Mandy Moore: « In Real Life »

9 mai 2022

L’auteure-compositrice-interprète Mandy Moore poursuit son évolution vers un son plus organique sur In Real Life. Après avoir attendu plus d’une décennie pour sortir son sixième album, le transformateur Silver Linings, il ne lui a fallu que deux ans pour former son prochain effort. Son dernier opus s’appuie sur la transition de la chanteuse, qui s’est éloignée de la pop grand public pour se rapprocher du style folklorique de Laurel Canyon.

In Real Life ressemble à une œuvre post-pandémique, qui fait appel aux émotions de la reconnexion. L’album a également une intimité personnelle supplémentaire. C’est parce que Moore l’a écrit juste avant la naissance de son premier enfant. Dans ses textes, la chanteuse imagine ce que pourrait être la parentalité. Que ce soit intentionnel ou non, le contraste est saisissant avec la mère expérimentée qu’elle a incarnée pendant six ans dans la série télévisée This Is Us.

Il est difficile de définir le son qui définit le disque. Mandy Moore expérimente tout, de la ballade au piano à la country, en passant par l’indie pop sourde, chaque chanson offrant un aperçu différent de sa psyché.

L’album s’ouvre sur la chanson titre, une ballade acoustique chaloupée, soutenue par une basse et un synthé chauds. Cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas quelques rebondissements, notamment un violon et des solos de guitare.

« Somebody loves me/ Somebody needs me/ In real life/ Somebody wants me », déclare Moore, la voix tranchante et directe. Il est intéressant de noter que la vidéo de cette chanson met en vedette les personnes qui accompagnent Moore dans l’émission de télévision, ce que beaucoup de fans veulent croire être la vraie vie.

« Heartlands » est fidèle à son nom : une magnifique ballade aux accents americains, pleine d’harmonies et d’un piano discret. Le morceau est complexe et bien délivré. C’est une chanson simple avec un message simple que Moore délivre efficacement. L’enjoué « Little Dreams » offre quelque chose de très différent : un morceau à la basse lourde qui fusionne la sensibilité indie avec un arrangement acoustique de chanteur-compositeur. Mélangeant tout, des cordes aux synthés, la chanson est énergique sans être exagérée, s’intégrant à la personnalité du reste de l’album.

L’ambiance change avec la ballade dramatique au piano de « Just Maybe ». Mélangeant les moindres touches pop, le morceau a un aspect très cinématographique et une montée et une descente d’optimisme prudent. « Just maybe we’re all that we’ve got/ And that’s more than enough to keep on dreaming » (Peut-être que nous sommes tout ce que nous avons et que c’est plus que suffisant pour continuer à rêver), chante Moore.

Les choses changent du tout au tout sur l’amusante jam de bar « Living in the in Between », où Moore échange sa voix avec son mari (et le leader de Dawes) Taylor Goldsmith. Ce n’est pas la seule collaboration de Moore sur le disque, elle travaille également avec Lucius, The War on Drugs et Phoebe Bridgers.

Les choses restent optimistes avec la chanson d’amour « In Other Words », un indie rock acoustique construit sur un jeu de guitare brillant et chatoyant.

Four Moons », d’inspiration méridionale, est empreint d’une authenticité Americana organique, tandis que « Little Victories » réserve des surprises avec une jam acoustique entraînante et des éclairs de funk old-school nuancés. La production de In Real Life est solide. Avec un casque sur les oreilles, vous pouvez distinguer tous les instruments et les harmonies dans les arrangements.

« Heavy Lifting » est une chanson d’amour acoustique détendue et légère qui va et vient avec une touche légère. « Brand New Nowhere » est insouciant et funky. « When we run out of road/ Let’s find a brand new road » (Quand nous n’aurons plus de route, trouvons une toute nouvelle route), chante Moore, débordant d’optimisme à cet agard.

C’est ce genre d’attitude positive que Mandy Moore transmet tout au long de l’album. Elle est présente à la fois dans les paroles et dans l’arrangement des chansons. L’album s’achève sur la note la plus complexe et la plus subtile avec la légère touche acoustique de « Every Light », un morceau élaboré de main de maître.

In Real Life témoigne de la croissance et de la maturité de Moore en tant qu’auteur-compositeur et interprète. L’album est amusant et enjoué, mais surtout, il est authentique à son expérience personnelle.

***1/2


Keith Fejeran: « Daiduiri »

28 avril 2022

C’est l’endroit où pn aimerait être ; chaque surface y est lisse comme du verre et depuis cette perspective est un carnaval roulant de teintes bleues et de fantaisie, même si une nostalgie codée par le futur dérive à la périphérie. La musique de Keith Fejeran n’est pas de ce monde. Elle occupe un espace onirique où l’on peut voler et flotter dans des mondes souterrains aqueux et caverneux, où les boîtes de nuit en cristal sont aussi courantes que les nuages de barbe à papa rose vif. Tout ce qui se trouve sur Daiquiri a un éclat d’étoile bien usé et la familiarité de son centre émotionnel est aussi enivrante que ses étendues éthérées.

Le morceau d’ouverture « Koto Dream » tire sa brillance dorée des quolibets émotifs des saxophones, des arrangements synthétiques translucides et d’une ligne de basse qui s’enroule autour du cœur comme le plus doux des boas constricteurs. La voix de Fejeran glisse sur les rythmes rebondissants, caressant chaque passage comme du cachemire. Des palettes exotiques s’entrelacent avec des fils fantômes sur « Toucans’ Deep, Tall Cans Beak », formant une lettre d’amour nonchalante aux forêts de néon et aux silhouettes plumeuses. Chaque note s’empile en une pyramide inversée, projetant une ombre auditive sur des synthés vacillants.

Chaque fois que l’on met Daiquiri, c’est comme si on faisait un tour du monde. Chaque chanson a sa propre aura, même si elles s’assemblent comme un puzzle 3D. « Pink Marble » est la zone au pied des gratte-ciel de plusieurs kilomètres où le soleil n’arrive plus. Les guitares colonisent les espaces morts où la vie végétale a pourri il y a longtemps, construisant des statues aux souvenirs perdus, enfouis dans le brouillard et la crasse des lignes de basse brumeuses et du rythme lent de la chanson. Un voyage à travers des jardins pluviaux en lévitation marque les progressions d’accords répétées de « Waverunner Yuki » jusqu’à ce qu’une mélodie détendue s’épanouisse un instant et s’éteigne. Nous nous retrouvons seuls et mélancoliques sur l’énigmatique « Closer to You », Fejeran chantant la sérénade dans les dernières secondes avant le crépuscule, là où la magie opère.

Daiquiri trouve une place de choix sur l’album de Spencer Clark sur Pacific City Sound Visions. Comme Clark, Fejeran évoque les rêves et les souvenirs d’un avenir lointain et imaginé. Les planètes s’alignent pour le départ. Le titre « Thinking of You », qui clôt l’album, envoie le générique en amont, alors que des motifs de piano et des dérives aériennes de flûte pointent vers une galaxie au loin, prête pour un nouveau voyage. Les mains serrées, la voix de Fejeran valse au loin sur des cordes d’argent. Le voyage ne se termine jamais, mais il y a toujours un cœur plein et un verre plein qui nous attendent quelque part. L’univers nous attend.

****


Jesse Mac Cormack: « Solo »

11 avril 2022

Jesse Mac Cormack est passé du côté électro de la chanson pop et ça ne devrait surprendre personne qui s’est intéressé à sa production des dernières années, tant comme auteur-compositeur-interprète que comme collaborateur ou réalisateur d’albums. On oserait même croire que son expérience auprès du compositeur house CRi, qui l’a invité à chanter deux chansons sur son album Juvenile, a nourri son inspiration pour SOLO, disque fait à peu près seul, hormis pour une touche de programmation de la part de Félix Petit, complice des Louanges.

Les claviers aux sonorités grasses choisies par Mac Cormack étreignent généreusement les rythmiques presque house qui dominent cet album, où le musicien trouve l’équilibre entre la chaleur des sonorités et la froideur des boîtes à rythmes. Avec sa voix aiguë et brisée, le Montréalais rappelle sur ce deuxième album le travail solo de Thom Yorke et le Radiohead plus planant, mais avec une forme d’abandon qu’on écoutera avec l’expérience angoissante de deux années de pandémie, ses mots se perdant dans le tourbillon des hypnotiques notes de claviers.

***1/2


Lesley Barth: « Big Time Baby »

12 décembre 2021

Au milieu de la première face de Big Time Baby, nous sommes confrontés à une sorte de parabole. Elle prend la forme de « Nashville », l’une des chansons les plus fortes du nouveau disque de Lesley Barth. La chanson raconte l’histoire, teintée de country-western, d’un musicien de studio de Nashville qui s’installe à New York, essayant de s’intégrer mais dont les « Thank you, ma’am » et les bottes à embout d’acier le trahissent toujours. On a beau essayer de fuir son passé, on ne peut jamais vraiment fuir les parties de celui-ci qui se cachent en nous. 

C’est un moment important de l’excellent deuxième album de Barth, non seulement parce que c’est une distillation de quatre minutes de l’excellence de l’album, mais aussi parce que son histoire est celle de Big Time Baby. Non, ce n’est pas une autobiographie, mais plutôt un guide de style sonore – les chansons de Barth sur Big Time Baby passent de l’alt-country au disco, du blues à l’indie-rock, de Nashville à New York. Elles mélangent l’ancien et le nouveau avec l’aisance de Kacey Musgraves et de Jenny Lewis. Big Time Baby a un charme nostalgique, mais il n’utilise jamais la nostalgie comme un opioïde ; au contraire, il transforme cette nostalgie en quelque chose de personnel et de profond, la voix de Barth elle-même.

Plus que les sons de « Nashville », la chanson aide à encadrer les thèmes du reste de l’album. « Ce que j’ai appris en écrivant cet album, c’est qu’on ne peut pas jouer sa vie et vivre sa vie en même temps », dit Barth à propos de Big Time Baby. C’est un disque de déguisements, de fuites de vies passées, de moments où l’on cesse de reconnaître son propre reflet. « Qui est la femme qui regarde en arrière la femme qui me regarde en arrière ? » ( ho is the woman looking back at the woman looking back at me ?) chante Barth sur le premier « single » de l’album. Aussi forte que soit sa voix musicale sur Big Time Baby, le disque reconnaît que son individualité n’est pas un phénomène sans effort. Cela demande du travail, et il faut souvent se tromper pour trouver la voie à suivre.

Heureusement pour nous, Barth a trouvé ce chemin et l’a suivi à toute allure pour réaliser Big Time Baby, un testament de son écriture et de son art. Le titre de l’album provient du morceau d’ouverture, « Lower East Side ». Sans contexte, il se lit comme un mème, une auto-dépréciation insolente. Dans la chanson, cependant, Barth ajoute de la dimension aux mots : eJe ne suis pas prête » pour le grand moment, bébé. C’est toujours de l’autodérision, mais beaucoup plus productif. Combien de fois nous nous sentons tous pareils : atteints du syndrome de l’imposteur, pas prêts à sortir de notre zone de confort ?

Heureusement, Barth ne pourrait pas se tromper davantage dans l’estimation qu’elle fait d’elle-même. Big Time Baby – avec tout son charme et son raffinement – prouve qu’elle est plus que prête pour le grand moment. C’est le son d’une voix en pleine ascension, une étoile qui naît d’une supernova.

***1/2


Patty Smyth: « It’s About Time »

24 octobre 2020

Patty Smyth revient avec un excellent nouvel album, It’s About Time, un titre qui appuie le bouton sur la question que les fans lui ont posée et qu’elle s’est souvent posée à elle-même.

Bien qu’il y ait eu quelques chansons éparses ici et là, cela fait 28 ans que son dernier album, intitulé Patty Smyth, est sorti en 1992. Il contenait la chanson « Sometimes Love Just Ain’t Enough », nominée aux Grammy Awards, chantée avec Don Henley et co-écrite avec Glen Burtnik. Depuis lors, Smyth a élevé sa famille de six enfants avec son mari, le guitariste et légende du tennis John McEnroe. La vérité est qu’elle a toujours tourné, fait des spectacles et écrit, mais n’a jamais trouvé le temps de retourner au studio d’enregistrement.

Enregistré à Nashville avec Dann Huff, It’s About Time est un voyage vers ses racines et des temps plus simples, axé sur la force et l’importance des relations formatrices et durables.  Les six originaux du disque conservent le son classique de Patty Smyth – la batterie et un soupçon de sons classiques des années 80 finement mélangés avec des guitares acoustiques et des éléments électriques croustillants. La voix séduisante de Smyth s’élève au-dessus des instruments et dégage toujours une passion et une sensualité qui flattent vos oreilles et vous incitent à arrêter ce que vous faites et à écouter.

Le contemplatif « Losing Things », qui prend racine dans le son apaisant d’une guitare acoustique, pourrait tout aussi bien figurer sur un album de Miranda Lambert que s’il était chanté par Paul Westerberg. Inspirée par une photographie qu’elle a trouvée d’elle et de sa sœur, elle revisite sa jeunesse et le désir de prendre la route vers nulle part sur « Drive ». « Build A Fire » »raconte la longue histoire d’amour avec son mari, ainsi que le lien fort et l’alchimie qui les unissent encore. Deux reprises classiques, « Downtown Train » et « Ode To Billie Joe », une chanson clé de son enfance, donnent à l’auditeur un aperçu de ses influences et complètent cet album de huit chansons.

***1/2


Will Butler: « Generations »

26 septembre 2020

Cela fait cinq ans que le multi-instrumentiste d’Arcade Fire Will Butler a sorti un album studio solo et quatre depuis l’album live Friday Night. Avec l’arrêt de l’enregistrement d’un nouvel album d’Arcade Fire à cause de COVID-19, Butler n’a pas laissé son temps en prison arrêter le processus de création de Generations dans son studio de Brooklyn. 

L’album explore l’exploration de Butler dans l’histoire et sa vocation d’artiste. Dans une déclaration, il dit que Generations soulève des questions comme « Quelle est ma place dans l’histoire américaine ? Quelle est ma place dans le présent de l’Amérique ? En fin de compte, il s’agit de réfléchir sur notre place dans le monde. « 

L’album commence avec « Outta Here », un morceau à l’énergie hypnotique, suivi de « Bethlehem », qui dégage la même énergie mais d’une manière inspirée du punk. Le disque tout entier est empreint de nostalgie, notamment sur des titres comme « Close My Eyes » et « Surrender », qui rappellent le chef-d’œuvre d’Arcade Fire, The Suburbs, sorti en 2010.

C’est un album de nature folk, avec un punch intense mais avec une touche intemporelle. Ainsi, « Not Gonna Die » sera une autre ballade remarquable qui met en scène un saxophone de qualité et des guitares superposées. Butler chante les façons dont il ne mourra pas et d’autres façons dont il pourrait mourir – un sujet sinistre, indubitablement, mais c’est avant tout une chanson qui se démarque de par sathématique. 

Generations présentera une ampleur d’émotions, à la fois brutes et sincères. Vous ne pouvez pas vous empêcher de vous poser la même question que celle que génère le disque : Que dois-je faire ? Qu’est-ce que je peux faire ?

***


Dan Croll: « Grand Plan »

22 septembre 2020

En quittant a terre natale de Liverpool pour s’installer à Los Angeles, Dan Croll fait montre de sa volonté d’acquérir vraie expérience pour travailler dans la musique. Sur son disque Grand Plan, les émotions et les histoires qu’il a rencontrées se déversent ainsi dans un processus de recherche du son qui serait idéal pour lui.

Grand Plan est une collection de 12 chansons pop nostalgiques qui retracent 12 mois de sa vie – à partir de février 2018, lorsque Croll s’est retrouvé dans un nouveau pays.

Mélange d’humour, d’amour et de douleur, l’album s’ouvre sur une note de tendresse avec « Yesterday », qui rappelle la rencontre embarrassante et mal préparée de Croll avec Sir Paul McCartney. Ensuite, « Stay in L.A. » explore les aspirations créatives et incertaines qui ont poussé le chanteur à quitter sa ville natale avec un aller simple pour la Cité des Anges. 

D’une introspection charmante mais d’une relation intense, Croll enregistre les sentiments amoureux de différentes manières tout au long de l’album. Il rumine notamment sur sa connexion immédiate avec sa nouvelle petite amie sur « Work » avant de réfléchir à son amour pour sa patrie sur « Rain ».

Il oscille entre la certitude et le doute sur le morceau phare « So Dark », alors qu’il raconte l’expérience positive qu’est sa rencontre de nouveaux amis à travers un paysage sonore sophistiqué d’orgue et de guitares et « Coldbloode » nous ramènera à la contemplation, un sujet lourd, démenti par un instrument facile à jouer.

Plutôt que d’être l’esclave d’une seule entreprise musicale, Grand Plan est d’autant plus spécial pour son cœur spontané.Il s’agit d’un journal de pensées et de sentiments, d’excitation et d’anxiété, d’amour et de douleur. Croll passe facilement de l’incertitude quant à son nouvel environnement dans le morceau acoustique « Actor With A Loaded Gun» à l’épuisement inévitable dans « Hit Your Limit » », puis à l’excitation face à l’avenir sur la chanson titre.

Il termine l’album sur un moment doux-amer qui reflète la vie elle-même, alors que le délai de 12 mois qu’il s’était fixé à Los Angeles arrive à son terme. Sur l’avant-dernier morceau « Surreal », il exprime clairement son affairement face à ce que la vie peut apporter, avant de se plonger dans le chagrin et de trouver la lumière dans la tragédie sur le dernier morceau « Together ».

Ce qui rend Grand Plan si intéressant ne raside pas son écriture discrète ou sa musicalité expérimentale, mais dans la douceur et la portée du voyage individuel de Croll et la façon dont il nous emmène avec lui. On ressent ce qu’il ressent, et au bout de 12 titres, on émerge à ses côtés avec l’envie de se redécouvrir.

***1/2


Lomelda : « Hannah »

2 septembre 2020

Lomelda revient avec son nouvel album, Hannah, un disque qui voit la vocaliste chanter des chansons sur la transformation et la confession et cela donne lieu à une écout eassez confondante gracece à une voix tendre et délivrée à chaque fois.

Comme d’habitude, Lomelda crée sur son disque des mélodies qui s’accordent parfaitement avec l’ambiance qu’elle crée dès le départ. Le morceau d’ouverture « Kisses » est une chanson sombre mais magnifiquement livrée et des titres comme « Wonder » » regorgent de mélodies qui restituent vraiment bien l’émotion de la chanson, avec une voix obsédante qui capte votre attention. Les mélodies au piano et les guitares faciles sonnent parfaitement côte à côte sur ce disque car elles construisent vraiment le feeling de ces chansons. Le talent de Lomelda pour cela a toujours été évident, mais ce disque fait briller son talent encore plus fort.

La voix de la chanteuse est étonnante et elle lui permet de délivrer un chant puissant et un lyrisme brillant tout au long du disque. « Wonder » est ici un titre-phare, ainsi que d’autres comme « Reach », où ces puissantes notes aigües sont brillantes, et « Hannah Happiest », où Lomelda souligne le pouvoir qu’elle a en matière de lyrisme en se plongeant dans les thèmes du disque, véhiculé par le titre éponyme, la transformation. Un disque captivant donc, avec es mélodies qui s’harmonisent à une ambiance magnifiquement douce et envoûtante.

***1/2


Tallie Gabriel : « Little Death »

2 septembre 2020

L’auteure-compositrice-interprète et violoncelliste Tallie Gabriel dévoile ici son premier opus solo, Little Death, une collection de chansons à la fois pleines d’espoir et déchirantes. Gabriel met ici en avant une vraie beauté dans son écriture et une façon de raconter des histoires qui en font une écoute incroyable.

Le violoncelliste possède une sonorité riche et profonde, et cette richesse transparaît dans toutes les mélodies. Des mélodies tièdes puis des tons langoureux se font entendre tout au long du disque, créant ainsi un son parfait. Des chansons comme « Story », par exemple, utilisent l’instrument pour ajouter un rebondissement charmant à la chanson qui en fait une si belle écoute. Le violoncelle combiné au piano sur « Hummingbird » vous permet de vous fondre dans cette musique avec facilité.

Ces mélodies sont accompagnées de superbes voix qui délivrent des lignes déchirantes, si poignantes lorsqu’elles sont livrées par cette voix. « Laundry » commence accompagné par des cordes, ce qui permet à la voix de Gabriel de briller réellement ici, alors qu’elle chante des lignes déchirantes auxquelles toute personne ayant vécu une rupture peut s’identifier. Touchant et tendre, son écriture est ici parfaite. 

Un magnifique disque qui fait mal à chaque battement, Little Death offre un bel aéropage de compositions qui vous hypnotise du début à la fin. 

***1/2


Sarah Walk : « Another Me »

28 août 2020

Dans un acte de défi et d’appel aux armes contre le patriarcat, l’auteure-compositrice-interprète Sarah Walk, basée à Los Angeles, sort ici son deuxième album Another Me. Le message en est très clair ; comme elle l’explique : « Beaucoup de choses avaient été inexploitées dans mon écriture jusqu’à présent, dont beaucoup concernent des fardeaux que j’ai portés ou dont je me suis sentie responsable, ce qui, je crois, a beaucoup à voir avec le fait d’être une femme et une homosexuelle ». En s’attaquant à ces défis, le disque prend position pour les femmes (queer) du monde entier, en leur donnant une voix en s’exprimant sans détour. Qu’il s’agisse de marginalisation, de misogynie ou de vulnérabilité, Walk s’attaque à tous ces problèmes. Mais bien que fort et puissant sur le plan lyrique, Another Me est un opus étonnamment câlin Sur un fond de douces mélodies folk apaisantes et de délicates lignes de piano, la voix de Sarah brille comme un phare de lumière, attirant l’attention sur son lyrisme acéré :  « Rien ne m’a plus fait de mal que des hommes qui ont grandi sans conséquences, pourquoi est-ce mon travail de réparer ce gâchis ? » (Nothing’s hurt me more than men that grew up with no consequences, why is it my job to fix this mess ?) chante-t-elle sur le premier morceau « Unravel », parlant au nom de tous ceux qui ont déjà rencontré le privilège masculin. « Vous êtes toujours prêt à défendre, vous entendez ma préoccupation comme de la colère, personne ne veut d’une femme en colère » (You’re always ready to defend, you hear my concern as anger, an no-one wants an angry woman).

Sur le plan sonore, le disque alterne entre des sons pop chatoyants, infusés de synthés flous – comme « The Key » »qui fait vibrer d’un côté un aimant – et des arrangements de percussions complexes dans une atmosphère plus dépouillée de l’autre.  « Same Road » et « Crazy Still » sont deux des moments les plus marquants de l’album. Enveloppée dans sa marque de son immersive, Walk se met à pleurer en mettant l’amour dans son contexte. Mais là où « Same Road » est plein d’espoir et rassurant, avec des mélodies envoûtantes et un chant étincelant, « Crazy Still » est tout le contraire. La défaite et le chagrin s’écoulent à travers des lignes de piano sobres, tandis que des harmonies merveilleusement émotives ouvrent la voie vers la fin – « une partie de moi le comprend et une partie de moi se sent abandonnée », J’étais folle de t’aimer, je dois encore l’être » (part of me understands it and part of me feels abandoned. I was crazy to love you; I must be crazy still).

Dans son intégralité, Another Me est une suite impressionnante dà son premier dique, Little Black Book ; intégrant son son caractéristique de piano et l’amenant à un niveau supérieur avec des petits clins d’œil à un univers plus pop. Mais surtout, il ouvre les conversations et permet à Sarah de reprendre son récit : « C’est un album sur le fait d’être marginalisé, d’être une femme, d’apprendre à fixer des limites sans s’excuser et d’être confiante sans se sentir coupable. Apprendre à aimer totalement sans attente ».

***1/2