Owen Pallett: « Island »

À ce stade de sa carrière, Owen Pallett a tout fait discrètement, gagnant un profond respect et devenant un collaborateur très recherché, travaillant à la fois avec ses pairs et des stars pop internationales. Qu’il s’agisse d’être le joueur de cordes de longue date d’Arcade Fire, de fournir des arrangements orchestraux pour un grand nombre d’artistes comme Taylor Swift, Linkin Park, Pet Shop Boys, Fucked Up, et tout ce qui se trouve entre les deux, ou de co-écrire la bande originale du film Her de Spike Jonze, nominé aux Oscars, Owen Pallett n’aime pas se mettre très souvent sous les feux de la rampe.

Près de six ans après son dernier album, Pallett revient avec son cinquième LP, Island, un disque qui existe dans un monde imaginaire somptueux construit sur des luttes d’identité et des orchestrations parfaitement mûres – des qualités que l’on est en droit d’attendre du multi-instrumentiste. La première œuvre de Pallett, Final Fantasy, a donné naissance à une imagerie fantaisiste pleine de désirs frémissants et de fruits défendus, et Heartland and In Conflict a montré sa magie musicale avec des percussions acérées et une électronique vacillante. Sur Island, Pallett fait reculer sa pop baroque en nourrissant de subtils changements de tonalité et les pétrit doucement pour leur donner vie.

Island poursuit librement l’histoire de Lewis, un fermier violent introduit sur Heartland, qui est aux prises avec un sentiment de perte de but et une existence misérable. Cette fois-ci, Lewis est bloqué sur une île particulière, se déplaçant entre une conscience confuse et des visions oniriques. Un sentiment de légèreté et de détermination se dégage tout au long de l’album, parsemé de guitare acoustique fleurie sur des chansons comme « Transformer », avec le chant de Pallett, « Ce vide est un cadeau, je suis libre d’écrire l’avenir, un homme vide et invaincu » (I’m free to write the future, an empty man undefeated)- des mots qui parlent d’un certain niveau d’acceptation d’une vie imparfaite mais épanouie.

Le fidèle violon de Pallett, qui figure en bonne place sur l’album He Poos Clouds, lauréat du prix Polaris en 2006, n’est pas le point central de l’album Island, qui est plutôt occupé par de longs coups de piano et une guitare acoustique en arpèges. Sur « Paragon of Orde » », la délivrance de l’espoir de Pallett est illuminée par une grandiosité argentée, avec des cordes et des bois, grâce à l’Orchestre Contemporain de Londres. De même, « Polar Vortex » est distillé avec soin par la voix du chanteur, toujours jeune et de formation classique, et sa guitare cristalline.

L’abondance de l’espace et la clarté d’Island rendent la sagesse mélancolique de Pallett si magnifiquement apparente avec quatre intermèdes instrumentaux nostalgiques, chaque accord percolant gracieusement ces sentiments avec une belle réalisation. De l’autre côté du spectre, « A Bloody Morning » sert de sommet sonique à Island, porté par des tambours au trot et des cordes qui soufflent en faisant allusion au chemin orageux de Lewis avant de s’échouer violemment sur les rivages de l’île.

L’album restera en général discrètement bas et duscret jusqu’à ce que « Lewis Gets Fucked into Space » – une chanson qui porte le sens de l’humour toujours aussi effronté de Pallett avec un clin d’œil affectueux à son œuvre précédente.

Au cours des deux décennies de sa carrière, Pallett a créé de grands mondes expansifs – et avec Island, il se concentre sur les brefs moments de douleur et de plaisir avec son intuition intemporelle. Island représente un chapitre tendre et plus mélancolique du répertoire du chanteur, mais qui lui offre une perspective encore plus raffinée.

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Jeremy Ivey: « The Dream and The Dreamer »

Jeremy Ivey sort de l’ombre proverbiale pour sortir son premier LP en solo. L’idée qu’il ait suivi la carrière de sa femme s’évanouit après un premier tour de piste. Ivey s’y connaît certainement en mélodies, il écrit de superbes paroles et possède les qualités vocales nécessaires pour les mettre en valeur. À 41 ans, Ivey a une voix chaude et chaude qui vous fait du bien quand vous la pompez dans vos oreilles.

Inspirée par Dylan, Neil Young et Leonard Cohen, les neuf titres d’Ivey font l’affaire pour un après-midi dans le jardin. L’album s’ouvre avec « Diamonds Back to Coal, » une sorte d’appel aux armes sur ce que nous faisons à notre terre.

La voix d’Ivey est presque suppliante à certains moments, ce qui semble approprié à notre situation actuelle. Margo Price, qui a produit l’album, rejoint son mari pour un joli duo sur « Greyhound ». Le titre « Road Weary » donne le coup d’envoi d’une ambiance rappelent Shovels & Rope le duo folk, composé, lui aussi, d’un maret de son épouse. L’album se termine sur la jolie chanson titre, un morceau au piano qui vous ramène là où nous devons d’être, une maison où il fait bon se percher et, en même temps, se nicher.

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Jess Williamson: « Sorceress »

« Je ne fuis plus », ainsi chante avec audace Jess Williamson sur la chanson-titre de son disque, le mélancolique Sorceress. Tout au long de ce disque, elle examine des sujets très personnels, en se concentrant sur sa propre foi, ses relations et les préoccupations liées au vieillissement. Tous ces sujets sont traités de manière magnifiquement discrète, mais authentiquement honnête. Elle fait preuve d’une acceptation de ses propres luttes, affichant la confiance nécessaire pour maîtriser ces doutes et inspirer son art.

Sa voix est enchanteresse, oscillant entre l’exaltation et la solennité, elle est chargée d’émotion. La fumée ouvre le disque, au-dessus d’un motif acoustique délicat, avant de s’envoler sur un rythme entraînant d’un joyau de la pop. As The Birds Are s’apparente au type de musique pittoresque et envoûtante qu’Aldous Harding a si bien su explorer ces dernières années.

À certains moments, certains morceaux commencent à se fondre en un seul, ce qui les distrait légèrement. Cependant, la force de la première partie de l’album, ainsi que des éléments marquants tels que la chanson titre, « Rosaries at the Borde »r, et « Gulf of Mexico », font que l’écoute du disque est une expérience agréable dans son ensemble. La chanson titre susmentionnée est un examen sincère de l’agitation des relations, car Williamson est délicatement soutenu par le chant chatoyant des oiseaux et d’autres animaux sauvages – accompagnant la prestation obsédante de Williamson, « Puis-je vous rappeler que personne ne compte les points……mais je n’essaie pas d’apprivoiser un lion, je veux être caressée » (May I remind you no ones keeping score……but I’m not trying to tame a lion, I want to be caressed).

Sorceress est un disque sur lequel Jess Williamson s’exprime avec beaucoup de maturité dans son écriture et dans la beauté de son interprétation. Et malgré quelques défauts mineurs, il serait difficile de le considérer comme autre chose que le meilleur disque de sa carrière à ce jour.

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Elizabeth: « the wonderful world of nature »

Bienvenue dans le monde de rêve d’Elizabeth. Certains la connaissent peut-être comme la chanteuse principale de Totally Mild. Aujourd’hui, Elizabeth est une artiste solo et elle a sa propre petite façon de décrire son premier album, le monde merveilleux de la nature, « si vous aimez le divorce mais que vous le voulez gay ». Sur son site web, elle est décrite comme « une tragédie glamour, une antihéroïne pop queer tenant un rideau de mélodies scintillantes sur des vérités laides ». Cette déclaration est la meilleure façon de la décrire, elle et le monde merveilleux de la nature (the wonderful world of nature). L’album est plein de mélodies rêveuses et de paroles mélancoliques. Il y a des milliards de chansons sur les peines de cœur, mais Elizabeth y met son grain de sel, ce qui rend les chansons plus personnelles et plus sincères. Même si l’album doit définitivement surmonter la douleur de son divorce, il est indeniablement racontable et il pourrait même faire mal.

« beautiful baby » prépare la mise en scène de l’album et sa mélodie invite à la danse lente, tandis que les paroles suggèrent au public à pleurer un bon coup. C’est un beau mélange d’émotions. « partie » », est une de ces chansons qui peut donner plaisir à être racontées. Elle parle de ce sentiment de perdre l’être cher, d’être en état de choc et d’essayer de surmonter la douleur avec des fêtes qui n’ont aucun sens, cachant un cœur brisé. Elizabeth capture le sentiment d’espoir et de menace de revoir leur ex dans la rue.

« don’t let my love (bring you down) » montre la grande palette vocale de la chanteuse, tout comme « here », les deux titres montrant qu’une relation est parfois différente à l’extérieur qu’à l’intérieur. « death toll » commence sur un rythme lent, semblable à celui du cœur. La capacité d’Elizabeth à être si ouverte émotionnellement dans ses chansons atteint un point culminant sur « want you ». Cependant, une ligne spécifique ressort le plus, « la colère est un bleu et une fois qu’elle est épanouie, elle est lumineuse » (anger is a bruise and once it’s blooming, it’s bright) la chanson est aussi le point focal de l’album sur le plan émotionnel. Le son et la voix d’Elizabeth entourent l’auditeur comme un nuage d’émotions, ce qui rend la chanson si intime et si spéciale que « meander » en devient presque un choc. Plus fort et plus rapide.

« I’ve been thinking » parle de cette situation bizarre et équivoque avec des amis ; ils sont juste un peu plus que des amis, même s’ils ne devraient pas franchir la ligne. La luxure peut, de ce point de vue qui est le sien,être plus puissante qu’autre chose. « Imagining the changes » commence comme une chanson douce, qui n’a besoin que d’un piano et du chant d’Elizabeth. La première ligne est également assez forte, « falling out of love is wondering if you were ever in ». Plus tard dans la chanson, des chants forts à la guitare interrompent le son paisible et mélancolique du piano. C’est tellement surprenant qu’on a presque peur pendant une seconde, mais cela met merveilleusement en valeur les paroles. « burn it all » fait preuve de force énorme, tant au niveau des paroles que du son, même si elle commence plutôt lentement. C’est un autre morceau de l’album qui est très mérite qu’on s’y attarde. La ligne de force est la suivante : « comment aimer quelqu’un qui a grandi/ tu dis que tu as fait de moi quelqu’un de nouveau. » (how to love someone who you outgrew/ you say you made me into someone new).

Le dernier morceau sur the wonderful world of nature, « take me back », est sombre et d’une émotion troublante. Un sentiment profond d’être déchiré et plein de doutes sur soi-même. Le son est obsédant et soutient parfaitement le chant et les paroles. Ce premier album d’Elizabeth montre magnifiquement les émotions déroutantes qui entourent une rupture. Ce monde n’est pas seulement en noir et blanc, et ses chansons ne le sont pas non plus. Parmi le million de chansons sur les ruptures, les compositions d’Elizabeth se distinguent, de la meilleure façon possible. Même les paroles en sont la preuve, cet album a été écrit par un être humain, qui a un large éventail d’émotions. Préparez-vous à un voyage émotionnel profondément intime.

***1/2

Eve Owen: « Don’t Let The Ink Dry »

Bien qu’elle soit la fille d’une star du cinéma hollywoodien, Eve Owen n’est vraiment venue à notre connaissance que grâce à son travail sur le dernier long-métrage de The National, I Am Easy To Find. C’est cette collaboration qui s’est en partie poursuivie sur son premier album. Non seulement il a été produit par Aaron Dessner, mais il est également sorti sur le label u’il possède avec son frère jumeau Bryce et Justin Vernon de Bon Iver. De tels noms peuvent jeter une ombre sur une jeune artiste sur le point de sortir son premier album, mais Owen ne doit pas s’inquiéter, car Don’t Let The Ink Dry est l’un des « debut albums » les plus accomplis que l’on a pu entendre depuis bien longtemps.

Un thème qui traverse tout le disque est la couleur, tant au niveau des paroles que de la sonorité. La bande-son vibrante et éclectique donne l’impression d’un voyage à travers un mélange tumultueux de décharge émotionnelle. « Bluebird » pétille avec un snare-drum acoustique dont le roulement frénétiquement choisi se colle juste à la droite du chaos, tandis qu’Owen offre des descriptions visuelles de ses appréhensions – « Un merle bleu balayé vers moi, il a utilisé des cicatrices pour des croches » (A bluebird swept down to me, it used scars for hooks). La ballade au piano, « She Says », a des niveaux de livraison de blessure ouverte façon Édith Piaf, alors qu’Owen se débat avec le fait d’être déçue par quelqu’un en qui elle a investi son espoir et sa foi. C’est un morceau d’une maturité étonnante, écrit pour une personne à peine sortie de l’adolescence, et livré avec autant d’enthousiasme.

« Blue Moon » est soutenue par des assauts de guitare en distorsion et des cordes à peine audibles qui ancrent cette complainte traitant fait d’être du mauvais côté d’une relation déséquilibrée, comme l’exclame Owen « Oh, je ne te laisserai jamais te briser / je nettoierai tes erreurs, Blue Moon » (Oh, I’ll never let you break/I’ll clean up your mistakes, Blue Moon . La bande-son dépouillée ne fait qu’ajouter à l’exacerbation des paroles. « Bien que mes mots soient argentés/Ils s’accrochent à tes syllabes » (Although my words are silver/They catch onto your syllables) et « Bien que mes bottes rouges soient faites pour marcher/Je me souviens des temps passés avec toi » (Although my red boots were made for walking/I look back to times with you) ; des formulations qui ajoutent encore plus de couleur à « So Still For You », une chanson d’amour riche en mélodies qui offre de la douceur pour contrebalancer la mélancolie présente ailleurs sur le disque. « For Redemption » est un véritable point culminant, puisque la composition enjambes des percussions volontairement maladroites et choisies uniquement pour leur acoustique. La voix d’Owen oscille entre un chant sensuel et un falsetto urgent, ce qui crée une palette sonore intéressante et d’une beauté douloureuse.

Bien que musicalement, certains éléments rappellent le travail de Dessner au quotidien – comme l’électronique rythmique de « Lover Not Today », qui pourrait se glisser directement sur l’un des deux précédents albums de son groupe – à aucun moment vous n’avez l’impression que le poids de l’association s’ajoute au travail d’Owen. En fait, il n’y a que deux éléments qui sont importants pour cette collaboration. Premièrement, elle ouvre sa musique à un public plus large, et deuxièmement, elle a créé un premier disque qui est étonnamment bon. Cet ensemble de douze chansons doit être écouté partout, car il est tout simplement remarquable.

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BC Camplight: « Shortly After Takeoff »

Les fantômes du passé des auteurs-compositeurs des années 70 (Nilsson en particulier) et de son défunt père hantent le cinquième album de BC Camplight, un album confessionnel, effacé et drôle. C’est le meilleur qu’il ait jamais produit. « C’est un examen de la folie et de la perte » (This is an exam of madness and loss), dit Brian Christinzio, le « B C » derrière BC Camplight. « J’espère que ça lancera une conversation qui n’a que trop tardé » (I hope it starts a long overdue conversation . Christinzio est du genre à rire à travers la douleur et à pleurer comme un clown et il y a beaucoup de ces deux émotions sur ce fantastique Shortly After Takeoff, qui est le troisième chapitre de sa « Manchester Trilogy » d’albums qu’il a faits depuis qu’il a quitté Philadelphie pour le nord de l’Angleterre. (Les deux autres sont How to Die in the North en 2015 et Deportation Blues en 2018). Il a vécu beaucoup de choses au cours de ces trois albums, notamment la déportation, la mort de son père et une lutte constante contre la maladie mentale. « Il est important de souligner qu’il ne s’agit pas d’une histoire de rédemption », dit-il. « Je suis un type qui vit peut-être un peu difficilement et je suis au milieu de choses très dures. Mais en conséquence, je pense que j’ai fait mon meilleur disque ».

C’est sans aucun doute le meilleur disque de BC Camplight à ce jour – un regard fougueux, créatif, réfléchi et mélodieux dans le miroir sous la lumière la plus crue possible, mais qui est toujours capable de célébrer l’absurdité. Tout en continuant, vous savez, à tout mettre au point. Musicalement, Shortly After Takeoff est un mélange de styles d’auteurs-compositeurs des années 70, en passant par le post-punk, la pop mutante et les tendances musicales actuelles. Dubstep « wub wub wu » basse, guitares en fedback et harpe sur le même album. Ce n’est pas plus sauvage que les sautes d’humeur des paroles qui se déroulent comme les entrées hilarantes du journal intime d’une année particulièrement terrible. Par exemple, « Ghosthunting » s’ouvre sur un stand-up très sombre de Christinzio avant le début de la chanson, qui détaille les jours qui ont suivi la mort de son père. À l’enterrement, mon cousin m’a demandé en parlant : « Est-ce que tu fais danser les gens » ? (At the funeral, my cousin, he asked me in small talk / ‘Are you making the people dance?) hante-t-il en falsetto sur les cordes d’un ensemble de chambre ? ». J’ai dit « bien sûr » et je me suis demandé : « Pour qui me prend-il, Tame Impala ? » ( said ‘sure’ and thought to myself / Who does he think I am Tame Impala?)

En fait, il y a peut-être un peu de Tame Impala dans la grandiose chanson-titre de l’album, surtout dans le refrain où le falsetto de Brian se fond dans un orchestre trippant de synthétiseurs et de guitares glauques, mais Kevin Parker n’écrirait probablement jamais sur le fait de se retrouver totalement décollés dans un avion, plein de terreur à 20 000 pieds d’altitude.

Ailleurs : « Back to Work » oscille entre un refrain électronique bizarre et lourd (il y a ce dubstep) et des couplets plus folk-rock, tout en traitant avec lyrisme de la façon de s’en sortir comme sur Die Hard : « Je dois bloquer la plupart des douleurs comme le fait John McClane / Je veux me regarder dans les yeux / être un gars normal / et dire des trucs intelligents quand je suis sur le point de mourir. » (’ve gotta block out most of the pain just / like John McClane does / I wanna look myself in the eye / be a normal guy / and say some clever shit whenever I’m about to die). BC ajoute : « Le verset semble avoir un sens, puis sorti de nulle part, boom boom… juste quand vous pensez l’avoir compris… C’est le cycle sans fin de la maladie mentale. » (The verse seems to make sense, then out of nowhere, boom boom…just when you think you have it figured out… It’s the never-ending cycle of mental illness).

Sur cette note, il y a aussi  » » Wanna Be in the Mafia », une ballade grandiose de style Nilsson sur le temps passé à la Belmont Psychiatric de Philadelphie, rêvant d’une sortie facile ; « Je veux me mettre un coup sur le cerveau »( I want to put a hit out on my brain) comme s’il était un Ray Liotta de second niveau avec un anneau rose et un pantalon de survêtement coûteux. Il y a aussi la voiture de fantaisie « Born to Cruise » » dans le style des Beach Boys, et l’élégante « Arm Around Your Sadness ». Shortly After Takeoff ne dure que 34 minutes, mais BC propose des moments plus mémorables et plus émouvants qu’un double album moyen ; quelque chose de « heavy » dans lequel on a rarement ressenti cune telle agilité.

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Blake Mills: « Mutable Set »

Blake Mills s’est élevé au statut de musicien. En tant que guitariste de studio, auteur-compositeur et producteur estimé, Mills a travaillé avec certains des artistes les plus sophistiqués d’aujourd’hui : Fiona Apple, Alabama Shakes, Perfume Genius et John Legend. Sophistiqué ne fait que commencer à décrire les efforts de Mills en solo, surtout dans sa dernière sortie. Fusionnant folk, classique, ambient et jazz, Mills capture l’essence de l’élégance intemporelle sur Mutable Set, un paysage sonore nuancé après l’autre.

Mills s’appuie sur le son dépouillé du chanteur-compositeur avec ses compositions impeccablement détaillées et complexes. « Never Forever » ouvre l’album avec une orchestration luxuriante soutenant la guitare méditative qui devient vibrante et rebondissante sous le chuchotement de Mills, une voix calme mais passionnée. En utilisant des accords de dissonance joués par une guitare accentuée et un synthétiseur pour construire et faire avancer les phrases, Mills souligne le refrain « never ever could sever you from heart ». Dans le « single » original « Vanishing Twin », l’instrumentation active et occupée s’appuie sur un synthé rythmique pulsant pour créer un sentiment d’urgence sophistiqué qui aboutit à un climax cathartique, mais doux. 

La production de rêve de Mills et sa performance feutrée permettent à son choix idiosyncrasique de texture musicale de briller, créant des paysages sonores vraiment expansifs et immersifs. « May Later » illustre son génie dans la création d’un monde sonore. Les harmonies vocales magnifiquement superposées de Mills flottent au dessus d’une guitare silencieuse, avec des synthés d’ambiance et des carillons pour créer une atmosphère merveilleusement fantaisiste.

Des textures nuancées sont à nouveau à l’honneur dans « Summer All Over » pour mettre en évidence l’indulgence de Mills dans la réflexion sur soi. La basse inquiétante et inattendue et les synthétiseurs qui se profilent à l’horizon juxtaposent les percussions régulières, la guitare paisible et la voix douce de Mills pour créer un paysage sonore calme et poignant à couper le souffle. 

Sur les morceaux plus dépouillés de l’album, Mills parvient toujours à fusionner les genres de manière inattendue, apportant une perspective nouvelle au son de l’auteur-compositeur-interprète. « Eat My Dust » et « Farsickness » rappellent tous deux des standards de jazz avec un air de musique folk similaire à celui de Moses Sumney et de Sufjan Stevens. Ces morceaux mettent en lumière le falsetto aérien mais passionné de Mills ainsi que ses talents de guitariste. Ces éléments sont également réunis dans « Window Facing a Window », avec une subtile influence de l’époque romantique. La ballade laisse la place à son doux grattage et à sa voix contemplative, tandis qu’une vague de synthés et de piano doucement luxuriante crée une ambiance nuancée, nostalgique et mélancolique. 

La splendeur de Mutable Set ne réside pas dans les grandes instrumentations et les ceintures climatiques. L’album brille par sa chaleur subtile, son élégance et son admirable souci du détail. La douceur de Mill lie impeccablement les influences et les textures pour créer une œuvre d’art immersive et intemporelle, une perle grandeur bercée dans de la douceur.

***1/2

Hayley Williams: « Petals For Armor »

On peut dire que cette année a été un peu un tourbillon pour Hayley Williams. Au début de l’année 2020, elle a commencé sa première aventure en solo, après 16 ans de carrière en tant que chanteuse de Paramore et en abandonnant progressivement des morceaux de la taille d’un EP issu de de son LP, Petals For Armor.

En effet, avant sa sortie, les deux tiers du disque avaient déjà vu le jour ; une façon pour Williams d’échelonner la musique en trois sections qui ont fait réfléchir et de donner à chacune d’entre elles le temps de se concentrer et d’attirer l’attention alors qu’elle nous ouvre son côté vulnérable en couvrant des sujets allant de la fin de son mariage à sa santé mentale.

Le premier et principal « single », « Simmer », vous fait immédiatement comprendre qu’il s’agit d’un monde à part du son plus rock de Paramore. Bien que les paroles traitent de la vie avec une rage intérieure, ce morceau rempli d’angoisse révèle son côté expérimental, montrant de brefs aperçus de celui de Kate Bush, combinés à un rythme pop contagieux et accrocheur.

Son désir de jouer avec une variété de styles est vraiment apparent dans « Petals For Armor », et l’une des choses qui fonctionne parfaitement est la façon dont Williams est capable de plonger dans différentes décennies et d’en extraire divers éléments, en particulier ceux des années 80. L’une des chansons les plus fortes, « Over Yet », produit un mélange habituel qui ressemble à une combinaison éclectique de « Love Machine », le tube de Girls Aloud, de la voix pop de Kylie Minogue, avec un refrain qui pourrait être celui de n’importe quel tube de Madonna des années 80.

Dans la continuité du thème rétro, « Sugar On The Rim » est encore plus expérimental, cette fois avec une ambiance plus électro-pop, tandis que « Watch Me Whilst I Bloom » voit la nouvelle indépendance de Williams s’épanouir dans ce hit qui pourrait bien rivaliser avec n’importe lequel des succès pop contemporains.

Ce désir d’évoluer et de se frayer un chemin résonne vraiment dans « Cinnamo » », une ode à sa maison qu’elle partage avec son chien. Bien qu’il soit assez simpliste de se contenter de détailler ses habitudes quotidiennes, il se transforme complètement lorsqu’il est combiné à l’exubérance des instrumentaux imprégnés de funk.

Tous les fans de Paramore savent que Williams n’est pas étrangère à l’art de chanter une ou deux notes épiques, mais pour la plupart, elle a l’impression d’avoir redonné du tonus à sa voix et d’avoir laissé les rythmes excentriques et la musique compenser cela. « Sudden Desire » nous permet cependant de nous souvenir de ces voix puissantes, qui complètent incroyablement bien ce morceau intriguant et intime, alimenté par la luxure.

C’est avec « Dead Horse » »que nous la voyons s’ouvrir sur son mariage passé et présenter sa relation très publiquement. En surface, c’est un hymne jazz-funk extrêmement addictif, mais les paroles s’ouvrent vraiment à elle en admettant et en réfléchissant à ses propres jugements, « J’ai eu ce que je méritais / j’ai toujours été l’autre femme » (I got what I deserved / I was the other woman first ).

Bien que l’album traite de la réflexion sur certains points faibles de sa vie, il y a aussi quelques grands points positifs qui ressortent. Les nouvelles relations et l’amour sont parfaitement résumés dans « Pure Love » » une chanson qui parle de laisser tomber les limites pour laisser entrer les gens, tandis que « Taken » explore la possibilité de s’engager dans une nouvelle relation après avoir souffert d’un cœur brisé, le tout enveloppé dans un des refrains les plus accrocheurs qui soient.

« My Friend » est une dédicace parfaite à ses amis les plus proches et un remerciement affectueux pour l’avoir soutenue dans ses hauts et ses bas. L’amitié est évidemment quelque chose qu’elle apprécie et chérit vraiment, surtout avec les membres du groupe Paramore, Zac Farro et Taylor York, qui ont également participé à son travail en solo sur ce disque, soit en accompagnant le processus d’écriture, soit en enregistrant, et York a même produit une grande partie de l’album.

L’une des plus grandes réussites à retirer de Petals For Armor est la façon dont le travail acharné et le talent de Williams ont produit un album incroyable, et même sur un album avec autant de chansons à offrir, à aucun moment il n’y a un sentiment de remplissage. Peu importe ce que vous pensez de Paramore, il est indéniable que ce disque est tout à l’honneur de ses talents musicaux et de sa capacité à créer tube après tube.

Comme le dit un premier projet solo, Petals For Armor est l’introduction parfaite à cette nouvelle ère de Hayley Williams, qui agit comme une catharsis vulnérable tout en la voyant, de plusieurs manières, renaître.

***1/2

Alex Nicol: « All for Nada »

Alex Nicol a décrit ses débuts en solo comme une sorte d’hommage – et de partenariat – à sa partenaire, l’artiste visuelle Nada Temerinski. Dans une interview, Nicol a clairement indiqué que la position de Temerinski n’est pas celle de la muse traditionnelle, mais celle de collaboratrice et de productrice non officielle – une autre énergie créative en tandem avec la sienne, influençant et interprétant son travail d’une manière qui n’est pas traditionnellement reconnue dans le canon égocentrique des auteurs-compositeurs masculins.

L’album né de cet esprit de collaboration fructueux, intitulé à juste titre All for Nada, est une exploration des relations équitables, de la croissance et de la recherche de partenariats. C’est une collection de chansons langoureuses qui masque son sujet parfois épineux dans des bruits de guitare, de basse lourde et de synthétiseurs dorés. 

Les paroles de Nicol sont introspectives et rarement tranchées – il pose souvent des questions, contemplant les mondes qui l’entourent et qui sont en lui. Il consacre autant de temps à la beauté cosmique de notre univers qu’à la semaine de travail de 40 heures, dissolvant les lignes entre le banal et le mystérieux. Il en va de même pour l’amour – sur All for Nada, une relation est à la fois un rituel quotidien confortable et une quête étoilée de quelque chose de plus.

L’atmosphère lounge et la voix douce de Nicol en font un disque sans angles vifs ni textures. C’est un espace calme, baigné par la lumière de l’après-midi et riche en marqueurs subliminaux du quotidien. Il est difficile de ne pas entendre Temerinski dans ces chansons. La plupart semblent être en conversation avec elle ou à son sujet. Elle devient presque une deuxième interprète, son influence se fait sentir dans presque chaque note – des sons produits dans l’espace partagé par deux personnes amoureuses.

Nicol a un don pour les lignes engageantes comme « Je fais confiance à la lessive aujourd’hui » (I put my trust in the washing today), « Ramènemoi le pont » (Take the bridge back to me), « Le foyer est maintenant une construction » (Home is now a construct), et son contenu lyrique relativement dense joue contre la musique épurée, ajoutant des nœuds de complexité à ces chansons simplement rendues. C’est un disque plaisant, et un regard doux et lumineux sur les possibilités dynamiques de partenariat et sur l’influence cachée et le pouvoir direct de ceux que nous aimons. Et cela , tout prosaïque que ce soit, ce n’est pas pour rien.

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Harki: « Harkin »

Dès les premières notes de l’ouverture mélancolique et nostalgique qu’est « Mist On Glass » nous sommes de retour dans la brumeuse félicité des années quatre-vingt-dix. Mais cela ne veut pas dire que Harkin – malgré l’apogée de son ancien groupe Sky Larkin à une époque similaire – est plantée dans la nostalgie. Depuis l’époque où elle dirigeait le trio de Leeds, Katie Harkin est sans doute devenue l’une des collaboratrices les plus prolifiques de notre génération, ayant travaillé avec Sleater-Kinney, Courtney Barnett et Waxahatchee, entre autres.

Avec un tel carnet noir, Harkin s’appuie naturellement sur quelques compagnons de tournée pour faire naître cette œuvre. En effet, ses débuts éponymes incluent des contributions de Jenn Wasner de Wye Oak et de Stella Mozgawa de Warpaint. Mais le sujet est une réflexion sur soi-même.

Ainsi, « Decade » examinera le sentiment de regret, tandis que « Bristling », en proie à des conflits, annoncera, par le hurlement d’une ligne de chœur, un appel au travers de landes brumeuses. « Red Virginia Creeper » fait un clin d’œil à la double origine de l’album en capturant certains des vastes plateaux du nord de l’État de New York dans sa réverbération itinérante et ses commentaires chaleureux. 

Sa carrière à ce jour a peut-être été soutenue par une série d’amis exceptionnels, mais il y a une chose que la multi-instrumentiste est plus que capable de gérer elle-même : le talent artistique pour écrire des chansons sincères. 

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