Amanda Shires: « Take It Like a Man »

14 août 2022

Violoniste, membre d’un groupe, chanteuse de country, créatrice de supergroupes ; à chaque étape de sa carrière, Amanda Shire s’est présentée très clairement, et sur Take It Like a Man, elle va plus loin, n’hésitant jamais à aborder l’intimité ou les détails personnels. Plutôt qu’un flot de confessions, son nouvel album s’appuie sur de petits détails, explorant un large éventail d’influences sonores tout en concentrant ses paroles sur le doute et le défi, à la fois en soi et dans une relation. L’album ne retient pas grand-chose, mêlant des déclarations frappantes et directes à une vision poétique. Shires rit peut-être un peu moins sur cet album qu’à d’autres moments, mais son esprit demeure, offrant son dernier album comme une catharsis et une sagesse même dans les moments de doute.

L’ouverture de l’album dissimule les thèmes centraux. « Hawk for the Dove » est un morceau « de vapeur », où le désir sexuel de Shires est au premier plan. « Je suis bien consciente de ce dont la nuit est faite », chante-t-elle, « Et je viens pour toi comme un faucon pour la colombe ». La chanson sonne comme une nuit humide du sud, mais le début de la crise existe même au milieu du désir ardent. Lorsque Shires pense à « The spurs of hip bones and you pressing in », le désir monte au sommet de son être, mais elle suit rapidement cette pensée avec « Come on, I dare you, make me feel something again ». L’enchevêtrement de l’excitation potentielle et du désespoir libère sa tension dans un solo de violon abrasif. Il s’agit de sexe, mais pas seulement, et le reste de l’album s’ouvre à ces complications.

L’espace dans un partenariat romantique apparaît sur « Empty Cups ». Ici, la relation échoue moins en raison de problèmes que de la « nouveauté… qui s’estompe ». Shires explique : « Pour chaque début, il y aura un arrêt ». Ce showstopper d’une ballade de Nashville suggère une inévitabilité dans la décadence, comme si les relations avaient une date d’expiration et que ceux qui cherchent des sorties les trouveront à temps. « Don’t Be Alarmed » remet en question cette idée même, car Shires se sert de son propre courage dans les ruptures pour encourager son partenaire à « aller jusqu’au bout ». L’arrangement qui se construit lentement lui permet de reprendre des forces au fur et à mesure que la chanson progresse. Cette relation peut se terminer, mais pas sans reconnaître le choix qui a été fait au cours du processus.

Shires a clairement indiqué que ces chanteurs ne sont pas de simples personnages. « Fault Lines » dépeint une période difficile de son mariage avec son collègue Jason Isbell. Les interviews le précisent, mais lorsqu’elle fait référence au « vaisseau amiral », elle fait un clin d’œil direct à la chanson d’Isbell portant ce titre et faisant l’éloge de leur relation. Dans « Fault Lines », on se demande comment on peut trouver ou attribuer des responsabilités. À la fin de la pièce, Shires ne connaît pas la vérité sur sa propre relation, une façon appropriée d’évaluer la complexité d’un mariage long et mature. L’amour n’est pas facile et les ruptures ne sont pas romantiques, et Shires sait comment ancrer ses expériences dans une forme terreuse et incarnée. Avec art et expression, elle rend sa prestation vocale immédiate et urgente sur chaque morceau.

Une grande partie de l’album est peut-être sombre et blessante, mais elle ne s’attarde pas sur une seule note. « Bad Behavior » revient à la séduction, même si des questions subsistent. « Stupid Love » cède à l’optimisme avec un peu de soul du Sud.  » And you might be my ruining/ I lean into it : be my ruining « , chante-t-elle. La naïveté n’a pas sa place ici, mais le désespoir non plus, semble-t-il. Shires, dans une volée de métaphores d’oiseaux, a résisté à tout ce qui pouvait lui arriver dans la chanson titre, mais elle ne s’est pas détournée des possibilités. Le disque se termine par « Everything Has Its Time », qui admet ostensiblement que tout a une fin. Commençant par la fin de l’exubérance des nouvelles relations, le morceau se dirige vers le déclin inévitable de « Empty Cups », mais les paroles sont accompagnées d’un certain nombre de points d’interrogation. Shires essaie de comprendre ce qui se passe après que le feu se soit éteint. Elle finit par aller de l’avant, trouvant la paix dans la compréhension de la dissolution, mais les questions demeurent, et le souhait de « Stupid Love » persiste. Shires a écrit quelque chose qui ressemble à un album de rupture, mais elle s’est mise au défi de rester dans les endroits difficiles et de ne pas aller au-delà des questions. Elle pourrait sembler coincée si elle n’était pas aussi réfléchie sur ces sujets difficiles, et son écriture trouve sa propre chaleur en explorant le refroidissement physique. Cet échange mène à une sorte d’élan et à une écriture de chansons vraiment touchante.

***1/2


Rosie Carney: « I Wanna Feel Happy »

29 mai 2022

Définir le son de Rosie Carney sur son deuxième album I Wanna Feel Happy n’est peut-être pas aussi facile qu’il n’y paraît. À première vue, et d’après les singles, il semblerait que Carney s’inscrive parfaitement dans l’arène florissante des auteurs-compositeurs-interprètes qui écrivent des hymnes indie émotionnels, surfant sur les vagues de succès et d’intérêt créées par des artistes comme Phoebe Bridgers et les sorties plus folles de Taylor Swift ces deux dernières années. Vous pouvez certainement entendre l’influence de ces artistes dans les chansons de Rosie Carney. Mais si vous passez un peu de temps sur I Wanna Feel Happy, vous constaterez qu’il y a aussi un côté différent, plus éthéré et d’un autre monde que beaucoup d’artistes de ce genre, semblable à l’album de reprises de The Bends de Radiohead q’elle a sorti en 2020. Son travail a un aspect traditionnel et familier, mais la production et sa performance vocale ajoutent un élément d’inconnu en même temps.

Cela dit, il serait facile pour un auditeur occasionnel de parcourir l’album une ou deux fois sans remarquer les nuances. Il s’agit de chansons à combustion lente et à l’emphase tranquille, qui prennent un certain temps avant de s’enfoncer dans les os. Sugar  » est l’un des points forts de l’album et en est peut-être à cet égard l’exemple parfait. À première vue, il s’agit d’un morceau indie pop typique, avec son refrain  » c’est quelque chose à faire/quand il n’y a rien à faire/quand il n’y a plus rien à perdre/tu arranges tes cheveux/pour faire semblant de t’en soucier/mais ça ne marche plus/amour, je ferme la porte  » ( it’s something to do/when there’s nothing to do/when there’s nothing to lose anymore/you’re fixing your hair/pretending to care/but it doesn’t work anymore/love, I’m closing the door) qui renvoie à de nombreux points de contact typiques de ce genre de musique. Mais avec le temps, cette chanson se transforme un peu, la douleur dans la voix de Carney vous fait ressentir quelque chose de différent, le contraste entre les percussions croustillantes et le doux son des touches a un effet déconcertant. C’est un morceau qui demande beaucoup d’attention.

Et il en va de même pour la plupart des autres chansons proposées ici. La voix dela chanteuse est magnifique, donc l’auto-tune sur le morceau d’ouverture  » i hate sundays  » peut sembler inutile, mais c’est un outil vital pour établir l’atmosphère de cet album légèrement décalé. Le premier single  » dad  » a un ton décontracté et nonchalant dans les couplets, mais au fur et à mesure que le chant se construit et que les paroles se déploient, nous avons droit à l’histoire captivante d’une personne qui se remémore des temps plus simples avant de réaliser certaines vérités du monde. Et  » chiriro « , qui commence comme la chanson acoustique la plus simple de l’album, mais avec une superbe phrase d’ouverture  » on the wrong side of my bed/in a pool of pretty sweat « (du mauvais côté de mon lit/dans une mare de jolie sueur), devient rapidement la chanson la plus hymne mais aussi la plus obsédante de l’album. La boucle de piano sur le refrain est simple mais dévastatrice.

Si vous êtes prêt à donner à ce genre de musique le temps de grandir en vous, il y a tellement de couches à décortiquer tout au long de l’album. Rosie Carney est une artiste qui fait beaucoup avec ses paroles et sa voix. Mais la musique est aussi infiniment fascinante, offrant confort et calme au premier abord, mais révélant une nature plus troublante au fur et à mesure que l’on passe du temps avec elle. Entre le premier et le deuxième album, elle donne l’impression d’être une artiste différente, plus accomplie et plus passionnante, repoussant ses limites et intégrant dans ses propres chansons une partie du son qu’elle avait utilisé sur cet album de reprises de Radiohead. Il y a quelque chose ici pour les fans d’indie-pop mais, pour ceux qui considèrent parfois ce genre comme jetable, il y a de la profondeur et de l’intrigue pour vous faire revenir pour plus. C’est un album que l’on écoutera encore pendant des années.

***1/2


Mandy Moore: « In Real Life »

9 mai 2022

L’auteure-compositrice-interprète Mandy Moore poursuit son évolution vers un son plus organique sur In Real Life. Après avoir attendu plus d’une décennie pour sortir son sixième album, le transformateur Silver Linings, il ne lui a fallu que deux ans pour former son prochain effort. Son dernier opus s’appuie sur la transition de la chanteuse, qui s’est éloignée de la pop grand public pour se rapprocher du style folklorique de Laurel Canyon.

In Real Life ressemble à une œuvre post-pandémique, qui fait appel aux émotions de la reconnexion. L’album a également une intimité personnelle supplémentaire. C’est parce que Moore l’a écrit juste avant la naissance de son premier enfant. Dans ses textes, la chanteuse imagine ce que pourrait être la parentalité. Que ce soit intentionnel ou non, le contraste est saisissant avec la mère expérimentée qu’elle a incarnée pendant six ans dans la série télévisée This Is Us.

Il est difficile de définir le son qui définit le disque. Mandy Moore expérimente tout, de la ballade au piano à la country, en passant par l’indie pop sourde, chaque chanson offrant un aperçu différent de sa psyché.

L’album s’ouvre sur la chanson titre, une ballade acoustique chaloupée, soutenue par une basse et un synthé chauds. Cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas quelques rebondissements, notamment un violon et des solos de guitare.

« Somebody loves me/ Somebody needs me/ In real life/ Somebody wants me », déclare Moore, la voix tranchante et directe. Il est intéressant de noter que la vidéo de cette chanson met en vedette les personnes qui accompagnent Moore dans l’émission de télévision, ce que beaucoup de fans veulent croire être la vraie vie.

« Heartlands » est fidèle à son nom : une magnifique ballade aux accents americains, pleine d’harmonies et d’un piano discret. Le morceau est complexe et bien délivré. C’est une chanson simple avec un message simple que Moore délivre efficacement. L’enjoué « Little Dreams » offre quelque chose de très différent : un morceau à la basse lourde qui fusionne la sensibilité indie avec un arrangement acoustique de chanteur-compositeur. Mélangeant tout, des cordes aux synthés, la chanson est énergique sans être exagérée, s’intégrant à la personnalité du reste de l’album.

L’ambiance change avec la ballade dramatique au piano de « Just Maybe ». Mélangeant les moindres touches pop, le morceau a un aspect très cinématographique et une montée et une descente d’optimisme prudent. « Just maybe we’re all that we’ve got/ And that’s more than enough to keep on dreaming » (Peut-être que nous sommes tout ce que nous avons et que c’est plus que suffisant pour continuer à rêver), chante Moore.

Les choses changent du tout au tout sur l’amusante jam de bar « Living in the in Between », où Moore échange sa voix avec son mari (et le leader de Dawes) Taylor Goldsmith. Ce n’est pas la seule collaboration de Moore sur le disque, elle travaille également avec Lucius, The War on Drugs et Phoebe Bridgers.

Les choses restent optimistes avec la chanson d’amour « In Other Words », un indie rock acoustique construit sur un jeu de guitare brillant et chatoyant.

Four Moons », d’inspiration méridionale, est empreint d’une authenticité Americana organique, tandis que « Little Victories » réserve des surprises avec une jam acoustique entraînante et des éclairs de funk old-school nuancés. La production de In Real Life est solide. Avec un casque sur les oreilles, vous pouvez distinguer tous les instruments et les harmonies dans les arrangements.

« Heavy Lifting » est une chanson d’amour acoustique détendue et légère qui va et vient avec une touche légère. « Brand New Nowhere » est insouciant et funky. « When we run out of road/ Let’s find a brand new road » (Quand nous n’aurons plus de route, trouvons une toute nouvelle route), chante Moore, débordant d’optimisme à cet agard.

C’est ce genre d’attitude positive que Mandy Moore transmet tout au long de l’album. Elle est présente à la fois dans les paroles et dans l’arrangement des chansons. L’album s’achève sur la note la plus complexe et la plus subtile avec la légère touche acoustique de « Every Light », un morceau élaboré de main de maître.

In Real Life témoigne de la croissance et de la maturité de Moore en tant qu’auteur-compositeur et interprète. L’album est amusant et enjoué, mais surtout, il est authentique à son expérience personnelle.

***1/2


Keith Fejeran: « Daiduiri »

28 avril 2022

C’est l’endroit où pn aimerait être ; chaque surface y est lisse comme du verre et depuis cette perspective est un carnaval roulant de teintes bleues et de fantaisie, même si une nostalgie codée par le futur dérive à la périphérie. La musique de Keith Fejeran n’est pas de ce monde. Elle occupe un espace onirique où l’on peut voler et flotter dans des mondes souterrains aqueux et caverneux, où les boîtes de nuit en cristal sont aussi courantes que les nuages de barbe à papa rose vif. Tout ce qui se trouve sur Daiquiri a un éclat d’étoile bien usé et la familiarité de son centre émotionnel est aussi enivrante que ses étendues éthérées.

Le morceau d’ouverture « Koto Dream » tire sa brillance dorée des quolibets émotifs des saxophones, des arrangements synthétiques translucides et d’une ligne de basse qui s’enroule autour du cœur comme le plus doux des boas constricteurs. La voix de Fejeran glisse sur les rythmes rebondissants, caressant chaque passage comme du cachemire. Des palettes exotiques s’entrelacent avec des fils fantômes sur « Toucans’ Deep, Tall Cans Beak », formant une lettre d’amour nonchalante aux forêts de néon et aux silhouettes plumeuses. Chaque note s’empile en une pyramide inversée, projetant une ombre auditive sur des synthés vacillants.

Chaque fois que l’on met Daiquiri, c’est comme si on faisait un tour du monde. Chaque chanson a sa propre aura, même si elles s’assemblent comme un puzzle 3D. « Pink Marble » est la zone au pied des gratte-ciel de plusieurs kilomètres où le soleil n’arrive plus. Les guitares colonisent les espaces morts où la vie végétale a pourri il y a longtemps, construisant des statues aux souvenirs perdus, enfouis dans le brouillard et la crasse des lignes de basse brumeuses et du rythme lent de la chanson. Un voyage à travers des jardins pluviaux en lévitation marque les progressions d’accords répétées de « Waverunner Yuki » jusqu’à ce qu’une mélodie détendue s’épanouisse un instant et s’éteigne. Nous nous retrouvons seuls et mélancoliques sur l’énigmatique « Closer to You », Fejeran chantant la sérénade dans les dernières secondes avant le crépuscule, là où la magie opère.

Daiquiri trouve une place de choix sur l’album de Spencer Clark sur Pacific City Sound Visions. Comme Clark, Fejeran évoque les rêves et les souvenirs d’un avenir lointain et imaginé. Les planètes s’alignent pour le départ. Le titre « Thinking of You », qui clôt l’album, envoie le générique en amont, alors que des motifs de piano et des dérives aériennes de flûte pointent vers une galaxie au loin, prête pour un nouveau voyage. Les mains serrées, la voix de Fejeran valse au loin sur des cordes d’argent. Le voyage ne se termine jamais, mais il y a toujours un cœur plein et un verre plein qui nous attendent quelque part. L’univers nous attend.

****


Jesse Mac Cormack: « Solo »

11 avril 2022

Jesse Mac Cormack est passé du côté électro de la chanson pop et ça ne devrait surprendre personne qui s’est intéressé à sa production des dernières années, tant comme auteur-compositeur-interprète que comme collaborateur ou réalisateur d’albums. On oserait même croire que son expérience auprès du compositeur house CRi, qui l’a invité à chanter deux chansons sur son album Juvenile, a nourri son inspiration pour SOLO, disque fait à peu près seul, hormis pour une touche de programmation de la part de Félix Petit, complice des Louanges.

Les claviers aux sonorités grasses choisies par Mac Cormack étreignent généreusement les rythmiques presque house qui dominent cet album, où le musicien trouve l’équilibre entre la chaleur des sonorités et la froideur des boîtes à rythmes. Avec sa voix aiguë et brisée, le Montréalais rappelle sur ce deuxième album le travail solo de Thom Yorke et le Radiohead plus planant, mais avec une forme d’abandon qu’on écoutera avec l’expérience angoissante de deux années de pandémie, ses mots se perdant dans le tourbillon des hypnotiques notes de claviers.

***1/2


Lesley Barth: « Big Time Baby »

12 décembre 2021

Au milieu de la première face de Big Time Baby, nous sommes confrontés à une sorte de parabole. Elle prend la forme de « Nashville », l’une des chansons les plus fortes du nouveau disque de Lesley Barth. La chanson raconte l’histoire, teintée de country-western, d’un musicien de studio de Nashville qui s’installe à New York, essayant de s’intégrer mais dont les « Thank you, ma’am » et les bottes à embout d’acier le trahissent toujours. On a beau essayer de fuir son passé, on ne peut jamais vraiment fuir les parties de celui-ci qui se cachent en nous. 

C’est un moment important de l’excellent deuxième album de Barth, non seulement parce que c’est une distillation de quatre minutes de l’excellence de l’album, mais aussi parce que son histoire est celle de Big Time Baby. Non, ce n’est pas une autobiographie, mais plutôt un guide de style sonore – les chansons de Barth sur Big Time Baby passent de l’alt-country au disco, du blues à l’indie-rock, de Nashville à New York. Elles mélangent l’ancien et le nouveau avec l’aisance de Kacey Musgraves et de Jenny Lewis. Big Time Baby a un charme nostalgique, mais il n’utilise jamais la nostalgie comme un opioïde ; au contraire, il transforme cette nostalgie en quelque chose de personnel et de profond, la voix de Barth elle-même.

Plus que les sons de « Nashville », la chanson aide à encadrer les thèmes du reste de l’album. « Ce que j’ai appris en écrivant cet album, c’est qu’on ne peut pas jouer sa vie et vivre sa vie en même temps », dit Barth à propos de Big Time Baby. C’est un disque de déguisements, de fuites de vies passées, de moments où l’on cesse de reconnaître son propre reflet. « Qui est la femme qui regarde en arrière la femme qui me regarde en arrière ? » ( ho is the woman looking back at the woman looking back at me ?) chante Barth sur le premier « single » de l’album. Aussi forte que soit sa voix musicale sur Big Time Baby, le disque reconnaît que son individualité n’est pas un phénomène sans effort. Cela demande du travail, et il faut souvent se tromper pour trouver la voie à suivre.

Heureusement pour nous, Barth a trouvé ce chemin et l’a suivi à toute allure pour réaliser Big Time Baby, un testament de son écriture et de son art. Le titre de l’album provient du morceau d’ouverture, « Lower East Side ». Sans contexte, il se lit comme un mème, une auto-dépréciation insolente. Dans la chanson, cependant, Barth ajoute de la dimension aux mots : eJe ne suis pas prête » pour le grand moment, bébé. C’est toujours de l’autodérision, mais beaucoup plus productif. Combien de fois nous nous sentons tous pareils : atteints du syndrome de l’imposteur, pas prêts à sortir de notre zone de confort ?

Heureusement, Barth ne pourrait pas se tromper davantage dans l’estimation qu’elle fait d’elle-même. Big Time Baby – avec tout son charme et son raffinement – prouve qu’elle est plus que prête pour le grand moment. C’est le son d’une voix en pleine ascension, une étoile qui naît d’une supernova.

***1/2


Patty Smyth: « It’s About Time »

24 octobre 2020

Patty Smyth revient avec un excellent nouvel album, It’s About Time, un titre qui appuie le bouton sur la question que les fans lui ont posée et qu’elle s’est souvent posée à elle-même.

Bien qu’il y ait eu quelques chansons éparses ici et là, cela fait 28 ans que son dernier album, intitulé Patty Smyth, est sorti en 1992. Il contenait la chanson « Sometimes Love Just Ain’t Enough », nominée aux Grammy Awards, chantée avec Don Henley et co-écrite avec Glen Burtnik. Depuis lors, Smyth a élevé sa famille de six enfants avec son mari, le guitariste et légende du tennis John McEnroe. La vérité est qu’elle a toujours tourné, fait des spectacles et écrit, mais n’a jamais trouvé le temps de retourner au studio d’enregistrement.

Enregistré à Nashville avec Dann Huff, It’s About Time est un voyage vers ses racines et des temps plus simples, axé sur la force et l’importance des relations formatrices et durables.  Les six originaux du disque conservent le son classique de Patty Smyth – la batterie et un soupçon de sons classiques des années 80 finement mélangés avec des guitares acoustiques et des éléments électriques croustillants. La voix séduisante de Smyth s’élève au-dessus des instruments et dégage toujours une passion et une sensualité qui flattent vos oreilles et vous incitent à arrêter ce que vous faites et à écouter.

Le contemplatif « Losing Things », qui prend racine dans le son apaisant d’une guitare acoustique, pourrait tout aussi bien figurer sur un album de Miranda Lambert que s’il était chanté par Paul Westerberg. Inspirée par une photographie qu’elle a trouvée d’elle et de sa sœur, elle revisite sa jeunesse et le désir de prendre la route vers nulle part sur « Drive ». « Build A Fire » »raconte la longue histoire d’amour avec son mari, ainsi que le lien fort et l’alchimie qui les unissent encore. Deux reprises classiques, « Downtown Train » et « Ode To Billie Joe », une chanson clé de son enfance, donnent à l’auditeur un aperçu de ses influences et complètent cet album de huit chansons.

***1/2


Will Butler: « Generations »

26 septembre 2020

Cela fait cinq ans que le multi-instrumentiste d’Arcade Fire Will Butler a sorti un album studio solo et quatre depuis l’album live Friday Night. Avec l’arrêt de l’enregistrement d’un nouvel album d’Arcade Fire à cause de COVID-19, Butler n’a pas laissé son temps en prison arrêter le processus de création de Generations dans son studio de Brooklyn. 

L’album explore l’exploration de Butler dans l’histoire et sa vocation d’artiste. Dans une déclaration, il dit que Generations soulève des questions comme « Quelle est ma place dans l’histoire américaine ? Quelle est ma place dans le présent de l’Amérique ? En fin de compte, il s’agit de réfléchir sur notre place dans le monde. « 

L’album commence avec « Outta Here », un morceau à l’énergie hypnotique, suivi de « Bethlehem », qui dégage la même énergie mais d’une manière inspirée du punk. Le disque tout entier est empreint de nostalgie, notamment sur des titres comme « Close My Eyes » et « Surrender », qui rappellent le chef-d’œuvre d’Arcade Fire, The Suburbs, sorti en 2010.

C’est un album de nature folk, avec un punch intense mais avec une touche intemporelle. Ainsi, « Not Gonna Die » sera une autre ballade remarquable qui met en scène un saxophone de qualité et des guitares superposées. Butler chante les façons dont il ne mourra pas et d’autres façons dont il pourrait mourir – un sujet sinistre, indubitablement, mais c’est avant tout une chanson qui se démarque de par sathématique. 

Generations présentera une ampleur d’émotions, à la fois brutes et sincères. Vous ne pouvez pas vous empêcher de vous poser la même question que celle que génère le disque : Que dois-je faire ? Qu’est-ce que je peux faire ?

***


Dan Croll: « Grand Plan »

22 septembre 2020

En quittant a terre natale de Liverpool pour s’installer à Los Angeles, Dan Croll fait montre de sa volonté d’acquérir vraie expérience pour travailler dans la musique. Sur son disque Grand Plan, les émotions et les histoires qu’il a rencontrées se déversent ainsi dans un processus de recherche du son qui serait idéal pour lui.

Grand Plan est une collection de 12 chansons pop nostalgiques qui retracent 12 mois de sa vie – à partir de février 2018, lorsque Croll s’est retrouvé dans un nouveau pays.

Mélange d’humour, d’amour et de douleur, l’album s’ouvre sur une note de tendresse avec « Yesterday », qui rappelle la rencontre embarrassante et mal préparée de Croll avec Sir Paul McCartney. Ensuite, « Stay in L.A. » explore les aspirations créatives et incertaines qui ont poussé le chanteur à quitter sa ville natale avec un aller simple pour la Cité des Anges. 

D’une introspection charmante mais d’une relation intense, Croll enregistre les sentiments amoureux de différentes manières tout au long de l’album. Il rumine notamment sur sa connexion immédiate avec sa nouvelle petite amie sur « Work » avant de réfléchir à son amour pour sa patrie sur « Rain ».

Il oscille entre la certitude et le doute sur le morceau phare « So Dark », alors qu’il raconte l’expérience positive qu’est sa rencontre de nouveaux amis à travers un paysage sonore sophistiqué d’orgue et de guitares et « Coldbloode » nous ramènera à la contemplation, un sujet lourd, démenti par un instrument facile à jouer.

Plutôt que d’être l’esclave d’une seule entreprise musicale, Grand Plan est d’autant plus spécial pour son cœur spontané.Il s’agit d’un journal de pensées et de sentiments, d’excitation et d’anxiété, d’amour et de douleur. Croll passe facilement de l’incertitude quant à son nouvel environnement dans le morceau acoustique « Actor With A Loaded Gun» à l’épuisement inévitable dans « Hit Your Limit » », puis à l’excitation face à l’avenir sur la chanson titre.

Il termine l’album sur un moment doux-amer qui reflète la vie elle-même, alors que le délai de 12 mois qu’il s’était fixé à Los Angeles arrive à son terme. Sur l’avant-dernier morceau « Surreal », il exprime clairement son affairement face à ce que la vie peut apporter, avant de se plonger dans le chagrin et de trouver la lumière dans la tragédie sur le dernier morceau « Together ».

Ce qui rend Grand Plan si intéressant ne raside pas son écriture discrète ou sa musicalité expérimentale, mais dans la douceur et la portée du voyage individuel de Croll et la façon dont il nous emmène avec lui. On ressent ce qu’il ressent, et au bout de 12 titres, on émerge à ses côtés avec l’envie de se redécouvrir.

***1/2


Lomelda : « Hannah »

2 septembre 2020

Lomelda revient avec son nouvel album, Hannah, un disque qui voit la vocaliste chanter des chansons sur la transformation et la confession et cela donne lieu à une écout eassez confondante gracece à une voix tendre et délivrée à chaque fois.

Comme d’habitude, Lomelda crée sur son disque des mélodies qui s’accordent parfaitement avec l’ambiance qu’elle crée dès le départ. Le morceau d’ouverture « Kisses » est une chanson sombre mais magnifiquement livrée et des titres comme « Wonder » » regorgent de mélodies qui restituent vraiment bien l’émotion de la chanson, avec une voix obsédante qui capte votre attention. Les mélodies au piano et les guitares faciles sonnent parfaitement côte à côte sur ce disque car elles construisent vraiment le feeling de ces chansons. Le talent de Lomelda pour cela a toujours été évident, mais ce disque fait briller son talent encore plus fort.

La voix de la chanteuse est étonnante et elle lui permet de délivrer un chant puissant et un lyrisme brillant tout au long du disque. « Wonder » est ici un titre-phare, ainsi que d’autres comme « Reach », où ces puissantes notes aigües sont brillantes, et « Hannah Happiest », où Lomelda souligne le pouvoir qu’elle a en matière de lyrisme en se plongeant dans les thèmes du disque, véhiculé par le titre éponyme, la transformation. Un disque captivant donc, avec es mélodies qui s’harmonisent à une ambiance magnifiquement douce et envoûtante.

***1/2