Thee Holy Brothers: « My Name Is Sparkle »

25 novembre 2020

Thee Holy Brothers, l’auteur-compositeur-interprète Marvin Etzion (alias « Buddy Holy ») et le chanteur/multi-instrumentiste Willie Aron (alias « Johnny B. Holy » » ont conçu un premier album profondément convaincant. L’auteur-compositeur américain Paul Zollo, rédacteur en chef, a décrit la chanson titre de l’album comme « un miracle de la chanson », avant de poursuivre en s’enthousiasmant : « C’est un travail sérieux d’écriture et d’enregistrement, mais non sans une bonne dose d’humour sacré ».

À ce propos, il explque sueMy Name Is Sparkle est une expérience ambitieuse qui intègre le laïque et spirituel, l’histoire d’un personnage androgyne nommé Sparkle qui est à la recherche de Dieu. L’album est une pièce en deux actes et sur le format numérique dans lequel nous incluons le morceau de clôture original  « The End
of Suffering » pour laquelle Paul Buckmaster s’était chargé de l’écriture estinée à être interprétée en quartet. Malheureusement, cela n’a pas eu lieu, mais l’album en soi
a deux pistes incluses dans la version numérique.

Sparkle se rend à Jérusalem, la capitale spirituelle du monde, pour retrouver Elvis., il envisage le suicide, mais finit par poursuivre sa quête.

Dans une chanson clé, « If God Let Go », Sparkle pose la question ultime de l’oeuvre : « Que se passerait-il… si Dieu lâchait tout ? Est-ce que tout s’effondrerait ? Serait-il toujours sombre ? » (what would happen…if God let go of everything? Would it all fall apart? Would it always be dark?) Dans un monde déconnecté mais tout autant dur un mode qui n’est pas virtuel, les questions posées par Sparkle sont plus pertinentes que jamais.

Ce drnier conclut son voyage en chantant « si c’est toi Dieu, continue de m’écraser » (if it is you God, keep crushing me ) sur le titre « Keep Crushing Me ». C’est peut-être là que nous en sommes dans notre voyage en tant que race humaine, car des centaines de milliers de personnes meurent sans cause, par exemple le COVID dont l’origine peut être aussi bien une erreur humaine qu’une intervention divine qui nous oblige à nous fermer et à reconsidérer notre façon d’avancer vers le 22e siècle ?

À la fin de la ce qui peut être considéré comme une pièce, Sparkle est en paix, sachant que « la fin de la souffrance est dans votre cœur » (he end of suffering is in your heart.). Aussi difficile que la vie puisse être, Sparkle choisit de vivre, choix que chacun chacun de nous fera ; vivre tant que nous sommes en vie.

Auteur de la musique, James Gadson (Marvin Gaye, Bill Withers, Beck) est le batteur. James Gadson a été produit par Jeff Peters (Beach Jeff Peters Boys) et masterisé par Sean Magee (The Beatles) aux studios Abbey Road.

La critique musicale du Coachella Valley Weekly, Eleni P. Austi Coachella Valley Weekly n déclare : « Thee Holy Brothers ont façonné un album impressionnant et ambitieux qui fait véritablement écho à des pierres de touche dévotionnelles comme All Things Must Pass de George Harrison et Who Came First de Pete Townshend ».

« Chaque fois que nous chantons ces chansons ensemble, c’est comme si une autre voix que nous deux entrait en scène – presque comme si une troisième entité émergeait », dit Etzion.Ce sur quoi Willie Aron ajoute : « Nous sommes vraiment attirés par la puissance et l’intimité de nos deux voix, car elles sont le véhicule idéal pour la nature ardente de ces chansons. »

Marvin et Willie se sont rencontrés il y a plusieurs décennies chez Aron’s Records à Los Angeles, lorsque Willie était lycéen et que Marvin travaillait derrière le comptoir comme vendeur. Une admiration mutuelle pour les Who les a liés. En l’espace de quelques ans, Marvin a été co-fondateur des pionniers du cowpunk Lone Justice, tandis que Willie a été un membre fondateur de l’innovateur folk￾rock The Balancing Act.

Marvin est un chanteur, un auteur-compositeur et un producteur de disques nommé aux Grammy Awards. Il a collaboré avec des artistes emblématiques tels que Counting Crows, Peter Case, Voice of the Beehive, et bien d’autres.

Willie est devenu un compositeur primé de films et d’émissions de télévision et est un musicien/producteur de session pour des artistes tels que Victoria Williams, Syd Straw, Peter Himmelman et Rickie Lee Jones. Willie fait le portrait d’un membre du célèbre équipage de démolition dans le biopic Love and Mercy sur le fondateur des Beach Boys, Brian Wilson. Marvin et Willie n’ont jamais vraiment envisagé d’enregistrer un album ensemble jusqu’à ce que leur rabbin les appelle Thee Holy Brothers lors d’un service au temple.

« The » a été remplacé par « Thee »,et les répétitions ont rapidement suivi. Lors de leur premier spectacle, Thee Holy Brothers a reçu de grands encouragements le soutien de nul autre que Leonard Cohen, leur ami et collègue du temple Leonard Cohen. Marvin et Willie ont testé de nombreuses chansons de l’album dans les clubs de L.A. Ils ont également joué dans des endroits très convoités au Calgary Folk Festival au Canada. Le Calgary Herald a écrit : « Thee Holy Brothers… [était] l’un des plus beaux cadeaux du festival. »Après une gestation prolongée de plusieurs années, en raison de la double tragédie de la perte d’une famille et d’une grave maladie, My Name Is Sparkle est enfin de sortie, un « enfin » qui est marque de soulagement.

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Donovan Woods: « Without People »

25 novembre 2020

Le septième album studio de l’auteur-compositeur-interprète canadien Donovan Wood renforce la capacité de l’artiste à chevaucher sans effort les genres folk, country et indie tout en continuant à livrer des chansons marquées par son style d’écriture intime et discret.

Le disque se concentre principalement sur la fin d’une relation et sur le chagrin d’amour et la rétrospection qui accompagnent une telle transition. Cependant, le titre de l’album, Without People, et la méthode par laquelle il a été créé – des enregistrements envoyés d’un bout à l’autre du pays entre divers musiciens qui n’ont jamais pu travailler ensemble en personne – invitent à lire le disque comme un reflet de la douleur, de la perte et des regrets qui marquent aussi la vie en quarantaine.

La manipulation de l’échelle par Woods est au centre de l’attention sonore tout au long du disque. L’album s’ouvre sur un morceau de violon sombre et dramatique, évoquant une grandeur qui est rapidement mise en contraste avec l’une des chansons les plus intimes et les plus dépouillées de l’album, « Last Time I Saw You ». Les deux morceaux sont placés devant le son de la conversation, donnant l’impression inquiétante que tant la grande performance que les moments intimes sont discutés, écartés, ignorés.

L’album se tourne ensuite vers le douceâtre « Seeing Other People », qui, avec « We Used To », « Grew Apart »et « Whole Way Home », donne un aperçu détaillé des moments spécifiques de la relation défaillante. Plusieurs titres ont des accroches d’une ligne autour desquelles les chansons sont construites, cette chanson étant « J‘étais d’accord pour que tu vois d’autres personnes, jusqu’à ce que je vois d’autres personnes te voir» (I was okay with you seeing other people, until I saw other people seeing you).

« We Used To » amènera le début plus lent de l’album à un endroit plus joyeux, presque opiacé, servi par des percussions créatives et un synthé. Le premier des deux duos de l’album, « She Waits for Me to Come Back Down » avec Katie Pruitt, met ensuite en évidence le timbre de voix sombre et riche de Woods. Les chansons plus énergiques s’atténuent après « Grew Apart »» le morceau qui met le plus clairement en évidence l’influence country de Woods.

L’album se terminera avec « Whatever Keeps You Going », une chanson à l’histoire avec des vignettes de différents personnages qui se débattent. Après un album marqué par l’accent mis sur le passé, c’est la première fois que Woods donne un message sur sa vision de l’avenir. Il n’évoque pas un espoir soudain, mais plutôt le fait que nous devons faire ce que nous pouvons pour nous en sortir.

Without People est un disque accrocheur, bien que simpliste, qui tient compte du passé et de notre isolement actuel. La richesse de la production et des arrangements de l’album donne à ces chansons folkloriques une tournure moderne et fait de l’album l’un des plus convaincants de Wood à ce jour.

***1/2


Lambchop: « TRIP »

24 novembre 2020

L’année dernière, Kurt Wagner de Lambchop a eu une idée : pour tenter de « se retirer autant que possible du processus et du contenu », il a invité son groupe à Nashville, a demandé à chacun d’eux de choisir une chanson à reprendre et leur a demandé de diriger le processus d’enregistrement ce jour-là. Le résultat se nommeTRIP.

Le titre d’ouverture, une version de « Reservations » de Wilco, est un morceau de quatre minutes et demie de chant au prasé vocal joyeux, de charmes sonores et de piano apaisant. Le problème, c’est que la chanson dure treize minutes. Les huit minutes et demie restantes sont consacrées à une petite jam session. Si peu, en fait, qu’en une seule écoute, on oublietrès vite quel disque on écoute, ce qui a au moins fait de la deuxième piste une agréable surprise.

Après cela, et une fois que vous avez adhéré au concept de ce nouvel album, le disque prend un peu plus de forme. Les chansons choisies n’ont pas seulement été tirées de l’ombre, mais elles ont été délicatement choisies par chaque membre du groupe. Les raisons invoquées vont du fait d’avoir « la bonne dose de pitié, de malchance et de rédemption pour une bonne reprise de Lambchop » (« Where Grass Won’t Grow » de Earl « Peanut » Montgomery) au fait de vouloir choisir une chanson d’amour sincère, une chance de montrer la tendresse que nous avons appris à connaître chezWagner (« Golden Lady » – Stevie Wonder). Et cette gamme d’émotions est présente tout au long de l’album, le tout avec la signature sonore de Lambchop.

À plusieurs reprises, ce son a noyé l’atmosphère joyeuse des originaux, en particulier les tubes allègres et mélancoliques « Golden Lady » et « Love is Here and Now You’re Gone » »(les parties parlées de ce dernier prenant une forme assez sinistre, presque menaçante plutôt que pleine de remords). Cette joie est parfois remplacée par un peu de d’eaxaltaion, mais cela peut être pardonné. Après tout, c’est la nature d’une reprise : prenez quelque chose de vieux et rafraîchissez-le, changez-le pour l’adapter à vos besoins.

C’est ce que Kurt Wagner voulait lorsqu’il a évité une tournée et a réuni son groupe pour faire TRIP, et, pour le meilleur ou pour le pire, c’est ce qu’il a réalisé.

***1/2


Babeheaven: « Home For Now »

24 novembre 2020

Plus de quatre ans après avoir présenté un premier projet musical plein d’âme et flirtant entre trip-hop et dream-pop sous la forme du « single »  « Friday Sky », Babeheaven nous présente enfin un « debut album »,Home For Now,foncièrement honnête et personnel.

Après avoir vu leur tournée américaine reportée au début de l’année en raison de la pandémie de coronavirus, le duo de l’ouest de Londres, composé de Nancy Andersen au chant et de Jamie Travis aux instruments et à la production, s’est recentré et s’est retrouvé à consacrer son énergie à l’enregistrement et au perfectionnement de son premier album très attendu. Après nous avoir taquinés avec des « singles » tels que « Craziest Things » et « Cassette Beat » pendant l’été et l’automne, le duo a continué à nous présenter une palette musicale à la fois variée et cohérente dont le but avoué était de nous tenir en haleine

Bien qu’il ait été terminé à un moment où beaucoup d’entre nous étaient plus ou moins confinés chez eux dans un avenir prévisible, Home For Now n’est pas, selon les propres termes de Nancy Andersen, « un album entier sur le fait que nous sommes restés coincés à l’intérieur pendant quatre mois ». Ayant été conçu pour quatre ans plutôt que pour quatre mois, l’album est très vivant et peut être décrit comme un patchwork des relations, bonnes ou mauvaises, qui sont entrées, ont accompagné, sont sorties et ont façonné la vie de Nancy Andersen et de Jamie Travis.

Les cordes d’introduction du morceau d’ouverture « November » peignent des couches qui capturent l’auditeur dans un paysage sonore chaleureux et accueillant. Le morceau, initialement sorti en 2019 sur le EP Circles du duo, semblera familier aux fans, mais accueillera aussi avec gentillesse toute personne qui pourrait se mettre en travers de son chemin. Poursuivant le voyage musical avec « Human Nature », une chanson sur les luttes personnelles de Nancy Andersen avec la comparaison Instagram, vient l’introduction de la combinaison caractéristique du groupe de battements de batterie doux mais proéminents, de guitares mélodiques et de voix brumeuses. Combiné à des thèmes lyriques francs et réfléchis du début à la fin de l’album, Home For Now est un équilibre parfait, tant au niveau des paroles que de la sonorité, entre le personnel et la relation.

L’album se poursuit d’une manière qui donne l’impression de flotter à travers des couches de coton pelucheux, il vous fait avancer et reculer doucement et vous berce parfois d’un côté à l’autre. Les 14 titres qui composent l’album s’assemblent et se fondent les uns dans les autres, avec des éléments contrastants d’une clarté pure qui brillent parfois, comme les harmonies vocales du titre « How Deep (Love) » ou la production optimiste Massive Attack sur « Jalisco ».

En ces temps de turbulence et d’incertitude, le premier album de Babeheaven, Home For Now, offre un sentiment de calme et de chaleur bien nécessaire. Le groupe a déclaré qu’il « voulait vraiment que l’auditeur puisse ressentir le monde qui l’entoure, même s’il n’était que dans son salon », et en écoutant le disque au travers de haut-parleurs, on ne peut que souligner que la missions est accomple.

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Scaphoid: « Absent Passages »

24 novembre 2020

Absent Passages de Scaphoidest un album intéressant et impressionnant – d’autant plus que c’est un projet solo arrangé pour un groupe complet avec son créateur Matt Hobart y jouant chaque note. 

De ce fait, la plupart des observations auxquelles on peut se risquer sont de nature critique ou technique. Bin qu’il soit manifestement un travail d’amour, l’album me semble plus être une vitrine : un morceau d’artisanat, plutôt qu’une œuvre d’art. Les compositions n’ont pas l’air d’être un jaillissement d’émotion ou d’expression ; elles sont comme une lettre d’amour à l’artisanat de la chanson et à l’exposition instrumentale. L’album sonne comme des compositions créées par un ordinateur qui a analysé tout le « metal prog », puis a généré de la musique originale de façon algorithmique. 

En fin de compte, cela ne nous atteint pas sur le plan émotionnel – ce qui, bien sûr, est une chose personnelle. Onpeut,à cet égard, ressentir le même manque de connexion avec Bach, Mozart et tant de jazz, qui touchent évidemment les autres profondément mais en laissent d’autres froid.

L’absence de voix dans l’arrangement de Scaphoïde en est en grande partie responsable. Certains groupes instrumentaux sont remarquables, en particulier Russian Circles, mais les chansons d’Absent Passages tombent souvent dans ce qui ressemble à un couplet sans voix. Dans ces moments-là, il va manque une caccroche ou une ligne mélodique pour faire avancer la musique et jon ne peut que continuer à vouloir combler de telles lacunes. 

Comme il s’agit d’un album autoproduit qui fait écho au meilleur du prog metal, cet album évoque Probot [le projet solo de Dave Grohl qui réunit la crème des chanteurs de metal] – il nous semble même être une démo qui attend les apparitions des chanteurs d’Opeth, Demons and Wizards, Oceansize et Tool.

D’un point de vue technique, il y a beaucoup à admirer dans ce caractère des sons qui offre un mélange bien équilibré et séparé. Cependant, on dirait que les guitares ont été branchées directement sur l’ordinateur et que la batterie a été jouée sur une batterie électronique, ainsi que sur une piste à cliquer… on croirait même que cet album a été fait à la fois sur et pour casque. Cela laisse le son plat et défaillant, bien qu’une piste en particulier, « Coldness of Clarity », possède une plus grande chaleur en raison du piano et de la guitare acoustique qui sous-tendent la piste. 

Absent Passages ne respire pas et il y manque le son des grands haut-parleurs qui déplacent beaucoup d’air et des tambours qui sont frappés et écrasés… tout cela semble distant, sobre, détaché et clinique ; cela ne sonne pas du tout fort ou physique ou en colère, ce que le métal devrait vraiment, vraiment faire. 

On a pu dire de Van Halen qu’il n’a pas utilisé ses compétences pour déchiqueter sans réfléchir – il a écrit d’énormes chansons pop, et a fait tomber une nouvelle génération amoureuse de la guitare électrique – cela résume vraiment tout ce dont est dépourvu Scaphoid – pas tellement la pop, mais tout ce qui est viscéral at permet à une chanson de nous saisir et nous obliger en nous excitant.

Je ne veux pasIl ne faut, toutefoias, pas sous-estimercet opus ; il est,techniquement, excellent, admirable et stimulant de ce point de vue – mais, hormis cela, il ne va pas plus loin.

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MJ Guider: « Sour Cherry Bell »

24 novembre 2020

Sour Cherry Bell est le deuxième opus de l’artiste Melissa Guion, basée à la Nouvelle-Orléans, qui publie sa musique sous le nom de MJ Guider etnavique principalement dans un ambient qui n’est pas de la musique ambient stricto sensu. Pour cela, Guion utilise des textures électroniques très élaborées, souvent imprégnées d’une épaisse réverbération en forme de mélasse, pour créer des paysages sonores lunatiques et évocateurs. Il existe des sons de tambours synthétiques, mais ce n’est certainement pas de la musique de danse. Les séquences d’accords laviques chargées d’émotion rappellent la musique gothique des années 1980 et peut-être le shoegaze qui lui a succédé, mais c’est une musique qui n’entre dans aucune catégorie. Beaucoup de mondes sonores ont une chaleur luxuriante qui leur confère une qualité méditative, mais il y a aussi un élément de tension troublant, comme si la dissonance et l’harmonie étaient en compétition l’une avec l’autre. La voix de Guion est tendre et gracieuse et avec elle, elle tisse des mélodies fluides. Mais la voix est souvent intentionnellement distante – enfouie dans le mélange et dissimulée par de longues queues de réverbération. On a l’impression que Guion a intentionnellement créé une situation où des éléments opposés se disputent la domination. Ces chansons auraient pu être présentées dans un pack indie adapté à la radio, mais au lieu de cela, les mélodies et les paroles ne font que lever la tête au-dessus des murs de bruit qui les entourent. Il faut de l’audace et du courage pour tenter ce genre d’approche qui fait fi de tant de règles admises en matière de composition et de production musicale. Il semble que Guion ait repoussé les limites de sa créativité et de ses outils : « J’étais curieuse de voir jusqu’où je pouvais aller avec eux, même si cela signifiait atteindre les limites de leur capacité à faire ce que je voulais ».

La stratégie de Sour Cherry Bell telle que décrite ci-dessus aurait pu aboutir à un désastre. Heureusement, elle réussit. Cela ne veut pas dire que cet album est facile à écouter. Il demande à l’auditeur de s’immerger dans les mondes sonores d’ici. La récompense pour avoir consacré toute son attention à ce disque est que les myriades de couches des chansons sont progressivement et glorieusement révélées. Sous les sculptures sonores parfois cacophoniques et chaotiques se cachent des chansons mélancoliques et fragiles qui tirent sur les cordes sensibles. La présentation de ces chansons très humaines, juste hors de portée derrière le brouillard morne et dense de l’électronique expérimentale, signifie que nous avons ici un album qui ne ressemble vraiment à rien d’autre.

Le disque est probablement le plus écouté dans son ensemble, mais il y a néanmoins plusieurs moments marquants. L’ « opener » « Lowlight » combine de manière experte des sons de synthétiseurs menaçants avec uneaccroche vocale mémorable. « FM Secure » présente de glorieuses harmonies vocales bizarres enfouies sous le poids des beats industriels et des frappés d’outre-mer. « Simulus », avec ses rythmes robotiques et ses drones tribaux, atteint l’équilibre parfait entre le désespoir absolu et l’euphorie joyeuse. « Sourbell » est, quant à lui, plein de mélodies pop délicieusement accrocheuses qui s’opposent de façon spectaculaire à l’orchestration cathartiquement misérable.

Avec Sour Cherry Bell, MJ Guider embrasse la contradiction et le contrepoint. Elle évite la commercialisation mais crée de merveilleuses mélodies pop ; elle permet à l’humanité de sa voix et de ses chansons d’être pratiquement noyée dans une production électronique brutale. Le résultat ne plaira pas à tout le monde et les nuances de cet album mettront un certain temps – et des écoutes répétées – à s’apprécier. Cela dit, les auditeurs qui connaissent bien les styles lourds et bruyants, mais qui apprécient aussi la beauté d’une écriture tendre et mélancolique, seront récompensés s’ils consacrent un peu de temps et d’attention à ce remarquable Sour Cherry Bell.

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Siavash Amini: « A Mimesis of Nothingness »

23 novembre 2020

A Mimesis of Nothingness est un dialogue ouvert entre Siavash Amini et Nooshin Shafiee. Et dans ce cas, les photographies de Shafiee s’unissent aux paysages sonores bruts et parfois éthérés d’Amini. Leur ville natale de Téhéran est devenue à la fois l’élément déclencheur et le point focal du disque, et A Mimesis of Nothingness mélange ainsi l’abstrait avec des séquences musicales non éditées et non censurées.

Les deux artistes se sont rencontrés à la galerie Emkan à Téhéran. À l’époque, la deuxième exposition personnelle de Shafiee était en cours, et dans la même galerie, Amini mettait en place l’espace d’art sonore, SEDA Projects. Traduisant les photographies, qui ont été décrites comme contenant « des situations éphémères et des humeurs mélancoliques », la musique d’Amini se promène et s’écarte dans d’autres dimensions que la sienne. Une fine ligne sépare le concret de l’abstrait et les faits du suggestif, et la musique, ainsi que les photographies de l’artiste acclamé, se déplacent d’abord dans un sens puis dans l’autre, en stéréo. Cela ne devrait pas surprendre, car ces dernières années, la musique d’Amini a été attirée comme un aimant vers l’exploration de la métaphysique, les différentes dimensions de l’espace, la projection acoustique et la conception sonore minimale ayant toutes été étudiées et poursuivies de manière approfondie. Amini se concentre sur l’expérience du lieu, tant du point de vue individuel que collectif, et sur la manière dont le subconscient influence et interprète ces expériences et sensations physiques.

Dans ces deux aspects de leur travail, Téhéran n’a pas été modifié, édité ou moulé pour répondre à une vision artistique, et ils ne projettent rien de fantaisiste – en fait, c’est tout le contraire. Ils montrent le vrai Téhéran, non pas ce que les gens veulent que vous voyiez à travers le montage minutieux de la publicité ou du tourisme, mais des images réelles de la capitale iranienne. Aucune image utopique et irréaliste n’est en vue, et la musique n’en est que meilleure. Parfois en s’accrochant à des zones industrielles, et d’autres fois en arrivant à un mince bourdon fantomatique qui semble flotter vers le spirituel, la musique d’Amini ne retient rien. Dans « Moonless Garden », le son devient exotique et les enregistrements sur le terrain d’animaux sauvages aident à colorer la musique. « A Collective Floundering » crie comme du métal qui grince contre du métal, et le drone plus sombre donne l’impression d’une prise de contrôle hostile. La musique d’Amini est et a toujours été marquée par une grande intensité, et une force imparable est présente à l’intérieur de la musique, où un ton tranchant ou une mélodie vindicative n’est jamais loin. Direct et percutant, le disque parvient néanmoins à transcender son environnement, s’élevant jusqu’aux étoiles et revenant ensuite au niveau de la rue avec une harmonie grondante et vicieuse. Par le biais de la photographie et de la musique, Téhéran se révèle aux artistes et à un public mondial, faisant de la musique et des photographies une leçon d’authenticité. Vous pouvez faire confiance à Amini pour savoir délivrer ce qu’il entreprend, et c’est, ici, une autre sortie qui mérite d’être accueillie par des superlatifs.

****1/2


Molchat Doma: « Monument »

23 novembre 2020

Composé du frontman Egor Shkutko, du multi-instrumentiste Roman Komogortsev qui tourne à la guitare, aux synthés et à la batterie et enfin de Pavel Kozlov à la basse et aux synthés, Molchat Doma est un groupe new wave de Minsk. Leur son est complété par un chant fluide de Chouktko et un travail de synthétiseur idiosyncrasique façonné par Komogortsev et Kozlov.

Le vendredi 13 (sic!), le groupe a sorti son troisième album studio Monument sur le label Sacred Bones Records, nous y voyons Molchat Doma à son apogée, qui exploite au maximum ses tendances post-punk cryptiques dans les morceaux « Обречен / Obrechen », « Ответа Нет / Otveta Net » et le titre de conclusion « Любить и Выполнять / Lubit’ I Vypolnyat ».

Au cours des derniers mois, Molchat Doma a été acclamé par la critique avec « Судно (Борис Рыжий », septième titre de leur deuxième album studio Etazhi. Avec des millions de flux et des milliers de rediffusions sur le dernier album de Tiktok et Instagram, Molchat Doma a vraiment pris d’assaut l’Internet en dépit du (ou grâce au) COVID-19.

L’ouverture industrielle « Утонуть / Utonut » offre un aperçu du mystère qui s’ensuit tout au long de l’album. Les tendances post-punk mélangées à une électronique minimale tourbillonnent parmi les prestations du frontman et du chanteur Shkutko.

Tout au long de leur carrière, Molchat Doma a réussi à s’en sortir à maintes reprises grâce à ses compositions. Ils ont agrafé leur son de synth-pop alternative à la racine de leur musique et bien que chaque album leur donne une nouvelle direction, ils ne sont jamais très loin de leur son original.

Écrit et produit entièrement durant le premier confinement, Monumentse veut, et est, un projet impressionnant qui traverse l’une des périodes les plus turbulentes de ces deux dernières décennies. Et c’est un autre album, parmi tant d’autres, qui sortira cette année, suite à des mois passés loin des concerts.

Le titre « « Дискотека / Discoteque » est plein de sève, il est énergique, et parsemé de synthétiseurs chaotiques au service d’un refrain accrocheur. Alors que la plupart des morceaux de l’album sont des clins d’œil aux tendances électroniques, ce morceau est assez flottant dès le départ et il se singularisera pour, peut-être, préfigurer vers où Molchat Doma s’orientera.

Le septième titre, « Удалил Твой Номер / Udalil Tvoy Nomer », pourrait être, lui, le parfait complément d’une soirée de bal des années 80. C’est avec les oscillations de basse proéminentes et le travail de clé perçant que vous pouvez vous imaginer les boules de disco scintillantes, les mains s’agrippant au dans un environnement rouge et peuplé d’une foule hirsute. À cet titre, s‘il est une chose que Molchat Doma peut faire, c’est de créer une image vibrante avec leur son, une piste à l’intérieur et, soudain, cette capacité à propulser votre esprit ailleurs.

De bien des façons, Monument résume tout ce que Molchat Doma a à offrir : des influences de Kraftwerk et The Cure pour exsuder un climat décadent, frénatique etcaptivant.

***1/2


Sam Smith: « Love Goes »

23 novembre 2020

Sam Smith a toujours cherché à être un grand chanteur. L’artiste anglais n’est pas quelqu’un à mettre au pied du mur – citant Gaga et Whitney comme influences clés, leurs performances sont animées d’un certain type de mélodrame que l’on trouve rarement dans la musique pop moderne. Mais leur travail a parfois été critiqué pour son manque d’urbanité, son déficit d’originalité, son côté trop grège, en fait, et c’est cette dichotomie – entre l’extraordinaire et l’impitoyable – qui marque le troisième album Love Goes.

Dans la perspective de la sortie tardive – Love Goes devait initialement sortir plus tôt cette année, et avec un titre différent – Sam Smith a été ouvert sur ses motivations pour le disque. C’est un album qui brise le cœur, a-t-il été assuré aux fans, dans le sens le plus classique du terme. Avec 17 titres, c’est un disque qui analyse les éclats d’un cœur brisé sous une multitude d’angles – parfois il frappe avec une sauvagerie unique, mais parfois il s’évanouit dans le néant.

Mais d’abord, les hauts. « So Seriou » » est une chanson merveilleusement réussie, tandis que les accords qui accompagnent « Forgive Myself » offrent un sentiment gracieux d’affirmation de soi qui refroidit le public, si et quand il revient. « Dancing With A Stranger », digne de figurer dans le Top 10, est toujours un moment pop captivant et fait partie d’un ensemble de morceaux soigneusement manipulés et habilement mis en scène.

L’afrobeat n’est pas exactement un genre pour lequel Sam Smith est connu, mais le pivot façon Burna Boy sur « My Oasis » fait monter l’énergie à un moment clé de l’arc de l’album. L’apparition de Labrinth sur la chanson titre est cependant un peu plate, tandis que la puissance de Demi Lovato sur « I’m Ready » est atténuée par quelques moments d’écriture peu brillants.

C’est donc cette incohérence qui entrave Love Goes ; retardé en raison de la pandémie – son titre initial a été jugé inapproprié par Sam Smith – on a l’impression qu’ils ont eu un peu trop de temps, un peu trop d’espace pendant le processus de création. Un discours épique en plein cœur et ce qui vient après, il peine à maintenir l’élan, un record où de longues sections en perte de vitesse sont bloquées par une poignée de moments pop, certes exemplaires.

Dans le cas de Sam Smith, ils ont rarement mieux chanté – il suffit de faire attention à ces trilles pirouettes sur la chanson titre ou aux tripes qui sous-tendent « Fire On Fire » par exemple. Le matériel est évidemment personnel, mais d’une manière curieusement contradictoire, Smith ne parvient pas toujours à faire passer le message – il y a une certaine timidité émotionnelle qui empêche « For The Lover That I Lost », par exemple, de vraiment percer.

En fin de compte, quand Love Goes est bon, il peut être très, très bon. Un disque qu’il serait bon de rogner un peu, mais il est presque tripoté par sa propre honnêteté. Sur cet opus, Sam Smith a produit un retour imparfait mais décent qui reflète l’introspection de cette année étrange et difficile.

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Tim Minchin: « Apart Together »

23 novembre 2020

Quel était votre film préféré quand vous étiez enfant ? Avez-vous chanté chaque mot lorsque la comédie musicale est apparue ? Qui ne l’a pas fait ? et, à cet égard, nous devons remercier Tim Minchin pour cela. Roi de l’écriture musicale, Minchin a décidé de sortir de sa zone de confort et de sortir son premier album pop solo. Il a peut-être vendu le Royal Albert Hall, mais peut-il vendre son nouveau disque ?

Apart Together est un album qui restera certainement dans le cœur de Minchin, avec de nombreuses références personnelles et des histoires tirées de ses expériences de vie. Il n’y a pas de personnages derrière lesquels se cacher et les paroles de ses récits expliqueront certainement chaque centimètre de ses pensées.

Beaucoup de ces morceaux sont raisonnablement longs pour des chansons pop, la plupart d’entre eux allant de 4 à 6 minutes. Cependant, vous pouvez entendre les capacités musicales de Mangin dans chacune d’entre elles car l’orchestration produit une atmosphère qui ne peut être imaginée qu’en direct et crée des souvenirs édifiants qui non seulement empêchent la possibilité d’une trop grande répétitivité causant l’ennui mais vous emmènent dans un monde d’émerveillement.

On se surprend presque à se demander comment on a pu écouter une chanson de cinq minutes sans vérifier combien de temps il restait. « I’ll take Lonely Tonight » et « The Absence Of You « en sont deux exemples clairs, car ils commencent par de belles mélodies pour piano, à la fois mûres et simples, qui se transforment en de magnifiques chefs-d’œuvre d’atmosphère orchestrale. 

Malgré l’orchestration de ses instruments qui chantent magnifiquement tout au long de chaque morceau, sa force vocale n’est peut-être pas à la hauteur de ce que l’on attendrait. Avec une touche country unique, son falsetto dans « Leaving LA » et « If This Plane Goes Down » n’est pas exactement celui d’une personnalité comme Sam Smith. Cependant, la chanson « If The Plain Goes Down » elle-même détourne notre attention de ce sujet car elle vous fait vraiment réfléchir à la façon dont vous voulez que votre héritage vive après votre départ, en remettant en question votre moralité et la façon dont les gens vous perçoivent. 

Cet album n’est pas seulement rempli de grands instruments et de jolis accompagnements au piano, Minchin s’exprime parfois à travers des lignes de basse et de synthétiseur funky qui nous donnent une pause bien méritée et nous montrent comment s’amuser. « Talk Too Much », « Stayed Too Long » et « Airport Piano » font exactement cela, donc si vous voulez quelque chose qui vous fasse lever, alors ce sont certainement les chansons qui vous aideront. Même dans le morceau  « Apart Together », la ligne de trompette produit une aura douce pour nous. Il est toujours audacieux pour quelqu’un de sortir de sa zone de confort, mais Tim Minchin a prouvé une fois de plus qu’il est un touche-à-tout, zone de confort ou pas. 

***1/2