Duster: « Together »

16 avril 2022

Il ne faut pas longtemps à « New Directions », le premier morceau du quatrième album de Duster, Together, pour que la phrase suivante soit marmonnée : « J’ai perdu la main, je suis devenu vieux et j’ai transformé de la poussière en or » (I’ve lost hold and become old and turned some dust to gold . C’est une bonne chose, non seulement un commentaire conscient de soi de la part d’un groupe vieillissant, mais aussi une référence artistique à la chanson « Gold Dust » sur Stratosphere, le premier album culte du groupe en 1998, et une reconnaissance précoce de la préoccupation principale de cet album : une contemplation du passage du temps et des souvenirs lointains.

Duster est l’un de ces rares groupes dont le statut a été renforcé par l’absence, leurs deux premiers albums étant largement cités comme influents et emblématiques pendant leur très longue interruption. Le groupe a ensuite sorti un album de retour éponyme très impressionnant en 2019 (leur meilleure œuvre, pour beaucoup). Et maintenant, il y a un quatrième LP dans le catalogue de Duster, Together, une sortie bien réelle mais assez inattendue.

Puisque ce disque est une sortie surprise, il y a une certaine ironie dans le fait que la musique présentée sur ce disque est très typique de l’ouvre de Duster. En d’autres termes, si vous entrez dans cet album en vous attendant à des chansons qui sonnent comme des chansons de Duster par défaut (bien qu’avec des valeurs de production plus élevées que leurs premières productions), vous ne serez pas du tout choqué ou déçu. Tout est là : des vibrations slowcore dépressives qui évitent les franges les plus extrêmes du genre, un sentiment étrange d’espace, et le crunch sombre des riffs qui, d’une chanson à l’autre, peuvent parfois pencher plus vers le grunge ou plus vers le shoegaze.

Comme d’habitude pour Duster, ce n’est pas vraiment une écoute « excitante » (même si le travail de guitare est un peu plus lourd que d’habitude par endroits), mais plutôt une collection satisfaisante de morceaux bien construits avec un sens notable de l’atmosphère. L’âme de l’album reste insaisissable, le groupe prenant soin de maintenir une certaine ambiguïté dans sa musique, mais il y a clairement un sentiment de mélancolie et de solitude agité, à rebours, qui s’insinue, illustré dans « Teeth » par la ligne plaintive « les étoiles semblent plus proches que toi ». (The stars seem closer than you do). Ou, comme il est dit clairement plus tard dans l’album dans « Feel No Joy », « le temps est venu et est parti » (ime came and went). Derrière les paysages musicaux brumeux, des chuchotements vocaux luttent pour faire passer leur message, pour exprimer l’inexprimable, ce qui fait partie de la beauté particulière de la chose.

Bien que réduit à un duo plutôt qu’à un trio (Jason Albertini ne fait pas partie de la formation pour cet album), Duster ne prend pas une nouvelle direction musicale sur Together. Cette stase ne risque pas d’être trop controversée par les fans, car la faible production du groupe à travers les décennies empêche leur style quasi unique de s’épuiser, du moins pour l’instant. Que l’on s’attende ou non à d’autres morceaux de Duster (probablement le dernier), il est bon de les avoir. Together est une œuvre finement élaborée qui devrait résister à l’écoute dans des circonstances très variées, et qui se sentira probablement aussi à l’aise au milieu des arbres squelettiques balayés par le vent à la fin de l’automne que sous le porche par une soirée d’été humide. En somme, il y a de quoi se réjouir, les garçons tristes sont de retour..

***1/2


Caracara: « New Preoccupations »

26 mars 2022

« J’écoutais Dirty Projectors « , s’exclame Will Lindsay, le chanteur de Caracara, sur « Colorglut », le troisième titre de New Preoccupations, le plus instructif des textes de l’album. Il est vrai que, avant, Caracara a toujours existé dans l’espace liminal bizarre entre l’emo et l’indie rock, mais, sur New Preoccupations, ils ont choisi unautre versant. Pour Lindsay et compagnie, l’art rock éclectique de David Longstreth est la lumière qui guide le groupe dans son long voyage hors de la scène emo, de la même manière que Radiohead a été une pierre de touche pour Foxing lorsqu’ils ont fait un saut similaire sur Nearer My God. L’une des forces du groupe était auparavant son caractère amorphe ; il semble qu’il ait été étiqueté comme emo pour les personnes avec lesquelles il collaborait plutôt que pour un son, qui sur Summer Megalith allait du slowcore sinistre (« Evil ») au post-hardcore DC (« Another Night ») en passant par l’indie pop floue (« Revelatory »). Sur New Preoccupations, bien qu’ils soient toujours à l’aise pour passer d’un son à l’autre, ils semblent avoir trouvé une niche dans le rock indé coloré et plus ampoulé. 

L’EP Better qui a suivi Summer Megalith, et le « single » « Dark Bells » qui l’a suivi, indiquaient déjà un pas dans cette direction, empruntant plus à The National ou The Antlers qu’à American Football ou Sunny Day Real Estate, et les deux premiers titres de New Preoccupations reprennent bien là où Better s’est arrêté. Certaines des chansons les plus appréciées de Caracara («  Apotheosis », « Better » et, sans doute, bientôt « Monoculture ») commencent comme de délicates ballades avant de s’épanouir en des ponts grandioses, et « My Thousand Eyes » tout comme le « single » principal « Hyacinth » vont étirer cette formule sur deux morceaux. Lorsque le larsen engloutit la voix de Lindsay dans les dernières secondes de l’aérienne et acoustique « My Thousand Eyes », il se jette directement dans la fulgurante « Hyacinth » d’une manière qui rappelle la transition tonitruante qui a porté la chanson titre de Better à de nouveaux sommets. Bien que « Hyacinth » soit assez séduisant en tant que « single », il est clair que cette chanson était destinée à être entendue couplée avec « My Thousand Eyes » comme le moment où New Preoccupations décolle vraiment. 

Si « My Thousand Eyes » et « Hyacinth » présentent le groupe dans son habitat naturel, « Colorglut » montre que Caracara se lance dans quelque chose de nouveau. Elle est dynamique et électronique, construite sur un rythme de danse nerveux. Alors que Caracara n’avait peut-être jamais eu de son défini auparavant, « Colorglut » est le premier morceau qu’ils ont sorti qui brise le moule. La boîte à rythmes inspirée de l’horreur qui ouvre la chanson la distingue immédiatement du reste de leur discographie, et la mélodie mi-parlée, mi-chuchotée de Lindsay donne à la chanson un sentiment unique. Anthony Green fait une apparition dans le pont de la chanson, sa voix singulière cimentant encore plus « Colorglut » comme un tournant sur le LP ; il mène à la sombre « Nocturnalia », peut-être la omposition la plus synthétisée dans le catalogue du groupe jusqu’à présent – il est immédiatement clair que « Colorglut » n’est pas un cas unique pour Caracara. Les fioritures électroniques, celles qui colorent « Nocturnalia » ou donnent à « Useful Machine » son flair pop, contribuent à étoffer l’univers de New Preoccupations et à lui donner une vie distincte, non seulement dans le contexte de la carrière du groupe, mais aussi dans celui de la scène plus large qui les a engendrés.

Il y a d’autres chansons sur New Preoccupations qui sont plus proches du domaine de l’émotivité du groupe, cependant. Le « single » « Strange Interactions in the Night » est clairement redevable à Death Cab, cousin des premiers « singles » de Caracara comme « Revelatory » et « New Chemical Hades », et les fans des morceaux denses et sinueux de Summer Megalith comme « Evil » et « Prenzlauerberg » apprécieront le labyrinthique morceau central de six minutes qu’est « Ohio ». Toutefois, l’agressivité de « Hyacinth » n’est jamais égalée que par la chanson finale « Monoculture », qui consiste essentiellement en une accumulation de quatre minutes. C’est la chanson qui puise le plus profondément dans le puits silencieux et bruyant qui caractérise la musique emo, et que Caracara a déployé avec tant d’efficacité sur ses précédents albums, et c’est la chanson la plus lourde qu’ils aient jamais sortie, toute la colère, le dégoût de soi et le désespoir des 35 minutes précédentes se déversant en même temps. Le groupe enchaîne les riffs triomphants tout en s’approchant de plus en plus du soleil, puis les ailes finissent par se détacher et Lindsay prononce la dernière phrase du disque, celle vers laquelle tout tend clairement : « Je suis enfin libre de me laisser aller » (I’m finally free to let go). Il la répète six fois, sa voix devenant de plus en plus rauque à chaque fois, jusqu’à ce qu’il se mette à hurler et que tout s’effondre en poussière. C’est une fin d’album s’il y en a une, un soupir de frustration et de soulagement à la fois ; c’est du Caracara classique.

Pour un groupe qui apprécie clairement un crescendo cathartique, certains des moments les plus puissants de New Preoccupations sont les plus subtils.  Les 90 secondes de « Peeling Open My Eyelids » en sont un exemple. C’est une reprise de « Nocturnalia », cette fois habillée de cordes douces et d’un battement de tambour électronique à peine audible, plus un écho ou un fantôme de cette chanson qu’une entité propre. C’est bref et discret, mais l’association des paroles impressionnistes de Lindsay avec la brume orchestrale constitue une belle combinaison. Ensuite, « Harsh Light », l’avant-dernière piste sans prétention, prise en sandwich entre l’électropop sombre de « Useful Machine » et l’apothéose que constitue « Monoculture », pourrait bien être la meilleure chanson de tout l’album. Comme sur « Peeling Open My Eyelids », des percussions électroniques se mêlent à une simple ligne de piano et la juxtaposition est magnifique. La voix de Lindsay ne s’élève jamais au-dessus d’un croon calme, et l’accroche de la chanson se présente sous la forme d’un riff de scie circulaire qui élève la chanson à un niveau entièrement nouveau. C’est une excellente étude de contraste, les battements de l’UKG contre le piano contre le ronronnement des synthés contre les cordes qui plongent dans les dernières secondes de la chanson ; c’est un morceau où la libération ne vient pas d’un cri déchirant la gorge ou d’une réplique à l’emporte-pièce mais d’un riff bien synchronisé – c’est une retenue impressionnante pour un groupe comme Caracara. Ils ont appris que parfois, une ligne de piano ou un rythme inattendu peuvent être porteurs d’autant d’émotion que les cris les plus sincères. C’est cette volonté de s’adapter, de ne jamais s’en tenir à une seule formule et de se remettre constamment en question qui distingue Caracara de tant de ses pairs, et New Preoccupations ne témoigne pas seulement de l’ambition du quatuor, mais aussi de ses talents de musicien.

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Holy Motors: « Horse »

20 octobre 2020

Créé à Tallinn, en Estonie, en 2013, Holy Motors a reçu les éloges de Pitchfork, Stereogum et Bandcamp et a joué avec des groupes comme Low. Aujourd’hui, ils s’apprêtent à sortir Horse, la suite de Slow Sundown, acclamé par la critique, sur le label new-yorkais Wharf Cat Records, en un disque toujours aussi brillant.

Eliann Tulve se plaint de la lenteur avec laquelle l’église n’est plus accessible tous les jours de la semaine, alors qu’un doux son de basse la fait glisser vers l’avant. « Endless Night » est plus sombre et plus atmosphérique, avec un son qui se situe quelque part entre Cigarettes After Sex et Beach House pour commencer, avant de se plonger dans quelque chose de plus éthéré : « It’s another endless night ». La chanson parle de disputes et de désaccords avec une histoire captivante : deux hommes semblent se disputer. Un homme vole le bijou, tandis que l’autre joue de la guitare, « parce que c’est une star ». Le nostalgique « Midnight Cowboy » est tout aussi sombre, car Eliann se souvient qu’il était « un peu en retard à la fête, tout le monde a quelqu’un dans l’air qui est plein d’amour » (A little late to the party, everybody’s got somebody in the air that’s full of love).

« Matador » contient des paroles sur la tristesse et le réconfort qui nous rappellent Scott Hutchison : « Je ne m’inquiète pas, je n’ai pas d’amis à qui parler sur la route où je suis sans fin » (I don’t worry I ain’t got no friends to talk to on the road that I’m on with no end) avant de devenir plus une histoire sur la façon de sortir de la banalité de la vie – machine à glace cassée et tout le reste : « Dois-je rester ou dois-je en chercher d’autres ? » «Trouble » est une autre chanson teintée de country avec juste ce qu’il faut de noirceur : « Au bord de la mer où je suis né, dans tes rêves, mais ensuite tu m’as quitté » (Down by the sea where I was born into your dreams but then you left me) ; « Maintenant, toutes mes peurs me retiennent, elles me retiennent jusqu’à l’arrivée du soleil » (Now all my fears they hold me up, they hold me till the sun comes). « Ensuite, je mets une croix sur mon cœur et j’espère, je prie, que je ne mourrai pas » ( hen put a cross on my heart and I hope, I pray, that I won’t die) avant que l’instrumental de « Life Valley », dans le style des Raconteurs, ne mette un terme à l’album, un disque que vous voudrez chevaucher malgré ses thématiques mélancoliques.

***1/2


Sophia: « Holding On / Letting Go »

30 septembre 2020

La seule constante avec Sophia est Robin Proper-Sheppard. Il est le cerveau, le chanteur, le compositeur et le multi-instrumentiste du groupe, qui a toujours été plus un projet. Et donc fortement dépendant des humeurs fluctuantes de Sheppard. C’est comme ça depuis la création du groupe en 1995, et c’est aussi comme ça que ça se passe sur Holding On / Letting Go, qui évolue à nouveau dans les domaines de l’Indie, de la Dream Pop, du Postrock et du dark Slowcore.

Là, il y a des éruptions électriques et des subtilités acoustiques, là aussi des éléments électroniques apparaissent, et cela peut devenir très fort, presque métallique (« We See Youé), mais aussi très silencieux. L’Américain Berlinois par choix vous emmène sur des montagnes russes émotionnelles, une fois de plus avec une équipe presque entièrement nouvelle, cette fois-ci avec trois Belges. Étonnant de voir comment le capitaine parvient à maintenir son identité musicale.

De nombreux claviers sont inclus cette fois-ci, les cordes passent au second plan et ainsi le prog post-rock (« Strange Attractor », « Wait ») procure de merveilleux moments, des plongées avec « Undone ». Again » est une chanson que vous aimeriez entendre à nouveau de Death Cab For Cutie. Alive », une chanson lente, qui appartient à Terry Edwards (Nick Cave, PJ Harvey) et à son saxophone, sort de l’ordinaire. Mais que serait Holding On / Letting Go sans de tendres ballades comme « Gathering The Pieces » et « Avalon » ? Ils se préparent à affronter le rock électrique avec un folk gracieux d’auteur-compositeur-interprète et tout se fond harmonieusement

***1/2


Windy & Carl: « Allegiance and Conviction »

16 mai 2020

Le duo du Michigan Windy et Carl n’a pas sorti d’album depuis 2012 et pourtant, chaque fois que quelqu’un mentionne le drone et la musique post-ambient, ce nom est l’un des premiers à apparaître. La raison en est très simple. Ils étaient et restent l’un des artistes les plus innovants dans ces genres et dans bien d’autres encore. Leur dernier album Allegiance and Conviction est sorti alors que COVID-19 faisait déjà des ravages dans le monde entier. À son écoute, on a l’impression qu’il est sorti dans les magasins de disques (vides) à un moment où il peut être le plus convaincant. Heureusement, le streaming fonctionne toujours. Alors, qu’est-ce qui est identique et qu’est-ce qui est différent dans la musique de Windy & Carl après quelque huit ans et pourquoi cela s’inscrit-il dans cette époque ?

Eh bien, tout est à la fois identique et différent. Pour ceux qui ont suivi le duo de plus près, on peut s’étonner de la présence de chants (discrets) tout au long de l’album, qui ajoutent une touche supplémentaire aux guitares dominantes (chatoyantes) qui ont toujours été la signature principale de Windy & Carl. À cet égard, rien n’a changé. Il n’a probablement pas eu besoin de changer, et la musique sonne comme si elle n’était qu’un ensemble de couches supplémentaires.

Mais le changement clé ici est probablement la ou les perspectives que la musique d’Allegiance and Conviction atteint l’auditeur en ces temps chaotiques. À un certain niveau, l’atmosphère est sombre, sombre et sombre, reflétant l’humeur qui nous entoure. De l’autre, il y a un élément calmant qui apporte la paix et la réflexion.

Que ce soit exactement comme Windy & Carl voulait que cet album sonne, cela ne fait aucune différence. Avec lui, même après huit ans d’absence, ils restent à la pointe du genre sous lequel vous voulez classer leur musique.

***1/2


Greet Death: « The Brutal Beauty Of Self-Reflection »

10 mai 2020

Qu’est-ce que l’enfer exactement ? Est-ce un domaine tortueux auquel on est condamné après une vie de péché ? Peut-être l’enfer est-il plutôt un sentiment que l’on ressent dans la vie quotidienne ?

Toujours est-il que, si on est en prise avec les pensées du combo sur leur deuxième album, Saluez la mort aux prises avec ces pensées sur leur deuxième album, The Brutal Beauty Of Self-Reflection, on n’est pas loin de vouloir saluer la mort.

« Circles of Hell » donne le ton de l’album alors que le groupe se fraye un chemin à travers de lourdes distorsions et des tambours qui martèlent. Le guitariste Logan Gaval chante sur les effets paralysants de la dépression, plaidant pour une bouée de sauvetage : « J’ai été laissé derrière / Retourné à la case départ / Si je parlais franchement / Je serais crucifié dans mon propre enfer ». (I’ve been left behind / Returned to the grind / If I spoke my mind / I’d be crucified in my own hell.) La chanson culmine avec une minute de guitare et de basse grinçantes. C’est un moment si lourd que le groupe est obligé de faire une pause pour revenir avec encore plus d’agressivité.

Cette lourdeur est la carte de visite de Greet Death. C’est un groupe qui joue sur ses forces sans être monotone. Le son du trio de Flint, dans le Michigan, est un mélange de shoegaze, de dream pop et d’emo avec juste une touche de doom. La plupart des neuf morceaux sont structurellement identiques : ils commencent en silence et en diminutif et atteignent des sommets fulgurants avant de s’épuiser sous le poids des instruments. Habité et inspiré.

***1/2


Dakota Suite & Quentin Sirjacq: « The Indestructibility Of The Already Felled »

5 avril 2020

Schloe Records a l’habitude de découvrir des albums classiques modernes lents, paisibles et délicats en un style appelé slowcore. Le pianiste Quentin Sirjacq et le chanteur et guitariste de Dakota Suite (Chris Hooson) collaborent ici pour créer une collection de musique lente mais d’une beauté absolue. Elle ralentit littéralement votre esprit et le distille dans un silence paisible.

Quentin Sirjacq fait fonctionner un piano préparé tout au long de la pièce. La plus légère des modifications peut envoyer une seule note dans un écho ou alors vous entendrez les tripes de ses fils comme dans « Kogarshi ». Ce morceau utilise également d’intéressantes percussions japonaises qui évoquent les coups de pluie sur un toit de métal. Dans d’autres morceaux comme « Kintsugi », « Aiseki » et le dernier morceau « Kyoshu », d’autres percussions traditionnelles sont utilisées tout en douceur. Les carillons Matsumushi, les blocs de bois Mokusho, les cloches Tam-Tam et Crotale sont utilisés pour tourner autour des pianos et des synthés. Ils offrent beaucoup pour leur douce inclusion.

Ce qui élève encore l’album, c’est l’excellente prestation vocale de Dakota Suite. « Safe In Your Arms » ouvre l’album comme une déclaration d’intention. La voix calme, feutrée et chaleureuse du chanteur vous apaise. « Away » est à peu près aussi grand public que l’album, alors que le piano doux et les synthés aquatiques s’élèvent au fur et à mesure que la voix de Dakota Suite s’éloigne. Cela rappelle un peu l’excellent album éponyme de Lissom, qui montre à quel point une collaboration entre musique classique et auteurs-compositeurs peut être gracieuse et délicate. Et puis, accordons une mention spéciale pour l’utilisation d’un piano jouet, un instrument sous-estimé s’il en est, dans le superbe « My Thirst for You is Where I Lie » .

Sous le tout se trouve le piano de Quentin Sirjacq et un curieux vibraphone. Le vibraphone est omniprésent et embellit doucement le piano et, à l’occasion, la guitare acoustique. En plus des synthés souvent filiformes qui sont utilisés, le vibraphone donne à l’album un air de nature fait maison. ; on est , à cet égard, très surpris qu’il ne soit pas en mode « jazz-it-up » mais aussi très heureux qu’il ne le doit pas. L’impression générale est que l’on a droit à un travail que c’est organique et fait maison et que ce n’est pas qu’une douce chaleur. « These Nights Without You » est légèrement décalé, tandis que « Aiseki » utilise la réverbération des percussions japonaises pour compléter le son. C’est ingénieux car leur son est légèrement déroutant mais les notes basses du piano sont doucement défiantes dans leur chaleur.

Ce disque permet de comprendre vraiment la signification du slowcore. C’est une musique parfaite pour se détendre et calmer son esprit. Quentin Sirjacq et Dakota Suite rebondissent naturellement l’un sur l’autre avec élégance et classe , ce qui permet de classer l’album au même rang que les meilleures réalisations du genre.

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Duster: « Duster »

21 janvier 2020

Les légendes du slowcore de San Jose, Duster, reviennent au bercail avec leur nouvel album éponyme, le premier du groupe depuis près de deux décennies. Bien que cela fasse 19 ans que Duster a sorti son deuxième et dernier album, Contemporary Movement, on a, à bien des égards, l’impression que la musique n’a jamais cessé. Les membres, les multi-instrumentistes Clay Parton et Canaan Dove Amber, et le batteur Jason Albertini, sont restés en contact au fil des ans et ont continué à travailler ensemble à différents titres. Albertini a formé l’Helvetia après la dissolution de Duster, où il a fréquemment collaboré avec Amber. Leurs six premières sorties ont été réalisées par le label The Static Cult de Parton. C’était un groupe très soudé.

Plus tard, Albertini a été le bassiste de Built to Spill, un autre groupe de rock des années 90, où il a rempli la section rythmique avec Steve Gere après le départ de Brett Nelson et Scott Plouf. À la fin de leur séjour à Built to Spill, Gere a rejoint Duster en tant que batteur de tournée pour leurs réunions, tandis qu’Albertini prenait en charge la basse.

Lorsque le groupe a annoncé qu’il allait « enregistrer un peu » sur instagram en 2018, les fans ont été enchantés par les photos de leur équipement d’époque. Duster était de retour et leur charme organique et lofi était sans compromis. Cependant, dans une interview, Parton a averti les fans que la sortie prochaine du groupe pourrait ne pas plaire à tout le monde.

Il est vrai que le nouvel album éponyme de Duster n’a pas l’énergie inégalable de leur premier LP Stratosphere, ni la réputation lourde et mythique de leur production classique, sauvée de deux décennies d’obscurité silencieuses. Mais l’album éponyme de Duster trouve sans effort sa place dans la discographie désormais légendaire du groupe.

Enregistré en direct dans le garage de Patron, l’album sonne presque comme s’il s’agissait d’une capsule temporelle sauvée de 2001. Il a certainement toutes les caractéristiques d’un album classique de Duster : le chant est bas dans le mixage, chaque note de basse est tonitruante et délibérée, les chansons sont toujours ouvertes et vagues même quand elles sont directes, et une épaisse couche de fuzz imprègne l’album. On en vient, en fait, à penser que jamais Duster n’a été aussi flou.

Cet élément atteint son paroxysme pendant les feedbacks arrosés de « Damaged » et « Go Back ». Entre les deux, il y a le magnifique et brumeux « Letting Go », l’un des deux titres que le groupe a partagé avant sa sortie. Parmi les autres points forts de l’album, citons le sombre et entraînant « Ghost World », le chaleureux et délicat « Hoya Paranoia » et le spacieux « Copernicus Crater », que le groupe a sorti à Halloween.

Ne vous y trompez pas, il y a une progressio marquée de ces 12 pistes qui vont au-delà du flou. Duster est le disque le plus ambitieux du groupe sur le plan sonore à ce jour et ils ont appris plus que quelques tours en leur temps à part.

Parton a récemment décrit le groupecomme pratiquant de la « musique expérimentale dépressive », ce qui est probablement une description plus précise du groupe à ce stade que celle de « slowcore ». Duster a retouvé son public en 2019, cedernier l’a retrouvé aussi et leur album éponyme montre que le groupe a encore beaucoup d’atouts dans les mains.

***1/2


Duster: « Duster »

22 décembre 2019

Légendes « slowcore » de San Jose, Duster, reviennent au bercail avec leur nouvel album éponyme, le premier du groupe depuis près de deux décennies.

Bien que cela fasse 19 ans que Duster a sorti son deuxième et dernier album, Contemporary Movement, à bien des égards, on a l’impression que la musique n’a jamais cessé. Les membres, les multi-instrumentistes Clay Parton et Canaan Dove Amber, et le batteur Jason Albertini, sont restés en contact au fil des ans et ont continué à travailler ensemble à différents titres. Albertini a formé Helvetia après la dissolution de Duster, où il a fréquemment collaboré avec Amber. Leurs six premiers albums sont sortis sur le label The Static Cult de Parton. C’était un groupe très soudé.

Plus tard, Albertini a été le bassiste de Built to Spill, un autre groupe de rock des années 90, où il a rempli la section rythmique avec Steve Gere après le départ de Brett Nelson et Scott Plouf. Quand leur temps dans Built to Spill s’est terminé, Gere a rejoint Duster en tant que batteur de tournée pour leurs dates de réunion tandis qu’Albertini a pris en charge la basse.

Lorsque le groupe a annoncé qu’il allait enregistrer un peu sur instagram en 2018, les fans ont été enchantés par les photos de leur équipement vintage. Duster était de retour et leur charme organique et lofi était sans compromis. Cependant, dans une interview, Parton a averti les fans que la sortie prochaine du groupe pourrait ne pas plaire à tout le monde.

« Nous sommes très conscients que beaucoup de gens qui n’aiment que Stratosphere ne sont pas intéressés par ce que nous avons à offrir maintenant « , a-t-il dit. « Ces gens devraient revenir dans une vingtaine d’années, peut-être qu’ils seront prêts pour 2019 en 2040 quand on sera tous morts. »

Il est vrai que le nouvel album éponyme de Duster n’a pas l’énergie unique de leur premier LP Stratosphere, ni la réputation lourde et mythique de leur production classique, sauvée de deux décennies d’obscurité dans les magasins de disques. Mais l’album éponyme de Duster trouve sans peine sa place dans la discographie désormais légendaire du groupe.

Enregistré en direct dans le garage de Patron, l’album sonne presque comme s’il s’agissait d’une capsule temporelle sauvée de 2001. Il a certainement toutes les caractéristiques d’un album classique de Duster – le chant est bas dans le mix, chaque note de basse est tonitruante et délibérée, les chansons sont toujours ouvertes et vagues même quand elles sont directes, et une épaisse couche de fuzz imprègne l’album. En fait, on peut pariers que Duster ait jamais été aussi flou.

Le fuzz atteint son apogée pendant les morceaux « Damaged » et « Go Back ». Entre les deux, il y a le magnifique et brumeux « Letting Go », un des deux titres que le groupe a partagé avant sa sortie. Les autres points forts de l’album sont le sombre et entraînant « Ghost World », le chaleureux et délicat « Hoya Paranoia » et le spacieux « Copernicus Crater ».

Ne vous y trompez pas, il y a une croissance marquée dans ces 12 pistes au-delà du fuzz. Duster est le disque le plus ambitieux du groupe sur le plan sonore à ce jour et ils ont appris plus que quelques trucs en leur temps à part.

Parton a récemment qualifié le groupe de comme pratiquant de la musique expérimentale dépressive, ce qui est probablement une description plus précise du groupe à ce stade que l’étiquette de « slowcore « . Duster ont finalement trouvé leur public en 2019, et leur album éponyme montre que le groupe a encore beaucoup de ressources dans sa besace.

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Minor Pieces: « The Heavy Steps Of Dreaming »

22 octobre 2019

Le duo canadien Minor Piece présente une suite de chansons totalement habitées, portées par des voix profondes pour une expérience musicale assez intense. L’évocation de The Heavy Steps Of Dreaming constituera donc une exception à la règle. Il s’agit du premier album du duo Minor Pieces composé des Canadiens Missy Donaldson et Ian William Craig.

Dès le titre d’ouverture, Rothko, difficile de ne penser à Low ou Grouper, des formations capables de composer des chansons folk lentes et brumeuses nourries d’ambient music et d’expérimentations, donnant des choses habitées et souvent bouleversantes.
Ici Minor Pieces propose sa propre version du slowcore avec un style qui consiste à associer guitare, machines, bandes magnétiques, basse et synthés aux voix superbes et changeantes de ses deux membres.


Avec une forme de classicisme évident, les deux canadiens chantent dans des registres très variés, en étant capables de passer de voix d’opéra à des tonalités à caractère plus religieux.
Un album inclassable, très original, d’une intensité remarquable, à la beauté sombre et envoûtante dont les titres renferment par moment une dimension cinématographique évidente. Une musique à vivre autant qu’à écouter.

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