déchirantes que Banks ait jamais enregistrées. La voix feutrée de Banks semble légèrement déformée tout au long des trois minutes du morceau, frémissant d’une manière qui la fait paraître presque inhumaine – reflet de la commémoration par la chanson d’un amour que la chanteuse a ostensiblement chassé.

Serpentina est parsemé d’autres chansons de rupture tout aussi émouvantes, mais elles sont accompagnées de morceaux de remplissage oubliables. La chanson « Anything 4 U » pâtit d’un traitement vocal insipide et d’un accompagnement beaucoup trop squelettique, tandis que « The Devil » adopte un ton tellement toxique et séduisant – avec des chuchotements dans la voix et des paroles décrivant un comportement diabolique – qu’à la fin de la chanson, la métaphore du titre ressemble plus à un pastiche qu’à un moyen d’explorer une relation néfaste.

Le morceau d’ouverture, « Misunderstood », dure un peu moins de deux minutes et sert en quelque sorte de manifeste, Banks se proclamant une sorte de paria qui « n’aurait pas besoin de cette agitation » (wouldn’t need this hustle) si elle « avait un penny pour chaque fois que quelqu’un ne me comprend pas » (had one penny for every time somebody didn’t get me.). Banks est une artiste dont l’identité semble être une contradiction : une paria autoproclamée dont la musique ressemble étrangement à celle de beaucoup de ses contemporains. Et bien qu’elle montre une fois de plus son talent pour livrer des récits de chagrin d’amour empreints d’émotion, Serpentina affirme son caractère unique de manière paradoxalement conventionnelle et sans surprise.

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Black Midi: « Hellfire »

14 juillet 2022

On dit que la folie consiste à faire la même chose de manière répétée et à s’attendre à des résultats différents à chaque fois. Selon cette définition, Black Midi, le groupe de rock expérimental dont on dit qu’il est le préféré des Londoniens, est loin d’être fou.

En effet, même après avoir sorti deux disques qui continuent à embrouiller, brouiller et mystifier l’esprit de ceux qui osent les écouter, le trio aime jouer à la marelle musicale. Ils refusent de céder à la routine, comme ils ont horreur de la folie – et pourtant, ils embrassent la calamité.

Ils aiment tout simplement une bonne et soudaine apocalypse où la dépravation musicale et lyrique abonde. Et quelle meilleure façon de satisfaire leur appétit pour la méchanceté inattendue qu’à travers leur nouvel album, Hellfire, qui porte le titre approprié.

S’annonçant avec audace par son simple titre, on peut probablement deviner ce que l’on va expérimenter à travers les flammes annonciatrices. Le premier moment à part entière de Hellfire, « Sugar/Tzu », déclenche la pyrotechnie de l’esprit dès le son de la cloche – littéralement. Préalablement à la montée d’adrénaline d’un annonceur de ring déclarant le bain de sang d’un siècle entre deux concurrents poids léger, Sun Sugar et Sun Tzu, les auditeurs sont préparés à l’enthousiasme et au feu d’artifice immédiats, mais pas sans attentes testées.

Black Midi suit effrontément cette annonce gutturale avec trente secondes de notre narrateur à la voix douce, Geordie Greep, ronronnant sur de doux battements de tambour, présentant son propre comportement égocentrique comme une bravade : « La postérité montrera que je suis / Le plus grand que le monde ait jamais vu / Un génie parmi les non-entités » (Posterity will show me to be / The greatest the world has ever seen / A genius among non-entities) Greep n’est pas étranger au port de masques. Ici, il en revêt un de délicatesse énigmatique. Cependant, cette parenthèse de tendresse inattendue n’est que brève, car Morgan Simpson, le batteur hors pair du groupe, passe à la vitesse supérieure et martèle son kit à une vitesse hypersonique.

Kaidi Akinnibi se joint à cet amusement désordonné, mettant en parallèle le jeu frénétique de Simpson et la folie théâtrale de son saxophone. Au fur et à mesure que se déroule cette histoire de meurtre égoïste, la fusion jazz erratique de « Sugar/Tzu » s’élance sans but avec un flux et reflux similaire à celui d’un boxeur professionnel désespéré, le dos contre les cordes, manœuvrant les coups de poing menaçants de son adversaire.

Un peu plus loin dans cette description comique et souvent complaisante de l’enfer, Black Midis présente une nouvelle scène, bien qu’apparentée, d’une course avec « The Race Is About To Begin ». Ici, submergés par la cacophonie déréglée du prog-rock d’avant-garde du groupe, des personnages de nature vile et aux noms variés s’affrontent, se surpassant les uns les autres par leur hideur respective et leur place méritée en enfer. Il y a une Mme Gonnorhea, un Eye Sore, un Perfect P. Deadman, et notre cher ami meurtrier, Sun Tzu. Ici, notre narrateur décalé, Greep-ien, raconte « Il y a un gagnant et un perdant » (There’s a winner and a loser), avec indifférence.

Bien que les auditeurs soient une fois de plus trompés dans le calme et l’immobilité, « The Race Is About To Begin » est le morceau le plus sauvage de Black Midis. Avant de ralentir jusqu’à une accalmie sulfureuse pour les deux dernières minutes, Greep arbore son visage le plus flagrant et débite un baratin frénétique qui peut rappeler à certains Serj Tankian, mais avec un degré ou deux de paranoïa en plus. Alors qu’il vomit des mots sur le néant au sens propre et au sens figuré, le reste du groupe joue à fond, semblant faire du bruit pour le plaisir de faire du bruit et déverser de la perversion sur la table pour que tous soient submergés.

Le charivari auditivement dément de ces deux morceaux se retrouve dans l’ensemble de Hellfire. La musique n’a souvent aucun sens au premier abord, pas plus que les paroles – un vrai spécial midi noir. Il n’y a pas d’intrigue conventionnelle ni de ligne conceptuelle pour contourner les ruines du chaos de Hellfire. Il s’agit plutôt d’un gumbo cynique, un amalgame de vignettes déroutantes sur quelques dégénérés en voie de disparition.

Cela dit, la descente aux enfers du disque s’approfondit encore, s’intensifiant lorsqu’elle atteint son éternel point de basculement. Sur « 27 Questions », les auditeurs font la connaissance d’un dernier personnage du nom de Freddie Frost, un acteur mourant qui donne une dernière représentation, avant de s’enflammer devant son public. Mais avant de mourir, Freddie, un homme de grande stature, de talent et d’importance, se lâche avec une vingtaine de questions qu’il a emportées sur son lit de mort et qui restent toutes sans réponse lorsqu’il donne le coup de grâce : « L’herbe est-elle toujours plus verte ? / La volonté est-elle vraiment libre ? / N’y a-t-il que le noir que l’on voit quand on rejoint les défunts ? » (Is grass ever greener? / Is the will really free? / Is it only black you see when you join the deceased ? » Aucune de ces questions n’a d’importance lorsque vous êtes en enfer, et ce n’est pas grave – je suppose – lorsque vous avez un groupe comme Black Midi pour sonoriser la souffrance sans fin et Geordie Greep pour narrer la misère.

Black Midi est l’un de ces groupes qui continuent à nous revigorer avec quelque chose de nouveau et d’inédit à chaque sortie. Bien que la plupart des marques distinctives du groupe soient visibles – plus lourdes que jamais, même – leur dernier album sonne miraculeusement et hideusement nouveau, prouvant leur aversion pour toute répétition inutile.

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Sarattma: « Escape Velocity »

12 juillet 2022

Sarattma est le duo instrumental de Sara Neidorf à la batterie et de Matt Hollenberg aux guitares électriques et à la basse. Neidorf a enregistré avec un certain nombre de formations en Europe et en Amérique du Nord. Hollenberg, bien sûr, est connu pour son travail avec John Zorn (Simulacrum et Chaos Magick, en particulier), Cleric, et Titan to Tachyons. Tous deux sont bien versés dans le métal technique / progressif et l’improvisation jazz / blues.

Escape Velocity, enregistré en 2019 pour faire suite à leur premier EP de 2017, est avant tout un album lourd. Dès le début, Hollenberg fournit des riffs épais pour accompagner la batterie musclée de Neidorf. Les lignes de basse suivent généralement la guitare. Le rythme du duo change au fil des morceaux, passant de masses de distorsion lugubres à du thrash metal, puis à des solos de Hollenberg basés sur le blues. Et ils abordent ces changements de genre avec un sentiment intuitif, de l’intelligence et même un peu d’esprit ludique.

À cet égard, la plupart des morceaux semblent avoir été planifiés, avec des changements abrupts ainsi que des mélodies et des motifs rythmiques complexes.

Certains d’entre eux présentent des accroches convaincantes et accrocheuses qui se répètent suffisamment souvent pour apporter un caractère distinctif sans vieillir. Neidorf et Hollenberg évitent également de s’appuyer trop largement sur les tropes du métal, avec un martèlement limité de la double-basse et du speed picking.

Par exemple, « Sublingual Excavation » comporte un thème principal post-rock lent avant d’éclater en passages overdriven et chaotiques.  « To Touch the Dust « va dans le même sens, avec un motif principal acoustique joué au médiator, accompagné d’accords de synthé. Hollenberg laisse entrevoir des influences du Moyen-Orient (de Zorn ?) sur « Socotra », un morceau qui présente également des riffs bizarres et un côté noir. « Sciatic Haze » est peut-être le meilleur point de départ pour les curieux, avec une guitare en spirale, des accords pesants, des percussions élaborées de Neidorf et un break free-improv vers la fin.

Ce n’est pas le métal de vos parents – pas de stéréotypes ici, juste un album incroyablement lourd et moderne avec une grande variété de styles qui s’entrechoquent de manière singulière. Hautement recommandé.

***1/2


Holy Scum: « Strange Desires »

11 juillet 2022

Combiner les forces d’aplatissement des oreilles de l’ancien guitariste d’Action Beat, de la meilleure tête de Gnodders de Salford et du bruiteur responsable de l’assaut atonal de Dälek n’allait jamais donner lieu à un paquet de mélodies folkloriques (n’oublions pas que The Body & Big Brave nous ont surpris à ce sujet l’année dernière) mais, malgré les avertissements préalables, il est toujours difficile de se préparer à la façon dont l’assaut de Holy Scum est vraiment oppressant sur Strange Desires.

Dès le départ, nous sommes lancés dans un déchaînement de guitares cacophoniques et de batteries claquantes. Des hurlements stridents, comme ceux d’Eugene Robinson rampant hors d’une cave grotesque, nous annoncent que la mort est là. Le langage se brouille tandis que les rythmes s’enchaînent dans une cadence étrangement décalée, mais suffisamment émouvante pour garder les sens en éveil. L’effet est comparable à celui d’un poirier sur une machine à laver à chargement par le haut, puis de baisser lentement la tête au moment où elle lance le cycle de rinçage.

Alors que ces personnages ont colporté la folie sous diverses formes pendant de nombreuses années (et sur des océans), cette collaboration donne l’impression d’avoir été taillée de manière presque organique, avec un objectif concentré et singulier. Vous auriez du mal à deviner, en écoutant simplement, qu’il a été forgé par des musiciens du Grand Manchester, puis défait et recousu par un tripoteur de l’État, tant il est concentré. C’est cohérent, presque à son propre détriment. Comme si vous écoutiez Godflesh ou Yellow Swans, vous êtes dans la boue pendant toute la durée de l’album. Il y a peu de répit, voire aucun.

Cela ne veut pas dire qu’ils sont un poney à un tour. C’est plutôt qu’il faut vraiment creuser sous les larsens et les rythmes belliqueux pour découvrir des variations. « Everybody Takes You Just Take More », si vous arrivez à voir à travers son vernis de larsen dense et de distorsion lancinante, est un morceau presque dansant. Il y a une chanson rock solide et propulsive, née d’approches kosmiques et motoriques et drapée dans une mélodie enveloppée de guitares à la Kevin Shields, qui n’attend que de faire surface à travers la disharmonie.

Il y a aussi l’interlude frénétique de « Useless Wonderful Doubt », formé de synthés Carpenter virevoltants et d’une menace qui se développe lentement, avec sa cavalcade de voix déformées et déformées au-delà de toute reconnaissance, créant le son de chatbots en décomposition. Et sur « Drowned By Silence », les voix rappellent celles d’Underworld se frayant un chemin dans une sombre caverne sous-marine. La parole bouillonnante prend le titre du morceau un peu trop à la lettre.

C’est un mur du son. On embrasse tout le spectre sonore. Tout te pousse vers le bas. C’est claustrophobe. Imposant. Inéluctable. Ça se passe à l’intérieur d’une bourrasque turbulente. Des drones hurlants et des mélodies de feedback en forme de poignards ne peuvent être perçus que par ceux qui sont assez curieux pour écouter attentivement et avec soin.

Light Chooses Mine » est un train grondant de toms battus et de coups de caisse claire qui craquent. Le son d’un cirque semble être enfoui dans le maelström. Il n’est jamais complètement percé, juste l’ombre d’une suggestion de ces sons perdus dans le grincement du larsen. Strange Desires contient toute l’inondation du canal auditif de Gnod, mais là où leurs sons vous frappent sous des angles capricieux, celui-ci se déploie comme une mousse en expansion, obstruant chaque centimètre d’espace (de tête) disponible.

Le final, ‘PCGFHILTHPOSHI’, donne l’impression d’une fin relativement calme. L’espace semble s’ouvrir. Les tambours ralentissent et nous sommes autorisés à dériver sereinement à travers un nuage de vagues ambiantes formées de voix réverbérées à l’extrême au milieu de gros drones suspendus. Mais ils ne pouvaient pas nous laisser sortir aussi facilement que cela. Ces tambours déchaînés reviennent avec une vigueur renouvelée. Comme une prise de noise rock sur des breaks ambiants. D’une certaine manière, c’est à la fois apaisant et troublant, comme si on s’endormait dans une machine à IRM.

Si vous êtes prêt à éplucher les couches d’oignon de cette énorme bête, vous découvrirez une beauté surprenante. Mais, comme pour les oignons, il y a de fortes chances que vous en ayez les larmes aux yeux.

***1/2


Viagra Boys: « Cave In »

11 juillet 2022

Cave World, le troisième album brûlant des renégats post-punk que sont Viagra Boys, est essentiellement un manifeste sur la stupidité. En plus de cela, le quintette suédois s’attaque à la masculinité toxique et à la façon dont elle encourage les mauvais comportements, tout en se moquant d’eux-mêmes. S’il émanait d’un groupe à l’esprit plus sérieux, son message pourrait prendre une tournure plus idéologique, à la limite du prêche. Venant de Viagra Boys, on pourrait s’attendre au genre de pitreries dépravées avec lesquelles ils ont constamment tâté depuis leur premier LP, Street Worms, en 2018.

Dès le début, le groupe révèle certaines de ses compositions les plus sombres sur l’ouverture de l’album Baby Criminal, dans lequel ils racontent l’histoire d’un enfant innocent qui se transforme en un terroriste domestique en devenir. Le frontman Sebastian Murphy utilise les États-Unis comme modèle pour fonder son humour mordant, reconnaissant que la folie qui prévaut dans ce pays semble plus déséquilibrée que la plupart des autres. Il est difficile de ne pas être d’accord avec lui. Il renforce cette idée en termes plus généraux sur « Troglodyte », en défendant avec force l’idée que les singes ont plus d’intelligence que les extrémistes portant du papier alu et crachant des absurdités.

Murphy martèle ce message tout au long de Cave World avec une insistance inébranlable, ce qui peut sembler quelque peu irritant mais qui est très probablement le but recherché. C’est là que l’humour intervient pour apporter un peu de légèreté, comme sur « Punk Rock Loser », où le groupe utilise avec justesse un riff bluesy stomp déformé comme toile de fond pour décrire un bon à rien effrayant rempli d’une confiance mal placée : « Je n’ai pas l’air fou/Mais je le suis, putain, et je porte une petite chaîne en or » (I don’t seem insane/But I fuckin’ am and I’m rocking a little gold chain). Murphy livre l’une de ses performances les plus viscérales sur Creepy Crawlies, se pâmant et grognant à propos de l’hystérie de masse anti-vaccins sur un psychédélisme menaçant : « Avec de toutes petites jambes qui rampent autour de votre corps/collectent des informations » (With tiny little legs that creep around your body/collecting information). Sa façon de personnifier les vaccins est absurdement irrationnelle, mais, malheureusement, pas très éloignée de ce que dirait votre oncle consercial endoctriné.

Ce qui est plus audacieux dans Cave World, en dehors de leur engagement à agir comme des satiristes de la désinformation, c’est la façon dont le groupe prend une route plus aventureuse sur le plan sonore. Plutôt que d’épicer leur son punk avec du saxo skronky, le groupe puise dans l’électro-punk teinté de flûte (« Troglodyte »), la techno allemande frénétique digne de la bande originale de « Run Lola Run (Ain’t No Thief) » et la new wave minimale (« ADD »). Leur désir de secouer les choses n’est nulle part plus palpable que sur Big Boy, qui commence par un blues du delta teinté de marécages avant de se transformer en un beat acid house – avec nul autre que Jason Williamson des Sleaford Mods pour faire passer leur message sur ceux qui se vantent comme des hommes-enfants.

Juste au moment où vous pensez que Viagra Boys a épuisé ses idées, en dehors de la surprenante confession « ADD », Murphy et ses cohortes font monter l’énergie une dernière fois sur « Return of the Monkey ». L’équivalent auditif d’un coup de fouet soudain, ce morceau plein d’énergie s’aventure en territoire pop avec un chant délibéré (« Leave society/be a monkey ») qui complète parfaitement ses guitares bruyantes. Le groupe a complètement désévolué, appelant à une réponse primitive qui, plus que ses métaphores narquoises, ne semble jamais gratuitement nihiliste. C’est le plaidoyer désordonné et imparfait dont nous avons besoin en ce moment.

***1/2


Martin Courtney: « Magic Signs »

11 juillet 2022

Dans son deuxième album solo, Martin Courtney évoque les souvenirs qui se perdent avec le temps. L’auteur-compositeur-interprète, plus connu sous le nom de cofondateur du groupe de jangle rock Real Estate, tente de s’y accrocher alors qu’ils s’estompent avec le temps, une pratique sans prétention mais plus difficile à réaliser qu’on ne le pense. C’est le genre de concept que Courtney a exploré dans une certaine mesure à maintes reprises avec son groupe, le LP Days en 2011, sans doute parfait, documentant la banlieue quotidienne dans ce qu’elle a de plus sublime. Mais plutôt que de s’acclimater à ces expériences ici et maintenant, Courtney espère maintenant se rappeler le passé avant qu’il ne soit trop tard.

Au début, Courtney ne sait même pas comment ni où commencer. Dans le morceau d’ouverture aux accents americains, « Corncob », il s’efforce de se souvenir d’une ancienne connaissance dont il peut se rappeler le nom, avant de s’avouer vaincu en réalisant qu’il est temps de laisser tomber. Ce n’est peut-être pas l’idée de chanson la plus convaincante, mais peu de compositeurs parviennent à retracer ces pensées pensibles de manière aussi convaincante que Courtney. Le fait de renouer avec l’étalement urbain du New Jersey est devenu une bouée de sauvetage pour Courtney pendant la pandémie de COVID-19, cartographiant les endroits qu’il pensait connaître ou qu’il n’avait pas encore découverts alors qu’il se promenait en voiture avec ses amis sans destination précise.

Cette période de pause a permis à Courtney d’écrire Magic Signs, en se réservant des plages de temps pour écrire des chansons le soir, lorsque sa femme travaillait et que les enfants dormaient. Il décrit ce processus dans « Living Rooms », luttant contre le froid dans sa cave tout en se souvenant de la bonne volonté qui l’entoure. Mais pour l’essentiel, Courtney est cohérent avec ses retraites dans le passé – qu’il profite de l’éclat du soleil après une longue journée (« Shoes »), qu’il évoque des images de jeune amour (« Merlin ») ou qu’il remplisse les espaces qui se sont effacés pour de bon (« Outcome »). Les maisons vacantes et les porches d’entrée deviennent des images photographiques vides imprimées dans son esprit, mais Courtney est tout de même heureux de les regarder en arrière.

Courtney a fait appel à l’aide du producteur et ingénieur Rob Schnapf (Elliott Smith, Tokyo Police Club, Kurt Vile) pour améliorer ces chansons, qu’ils imprègnent d’une intimité chaleureuse semblable à celle du travail du producteur avec le regretté Smith. Schnapf traite sans effort les arrangements simples que Courtney a écrits, certains des plus forts que Courtney ait écrits depuis son LP de 2017 avec Real Estate, In Mind. Une chaleur domestique et langoureuse rayonne à travers les arpèges majestueux de « Shoes », se terminant par un ton de clavier doux et resplendissant qui persiste longtemps après sa fin. L’imagerie vivante de Merlin résonne encore plus lorsqu’elle est associée à ses guitares scintillantes, qui dérivent vers une coda sublime comparable aux moments les plus délicieusement sinueux de « Days ».

Même dans ses moments les plus tapageurs, comme sur l’amicale fuzz de « Sailboat », Courtney adopte une méthode similaire à celle du trio du New Jersey Yo La Tengo : augmenter la distorsion sans perdre son centre. Il fait ce qui sert le mieux la chanson au lieu de trop la sculpter au point qu’elle perde sa raison d’être, comme il le dit avec justesse sur l’un des morceaux phares de In Mind. Courtney pourrait donner l’impression qu’il cherche à faire passer le temps avec Magic Signs par un effort mineur, un palliatif avant de passer à un projet relativement plus ambitieux. Mais il ne pourrait pas être plus dans son élément, passant d’un point de vue à l’autre alors qu’il retrouve son émerveillement de jeunesse – et, vraiment, le fait d’y arriver n’est-il pas une tâche en soi ?

***1/2


Foals: « Life Is Yours »

11 juillet 2022

Ce groupe d’Oxford, au Royaume-Uni, a connu des changements épiques au cours des trois dernières années. Au cours de cette période, le groupe a connu des hauts enivrants et des bas douloureux. La sortie en 2019 de l’album en deux parties Everything Not Saved Will Be Lost a atteint la première place des charts, soutenue par une tournée au succès retentissant, offrant au groupe une expérience au sommet.

Foals a perdu deux de ses membres fondateurs, qui ont tous deux démissionné du groupe. En 2018, le bassiste Walter Gervers l’a quitté pour fonder une famille et le claviériste Edwin Congreave pour terminer ses études d’économie. Les résultats de ces changements ont montré un groupe continuant en tant que trio pour se resserrer sur leurs constructions musicales.

Foals continue à travailler sur le prochain album, sans savoir si ou quand ils pourront partir en tournée pour soutenir leurs efforts. Le groupe sort Life Is Yours, son septième album studio, une célébration triomphante de l’affirmation de la vie alors que le monde émerge du confinement L’album est rempli de musique enjouée qui incite l’auditeur à danser avec lui.

Sur Life Is Yours, en effet, Foals propose un amalgame de musique ensoleillée, motorisée, influencée par la disco et la house, combinée au son qui lui est propre, fait de guitares entraînantes et de synthés math rock. Le groupe est tourné vers l’avenir mais fait référence à ses premiers albums, Antidotes et Total Life Forever. Le changement de composition semble permettre au groupe de trouver une nouvelle façon de s’exprimer. L’ambiance lourde de leur dernier album studio, Everything Not Saved Will Be Lost, est relevée par une glorieuse fête pop comme seul Foals peut en présenter.

Le groupe ne laisse aucun doute sur le fait qu’il s’agit d’une affaire de fête avec la sélection éponyme d’ouverture, « Life is Yours », qui éclate avec un punch pop alors que leur sonorité de guitare distinctive prend le devant de la scène, rassurant les fidèles de Foals que les éléments qui les ont rendus si séduisants sont toujours présents. Ils déclarent qu’il est temps de laisser la pandémie derrière nous, en utilisant une basse funky addictive pour créer une grande chanson d’été qui explosera en live.

Le groupe continue comme il a commencé avec « Wake Me Up », un autre morceau plein d’énergie qui s’intègre parfaitement à l’ouverture. La chanson nous demande de venir danser avec eux dans les rues alors que les lockdowns ne sont plus qu’un souvenir. Le refrain est une panacée pour les deux dernières années d’angoisse. « 2 am » ralentit l’euphorie en se penchant sur les changements dans les relations. C’est ici en particulier, mais aussi tout au long de l’album, que les membres restants du groupe semblent montrer une certaine nostalgie face au départ de leurs amis et camarades.

« 2001 » offre des basses disco très dansantes en vantant les mérites de l’été, « Blue tongues and candy floss ». Encore une fois, ce mariage brillant de sonorités de l’album Total Life Forever de Foals mélangées à des éléments pop et disco produit un morceau gagnant. « Flutter » revient à l’époque du math rock du groupe, en ajoutant le chant de fausset du chanteur Yannis Philippakis pour créer un autre morceau exceptionnel. « Looking High » est un de nos préférés. La belle structure de la chomposition permet un sentiment de tourbillon sans jamais perdre le rythme de la danse. Les paroles de la chanson l’empêchent d’être trop légère, car le narrateur semble chercher haut et bas la vie d’avant l’enfermement. Le morceau continue de se construire jusqu’à un final explosif qui est un classique de Foals.

« Under the Radar » est un morceau rempli d’éléments post-punk et new-wave, à l’image de Devo et des Talking Heads. « Crest of the Wave » passe à une ambiance mélancolique au fur et à mesure que ce morceau flottant et doux se déroule. Ici, la voix de Philippakis prend le devant de la scène et la chanson offre une nostalgie ensoleillée teintée d’écume avec des paroles presque lugubres : « I’ll always be waiting for the crest of the wave » (J’attendrai toujours la crête de la vague). « The Sound » est l’œuvre de Foals, qui nous offre un fantastique morceau de blue-eyed soul. La batterie, la basse funky et les claviers inflexibles délivrent un punch franc. Le dernier morceau, « Wild Green », est une combinaison envoûtante de motorik et de techno. L’énergie et la complexité de cette sélection sont remarquables : l’élan monte et monte jusqu’à une explosion dramatique, tandis que la guitare caractéristique de Foals guide à travers la cacophonie, puis le néant.

Life Is Yours est un ajout digne de ce nom à la discographie de Foals et plaira aux fans qui se délecteront de la qualité de cet album. Peu de groupes ont pu encaisser le choc de la perte de deux membres fondateurs et ne pas flancher un peu sur un nouvel album. Les membres restants ont pris les pertes à bras le corps, développant une nouvelle façon de s’exprimer sans perdre le noyau central de ce qui les a toujours rendus si séduisants.

Leur objectif avec Life Is Yours était de célébrer le réveil du monde, et ils y sont parvenus. Alors que le monde se réveille du cauchemar de la pandémie, nombreux sont ceux qui apprécient les groupes qui reconnaissent cette pandémie et qui s’en éloignent. Avec Life is Yours, Foals célèbre sans détour son retour à la musique.

Le combo , une fois de plus,ne déçoit jamais avec des sorties brillantes qui font que les auditeurs attendent avec impatience leurs prochaines offres et, à cet égard, Life Is Yours porte la marque d’un nouvel et excellent un album de nos natifs d’Oxford.

***1/2