Brigitte Bardini: « Stellar Lights »

2 juin 2022

La pochette de l’album est une perle pour cette nouvelle artiste de Melbourne. Il y a les textures art déco, le clin d’œil au héros glam méconnu Jobriath, Goldfrapp, la ressemblance avec Veronica Lake dans les années 40, et le personnage de jeu vidéo Noir Elizabeth de l’extension solo BioShock Infinite : Burial at Sea. Elle s’appelle Brigitte Bardini.

Nous avons découvert la musique de Bardini sur son podcast. Les arrangements qui ont été faits en arrière-plan ne ressemblaient à rien de ce que l’ on avait entendu auparavant.

C’était très différent de ce que faisaient Sigur Ros, Jane Weaver et Alison Goldfrapp. Avec son premier album galactique, Stellar Lights, elle va aussi loin qu’elle peut aller tout en se préparant à faire le saut à la vitesse de la lumière.

Le morceau d’ouverture « Heartbreaker » est un voyage cosmique vers le dancefloor, alors que Brardini pose des rythmes électro avec de magnifiques synthés en morse pour commencer la journée, tout en partant à la campagne pour une atmosphère relaxante de pop symphonique sur ce « Wild Ride ».

Elle élève son esprit en conduisant dans ces différents endroits sans savoir où le prochain chapitre l’emmènera, mais elle fait un atterrissage en douceur dans une respiration « Everyday » en canalisant à la fois le seul début éponyme de Roxy Music et Ultravox. Brigitte a très bien fait ses devoirs en prenant des aspects sur les groupes et artistes qui ont pu l’influencer pendant la réalisation de l’album.

Nous avons aussi ressenti des tiraillements entre Steven Wilson et Tim Bowness, combinés en un seul, lorsqu’elle se dirige vers la voie de la berceuse du « Danube Ble »u de Johann Strauss avec « Inside Your Head ». Bardini se dirige une fois de plus vers la piste de danse. Elle se lance dans un groove et donne aux habitants de sa ville natale une chance de se détendre, de s’éloigner de toute la merde qui se passe à la télévision et de se rendre dans son club pour une méditation calme et claire.

Elle sort ensuite sa guitare acoustique pour prendre un peu de repos en réfléchissant au chemin parcouru avec « All My Life ». Made of Gold  » et  » Breathe  » sont une combinaison de Joy Division et de l’a période Pornography de The Cure, et s’enfoncent dans un endroit profond et sombre dont elle ne veut pas que vous vous approchiez.

La section de batterie joue en boucle avec des guitares électriques vives pour une section médiane hypnotique en se dirigeant vers ces tunnels remplis d’images étranges. Pendant ce temps, « Aphrodite » fait un clin d’œil à Bardini qui plonge dans les styles lyriques de Simple Minds et John Foxx avec une musique proche des années « Brat Pack » de John Hughes.

Ensuite, nous nous dirigeons vers un son de type Mellotron provenant d’un orgue de vicomte qui se transforme en carrousel sur « Could’ve Been ». En écoutant les sons de l’orgue, on peut entendre les sons du groupe français méconnu de rock progressif, Ange. Il y a des croisements intéressants avec Caricatures et Au-delà du délire que Bardini canalise.

Stellar Lights n’est pas seulement un de ces albums que l’on emporte dans sa voiture et que l’on passe en boucle sur son lecteur de CD, il vous accompagne jusqu’à la fin des temps. Bardini elle-même a apporté beaucoup d’idées massives à sa table de cuisine. Ces chansons sont comme autant de structures d’histoires qu’elle a écrites. Et ces images visuelles qui sont sur Stellar Lights en sont une présentation hors du commun.

***1/2


Resplandor: « Tristeza »

30 mai 2022

Ce printemps, Reptile Music/ Automatic et Cargo Records (distribution) ont publié le tout nouvel opus de Resplandor, Tristeza. L’album est naturellement une œuvre grandiose par tous les moyens, surtout si l’on regarde les as sur la table ; l’album entier a été produit et mixé par Robin Guthrie (Cocteau Twins), qui a fait le même travail dans le passé avec leur album précédent Pleamar (2019), tandis que toutes les chansons ont été masterisées par Simon Scott de Slowdive qui est un joueur reconnu avec de nombreux ‘lauriers’ et de nombreuses sorties solo aussi. Le groupe a été fondé à Lima (Pérou) et est actuellement basé aux Pays-Bas. Toute la musique et les paroles sont dirigées par Antonio Zelada (voix, guitares, e-bow, programmation) qui est un compositeur inspiré et un joueur très compétent, avec le reste de l’équipe composée de Joeri Gydé (basse, guitare baryton, violoncelle), Christopher Farfán (batterie), et Tatiana Balaburkina (synthétiseur, chœurs) qui est très importante pour la musique du groupe. Tous sont les pierres angulaires d’un puzzle #shoegaze incroyablement beau avec un nouvel album étonnant dans leur catalogue. Avec ce Tristeza on espérait que ce serait quelque chose de spécial et de bon, et tout s’est avéré au-delà de nos attentes.

En effet, Guthrie et Scott ne sont pas à la recherche d’un emploi et ils n’ont même pas besoin d’être « convaincus » de travailler sur quelque chose de nouveau, mais si ce nouvel album est de qualité supérieure, je suppose qu’ils retroussent leurs manches avec joie et entrent en studio pour de grandes choses. Ces grandes choses sont les 8 nouvelles chansons de ce groupe étonnant. Vous entendrez le mazout du shoegaze et vous apprécierez quelques ponts et  » incidents  » dream-pop sensationnels et ciblés. Vous n’entendrez pas un groupe blasé cherchant à shoegaze sa musique, vous ferez l’expérience de la vraie « chose du regard » – et c’est peut-être ce que les messieurs susmentionnés ont ressenti aussi.

Bien sûr, si vous ne connaissez que le son shoegaze américain, vous aurez besoin d’un cours supplémentaire, car ces deux « écoles » sont très différentes l’une de l’autre ; le son shoegaze américain est un peu comme un mur de son, avec un son trituré infranchissable, tandis que le style d’Albion est beaucoup plus flou, mais sur le même mur, ce qui vous permet de voir le paysage un peu plus loin, avec un travail trituré lourd et un besoin permanent de cacher l’évidence… mais tous deux de part et d’autre de l’Atlantique ont quelque chose en commun ; leur besoin non négociable dans la composition rêveuse et le son écrasé. Ιsi tu ne peux pas rêver éveillé, tu ne peux pas faire du shoegaze.

Mais la chanson qui nous a totalement cloués avec sa beauté et son groove et son orientation new-wave et tout… c’est ce même titre « Tristeza », écouté à la radio et, vous savez comment ça se passe parfois, vous n’avez besoin que d’une minute pour choisir une chanson, mais pendant que vous la faites tourner, vous vous concentrez davantage et votre main se pose seule sur le volume pour le mettre plus fort… ces chansons sont au cœur de votre nuit dans la cabine, oui. Les autres morceaux de l’album, laissez-nous voir… l’incroyable  » exercice  » shoegaze dans des eaux sauvages avec  » Oceano « , car au cours de cette chanson très aventureuse, vous comprendrez pourquoi tout l’argent revient au batteur qui a sauté dans l’eau et l’a emmené ailleurs, plus sexy…  » Adore  » et  » Feel  » qui m’ont tous deux emmené vers le shoegaze old-school, mais voici la chose : même s’ils nous ont emmenés là, ils sonnent de manière totalement fraîche et dynamique. Avant de partir, il faudrait vous dire une autre chose qui est très pertinente pour la présentation d’aujourd’hui. Vous vous souvenez de Whimsical ? Si vous placez ces deux disques dans votre bibliothèque (Resplandor, Whimsical), vous aurez non seulement deux des plus fortes sorties shoegaze de cette année, mais surtout, vous aurez le nouveau son shoegaze/dream pop au contenu si moderne, si avant-gardiste. Mais aujourd’hui, c’est Resplandor qui est à l’honneur avec son nouvel album Tristeza, alors voilà, écoutez bien fort !!!

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Sugar For The Pill: « Wanderlust »

28 mai 2022

Mélangeant des voix rêveuses et enduites de vaseline avec un son shoegaze classique, Sugar For The Pill sort un premier album, Wanderlust, marqué par la confiance et l’aplomb. Il s’agit d’une collection de titres qui se sentent chez eux dans les années 80 et 90 de 4AD. Les fans de Cocteau Twins seront ravis, mais aussi ceux de My Bloody Valentine et de Slowdive. Il y a ainsi ici du rock pour tout le monde.

Sugar For The Pill a touché un point sensible pour nous car il possède un élément éthéré vocalement mais aussi un élément anarchique grunge dans la musique. Le premier morceau, « Quicksand », a un mur de son aux guitares qui se déchaînent dans le refrain mais restent plus délicates dans les couplets. Cela donne une voix d’Elizabeth Fraser qui calme la tempête. La suite immédiate, « Drink Conium », propose des accords mineurs et des chœurs criards qui ont leur place dans un morceau punk. Ajoutez à cela le fait que les guitares et les voix ont un culot de rock universitaire et les choses sonnent éthérées mais sont viscérales.

Cette juxtaposition se retrouve également dans d’autres morceaux. Le superbe « Falling Back to You » se concentre sur des riffs plus complexes et des guitares plus serrées. Les changements de production permettent à la complexité de briller alors que d’autres groupes l’auraient probablement noyée dans le son. Cela donne à l’auditeur une ambiance digne de 1993. « Soul Can Wait » est un autre « banger » où les hurlements de guitare du refrain et l’outro dramatique sont la perfection du shoegaze. Il y a cette touche parfaite de rêve citronné dans le chaos. Ailleurs, d’autres groupes des années 90, comme Belly, obtiennent un clin d’œil avec des morceaux de style plus américain comme « More Than a Lover ». C’est la bande originale de Buffy, 20 ans plus tard.

Malgré tous nos clins d’œil aux années 80 et 90, des morceaux comme l’hymne « Diamonds » ou le fantasque « I Wish I Was The Fire » bénéficient de la technologie d’enregistrement de 2022. Les basses caoutchouteuses sont claires comme du cristal. Le rush des guitares qui vous frappe n’a pas l’effet surpuissant du bleed pop. Le quatuor ne choisit pas non plus la voie la plus évidente pour les riffs. Les accords et les notes sont méandreux et, bien qu’il y ait quelques fugues de quatre accords, ils sont remplis par ces méandres de sorte que rien ne semble simple. C’est une façon intelligente de garder l’oreille intéressée et le volume joue également un rôle important dans l’album.

Sugar For The Pill pourrait bien être une de nos découvertes shoegaze favorites tant Wanderlust est un opus fantastique qui connaît son identité et offre des chansons bien construites et émotionnellement engageantes du début à la fin. Les morceaux plus tristes et mid-tempo rivalisent avec le bobsleigh des hymnes et la variété est au rendez-vous. Un album vraiment superbe qui rappelle presque la première découverte de Curve dans les années 90. Tout s’enchaîne sans effort et nous donne l’impression d’avoir connu cette musique depuis des années.

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Young Prisms: « Drifter »

9 avril 2022

Cela fait plus de dix ans que Young Prisms n’a pas sorti d’album. Mais même en 2012, ils ne semblaient pas avoir un impact énorme. Ils ont souvent été mis dans le même sac que la partie « et autres » du Shoegaze Revival, souvent relégués à une note de bas de page dans les sections « vous pourriez aussi aimer » de groupes comme A Place to Bury Strangers, No Joy et Silversun Pickups.

Mais l’obscurité est rarement un marqueur de manque de qualité (c’est pratiquement la devise de tous les snobs de la musique), et la première série de Young Prisms, composée d’un EP et de deux albums, a réussi à trouver une profonde dévotion parmi les fans hardcore de shoegaze – leur premier album Friends For Now vient d’être réédité après onze ans d’absence.

Et maintenant, après une pause de dix ans, Young Prisms est de retour – et ils ne se contentent pas de se prélasser dans le succès culte de leur première série. Drifter semble familier aux fans de leurs précédents travaux, mais ils semblent plus sûrs d’eux que jamais.

Le paysage musical est un peu différent de ce qu’il était au début des années 2010. Les guitares vaporeuses et les voix sirupeuses ne sont plus tout à fait la nouveauté qu’elles étaient avant que les aficionados du shoegaze ne trouvent des communautés importantes sur les médias sociaux, les photos de pédaliers et les démos récoltant des hordes de likes sur Instagram et TikTok. Même le terme « Shoegaze Revival » est tombé en désuétude, car la résurrection de l’esthétique a duré plus longtemps que la scène originale, avec beaucoup plus de groupes adhérant aux principes des pédales de fuzz et de réverbération. Il ne suffit plus de sonner juste (bien qu’un certain nombre de groupes essaient de le faire avec ce truc). C’est une peau attrayante, mais elle doit être étirée sur une forme assez ferme pour se tenir debout toute seule.

Heureusement, les muscles d’écriture de Young Prisms ne se sont pas atrophiés pendant leur hiatus. Les voix lointaines, les guitares brumeuses, les nuages de synthés et les rythmes de batterie simples mais efficaces (certains joués, d’autres programmés) sont portés par un songwriting rêveur mais affirmé qui rappelle le bonheur domestique de Brian Wilson.

Les mélodies aussi accrocheuses sont généralement appelées « hameçons », mais le terme semble presque trop violent pour ce qui se passe ici. Un hameçon est tranchant et barbelé, attirant une victime par inadvertance. Au contraire, les lignes ici sont comme les invitations d’un vieil ami. Ce sont des bras ouverts qui offrent une étreinte. Ce n’est pas assez affirmé pour exiger un oui – et ce serait probablement pire si c’était le cas – mais accepter l’invitation apporte une récompense plus riche que ce à quoi on pourrait s’attendre.

Une grande partie de cette affection sonore est probablement due à la réunion réelle des membres du groupe après une décennie de chaos et de calamité. Et avec les jours les plus dangereux de la pandémie probablement derrière nous, il reflète beaucoup des retrouvailles que beaucoup d’entre nous ont probablement en sortant de quarantaine. Et dans ce sens, c’est une sortie parfaitement synchronisée.

***1/2


Loop: « Sonancy »

27 mars 2022

Le philosophe des Lumières écossais David Hume a écrit : « La répétition ne change rien à l’objet répété, mais change quelque chose à l’esprit qui le contemple ». Dans les années 1980, Loop, le groupe britannique psychédélique et proto-shoegaze, a mis à l’épreuve la notion de Hume, en mélangeant les accords puissants surmultipliés des Stooges avec la monotonie des groupes de Krautrock Can et Neu ! Chaque chanson de Loop est plus ou moins un seul riff joué en boucle, tandis que le chanteur et visionnaire du groupe, Robert Hampson, émet des voix spatiales par-dessus le ragoût sonore tourbillonnant.

Loin d’être une mauvaise chose, la monotonie de Loop est un véritable voyage dans la tête, un point sur lequel David Hume était « branché » il y a 300 ans. Même sans l’aide de médicaments, la musique de Loop est vibrante et complexe et se déploie pour ses auditeurs. Le groupe a connu son apogée musicale à la fin des années 80, lorsqu’il a sorti deux chefs-d’œuvre minimalistes coup sur coup : Fade Out en 1988 et Gilded Eternity en 1989. Ici, Hampson, le chanteur-guitariste, a réuni une nouvelle formation pour le premier LP du groupe en 32 ans.

Le morceau d’ouverture de l’album, « Interference », est composé d’un seul accord superposé à un rythme propulsif sans fin par le batteur actuel Wayne Maskel, qui parvient à recréer parfaitement les grooves lourds de tom de l’ancien batteur John Wills. Le minimalisme sonore de la chanson génère sa propre combustion. Les autres premières chansons de l’album ont un aspect spatial similaire. « Eolian » et « Supra » présentent un peu plus d’interaction entre les guitares tourbillonnantes et la basse saturée. Les chansons offrent un étrange sentiment de mouvement vers l’avant tout en restant sur place – un peu comme lorsque la gare semble se déplacer gracieusement devant le train apparemment immobile dans lequel vous êtes assis. Les paroles de Hampson sont spatiales et vagues, et ressemblent un peu à celles d’un astronaute lointain annonçant quelque part à la radio que quelque chose ou autre est plein d’étoiles…

Le son expérimental de « Penumbra I » est difficile à cerner, si ce n’est qu’il correspond à la description du son que l’on est censé entendre immédiatement après avoir fumé du DMT.  « Isochrone » est le morceau le plus long de l’album, et peut-être le plus trippant. Des bruits de synthétiseurs bizarres et des voix pleines d’écho percolent sur un groove implacablement lourd.  Sur « Halo », les secousses de distorsion d’un bug zapper s’entrechoquent avec les riffs d’une guitare lourde sur le groove. Le rave-up apparemment sans fin de la chanson donne un sentiment d’urgence croissant sans offrir aucune nouvelle information musicale.

Le premier » single » de l’album, « Fermion », est un peu plus étoffé avec un jeu rythmique qui donne aux auditeurs un peu plus d’informations à suivre. Le dernier morceau de l’album, « Aurora », construit une cathédrale sonore élaborée à partir de seulement quatre notes jouées à la guitare.

Sonancy montre clairement que Loop a toujours été l’idée de Hampson, et le leader a manifestement pris soin de maintenir une cohérence musicale malgré les changements de line-up et les décennies qui ont suivi. L’album sonne un peu plus proche de l’abrasif Fade Out en 1988 que de Gilded Eternity, plus poli, et sorti en 1989.

La musique de Loop n’est pas seulement un cas de Spacemen 3 « prenant des drogues pour faire de la musique pour prendre des drogues ». Au contraire, Hampson et sa compagnie semblent vouloir explorer comment le minimalisme est sa propre drogue, fournissant des hallucinations auditives alors que l’esprit traite la monotonie. Loop vise quelque chose qui ressemble aux improvisations à la batterie de Steve Reich, plutôt qu’à ces jams de fin de soirée qui se terminent lorsque les flics vous trouvent, vous et vos copains aux yeux lourds, affalés sur vos instruments alors que le larsen s’échappe de vos amplis.

***1/2


Letting Up Despite Great Faults: « IV »

4 mars 2022

Le shoegaze en tant que genre peut être caractérisé de quelques façons assez évidentes, mais c’est avant tout une musique de texture. L’harmonie, la mélodie et le rythme viennent après le timbre lui-même. C’est une musique que l’on peut toucher et ressentir physiquement plutôt que simplement entendre. Les huit années de Letting Up Despite Great Faults ne font pas exception à cette règle. S’écartant de l’attaque à la tronçonneuse habituelle de groupes comme My Bloody Valentine et Swervedriver, l’approche de Letting Up Despite Great Faults est résolument numérique.  IV, assez étonnamment le quatrième album studio du groupe, vit dans un paysage de bandes sonores de jeux vidéo rétro. Les bits sont écrasés et la résolution est volontairement faible. C’est le son de l’exploration de royaumes sous-marins en deux dimensions, ou de la collecte de centaines d’anneaux précieux sur des pistes de course dans le ciel.

Le premier morceau de l’album, « Kisses », vous plonge lentement dans un monde de synthétiseurs délavés…. ou s’agit-il de guitares ? Une partie de l’intrigue réside dans ce flou. Les instruments apparaissent et disparaissent déguisés les uns aux autres, revêtus d’une grande cape d’invisibilité robotique.

L’influence de l’électronique de chambre dreampop du milieu des années 2000 est omniprésente sur ce disque. Le fantôme d’Ulrich Schnauss hante chaque changement d’accord et chaque rythme minimal de boîte à rythmes. Des morceaux comme « Gorgeous » et « Curl » imitent l’amour de Schauss pour les accords granuleux et les profondeurs de bits modifiées, tout en oscillant entre une sorte d’austérité inspirée de Moe Tucker dans le second et le maximalisme frénétique de la Drum ‘n’ Bass dans le premier.

IV ne vit cependant pas entièrement dans le royaume des processeurs. Des guitares et des basses live parsèment le disque d’influences post-punk et gothiques. « New Ground » est un morceau de culte de l’époque de Head On The Door, Softly, « Bravely » évoque le jangle de C86 et « Self Portrait, » le « closer », emprunte fortement au playbook de New Orders. Les guitares modulantes et le chant discret de Fisette font de ce dernier morceau un point fort pour ce modeste auteur.t

Letting Up Despite Great Faults sont de toute évidence des obsédés de la musique et cela se ressent tout au long de IV. Des écoutes répétées font apparaître des clins d’œil et des références de plus en plus nombreux à des disques et des groupes qu’ils adorent. C’est un album pour les gens comme eux. Des gens obsédés par le son de la basse de Peter Hook sur « Ceremony, » ou par la cadence de la voix d’Ana Da Silva sur « Animal Rhapsody ». Nerds de la musique, unissez-vous et mangez à votre faim.

***1/2


Blankenberge: « Everything »

19 décembre 2021

Les musiciens de Blankenberge, originaires de Saint-Pétersbourg, capturent l’essence de ce qui rend le shoegaze extraordinaire et nécessaire sur leur troisième album, un Everything qui est à la fois planant et cinématographique.

On se souviendra peut-être de 2021 pour avoir été l’année qui a lancé le mouvement art-punk gothique (Squid and Black Country, New Road) et ravivé l’histoire d’amour avec le shoegaze. En ce qui concerne ce dernier, les albums de Flyying Colours, Wednesday, Makthaverskan et Deafheaven ont montré que le genre pouvait encore être réinventé sans perdre l’euphorie surnaturelle et souvent cataclysmique qui lui est associée. Alors que l’année touche à sa fin, un groupe de plus nous rappelle pourquoi le shoegaze avance qu’il « vivra pour l’éternité ». 

Blankenberge, qui ne s’est jamais plié aux règles conventionnelles, a sorti son troisième album dimanche dernier. Everything est tout ce qui définit la grandeur cinématographique du shoegaze. Il s’agit, en d’autres termes, d’un spectacle éblouissant qui capture la puissance et les émotions de la musique créée il y a trois décennies. Le morceau d’ouverture « Time to Live » s’envole avec la spiritualité époustouflante de Slowdive à son apogée. À travers les guitares carillonnées et réverbérées et les rythmes martelés, la voix de Yana Guselnikova, qui ressemble à celle d’un lutin, s’élève pour nous dire de vivre l’instant présent. « Il n’y a pas de meilleur moment pour vivre / Qu’ici et maintenant » (There is no better time to live / Than here and now) chante-t-elle avec un effet hallucinant.  

Ce thème de la vie dans l’ici et maintenant est répété sur leplus que rêveur « No Sense » ; un sentiment de paix et de calme s’installe d’abord avant que la chanson ne s’intensifie progressivement. Alors qu’elle atteint son apogée cosmique, Guselnikova donne quelques conseils à suivre : « La vie est si belle/ Je le sais avec certitude/ Parfois, elle semble être une perte de temps/ Mais ce n’est pas vrai » (Life is so beautiful/ I know it for sure/ Sometimes it seems like a waste of time/ But it’s not true).

« Different » est, en son préalable,un séduisant morceau shoegaze qui se transforme en une explosion sonore à la Cocteau Twins. Cette approche turbulente reflète l’histoire de deux personnes qui prennent des chemins différents après avoir réalisé qu’elles n’étaient pas faites l’une pour l’autre. Un effet céleste srta obtenu avec « Forget », sur lequel les rythmes adroits mais probants du batteur Sergey Vorontsov et du bassiste Dmitriy Marakov ajoutent une qualité austère. Ils apportent l’élément de désespoir aux guitares lumineuses de Danill Levshin, et, ainsi, élèvent l’anxiété de Guselnikova. :« Je ne peux rien faire / Et même si je le pouvais / Je n’ai pas assez d’énergie / Pour me faire comprendre » (I can not do anything / And even if I could / I have not enough energy / To make myself be understood), chante-t-elle de manière on ne peut plus vulnérable.

Alors qu’il semble que le groupe ne pourrait pas atteindre des sommets plus élevés, il dévoile « Everything ». La pièce maîtresse de l’album est un voyage dans le cosmos, intégrant des tonalités post-rock à la Explosions in the Sky et la vision dramatique du shoegaze de Deafheaven. C’est aussi une démonstration magistrale de la façon dont des percussions urgentes peuvent transformer un son familier en pure catharsis. Alors que ses camarades de groupe s’approchent de l’oubli, Guselnikova garde les pieds sur terre avec ses mots : « Veux-tu vraiment être heureux/ N’aie pas peur de perdre/ N’essaye pas si fort d’obtenir plus/ Ne vois-tu pas que tu as tout ? » (Do you really want to be happy/Then don’t be afraid of losing/ Don’t you try so hard to get more/ Don’t you see you have everything ?).

« Summer Morning » est plus hivernal dans son effet, les guitares de Levshin perçant avec la réverbération cinglante de My Bloody Valentine. L’histoire de Guselnikova, elle aussi, est à la fois une fantaisie et un conte de fées post-apocalyptique, puisqu’elle raconte avoir ressenti la chaleur du soleil après une période dévastatrice. Le sursis instrumental, « Kites », offrira une pause momentanée, les guitares luxuriantes créant un sentiment de tranquillité. Elles se transforment ensuite en « So Hig » ». A l’instar de la production de Lush, le morceau alterne entre une atmosphère magnifique et une réverbération écrasante. L’approche imite l’image d’un cerf-volant tourbillonnant dans le vent, ce qui est une analogie pour rêver grand et croire en l’impossible. 

Sur « Fragile », Blankenberge livre un final épique. Il monte et descend, il est céleste et écrasant, et il capture l’essence de ce qui rend le shoegaze extraordinaire et nécessaire. Ou comme le dit Guselnikova dans ses derniers mots, « Mais nous avons tous besoin de quelqu’un / Pour nous aider à comprendre cette vie » (But all we need someone / To help us understand this life). Et c’est, aussi et ainsi, pour cette raison que le shoegaze, suivant la formule établie, « ne mourra jamais ». 

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The Left Outsides: « Are You Sure I Was There? »

17 janvier 2021

Pour leur cinquième album, Alison Cotton et Mark Nicholas restent fidèles à l’esthétique vintage recherchée, depuis les médias utilisés, dans toutes leurs productions et aussi dans les digressions latérales dans un cadre plus ouvertement expérimental par la moitié féminine du duo.

Les onze titres réunis dans Are You Sure I Was There, titre qui semble déjà suggérer un emplacement stylistique pas tout à fait certain et sans ambiguïté, développent en fait la double orientation imprimée dans le précédent All That Remains (2018) aux divagations poussiéreuses du duo britannique à leur formule originale psycho-folk rêveuse et intemporelle. Si même dans la nouvelle œuvre, les précieuses allusions à un psychédélisme bucolique ne manquent pas sur cette base consolidée, grâce aux contours rendus particulièrement enchanteurs par les interprétations délicatement évocatrices de Cotton, Are You Sure I Was There continuera néanmoins de greffer un fuzz électrique plus prononcé, qui va cependant de pair avec la légèreté des chansons issues de la surprenante nature de la pop.

Au cours de l’œuvre, le duo mélange sans relâche les différentes nuances de sa palette, allant des ambiances oniriques de « Only Time Will Tell » et du fragment de refrain acide « November On My Mind », entre le léger psychédélisme de « As Night Falls » et « Between The Lines » et les riffs électriques puissants de « My Reflection, Once Was Me ». La synthèse des différentes âmes du duo actuel provient du « Pictures Of You » final, avec le chant léger de Mark soutenu par des réverbérations électriques liquides et des arrangements légers du violon Alison, comme pour offrir une réponse provisoire à la question formulée dans le titre de l’album, dans un curieux hybride de shoegaze-folk rêveur qui embrasse tradition et modernité.

***1/2


Topographies: « Ideal Form »

9 décembre 2020

Dans un monde où le temps est soit rapidement éphémère pour les uns, soit excessif pour les autres, tous ont à un moment donné envisagé le but de leur existence. Pourquoi sommes-nous ici et comment devrions-nous utiliser le temps dont nous disposons ? Comment pouvons-nous accepter que notre vie puisse se terminer trop tôt ou que nous puissions en voir d’autres passer trop tôt ? Ces questions existentielles – ou plus précisément notre crise existentielle collective – sont réfléchies dans le premier album passionnant de Ideal Form,Topographies.

Le trio composé de Jérémie Ruest (guitare, synthé), Justin Oronos (basse, synthé) et Gray Tolhurst (chant, guitare) (dont le père est en fait le co-fondateur de The Cure, Lol Tolhurst) a conçu un disque qui rend parfaitement compte de l’humeur désastreuse de 2020. Il s’agit d’une combinaison magistrale de post-punk et de cold wave à l’allure de shoegaze rêveur. Le groupe du père du Goth-rock Tolburst, popularisé il y a quatre décennies, rayonne également dans toute la musique. Chacune des huit chansons du LP est effrayante, mais elles émanent d’un optimisme tranquille. Le itre « Mirror » donne le ton avec sa ligne de basse lancinante et sa guitare cristalline qui s’envole, créant la sensation d’un disque solitaire à 3 heures du matin au milieu de nulle part. C’est le moment de rassembler ses pensées et, comme le dit Tolburst, de voir « au fond de soi-même » et de réaliser le vide qui existe. Le temps est peut-être infini, mais il est fini pour nous.

Ce doute s’attarde sur le faux désir dévorant. Avec ses sonorités pénétrantes et déchirantes et la marque de fabrique de Tolhurst, le chant fantomatique, la chanson est comme un premier pas dans un royaume interdit. Mais au lieu de faire marche arrière, nous continuons à avancer. Même les paroles de Tolhurst reflètent l’attraction magnétique qui nous fait plonger plus profondément dans l’inconnu, car c’est la seule façon de comprendre qui nous sommes.

« Seul, je sens les limites de ma luxure…Je ne peux faire confiance qu’aux ténèbres » (Alone I feel the boundaries of my lust …Only darkness I can trust).

Plus sombre encore sont « This Evening Als » et « Image », sur lesquels le groupe se rapproche le plus de la réplique de The Cure et, plus précisément, de l’époque de la pornographie du groupe légendaire. Sur le premier, les synthés tourbillonnent autour des tremblements post-punk tandis que Tolhurst révèle à quel point la mémoire d’un autre est comme des doigts autour du cou. Sa vie est liée à celle d’un autre, dont il ne peut se libérer. Il décrit en outre comment cette personne le hante surcla magnifique « Image » de mauvais augure. La basse à la Peter Hook est le moteur de la chanson, et c’est elle qui donne le marteau aux paroles de Tolburst qui lui rongent les ongles. À travers le tumulte et le bruit, il trouve difficile de vivre et de vivre en vous chaque jour. Mais la douleur est-elle la sienne ou est-ce son ami, son parent, son proche qui souffre ?

Il offre une réponse sur le magnifique numéro de Goth-Shoegaze, « See You As You Fall ». Alors que la guitare qui s’attarde, les rythmes tremblants et les rafales de synthétiseurs créent un paysage sonore éblouissant, Tolhurst raconte l’histoire du destin de la fin. Mais la vie continue. Il crie tranquillement « Je suis au paradis », tout comme il voit quelqu’un qu’il ne s’attendait pas à rencontrer. Notre existence n’est pas seulement liée à notre temps sur Terre, mais elle s’étend au-delà de nos cœurs qui battent. Elle existe dans les autres. Tout comme il y a du bonheur à voir quelqu’un, la séparation est inévitable. Avec l’approche militaire,Topographies révèlent que notre vie n’est rien d’autre qu’une figure solitaire. Cette entité est une autre personne, une divinité, ou même seulement nous-mêmes. Qui que ce soit, nos vies seront bouleversées encore et encore.

Alors que la nuit est sur le point de tomber, le groupe tire le rideau sur la « Rose of Sharon »,ce qui estla pièce maîtresse de l’album est un pays de rêve imprégné de Goths. Le carillon de la guitare fait pleuvoir des rayons de lumière chatoyante tandis que les synthés, la basse et la batterie remplissent chaque espace d’un délice enivrant. Un étourdissement s’installe, mais la voix transcendante de Tolhurst nous maintient sur notre chemin. Il est là pour nous guider et nous rattraper si nécessaire. Il ne nous permettra pas de tomber et de succomber au « plaisir déguisé ».

Il est peut-être trop tard, cependant, car lui, Ruest et Oronos nous ont emmenés dans le sombre abîme des possibilités. Ils nous ont fait comprendre que notre temps ici expirera, mais que notre existence est éternelle. Elle peut être faite de pierre, comme le révèle « A Wine Dark Sea », ou notre énergie peut flotter librement ailleurs. Nos vies ne s’arrêtent pas. Notre histoire ne fait que commencer, comme c’est ce qui va être le cas pour Topographies.

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