Nekromant: « Temple of Haal »

2 janvier 2022

 

Temple of Haal, le dernier album du trio de métal suédois Nekromant, se déroule comme la bande originale secrète du film Midsommar. C’est un beau morceau de musique, mais il manque de profondeur et d’originalité, tant au niveau des paroles que de la composition musicale. Souvent qualifié de Black Sabbath moderne, Nekromant imite le son classique du heavy metal sans y ajouter grand-chose d’autre qu’une valeur ajoutée de production.

Inspiré par Vargön, la ville natale du combo, Temple of Haal juxtapose le paysage suédois serein à une imagerie mythologique dure et désordonnée. Le guitariste Adam Lundqvist a déclaré dans une interview que le nom « Haal » dans le titre de l’album est une référence à Halleberg, l’une des montagnes jumelles de leur ville natale. Une version plus sinistre de Halleberg a été réimaginée pour la pochette de l’album.

Chaque composition de l’album est indépendante pourtant, et il ne semble pas y avoir de thème ou de concept global qui les relie entre elles, si ce n’est les divagations fantastiques de quelqu’un qui aurait trop regardé Le Seigneur des Anneaux. Cependant, les longs hivers sombres de la Suède semblent avoir donné à ce trio beaucoup de temps pour solidifier leur style musical. Leurs riffs sont déchiquetés sans effort, et leur son est étonnamment plein pour n’être composé que de trois personnes. Mais, conformément au genre, ils ont tendance à utiliser beaucoup de lignes répétitives, ce qui semble allonger des morceaux déjà longs comme « Olórin’s Song » et « King Serpent ». En conjonction avec leur utilisation d’un phrasé musical dynamique et peu changeant, il est facile de placer la majorité de Temple of Haal dans la catégorie « musique de fond ».

La chanson titre affiche leur style heavy metal dépassé. Elle offre ainsi un rythme régulier et expérimente avec un tempo coupé qui semble vouloir faire traîner la chanson au lieu d’y ajouter l’emphase voulue. Il n’y a aucune modulation ou variation mélodique, de sorte que la musique semble ne jamais arriver nulle part, restant constamment sur le même plan. La voix sonne un peu mince et tendue, surtout sur les notes lyriques du pont. Elle incorpore ensuite un solo de guitare prolongé pour rompre la monotonie de la conduite régulière, mais le cadre réel de la mélodie globale est assez standard. En bref, si ce morceau était plus court d’une minute, il serait peut-être plus facile à apprécier.

Le meilleur titre de cet album est « The Woods ». S’il était une émission de télévision, celle-ci mériterait sa propre série dérivée. C’est un morceau important, entraînant et qui se distingue du reste de l’album. Plus important encore, il comporte de nombreuses sections différenciées qui maintiennent l’attention de l’auditeur, ainsi que le chant en triolets facilement identifiable, « Lead me to my final haven, build me an altar of death » (Conduis-moi à mon dernier refuge, construis-moi un autel de la mort ), qui rallierait même le spectateur le plus détaché.

Nekromant a travaillé avec un nouveau label, Despotz Records, pour créer Temple of Haal. Le résultat en est une production plus pointue qui ne correspond pas tout à fait à leur style actuel. D’un point de vue positif, ce nouveau standard de production a une chance d’éloigner lentement Nekromant de son style heavy metal traditionnel et de poser les bases d’un son plus électronique, post-hardcore. Temple of Haal n’est pas un album exceptionnel, mais si l’on tient compte de la popularité du groupe et de sa présence positive sur les médias sociaux, il leur permet de se hisser au sommet de la liste des festivals. Il sera intéressant de voir ce qu’ils vont encore accomplir en collaboration avec Despotz Records. Le talent est là. Il est juste temps de l’explorer davantage. Espérons que Nekromant s’aventurera plus loin dans « The Wood » et en sortira prêt à exploiter tout son potentiel.

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Sturgill Simpson: « The Ballad of Dood & Juanita »

2 janvier 2022

À la lumière du parcours iconique américain, les cow-boys sont peut-être l’archétype le plus emblématique – et le plus insaisissable. Dans la tradition musicale, l’importance et la diversité incroyables du mode de vie des cow-boys sont dépeintes par des artistes comme Marty Robbins (Big Iron), George Strait (The Cowboy Rides Away) et James Taylor (Sweet Baby James). Aujourd’hui, avec The Ballad of Dood & Juanita, Sturgill Simpson y ajoute une nouvelle pierre.

Dans une récente interview, le magazinne Rolling Stone avait dépeint le Simpson contemporain comme une qu’elqun doté d’« identité indéniablement forte » un travailleur acharné et historique avec un côté rebelle. Sur Dood & Juanita, un album conceptuel censé être son dernier, Simpson fait porter des bottes similaires à son héros porteur de fusil et au reste de la distribution du conte. Grâce à une solide musicalité et à un contrôle de la narration, Simpson suscite l’investissement émotionnel et la connexion de ses auditeurs tout au long des 10 titres de l’album.

Le prologue du disque est une marche, semblable aux airs des corps de tambours de la guerre civile, qui place les auditeurs dans les collines du Kentucky en 1868. Les auditeurs entendent le cadre et l’intrigue et, comme dans la plupart des westerns, l’auteur va droit au but : il s’agit d’une histoire d’amour mettant en scène deux pionniers appalachiens mythiquement destinés et plus grands que nature.

Dood est le premier à faire l’objet d’une attention particulière, à la manière d’un conte de fées légendaire : il est le fils d’un mineur de montagne/ et d’une jeune fille Shawnee. Tout au long du premier morceau complet de l’album, Simpson et son groupe montrent leurs talents ; dès le début, l’introduction de guitare, violon et harmonica entraînés peint le héros sous un jour complexe. Lorsque la chanson commence à s’accélérer et à battre son plein près du refrain, les auditeurs se sentiront justifiés de considérer cette nouvelle version de l’histoire classique de l’Ouest sauvage. Pecos Bill tremblerait dans ses éperons en entendant parler d’une telle légende.

« One in the Saddle, One on the Ground », ballade amoureuse de Juanita, l’amante de Dood, est une chanson exemplaire de la prairie. Sur fond de banjo ralenti et d’harmonica surchargé, Simpson complique son histoire en révélant que Juanita a été faite prisonnière par des bandits. La chanson va de l’avant avec des vibrations typiques de l’action montante. Enfin, on fait connaissance avec les compagnons de Dood, son destrier Shamrock et son chien Sam, qui reçoivent tous deux leur dû dans leurs morceaux respectifs. Par exemple, dans « Shamrock », certains des choix musicaux les plus intéressants de l’album s’alignent sur l’amitié de Dood pour son cheval : les castagnettes claquent comme des battements de sabots rapides, tandis que la guimbarde et les brosses rapides de la caisse claire complètent les rythmes lyriques légers dans des lignes comme « Sure-footted as a billy goat/ With thirty-three-inch ears/ Clog dance on a snake with his front two feet/ And give the coyotes the rear » (un pied sûr comme un bouc/ avec des oreilles de 30 pouces/ il danse sur un serpent avec ses deux pieds avant/ et laisse les coyotes à l’arrière). Un beau solo en flat-picked laisse la place au reste du groupe, qui s’emploie à rendre facile l’échange de huit.

Sur « Played Out », Simpson est confronté à un autre dilemme classique du cow-boy : que doit faire notre héros lorsqu’il n’a nulle part où aller, lorsqu’il a des trous dans sa peau de daim et « une sensation de morsure qui commence à ronger » ? Eh bien, il doit enterrer son chien mort et aller de l’avant. L’imagerie de cette chanson est remarquable à travers la description par Dood du carnage physique exercé sur son corps et de celui de ses compagnons. Les thèmes de la solitude et de la douleur dans la chanson frappent profondément par le travail des effets de feu de camp, la conversation familière entre le banjo et le violon, et un écho expansif à la fin de chaque ligne. L’acte final d’enterrer son chien Sam semble métaphorique et encourage Dood dans sa quête de vengeance.

Si le morceau suivant, intitulé « Sam », fait un merveilleux travail de caractérisation et d’harmonies spirituelles, il amorce aussi un tournant introspectif dans l’album – un tournant qui s’éloigne de l’apothéose pour aboutir à une résolution pour le héros. L’avant-dernier morceau de l’album, intitulé « Juanita », est une magnifique chanson d’amour aux tons chauds du Sud-Ouest américain, d’où est originaire la captive Juanita. Avec un balancement et une démarche accompagnés de castagnettes et de guitare espagnole, Simpson chantonne des paroles comme « You are an ocean/ I am a grain of sand » (tu es un océan/je suis un grain de sable) pour montrer la dévotion de son héros à sa cause. L’interlude de « Juanita » consiste en des phrases délicates de la section des cordes, de l’harmonica et de la guitare.

Sur « Go in Peace », les auditeurs sautilleront en même temps que le banjo qui tourne, la marche de la basse qui voyage et cette fidèle guimbarde. C’est une chanson d’allégresse qui s’inscrit certainement plus dans la tradition bluegrass que le morceau conclusif « Ol’ Dood (Part II) ». Dans ce dernier morceau de l’album, Simpson revient à l’arrangement original de « Ol’ Dood (Part I) », bouclant la boucle en expliquant comment Dood a sauvé Juanita de son ravisseur Seamus – allant même jusqu’à suivre le coup de fusil qui scelle l’affaire.

L’album The Ballad of Dood & Juanita de Sturgill Simpson témoigne de la virtuosité et de l’authenticité esthétique de l’artiste de multiples façons, notamment par l’attention minutieuse qu’il porte aux détails lyriques et compositionnels. Alors que son cow-boy s’en va au soleil couchant et que Sturgill Simpson se prépare à jouer un rôle important à l’écran, il doit rêver profondément à sa prochaine aventure musicale.

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Stahlmann: « Quartz »

2 janvier 2022

En cet début d’année 2022, il est temps, peut-être, de mettre bas l’esprit des fêtes. Heureusement pour les fans de métal, Stahlmann a offert à sa base de fans un nouvel album intitulé Quarz, sorti le 10 décembre.

Basé à Göttingen, en Allemagne, Stahlmann (qui signifie « homme d’acier » en allemand) a fait son entrée sur la scène métal en 2008. Le groupe a sorti son premier EP Herzschlag seulement un an plus tard, en 2009, et a connu un succès immédiat puisque l’album est entré dans le top 20 du Deutsche Alternative Charts pendant quatre semaines. Stahlmann a signé avec AFM Records en 2010 et a ensuite sorti son premier album officiel, Stahlmann.

Le groupe s’identifie la à Neue Deutsche Härte, un sous-genre du métal qui se traduit par « nouvelle dureté allemande ». Clui-ci est influencé par la Neue Deutsche Welle, le métal alternatif et le groove avec des éléments d’électro-industriel et de techno – Rammstein en étant l’exemple le plus connu.

Stahlmann a connu sa part de succès et de reconnaissance au cours des 13 dernières années. Le groupe a tourné avec d’autres groupes du Neue Deutsche Härte comme Eisbrecher à travers l’Europe et a joué avec des artistes comme Doro, In Extremo et Saltatio Moris. Bien que le groupe ait reçu beaucoup d’attention positive, il a eu un roster inconsistant, passant par 14 membres jusqu’à présent. La formation actuelle se compose de Martin Soer au chant et à la programmation, Mario Sobotka à la guitare, Dimitrios Gatsios à la batterie et Eugen Getman à la basse.

Le chant de Martin Soer brille sur Quarz et complète parfaitement les instruments tout en ajoutant une touche techno à l’album. Ce mélange de métal et de techno lui confère une atmosphère futuriste, qui convient parfaitement à la nouvelle année qui s’annonce et à une période d’innovation.

Ce serait un euphémisme de dire que la meilleure partie de Quarz, ce sont ses instrumentaux. Chaque composition dans Quarz possède son propre feeling, et Stahlmann ne cesse de le renouveler. Certains morceaux comme « Gottmacschine » s’appuient davantage sur les guitares et les sons métalliques traditionnels, tandis que d’autres, comme « Herz und Tränen », ont comme support la basse et les influences techno.

Les titres les plus marquante de l’album sont « Wollust », « Herz und Tränen » et « Gottmaschine ». Chacune de ces chansons a son propre style pour se différencier les unes des autres. «  Wollust », par exemple, donne le coup d’envoi de l’album avec sa vitesse et sa dépendance à la batterie. « Herz und Tränen « , par contre, est une chanson plus vocale qui se concentre sur la techno, tandis que « Gottmaschine » s’appuie davantage sur ses guitares futuristes qui combinent les styles techno et métal. « Der Sturm » est également exceptionnel par sa capacité à s’intégrer dans les vibrations futuristes du disque, mais se distingue par ses instruments plus sombres et plus lourds, contrairement aux instruments plus légers du reste de l’album. « Sonnenreich » se singularise également par sa capacité à combiner des guitares et des batteries avec des rythmes techno qui donnent à la chanson une impression de modernité mais aussi de futurisme.

Dans l’ensemble, Quarz est un excellent ajout à la discographie de Stahlmann. Chaque titre véhicule son propre sentiment distinctif, complété par des voix et des rythmes forts. Les influences électro-industrielles et techno sont claires à travers les voix et les instruments, ce qui en fait un album peu ou prou atypique qui plaira non seulement aux fans de métal de longue date mais aussi aux nouveaux adeptes du genre pour son mélange de différents styles de musique.

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Nonfiction: « I Painted This One Blue »

1 janvier 2022

Le genre de rock alternatif sombre et lunatique perfectionné par Manchester Orchestra sur Mean Everything to Nothing a été imité maintes et maintes fois (souvent très bien !), mais rarement les acolytes ont cherché à se distinguer de cette formule. Le premier album de Nonfiction, Same Pain en 2019, pourrait bien être la meilleure prise de ce son depuis Mean Everything to Nothing une décennie plus tôt ; comme ces choses se passent souvent, le disque a reçu une attention critique minimale. Cette fois, cependant, Nonfiction a jeté le gant ; leur deuxième LP, I Painted This One Blue, tente de redéfinir leur son, en remplissant les coins avec des instruments folkloriques traditionnels des Appalaches – et le résultat est extrêmement réussi.

Les chansons rock les plus classiques de l’album, comme le titre d’ouverture « What Mr. Cogito Thinks About Hell » ou le « single » « No Shade », sont essentiellement des versions raffinées des chansons de Same Pain ; « Mr. Cogito », par exemple, est une transposition plus punchy et plus accrocheuse de leur son, qui met en valeur toute la palette vocale d’Evan King. Cependant, lorsque le sinistre « What Gnaws at Me » est sorti en « single », c’était la première indication que I Painted This One Blue allait donner une nouvelle direction au son de Nonfiction.

King a travaillé avec Conor Murphy de Foxing pendant la pandémie, et cela se ressent sur « What Gnaws at Me », King étant parfois le sosie exact du falsetto argenté de Murphy. La chanson serpente et rebondit à travers des couplets tendus avant que les cordes n’interviennent pendant le refrain pour étoffer le morceau et lui conférer une gravité inquiétante. Lorsque le tout s’effondre dans un pont post-hardcore, le violoncelle prend presque le dessus sur les guitares, créant une dissonance presque inconfortable entre les cordes arquées et les cris rauques de King ; c’est un bon avant-goût de ce que Nonfiction a dans sa manche sur le disque. D’autres titres tiennent cette promesse, comme « Your Arm. My Arm. Our Arm », qui sonnerait comme une chanson de Circa Survive si ce groupe s’installait dans la nature sauvage du Vermont pour écrire un album, ou le plus proche « Narrowsburg, NY », qui marie des rythmes de transe avec de la guitare en acier avant de laver le tout dans un pont psycho-rock, pour ensuite ramener le tout à la maison dans une magnifique coda folklorique qui ferait rougir John Ross de Wild Pink.

« LCL » et « Atacama » sont probablement les chompositions qui comblent le mieux le fossé entre l’ancien son du groupe et le présent ; la première, habillée de cordes et de banjo, conserve l’atmosphère sombre de Same Pain recadrée en ballade alt-country, et la seconde a une accroche qui éclate avec une steel guitar bluesy pour couper la morosité de ses couplets obsédants. Là où les deux excellent, c’est là où l’ensemble du disque excelle, dans sa capacité à mélanger de façon transparente la vibration et le ton du premier album du groupe avec une instrumentation hors des sentiers battus ; ce n’est pas une direction que l’on aurait pu prédire après Same Pain, mais c’est une direction qui, dans le contexte du nouvel album, semble parfaitement naturelle. C’est la preuve que le potentiel qu’ils ont montré sur leur premier album n’était pas un feu de paille, mais la marque d’un groupe qui, avec suffisamment de temps, créerait, sait-on jamais, un chef-d’œuvre. I Painted This One Blue pourrait être si ce n’est ledit chef-d’œuvre, une étape de plus vers la création d’un classique intemporel.

***1/2


Saint 44: « Blood on My Guitar »

1 janvier 2022

À l’époque de sa sortie en 2013, l’album Moving Mountains n’a pas fait grand bruit. Son ton sobre et plus endormi en faisait une sortie beaucoup moins immédiatement captivante que leurs précédentes sorties, et le groupe s’est séparé peu après. Dans les années qui ont suivi, l’influence de cet album est devenue évidente. Des groupes comme Overgrow, Seer Believer et Valleyheart se sont inspirés du cadre établi par Moving Mountains et ont expérimenté dans ces limites. Blood on My Guitar, le premier album de Saint 44, est probablement le groupe qui s’est le plus approché de ce son.

Blood on My Guitar n’est pourtant en aucun cas une copie de Moving Mountains ; pour commencer, le groupe de Ian Karoway a beaucoup plus en commun avec la musique traditionnelle des auteurs-compositeurs-interprètes qu’avec le post-rock automnal de Moving Mountains, mais l’influence se fait clairement sentir. C’est dans la voix de Karoway qu’elle est la plus évidente, adoptant un ton râpeux et haletant similaire à celui de Greg Dunn sur cet album, mais ailleurs, des chansons comme « A Bridge Elsewhere » et « The Orchid » s’épanouissent et se déploient d’une manière qui rappelle les crescendos majestueux de « Seasonal » ou « Eastern Leaves ».

Une grande partie du disque, cependant, s’inscrit dans le moule de l’auteur-compositeur-interprète, consistant en un peu plus de voix et de guitare. « Push & Pull » et « First Beach », qui constituent la pièce maîtresse de Blood on My Guitar, sont clairsemés et aériens ; ils ressemblent davantage aux premiers travaux de Noah Gundersen qu’à un projet de groupe. Le fait que les deux morceaux soient dos à dos aurait pu, sur un album plus long, provoquer un affaissement du disque dans sa partie centrale, mais pris en sandwich entre la conclusion explosive de « The Orchid » et le vif « Nail in the Coffin », le morceau le plus optimiste de Blood on My Guitar, ils ne font que donner un peu d’air.

Comme Moving Mountains, Blood on My Guitar peut être considéré comme un disque d’ambiance, qui se consacre surtout à créer et à maintenir une atmosphère de calme cohérente plutôt qu’à loger certaines mélodies dans la tête de l’auditeur ; pour sa variété sonore, l’album s’en tient effectivement à des tempos et des sentiments similaires. Mais là encore, pour un album qui n’atteint même pas une demi-heure, ce n’est pas un inconvénient. C’est plutôt la preuve que Saint 44 excelle dans ce qu’il entreprend. Sa prochaine collection sera certainement encore plus serrée et plus impressionnante – un exploit, car Blood on My Guitar est un merveilleux « debut album ».

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Scott Lawlor: « Life Passes Slowly Unto Death »

31 décembre 2021

Au cours de la dernière décennie, Scott Lawlor s’est imposé comme un membre talentueux et respecté de la communauté ambient, publiant plus de 300 albums de musique ambient, dark ambient, piano et drone de première qualité. Son dernier album, Life Passes Slowly Unto Death, est un album dark-ambient cérébrall et sincère qui, comme le suggère le titre, est une réflexion sur la vie et la mort, et le voyage de l’une à l’autre.

Le morceau d’ouverture « Life Passes Slowly Unto Death » donne le ton pour l’ensemble de l’album – des drones sombres et oppressants sont combinés de manière experte avec des synthés planants, équilibrant parfaitement l’obscurité et la lumière. Le résultat final est un morceau incroyable qui, malgré son côté menaçant, laisse à l’auditeur un sentiment d’introspection et d’espoir.

« As the Dying Process Begins, Comprehension of Mortality is Realized » est considérablement plus troublant. Un paysage sonore sombre et inquiétant est accompagné de ce qui ressemble à des enregistrements de terrain provenant d’une autre planète, où l’on entend le murmure et le gazouillis de formes de vie extraterrestres. « Drifting Through Unsequenced Memories » poursuit dans la même veine, mais les formes de vie extraterrestres sont remplacées par les sons de conversations indistinctes. Et au fur et à mesure que le morceau se déroule, des synthés envolés sont ajoutés au mélange, ajoutant une certaine légèreté au morceau et faisant passer les choses de l’inquiétant à l’intrigant.

Le travail du piano sur « Your Worst Fear is Dying Without Being Remembered » est subtil mais puissant, créant un sentiment de mélancolie presque accablant. L’écoute de ce morceau est une expérience stimulante et enrichissante, et il est impossible de ne pas se retrouver à faire le point sur sa vie et son héritage probable. « Whisperings From Beyond The Veil Call You Home » est un titre plus minimaliste, dans lequel un subtil paysage sonore ambiant sombre et un chuchotement sous-jacent inintelligible se fondent en une hallucination audio obsédante mais apaisante.

La chanson-titre est le morceau le plus sombre et le plus « dark-ambient » de l’album. Des drones inquiétants et des synthés discordants sont complétés par des échos étranges et des sons éthérés. C’est impressionnant et en l’écoutant, on peut presque se sentir tiré à travers le rideau et dans l’au-delà.

Enfin, le dernier morceau, « The Touching is a Bridge Between the Afterlife and the World Which You Left Behind », est une composition émouvante, avec son piano mélancolique et son chant qui fait vibrer l’âme, qui conclut parfaitement l’album – laissant l’auditeur se sentir touché par quelque chose de très spécial. Life Passes Slowly Unto Death est une oeuvre incroyable, dans laquelle le thème de la mort est habilement exploré, démontrant une fois de plus à quel point Scott Lawlor est un musicien doué.

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Maybeshewill: « No Feeling is Final »

31 décembre 2021

Maybeshewill est de retour ! Il semblait que la voix séminale du post-rock britannique était terminée après leur spectacle à guichets fermés au Koko en 2016, avec Fair Youth de 2014 servant de chant du cygne en studio. Pourtant, il était peut-être inévitable que la séparation ne dure pas longtemps – les voici en 2021, tentés de sortir de leur retraite avec une nouvelle collection de chansons qui, comme ils l’ont dit eux-mêmes, «  ont remis le groupe sur pied « .

No Feeling is Final est certainement Maybeshewill pour la génération du changement climatique. Il y a une colère apocalyptique à l’œuvre ici, alors que le groupe fulmine contre le refus obstiné de la société de changer face à une planète mourante. Mais c’est surtout une profonde tristesse qui imprègne l’album – de sombres cordes occupent le devant de la scène tout au long de l’album, menaçant de dévorer le son de synthé habituellement optimiste qui a fait le nom du groupe. C’est un album sombre, mais on peut y trouver des lueurs d’optimisme, et bien sûr un défi politique qui a toujours été la marque de fabrique de la musique de Maybeshewill.

Très vite, l’étalage est fait. « Zarah », avec son sample prolongé (oui, les samples sont de retour sur cet album, même si ce n’est que très brièvement) fonctionne presque comme une déclaration de mission du groupe, un morceau rock et agressif qui montre que la foule de Leicester a toujours le feu sacré. « Complicity » bondit avec une menace appropriée, avant de céder la place au rythme mélancolique des claviers d’ « Invincible Summer ». Le solo de saxophone à la fin du premier  « single » « Refuturing » est une surprise bienvenue, complétant un morceau sombre qui projette néanmoins des airs d’optimisme. Il est suivi d’un autre moment fort, le folksy « Green Unpleasant Land », dont les méandres pastoraux finissent par céder la place à l’une des sorties les plus chaotiques de l’album.

En fin de compte, No Feeling is Final finit par être un peu creux. Il n’y a pas de mauvais morceau sur l’album – « Even Tide » et « The Last Hours » sont tous deux un peu trop longs, peut-être, mais ont quand même leurs moments. C’est juste qu’il n’y a pas grand-chose ici qui reste longtemps dans la mémoire – Maybeshewill, à leur meilleur, sont les maîtres du post-rock qui sinsinue dans les oreilles, mais il n’y a pas grand-chose pour rivaliser avec des titres comme « Red Paper Lanterns » ici. Trop de titres finissent par passer à côté, se confondant en un mélange de terreur sociétale.

Peut-être est-ce parce que l’apocalypse sombre de l’album s’avère un peu lassante au bout d’un moment. Il semble qu’il faille une éternité avant d’arriver à « Tomorrow », le morceau le plus proche, et à sa vision d’un avenir meilleur. C’est pourtant cette approche sombre qui fait que No Feeling is Final vaut la peine. Tant de groupes dans la position de Maybeshewill auraient roulé sur leur retour, se contentant de jouer les mêmes chansons dans les mêmes festivals jusqu’à leur prochaine retraite. Pourtant, ici, l’équipe de Leicester prouve qu’ils sont de retour pour une raison, qu’ils ont encore quelque chose à dire. Ce n’est pas encore le travail d’un groupe qui tire sur tous les cylindres, mais Maybeshewill est de retour et c’est en soi une raison d’être optimiste.

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Ars Magna Umbrae: « Throne Between Worlds »

31 décembre 2021

Le mystérieux K.M., ou Kthunae Mortifer pour les intimes, a passé ces dernières années à marquer de son empreinte le monde du black metal. Avec Ars Magna Umbrae, K.M. crée une forme d’évasion musicale et mystique dans laquelle l’auditeur et le musicien tombent béatement. Le Polonais nous offre ici des vagues cosmiques depuis ses débuts quatre ans plus tôt avec le spectaculaire Lunar Ascension, un album qui a ébloui les critiques et suscité un culte. Après le deuxième album Apotheosis, sorti l’année dernière, voici le troisième album Throne Between Worlds, une quête ésotérique de six titres dans les mondes profonds, semblables à ceux qui ornent la pochette étonnamment complexe.

La cacophonie absorbante de la dissonance du black metal, avec ses riffs atonaux et sa nature caverneuse, est l’un des nombreux attraits de ce genre musical particulier.  « Into Waters of the Underworld » ouvre cette porte de l’enfer auditif et vous inonde de la discorde harmonieuse du métal ésotérique et de sa netteté angulaire. Un interlude effroyable de voix gémissantes et désincarnées sur une proclamation murmurée donne quelques frissons à une colonne vertébrale macabre. Cette introduction fantasmagorique ne fait qu’effleurer la surface et constitue une ouverture assez sobre et riche en atmosphère, l’album peut maintenant éplucher ses couches et révéler ce qui se cache au fond de ses eaux stygiennes.

Chaque morceau vous emmène à travers un portail de dissonance vers de méchantes demeures d’horreur et des paysages abyssaux. Ces histoires aux multiples textures oscillent entre la dureté grinçante et avant-gardiste et la beauté éthérée, le tout façonné dans le macrocosme lovecraftien personnel de K.M.. Consecrating the Shrine of Undoing  » permet de construire un monde expansif et suit un chemin très axé sur la guitare, avec des plumes mélodieuses contrastées et des riffs tremblants et écrasants, et se termine sur une note pensive, post-noire. » Treader On The Dreamless Path » touche au fantastique, en commençant par un mur synthétique d’ambiance onirique avant de laisser la place à des guitares soudaines et déchiquetées qui répètent un son perçant pour les oreilles, avec des gloussements gutturaux et d’étranges notes de basse qui grondent.

Les morceaux se déroulent à un rythme modéré, sans jamais s’imposer à vous avec une attitude trop directe ou un blast incessant. K.M. raconte son histoire principalement à travers son jeu de cordes et rien ne le démontre mieux que la conclusion de l’album, « Metempsychosis (Transmigration of the Soul) », une conclusion épique de 11 minutes qui déroule son voyage exploratoire à travers des sections nuancées de sons transformés. D’une flambée ardente de blastbeats et de riffs qui se fondent dans un rythme de batterie et des crécelles serpentines à des plumes de basse plutôt irrégulières et non conventionnelles et une ambiance mystérieuse.

Des lueurs de post-black metal soulignent les passages émotifs, tandis que l’instrumentation rude déchire les vides pour atteindre des mondes inconnus. Les blastbeats sont utilisés avec parcimonie, en fait il n’y en a presque pas et ce n’est pas qu’ils soient nécessaires en raison d’autres profondeurs créatives. Il y a même une irrégularité intéressante dans l’utilisation de certains instruments, car K.M. n’a certainement pas peur de faire des choses un peu à contre-courant et de plonger des riffs ou des ambiances dans une bizarrerie d’avant-garde.

K.M. est un bâtisseur de monde qui semble avoir une imagination sans fin et ces six morceaux offrent un monde entier d’histoire dans lequel les pages se tournent vers chaque chapitre simplement en écoutant la musique. La grande musique fait cela et Ars Magna Umbrae fait partie de cette catégorie de groupes de black metal dont la musique semble peindre une image vivante. I, Voidhanger ne peut apparemment pas se tromper, avec plusieurs sorties de premier ordre récemment pour ajouter à leur back-catalogue presque sans faille et le très absorbant Throne Between Worlds peut ajouter son nom à cette insolente liste.

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Feral Vices: « With Offerings »

31 décembre 2021

Feral Vices, un duo d’alt-rock à la guitare et à la batterie originaire de Louisville, produit des hymnes rock accrocheurs, prêts à être diffusés sur le site Spotify, avec des grooves qui font taper du poing et plus d’une bonne part d’accrocheurs. Le duo sort son nouvel album, With Offerings après avoir lancé trois singles en 2020. Mais – malgré le modèle déployé sur le dernier EP du duo, le très bon Mirror You en 2019 – ces « singles » en 2020 ne se trouvent nulle part sur la nouvelle version. Et c’est bien dommage, car l’un des « singles » en particulier, « The New Machines », était l’un des meilleurs du groupe à ce jour, totalement hymne et le type de groove haché et chargé de guitares qui met du sable dans les yeux de Josh Homme et de Queens of the Stone Age. Mais ce n’est pas grave, car, étonnamment, le nouvel EP n’a pas besoin de beaucoup d’aide pour atteindre une certaine ampleur

Oui, il y a un numéro de blues-rock délicieusement martelé (« Lay Down ») sur le nouvel EP. Et l’ouverture « Corpse In The Cathedral » est si ambitieusement saturée de couches qu’on dirait que les Foo Fighter Dave Grohl fpurraient faire une apparition. Mais le nouvel EP, à notre avis, tourne totalement autour de la quatrième chanson, « Mass Produce Your Revolution » où le groupe vise l’horizon et les étoiles et les atteint à la pelle ce qui pourrait faire du titre une composition dans la tradition de « Blank Generation » de Richard Hell. Les paroles sont excellentes, bien qu’un peu génériques, mais le message global (dans la veine de l’ancien « la révolution ne sera pas télévisée ») est livré avec passion et aplomb. Le refrain à la guitare est si vitriolique et si accrocheur qu’il chatouillera oreilles et cerveau de la plus belle manière.

Et cela ne dit rien des chansons qui entourent ce titre exceptionnel. Le leader Tyler Hoagland est un remarquable chanteur, même si son phrasé est un peu trop propre et peut-être un peu trop poli en studio pour correspondre aux refrains grunge – qui font souvent allusion au nouveau style blues-rock des Black Keys – qui les entourent. Mais c’est un sacré guitariste, très imaginatif avec ses phrasés et son contrôle du volume, et très prompt à essayer quelque chose de non conventionnel au lieu de tomber dans le moule trop prévisible couplet/refrain/couplet.

« Covered In Blue » comporte un anti-solo presque bizarre au bout de deux minutes, un pont qui semble presque contre-intuitif – mais qui fonctionne, bizarrement et il y a un super petit pont de guitare pixellisé vers la fin de la chanson titre qui clôt l’album et qui fait monter en flèche les guitares et les rythmes frénétiques du batteur Justin Cottner dans les dernières mesures.

Ces gars-là savent clairement ce qu’ils font et, de ce point de vue,v notre duo est un produit de son lieu et de son époque, la production en studio s’orientant davantage vers les Foo Fighters susmentionnés que vers ce que Grohl a fait, par exemple, sur le merveilleux In Utero de Nirvana, aux bords déchiquetés. Il n’y a rien de mal à cela, bien qu’il soit tentant d’imaginer cette chose coupée dans un autre Louisville, disons la version des années 1980 ou 1990 remplie de Maurice ou de Shipping News ou des bonnes gens du site Louisville Hardcore. « Félicitations/ Je pensais que vous en vouliez plus/ Ces moteurs rouillés/ Rien ne bouge plus ici » (Congratulations/ I thought that you’d wanted more/ Those rusted engines/ Nothing moves here anymore), chante Hoagland sur « The New Machines », leur superbe « single « de 2020. C’est cet esprit Louisville que nous aimerions voir le groupe creuser plus profondément. Cela pourrait rendre la musique beaucoup plus bruyante et beaucoup plus brute, en mettant l’accent sur le non conventionnel plutôt que sur une piste vocale lisse ou une accroche alléchante. Mais c’est le Louisville d’aujourd’hui et Feral Vices (et des groupes comme WiiRMZ) s’efforcent de se l’approprier. Et si « Mass Produce Your Revolution » devient leur meilleur score, qu’il en soit ainsi. Ce n’est pas un mauvais endroit pour y accrocher son chapeau et y poser ses bottes avec aise.

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Caverna Delle Rose: « Elysian Chant »

30 décembre 2021

Les Hymnes Orphiques ont déjà été évoqués à propos de de Music for Certain Rituals (AimA & The Illusion of Silence), ce recueil de poèmes datant de la fin de la période hellénistique se situant autour du culte mystérieux de l’orphisme. Un mouvement qui allait à l’encontre de la foi chrétienne. Les adeptes vivaient de manière ascétique afin d’obtenir une meilleure vie après la mort grâce à la pureté physique et spirituelle. Le noyau des « Chants élyséens » (Elysean Chants) est constitué de sept hymnes orphiques, chacun dédié à diverses divinités ou éléments naturels.

Caverna Delle Rose est le nom de la collaboration entre AimA Lichtblau (Les Jumeaux Discordants, Allerseelen), Evor Ameisie (NRTHGTE, DDeM Label, Camerata Mediolanense) et Diego Cinquegrana. Le groupe trouve son inspiration dans les rituels magiques et les pratiques de performance datant de l’Antiquité à nos jours. Ils trouvent un équilibre entre la recherche (anthropologique) et la réinterprétation (musicale). Leur intérêt commun pour les cultures anciennes ou primitives a donné naissance à Elysian Chants, le premier album du collectif.

La pochette du disque présente une image forte : le regard pénétrant d’un vieux masque noir sur un fond blanc contrastant, à moitié voilé par un voile rouge foncé. Intrigant, tout comme l’ouverture « To Dionysius ». Le personnage de Dionysos ou Bacchus est la divinité de la viticulture, de la fertilité, du théâtre et de la musique, mais aussi de la folie rituelle et de l’extase. Ce dernier aspect est clairement perceptible dans ce voyage de plus de six minutes rempli de rythmes irrésistibles et de voix mystérieuses. C’est une évocation dionysiaque prolongée et particulièrement entraînante.

« To Night » ramènea le calme en mélangeant des sons nocturnes de la nature avec un paysage sonore tranquille. Caverna Delle Rose semble attacher beaucoup d’importance à la création d’une atmosphère adéquate et avec des résultats. Le violoncelle d’Annamaria Bernadette Cristian donne à la chanson cette lueur et ce mystère supplémentaires. Ce caractère insaisissable est également exprimé par les chœurs masculins et les textes en grec ancien auxquels AimA donne une voix. C’est l’un des deux poèmes récités dans leur intégralité, avec « To the West Wind ».

Dans l’hymne suivant, il est question des némésis Erinyes ou Furies. Ces créatures des enfers étaient censées chasser et tourmenter les criminels. « To the Furies » est ainsi propulsé par un rythme de marche rapide (faisant référence à la poursuite ?) et des chants enchanteurs (« Terrific virgins, who forever dwell. Endu’d with various forms, in deepest hell » –(ierges terribles, qui demeurent à jamais. Sous des formes variées, dans l’enfer le plus profond – . ) . Le violoncelle en tant que voix supplémentaire s’avère également être une valeur ajoutée ici.

En plus des hymnes, le morceau « Hyle, The Chant of Creation » divisera l’album en deux sous la forme d’un intermezzo instrumental et sombre qui évolue sur ce que nous avons déjà entendu.

Dans la deuxième partie, on trouve « To the Fates ». Outre les Némésis, il y a aussi les Parques ou les Moira qui déterminent le destin de la vie, tant des hommes que des dieux. Whose life ’tis yours in darkness to conceal. To sense impervious, in a purple veil » (Dont la vie est à toi dans les ténèbres pour la dissimuler. Pour sentir imperméable, dans un voile violet) peut-on lire dans la traduction anglaise de Thomas Taylor de 1792. Y trouve-t-on un lien avec l’image de la couverture ? En plus de la récitation d’AimA dans la première partie du chant, le poète italien et traducteur du grec ancien Angelo Tonelli apporte également quelques vers comme une voix sage du passé lointain.

Le dernier hymne est une louange à Zephyrus, la personnification du vent d’ouest. La fin de l’hymne, intitulée  » »To the West Wind « , est quelque peu exaltée et rappelle l’idiome musical d’Ataraxia. Il constitue un point d’orgue tranquille après les atmosphères sombres des hymnes précédents.

En tant que concept et premier album de Caverna Delle Rose, Elysian Chants est certainement un succès et mérite toute l’attention lors de son écoute, de préférence à un volume élevé et dans une atmosphère crépusculaire.

***1/2