Drugdealer: « Hiding In Plain Sight »

28 octobre 2022

Si vous venez de découvrir Drugdealer, le groupe psychédélique d’influence folk centré sur le frontman aux multiples facettes Michael Collins, vous êtes pile à l’heure. Le groupe a fait ses débuts en 2016 avec son LP, The End of Comedy, une sortie de 11 titres où l’on voit Collins tenter de trouver un équilibre entre son large éventail d’influences et les fondre en quelque chose de tout nouveau. Le groupe a vraiment commencé à briller sur son album Raw Honey, sorti en 2019. On peut vraiment entendre l’alchimie entre les membres du groupe, tandis que l’écriture de Collins commence à s’épanouir et à devenir plus vulnérable et poétique. Ces deux albums sont liés par des guitares tordues et des arrangements influencés par le jazz qui servent de toile de fond aux paroles mélancoliques de Collins.

Sur leur dernier album, Hiding In Plain Sight, le groupe continue d’améliorer ce qui le définit et d’expérimenter de nouvelles tonalités et de nouveaux sons, troquant l’intimité de leurs deux premiers albums pour des grooves satinés qui s’apparentent à des disques de soul classiques, ce qui constitue le meilleur travail de Drugdealer à ce jour.

Si Collins n’a pas peur d’explorer de nouveaux sons pour le bien de la chanson, une chose qui est toujours cohérente dans son travail est la façon dont il donne le ton à ses disques. Qu’il s’agisse d’une ballade lente ou d’un morceau de country de style western, Drugdealer sait toujours exactement comment introduire un concept et exécuter ce son à son maximum. Une fois de plus, ils ont trouvé le bon ton avec l’incroyable morceau d’introduction de leur nouvel album, « Madison ». On découvre immédiatement une nouvelle facette de Collins, un conteur plein d’âme qui est influencé à parts égales par le pub rock des années 70 et la soul des années 60. Collins combine ces deux époques pour créer des textures uniques.

Bien qu’il s’agisse d’un pas dans une nouvelle ère pour Drugdealer, ils ne semblent pas pouvoir se détacher de leurs racines. Une chanson comme « Hard Dreaming Man » présente certaines des meilleures compositions de l’album, mais le groupe glisse à nouveau vers le son d’inspiration folk de leurs débuts en 2016, créant un sentiment d’incohérence. C’est une excellente chanson, mais elle ne s’intègre pas au reste de l’album, et cette belle combinaison d’influences de la première piste disparaît et le LP est freiné à cause de cela. 

Les efforts de Drugdealer pour créer une musique plus soul sont évidents dans les arrangements, mais la performance vocale de Collins est la force motrice de ce nouveau son. Le groupe a toujours eu d’excellents arrangements sur ses albums, et celui-ci n’est pas différent. Bien qu’ils s’aventurent dans de nouveaux territoires et réussissent avec une instrumentation plus serrée, ce sont les voix qui emballent parfaitement ces nouvelles sonorités. Collins n’a jamais sonné aussi bien, il est capable de changer sa voix de manière inédite et son sens naturel du timing permet un changement de rythme choquant pour le frontman. « New Fascination » est un moment fort, pour cette raison, les accords de guitare bancals sont rencontrés avec des harmonies tout aussi élastiques de Collins, créant l’un des morceaux les plus expérimentaux de Hiding In Plain Sight. Le chant sur « New Fascination » est un changement bienvenu par rapport à leur son passé, au lieu de laisser l’instrumental faire le gros du travail, c’est la voix de Collins qui conduit ces chansons, et ajoute des éclats de texture et des couleurs vives à leurs arrangements déjà généreux. 

Drugdealer ne construit pas de mondes avec sa musique, ils décomposent le monde qui les entoure et créent des morceaux de musique simples mais puissants avec ce qui reste. Avec Hiding In Plain Sight, Collins est à son meilleur niveau de confiance et de créativité, avec une production luxuriante et une écriture vague mais intrigante qui éclate de couleur et de personnalité. Si ses deux premiers albums étaient des flocons de neige, Hiding In Plain Sight est l’avalanche qui en résulte et qui dévore l’auditeur avec des solos séduisants et des chansons émouvantes, ce qui en fait un album qui vaut le détour. 

***1/2


Tori Amos: « Ocean to Ocean »

3 novembre 2021

Tori Amos fait partie d’une génération d’artistes féminines qui, au début des années 1990, ont planté un poignard dans le cœur du patriarcat. Tumultueuse et émotionnellement gore, elle jouait du piano comme si elle bannissait des démons. Ses paroles étaient entre-temps un mélange viscéral d’Erica Jong et d’Emily Brontë. « Boy you best pray that I bleed real soon, how’s that thought for you » (Mon garçon, tu ferais mieux de prier pour que je saigne très vite, qu’est-ce que tu en penses ?), chantait-elle dans « Silent All These Years », l’une des meilleures chansons jamais écrites sur une vie rendue petite par les préjugés des personnes les plus proches de vous.

Trois décennies plus tard, et contrairement à ses pairs tels que Björk et PJ Harvey, Amos a gardé la foi, plus ou moins, avec son esthétique originale. Il n’y a pas eu de réinventions brusques ou de tentatives de redéfinition radicale de son son. Il s’agit toujours de Tori, Amos d’un piano Bösendorfer et de paroles tour à tour claires comme de l’eau de source ou noueuses et déchiquetées comme un couteau rouillé.

Mais a-t-elle quelque chose de nouveau à dire ? Ou bien, comme c’est souvent le cas pour les musiciens en pleine carrière, s’est-elle embourbée dans le permafrost des anciennes gloires ? Sur Ocean to Ocean, Amos répond à cette question de manière passionnante et affirmative. Enregistré au cours de l’hiver dernier et au début de l’été, et s’inspirant à la fois de l’angoisse qu’elle a ressentie à la suite du décès de sa mère en 2019 et du malaise qu’elle a ressenti à la suite de son enfermement, c’est le disque le plus austère que vous entendrez cette année. Pourtant, il est également beau et étrange, un projet avec ses bleus et ses cicatrices en pleine exposition.

Amos a dit que sa musique lui venait des « muses ». Et tout au long de Ocean to Ocean, il y a un sentiment troublant de forces élémentaires et peut-être pas tout à fait bénignes à l’œuvre. L’imagerie qu’Amos et ses esprits évoquent est par endroits austère et obsédante. Dans « Speaking With Trees », Amos se promène sur les routes autour de chez elle, dans les Cornouailles côtières, et se tourne vers la nature pour donner un sens au décès de sa mère (le deuil est quelque chose qu’elle connaît bien, puisqu’elle a perdu son frère dans un accident de la route en 2004).

La chanson est brûlante de douleur. Et il n’y a aucun soupçon de réconfort lorsqu’elle offre ses peines à la nature. « You only know when you know this »  (Tu ne sais que quand tu sais cela), s’écrie-t-elle. Elle chante, en premier lieu, sa mère, qui est restée une proche confidente jusqu’à la fin. Cependant, ces sentiments pourraient également s’appliquer à la panique silencieuse dont beaucoup d’entre nous ont souffert pendant l’enfermement : on ne sait à quoi ressemble la fin du monde que lorsqu’on la vit réellement.

Les albums d’Amos sont depuis longtemps d’une qualité implacable. Boys For Pele, qui a fait date en 1996, partait du bayou de ses traumatismes spirituels – qu’elle a subis à plusieurs reprises, grâce à une éducation méthodiste stricte – pour plonger ensuite dans un marécage de désespoir et de défi. Mais même selon ces critères, Ocean to Ocean est étonnamment impitoyable. Dans « Swim To New York State « , Amos rêve de traverser l’Atlantique pour rejoindre sa nièce, qui a vécu le purgatoire générationnel de la pandémie qui a mis sa jeunesse en suspens. Et sur « Metal Water Wood », elle reprend l’invocation de Bruce Lee « être comme l’eau » – c’est-à-dire être adaptable et durable – et cherche à l’appliquer à son enfermement en Cornouailles, où son monde semblait se rétrécir avec chaque nouveau matin.

Un aspect trompeur de l’album est qu’Amos a enveloppé la musique dans une couche de soft rock relativement conventionnelle. Son piano évite généralement la férocité du feu et de la soufre de son premier catalogue. Et le son est complété par une guitare lounge-rock (celle de son mari Mark Hawley), une basse discrète de Jon Evans et une batterie traînante de Matt Chamberlain.

Pourtant, ces éléments de MOR ne font que détourner l’attention de la véritable essence du disque. Sur la pochette d’Ocean to Ocean, Amos est perché sur une falaise et regarde la mer. Tout autour brillent des rochers anciens et pointus. On peut en déduire qu’une fois qu’on a glissé et dévalé une falaise – physiquement ou émotionnellement – il est souvent difficile de s’arrêter. C’est un album vaporeux et parfois faussement accessible sur le fait de tomber tout en bas et de se demander s’il y a un moyen de surnager.

***1/2


Juan Wauters: « Real Life Situations « 

4 mai 2021

Juan Wauters est un artiste aux influences éclectiques. Né à Montevideo, en Uruguay, mais originaire de New York, il a d’abord connu une certaine notoriété au sein du trio indé The Beets, avant de se lancer en solo en 2014.

Son travail solo initial, cependant, était quelque peu décevant, troquant le sens de l’amusement de son ancien groupe pour une vibe d’auteur-compositeur-interprète folky plus sérieuse qui ne lui convenait pas nécessairement. Tout cela a commencé à changer avec La Onda de Juan Pablo en 2018 et la suite de l’année suivante, Introducing Juan Pablo, qui a embrassé une éthique plus collaborative et ses racines uruguayennes.

Aujourd’hui, avec son nouvel album, Real Life Situations, Wauters semble avoir vraiment trouvé sa voie. Bien qu’il s’ouvre sur les paroles du leader du Weather Underground, Bernardine Dohrn, prônant une résistance violente en Amérique, c’est un disque lumineux et aéré qui agit comme une documentation étrangement attachante et une note de fin à une année extraordinaire marquée par le Covid-19.

La chanson d’ouverture « Monsoon » (avec HOMESHAKE, alias Peter Sagar) est un RnB de basse fidélité, dont les trilles jazzy et le whomping sonnent un peu comme de la musique de salon pour les personnes en phase terminale – mais c’est suffisamment sympathique pour que l’on acquiesce dans le genre de bar branché de Brooklyn où il ferait sans doute partie de la playlist.

Les titres de l’album sont entrelacés de notes vocales et de clips télévisés qui pourraient casser l’ambiance, mais qui servent en fait de ponctuation agréable à un disque qui s’enchaîne vaguement, permettant de définir ce qui se passe entre « Locura » (avec ses relents de « Moonage Daydream » de David Bowie), l’hymne cartoonesque et optimiste « Presentation », et l’interlude hiphop « Unity », avec Cola Boyy. Le « single » principal et le point central de l’album, « Real », avec Mac DeMarco, collaborateur de longue date, est une ode sinueuse aux plaisirs perdus pendant la pandémie et au lâcher prise. Il ne s’agit pas d’un morceau phare traditionnel, mais il convient plutôt aux thèmes contemplatifs de Real Life Situations.

La seconde moitié de l’album, qui penche vers le côté latin de Wauters, contient deux véritables joyaux : « Lion Domes », une collaboration avec Air Waves, illuminée par la voix tendre de la frontwoman Nicole Schneit, et « Powder », un morceau final aux cordes qui clôt l’album sur une note méditative.

Real Life Situations n’est pas un album particulièrement ostentatoire ou ambitieux, et par conséquent, il atteint rarement des sommets frappants ; mais c’est un disque agréable à écouter qui capture les sentiments de détente et de contemplation qui sont une autre facette, peut-être moins explorée, d’une année tragique où beaucoup de choses ont été mises en attente.

***1/2


Lydia Luce: « Dark River »

1 avril 2021

Dès que l’on s’intéresse à la vie de Lycia Luce, on comprend qu’elle était prédestinée à faire de la musique. Cependant, on commence à se demander si ses élans musicaux seraient différents si elle n’avait pas été élevée dans un foyer musical strict, où sa mère attendait de sa fille qu’elle apprenne le violon, ce qu’elle a fait, avant de passer une maîtrise d’alto à la UCLA.

On peut se demander comment elle a échappé à une carrière de musicienne classique ou si, d’un autre point de vue, elle y est parvenue, car son dernier album, Dark River, résonne d’échos de textures classiques et de cordes lumineuses. Bien sûr, des éléments d’alt-rock, d’Americana, de folk, de jazz et de pop défient la désignation « classique », faisant de l’album quelque chose d’entièrement différent.

Dark River suit le premier album de Luce en 2018, un Azalea qui reflétait une aura folk/americana certaine, tandis que le nouvel opus est plus sombre et cathartique, plus puissamment aromatisé par des brocards alternatifs. Luce a traversé une relation débilitante entre les deux albums, suivie de voyages dans le nord-ouest du Pacifique, de randonnées au mont Saint Helen et de camping dans le Colorado. Alors qu’elle sondait sa solitude et sa tristesse, une purge émotionnelle s’est produite.

Composé de 11 titres, l’album s’ouvre sur « Occasionally », une belle chanson débordant de cordes douces et mélancoliques sur une pulsation rythmique sise quelque part entre Leon Russell et Chris Isaak – de la country sophistiquée. Le point culminant de ce morceau est la voix douce et expressive de Luce à la fois nostalgique et tendre. Parmi les points d’entrée, citons « Something To Say », qui rappelle vaguement Fleetwood Mac, mais qui est rehaussé par des saveurs de SoCal alt-country qui rappellent Poco. En même temps, la voix de l’artiste, semblable à celle de Joni Mitchell, envoûte les auditeurs avec des timbres doux et nuancés.

« Never Been Good » fait écho à la couleur entraînante et séduisante de Jackson Browne, produisant des couches de musique infectieuses, basses et captivantes alors que « Leave Me Empty » scintille et brille avec de délicieux arômes country-pop accentuant la voix luxuriante et séduisante de Luce. L’intro baroque de « All The Time » dissimule l’énergie séduisante qui s’ensuit. Ronde et rauque, sur ce morceau, la voix de Lydia prend des teintes émergentes enchanteresses.

Les deux derniers titres de l’album – « Stones » et « Just The Same » – véhiculent un commerce différent de celui des autres chansons. Tous deux sont magnifiques, mais semblent dépeindre des souvenirs plutôt que des sentiments, ou peut-être des souvenirs de sentiments qui n’existent plus. Dark River élève Lydia Luce du rang de bonne auteure-compositrice-interprète à celui de la crème de la crème.

****


Travis: « 10 Songs »

9 octobre 2020

Le groupe écossais Travis a connu une longue et stable carrière, qui s’est déroulée de manière plutôt agréable. Ayant débuté comme un groupe peu distingué avec un petit penchant pour le grand public, une coïncidence atmosphérique a contribué à catapulter le deuxième album du groupe, The Man Who, dans la conscience du public. Depuis lors, le combo a connu un succès commercial en tant que groupe de light-rock

Ce neuvième disquede Travis, 10 Songs, ne représente pas un grand changement par rapport au parcours régulier du groupe. De douces impulsions d’introspection de l’intérieur de compositions simples et inoffensives. La chanteuse Fran Healy apaise les sentiments populaires avec des idées relatées, bien que légèrement déprimantes. Une production soignée met l’accent sur les accroches du piano et la voix tendre de Healy. Les sons sont réconfortants – comme une loge au coin du feu protégeant l’auditeur d’une atmosphère vaste et turbulente.

Nulle part ailleurs, Healy et ses collègues ne se ressemblent autant que sur le « single » « A Ghost », qui contient l’urgence contenue qui caractérise leurs chansons les plus populaires. La voix volontairement obscure du frontman tourbillonne sur les mers douces de l’agitation bourgeoise. « Ne perdez pas votre temps », se lamente Healy sur les notes de piano tumultueuses et errantes, donnant une petite touche de texture. « A Ghost », lui, sera l’appel le plus convaincant à sortir du plateau.

Pendant ce temps, « Valentine », qui s’immole de lui-même, illustre la tendance anti-ambition et les exhortations à l’écoute du disque avec une mélodie de guitare vaguement espagnole qui manque de définition. Comme l’offre audacieuse ici, « Valentin » » laisse quelque chose à désirer. « Si je me couche ici, je pourrais mourir ici, je pourrais rester couché ici pendant un certain temps » (If I lie here/ I might die here/ I may lay here for awhile), Healy s’infléchit avec inertie, consumant son caractère sombre. Un travail de guitare sans fioriture fait passer la chanson d’une période anémique à une version de Muse sans le drame.

Sur « The Only Thing », une hymne Americana avec Susanna Hoffs des Bangles, on s’engouffre dans le restaurant avec des voix de route poussiéreuses pour essayer de sauver les choses. « Vous êtes le disque dans un magasin que personne ne veut acheter » (ou are the record in the record-shop nobody wants to buy), contribue-t-elle, alors que Healy déplore impuissant son obsession pour une ex. Hélas, le manque de cran de Healy pour raconter des histoires n’est qu’une autre façon de se morfondre dans sa psyché personnelle.  Néanmoins, Hoffs s’en sort bien avec sa douceur lasse des arrêts de camion.

Le lumineux « Butterflies » réveille l’émouvant art de la chanson des Red House Painters, mais dès le premier refrain, la chanson est atténuée par la tessiture prescrite du disque. Plutôt que de s’élever lentement jusqu’à un niveau émotionnel élevé, la chanson s’arrête dès que Travis abandonne le couplet agréablement nuancé au profit d’un refrain plus doux. L’ouvrrture, « Waving At The Window », surferaelle aussi sur une vague douce qui culmine plutôt vers le bas, dans une tentative sincère d’honnêteté émotionnelle. Les sons de « Butterflies » et de « Waving At The Window » sont, à ce propos, coupés, édités pour être consommés et s’éteignent au moment où ils semblent aller dans un endroit intéressant.

Un problème récurrent est que les paroles mettent l’accent sur l’expérience personnelle, mais ne révèlent que peu de choses d’universel ou de profond. Ce problème est d’autant plus prononcé que les segments instrumentaux sont si simples et brefs.  Les chansons sont construites à grands traits. Les rythmes et les accords sont fades et servent de véhicules à des paroles qui ne dépassent que rarement le niveau de la dysphorie de la classe moyenne.

La sincérité est le point lumineux du style de Travis. Aussi effacées que soient les paroles de Healy, son chant et son falsetto se mêlent aux chansons simples pour évoquer un espace viscéral de vulnérabilité. Pour ceux qui apprécient sa voix, les singles feront une belle addition à la liste de lecture de la salle d’attente de n’importe quel dentiste. D’autres peuvent envisager de boire des pintes de consolation solitaires de Coldplay alors qu’une autre belle journée s’écoule.

Pas tout à fait à la hauteur de leurs précédentes sorties, 10 Songs embrasse malheureusement la mondanité. Le titre sans imagination dit tout. Sans thème cohérent, sans audace de déclaration, l’album s’épanouit là où le minimalisme s’efface au profit de la facilité. Les chansons laissent peu de choses à découvrir. Les moments marquants sont rares et ne peuvent pas combler les lacunes d’une musique de fond fade et parfois mièvre.

**1/2