No BS: Just Rock & Roll!

Ce printemps, Reptile Music/ Automatic et Cargo Records (distribution) ont publié le tout nouvel opus de Resplandor, Tristeza. L’album est naturellement une œuvre grandiose par tous les moyens, surtout si l’on regarde les as sur la table ; l’album entier a été produit et mixé par Robin Guthrie (Cocteau Twins), qui a fait le même travail dans le passé avec leur album précédent Pleamar (2019), tandis que toutes les chansons ont été masterisées par Simon Scott de Slowdive qui est un joueur reconnu avec de nombreux ‘lauriers’ et de nombreuses sorties solo aussi. Le groupe a été fondé à Lima (Pérou) et est actuellement basé aux Pays-Bas. Toute la musique et les paroles sont dirigées par Antonio Zelada (voix, guitares, e-bow, programmation) qui est un compositeur inspiré et un joueur très compétent, avec le reste de l’équipe composée de Joeri Gydé (basse, guitare baryton, violoncelle), Christopher Farfán (batterie), et Tatiana Balaburkina (synthétiseur, chœurs) qui est très importante pour la musique du groupe. Tous sont les pierres angulaires d’un puzzle #shoegaze incroyablement beau avec un nouvel album étonnant dans leur catalogue. Avec ce Tristeza on espérait que ce serait quelque chose de spécial et de bon, et tout s’est avéré au-delà de nos attentes.

En effet, Guthrie et Scott ne sont pas à la recherche d’un emploi et ils n’ont même pas besoin d’être « convaincus » de travailler sur quelque chose de nouveau, mais si ce nouvel album est de qualité supérieure, je suppose qu’ils retroussent leurs manches avec joie et entrent en studio pour de grandes choses. Ces grandes choses sont les 8 nouvelles chansons de ce groupe étonnant. Vous entendrez le mazout du shoegaze et vous apprécierez quelques ponts et  » incidents  » dream-pop sensationnels et ciblés. Vous n’entendrez pas un groupe blasé cherchant à shoegaze sa musique, vous ferez l’expérience de la vraie « chose du regard » – et c’est peut-être ce que les messieurs susmentionnés ont ressenti aussi.

Bien sûr, si vous ne connaissez que le son shoegaze américain, vous aurez besoin d’un cours supplémentaire, car ces deux « écoles » sont très différentes l’une de l’autre ; le son shoegaze américain est un peu comme un mur de son, avec un son trituré infranchissable, tandis que le style d’Albion est beaucoup plus flou, mais sur le même mur, ce qui vous permet de voir le paysage un peu plus loin, avec un travail trituré lourd et un besoin permanent de cacher l’évidence… mais tous deux de part et d’autre de l’Atlantique ont quelque chose en commun ; leur besoin non négociable dans la composition rêveuse et le son écrasé. Ιsi tu ne peux pas rêver éveillé, tu ne peux pas faire du shoegaze.

Mais la chanson qui nous a totalement cloués avec sa beauté et son groove et son orientation new-wave et tout… c’est ce même titre « Tristeza », écouté à la radio et, vous savez comment ça se passe parfois, vous n’avez besoin que d’une minute pour choisir une chanson, mais pendant que vous la faites tourner, vous vous concentrez davantage et votre main se pose seule sur le volume pour le mettre plus fort… ces chansons sont au cœur de votre nuit dans la cabine, oui. Les autres morceaux de l’album, laissez-nous voir… l’incroyable  » exercice  » shoegaze dans des eaux sauvages avec  » Oceano « , car au cours de cette chanson très aventureuse, vous comprendrez pourquoi tout l’argent revient au batteur qui a sauté dans l’eau et l’a emmené ailleurs, plus sexy…  » Adore  » et  » Feel  » qui m’ont tous deux emmené vers le shoegaze old-school, mais voici la chose : même s’ils nous ont emmenés là, ils sonnent de manière totalement fraîche et dynamique. Avant de partir, il faudrait vous dire une autre chose qui est très pertinente pour la présentation d’aujourd’hui. Vous vous souvenez de Whimsical ? Si vous placez ces deux disques dans votre bibliothèque (Resplandor, Whimsical), vous aurez non seulement deux des plus fortes sorties shoegaze de cette année, mais surtout, vous aurez le nouveau son shoegaze/dream pop au contenu si moderne, si avant-gardiste. Mais aujourd’hui, c’est Resplandor qui est à l’honneur avec son nouvel album Tristeza, alors voilà, écoutez bien fort !!!

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Mélangeant des voix rêveuses et enduites de vaseline avec un son shoegaze classique, Sugar For The Pill sort un premier album, Wanderlust, marqué par la confiance et l’aplomb. Il s’agit d’une collection de titres qui se sentent chez eux dans les années 80 et 90 de 4AD. Les fans de Cocteau Twins seront ravis, mais aussi ceux de My Bloody Valentine et de Slowdive. Il y a ainsi ici du rock pour tout le monde.

Sugar For The Pill a touché un point sensible pour nous car il possède un élément éthéré vocalement mais aussi un élément anarchique grunge dans la musique. Le premier morceau, « Quicksand », a un mur de son aux guitares qui se déchaînent dans le refrain mais restent plus délicates dans les couplets. Cela donne une voix d’Elizabeth Fraser qui calme la tempête. La suite immédiate, « Drink Conium », propose des accords mineurs et des chœurs criards qui ont leur place dans un morceau punk. Ajoutez à cela le fait que les guitares et les voix ont un culot de rock universitaire et les choses sonnent éthérées mais sont viscérales.

Cette juxtaposition se retrouve également dans d’autres morceaux. Le superbe « Falling Back to You » se concentre sur des riffs plus complexes et des guitares plus serrées. Les changements de production permettent à la complexité de briller alors que d’autres groupes l’auraient probablement noyée dans le son. Cela donne à l’auditeur une ambiance digne de 1993. « Soul Can Wait » est un autre « banger » où les hurlements de guitare du refrain et l’outro dramatique sont la perfection du shoegaze. Il y a cette touche parfaite de rêve citronné dans le chaos. Ailleurs, d’autres groupes des années 90, comme Belly, obtiennent un clin d’œil avec des morceaux de style plus américain comme « More Than a Lover ». C’est la bande originale de Buffy, 20 ans plus tard.

Malgré tous nos clins d’œil aux années 80 et 90, des morceaux comme l’hymne « Diamonds » ou le fantasque « I Wish I Was The Fire » bénéficient de la technologie d’enregistrement de 2022. Les basses caoutchouteuses sont claires comme du cristal. Le rush des guitares qui vous frappe n’a pas l’effet surpuissant du bleed pop. Le quatuor ne choisit pas non plus la voie la plus évidente pour les riffs. Les accords et les notes sont méandreux et, bien qu’il y ait quelques fugues de quatre accords, ils sont remplis par ces méandres de sorte que rien ne semble simple. C’est une façon intelligente de garder l’oreille intéressée et le volume joue également un rôle important dans l’album.

Sugar For The Pill pourrait bien être une de nos découvertes shoegaze favorites tant Wanderlust est un opus fantastique qui connaît son identité et offre des chansons bien construites et émotionnellement engageantes du début à la fin. Les morceaux plus tristes et mid-tempo rivalisent avec le bobsleigh des hymnes et la variété est au rendez-vous. Un album vraiment superbe qui rappelle presque la première découverte de Curve dans les années 90. Tout s’enchaîne sans effort et nous donne l’impression d’avoir connu cette musique depuis des années.

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Les musiciens de Blankenberge, originaires de Saint-Pétersbourg, capturent l’essence de ce qui rend le shoegaze extraordinaire et nécessaire sur leur troisième album, un Everything qui est à la fois planant et cinématographique.

On se souviendra peut-être de 2021 pour avoir été l’année qui a lancé le mouvement art-punk gothique (Squid and Black Country, New Road) et ravivé l’histoire d’amour avec le shoegaze. En ce qui concerne ce dernier, les albums de Flyying Colours, Wednesday, Makthaverskan et Deafheaven ont montré que le genre pouvait encore être réinventé sans perdre l’euphorie surnaturelle et souvent cataclysmique qui lui est associée. Alors que l’année touche à sa fin, un groupe de plus nous rappelle pourquoi le shoegaze avance qu’il « vivra pour l’éternité ». 

Blankenberge, qui ne s’est jamais plié aux règles conventionnelles, a sorti son troisième album dimanche dernier. Everything est tout ce qui définit la grandeur cinématographique du shoegaze. Il s’agit, en d’autres termes, d’un spectacle éblouissant qui capture la puissance et les émotions de la musique créée il y a trois décennies. Le morceau d’ouverture « Time to Live » s’envole avec la spiritualité époustouflante de Slowdive à son apogée. À travers les guitares carillonnées et réverbérées et les rythmes martelés, la voix de Yana Guselnikova, qui ressemble à celle d’un lutin, s’élève pour nous dire de vivre l’instant présent. « Il n’y a pas de meilleur moment pour vivre / Qu’ici et maintenant » (There is no better time to live / Than here and now) chante-t-elle avec un effet hallucinant.  

Ce thème de la vie dans l’ici et maintenant est répété sur leplus que rêveur « No Sense » ; un sentiment de paix et de calme s’installe d’abord avant que la chanson ne s’intensifie progressivement. Alors qu’elle atteint son apogée cosmique, Guselnikova donne quelques conseils à suivre : « La vie est si belle/ Je le sais avec certitude/ Parfois, elle semble être une perte de temps/ Mais ce n’est pas vrai » (Life is so beautiful/ I know it for sure/ Sometimes it seems like a waste of time/ But it’s not true).

« Different » est, en son préalable,un séduisant morceau shoegaze qui se transforme en une explosion sonore à la Cocteau Twins. Cette approche turbulente reflète l’histoire de deux personnes qui prennent des chemins différents après avoir réalisé qu’elles n’étaient pas faites l’une pour l’autre. Un effet céleste srta obtenu avec « Forget », sur lequel les rythmes adroits mais probants du batteur Sergey Vorontsov et du bassiste Dmitriy Marakov ajoutent une qualité austère. Ils apportent l’élément de désespoir aux guitares lumineuses de Danill Levshin, et, ainsi, élèvent l’anxiété de Guselnikova. :« Je ne peux rien faire / Et même si je le pouvais / Je n’ai pas assez d’énergie / Pour me faire comprendre » (I can not do anything / And even if I could / I have not enough energy / To make myself be understood), chante-t-elle de manière on ne peut plus vulnérable.

Alors qu’il semble que le groupe ne pourrait pas atteindre des sommets plus élevés, il dévoile « Everything ». La pièce maîtresse de l’album est un voyage dans le cosmos, intégrant des tonalités post-rock à la Explosions in the Sky et la vision dramatique du shoegaze de Deafheaven. C’est aussi une démonstration magistrale de la façon dont des percussions urgentes peuvent transformer un son familier en pure catharsis. Alors que ses camarades de groupe s’approchent de l’oubli, Guselnikova garde les pieds sur terre avec ses mots : « Veux-tu vraiment être heureux/ N’aie pas peur de perdre/ N’essaye pas si fort d’obtenir plus/ Ne vois-tu pas que tu as tout ? » (Do you really want to be happy/Then don’t be afraid of losing/ Don’t you try so hard to get more/ Don’t you see you have everything ?).

« Summer Morning » est plus hivernal dans son effet, les guitares de Levshin perçant avec la réverbération cinglante de My Bloody Valentine. L’histoire de Guselnikova, elle aussi, est à la fois une fantaisie et un conte de fées post-apocalyptique, puisqu’elle raconte avoir ressenti la chaleur du soleil après une période dévastatrice. Le sursis instrumental, « Kites », offrira une pause momentanée, les guitares luxuriantes créant un sentiment de tranquillité. Elles se transforment ensuite en « So Hig » ». A l’instar de la production de Lush, le morceau alterne entre une atmosphère magnifique et une réverbération écrasante. L’approche imite l’image d’un cerf-volant tourbillonnant dans le vent, ce qui est une analogie pour rêver grand et croire en l’impossible. 

Sur « Fragile », Blankenberge livre un final épique. Il monte et descend, il est céleste et écrasant, et il capture l’essence de ce qui rend le shoegaze extraordinaire et nécessaire. Ou comme le dit Guselnikova dans ses derniers mots, « Mais nous avons tous besoin de quelqu’un / Pour nous aider à comprendre cette vie » (But all we need someone / To help us understand this life). Et c’est, aussi et ainsi, pour cette raison que le shoegaze, suivant la formule établie, « ne mourra jamais ». 

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