Pour la plupart des gens, The Killers sera toujours un groupe qui reflète le faste et les circonstances de leur formation à Las Vegas ; leurs tubes sont remplis de refrains sans fin et d’une bonne dose de « chintz ». Mais c’est sur leur dernier album, Pressure Machine, que Brandon Flowers donne un aperçu plus personnel de sa ville natale de l’Utah ; Imploding The Mirage n’en est pas un. Né – comme la plupart des albums récents – après que la pandémie ait mis un terme à tous les projets du groupe, c’est sur leur septième album que Flowers et al semblent ralentir et ruminer de manière plus introspective qu’auparavant. Les comparaisons avec le Nebraska de Bruce Springsteen ne sont pas surprenantes – après tout, le Boss lui-même est apparu sur leur reprise de » Dustland » quelques mois auparavant – et ses empreintes sont très présentes sur Pressure Machine ; de l’harmonica mélancolique sur « Terrible Thing » aux détails complexes des paroles de l’album, le disque semble reprendre le manteau plus sombre de Springsteen.
Plus dépouillé et classique que les titres récents, Pressure Machine déterre tranquillement les histoires des petites villes et de la classe ouvrière américaines, dans toute leur gloire tragique. Des récits fictifs de la crise dévastatrice des opioïdes (« Quiet Town », « In Another Life »), de la lutte contre l’homophobie (« Terrible Thing »), de la violence domestique et de la vengeance (« Desperate Things ») sont tous tissés ensemble par notre narrateur, tandis que des clips radio enregistrés de résidents réels aident à illustrer à la fois la simplicité et les complications de la vie dans un tel endroit. Et si cette réflexion plus poussée sur la vie américaine n’est pas tout à fait ce que l’on attendait de The Killers, Pressure Machine prouve que l’évasion n’est pas toujours accompagnée d’un refrain accrocheur. C’est un album qui vous invite à creuser un peu plus loin.
Nul ne sait s’il existe un prix pour le titre d’album le plus approprié pour 2020, mais le nouvel opus de Partner, Never Give Up, pourrait le gagner telle récompense existait. Il semble que tout le monde l’ait crié pendant toute l’année, que tout le monde ait mené ce type de combat. Cela a toujours été vrai, bien sûr, mais les batailles internes et externes semblent, et sont souvent, amplifiées en cette année que personne ne sera triste de voir partir.
« Dieu » merci, nous avons des groupes comme Partner (Josée Caron, Lucy Niles, Simone TB) pour nous ressourcer avec des riffs massifs et des chansons sur le sexe, le rock and roll et le fait d’être à l’aise dans sa propre peau.
On peut adorer le fait qu’ils ouvrent Never Give Up avec une chanson d’introduction – « Hello and Welcome », dans laquelle Caron et Niles partagent leurs voix sur le bonheur qu’elles ont à se défouler et à agrémenter nos collectives oreilles. L’entame sur ce ritre est comme un coup d’accélérateur sur une Plymouth Road Runner de 1970. « We’re Partner…We’re not foolin’ around », chante Caron. Ces riffs ne le sont certainement pas, et « Rock Is My Rock » est plein d’accords de puissance et de percussions menés de mains de maîtres. Caron et Niles chantent comment le rock and roll les maintient à flot non seulement dans les moments difficiles, mais comment il peut nous sortir du funk que cette folle année a laissé sur le monde comme un filet oppressant. « Je ne voudrais pas imaginer un monde sans rock » I wouldn’t want to imagine a world without rock) chante Niles. Qui peut s’opposer à cela ?
Le chant de Caron prend une tounure bluesy sur « The Pit », une chanson qui parle de lâcher prise sur tout ce qui vous retient. « Honey », unecomposition sur la guitare de Caron est, à juste titre, pleine de gros riffs de guitare. « Cette guitare sonne comme du miel qui tombe » (This guitar sounds like honey going down), chantent-ils, et ils ont raison de le faire tant c’est une vérité avérée. « Big Gay Hands », un de leurs morceaux préférés sur scène, est un titresexy, transpirant, qui parle de ces armes à six cordes qui les animent.
« Good Place to Hide (at the Time) » rappelle un peu Rush, dont les influences sur Partner sont connues, avec ses chants en écho, ses changements de signature temporelle et ses riffs space-rock. « Roller Coasters (Life Is One) » est une ballade d’opéra rock au piano qui parle de naviguer dans la folie de 2020 et du monde en général. « Au cœur de chaque jour se trouve une toute nouvelle surprise, effrayante et douce » (At the heart of each day lies a brand new, scary, sweet surprise), chante Caron.
« Je ne pourrais pas me souvenir de mon code postal si j’essayais » (couldn’t remember my postal code if I tried), chante Partner sur « Couldn’t Forget », un titre plein d’entrain sur la mémoire et l’auto-illusion, avec un accent country pour faire bonne mesure. L’attaque des prccussions de de Simone TB sur « Here I Am World » sera, elle, très subtile en nous rappelant un peu les premiers temps de « Raptur » » de Blondie. Caron chante sur le fait de saisir chaque parcelle de joie et Niles nous rappelle que chaque jour est un cadeau précieux. Cela résume assez bien le thème de l’album et la meilleure façon de passer cette année de folie. Le disque se termine avec le puissant « Crocodiles », dans lequel Partner nous prévient que de nombreuses bêtes (souvent créées par nous-mêmes) nous guettent pour nous rattraper dans leur gueule si nous les laissons faire.
Never Give Up est le coup de pouce métaphorique dont nous avons tous besoin en ce moment et, sans aucun doute, l’un des albums les plus édifiants de l’année. Son message y est on ne peut plus clair : « Gardons l’esprit ouvert ».
L’empathie, souvent confondue avec la sympathie, exige un peu plus d’expansion, de manière à se rendre vers et à etincarner les autres. Dans la foulée de l’album Life Like de Slight Of sorti en 2017, l’auteur-compositeur Jim Hill a donné une nouvelle profondeur à sa musique en regardant vers l’extérieur, en apprenant à mieux se connaître et en créant son œuvre la plus ambitieuse à ce jour. Son deuxième opus, intitulé à juste titre Other People, est une exploration de cesdifférentes perspectives, une anthologie d’amis et d’étrangers qui l’ont aidé à donner un sens à un monde en constante évolution.
Originaire de Rochester, New York, Hill a cherché à explorer les sons de son passé avec des claviers et des orgues d’époque et des léchages de guitare chatoyants. « J’ai écouté beaucoup de rock classique tout au long du processus de réalisation de ce disque », se souvient Hill, « des trucs qui passaient à la radio quand je formais mes premiers souvenirs ». À ce titre, les chansons surOther People peignent des paysages sonores de villes postindustrielles, de bars et de la classe ouvrière. Des titres comme « Sage », « Americana » et « Sweet Caroline » utilisent des harmonies hypnotiques qui évoquent le confort et la familiarité tout en explorant l’espace difficile entre le patriotisme et les sombres réalités de la banlieue.
Other People démarre avec un morceau énergique au synthétiseur, « The Sims », une ode à la banlieue qui rappelle la pop des années 80 et The Cars : « Quand on s’enfermait / Toute la nuit en jouant aux Sims / Le temps qu’on a perdu dans un monde / Qui n’existe même pas » (When we would shut ourselves in / All night just playing the Sims / The time we’ve wasted on a world / That doesn’t even exist). Ensuite, la chanson titre montre le talent du groupe pour faire du vieux son un nouveau son et incarne la gracieuse fusion des éléments pop et rock classique qui définissent l’album.
En 2014, Hill a quitté le nord de l’État de New York pour s’installer à Brooklyn. De là, il s’est immergé dans la communauté du DIY, en jouant des spectacles et en passant du temps dans des lieux aujourd’hui disparus, le Silent Barn et le Shea Stadium. Les influences classiques de sa jeunesse commencent à s’entremêler naturellement avec les sons de ses contemporains. Hill a passé des années à faire des tournées aux États-Unis avec Slight Of et d’autres groupes notables auxquels il s’est joint (Trace Mountains, Painted Zeros, Bethlehem Steel). « En tournée, on se retrouve inévitablement dans des situations assez étranges avec des gens qu’on ne rencontrerait jamais autrement ». Hill se souvient. « Mes camarades de groupe ont commencé à reconnaître ce schéma où j’attirais tous ces gens qui voulaient me raconter leur histoire. Il y avait un type qui m’a coincé lors d’une exposition de maisons dans l’Illinois qui venait de sortir de prison, un homme dans un bar à Omaha qui m’a dit qu’il était possédé par un fantôme, et un ex-marine qui a menacé de me tuer. Nous avons finalement dû trouver un mot de code pour que je puisse leur faire signe de me sortir de situations inconfortables. J’ai commencé à imaginer de plus grandes histoires pour ces personnes afin de donner un sens à la douleur qu’elles essayaient de m’exprimer ».
Des moments comme celui-ci ont incité Hill à faire une transition en tant qu’artiste, en déplaçant son attention vers l’extérieur pour trouver l’inspiration, et en laissant finalement la place à la collaboration sur ses chansons. Après avoir écrit et enregistré l’album Life Like en isolation(2017), Slight Of est devenu un projet plus familial et collaboratif. « Il était vraiment important pour moi que mes camarades de groupe soient plus impliqués dans l’arrangement et les textures vocales de cet album ». dit Hill. Enregistré chez des amis, dans des salles de répétition et des studios à New York, Hill imagine Other People comme une étude des styles de rock américain$ »« . Qu’est-ce qu’une étude sans ses sujets ? Ce sont les amis, les artistes, les étrangers, les lieux et les autres personnes qui lui donnent tout son sens.
Travaillant comme instrumentiste pour des artistes tels que Johnny Cash, Neil Diamond et les Dixie Chicks depuis 1996, il n’y a vraiment aucune raison que Jonny Polonsky ait eu besoin de sortir un disque en solo, encore moins six. C’est sa passion pour la musique et sa curiosité artistique qui l’ont conduit à ce projet, qui sont toutes deux évidentes sur son dernier opus, Kingdom of Sleep.
Entièrement autoproduit, cet album est une attaque ambitieuse contre tout ce que le rock est censé être en termes de clichés. Il est psychédélique, nerveux, alternatif et surtout expérimental. Rappelant des films comme Blade Runner et le rock des années 80, Kingdom of Sleep est, à cet égard, bien plus qu’un simple disque de rock, c’est presque comme une musique de film.
Le cinéma ne commence même pas à décrire ces huit titres. Sur cet album, Polonsky prend les conventions du cinéma et crée des chansons qui s’adapteraient facilement à chaque scène, cependant, il ne raconte pas d’histoire. Il ne s’agit pas d’un disque conceptuel mais il dérive certainement d’un lieu similaire.
Prenez « Take Me Home » par exemple ; en combinant la voix râpeuse caractéristique de Polonsky avec une basse profonde, des gongs et un travail électronique, on crée une chanson digne de la plus grande science-fiction d’Hollywood. Bien que ce morceau soit similaire à l’accompagnement du générique de divers films de genre, des chansons comme « A Willing Eye » rappellent directement des conventions cinématographiques spécifiques, comme la scène finale. Avec son fondu enchaîné, son ton brillant et son utilisation experte des synthés, « A Willing Eye » ressemble au dernier morceau utilisé dans un film, après que toute l’action ait été résolue et que les derniers détails aient été réglés. C’est une conclusion appropriée à la fois pour l’album et pour l’histoire.
Avec une durée d’un peu plus de trente minutes, Kingdom of Sleep est incroyablement serré, du début à la fin. Sur seulement huit titres, Polonsky ne perd pas de temps et refuse d’inclure tout ce qui n’est pas absolument nécessaire. Malgré tous ses précédents travaux, cet album prouve à lui seul l’excellence de l’artiste en tant qu’auteur-compositeur sophistiqué.
Tout au long de l’album, Polonsky puise dans son arsenal éclectique. Plutôt que d’écrire un disque de rock avec un quatre-pièces standard, il puise dans le non conventionnel, en utilisant tout, du piccolo à la chorale d’enfants. L’harmonica qui figure sur le disque « Aenerone », essentiellement instrumental, est l’un des points forts de la musicalité dumusicien sur ce disque.
L’album est peut-être le plus raffiné sur son titre phare ; « The Weeping Souls ». La percussion utilisée ici est particulièrement forte. Non seulement il y a un doux roulement de tambour sous les couplets et un son profond et plein qui maintient le refrain, mais la voix de Polonsky fait en fait le double du travail, fonctionnant à la fois comme voix principale et comme percussion. L’articulation sur « Take a Look Around » pendant le refrain permet aux consonnes de devenir une deuxième ligne de percussion, démontrant encore une fois les talents d’auteur-compositeur de Polonsky.
Avec un disque aussi court, et si avancé musicalement et esthétiquement, Kingdom of Sleep est sans surprise rare en termes de paroles. Néanmoins, Polonsky fait preuve d’une grande efficacité lorsqu’il a besoin de mots pour faire passer son message. Des lignes comme « Dans la salle d’audience de votre bouche/ vous mettez toutes les langues en procès » ( In the courtroom of your mouth/ you put all tongues on trial)sur « Ghost Like Soul» témoignenet de son lyrisme, un lyriqme pour lequel il n’a tout simplement pas besoin de paragraphes après paragraphes pour valider le message qui se cache derrière Kingdom of Sleep. La musique fait le travail elle-même.
Il y a du pouvoir dans la simplicité ; c’est ce que Polonsky comprend sans doute intimement. Bien qu’il n’y ait rien d’ouvertement fantaisiste ou d’extrêmement compliqué dans ce disque, il n’y a rien de superflu dans le produit final. Il est délicieusement concis et direct, tout en restant stimulant et intéressant. Kingdom of Sleep est digne d’être répété et de devenir une bande sonore de la vie quotidienne.
Plus résonnant des musiques de films que des albums de rock,ce nouvel opus de Polonsky est indéniablement une sortie impressionnante. Ayant travaillé avec certains des plus grands noms de la musique moderne, cet album prouve exactement pourquoi il a participé à ces projets. La musicalité et l’intrépidité de l’artiste s’unissent sur ce disque dans la tempête parfaite pour créer une sortie solo cinématographique et psychédélique.
Goldy, le dernier album du groupe de Nashville The By Gods , est le disque idéal pour une virée en voiture, se promenant paresseusement en été dans une décapotable à travers la campagne.
Le trio fait reconstitue les vibes d’un son californien classique, faisant de l’opus un disque facile à écouter quand tout ce que vous voulez, c’est prendre un bain de soleil et oublier votre environnement. Peut-être même vous laisserez-vous aller à une petite sieste pendant que la voix apaisante de George Pauley vous fera la sérénade. Heureusement, plus ou moins, même si vous finissez par faire une sieste, il est facile de se sentir comme si vous n’aviez rien manqué. La plupart des chansons s’entremêlent en douceur, vous donnant facilement l’illusion d’être toujours sur la même piste lorsque votre esprit se replie.
Les influences sont facilement identifiables : Red Hot Chili Peppers, Nirvana, et même un peu d’Audioslave, que l’on peut entendre sur « Blurry » plus distinctement que partout ailleurs. Parfois, ces influences sont un peu trop fortes, ce qui fait perdre au groupe son originalité. « Might As Well » est un excellent exemple de ressemblance entre Nirvana et The By Gods. En fin de compte, c’est ce qui ne les distingue pas de beaucoup d’autres dans leur genre respectif de rock alternatif classique.
Goldy est un disque simpl e; si c’est ce que le trio avait en tête pour ce disque, alors il l’a certainement réussi, et avec lui, The By Gods prouvent qu’ils sont à cent pour cent cohérents avec sa production. Ils ont juste besoin de trouver ce petit quelque chose en plus pour les faire avancer dans la foule croissante de leurs pairs qui les entourent.
Green Day vante ce nouvel effort comme un disque de rock sans prétention, de rock dans sa plus pure définition. Venant d’un groupe qui a passé le plus clair des 20 dernières années à se compliquer la vie en montant des opéras punk rock conceptuels et orchestraux, ça aurait été un vent de fraîcheur, pour vrai. Si on n’arrête pas de nier que le rock est mort et s’il faut se fier à Green Day pour tâter le pouls du style, mettons que le cadavre serait à un stade avancé de putréfaction.
Selon le combo donc, un disque de rock pur, en 2020, en est un qui recycle les riffs les moins stylés des 40 dernières années pour les mêler à l’ADN déjà vieillissant des hits de groupes comme les Strokes, les White Stripes Qyeens of the Stone Age, ou les Black Keys, le tout dans une production hyperléchée et faussement nonchalante. Une réécriture complète et avouée de Dookie aurait été plus satisfaisante que cette bouillie rock à numéro. Au sein de cette catastrophe concise, une seule chanson nous rappelle l’énergie du Green Day des débuts (« Sugar Youth »).
Étant donné que le contact avec le reste de l’album est aussi peu agréable que cette resucée on ne m’attardera pas trop dessus. Disons simplement que la chanson titre, qui ouvre l’album, est une version «pub de iPhone» édulcorée des White Stripes, que « Oh Yeah! » repique des éléments de la pièce « Do You Wanna Touch Me (Oh Yeah) » de Gary Glitte et de « My Sharona de The Knack. Le groupe prend clairement son public pour une bande d’ignares avec des références aussi marquées. American Idiot contenait lui aussi son lot de repiquage de classiques, mais c’était quand même fait avec plus de subtilité. Là, c’est juste du mauvais goût.
Il semblerait que le trio californien a eu beaucoup de plaisir à enregistrer ce disque-là ; on peut coir cette affirmation-là comme un désir de ne plus être Green Day, tout simplement.
Le « plagi-hommage » continue de plus belle avec « Meet Me on the Roof » et ses handclaps et ses harmonies vocales hautes perchées. Encore une chanson qui pourrait facilement jouer avant les bandes-annonces de film au cinéma. Pensez aux chansons rock les plus génériques que vous avez entendues dans votre vie et vous n’êtes pas loin de la vérité.
« I Was a Teenage Teenager » nous rappelle un autre combo sur lequel on s’interroge, à savoir Weezer ce qui tombe bien vu que les deux groupes partent en tournée ensemble cet été. En 2020, sur la planète mainstream, les rockeurs font du recyclage ; on peut avoir mal au coeur et aussi au rock.
Quand on sait que Hollywood Vampires est composé de Alice Cooper, Joe Perry et Johnny Depp, l’attention ne peut être que captée. n supergroupe qui attire l’attention. Après un premier album sorti en 2015, fait principalement de reprises, le trio se remet au travail ; cette fois-ci cette fois, il n’est pas question de copier mais bel et bien de créer.
Rise va donc permettre de voir ce que l’on peut attendre d’un projet aussi appétissant tant des ointures comme Alice Cooper ou Joe Perry n’ont plus rien à prouver. Reste, néanmoins à savoir si elles ont encore des choses à dire.
Le morceau d’ouverture « I Want My Now » balaie imédiatement tous les doutes. Le rythme entrainant et les guitares survoltées fonctionnent à merveille. Le groupe surprend par sa fraicheur et effectue une entrée en matière tonitruante.
Le reste ne faiblit pas et démontre que la formation est pleine de verve et de verdeur. Comment ne pas battre la mesure sur des morceaux enjoués et groovy tels que « The Boogieman Surprise » ou encore le refrain charismatique de « Who’s Laughing Now” » ? Même recette sur « Mr. Spider » où l’on ressent toute l’influence d’Alice Cooper et son penchant pour le rock théâtral.
Hollywood Vampires ne se contente pas que d’empiler les hits rock mais cherche également à varier le propos. De multiples interludes jalonnent le tracklisting et crée une atmosphère mystérieuse qui colle bien au groupe (« How The Glass Fell », « The Wrong Bandage ») avec ces moments de pause qui s’intercalent avec brio entre les compositions et les amorcent de belle manière.
Au chapite des suprises,la participationde Jeff Beck et John Waters sur « Welcome To Bushwackers » s’avèrera être un pari réussi, avec un blues déroutant d’efficacité. L’exercice de la reprise est encore utilisée mais ne fonctionnera, par contre, que sporadiquemt.
Si l’interprétation de « Heroes » par Johnny Depp sera une réussite, on ne pourra en dire autant des deux autres. « You Can’t Put Yours Arms Around A Memory » ne réussit guère à Joe Perry alors que « People Who Died » s’avère franchement qoporifique voire mortel. Malgré ces faux pas, Rise mérite toute l’attention qu’il a suscitée. Il permet de voir Hollywood Vampires sous un nouvel angle : celui d’un groupe qui a des choses à dire etqui est capable de créer des compositions de qualité. Bref, les vampires sont révéillés et bien vivants.
Uniform Distortion est, sans aucun doute, l’album qu’on était en droit d’attendre de Jim James. C’est-à-dire un opus brut sans effet de reverb pour embellir le tout, lui, sa voix, sa guitare qui envoie et des gars qui s’éclatent derrière..
Jim James a donc décidé de livrer ses morceaux comme tels, pleins de distorsion mais sans grands ajouts, sans véritable artifice, Uniform Distortion porte bien son appellation.
Le son est sale mais bien enregistré, lo-fi sans l’être, il y a une volonté de garder cette authenticité de l’enregistrement avec quelques « field noises » de toutes sortes comme si ils enregistraient en « live ».
Jim James est toujours capable de délivrer de petites perles bien entraînantes ou d’incorporer un élément dans une piste qui retient bien l’attention : le riff entêtant de « Just A Fool », le riff et le refrain simples et inévitables de « You Get To Rome », le changement de rythme bien mené dans « Out Of Time », une mélodie joliment trouvée sur « No Secrets », le solo de guitare épileptique dans « Yes To Everything » le groove certain et la voix grave de « No Use Waiting » ; tous les élements nécessaires pour accrocher l’auditeur.
De cela ressort une joie communicative qui ne peut que se retourner vers celui qui l’écoute. Au final, Uniform Distortionn’est peut-être pas un grand grand album ; il est tout simplement ce qui était donné à Jim James de faire depuis des années. C’est déjà pas mal du tout comme point d’acmé.
Les Écossais de We Were Promised Jetpacks sont de retour avec leur rock particulier car capable d’allier puissance, affinement et mépris de toute convention avec un Rock sans concessions et une force émotionnelle rarement égalée dans ce style.
Sur Unravelling, le groupe avait privilégié une approche plus complexe et laissé la porte ouverte à certaines expérimentations. Aujourd’hui, il revient revient à l’essentiel, avec un disque plus directe certes, mais bénéficiant de ces années d’expériences acquises au fil des années.
The More I Sleep The Less I Dream reste toujours le véhicule d’émotions mais elles sont, ici, exprimées de manière moins viscérale, plus classique et surtout moins saturée.
Le «single» « Hanging In »est parfait dans la manière dont il vous saisit instantanément mais c’est « Impossible » en ouverture qui marquera le tempo en mettant quelques instants avant de s’emballer.
La construction sera alors ascendante avec « In Light», « Make It Easier » ou un poignant « When I Know More » en crescendo sonique. We Were Promised Jetpacks est un combo discret, parfois même indésiré à la lumière d’un titre comme « Not Wanted » ; il n’en demeure pas moins qu’on ne peut ni ne doit s’en dispenser.
En 2013,Mudhoney nous proposait un plutôt intéressantVanishing Point; aujourd’hui, toujours campé à la frontière du garage rock, du hard rock et du psychédélisme, on retrouvait avec grand plaisir une formation qui, mine de rien, célèbre ses 30 ans d’existence avec un nouvel album dans un contexte socio-politique explosif et anxiogène qui ne pouvait tomber mieux pour un combo comme notre quatuor.
Mark Arm (guitare, chant), Steve Turner (guitare), Dan Peters (batterie) et Guy Maddison (basse) sont de retour avec un nouveau brûlot intitulé Digital Garbage; une référence directe à toutes ces inepties que l’on peut lire et voir sur ces chers médias sociaux. Pour ce 10e album, Mark Arm n’y va pas avec le dos de la cuillère. Malgré la prévisibilité de ses virulentes charges (politiques fascistes de Trump, vacuité des réseaux sociaux, nouveaux gourous, etc.), on a pris sérieusement notre pied à l’écoute des propos du chanteur. Sarcastique et enflammé, l‘artiste pointe le miroir sur cette époque en toc, imbue d’elle-même et totalement superficielle.
Toutes les chansons sans exception foncent dans le tas avec une jouissive irrévérence. Dans « Prosperity Gospel », Arm met la lumière sur ce mariage plus que douteux entre le religieux et l’argent etsur le très mélodique« Messiah Lament » il fustige les bien-pensants d’une certaine gauche moralisatrice.
« 21st Century Pharisees » fait référence à l’absurde retour de la religion (quelle qu’elle soit et d’où elle provient…) dans nos sociétés. « Please Mr. Gunman »sera une dénonciation des trop nombreuses tueries de masse qui ont lieu chez nos voisins du Sud et « HeyMr. Neanderfuck »ridiculise cette « pauvre victime » masculine, incapable de modifier son comportement envers nos partenaires féminins , enfin, « Next Mass Extinction » tire à boulets rouges sur les agissements de l’extrême-droite américaine lors de la manifestation « Unite the Right » qui a eu lieu à Charlottesville, en 2017.
Musicalement, on est bien sûr dans un univers archiconnu, empruntant peut-être une tangente aussi « Stooges » qu’à l’accoutumée. C’est solide du début à la fin avec quelques pointes réjouissantes.
Mudhoney est un groupe indémodable qui nous offre un album aussi divertissant que revendicateur. Après 30 ans de galère, on ne peut que s’incliner bien bas devant autant de sincérité et d’intégrité.
Publié par rockdecibels 
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