No BS: Just Rock & Roll!

Tant qu'il y aura du Rock!

The Shivas: « Dark Thoughts »

La côte ouest demeure toujours une destination exotique vue d’ici ! C’est aussi le berceau des Beach Boys, du mouvement pour l’indépendance de la Cascadie, de Nirvana, de la famille Manson, du punk de Dead Moon, de Twin Peaks. Quelle serait la trame sonore idéale de cette région du monde si singulière ? Proposons le dernier et cinquième album du groupe The Shivas, originaire de Portland.

Avec ses « power ballads » (« If You See Me », « Over & Over ») pleines d’une sincérité naïve particulièrement « sixties » et ses hymnes surf-rock au nombre d’accords réduits (« Playing on the Radio », « Gloria »), le quatuor allie cet optimisme caractéristique à la terre promise à une indéniable force ésotérique presque inquiétante. La plus grande qualité des Shivas n’est certes pas d’être originaux, mais d’avoir su rester fidèles à une vision plus artisanale que commerciale au fil de ses treize années d’existence.

***1/2

8 novembre 2019 Posted by | Chroniques "Flash" | | Laisser un commentaire

Jazzbois: « Jazzbois Goes Blunt »

Jazzbois est un trio jazz / hip-hop basé à Budapest qui propose un mélange parfait entre jazz et beat hop hop tranquille.  La formation joue sa musique avec piano Rhodes, synthés, guitare, batterie et sampler en toute décontraction et avec un vrai talent pour créer des musiques jazz cool 70’s très bien fichues.

L’album comprend 11 titres assez groovy qui feront aisément votre affaire pour un moment de détente dans ces heues où la sirée va succéder à l’après-midi et où le entre chien et loup s’installe doucement.

***

8 novembre 2019 Posted by | Chroniques "Flash" | , | Laisser un commentaire

Interview de Mark Lannegan: « Portes Ouvertes »

Mark Lanegan est une sorte de mitraillette vocale, un mercenaire un peu ours heureux de prêter son larynx à n’importe quel groupe en besoin d’un acolyte. Sa voix inimitable, craquelée et altérée par ce qui semble être une éternité de mauvais choix de vie, est tout aussi naturelle en chantant sur un morceau électronique d’Unkle ou une composition acoustique de Duke Garwood que sur un Queens of the Stone Age endiablé.

Ayant participé à tant de projets variés (plus de 30 crédits vocaux invités depuis 2015 seulement), il est facile de perdre de vue l’arc progressif que le projet Mark Lanegan Band a suivi cette décennie. Après les Blues Funeral de 2012 – son choix préféré dans sa propre discographie – Lanegan et son groupe se sont penchés sur leur propre mariage unique de blues surdimensionné et d’electronica baggy, culminant avec le passage à Heavenly Records pourGargoyle de 2017 et leur dernier effort, Somebody’s Knockking.

Malgré son titre inquiétant, c’est probablement l’album le plus joyeux que Lanegan ait sorti sous son propre nom, même s’il sonne toujours comme du Joy Division au meilleur de son humeur. « Je n’ai jamais caché que Peter Hook est l’un de mes héros absolus, alors chaque fois que j’ai l’occasion de voler sa signature sonore à la basse, je le fais », dit-il en riant à cette comparaison.

Une réponse typique du bonhomme : autodérision et volonté de mettre en valeur les compétences des autres par rapport à ses propres talents non vocaux limités. « Ce n’est pas comme si nous avions réinventé la roue ou quoi que ce soit, nous utilisons simplement des éléments que les gens utilisent depuis des décennies. Personnellement, je ne suis pas très doué techniquement, que ce soit pour changer l’huile de ma voiture ou pour jouer d’un synthétiseur », admet-il lorsqu’on lui demande s’il a appris des trucs et astuces électroniques en collaborant avec des gens comme James Lavelle, CJ Bolland et Dave Clarke, « Par nécessité j’ai appris comment utiliser Pro Tools et tout ça, juste parce que personne ne te donne d’argent pour faire un disque, je dois le faire tmoi-même. »

Bien qu’il soit sorti sous son nom, Lanegan tient à souligner que Somebody’s Knocking est un projet collaboratif Le disque a été co-écrit par Rob Marshall (qui est responsable de la plupart de la musique de Gargoyle), avec des contributions écrites importantes du violoniste Sietse Van Gorkom, Martin Jenkins de Pye Corner Audio, l’assistance de QOTSA et la légende du « desert rock » Alain Johannes avec qui Lanegan travaille depuis Bubblegum en 2004.

« Al est le premier gars que j’ai rencontré qui a fait de ma vision une réalité. Je pourrais lui montrer quelque chose à la guitare acoustique et lui dire « Oui, mais je veux que ça sonne comme The Who circa 1972 » et une demi-heure plus tard, j’ai l eu le squelette du morceau », se souvient-il en repensant à ce disque formateur « ,je ne peux pas imaginer faire un disque du Mark Lanegan Band dont il est responsable à 50% maximum. Il est devenu indispensable. »

C’est avec Johannes que Lanegan a écrit « Penthouse High », un titre house qui, pour la première fois dans l’histoire de MLB, sonne mieux adapté à un dancefloor en sueur qu’un bar rock traditionnel. Est-ce qu’il a réussi à faire sortir un chanteur à la hanche du célèbre chanteur au visage de pierre du studio ? « Voyons, je suis un homme de 55 ans et même quand j’avais 14 ans, je n’ai jamais été danseur, mais j’ai toujours aimé ce genre de musique », dit-il sans qu’on en soit étonné. Cette chanson, Alain et moi l’avions écrite pour Gargoyle mais sa longueur ne correspondait pas au disque. Ici, c’est devenu la pièce maîtresse dans mon esprit, et c’était parfait. »

Étonnamment, Mark Lanegan parle depuis le studio où il met la touche finale à son prochain album, un album d’accompagnement pour accompagner son prochain mémoire Sing Backwards And Weep, l’histoire de ses premières années en tant qu’artiste solo tout en faisant face aux Screaming Trees à Seattle à la fin des années 80 et au début des années 90, une époque qui fut passionnante pour la musique rock en général mais qui lui causa personnellement un grand tort.

« Le livre était lourd, je n’ai pas bénéficié de cette cataharsis promise par certains de mes amis », admet-il en soupirant, « mais ce qui en est ressorti, c’est que j’ai écrit un tas de nouvelles chansons directement inspirées par l’expérience du souvenir, en revenant dans cette histoire ancienne. »

Étonnamment, Mark Lanegan parle depuis le studio où il met la touche finale à son prochain album, un album d’accompagnement pour accompagner son prochain mémoire Sing Backwards And Weep, l’histoire de ses premières années en tant qu’artiste solo tout en faisant face aux Screaming Trees à Seattle à la fin des années 80 et au début des années 90, une époque qui fut passionnante pour la musique rock en général mais qui lui causa personnellement un grand tort.

« Le livre était lourd, je n’ai pas bénéficié de cette cataharsis promise par certains de mes amis », admet-il en soupirant, « mais ce qui en est ressorti, c’est que j’ai écrit un tas de nouvelles chansons directement inspirées par l’expérience du souvenir, en revenant dans cette histoire ancienne. »

Lors de l’ « explosion grunge » »(une étiquette qu’il récuse), Lanegan a souffert d’une dépendance paralysante à l’héroïne qui a coûté la vie à plusieurs de ses amis et l’a laissé sans abri,obligé de vendre du crack pour survivre.

« Deux de mes amis les plus proches (Layne Staley d’Alice In Chains et Kurt Cobain du Nirvana) étaient deux des gars les plus célèbres et les plus populaires de cette scène, mais ils n’y ont pas survécu , se souvient-il en réfléchissant sur son statut de survivant le plus peu probable, « écrire ces mémoires fut une expérience vraiment intense car un souvenir ferait ressortir un autre souvenir, puis, tout d’un coup, je me uis rappelé de toutes ces choses dont je n’aurais franchement pu me souvenir. J’en avais mis beaucoup de côté et j’avais tourné la page. Ce n’est pas quelque chose sur quoi je m’attarde, surtout les mauvais souvenirs. Pour moi, une grande partie de cette période a été très sombre, facilement la période la plus sombre que j’aie jamais connue jusqu’à présent. Mais il est encore temps », finit-il en riant.

L’idée de sortir les chansons issues de ce processus d’écriture sous forme d’album est venue peu de temps avant que son groupe ne parte en tournée en Europe avec Somebody’s Knocking. Lanegan, qui a un carnet d’adresse sans pareil, a demandé quelques faveurs. Il a réussi à engager Ed Harcourt au piano, Bad Seed Warren Ellis au violon, John Paul Jones de Led Zeppelin au mellotron, Wesley Eisold de Cold Cave et Simon Bonney de Crime & The City Solution (un des chanteurs préférés de Lanegan), Alain Johannes à la voix, et, comme il se doit, Jack Bates à la basse.

Le guitariste Mark Morton de Lamb of God, dont le premier album solo Lanegan a chanté la chanson « Axis », a également contribué à l’album. « À l’origine, il m’avait donné un morceau de musique différent et c’est moi qui l’ai chanté », révèle-t-il, « Et il m’a répondu par écrit : « Tu sais quoi ? J’aimerais prendre ce rôle et le mettre dans une musique totalement différente ». Je me suis dit : « Oh mon Dieu, c’est un désastre ! Il y a une liberté à abandonner le contrôle et à faire partie de quelque chose qui n’est pas le mien, mais ce que Mark Morton suggérait avait toutes les caractéristiques de quelque chose qui pourrait me faire passer pour un chanteur et un parolier terribles ! De la façon dont il l’a fait, il m’a fait ressembler à un chanteur brillant et pas un mauvais parolier non plus, aussi j’ai eu droit à une faveur quand j’avais peur qu’on ne me laisse tomber. »

Cette fois, Morton a envoyé à Lanegan deux courtes démos acoustiques qui ont fini par arriver sur le nouvel album pratiquement inchangé. « L’idée était d’en faire un mélange des disques que j’avais déjà commencé à faire et qui étaient des disques acoustiques, mais avec des éléments de ce que je sais. Je ne pouvais pas retourner directement à « The Winding Sheet » et refaire ça.. »

En dehors de ces deux titres, et malgré les grosses pointures rock qu’il a fait entrer en studio, les contraintes de temps ont fait que la plupart de ces nouveaux morceaux n’ont pas été écrits en collaboration. « J’écrivais ces chansons tout seul, et il y a une différence entre le fait d’enregistrer des collaborations et le fait d’y entrer. Il y avait une profondeur à ces chansons qui était intégrée parce que je les ai commencées dès que j’ai fini le livre « , explique-t-il,  » »ce sera le premier disque qui mettra en vedette mon ingénierie et le fait que je joue des instruments. Eh bien, à part les fois où Alain Johannes a glissé ma partie de guitare à gratter dans le mix derrière mon dos ! Mais je joue des trucs qur lesquels je n’ai pas peur de mettre mon nom dessus, c’est un disque assez spécial. »

« J’ai été très, très chanceux » , déclare Mark Lanegan lorsqu’on lui demande quel est le secret de sa longévité improbable, « j’ai toujours eu ce public de base qui a su attirer de nouveaux membres au fil du temps. Parfois je jouais à Milwaukee et il y avait 20 fans de Screaming Trees et c’est comme ça qu’ils me connaissaient, mais quand je joue en Angleterre, je suis considéré comme un gars qui fait de la musique vitale et de notre temps, par les gens ne savent même pas qui sont Screaming Trees. D’après ce que j’entends, le public ne sera pas à court de nouveaux morceaux de Mark Lanegan avant de nombreuses années. »

8 novembre 2019 Posted by | Conversations | | Laisser un commentaire

Paint Thinner: « Hagioscope to the Heart »

L’idée, c’était de mélanger du rock psychédélique avec un chant froid post punk, en jouant avec une qualité garage rock, et ajouté quelques éléments emprunté au shoegaze. Voilà pour les superlatifs. Evidemment, cette profusion de qualififications ne suffira pas à rendre hommage  à la musique que Paint Thinner nous propose.

En effet, elle fonctionne de surcroît grâce à cet orgue qu’on peut entendre sur certains morceaux et qui, couplé à une ambiance nois sur des morceaux étirés au-delà de cinq minutes, permet aux guitares de devenir folles comme si il était question de les faire hurler.

Aidé par un duo basse guitare métronomique, le chant peut se faire métallique et froid, ou bien chaud et chargé de colère.  Le groupe s’amuse à nous perdre avec maints changements de rythmes, déviation, et pirouettes. Pour autant, ce n’est pas qu’un disque qui plane  à dix mille, tantôt triste, tantôt plus lumineux, la palette des émotions est passé en revue, et l’on se surprend à écouter avec attention chaque morceaux, pressé d’être surpris par un énième retournement. C’est ce qui arrive quand on joue avec les tripes et le cœur.

***1/2

8 novembre 2019 Posted by | On peut se laisser tenter | | Laisser un commentaire

Au-delà du Son: Interview de Thurston Moore

Spirit Counsel de Thurston Moore est une collection de trois compositions qui s’étenfent sur une période de daux ans, entre 2018 et 2019, elle représente une époque de réflexion sur des questions spirituelles, des amitiés musicales collectives, un temps et un espace universels, sans mots ni langages pour détourner de la méditation. Occasion pour lui d’évoquer ce qui a inspiré Spirit Counsel, son passage dans Sonic Youth et le destin du rock indépendant en 2019.

« La musique est dans ta tête, dans ton âme, dans ton esprit, et c’est tout ce que j’ai fait quand j’étais assis au piano. J’y vais de l’intérieur. » – Alice Coltrane.

Pouvez-vous me parler un peu de votre nouveau coffret CD et de comment cette idée s’est matérialisé.

On m’a demandé de présenter une soirée au Barbican au printemps 2018, après m’y être produit plusieurs fois au fil des ans (avec Beck, The Can Project, This Is Not This Heat et autres). J’ai eu l’idée de composer de la musique pour douze guitares à 12 cordes.

Chris Sharp – le directeur du programme musical du Barbican – était apparemment ravi de cette proposition, alors je me suis enfermé dans le bureau de la Bibliothèque de la « Paix Extatique » pendant quelques mois et j’ai écrit deux arrangements pour deux morceaux d’une heure : un pour douze guitares acoustiques à 12 cordes et un pour douze guitares électriques.

C’était un moment incroyable, réunissant des musiciens des environs de Londres, certains qui étaient des instrumentistes de haute volée, et d’autres qui n’avaient jamais vraiment touché à une guitare à 12 cordes auparavant, allant de David Toop à Rachel Aggs de Trash Kit en passant par James McCartney et Susan Stenger de Band of Susans. C’était tout à fait la dynamique.

J’ai toujours voulu me concentrer davantage sur les compositions pour guitare étendue, en travaillant au moins avec des paramètres en dehors des formats traditionnels du rock et de la pop de trois à six minutes. Les deux pièces de Barbican duraient une heure. C’est pourquoi j’ai voulu que mon groupe londonien de James Sedwards, Deb Googe et moi-même nous éloignions du monde plus standardisé de la chanson pour présenter des concerts où nous jouions des morceaux plus longs, évitons le chant et nous nous concentrons sur l’interaction guitare / percussion et l’expérimentation de la composition.

J’ai composé les deux morceaux « Alice Moki Jayne » et »8 Spring S »’, je les ai enregistrés et j’ai décidé qu’ils seraient dans un prochain album qui a eu pour nom Spirit Counsel. Le morceau électrique à 12 cordes du Barbican a été ajouté car l’enregistrement s’est assez bien comporté jusqu’à présent et a semblé un compagnon raisonnable aux morceaux de studio parce qu’il présentait une approche qui traitait davantage des propriétés sonores d’un instrument électrique à 12 cordes en masse.

Spirit Counsel se réfère à de nombreuses musiciennes d’avant-garde d’hier et d’aujourd’hui. Trop de femmes de leur espèce vivent souvent dans l’ombre de leurs contemporains masculins, ou s’effacent complètement de l’histoire. Est-ce pour cela que vous avez décidé d’opter pour ce thème ?

J’estime qu’il est très important de réagir au déséquilibre de pouvoir dans l’industrie ou la vocation choisie. Que ce soit le sexe, la race ou la foi.

Tout au long des années dès les débuts de Sonic Youth et depuis, cette considération a toujours été importante pour moi. En tournée, dans l’édition, dans la sortie de disques, dans les collaborations de toutes sortes, j’ai toujours préféré travailler avec des personnes historiquement marginalisées et sous-représentées. Personnellement, je préfère cette dynamique, et je ne la perçois pas comme une mesure symbolique du symbolisme parce que la capacité créative est d’égale valeur quelle que soit la persuasion d’une personne. 

En composant « Alice Moki Jayne », j’ai découvert un léger motif de guitare qui me rappelait la musique que j’entendais dans les chansons dévotionnelles d’Alice Coltrane.

Je discutais avec Vivian Goldman, Neneh Cherry, sa fille Naima, et Eva, ma partenaire dans la bibliothèque de la paix extatique (et la vie !) et j’ai appris qu’Alice était amie avec la mère de Neneh, Moki Cherry (une artiste que j’ai toujours admiré) et Jayne Cortez – une poète qui a exprimé un travail remarquable qui était vivant avec résistance et grâce artistique. Au départ, l’idée était de dédier la chanson à ces trois artistes, que je n’étais pas le seul à considérer comme visionnaires, pour, finalement, donner un titre à cette composition en leur honneur. 

Bien sûr, leur profil n’est guère celui de leurs célèbres partenaires masculins (John Coltrane, Don Cherry et Ornette Coleman), mais ce n’était pas la raison pour laquelle je voulais promouvoir leur nom en tant que tel. Bien que cela déclenche des polémiques sur la façon dont les artistes historiquement privés de leurs droits – même au sein de leur propre culture – s’expriment sans avoir à faire appel aux structures (principalement blanches) dominées par les hommes dans le « business ».

Comment décririez-vous la musique d’Alice Coltrane et quel impact a-t-elle eu sur vos propres projets musicaux ?

Alice Coltrane est évidemment liée à la quête spirituelle de la musique de John Coltrane, en partie parce qu’elle a rejoint son groupe après leur mariage depuis un certain temps. Son travail a toujours fait preuve d’une croyance en la divinité, qui a évidemment transcendé certaines chaînes de la dégradation de la Terre, j’imagine.

Cela dit, il n’y a pas grand-chose qui puisse alléger l’histoire continue du racisme violent perpétré par une trop grande partie de la société américaine. J’ai toujours été attiré par la musique qui va au-delà des interactions humaines et qui traite de la présence ineffable de l’Esprit Saint parce qu’elle résonne avec mes propres croyances et sentiments de métaphysique.

Comment décririez-vous la musique d’Alice Coltrane et quel impact a-t-elle eu sur vos propres projets musicaux ?

Alice Coltrane est évidemment liée à la quête spirituelle de la musique de John Coltrane, en partie parce qu’elle a rejoint son groupe après leur mariage depuis un certain temps. Son travail a toujours fait preuve d’une croyance en la divinité, qui a évidemment transcendé certaines chaînes de la dégradation de la Terre, j’imagine.

Cela dit, il n’y a pas grand-chose qui puisse alléger l’histoire continue du racisme violent perpétré par une trop grande partie de la société américaine. J’ai toujours été attiré par la musique qui va au-delà des interactions humaines et qui traite de la présence ineffable de l’Esprit Saint parce qu’elle résonne avec mes propres croyances et sentiments de métaphysique.

Votre musique solo est devenue de plus en plus expérimentale au fil du temps, car vous vous êtes souvent essayé à des genres autres que le rock indie. Que pensez-vous du monde de l’indie rock maintenant ? Pensez-vous qu’il y a encore une place pour cela, ou y a-t-il des choses beaucoup plus intéressantes qui se passent ?

Le rock indépendant peut être ce qu’il veut. L’ordre du jour n’est pas une question d’argent, de célébrité ou d’attributs de la musique populaire, mais il a toujours joué avec le chevauchement de ces lignes d’une manière qui peut être incroyablement excitante ou plutôt ennuyeuse.

Je rencontre sans cesse de jeunes musiciens dans de nouveaux groupes qui font du rock indie des années 1980 et 1990 un rite de passage. Nous avons fait la même chose, je suppose, avec la musique qui a précédé notre époque. De nos jours, les musiciens ont tendance à avoir un vocabulaire technique assez élevé, alors que je me souviens des meilleurs groupes de l’époque où j’étais dans Sonic Youth et que je ne savais pas comment, ou ne tenais pas à, jouer un simulant une approche traditionnelle.

Jusqu’à quel point êtes-vous conscient de votre influence sur le noise/indie rock et les mouvements qui ont suivi ? Si vous regardez en arrière et pensez à ce ce temps passé au sein de Sonic Youth, comment le considérez-vous ?

C’est une partie importante de ma jeune vie ; quelque chose que j’ai aidé à créer et à établir et qui fera toujours partie intégrante de mon ADN. Il n’a pas été conçu pour être une force au-delà de sa propre conscience de vouloir être le groupe que j’aimerais vivre en tant que fan. Parce que je suis un fan. Je le serai toujours.

Je n’écoute pas ma propre musique – Sonic Youth ou autre. J’écoute la musique des autres. C’est toute une vie de conversation, comme les oiseaux.

8 novembre 2019 Posted by | Conversations | Laisser un commentaire

Pan American: « A Son »

Ceux qui sont familiers avec l’œuvre antérieure de Mark Nelson, souvent mieux connu sous son pseudonyme de Pan American ou pour son travail avec Labradford auraient pu s’attendre à au moins une goutte d’électronique sur A Son, son dernier effort ; le neuvième depuis plus de 20 ans.

Peu importe qu’ils ne comprennent pas, ça n’a jamais été le but. Avec Pan American ou Labradford, ou pour Kranky, son label phare, il ne s’agissaitpas de s’en tenir à un genre musical « parfaitement réglé », qu’il soit question d’électronique, de néoclassique ambient ou autre. La problématique était de remettre en question les frontières de la musique, du son, où elle a commencé, et si lle va être infinie.

Ici, sur A Son, il semble que Nelson ait décidé de commencer par le début, de revenir aux sources, afin de pouvoir avoir une meilleure vision de la direction que prennent les choses. Mais revenir aux racines n’est pas la même chose que de revenir aux racines traditionnelles de la musique en tant que telle. C’est, en quelque sorte, un fait que Nelson explore ici de par la simplicité du son, des instruments acoustiques « originaux », de la guitare ou du dulcimer martelé, comme sur le titre d’ouverture avec un nom explicite – « Ivory Joe Hunter, Little Walter ».

En même temps, c’est aussi la vision personnelle de Nelson des racines, la façon dont il a ressenti cette musique lorsqu’il l’a d’abord expérimentée, et ensuite telle qu’elle a filtré à travers les excursions musicales qu’il a traversées, comme par exemple, sur  « Brewthru » » ou excellera « Dark Birds Empty Fields ». Il n’est pas étonnant que Nelson cite comme source d’inspiration pour cet album June Tabor, The Carter Family, Suicide et Jimmy Reed, mais telle quil l’a vue et filtré par sa vision et son imagination.

Ce que nous obtenons sur A Son de Pan American est pastoral, mais en même temps un album émouvant qui, en regardant en arrière, non seulement dégage l’espace pour avancer, mais fait les premiers pas dans une autre direction, i,édite encore mais prégnante et à fleur des ouïes.

***1/2

7 novembre 2019 Posted by | On peut se laisser tenter | | Laisser un commentaire

Jinjer: « Macro »

Les groupes issus d’Ukraine arrivant sous nos lattitudes sont suffisamment rares pour qu‘on les mentionne ; Jinjer en est à son deuxième L.P., après King Of Everything en 2016 et un premier E.P., Micro, dont Macro semble être la suite logique en matière d’appelation.

Jinjer évolue dans un registre metalcore explosif qui ne connaît aucune frontière. Les quatre musiciens naviguent avec brio entre les styles avec l’énergie comme leitmotiv. Écouter le combo, c’est accepter de se prendre une bonne dose de décibels dans les oreilles et, pa conséquent, ne pas épargner ses tympans. Mais le tout n’est pas dénué de musicalité et on oscille souvent entre passages violents et envolées mélodiques.

Un titre comme « On The Top » met tra ainsi une immense claque d’entrée mais se révèlera extrêmement efficace sur son refrain ou son pont qui mettront en lumière la qualité de composition du groupe. « Noah » va ’inscrire dans la même veine avec une violence inouïe mais un charisme évident sur les refrains.

Grâce à cette avidité à donner de multiples facettes à sa musique, on pourra déceler des passages de reggae (« Judgement (& Punishment) » ou encore de death-metal (« Pit Of Consciousness »). Le tout est exécuté de manière ordonnée et avec une aisance assez bluffante pour un groupe aussi jeune. La production rend, elle aussi, grandement hommage aux morceaux et contribue à cette sensation de qualité qui découle du disque. La basse est clinquante, la guitare agressive mais audible, la batterie frénétique et la voix parfaitement ajustée et « Home Back » symbolisera à merveille le travail d’orfèvre réalisé par les Ukrainiens.

Si les trois instrumentistes maîtrisent parfaitement leur sujet, il sera difficile de ne pas mettre la performance vocale encore plus en avant. Tatiana Shmailyuk attire toute l’attention et elle le mérite amplement. Rien ne semble impossible pour elle et sa voix incroyable. Capable de passer d’une mélodie cristalline toute en maîtrise au scream le plus terrifiant, la palette vocale de la vocaliste ne semble connaître aucune limite. Son phrasé est impressionnant et permet d’ajouter des nuances bienvenues aux compositions. Parfois reggae, parfois hip hop (« The Prophecy »), Shmailyuk apporte ainsi cette versatilité qui fait tout le charme du groupe.

Macro est iun opus solide et les neuf titres qui le composent sont d’une richesse incroyable et révèlent une finesse de composition peu ordinaire. Le style plus brut des albums précédents s’est épuré et laisse place à des créations beaucoup plus abouties. Plusieurs écoutes mettent en lumière toute l’expertise du quartette ukrainien, un savoir faire qui force le respect. A l’heure où bon nombre de groupes manquent cruellement d’idées, cet album est une bouffée d’air frais qui fait sensation et pélève Jinjer au statut de futur mastodonte de la scène metal.

****

7 novembre 2019 Posted by | On peut se laisser tenter | | Laisser un commentaire

Black Marble: « Bigger Than Life »

La nostalgie est le sentiment qui prédomine à l’écoute de ce troisième album de Black Marble. Il ne s’agit pas de cette nostalgie qui rend triste, celle qui se rapporte à quelque chose qui a été et qui ne sera plus. Il s’agit plutôt de celle qui fait naître un sourire sur les lèvres, où l’on regarde le passé de manière bienveillante et attendrie. Triste donc, mais pas triste en même temps.
Tout dans ce
Bigger Than Life respire la nostalgie. L’utilisation de matériel analogique et la diminution des effets qui voilaient la voix de Chris Stewart contribuent à rendre le disque moins froid, plus organique. « Feels » est probablement le titre qui capture le mieux l’esprit de l’album, tant dans la musique qu’au niveau des paroles. Le clip qui illustre la chanson est d’ailleurs particulièrement réussi et renforce le côté mélancolique du titre grâce à l’utilisation de VHS familiales de Chris Stewart. L’ensemble fonctionne à merveille.


Avec ce disque, Black Marble s’éloigne encore un peu plus de la noirceur de son premier opus
A Different Arrangement (2012) mais gagne en profondeur. Que ce soit la rythmique 80’s ultra répétitive de « One Eye Open » qui donne au titre un aspect quasi lumineux, la douceur adolescente de « Daily Driver », la fantastique ligne de basse de « Private Show » ou encore la beauté du morceau final « Call », les bons moments sont nombreux. On peut sans doute reprocher à Bigger Than Life un aspect parfois itératif, mais l’album dégage un tel charme qu’on le lui pardonnera.

**1/2

 

7 novembre 2019 Posted by | On peut se laisser tenter | , | Laisser un commentaire

Daniel Martin Moore: « Never Look Away »

On a beau suivre la carrière discrète de Daniel Martin Moore depuis quelques années, jamais son talent ne nous avait semblé aussi évident que sur ce Never Look Away.

Co-produit par le multi-instrumentiste Seth Kauffman (qui a travaillé notamment avec Jim James ou Ray Lamontagne), cet album aux 10 chansons constitue sans doute ce que le songwriter du Kentucky a fait de plus abouti à ce jour, que ce soit en terme de production que de composition.

Enregistré dans le studio de Seth Kauffman à Black Mountain, en Caroline du Nord, l’album est bâti autour de la guitare, du piano et de la voix superbe de Daniel Martin Moore… des éléments auxquels viennent s’ajouter des arrangements (flûte, clarinette, saxophone, violon, violoncelle…) parfaits.

Le résultat est d’une beauté incomparable, nous renvoyant à Nick Drake, Damien Jurado, mais également des artistes comme Ray Lamontagne ou encore Gareth Dickson, avec cette mélancolie mise en musique de façon très convaincante dans des chansons bouleversantes.

Un neuvième album aux harmonies parfaites, sans doute son plus réussi à ce jour.

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7 novembre 2019 Posted by | Chroniques du Coeur | | Laisser un commentaire

Lonely Robot: « Under Stars »

John Mitchell, à l’instar d’un Neal Morse ou d’un Steven Wilson, aura beaucoup œuvré pour redorer le blason du rock progressif auprès du « grand public ». Même si ce style musical tant décrié opère dans les marges de la musique mainstream, certains artistes (ou groupes) essaient de percer le plafond de verre qui sépare le statut d’un Coldplay ou d’un Muse ou d’un Marillionn .John Mitchell, investi dans de multiples formations pérennes ou projets ponctuels, aura vraiment tout fait pour gagner le meilleur des deux mondes.

Pour cela, il possède de solides atouts. Producteur rigoureux, guitariste doué, très bon chanteur, le bonhomme peut compter sur un solide réseau d’amis musiciens toujours prêts à venir lui donner un coup de main. Le batteur de Steven Wilson, Craig Blundell, porte l’édifice du haut de sa virtuosité, aidé par le bassiste de Fish, Steve Vantsis, également leader de l’excellent TILT. Tout le reste, Michell le prend en charge. Et ce, avec une classecertaine. Ceux qui connaissent Arena savent déjà à quel point les soli de Johnny sont splendide. Ceux qui écoutent It Bites avouent adorer le côté « poppy » des compositions. Les fous fondus de Frost* se pâmenrot devant la complexité infernale de certaines structures de morceaux. Enfin, les cinéphiles, (amourde Kino, retrouveront la qualité soutenue des compositions. Et les nostalgiques du dernier Genesis s’étonneront du timbre de voix de Mitchell, très cousin de celui de Ray Wilson. Bref, tout concourt à faire de ce troisième album de Lonely Robot une véritable bête de course progressive digne de drainer très loin.

Ainsi, les onze titres de Under Stars restent irréprochables, parfaitement produits et pas si éloignés de ce que proposait Yes lors de sa période « commerciale » (90125, Big Generator ou l’insurpassable Talk de 1994). D’ailleurs, John Mitchell ne s’est jamais départi de son admiration sans bornes pour le génial guitariste et chanteur sud-africain, le malheureusement sous-estimé Trevor Rabin. Evidemment que l’on pourra reprocher à cette dernière. On pourra aruguer que c’est ce que l’on appelle le style, avec sa propre identité, mais surtout sa patte magistrale. Celle-ci est suffisamment rare pour mériter d’être mentionnée et, comme elle ne se retrouve pas sous les sabots d’un cheval, il serait opportun de ne pas changer de monture.

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6 novembre 2019 Posted by | Chroniques du Coeur | | Laisser un commentaire