Hello Forever: « Whatever It Is »

5 octobre 2020

« This is hello forever » est le mantra de Hello Forever sur « Farm On The Mountaintop », un morceau qui se démarque de leur disque, Whatever It Is. C’est un titre sucré, livré avec une sincérité et un fond de béatitude que vous ne trouverez pas souvent aujourd’hui, bien qu’il ait été constant pendant la plus grande partie des années 60 dans la musique rock la plus populaire.

Si les derniers efforts artistiques de ce groupe talentueux peuvent être qualifiés de quelconques, c’est un vrai bonheur. Whatever It Is est une ode forte à l’époque des Beatles, avec une belle écriture et une instrumentation de Hello Forever qui ne parvient jamais à être cliché, simplement joyeux. 

La plus grande force de Whatever It Is est son paysage sonore : si vous pouvez imaginer l’album qui jouerait pendant que vous roulez dans un champ de fleurs sous le regard du soleil des Teletubbies, c’est cet album. Les harmonies vocales folkloriques sont abondantes, combinées aux accroches collantes de morceaux comme le dense « Some Faith ». Les beats sont toujours en construction, avec l’ajout d’un nouveau riff de guitare ou d’un roulement de batterie à chaque section, cela crée une dynamique merveilleuse à côté de productions plus modernes comme dans le méditatif « Rise ».

Josephh ajoute une autre couche à chaque chanson ; c’est un appel de sirène aigu qui parvient à envelopper les moments excitants et calmes dans un archet soigné. « Yeah Like Whatever » est un excellent exemple de cette force vocale. 

Malgré l’ambiance amusante et agréable du disque, Hello Forever ne renonce pas au volume ni à l’expérimentation. « Natural » comporte beaucoup de guitare floue ; « Get it Right » est une chanson rock à plusieurs phases qui ne parvient jamais à devenir confuse ou disjointe, chaque section saignant merveilleusement l’une dans l’autre. La richesse du son et de l’atmosphère de l’album est comme un dîner de Thanksgiving ; chaque fois que vous pensez en avoir assez, un nouveau son ou instrument apparaît comme un accompagnement pour vous empiffrer encore plus.

Du côté lyrique de Whatever It Is, la béatitude continue, mais non sans une bonne dose de tension. L’amour, la réalisation de soi et la confusion sont autant d’éléments de l’écriture des chansons du groupe qui s’avèrent efficaces et même touchants par moments. « I Want to Marry You » »est une belle ballade ; la sincérité du chant de Joseph capture le sentiment d’affection éternelle. « Created For Your Love » est une ode intéressante à l’exploration et à l’appréciation des relations à distance ; l’acoustique solitaire et les cloches mélancoliques soulignent la situation désespérée d’une manière d’une beauté obsédante. La meilleure façon de décrire l’écriture ici est de se réjouir personnellement – même lorsque le groupe est à terre, il parvient toujours à trouver la lumière quelque part, que ce soit dans un être cher ou dans son environnement. 

La positivité n’est pas quelque chose que l’on trouve dans beaucoup de musique indie aujourd’hui, et c’est pourquoi Whatever It Is fonctionne pour moi, et fonctionnera sans doute pour vous. C’est une ode énorme, peut-être trop grande, à la musique pop des Beatles, mais elle ne devient jamais trop nostalgique. C’est la musique du bonheur, qui vaut la peine d’être écoutée pour ses morceaux lyriques et instrumentaux uniques. Découvrez la musique des Beatles !

***1/2


The Flaming Lips: «American Head»

12 septembre 2020

The Flaming Lips, un groupe qui n’a pas peur de faire des changements radicaux, fait de la musique depuis 36 ans et pendant tout ce temps, peu de choses égalent American Head. Encore et toujours, ils ont mené des expériences qui ont fait couler des groupes de moindre importance. Zaireeka a eu besoin de quatre systèmes de lecture différents synchronisés simultanément pour capturer toute sa gloire. D’autres sorties ont été réalisées avec des fœtus en gélatine et des cœurs en chocolat noir. Si l’emballage a pu être une source d’inspiration, le combo a également repoussé les limites sonores de sa musique. Et c’est là que la formation laisse les autres disques dans la poussière.

Malgré une musique parmi les plus belles qu’ils aient jamais créées, ce disque contient aussi des moments incroyablement sombres. D’emblée, « Will You Return/When You Come Down » est incroyablement déprimant : « .Étoile filante / Accident dans votre voiture / Ce qui a mal tourné / Maintenant tous vos amis sont partis » ( Shooting star/ Crashing in your car/ What went wrong/ Now all your friends are gone), Wayne Coyne chante à la guitare acoustique, aux cloches et au piano. Pour un premier essai, ce doux lavage n’est pas exactement ce à quoi on s’attend.

Toutes les chansons semblent jaillir des banques de mémoire de Coyne, qui se penche sur les gens et les lieux, les temps passés, les vies antérieures. Certaines d’entre elles ne sont pas faciles à prendre, mais dans d’autres endroits, les souvenirs s’effacent beaucoup plus facilement. « Flowers of Neptune 6 » rappelle un voyage dans l’acide, « Le soleil jaune se couche lentement/ Faire de l’acide et regarder les insectes lumineux briller/ Comme de minuscules vaisseaux spatiaux en rangée/ La chose la plus cool que je connaisse » (Yellow sun is going down slow/ Doing acid and watching the light bugs glow/ Like tiny spaceships in a row/ The coolest thing I’ll ever know). Pourtant, la chanson n’est pas sans sa part de tristesse.

Cela semble être l’un des thèmes sur lesquels Coyne revient sans cesse dans American Head, l’idée que rien n’est isolé. Comme le note Coyne, « Notre musique préférée est le désir et elle est triste, mais elle est aussi positive et optimiste et elle parle de la mort et de la vie ». Ce sentiment que ces contradictions existent en même temps semble être au cœur de l’album. Au milieu des synthés et des cordes de « Mother I’ve Taken LSD », Coyne chante en termes déchirants : « Maintenant, je vois la tristesse dans le monde/ je suis désolé de ne pas l’avoir vue avant » (Now I see the sadness in the world/ I’m sorry I didn’t see it before . Ceci n’est, effectivement, pas exactement le genre de voyage que la plupart des gens recherchent.

Dans « You n Me Sellin’ Weed », le même Coyne chante le rôle d’une célébrité du trafic de drogue, et pourtant, on n’arrive pas à se débarrasser du sentiment que les choses ne sont pas exactement ce qu’elles semblent être. Parce qu’en fin de compte, lui et sa petite amie sont toujours confrontés aux réalités d’une vie qui n’a pas exactement joué comme ils l’attendaient. « Ouais, Danny et Grace ont tout compris/ Il vend de la coke pendant qu’elle travaille à l’abattoir/ Tu dois vivre ce que tu fais/ J’ai du sang dans ma chaussure » (Yeah, Danny and Grace got it all figured out/ He’s dealing coke while she works at the slaughterhouse/ You gotta live what you do/ Got blood in my shoe). La sirène synthétisée à la fin des chansons rend compte de l’ironie de la situation.

L’un des chefs-d’œuvre de l’album est « Mother Please Don’t Be Sad », qui parle d’un vol à Long John Silver’s que Coyne a vécu alors qu’il y travaillait. « Quand on pense à la fin des années 70, au début des années 80, nous travaillions tous dans des restaurants », dit-il. « Certains faisaient de la musique, d’autres de l’art, mais on travaillait dans un restaurant pour gagner un peu d’argent ». Rempli de cordes, c’est une fantaisie de ce qui aurait pu se passer lors de son expérience derrière le comptoir à Oklahoma City.

Un autre aspect fascinant d’American Head est le choix de Kacey Musgraves comme partenaire de chant. L’entendre chanter « Do You Realize » à Bonnaroo en 2019, a conduit à une rencontre entre elle, Steven Drozd et Coyne où ils ont tous réalisé à quel point ils avaient en commun. Ses apparitions sur le disque ne sont qu’un exemple de plus de la façon dont The Lips ont tendance à faire ce qu’ils veulent, après tout Coyne and Co. a également enregistré avec Kesha, Miley Cyrus et Erykah Badu entre autres.

Ce que The Flaming Lips nous montrent sur American Head, c’est qu’ils sont toujours capables de faire de la musique qui nous fait réfléchir et nous inspire. C’est ce que font les grands groupes. D’après les manifestations ici présentes, ils ont encore ce qu’il faut.

****


The Lovely Eggs: « I Am Moron »

1 août 2020

Am Moron, le sixième album de The Lovely Eggs, pourrait bien être l’antidote idéal au chaos actuel. Le duo basé à Lancaster, en Angleterre, a sorti son premier album en 2009 et, depuis lors, il a fait preuve d’une indépendance farouche. Adoptant l’esprit du bricolage, The Lovely Eggs fonctionne sans l’aide d’un manager, d’un agent de réservation ou d’une maison de disques. C’est une attitude qui, associée à une musique absolument fantastique, leur a valu une base de fans loyaux et aimants. 

Le son du groupe a, au fil des ans, réussi à incorporer tout ce qu’il y a de plus beau, de l’art-punk de Half Japanese aux écrits surréalistes de Richard Brautigan, en passant par la superbe bêtise du comédien culte John Shuttleworth. La psychedelia est devenu une influence plus importante depuis le LP This is Eggland, produit par Dave Fridmann en 2018. l’ouverture qu’est “Long Stem Carnations”, reprend là où l’album s’est arrêté. L’électronique de science-fiction s’estompe, la chanson se met en marche et nous nous précipitons à 100 mph comme nous le dit la chanteuse et guitariste Holly Ross : “Je suis aussi forte qu’une roue de chariot/Je suis connectée à ce que vous ressentez” (I’m as strong as a Wagon Wheel/I’m connected to how you feel.). Fridmann est de retour derrière le bureau et les chansons sonnent comme des vagues de sonorités dans sa production psychédélique.

L’élan déchirant de chaque chanson successive donne à I Am Moron un emballement brillamment essoufflé. L’humour du groupe s’accompagne d’un véritable sentiment de colère et, à l’occasion, d’un dégoût total. Si vous suivez le groupe sur les médias sociaux ou si vous les entendez dans des interviews, vous saurez à quel point ils sont passionnés. Leur punk joyeusement surréaliste imprégné d’urgence. La pop ridiculement accrocheuse, associée à des mots, de “You Can Go Now” donne l’impression d’un nettoyage de printemps sonique alors que tout et tous, des repas au micro-ondes aux divertissements eux-mêmes, sont montrés à la porte. “This Decision” nous fait perdre la tête et trouve Ross et le batteur David Blackwell (également son mari) en train de fournir une explosion de psycho-punk brute et magnifiquement fracassée.

« You’ve Got the Ball » prend un virage plus expérimental avec un mantra hypnotique et rythmé qui peut ou non concerner le football.Pourquoi s’en soucier ? Cela, après tout, semble frais, amusant et complètement décalé. “Bear Pit », le grognement de “I Wanna” et le névrotique “24 Eyes” sont garantis de faire tomber quelques chaussettes ; ils vont droit au but avec un triple titre de bonté punk-rock sans retenue. “The Mothership” est un moment de calme inattendu, le son du duo dérivant à travers le vide solitaire de l’espace comme Ross chante “I sleep alone/I just wanna sleep alone”. Un bref moment pour reprendre son souffle et « Insect Repellent » pourrait bien être l’un des meilleurs morceaux de l’album en s‘élançant dans la vie avec un groove brillant et lourd, “investment opportunities/repellent!/luxury coleslaw/ repellent !”

The Digital Hair” présentera un peu plus d’une minute de divagation psycho-punk, tandis que “Still Second Rate” capture parfaitement le talent du groupe pour un brûleur art-punk énergique et accrocheur.

Comme tout bon hôte, The Lovely Eggs vient peut-être de partir et de garder le meilleur pour la fin avec l’épopée “New Dawn”. Le couplet nous entraîne avec un rythme propulsif alors que Ross chante “la solitude de la vie/la vis qui ne tourne pas” (The melancholy morphs into euphoria as the chorus ushers in a new, hopeful dawn.) La mélancolie se transformera en euphorie alors que le refrain annonce une nouvelle aube pleine d’espoir. La chanson s’achève sur l’image de Ross dans une cuisine de campagne en train d’étaler des excréments sur des plans de travail en marbre. Les premiers pas vers le renversement de nos riches, les conservateurs votant les seigneurs suprêmes ? I Am Moron est un de ces albums qui semble être arrivé au bon moment ; c’est exactement ce qu’on peut avoir besoin d’entendre; et honnêtement, il se doit d’être écouté.

****


Psychic Flowers: « Jumbled Numbers »

6 mars 2020

Depuis la dissolution de Ex-Breathers, David Settle est resté prolifique et inspirant, avec d’excellents projets comme Big Heet, The Fragiles et Psychic Flowers (sans parler des groupes de musique pour le podcast, Under The First Floor). Il reste très occupé et la qualité reste élevée, qu’il s’agisse de faire du « egg punk » ou du lo-fi, chaque projet apporte un élément différent de ses inspirations et puise dans l’essence même de ce qui le rend si influent au départ. Après les débuts de The Fragiles, Settle travaille à nouveau sur Psychic Flowers se un dernier album, Gloves To Grand Air. Enregistré dans sa cave sur un magnétophone à cassette 8 pistes, l’album est une power-pop volontaire qui équilibre le fuzz lo-fi et le sifflement de la bande avec des mélodies incontournables. Il est plein de magie d’enregistrements maison.

Le single « Jumbled Numbers » reprend un lead de guitare perçant inspiré de Guided By Voices et le transforme en une chanson pop grouillante, enfouie dans un bruit déformé et des cymbales qui engloutissent presque tout le mix. La chanson, un message pour laisser vos sentiments s’envoler librement (« vos émotions ne sont pas un crime » – your emotions are not a crime – ), est secouée par le son de guitare à électricité statique de Settle, chaque accord se frayant son chemin dans la myriade detonalités. C’est la dureté de la power-pop qui vous rappelle que vous n’avez pas toujours besoin d’être aussi dur, et que, souvent, le laissez- aller est préférable. Psychic Flowers écrit des chansons qui vont du punk garage à la pop slacker et l’attention que porte Settle aux détails sonores de la variété 8 pistes pousse tout délicieusement dans le rouge des émois de songeries imaginaires ainsi exacerbées.

***


V/A: « Tea & Symphony »

22 février 2020

Parmi les déclinaisons de la psychedela britannique, on pense souvent à la surenchère des solos à rallonge, aux empilades d’amplis Marshall façon The Cream. On pense aussi aux épopées prog. On oublie le plus souvent la veine baroque, ces raffinés de l’arrangement pour quatuors à cordes, harmonium, clavecin… Ceux qui se réclamaient des Zombies d’Odessey & Oracle ou des Beatles d’ « Eleanor Rigby » : voici 22 ouvrages exquis de ces dentellières et orfèvres, composant une compilation qui transcende aisément l’époque, de par la durabilité même de la musique classique dans l’équation.

Merveilles que le « Pictures » de Ray Brooks, I » Can’t Let Maggie Go » par The Honeybus, le « Fading Yellow de Mike Batt » : on a vraiment l’impression d’avoir trouvé la porte dérobée derrière laquelle ces trésors attendaient patiemment leur tour. Sinon les titres de Colin Blunstone (le chanteur des Zombies) et du groupe Nirvana (premier du nom), tout est à découvrir. Délicieusement.

*****


Big Mountain County: « Somewhere Else »

25 janvier 2020

Cette montagne est nichée dans la ville au sept collines à savoir Rome et le combo avait déjà sorti un premier album nommé Breaking Sound qui, à l’image de son titre, avait pas mal fait sursauter les sons.

Somewhere Else pourquit la même veine fichée rock psychédélique, source d’inspiration qui se perçoit dès les premières notes de l’introductif « Dust », où plane le spectre lysergique du Brian Jonestown Massacre. Les mêmes climats azimutés se retrouveront qur d’autres pépites telles que « Yellow Morning », « Just A Boy » et « Dancing Beam » avec une verve triomphante.

Entre l’interprétation toujours aussi charismatique de son leader, les atmosphères trippy des morceaux telles que « Dancing Beam » et « Contéz » ainsi que la patte du duo de producteurs Paola Mirabella et Andreas Pulcini, il n’y a qu’un pas. Somewhere Else nous transporte en effet autre part avec les contrées cosmiques de « Tonite », « Far Away » jusqu’au final tonitruant intitulé « Lost Summer ». Big Mountain County un groupe à part entière et n’a d’autres frontières que celles de la géographie de notre psychisme, quelque part ailleurs.

***1/2


YĪN YĪN: « The Rabbit That Hunts Tigers »

21 octobre 2019

YĪN YĪN est un combo qui nous vient de Maastricht et qui est du genre à mêler pop psychédélique et funk asiatique digne des années 1960 et 1970, comme l’atteste leur premier album nommé The Rabbit That Hunts Tigers.

Beaucoup avaient dansé sur les rythmes entêtants du morceau « One Inch Punch » et bien avec ce premier album, on est plus que servi. Après avoir mis en boîte une poignée de morceaux à l’intérieur d’une école de ballet dans un village hollandais au pied d’une montagne nommée Alpaca Mountain, YĪN YĪN continue de s’inspirer de la disco issue de la sono mondiale. Et c’est avec des morceaux instrumentaux résolument psychédéliques comme « Pingpxng » mais également « Thom Ki Ki » et « Alpaca » que l’on a affaire et qui nous feront danser jusqu’à l’aube.

Leur disco-funk aussi bien afro et asiatique des décennies antérieures arrive à nous hypnotiser comme il se doit. YĪN YĪN a beau jouer la carte du mystère mais cela ne nous empêche pas de réchauffer les cœurs avec des titres entraînants et groovy à l’image de « Kroy Wen », « Sui Ye » ou bien encore « The Sacred Valley of Cusco » qui pourraient faire office d’une bande originale d’un village hippie de la Chine du Sud dans les années 1960. Avec ce premier album, le quatuor de Maastrichtest propre à réchauffer les organismes lorsque les températures avoisinent les degrés négatifs.

***


Oh Sees: « Face Stabber »

21 août 2019

Il aura fallu une année complète à John Dwyer pour se décider à donner un successeur à Smote Deceiver. Si ce dernier se posait comme une espèce de chimère musicale allant piocher son inspiration dans des influences jazz, prog, space rock, garage voire metal, Face Stabber, lui, va encore plus loin dans l’expérimentation. Dans la volonté immuable de rompre avec toute étiquette que l’on aurait pu leur coller, Dwyer et ses collaborateurs préfèrent en effet s’aventurer sur les terrains plus fantasques du jazz fusion et du heavy-prog, tout en continuant de distiller un garage psychédélique dont eux-seuls ont le secret.

Le « single » « Henchlock », mastodonte de vingt minutes clôturant l’affaire, pourrait bien à lui seul faire office de mise en abîme de ce nouvel album. Porté par une rythmique aux faux airs de kraut sur laquelle vient tout du long s’opérer un dialogue halluciné entre guitares électrisantes et distordues donnant la réplique à des synthétiseurs plus cosmiques, le morceau nous propulse dans une atmosphère spatiale où les notes semblent flotter en suspension au milieu des échos et des réverbérations.

Dans la même veine bien que beaucoup plus court, « The Experimenter » résumera assez bien le tournant opéré par Oh Sees depuis Smote Reverser. En effet, on y retrouve peu ou prou les mêmes ingrédients rythmiques et vocaux, avec un côté garage beaucoup plus marqué dans les guitares. Le tout offre ainsi une progression habilement scindée en deux parties, dont l’énergie latente ne cesse de monter en pression, jusqu’à finalement exploser en un excès de guitares dont la violence ne fait que renforcer le contraste avec la relative tranquillité du reste du titre.

On aurait pu s’y préparer, mais on se laisse prendre au jeu tant le talent du génial Dwyer réside aussi et surtout dans l’interminable jeu de piste qu’il n’a de cesse de développer à travers ses différentes productions. Les motifs se créent, nous emportent avec eux, disparaissent, puis reviennent un peu plus tard, transformés, pour mieux céder la place à d’autres structures en ne laissant à l’auditeur aucune seconde de répit.

Si « Scutum & Scorpius » fait également figure d’odyssée psychédélique aux côtés du beaucoup plus dynamique S.S Luker’s Mom, ce nouvel album sait aussi brosser les amateurs de garage de la première heure dans le sens du poil, en proposant quelques titres nettement plus caractéristiques de la formation. « Gholü » et « Heartworm » par exemple, dont les guitares saturées à souhait venant supporter la colère grondante de Dwyer ne seront pas sans rappeler « Overthrown », tandis que « Face Stabber, » « Fu Xi », et l’incroyable combo « Poisoned Stones/Together Tomorrow », eux, miseront plus sur leur rythmique démentielle que sur leurs accords.

Si Face Stabber se veut d’une variété et d’une originalité rarement égalée dans la discographie de son géniteur, l’album renforce par là sa volonté de s’extraire des carcans sans doute un peu trop rigides du garage qui l’a vu accéder à la consécration. John Dwyer s’envole ainsi vers d’autres horizons, tout en ne perdant jamais vraiment de vue cette griffe si particulière qui donne aujourd’hui à Oh Sees de faux airs d’un Zappa qui aurait malencontreusement eu la main un peu trop lourde sur le cocktail L.S.D/Speed.

***1/2


Ty Segall: « Deforming Lobes »

5 juillet 2019

Quatre années séparent le Live In San Francisco (enregistré en 2014, sorti en 2015) et ce Deforming Lobes (enregistré en 2018, sorti en 2019) et 4 années dans la vie de Ty Segall ça correspond à beaucoup de LP/EP produits et surtout à des changements de line-up et donc de son !
Avec son Freedom Band, Ty a largement durci la chose, ses compositions se transforment en véritables bombes massives, les potentiomètres sont montés au maximum, il faut faire du bruit, toujours plus, ils visent l’explosion sonore. Et c’est comme çà qu’on crée une bête adorée par certains, crainte par d’autres !


Fortement impressionné par la formation sur Freedom’s Goblin, ici c’est l’exécution et la production qui pêche fortement et peut faire soupirer. La distorsion partout, pas vraiment de nuances entre les instruments, ça se noie, ça devient parfois de la bouillie sonore qui ne permet même pas d’apprécier les chansons à leur juste valeur , mais faut que ça soit logique et qu’on puisse comprendre quand même ce qui se passe. Sur « The Crawler », « They Told Me Too » et « Cherry Red » (l’échange de guitare bien pensé) tout y est clair et appréciable, « Finge » s’en sort assez bien, « Love Fuzz » et son improvisation finale ne mène nulle part, « Warm Hand » » et « Squealer »/ « Breakfast Eggs » vont, par conyre, partir dans tous les sens et feront qu’on n’y comprendra pas goutte. « Warm Hands » est censé être une jam musclée et bien pensée mais, là, ce sera chacun jouant pour soi.

Enregistré sur 3 soirées (26, 27 et 28 Janvier 2018, le 26 étant le jour de la sortie de Freedom’s Goblin), pas sûr que les meilleures performances soient celles gravées sur ce disque… Deforming Lobes reste globalement une assez bonne performance, trop massive certainement et sans grandes nuances dans le son du groupe et la production de Steve Albini. Maintenant, Ty Segall devrait sûrement prendre un peu plus de risques, quitte à modifier de nouveau son (comme il a su bien le faire avec Emotional Mugger), parce qu’il commence sérieusement à tourner en rond avec son Freedom Band.

**1/2


Mega Bog : « Dolphine »

2 juillet 2019

Happy Together de Mega Bog avait rencontré un certain succès il y a deux années de cela. Le projet de la musicienne Erin Elizabeth Birgy continue à faire parler d’elle d’albums en albums jusqu’à devenir un acte incontournable de la scène art-rock actuelle. Et il semblerait que l’américaine repousse une fois de plus les limites avec Dolphine.

Chaque album est une épopée fascinante que nous propose Mega Bog et Dolphine (inspiré par le mythe qui suggère que les humains évolueraient en créatures aquatiques pour vivre éternellement) en fait partie. En effet, au travers de ces onze nouvelles compositions résolument psychédéliques, on ne serajamais au bout de nos surprises. C’est avec l’introduction nommée « For The Old World » avec une interlude free-jazz déroutante mais agréable que l’on a affaire sans oublier d’autres trouvailles originales plutôt prog comme « I Hear You Listening (to the Bug On My Wall) », « Left Door » et autres « Truth In The Wild ».

Elle peut également compter sur l’aide de Meg Duffy alias Hand Habits et de James Krivchenia de Big Thief pour pouvoir mettre en boîte ce disque audacieux où les guitares résonnent, les claviers qui dansent et les cuivres qui donnent leur signal d’alarme de façon spontané avec une pointe d’expérimentation. Ce n’est pas pour rien que l’on rencontre la fusion entre Cate Le Bon et Animal Collective sur le morceau-titre pop psychédélique ou des allures plus folk sur « Spit In The Eye Of The Fire King » avec la contribution du regretté Ash Rickli du groupe Strictly Rickli. Entre moments féeriques avec « Diary of a Rose » plutôt mystique mais également « Shadows Break » et « Untitled (« With C ») » et d’autres plus haletants comme « Fwee Again ».

Une fois de plus, Mega Bog joue avec nos émotions avec ce nouvel opus aux airs de conte fantastique. Dolphine est un autre testament de la musicienne qui ne cherche qu’à repousser ses limites en ajoutant plus d’une corde à son arc. Son art-rock psychédélique ne finira pas de surprendre.

***1/2