Witch Fever: « Congregation »

25 octobre 2022

Congregation est peut-être le premier album de Witch Fever, mais le collectif britannique a déjà trouvé sa voie. Fusionnant l’attitude et l’énergie du punk, les riffs du grunge, les sensibilités gothiques et parfois les textures du doom metal, leur musique est implacable, poussée par une instrumentation qui fait tilt et le chant singulier d’Amy Walpole, toujours puissant et parfois déséquilibré.

La musique grinçante et passionnée, remplie d’indignation à l’égard de certains des suspects habituels : patriarcat bien établi, religion organisée, politique réactionnaire, etc. Le plus gros reproche que l’on puisse faire à Congregation est un sentiment général de « banalité », bien que cela soit quelque peu atténué par la brièveté de la plupart des chansons et par la plus grande variété introduite par le coup de poing final que constituent l’inhabituelle retenue et le titre approprié « Slow Burn » et le final absolument frénétique « 12 ». Congregation convient parfaitement à l’écoute de la saison d’Halloween, ou vraiment à tout moment où l’humeur appelle à des morceaux hargneux, furieux, « in your face ». Mis à part quelques détails, il s’agit d’un premier album solide comme le roc et il sera intéressant de voir où ces dames vont mener leur musique par la suite.

**1/2


The Joy Thieves: « American Parasite »

7 décembre 2021

Avec autant de musiciens entrant dans les rangs des combos originaires de Chicago, il semble y avoir une source de créativité illimitée dont The Joy Thieves continue de jaillir. American Parasite marque la sortie du premier album du groupe, avec Chris Connelly prenant les rênes en tant que frontman comme s’il était né pour remplir ce rôle – brut, déséquilibré et venimeux, il correspond et amplifie la furie punk vicieuse de la musique, ses mots aussi acerbes et acides que jamais dans leurs observations d’un zeitgeist national toxique et détériorant. Alors que l’homme est souvent comparé à David Bowie dans ses divers autres projets, c’est comme s’il canalisait ici la période Tin Machine de Bowie, allant droit à la jugulaire avec des lignes telles que « Resist before abdication » et « We lost the century » dans « Crown of Expulsion », la batterie décalée et énergique de Dan Milligan étant comme un piston mécanique rouillé qui vous tape sur le cerveau. On peut dire la même chose de « Complicity » et « Blood Slogan : Sacred Tempo », dont les paroles insistantes et indéniablement accrocheuses ne sont renforcées que par les instruments, ce qui en fait de purs hymnes de protestation punk/rock dans la meilleure tradition du genre, tandis que les falsettos vacillants de Connelly et les superpositions décalées qu’il utilise si efficacement dans son matériel solo ajoutent encore plus de cette qualité punk/glam à « My Life in Power », les bribes de guitare slide rappelant étrangement l’abandon de la six-cordes de Reeves Gabrels lorsqu’il travaillait avec Bowie. « The Long Black Ribbon of Power » se distingue par ses riffs grinçants et ses rythmes hip-hop sur lesquels le rap hurlant de Connelly est aussi virulent que tout ce qu’il a créé avec Cocksure ou même The Revolting Cocks, les phrases de guitare à hauteur variable accentuant une fois de plus la frénésie sonore au milieu des cris de « You’re all that’s wrong ».

De même, « Flock to the Stop » est tout bonnement accrocheur et demande à l’auditeur de crier avec lui, même si un rythme industriel distordu et une harmonie vocale presque vaudevillesque dans le pont constituent l’un des moments les plus délicieusement fantaisistes de l’album. American Parasite frappe fort et vite comme une blitzkrieg, de nombreuses chansons se terminant en deux ou trois minutes, avant même que vous n’ayez eu la chance de traiter mentalement ce que vous venez d’entendre… et c’est là le but, car la musicalité et la poignance des mots sont telles qu’il faut tout simplement mettre l’album en boucle. On ne peut qu’admirer The Joy Thieves d’avoir ainsi si bien leur pari.

***1/2


Dream Nails: « Dream Nails »

18 septembre 2020

De fantômes aux tâches insipides des emplois de bureau, en passant par les sentiments sucrés plus positifs et teintés de rose, sur l’aplatissement que subissent les filles, le premier disque de Dream Nails est rempli de chansons punk féministes qui sont en grande partie incisives et débordent de charisme et de charme.

Comme pour tous les bons disques punk, la plupart des morceaux ne dépassent pas les trois minutes, et ce n’est pas nécessaire. Les messages d’autonomisation et l’honnêteté cathartique sont délivrés dans de brefs éclats intelligents d’énergie zélée et de passion ardente, avec une compréhension universelle de leur propre valeur : Janey, la chanteuse, hurle « Work is not your life » sur l’abrasif « Corporate Realness », puis adopte une attitude plus tolérante à l’égard du pop-punk sucré « DIY» : « Je peux rentrer chez moi à pied, je peux me faire jouir » ( can walk myself home, I can make myself cum).

Le punk de garage rudimentaire a des accents pop, avec des lignes de basse qui s’entremêlent et des rainures. Il y a beaucoup de plaisir, avec des crochets à gauche, à droite et au centre, le tout avec un soupçon de confrontation pour faire bonne mesure. Il y a aussi des sketches qui parsèment l’ensemble, ajoutant une autre dimension à un album déjà incroyablement étoffé – un clin d’œil à leur amour des années 90 et aux albums de hip-hop avec lesquels ils ont grandi. Une chose à noter, c’est que ce groupe n’est pas agressif, mais seulement déterminé.

L’album se termine avec « Kiss My Fist » un morceau qui traite de l’hypocrisie des hommes qui sont violents envers les femmes homosexuelles, tout en les fétichisant. Dream Nails brille de façon poignante et provocante sur l’album ; en tant que déclaration de mission émotionnelle de solidarité et de force, il résume ce dont parle l’ensemble du disque.

Dream Nails est plus qu’une force avec laquelle il faut compter, c’est une entité, et ce qu’ils représentent et la musique qu’ils font est plus grand que la somme de leurs parties. Aujourd’hui, armées d’une production qui préserve l’intégrité de leur punk bricolé avec un éclat plus audacieux, elles sont prêtes à assumer, changer et perturber le grand public et le monde entier.

***1/2


Wipers: « Is This Real? »

11 septembre 2020

Souvent considéré comme le premier groupe punk important du nord-ouest du Pacifique, Wipers (pas d’article, juste Wipers) – contrairement à tant d’autres du genre – a tenu (plus ou moins) pendant plus de deux décennies. Et, ce qui est encore plus atypique pour le punk, Wipers a maintenu un niveau de qualité élevé jusqu’à la fin.

Tout avait commencé avec un LP de 1977 intitulé Is This Real ? Si vous avez écouté le premier album des Ramones, les Sex Pistols et le hardcore de L.A., vous trouverez les débuts de Wipers agréables. Ils jouent vite et bien, et l’esprit et la détermination de la musique font leur marque.

Il est facile de se concentrer sur le travail de Greg Sage au chant et à la guitare, mais la section rythmique de Wipers était une force avec laquelle il fallait compter. En particulier, les lignes de basse nerveuses de Dave Koupal suggèrent un passé de guitariste principal. Il n’en fait pas trop – c’est du punk, après tout – mais son rôle dans Wipers n’est pas très éloigné de celui de John Entwistle dans The Who.

L’écriture de Sage – son choix d’accords et autres – fait preuve d’une sophistication qui pousse aux limites du punk, en penchant provisoirement vers le rock mainstream (dans le bon sens du terme). Autrement dit, il n’y a rien sur Is This Real ? d’aussi ringard que « Sheena est une Punk Rocker ».

Mais n’en déduisez pas que l’idée que Wipers étaient des vendus. « Up Front » est aussi punk que tout ce que vous avez déjà entendu. Il se trouve juste qu’il a une superbe ligne de basse et un solo de guitare parfait avec des bombes sonores en plongée.

Les critiques contemporaines du LP original font des remarques négatives sur la qualité de sa production.Mais pour cette réédition, Sage a lui-même remasterisé l’album à partir des bandes originales, et le son est tout simplement génial.

Cette nouvelle réédition reproduit la pochette de l’album, très brillante et à l’éclat métallique, presse l’album sur un vinyle transparent et propose en bonus un 45 tours de démos quatre pistes ainsi qu’une reproduction d’une affiche de spectacle qui semble avoir été autographiée à la main par Greg Sage. Ainsi, Wipers a répondu par un « oui » catégorique à la question du titre de leur premier album.

***1/2


Spanish Love Songs: « Brave Faces Everyone »

13 février 2020

Le groupe punk de Los Angeles Spanish Love Songs a commencé à faire sensation en 2018 avec son deuxième album, Schmaltz, un disque viscéralement candide qui a alimenté de culpabilité, de doute de soi et d’anxiété intériorisée la plupart des autres combos pop punks tant il en était différent. Et c’était précisément cela qui en avait fait un opus prometteur.

Avec leur troisième album, Spanish Love Songs ont atteint leur potentiel. Brave Faces Everyone est un énorme bond en avant par rapport à leur travail précédent, assez pour surmonter ces comparaisons. Le groupe a beaucoup travaillé pour affiner son son et le rendre plus grand, plus complet et plus audacieux. Il y a plus d’harmonie, de texture et de structure dans chaque chanson, et les refrains sont énormes et édifiants.

Le changement d’approche le plus fondamental est l’orientation vers l’extérieur de ces compositions le chanteur Dylan Slocum transformant son style confessionnel en un cri de ralliement. Au cours des deux dernières années, il avait décidé qu’il était plus utile d’écrire de la musique comme une forme de thérapie de groupe que de l’utiliser comme une occasion de se défouler. Plutôt que de griffonner dans un carnet, il s’imagine en pleine conversation – celle que vous avez avec un ami proche sur le chemin du retour du bar, quand vous êtes à la fois éméché et assez fatigué pour vous demander à quoi tout cela sert. Le résultat en est non plus « malheur à moi » mais « malheur à nous » et là est la grande différence.

Ainsi, « Losers » est un essai sur la vie millénaire, qui capture le mécontentement, non pas d’un seul individu, mais d’une génération entière celle-là même qui traverse l’existence d’une manière sombre, mais qui vous donne aussi l’impression d’être encouragé – comme si vous faisiez partie de quelque chose. Slocum chante les conséquences humaines de la précarité de l’emploi, de la disparité des richesses et de l’es prix astronomiques du logement ; il s’attaque au péril mortel du système de santé américain et à toutes ces réflexions sans cervelle sur la façon dont les millénaristes ont tué le les repas d’affaires (« power lunch) ou autre. We’re mediocre / We’re losers, forever » (Nous sommes médiocres / Nous sommes perdants, pour toujours), chante-t-il, espérant surmonter le désavantage grâce à la puissance de l’esprit d’équipe. « he cost of living means the cost to stay alive » (Le coût de la vie signifie le coût pour rester en vie), résume-t-il plus tard dans la suite, « Losers, Pt. 2. »

Tout le monde se débat dans les dettes et la mort, en évoquant les maladies mentales, la crise des opiacés, les fusillades de masse, le changement climatique et d’autres préoccupations du XXIe siècle. Cet album transforme la désillusion en un hymne, vous invitant à chanter chaque chanson avec chaque parcelle de vous-même. C’est un disque pour les jeunes qui vivent dans des appartements hors de prix, qui passent des heures à faire défiler leurs flux Twitter et à s’informer sur la dernière catastrophe environnementale, la dernière guerre au Moyen-Orient, le dernier massacre à l’arme à feu. Il offre un confort sans évasion.

Au moment où la chanson-titre met fin à la série, Slocum se rend compte que les choses ont peut-être toujours été mauvaises ; « Living paycheque to paycheque / Like my parents / And their parents / And their parents before them, » chante-t’il , « We were never broken / Life’s just very long. » (De chèque de paie en chèque de paie / Comme mes parents / Et leurs parents / Et leurs parents avant eux/ On n’a jamais été brisés / La vie est juste très longue.) La philosophie centrale de Brave Faces Everyone est que les choses vont mal et qu’il n’y a pas de moyen clair de les améliorer, donc tout ce que vous pouvez faire, c’est vous préparer pour la suite. Ceci n’est pas un album sur et pour la prospérité, il s’agit simplement d’essayer de s’en sortir , mais de s’en sortir- ensemble.

***1/2


Black Beach: « Tapeworm »

7 décembre 2019

Black Beach est une formation de Boston, Massachusetts, qui donne dans le punk et ses différents sous-genres. Le trio, composé de Steven Instasi, Ben Semeta et Ryan Nicholson, fait à peu près toujours autant de vacarme que peuvent le faire cinq musiciens enragés. Lancée au début du mois d’octobre dernier, leur plus récente offrande intitulée Tapeworm saura combler les amateurs de punk abrasif.

Dans une atmosphère tendue du début à la fin, Black Beach nous enfonce sans retenue dans les oreilles une douzaine de solides morceaux. Passant du punk au noise-rock, puis du post-punk au sludge, Black Beach nous livre ici un joyeux bordel sonore de quarante-cinq vigoureuses minutes.

Au fil que les chansons s’enchaînent sur l’album, le trio conserve sa passion pour les riffs qui martèlent et qui font aussi mal que de se cogner les orteils sur la table de chevet à quatre heures du matin.

Sachez, en effet, que cet album n’a rien pour vous réchauffer le corps avec de douces mélodies contagieuses. À l’aide d’une guitare qui, la plupart du temps, est grinçante et bruyante, une basse bien présente et fort efficace, une batterie qui pioche en masse et une voix parfois salopée par de la distorsion, la bande nous prouve qu’ils ne sont pas de fins mélodistes, mais plutôt une force de frappe brute. D’ailleurs, des titres de la nature « Sometimes This Body Lets Me Down », « Broken Computer », « Positive Feedback Loop », « Nervous Laughter » et « Southern State « vous le prouveront assez rapidement ;’assourdissant trio bostonnais ne fait pas dans la dentelle ni même dans le coton ouaté. À l’aide d’une réalisation simpliste et de chansons qui vont droit au but, ce Tapeworm est une véritable succession de déflagrations punk qui devrait plaire aux fans de Metz, Jesus Lizard, Pissed Jeans et Big Ups.

***


Titus Andronicus: « An Obelisk »

27 juin 2019

année dernière, Titus Andronicus avait tenté d’emprunter un virage musical radical avec son album A Productive Cough. En effet, on a vu , en effet,la bande menée par Patrick Stickles arpenter des influences heartland rock et Americana avec un succès relatif ce qui peut expliquer sa persévérence avec ce etour aux sources louable pour An Obelisk.

Pour cela, le combo a en fait appel à un autre poids lourd du punk américain Bob Mould à la production pour remettre Titus Andronicus sur les rails. An Obelisk ne surfera sur aucun concept mais juste sur du punk-rock bien enragé bien à l’ancienne et à l’image du groupe sur ces dix nouvelles compositions dont « Just Like Ringing A Bell » en guise d’introduction mais encore « Troubleman Unlimited » qui suit possédant des airs de Meat Puppets, « My Body and Me » ou bien même « Hey Ma ».

Patrick Stickles traduit son désespoir et un avenir pour le moins pessimiste de son pays lors de l’ère Trump. Et il arrive à nous plomber l’ambiance lorsque l’on écoute attentivement les textes des morceaux explosifs comme « (I Blame) Society » et « Within the Gravitron ». Il arrive à enfoncer le clou sur les grosses distorsions de « Tumult Around The World » pour prouver que Titus Andronicus n’a rien perdu de sa verve sur ce An Obelisk même si on parvient à regretter l’énergie fougueuse des débuts. Un bon ensemble au final.

***1/2


Control Top: « Covert Contracts »

8 avril 2019

La scène indie de Philadelphie continue d’être en pleine effervescence, preuve en est Control Top, un trio composé d’Ali Carter (chant, basse), Al Creedon (guitare) et d’Alex Lichtenauer (batterie) qui est prêt à frapper fort avec son premier album Covert Contracts.

A mi-chemin entre post-hardcore, no wave, riot grrl et post-punk, la musique bien électrique et tendue du combo se veut véhémente à souhait avec un son direct et bien crasseux que ce soit dans le domaine du lo-fi ou du hardcore.

On notera, à cet égard, des titres allant de l’introductif « Type A » à « Ego Deaf » en passant par les agressifs « Chain Reaction », « Unapologetic » ou autres « Betrayed ».

Entre les riffs noisy d’Al Creedon, le chant hystérique et incontrôlable d’Ali Carter qui hurle son incompréhension face à la société martèlements de batterie explosifs d’Alix Lichtenauer , le trio de Philadelphie va droit au but et refuse de s’adoucir. Avec une production 100% DIY et brut de décoffrage, Control Top viendra donner ses lettres de noblesse à une musique totalement jouissive dans la menière où elle incite à l’émeute.

***


Clouds Nothing: « Last Building Burning »

23 octobre 2018

Sous la houlette de Dylan Baldi, Clouds Nothing ont déjà à leur CV quatre albums ;Last Building Burning est marque d’un nouvel avatar dans leur relativement jeune carrière.

Une fois encore, le combo a décidé de renouveler sa panoplie de riffs abrasifs aindé qu’il est par un producteur, Randall Dunn, maître en la matière puisqu’il a déjà officié pour Sunn O)) ou Wolves in the Throne Room.

Ceux qui s’attendaient à un adoucissement seront déçus ; la surexcitation est de rigueur ici encore avec une mention spéciale à l’alchimie en œuvre entre percussions et guitares entremêlées.

On appréciera l’épopée (onze minutes) sonique qui préside à « Dissolution », les feedbacks impérieux et les références non dissimulées et exemplaires à And You Will Know Us By The Trail Of Dead.

Exécuté avec brio, ce Last Building Burning est une création punk de haute volée avec ce qu’il faut de diversité, un « Offer an End » que ne dénierait pas Wire, pour en faire un album fracassant par son authenticité.

***1/2


Against Me! : « 123 Live Sex Acts »

9 septembre 2015

La dernière fois que les punks de Against Me! sortirent un album « live » la moitié du groupe était différente ;c’était il y a 3 disques avant et il y a une certaine logique à ce que leur Alive II, malgré quelques artifice studio soit transformé en 23 Live Sex Acts.

Le groupe envoie toujours autant le bois (« True Trans Soul Rebel » ou « Walking Is Still Honest » ) et l’intensité demeure de rigueur.

C’est un disque « live » de la manière la plus honnête possible, les overdubs n’étant pas considérés comme dignes d’intérêt. Les interprétations ne peuvent donc pas être parfaites et sonnent parfois mal taillées et bâclées.

Ce qui pour le combo est une représentation de la gloire ; c’est le volume et la vitesse des shows enfiévrés. Ivi on travers toutes les mouvances et l’histoire des hymnes punks, de ceux issus du garage rock à celle où les « arena rockers » see manifestent.

Seuls accrocs : « Becaue of the Shame » et « Pretty Girls (The Mover) »dans  lesquels on perçoit une volonté de ne pas rester figé dans ce standard.

**1/2