No BS: Just Rock & Roll!

Violoniste, membre d’un groupe, chanteuse de country, créatrice de supergroupes ; à chaque étape de sa carrière, Amanda Shire s’est présentée très clairement, et sur Take It Like a Man, elle va plus loin, n’hésitant jamais à aborder l’intimité ou les détails personnels. Plutôt qu’un flot de confessions, son nouvel album s’appuie sur de petits détails, explorant un large éventail d’influences sonores tout en concentrant ses paroles sur le doute et le défi, à la fois en soi et dans une relation. L’album ne retient pas grand-chose, mêlant des déclarations frappantes et directes à une vision poétique. Shires rit peut-être un peu moins sur cet album qu’à d’autres moments, mais son esprit demeure, offrant son dernier album comme une catharsis et une sagesse même dans les moments de doute.

L’ouverture de l’album dissimule les thèmes centraux. « Hawk for the Dove » est un morceau « de vapeur », où le désir sexuel de Shires est au premier plan. « Je suis bien consciente de ce dont la nuit est faite », chante-t-elle, « Et je viens pour toi comme un faucon pour la colombe ». La chanson sonne comme une nuit humide du sud, mais le début de la crise existe même au milieu du désir ardent. Lorsque Shires pense à « The spurs of hip bones and you pressing in », le désir monte au sommet de son être, mais elle suit rapidement cette pensée avec « Come on, I dare you, make me feel something again ». L’enchevêtrement de l’excitation potentielle et du désespoir libère sa tension dans un solo de violon abrasif. Il s’agit de sexe, mais pas seulement, et le reste de l’album s’ouvre à ces complications.

L’espace dans un partenariat romantique apparaît sur « Empty Cups ». Ici, la relation échoue moins en raison de problèmes que de la « nouveauté… qui s’estompe ». Shires explique : « Pour chaque début, il y aura un arrêt ». Ce showstopper d’une ballade de Nashville suggère une inévitabilité dans la décadence, comme si les relations avaient une date d’expiration et que ceux qui cherchent des sorties les trouveront à temps. « Don’t Be Alarmed » remet en question cette idée même, car Shires se sert de son propre courage dans les ruptures pour encourager son partenaire à « aller jusqu’au bout ». L’arrangement qui se construit lentement lui permet de reprendre des forces au fur et à mesure que la chanson progresse. Cette relation peut se terminer, mais pas sans reconnaître le choix qui a été fait au cours du processus.

Shires a clairement indiqué que ces chanteurs ne sont pas de simples personnages. « Fault Lines » dépeint une période difficile de son mariage avec son collègue Jason Isbell. Les interviews le précisent, mais lorsqu’elle fait référence au « vaisseau amiral », elle fait un clin d’œil direct à la chanson d’Isbell portant ce titre et faisant l’éloge de leur relation. Dans « Fault Lines », on se demande comment on peut trouver ou attribuer des responsabilités. À la fin de la pièce, Shires ne connaît pas la vérité sur sa propre relation, une façon appropriée d’évaluer la complexité d’un mariage long et mature. L’amour n’est pas facile et les ruptures ne sont pas romantiques, et Shires sait comment ancrer ses expériences dans une forme terreuse et incarnée. Avec art et expression, elle rend sa prestation vocale immédiate et urgente sur chaque morceau.

Une grande partie de l’album est peut-être sombre et blessante, mais elle ne s’attarde pas sur une seule note. « Bad Behavior » revient à la séduction, même si des questions subsistent. « Stupid Love » cède à l’optimisme avec un peu de soul du Sud.  » And you might be my ruining/ I lean into it : be my ruining « , chante-t-elle. La naïveté n’a pas sa place ici, mais le désespoir non plus, semble-t-il. Shires, dans une volée de métaphores d’oiseaux, a résisté à tout ce qui pouvait lui arriver dans la chanson titre, mais elle ne s’est pas détournée des possibilités. Le disque se termine par « Everything Has Its Time », qui admet ostensiblement que tout a une fin. Commençant par la fin de l’exubérance des nouvelles relations, le morceau se dirige vers le déclin inévitable de « Empty Cups », mais les paroles sont accompagnées d’un certain nombre de points d’interrogation. Shires essaie de comprendre ce qui se passe après que le feu se soit éteint. Elle finit par aller de l’avant, trouvant la paix dans la compréhension de la dissolution, mais les questions demeurent, et le souhait de « Stupid Love » persiste. Shires a écrit quelque chose qui ressemble à un album de rupture, mais elle s’est mise au défi de rester dans les endroits difficiles et de ne pas aller au-delà des questions. Elle pourrait sembler coincée si elle n’était pas aussi réfléchie sur ces sujets difficiles, et son écriture trouve sa propre chaleur en explorant le refroidissement physique. Cet échange mène à une sorte d’élan et à une écriture de chansons vraiment touchante.

***1/2

L’auteure-compositrice-interprète Mandy Moore poursuit son évolution vers un son plus organique sur In Real Life. Après avoir attendu plus d’une décennie pour sortir son sixième album, le transformateur Silver Linings, il ne lui a fallu que deux ans pour former son prochain effort. Son dernier opus s’appuie sur la transition de la chanteuse, qui s’est éloignée de la pop grand public pour se rapprocher du style folklorique de Laurel Canyon.

In Real Life ressemble à une œuvre post-pandémique, qui fait appel aux émotions de la reconnexion. L’album a également une intimité personnelle supplémentaire. C’est parce que Moore l’a écrit juste avant la naissance de son premier enfant. Dans ses textes, la chanteuse imagine ce que pourrait être la parentalité. Que ce soit intentionnel ou non, le contraste est saisissant avec la mère expérimentée qu’elle a incarnée pendant six ans dans la série télévisée This Is Us.

Il est difficile de définir le son qui définit le disque. Mandy Moore expérimente tout, de la ballade au piano à la country, en passant par l’indie pop sourde, chaque chanson offrant un aperçu différent de sa psyché.

L’album s’ouvre sur la chanson titre, une ballade acoustique chaloupée, soutenue par une basse et un synthé chauds. Cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas quelques rebondissements, notamment un violon et des solos de guitare.

« Somebody loves me/ Somebody needs me/ In real life/ Somebody wants me », déclare Moore, la voix tranchante et directe. Il est intéressant de noter que la vidéo de cette chanson met en vedette les personnes qui accompagnent Moore dans l’émission de télévision, ce que beaucoup de fans veulent croire être la vraie vie.

« Heartlands » est fidèle à son nom : une magnifique ballade aux accents americains, pleine d’harmonies et d’un piano discret. Le morceau est complexe et bien délivré. C’est une chanson simple avec un message simple que Moore délivre efficacement. L’enjoué « Little Dreams » offre quelque chose de très différent : un morceau à la basse lourde qui fusionne la sensibilité indie avec un arrangement acoustique de chanteur-compositeur. Mélangeant tout, des cordes aux synthés, la chanson est énergique sans être exagérée, s’intégrant à la personnalité du reste de l’album.

L’ambiance change avec la ballade dramatique au piano de « Just Maybe ». Mélangeant les moindres touches pop, le morceau a un aspect très cinématographique et une montée et une descente d’optimisme prudent. « Just maybe we’re all that we’ve got/ And that’s more than enough to keep on dreaming » (Peut-être que nous sommes tout ce que nous avons et que c’est plus que suffisant pour continuer à rêver), chante Moore.

Les choses changent du tout au tout sur l’amusante jam de bar « Living in the in Between », où Moore échange sa voix avec son mari (et le leader de Dawes) Taylor Goldsmith. Ce n’est pas la seule collaboration de Moore sur le disque, elle travaille également avec Lucius, The War on Drugs et Phoebe Bridgers.

Les choses restent optimistes avec la chanson d’amour « In Other Words », un indie rock acoustique construit sur un jeu de guitare brillant et chatoyant.

Four Moons », d’inspiration méridionale, est empreint d’une authenticité Americana organique, tandis que « Little Victories » réserve des surprises avec une jam acoustique entraînante et des éclairs de funk old-school nuancés. La production de In Real Life est solide. Avec un casque sur les oreilles, vous pouvez distinguer tous les instruments et les harmonies dans les arrangements.

« Heavy Lifting » est une chanson d’amour acoustique détendue et légère qui va et vient avec une touche légère. « Brand New Nowhere » est insouciant et funky. « When we run out of road/ Let’s find a brand new road » (Quand nous n’aurons plus de route, trouvons une toute nouvelle route), chante Moore, débordant d’optimisme à cet agard.

C’est ce genre d’attitude positive que Mandy Moore transmet tout au long de l’album. Elle est présente à la fois dans les paroles et dans l’arrangement des chansons. L’album s’achève sur la note la plus complexe et la plus subtile avec la légère touche acoustique de « Every Light », un morceau élaboré de main de maître.

In Real Life témoigne de la croissance et de la maturité de Moore en tant qu’auteur-compositeur et interprète. L’album est amusant et enjoué, mais surtout, il est authentique à son expérience personnelle.

***1/2

Patty Smyth revient avec un excellent nouvel album, It’s About Time, un titre qui appuie le bouton sur la question que les fans lui ont posée et qu’elle s’est souvent posée à elle-même.

Bien qu’il y ait eu quelques chansons éparses ici et là, cela fait 28 ans que son dernier album, intitulé Patty Smyth, est sorti en 1992. Il contenait la chanson « Sometimes Love Just Ain’t Enough », nominée aux Grammy Awards, chantée avec Don Henley et co-écrite avec Glen Burtnik. Depuis lors, Smyth a élevé sa famille de six enfants avec son mari, le guitariste et légende du tennis John McEnroe. La vérité est qu’elle a toujours tourné, fait des spectacles et écrit, mais n’a jamais trouvé le temps de retourner au studio d’enregistrement.

Enregistré à Nashville avec Dann Huff, It’s About Time est un voyage vers ses racines et des temps plus simples, axé sur la force et l’importance des relations formatrices et durables.  Les six originaux du disque conservent le son classique de Patty Smyth – la batterie et un soupçon de sons classiques des années 80 finement mélangés avec des guitares acoustiques et des éléments électriques croustillants. La voix séduisante de Smyth s’élève au-dessus des instruments et dégage toujours une passion et une sensualité qui flattent vos oreilles et vous incitent à arrêter ce que vous faites et à écouter.

Le contemplatif « Losing Things », qui prend racine dans le son apaisant d’une guitare acoustique, pourrait tout aussi bien figurer sur un album de Miranda Lambert que s’il était chanté par Paul Westerberg. Inspirée par une photographie qu’elle a trouvée d’elle et de sa sœur, elle revisite sa jeunesse et le désir de prendre la route vers nulle part sur « Drive ». « Build A Fire » »raconte la longue histoire d’amour avec son mari, ainsi que le lien fort et l’alchimie qui les unissent encore. Deux reprises classiques, « Downtown Train » et « Ode To Billie Joe », une chanson clé de son enfance, donnent à l’auditeur un aperçu de ses influences et complètent cet album de huit chansons.

***1/2

En quittant a terre natale de Liverpool pour s’installer à Los Angeles, Dan Croll fait montre de sa volonté d’acquérir vraie expérience pour travailler dans la musique. Sur son disque Grand Plan, les émotions et les histoires qu’il a rencontrées se déversent ainsi dans un processus de recherche du son qui serait idéal pour lui.

Grand Plan est une collection de 12 chansons pop nostalgiques qui retracent 12 mois de sa vie – à partir de février 2018, lorsque Croll s’est retrouvé dans un nouveau pays.

Mélange d’humour, d’amour et de douleur, l’album s’ouvre sur une note de tendresse avec « Yesterday », qui rappelle la rencontre embarrassante et mal préparée de Croll avec Sir Paul McCartney. Ensuite, « Stay in L.A. » explore les aspirations créatives et incertaines qui ont poussé le chanteur à quitter sa ville natale avec un aller simple pour la Cité des Anges. 

D’une introspection charmante mais d’une relation intense, Croll enregistre les sentiments amoureux de différentes manières tout au long de l’album. Il rumine notamment sur sa connexion immédiate avec sa nouvelle petite amie sur « Work » avant de réfléchir à son amour pour sa patrie sur « Rain ».

Il oscille entre la certitude et le doute sur le morceau phare « So Dark », alors qu’il raconte l’expérience positive qu’est sa rencontre de nouveaux amis à travers un paysage sonore sophistiqué d’orgue et de guitares et « Coldbloode » nous ramènera à la contemplation, un sujet lourd, démenti par un instrument facile à jouer.

Plutôt que d’être l’esclave d’une seule entreprise musicale, Grand Plan est d’autant plus spécial pour son cœur spontané.Il s’agit d’un journal de pensées et de sentiments, d’excitation et d’anxiété, d’amour et de douleur. Croll passe facilement de l’incertitude quant à son nouvel environnement dans le morceau acoustique « Actor With A Loaded Gun» à l’épuisement inévitable dans « Hit Your Limit » », puis à l’excitation face à l’avenir sur la chanson titre.

Il termine l’album sur un moment doux-amer qui reflète la vie elle-même, alors que le délai de 12 mois qu’il s’était fixé à Los Angeles arrive à son terme. Sur l’avant-dernier morceau « Surreal », il exprime clairement son affairement face à ce que la vie peut apporter, avant de se plonger dans le chagrin et de trouver la lumière dans la tragédie sur le dernier morceau « Together ».

Ce qui rend Grand Plan si intéressant ne raside pas son écriture discrète ou sa musicalité expérimentale, mais dans la douceur et la portée du voyage individuel de Croll et la façon dont il nous emmène avec lui. On ressent ce qu’il ressent, et au bout de 12 titres, on émerge à ses côtés avec l’envie de se redécouvrir.

***1/2