Windy & Carl: « Allegiance and Conviction »

Le duo du Michigan Windy et Carl n’a pas sorti d’album depuis 2012 et pourtant, chaque fois que quelqu’un mentionne le drone et la musique post-ambient, ce nom est l’un des premiers à apparaître. La raison en est très simple. Ils étaient et restent l’un des artistes les plus innovants dans ces genres et dans bien d’autres encore. Leur dernier album Allegiance and Conviction est sorti alors que COVID-19 faisait déjà des ravages dans le monde entier. À son écoute, on a l’impression qu’il est sorti dans les magasins de disques (vides) à un moment où il peut être le plus convaincant. Heureusement, le streaming fonctionne toujours. Alors, qu’est-ce qui est identique et qu’est-ce qui est différent dans la musique de Windy & Carl après quelque huit ans et pourquoi cela s’inscrit-il dans cette époque ?

Eh bien, tout est à la fois identique et différent. Pour ceux qui ont suivi le duo de plus près, on peut s’étonner de la présence de chants (discrets) tout au long de l’album, qui ajoutent une touche supplémentaire aux guitares dominantes (chatoyantes) qui ont toujours été la signature principale de Windy & Carl. À cet égard, rien n’a changé. Il n’a probablement pas eu besoin de changer, et la musique sonne comme si elle n’était qu’un ensemble de couches supplémentaires.

Mais le changement clé ici est probablement la ou les perspectives que la musique d’Allegiance and Conviction atteint l’auditeur en ces temps chaotiques. À un certain niveau, l’atmosphère est sombre, sombre et sombre, reflétant l’humeur qui nous entoure. De l’autre, il y a un élément calmant qui apporte la paix et la réflexion.

Que ce soit exactement comme Windy & Carl voulait que cet album sonne, cela ne fait aucune différence. Avec lui, même après huit ans d’absence, ils restent à la pointe du genre sous lequel vous voulez classer leur musique.

***1/2

Greet Death: « The Brutal Beauty Of Self-Reflection »

Qu’est-ce que l’enfer exactement ? Est-ce un domaine tortueux auquel on est condamné après une vie de péché ? Peut-être l’enfer est-il plutôt un sentiment que l’on ressent dans la vie quotidienne ?

Toujours est-il que, si on est en prise avec les pensées du combo sur leur deuxième album, Saluez la mort aux prises avec ces pensées sur leur deuxième album, The Brutal Beauty Of Self-Reflection, on n’est pas loin de vouloir saluer la mort.

« Circles of Hell » donne le ton de l’album alors que le groupe se fraye un chemin à travers de lourdes distorsions et des tambours qui martèlent. Le guitariste Logan Gaval chante sur les effets paralysants de la dépression, plaidant pour une bouée de sauvetage : « J’ai été laissé derrière / Retourné à la case départ / Si je parlais franchement / Je serais crucifié dans mon propre enfer ». (I’ve been left behind / Returned to the grind / If I spoke my mind / I’d be crucified in my own hell.) La chanson culmine avec une minute de guitare et de basse grinçantes. C’est un moment si lourd que le groupe est obligé de faire une pause pour revenir avec encore plus d’agressivité.

Cette lourdeur est la carte de visite de Greet Death. C’est un groupe qui joue sur ses forces sans être monotone. Le son du trio de Flint, dans le Michigan, est un mélange de shoegaze, de dream pop et d’emo avec juste une touche de doom. La plupart des neuf morceaux sont structurellement identiques : ils commencent en silence et en diminutif et atteignent des sommets fulgurants avant de s’épuiser sous le poids des instruments. Habité et inspiré.

***1/2

Dakota Suite & Quentin Sirjacq: « The Indestructibility Of The Already Felled »

Schloe Records a l’habitude de découvrir des albums classiques modernes lents, paisibles et délicats en un style appelé slowcore. Le pianiste Quentin Sirjacq et le chanteur et guitariste de Dakota Suite (Chris Hooson) collaborent ici pour créer une collection de musique lente mais d’une beauté absolue. Elle ralentit littéralement votre esprit et le distille dans un silence paisible.

Quentin Sirjacq fait fonctionner un piano préparé tout au long de la pièce. La plus légère des modifications peut envoyer une seule note dans un écho ou alors vous entendrez les tripes de ses fils comme dans « Kogarshi ». Ce morceau utilise également d’intéressantes percussions japonaises qui évoquent les coups de pluie sur un toit de métal. Dans d’autres morceaux comme « Kintsugi », « Aiseki » et le dernier morceau « Kyoshu », d’autres percussions traditionnelles sont utilisées tout en douceur. Les carillons Matsumushi, les blocs de bois Mokusho, les cloches Tam-Tam et Crotale sont utilisés pour tourner autour des pianos et des synthés. Ils offrent beaucoup pour leur douce inclusion.

Ce qui élève encore l’album, c’est l’excellente prestation vocale de Dakota Suite. « Safe In Your Arms » ouvre l’album comme une déclaration d’intention. La voix calme, feutrée et chaleureuse du chanteur vous apaise. « Away » est à peu près aussi grand public que l’album, alors que le piano doux et les synthés aquatiques s’élèvent au fur et à mesure que la voix de Dakota Suite s’éloigne. Cela rappelle un peu l’excellent album éponyme de Lissom, qui montre à quel point une collaboration entre musique classique et auteurs-compositeurs peut être gracieuse et délicate. Et puis, accordons une mention spéciale pour l’utilisation d’un piano jouet, un instrument sous-estimé s’il en est, dans le superbe « My Thirst for You is Where I Lie » .

Sous le tout se trouve le piano de Quentin Sirjacq et un curieux vibraphone. Le vibraphone est omniprésent et embellit doucement le piano et, à l’occasion, la guitare acoustique. En plus des synthés souvent filiformes qui sont utilisés, le vibraphone donne à l’album un air de nature fait maison. ; on est , à cet égard, très surpris qu’il ne soit pas en mode « jazz-it-up » mais aussi très heureux qu’il ne le doit pas. L’impression générale est que l’on a droit à un travail que c’est organique et fait maison et que ce n’est pas qu’une douce chaleur. « These Nights Without You » est légèrement décalé, tandis que « Aiseki » utilise la réverbération des percussions japonaises pour compléter le son. C’est ingénieux car leur son est légèrement déroutant mais les notes basses du piano sont doucement défiantes dans leur chaleur.

Ce disque permet de comprendre vraiment la signification du slowcore. C’est une musique parfaite pour se détendre et calmer son esprit. Quentin Sirjacq et Dakota Suite rebondissent naturellement l’un sur l’autre avec élégance et classe , ce qui permet de classer l’album au même rang que les meilleures réalisations du genre.

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Duster: « Duster »

Les légendes du slowcore de San Jose, Duster, reviennent au bercail avec leur nouvel album éponyme, le premier du groupe depuis près de deux décennies. Bien que cela fasse 19 ans que Duster a sorti son deuxième et dernier album, Contemporary Movement, on a, à bien des égards, l’impression que la musique n’a jamais cessé. Les membres, les multi-instrumentistes Clay Parton et Canaan Dove Amber, et le batteur Jason Albertini, sont restés en contact au fil des ans et ont continué à travailler ensemble à différents titres. Albertini a formé l’Helvetia après la dissolution de Duster, où il a fréquemment collaboré avec Amber. Leurs six premières sorties ont été réalisées par le label The Static Cult de Parton. C’était un groupe très soudé.

Plus tard, Albertini a été le bassiste de Built to Spill, un autre groupe de rock des années 90, où il a rempli la section rythmique avec Steve Gere après le départ de Brett Nelson et Scott Plouf. À la fin de leur séjour à Built to Spill, Gere a rejoint Duster en tant que batteur de tournée pour leurs réunions, tandis qu’Albertini prenait en charge la basse.

Lorsque le groupe a annoncé qu’il allait « enregistrer un peu » sur instagram en 2018, les fans ont été enchantés par les photos de leur équipement d’époque. Duster était de retour et leur charme organique et lofi était sans compromis. Cependant, dans une interview, Parton a averti les fans que la sortie prochaine du groupe pourrait ne pas plaire à tout le monde.

Il est vrai que le nouvel album éponyme de Duster n’a pas l’énergie inégalable de leur premier LP Stratosphere, ni la réputation lourde et mythique de leur production classique, sauvée de deux décennies d’obscurité silencieuses. Mais l’album éponyme de Duster trouve sans effort sa place dans la discographie désormais légendaire du groupe.

Enregistré en direct dans le garage de Patron, l’album sonne presque comme s’il s’agissait d’une capsule temporelle sauvée de 2001. Il a certainement toutes les caractéristiques d’un album classique de Duster : le chant est bas dans le mixage, chaque note de basse est tonitruante et délibérée, les chansons sont toujours ouvertes et vagues même quand elles sont directes, et une épaisse couche de fuzz imprègne l’album. On en vient, en fait, à penser que jamais Duster n’a été aussi flou.

Cet élément atteint son paroxysme pendant les feedbacks arrosés de « Damaged » et « Go Back ». Entre les deux, il y a le magnifique et brumeux « Letting Go », l’un des deux titres que le groupe a partagé avant sa sortie. Parmi les autres points forts de l’album, citons le sombre et entraînant « Ghost World », le chaleureux et délicat « Hoya Paranoia » et le spacieux « Copernicus Crater », que le groupe a sorti à Halloween.

Ne vous y trompez pas, il y a une progressio marquée de ces 12 pistes qui vont au-delà du flou. Duster est le disque le plus ambitieux du groupe sur le plan sonore à ce jour et ils ont appris plus que quelques tours en leur temps à part.

Parton a récemment décrit le groupecomme pratiquant de la « musique expérimentale dépressive », ce qui est probablement une description plus précise du groupe à ce stade que celle de « slowcore ». Duster a retouvé son public en 2019, cedernier l’a retrouvé aussi et leur album éponyme montre que le groupe a encore beaucoup d’atouts dans les mains.

***1/2

Duster: « Duster »

Légendes « slowcore » de San Jose, Duster, reviennent au bercail avec leur nouvel album éponyme, le premier du groupe depuis près de deux décennies.

Bien que cela fasse 19 ans que Duster a sorti son deuxième et dernier album, Contemporary Movement, à bien des égards, on a l’impression que la musique n’a jamais cessé. Les membres, les multi-instrumentistes Clay Parton et Canaan Dove Amber, et le batteur Jason Albertini, sont restés en contact au fil des ans et ont continué à travailler ensemble à différents titres. Albertini a formé Helvetia après la dissolution de Duster, où il a fréquemment collaboré avec Amber. Leurs six premiers albums sont sortis sur le label The Static Cult de Parton. C’était un groupe très soudé.

Plus tard, Albertini a été le bassiste de Built to Spill, un autre groupe de rock des années 90, où il a rempli la section rythmique avec Steve Gere après le départ de Brett Nelson et Scott Plouf. Quand leur temps dans Built to Spill s’est terminé, Gere a rejoint Duster en tant que batteur de tournée pour leurs dates de réunion tandis qu’Albertini a pris en charge la basse.

Lorsque le groupe a annoncé qu’il allait enregistrer un peu sur instagram en 2018, les fans ont été enchantés par les photos de leur équipement vintage. Duster était de retour et leur charme organique et lofi était sans compromis. Cependant, dans une interview, Parton a averti les fans que la sortie prochaine du groupe pourrait ne pas plaire à tout le monde.

« Nous sommes très conscients que beaucoup de gens qui n’aiment que Stratosphere ne sont pas intéressés par ce que nous avons à offrir maintenant « , a-t-il dit. « Ces gens devraient revenir dans une vingtaine d’années, peut-être qu’ils seront prêts pour 2019 en 2040 quand on sera tous morts. »

Il est vrai que le nouvel album éponyme de Duster n’a pas l’énergie unique de leur premier LP Stratosphere, ni la réputation lourde et mythique de leur production classique, sauvée de deux décennies d’obscurité dans les magasins de disques. Mais l’album éponyme de Duster trouve sans peine sa place dans la discographie désormais légendaire du groupe.

Enregistré en direct dans le garage de Patron, l’album sonne presque comme s’il s’agissait d’une capsule temporelle sauvée de 2001. Il a certainement toutes les caractéristiques d’un album classique de Duster – le chant est bas dans le mix, chaque note de basse est tonitruante et délibérée, les chansons sont toujours ouvertes et vagues même quand elles sont directes, et une épaisse couche de fuzz imprègne l’album. En fait, on peut pariers que Duster ait jamais été aussi flou.

Le fuzz atteint son apogée pendant les morceaux « Damaged » et « Go Back ». Entre les deux, il y a le magnifique et brumeux « Letting Go », un des deux titres que le groupe a partagé avant sa sortie. Les autres points forts de l’album sont le sombre et entraînant « Ghost World », le chaleureux et délicat « Hoya Paranoia » et le spacieux « Copernicus Crater ».

Ne vous y trompez pas, il y a une croissance marquée dans ces 12 pistes au-delà du fuzz. Duster est le disque le plus ambitieux du groupe sur le plan sonore à ce jour et ils ont appris plus que quelques trucs en leur temps à part.

Parton a récemment qualifié le groupe de comme pratiquant de la musique expérimentale dépressive, ce qui est probablement une description plus précise du groupe à ce stade que l’étiquette de « slowcore « . Duster ont finalement trouvé leur public en 2019, et leur album éponyme montre que le groupe a encore beaucoup de ressources dans sa besace.

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Minor Pieces: « The Heavy Steps Of Dreaming »

Le duo canadien Minor Piece présente une suite de chansons totalement habitées, portées par des voix profondes pour une expérience musicale assez intense. L’évocation de The Heavy Steps Of Dreaming constituera donc une exception à la règle. Il s’agit du premier album du duo Minor Pieces composé des Canadiens Missy Donaldson et Ian William Craig.

Dès le titre d’ouverture, Rothko, difficile de ne penser à Low ou Grouper, des formations capables de composer des chansons folk lentes et brumeuses nourries d’ambient music et d’expérimentations, donnant des choses habitées et souvent bouleversantes.
Ici Minor Pieces propose sa propre version du slowcore avec un style qui consiste à associer guitare, machines, bandes magnétiques, basse et synthés aux voix superbes et changeantes de ses deux membres.


Avec une forme de classicisme évident, les deux canadiens chantent dans des registres très variés, en étant capables de passer de voix d’opéra à des tonalités à caractère plus religieux.
Un album inclassable, très original, d’une intensité remarquable, à la beauté sombre et envoûtante dont les titres renferment par moment une dimension cinématographique évidente. Une musique à vivre autant qu’à écouter.

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Sigh Of Relief: « Injection »

C’est à un étrange et fascinant voyage que nous vous invitons pour finir cette nouvelle brève de platine avec la présentation d’Injection, le projet ambient de Sigh of Relief, alias Bubba Kadane de Bedhead et The New Year.

Ici, point de slowcore, ni de chansons mélancoliques et dépressives mais un unique morceau ambient de 40 minutes qui s’insinue peu en peu entre nos oreilles et semblent se diffuser jusqu’à la pointe de nos orteils, nous laissant dans un état de douce mais attentive léthargie.

Bubba Kadane travaille depuis 2015 sur ce projet, l’étirant peu à peu, avant de le ramasser à nouveau  pour atteindre une pureté musicale dépourvue de tout artifice et nous offrir un objet sonore hypnotique et fascinant.

Si l’atmosphère peut d’un premier abord se révéler inquiétante, c’est au final un bonheur profond que diffuse Injection. Superbe et infectieux!

***1/2

Samana: « Samana »

Samana est un duo masculin/féminin venu de Brighton formé par Rebecca Rose Harris et de Franklin Mockett mélangeant avec brio slowcore, art-rock et indie folk et présentant ici son tout premier albuéponyme comme ile se doit.

Composé de 10 titres, la fusion musicale de Samana se veut résolument cinématographique avec une prédilection pour des paysages en noir et blanc. Entre la voix grave et désabusée de Rebecca Rose Harris et ses influences dignes de Mazzy Star, Nick Cave et Sigur Ros, on se laisse emporter par des titres somptueux allant de « Before The Flood » à « I’ll Keep You With Me » en passant par les intenses et hypnotiques « Harvest », « The Sky Holds Our Years » et autres « Blue Requiem ».

Ces dix morceaux sont écrits à partir, selon leurs dires, de l’interprétation de leurs rêves et de rituels philosophiques anciens.Ce n’est donc pas pour rien que Samada nous procure mille et une frissons que ce soit sur « De Profoundis » avec son final bien rugueux et haletant ou même sur « Beneath The Ice ». Le premier album du duo est une expérience plutôt unique et captatrice de par son honnêteté émotionnelle.

***

Spain: « Mandala Brush »

Après un The Soul of Spain partagé entre hymnes électriques et ballades plus introspectives, et la mélancolie alt-country de Carolina, c’est du côté de la mystique et du psychédélisme que vient fureter cette nouvelle réussite du groupe de Josh Haden, fidèle à son titre et au fameux symbole bouddhiste de l’univers, le mandala, qui orne sa pochette.

Une spiritualité que le groupe n’a jamais reniée depuis les spirituals affligés et feutrés de son chef-d’œuvre inaugural The Blue Moods of Spain, et qui n’hésite pas ici à célébrer le retour du Seigneur pour tester nos nations corrompues au son d’une americana aux cuivres mariachi (« The Coming of the Lord »). Entre deux bijoux d’alt-country chorale faisant la part belle aux backing vocals de ses sœurs Petra et Tanya (« You Bring Me Up » et son coda gospel, ou le sublime « Laurel, Clementine »), un classique instantané de folk jazzy aux émotions à fleur de peau (« Folkestone, Kent) » et un hymne plus pop et dispensable (« Sugkarane »), on pourrait croire sur le papier que Spain est rentré dans le rang, se reposant élégamment sur ses lauriers comme au tournant des années 2000, avec des chansons certes plus inspirées qu’à cette période de transition avant séparation mais sans audace ni prise de risque. Il n’en est rien.

On entend en effet sur ce nouvel opus des jams folk-rock opiacés aux allures de western halluciné (« Maya in the Summer »), du pur rock psyché versant atmosphérique élevé à Can et au Pink Floyd des origines (« [Rooster † Cogburn] ») et son incandescent final guitare/orgue/batterie) ou encore une complainte acoustique au fingerpicking délicat où l’accordéon lancinant de Mike Bolger et les cordes poignantes des deux sœurs font merveille (« Holly »). Autant de morceaux qui trouvent leur place dans le grand tout de ce Mandala Brush avec une sorte d’harmonieuse asymétrie déjouant la perfection annoncée par la géométrie du mandala, une figure qui semble ici dédiée à la féminité et plus largement à la vie, comme en témoigne en son centre le symbole de Vénus.

Mais la pièce maîtresse de ce nouvel opus est autrement plus surprenante encore. Du haut de ses 15 minutes mystiques et sinueuses, « God Is Love » fait fi de la voix suave de l’Américain pour laisser place aux circonvolutions d’une flûte orientale, le mizmar, et au violon nébuleux de Petra Haden sur fond de batterie tantôt chamanique ou carrément free jazz, de basse tâtonnante et de guitare acoustique méditative.

De son ouverture arabisante à son final aux chœurs opératiques et aux vents habités, ce titre évoque dans l’esprit le meilleur de Everything Sacred première sortie du trio Yorkston/Thorne/Khan, et pourrait être le chef-d’œuvre du disque, si ce n’était pour son final « Amorphous, » sans doute l’errance folk-jazz la plus confondante et abstraite à la fois entendue depuis la grande époque de Tim Buckley. Ce coup-ci, les vocalises plaintives de Josh, capiteuses et tourmentées, sont pour beaucoup dans le désespoir que véhicule ce titre percussif et psychotrope à souhait, comme sur le plus cadré mais tout aussi libertaire et hypnotique Tangerine, au crescendo foisonnant digne de Van Morrison.

On l’aura compris, depuis sa reformation en 2007, le groupe californien n’en finit plus de se réinventer tout en restant fidèle à ses thématiques de prédilection et à un songwriting racé aux sentiments exacerbés… l’équilibre des plus grands.

****1/2

 

Bill Wells & Aidan Moffat: « The Most Important Place In The World »

Ce deuxième album de Bill Wells & Aidan Moffat débute sur un « On The Motorway » , une ode étrange puisqu’elle vante les mérites de se retrouver coincé sur l’autoroute, à la foid énervé et perclus par cet ennui que la situation provoque. C’est un titre emblématique de The Most Important Place On The World car nous sommes à un croisement et que le disque s’avérer être une sorte de « road album » naviguant tout au long de la vie, de l’amour, du sexe aussi ; bref tout ce qui a le corps et le coeur. L’opus va s’écouter comme un hymne à la ville, destination finale, dans ce qu’elle symbolise : la tentation, l’ange gardien, le lieu des grandes passions et la confidente. « The city wants to take me back… her legs are spread » chante Moffat explicitement devant un feu clignotant comme une oeillade. Le narrateur prendra-t-il le bon tournant ? C’est l’écoute qui nous permettra peut-être de le déterminer.

« On The Motorway » indique un changement de direction mais cela n’implique pas que, musicalement, des frontières ont été malmenées. Les « torch songs » mélodramatiques et avant-jazz et la cocktail-pop poétique qui définissaient le « debut album » des deux écossais, Everythings Getting Older meilleur album écossais de l’année 2012), sont toujours aussi appuyées comme en témoignent des titres de la nature de « This Dark Desire », « Far From You » ou « Any Other Mirror ». En revanche, les bifurcations y sont pléthoriques ; un gospel calédonien (sic!) (« Street Pastor Colloquy, 3am »), une electro-pop euphorique (« The Eleven Year Glitch »), une élégie jazzy à la Tom Waits (« Lock Up Your Lambs ») sans oublier la « power ballad » rongée par la culpabilité qu’est « The Unseen Man ».

Moffat est toujours à son aise dans la pop noire teintée d’érotisme (« Nothing Sounds sweeter than a stolen sigh »), un librettiste vagabond qui s’avère être un loup-garou (« I howled a pem at the first moon I saw ») et un naturaliste urbain contemplant la vie sauvage qui y règne («  This is the soul of the city, her glory stripped, her passions laid bare »). Les mélodies de Wells sont étayées par un piano raffiné et les chorus jazzy sont aussi fascinants et charmeurs qu’ils l’étaient déjà sur le disque précédeent.

S’y ajoutent des saxos, des trompettes et des cordes qui ajoutent embellissement et ravissement, le tout ponctué par ce feu clignotant qui rythmera le chant du cygne de l’album, « We’re Still Here ». The Most Important Place On The World est une sorte d’hommage à ce qu’est de vivre à la croisée de chemins, d’en franchir certains au travers de mots et de musiques , de se heurter à des murs et de faire preuve de résilience en notre capacité à défier les obstacles. C’est une célébration de la précarité de la vie, mais c’est aussi cet endroit le plus important du monde qui nous permet, en frôlant les abîmes, de rester vivants.

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