The Web of Lies: « Nude With Demon »

11 août 2022

Nude With Demon est le premier album de The Web Of Lies, le duo de Glasgow composé de Neil Robinson à la batterie et aux percussions et d’Edwin Stevens au chant, à la guitare, à la basse et aux claviers. Après avoir joué ensemble dans le groupe de Robert Sotelo, le duo s’est découvert une connexion singulière qui avait besoin de trouver un exutoire créatif. Ils ont jeté les bases de l’album au cours d’une « poignée de sessions matinales avec la gueule de bois », qui ont ensuite été étoffées par des collaborateurs de confiance.

Les morceaux oscillent entre l’urgence et la frustration et l’allongement et l’oscillation, comme un mélange de café et de purée de Valium. Dès le premier single  » Receiver « , qui ouvre l’album, on a l’impression d’avoir posé le pied sur un sol instable. The Web of Lies jette un pont entre le psychédélisme des années 60 et le bruit angulaire moderne, sur des morceaux comme  » The Golden Road « , tourbillonnant et teinté de folk, et  » Yeah Yeah Yeah « , tempête psychédélique implacable, ou encore  » The Wasp « , glorieuse procession lente dans le moule de  » New Dawn Fades  » de Joy Division.

Le groupe nous fait vivre de grands moments sur tous les titres, comme le riff de guitare de  » RnR Resurrection « , la basse entraînante de  » Crossed Arms « , les roulements de tom-tom qui animent  » RnR Resurrection « , ou la douceur de la mélodie de  » Redeemer « . Mais lorsque les choses menacent de devenir trop agréables, le groupe s’appuie sur une distorsion profonde, induit un larsen et sort le papier de verre le plus grossier qui soit. L’album est totalement cohérent dans son son et sa production, mais il a la sensation d’essayer de chanter une berceuse dans un ouragan ou de mettre des ballons sur un lit de clous. Il devrait s’appeler « Spikeadelic » ou « Spych ».

The Web of Lies semble avoir un scepticisme sain qui se cache dans les coins de cet album ; une désaffection mélangée avec le groupe qui jette un regard ironique sur la vie et ils ont la capacité de traduire cela en son. Vous pouvez le ressentir à travers le vacillement des cordes désaccordées, un tremblement viscéral qui trouve son point de morsure contre une batterie solide, et bien que l’album conserve une base cohésive établie par Robinson et Stevens, le fait qu’ils aient fait appel à un éventail d’invités musicaux donne à chaque chanson sa propre personnalité. Du morceau d’ouverture  » Receiver  » au morceau de clôture  » Ender « , une boucle se forme et si vous mettez l’album en boucle, vous pourriez rester longtemps dans le paysage troublant, mais captivant, créé par le combo.

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Evolfo: « Out Of Mind »

4 juin 2022

« Avec le temps, les petites choses semblent toujours doubler et grandir » (In time, things small always seem to double and grow), chante Matthew Gibbs, le chanteur et guitariste du groupe Evolfo, basé à Brooklyn, NY, sur leur nouvel album, Site Out Of Mind. Cette phrase sans contexte est une réflexion sur l’existence elle-même, mais elle décrit aussi l’ascension du groupe. Evolfo a certainement doublé et grandi au cours de ses onze années d’existence, et pas seulement en termes de nombre d’écoutes sur Spotify. Le groupe compte désormais sept membres au total, dont un saxophoniste baryton qui utilise plus de pédales sur son saxophone que la plupart des guitaristes n’en ont jamais possédé. Ils ont également élargi leur palette lyrique et musicale au fil des ans et offrent maintenant quelque chose de nouveau et d’unique, tout en restant accessible et familier, et c’est une ligne fine que beaucoup de groupes de psych-rock/garage essaient de franchir sans avoir autant de succès qu’Evolfo. Cependant, ce serait une erreur de les catégoriser comme un autre groupe de psych-garage et d’en rester là. Il se passe beaucoup plus de choses ici que ce que l’on peut voir, même si cet œil est imbibé d’acide. Evolfo défie toute catégorisation, en illustrant ses influences éclectiques sans les dépouiller, et en les mélangeant en quelque chose qui n’est pas si facile à mettre dans une boîte de genre bien nette. La musique parle d’elle-même, et sur Site Out Of Mind, ladite musique en dit long. Le groupe lui-même l’appelle « garage-soul », et c’est certainement une bonne façon de lier le tout, mais la palette de sons sur leur nouvel album va bien au-delà du garage et de la soul, où le psychédélisme des années 70 à la King Crimson fusionne avec les sons de guitare des groupes de garage des années 60 comme The Sonics, soutenus par une section de cuivres qui aurait pu être tirée d’une fanfare de la Nouvelle-Orléans.

Evolfo a commencé en 2011 à Boston, et selon le groupe, ils « se sont tous rencontrés dans un laps de temps très court vers la fin de 2010 à travers une série d’événements si entrelacés et apparemment aléatoires que je ne peux que l’appeler le destin. Certains pourraient appeler ça une coïncidence ». Encore une fois, on pourrait dire la même chose de ce nouveau disque, bien que dans ce cas, ce ne sont pas les événements qui sont entrelacés et vaguement colorés par l’aura du destin, mais plutôt l’instrumentation et les arrangements. Appelé à l’origine « Evolfo Doofeht », une inversion de « The Food of Love », la façon inimitable qu’a Shakespeare de décrire la musique dans Twelfth Night, Evolfo s’est fait les dents en jouant dans des house shows grandioses et bacchanales dans la région de Boston, avec un penchant pour les performances à haute énergie et très dansantes. Bien que le groupe ait peut-être pris six ans pour enregistrer et sortir son premier album, Last of the Acid Cowboys en 2017, il semble certainement qu’ils savaient exactement ce qu’ils faisaient, peu importe à quel point les événements ont pu leur sembler aléatoires : Last of the Acid Cowboys a engrangé six millions de streams sur Spotify en l’espace d’un an. Cependant, ce succès (et il s’agit bien d’un succès, quelle que soit l’interprétation que l’on en fait à notre époque) ne leur est pas monté à la tête, et plutôt que de les inciter à se reposer sur leurs lauriers ou à tenter de capturer l’éclair dans une bouteille une seconde fois, il les a incités à aller de l’avant et à faire quelque chose de complètement nouveau, à continuer de repousser leurs limites créatives. Le claviériste/chanteur Rafferty Swink a déclaré que le processus d’écriture et d’enregistrement de Last of the Acid Cowboys était un processus de désapprentissage des tropes musicales pour ne se préoccuper que de la musique. Il est plus unique, moins catégorisable, et beaucoup plus riche en sensations et en sons. 

Site Out Of Mind est sorti sur Royal Potato Family Records et a été produit par le groupe lui-même, avec l’aide de Joe Harrison, avec qui le groupe a collaboré sur leur dernier album. Il semble difficile de le croire au vu des performances étonnamment serrées et des arrangements bien pensés, mais Evolfo a enregistré la totalité des lits musicaux de Site Out Of Mind en une seule prise dans le grenier de l’appartement du chanteur Matthew Gibbs à Brooklyn. Selon le groupe, le grenier était hanté par un « esprit apparemment bienveillant », et que tous les groupes du monde aient la chance d’être hantés par un esprit aussi bienveillant que celui du grenier de Matthew Gibbs, car le disque sonne fantastiquement : Une batterie serrée et nette avec des cymbales qui gonflent, des synthés luxueux, un son de basse rond et plein, le saxophone trippé mentionné plus haut qui passe par un véritable gantelet de pédales, des guitares déchiquetées et anguleuses, et un son de pièce distinct qui semble bien plus étendu que le grenier de Brooklyn qu’il était, tout cela conspire à créer le monde du disque. Ce qui ressort le plus, c’est qu’il ne s’agit pas d’une simple collection de jams ou d’improvisations comme on pourrait s’y attendre de la part de nombreux autres groupes classés dans la catégorie « psychédélique/garage ». Ce sont des chansons bien construites, et elles sont arrangées de manière experte.

Le disque s’ouvre sur « Give Me Time », une chanson qui est tour à tour assez froide, funky, relaxante, et surtout étrangement belle. Ce n’est pas étrange que ce soit beau, c’est plutôt la beauté elle-même qui est étrange… D’une très bonne manière. Des couches de guitare acoustique et une harmonie invitante de guitare électrique à deux voix sont lentement ajoutées et développées d’une manière qui rappelle une illusion d’optique dans un livre de M.C. Escher. Les formes géométriques qui semblaient autrefois faciles à comprendre sont texturées pour créer une courtepointe sonore, une couverture de sons à plus d’un titre. Des synthés et des sons reposent sur un rythme de batterie légèrement distordu et percutant, tandis que le doux faux-falsetto de Gibbs entonne « How is it so ? Les années passent vite et les minutes passent lentement. Comment est-ce possible ? Personne n’est venu nous libérer » (How is it so? Years go fast and minutes go slow. How can it be? No one’s come to set us free). Il demande ensuite à personne en particulier (peut-être que personne n’est là après tout ?) « Donne-moi du temps, donne-moi du temps pour cette vie qui est la mienne, s’il te plaît ». La chanson se transforme en un riff outro qui ne détonnerait pas dans un film de science-fiction à thème égyptien et qui continue à enfler jusqu’à la fin, faisant écho au début de la chanson alors que des couches sont constamment ajoutées au rythme, créant un tout qui est plus grand que la somme de ses parties. 

La chanson suivante est « Strange Lights », l’histoire bizarre d’une morsure par un policier qui a la bave à la bouche et qui est ensuite paralysé par ladite morsure. C’est du pur psycho-garage avec un rythme palpitant qui ressemble presque à une morsure de la main elle-même : c’est le morceau le plus énergique de Site Out Of Mind et il frappe fort comme le deuxième morceau. Une guitare électrique imbibée de la crasse des caniveaux de Brooklyn se bat contre une guitare acoustique propre, qui ressemble presque à une mandoline, tandis que la chanson avance à grands pas : « Je veux crier mais je ne peux rien dire, non, je ne peux rien dire » (I wanna scream but I can’t say nothing no I can’t say nothing). Les bruits psychédéliques de slurp poussent la chanson vers un milieu de huit hypnotique avec un synthétiseur bourdonnant tandis que des guitares électriques staccato brillantes et dansantes rebondissent frénétiquement, menant à un solo de guitare sur de multiples harmonies vocales. Puis tout s’arrête, sauf la batterie et la basse, et le saxophone semble crier et gémir d’une manière que le sujet de la chanson veut clairement faire mais ne peut pas faire parce qu’il « … a été mordu par un policier qui a laissé des marques de dents sur le dos de ma main ». Apparemment inspirée par une violente altercation avec la police, c’est une expérience qui a clairement laissé une marque, non seulement sur Gibbs mais aussi sur l’album, et le disque n’en est peut-être que meilleur. C’est la seule chanson qui ne s’accorde pas tout à fait avec la froideur et l’espace du reste de l’album, mais l’énergie qu’elle apporte est méritée et peut-être même nécessaire.

Après « Strange Lights », Site Out Of Mind commence vraiment à atteindre son rythme de croisière. « Zuma Loop » nous exhorte à « nous harmoniser intérieurement, à ne pas projeter d’ombres » (harmonize internally, cast no shadows), tout en se demandant, sur un rythme de fond narcotique, « quelle vie de rêve peut sembler, se déroulant si lentement » (what a dream life can seem, unwinding so slowly ) La musique reflète encore une fois le sentiment des paroles de manière experte. La chanson est vague, sinistre, obsédante et discrète, avec une brume hypnotique qui vous envahit au fur et à mesure que vous vous imprégnez des guitares qui dégoulinent et de la basse funky. Cela mène naturellement à « Blossom in Void », l’une des chansons les plus fortes de l’album. « Les tours s’élèvent, les tours tombent… trouve-toi avant de tout foutre en l’air. J’ai cherché comme le soleil coupe le ciel, je sais que tu souffres mais je ne sais pas pourquoi » (Towers rise, towers fall… find yourself before you damn it all. I’ve been searching as the sun cuts the sky, know you’re hurting but I don’t know why). »C’est aussi l’une des chansons les plus pop de l’album, elle est accrocheuse d’une manière qui vous touche profondément, c’est évidemment plus que la simple mélodie qui restera dans votre cerveau. On en est étrangement triste et mécontent sans être nihiliste, et c’est honnêtement émotionnel. Le titre possède une façon charmante de capturer une sorte de voile qui se dépose sur tout, comme un jour humide et nuageux. Ce sont des nuages que le soleil n’arrivera peut-être pas à percer. Elle a un poids, une sensation physique, comme le matin après une longue fête qui vous a privé de toute votre sérotonine, et vous errez dans les rues grises en attendant le coucher du soleil, sans vraiment aller nulle part, mais en ressentant toujours cette attraction lancinante au fond de votre cerveau, vous savez que vous devez aller quelque part, mais vous ne savez pas où. Il est une heure de l’après-midi mais vous venez juste de vous réveiller. « Dans la lumière d’un autre soleil couchant, nous pouvons sentir la fin mais nous ne savons pas quand elle arrive » (n the light of another setting sun, we can feel the end but we don’t know when it comes). Des mots poignants sur une musique, et puis, « Dans le scintillement de minuit, je peux encore descendre, descendre, descendre… et le chagrin reste au-dessus de moi, en dessous de moi, dans ce creux qui reste » ( In the midnight glistening, I can still get down, down, down… and the sorrow stays above me, below me, in this hollow that remains). Cela rappelle le sentiment semi-apocalyptique qui accompagne la gueule de bois, ainsi que le fait de savoir qu’à minuit prochain, on pourra faire la fête pour retrouver une tristesse interminable. Il y a quelque chose d’anonyme au-dessus de vous qui vous aime, mais à la fin de la journée, vous savez que quelque chose d’irrémédiable approche et qu’il y a tellement de choses à remettre à plus tard. La chanson est un coup dur. Après la partie principale de la chanson vient une outro semblable à Miami Vice dans laquelle les parties synthétiques s’épanouissent les unes dans les autres, la visualisation musicale du coucher de soleil susmentionné, s’enfonçant paresseusement dans l’horizon sombre, les lumières de la ville clignotant alors que la lumière du ciel disparaît dans le rouge, puis le violet, puis le noir.

Ces chansons ne sont que le début de Site Out Of Mind, et le reste du voyage n’en est pas moins agréable, faisant correspondre l’intensité aux grooves, allant de l’avant, reculant, mais restant toujours intéressant. Rappelant superficiellement des groupes comme Dr. Dog, les Flaming Lips et Foxygen, Site Out Of Mind possède un noyau émotionnel très différent et, à la première écoute, il ne rappelle rien d’autre. Il y a des clins d’œil à la musique garage des années soixante, au prog des années soixante-dix et au néo-psychisme des temps modernes, mais en fin de compte, Evolfo reste un monde sonore insulaire en soi : agréablement familier et pourtant totalement unique. Il y a quelque chose de différent dans chaque chanson, mais elles sont unifiées par une personnalité et une voix lyrique qui récompensent les écoutes répétées.

« Let Go » s’ouvre sur un synthétiseur onctueux et une guitare qui sonne comme un rasoir électrique passé dans un ventilateur, « Orions Belt » arrive avec une batterie et des cymbales bridées mais se transforme rapidement en une explosion prog King Gizzard-esque alors que la basse pédale en octaves sur le rythme break kick-snare pendant deux minutes sans aucun mot. « Drying Out Your Eyes » est un garage psychédélique frénétique, tandis que « White Foam » est un voyage acoustique vaguement Beatles-esque, mais aussi étrangement obsédant, un peu comme si « Across the Universe » était une berceuse pour enfants chantée aux nourrissons atteints de la peste du XIVe siècle alors qu’ils dépérissent lentement. C’est un voyage cinématographique sauvage dans l’espace ou dans les profondeurs de votre propre psyché, mais c’est certainement un voyage qui vaut la peine d’être fait. Il vous donne beaucoup à penser et beaucoup à ressentir, mais il ne vous dit jamais exactement ce que ces sentiments et ces pensées doivent être. C’est à vous de le découvrir en l’écoutant.

Les idées philosophiques abondent sur ce disque, à l’image de la complexité des arrangements. Il ne s’agit pas d’un nombrilisme myope ou d’un babillage pseudo-intellectuel, et ce n’est pas non plus trop conscient de soi ou prétentieux. Il n’est pas toujours important de faire une grande déclaration sur un disque de rock, mais c’est certainement plus intéressant quand il y a quelque chose à creuser au-delà du son lui-même, et il y a une quantité agréablement surprenante d’introspection ici. Il n’est pas surprenant pour moi que le disque ait été inspiré autant par un voyage psychédélique collectif que le groupe a fait ensemble que par des films de science-fiction et des albums de psych rock. Evolfo me semble être le genre de groupe qui croit qu’un groupe qui voyage ensemble déchire ensemble… et ils déchirent certainement. C’est définitivement un disque sur lequel on peut voyager, mais il y a plus que des paysages sonores luxuriants et des arrangements cinématiques à apprécier ici, et ce disque sonne aussi bien en marchant dans une rue par une journée grise et pluvieuse que dans un grenier sombre et étouffant hanté par un esprit bienveillant sous l’influence de substances altérant la conscience. Ce n’est pas tout à fait de la musique pop, mais les mélodies sont accrocheuses et contagieuses sans tomber dans les clichés rétro. Il s’agit d’une bande-son pour les expériences, et elle vous invite à faire l’expérience de vous-même et du monde, avec pleine conscience et présence. Bien que le concept d’amour ne soit jamais explicitement évoqué, et que le mot ne soit jamais mentionné une seule fois sur l’album, le sentiment d’amour se tisse tout au long du disque. Il est évident qu’il y a eu de l’amour dans la réalisation de ce disque, de l’amour de la musique, de l’amour des idées, de l’amour du public, et cela se ressent à l’autre bout. Evolfo nous arrive avec des cadeaux sonores au nom de l’amour. Cela ne ferait certainement pas de mal de les accepter.

****1/2


Kurt Vile: « (watch my moves) »

14 avril 2022

(watch my moves), le neuvième album de Kurt Vile, ressemble à l’aboutissement de toute sa carrière jusqu’à ce jour. C’est à la fois un retour à ses premiers enregistrements « en chambre », bien que d’une fidélité bien supérieure, et une maturation dans un nouveau domaine de l’écriture de chansons et du processus créatif.

Il y a une qualité organique et terreuse dans le son de ces chansons, celle d’un artiste qui s’est enraciné dans un endroit après des années de voyage et de recherche. À la première écoute de « Mount Airy Hill (Way Gone) », le dernier single avant la sortie de l’album, il y avait une légère réminiscence d’un autre grand auteur-compositeur américain, Townes Van Zandt. Cela ne veut pas dire que ce morceau sonne comme un morceau de Van Zandt, mais il y a une qualité commune, une qualité qui témoigne des années passées dans le métier.

Tous les mécanismes de Vile – le tourbillon de synthétiseurs psychopompes, les guitares distordues et floues, les voix lourdes de réverbération – qui sont devenus synonymes de sa musique depuis son premier album solo de 2008, Constant Hitmaker, sont présents, mais une nouvelle chaleur clairement audible se dégage de l’ensemble. Lorsque l’on apprend que la majorité de l’album a été enregistrée dans le nouveau home studio de Vile, OKV Central, sur une console à tubes ayant appartenu à l’emblématique maestro du jangle-pop Mitch Easter, il est facile de comprendre d’où vient cette chaleur supplémentaire. Faisant écho à cette idée, Vile a récemment expliqué : « Mon passe-temps favori aujourd’hui est de m’asseoir le matin après le petit-déjeuner près de la fenêtre pour boire du café, lire et écouter Sun Ra, le soleil brillant à travers les arbres de la forêt ». Cela explique non seulement où il se trouvait dans sa tête lorsqu’il a créé (watch my moves), mais c’est aussi un excellent conseil pour l’écouter la première fois – alors que le soleil du début du printemps traverse la fenêtre de mon salon, j’en suis à ma deuxième tasse de café et à ma deuxième écoute de l’album.

Tout au long de l’album, les deux principales forces de Vile sont clairement mises en évidence. En plus de se placer au sommet de la catégorie des auteurs-compositeurs de ces quinze dernières années, Vile a également prouvé qu’il était l’un des meilleurs collaborateurs musicaux de cette période. Cette tendance se poursuit avec un certain nombre d’invités de choix sur (watch my moves), comme la chanteuse galloise d’avant-pop Cate Le Bon, qui ajoute sa voix et son piano sur la chanson électro-folk très subtile « Jesus on a Wire », James Stewart de Sun Ra Arkestra, qui met son sax ténor au service de l’exercice de sept minutes « Like Exploding Stones », se mêlant aux synthétiseurs Moog et aux guitares distordues pour donner une teinte cosmique au son, ou encore la participation de Chastity Belt à « Chazzy Don’t Mind », l’ode de Vile au quartet de Walla Walla, Washington. Tous les invités sont parfaitement placés, chacun apportant de la profondeur et des contours à l’ambiance générale de l’album.

Un aspect ludique traverse également l’album, comme la simple berceuse d’ouverture « Goin’ on a Plane Today » qui évoque la nature surréaliste de sa vie de musicien itinérant, l’utilisation de boucles de bande magnétique à l’envers sur « Palace of OKV in Reverse » et le court instrumental atmosphérique « (shiny things) ». Si l’écriture de chansons est une affaire sérieuse, elle ne doit pas se faire au détriment de l’amusement, qui a peut-être autant à voir avec le fait de devenir père de deux jeunes filles qu’avec le fait de mûrir en tant qu’artiste. Un coup d’œil à l’excellente image de la pochette ou une écoute des paroles de « Hey Like a Child » suffit à prouver qu’il s’agit d’un homme heureux de sa vie de famille.

Une autre caractéristique récurrente de Vile dans tous ses albums est le fait qu’il est autant un fan de musique qu’une personne qui la crée. S’il a toujours été un musicien qui a tracé sa propre voie, il n’hésite jamais à parler de ses influences, citant par exemple Neil Young dans « Goin’ on a Plane Today ». Plus directement encore, Vile rend hommage à l’une de ses pierres de touche musicales les plus influentes, Bruce Springsteen, avec une reprise de « Wages of Sin », une chanson profonde.

« Born In The USA », extrait du coffret Tracks. Comme sa reprise de « Downbound Train » de Springsteen sur l’EP So Outta Reach en 2011, Vile montre à quel point la musique de Springsteen a compté pour lui, tout en donnant à la chanson juste assez de KV pour la faire sienne. On pourrait dire que (watch my moves) est un cachet de carrière, qui marque la fin du premier chapitre et le début du suivant. Il n’y a vraiment aucun point faible sur l’album, et bien qu’il faille un certain temps pour attacher des souvenirs particuliers à ces chansons comme les fans l’ont fait avec ses anciens albums, après un certain temps, celui-ci pourrait s’avérer être le meilleur du lot. Si vous n’êtes pas sûrs, versez-vous une tasse de café et allez vous asseoir dans un rayon de soleil, et laissez ces 15 chansons vous envahir.

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Zeuk: « Minutes »

14 avril 2022

Zeuk, alias Marc Roberts, poète et musicien psychédélique basé à Cardiff, poursuit une vision hautement créative et audacieusement singulière depuis le premier album, Zeuk en 2013 sur le label Reverb Worship. Mélange de folk acide feutré et séduisant et de puissance émotionnelle sombre à la Peter Hammill, l’album a immédiatement annoncé Roberts comme une pierre angulaire de la nouvelle scène folk wyrd qui bouillonnait à la surface à cette période. I See Horses, l’album suivant, est encore plus ambitieux et affine les influences de Robert en un style unique et reconnaissable, mais toujours agréablement imprévisible. Parsemé d’images d’hippocampes et de personnages ou d’histoires excentriques, cet album en particulier semble destiné à être redécouvert comme un trésor caché de la même manière que le travail de Mark Fry, Perry Leopold ou Bill Fay. La métamophose de Roberts en tant que Zeuk, Crow Spanner (après le projet glam psych magnifiquement dérangé et dramatique Starlings Planet), était, en 2021, une offre magnifiquement éclectique, suggérant des points de référence disparates tels que Wire, Klaus Nomi et Current 93, et le nouveau long player Minutes continue dans cette veine de pie à un grand effet.

S’ouvrant sur la magnifique et brève fantaisie acid folk de ‘Electric Daisy’ avant de se transformer en un sinistre ‘Emily’s Mask’ à la Paul Roland, il est immédiatement évident qu’il s’agit d’un projet pour lequel Roberts s’est fixé des paramètres créatifs stricts (à savoir la longueur des chansons – les vingt-trois morceaux durent tous une minute ou moins) mais a laissé libre cours à sa sensibilité mélodique. De la comptine hallucinatoire de « My Name is Jason » à l’électronique démente et aux chants d’enfants sur le T. Rex-isme gothique de « I Am (The Meat Man) », il s’agit peut-être de vignettes aux couleurs expérimentales, mais ce sont aussi des chansons bien formées et des vers d’oreille qui hanteront et raviront longtemps après coup. Parmi les points forts, citons la sinistre ballade folk « Margate », un instantané de style médiéval avec un soupçon de quelque chose de vraiment traumatisant, les explorations hypnotiques à la guitare psychique de la percutante « Most People » et les cordes rampantes et enveloppantes qui enveloppent la chanson condamnée de « The Museum of Broken Relationships ».

Ailleurs, les guitares déchiquetées et les nuances de Van Der Graf Generator qui imprègnent « Mushrooms » dégagent un véritable air de désespoir, tandis que le doigté tremblant et les murmures inquiétants de « A Nation of Lemmings » évoquent peut-être l’état désastreux du Royaume-Uni aujourd’hui. Les tourbillons de synthé analogique ritualisés de « Negative Norm » contiennent certainement plus d’une soucoupe de secrets, et le romantisme de « Opal Eyes », soutenu par un orgue Hammond, est un véritable joyau, une mini-symphonie psychique. La voix stridente et évocatrice de Roberts est mise en avant sur l’acoustique « A National Debate » et est ensuite enveloppée d’un écho somnambulique pour « Sleepwalking » ; en effet, la voix de Marc est l’élément le plus immédiatement reconnaissable et cohérent tout au long de l’album, fournissant un fil conducteur fort entre les chansons et, même dans ce cas, il l’utilise comme un instrument ou un outil pour lui permettre de jouer avec différentes humeurs, personnages et récits. Il faut également mentionner l’éventail d’instruments et de genres musicaux que Zeuk traverse au cours de ce voyage tourbillonnant, des guitares new wave à la John McGeoch aux touches Floydiennes et à la délicate rêverie acoustique des doigts.

Zeuk est donc un cas unique, quelque chose de spécial et d’unique, un véritable artiste. Résistant à toute forme de catalogage, il est proprement psychédélique dans le sens où il explore volontairement d’autres mondes, possibilités et perceptions altérées en dehors de la norme, avec un abandon prudent, puis nous en fait part. Il y a aussi quelque chose d’extrêmement addictif et intriguant, ainsi que de stimulant, dans un album de chansons d’une minute ; il y a un sentiment de désorientation agréable lorsque nous sautons d’un récit ou d’un style à un autre, tout en sachant qu’un autre sera bientôt en route. Il n’y a personne comme Zeuk dans le milieu de la psychologie d’aujourd’hui, passez quelques minutes avec lui et sa muse, vous ne le regretterez pas.

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Various: « Think I’m Going Weird »

1 novembre 2021

Sous-titré Original Artefacts From The British Psychedelic Scene (1966-1968), le label Grapefruit Records atteint sa centième sortie en beauté avec un coffret 5CD au format livre.

Ah, les années 60, une époque de Beatlemania, de rébellion rock n’ roll, de pop dominant les hit-parades, de trois chaînes de télévision et d’exploration spatiale. Alors que le monde était fasciné par ce qui se trouvait au-delà de notre propre planète, à la fin des années 1960, les amateurs de musique du monde entier découvraient d’autres façons de « sortir » et de « devenir un homme cosmique » grâce aux scènes psychédéliques qui avaient vu le jour dans le monde entier. Bien qu’ils soient souvent liés à San Francisco, de nombreux musiciens en dehors de la Californie se sentaient également étrangers à la culture dominante et aux attentes de la société, surtout ici au Royaume-Uni. 

Que ces groupes se considèrent ou non comme faisant partie d’un mouvement plus large à l’époque, ils avaient tous une chose en commun : le désir de donner une nouvelle direction à la musique pop. Des morceaux plus sombres et expérimentaux aux mélodies estivales et brumeuses, la scène psychédélique britannique a annoncé une nouvelle ère de la musique moderne. Cette nouvelle compilation de cinq albums rassemble ce qui doit être la grande majorité de la musique psychédélique réalisée à cette époque.

Musicalement, on y trouve quelques grands noms, avec des versions alternatives de chansons ou des morceaux plus profonds de l’album, comme « Lazy Old Sun » des Kinks, et The Status Quo avant qu’ils ne découvrent le double denim, avec « Sunny Cellophane Skies » de leur album psychédélique Picturesque Matchstick Message From The Status Quo. Le Nirvana des années 60 y trouve un titre avec « The Touchables (All Of Us) « , tout comme des groupes tels que The Move avec « Walk Upon The Water », Tyrannosaurus Rex avec Marc Bolan au meilleur de son folk psychédélique avec « Beyond The Rising Sun « , et les rois du psych pop The Zombies avec « Hung Up On A Dream «  tiré du légendaire album Odessey And Oracle.

Mais ce qui nous intrigue tout autant, ce sont les noms de groupes franchement ridicules, qui masquent un morceau génial que vous n’auriez probablement jamais découvert sans cette compilation. Saluez Granny’s Intentions avec votre morceau brillamment bizarre « The Story Of David », et Boeing Duveen And The Beautiful Soup avec un nom qui, de l’aveu même de Boeing, est « un nom des années 60 génial, on ne peut pas faire pire, même en essayant ! ». Il était également copain avec Syd Barratt et Roger Waters de Pink Floyd et a plus tard changé son nom en Hank Wangford, se transformant en chanteur de country.  Pour ne pas être en reste sur le plan des noms de groupes, il y a Mabel Greer’s Toyshop avec un morceau flottant et lunatique intitulé « Jeanetta », qui est devenu par la suite les géants du prog rock à une syllabe, Yes.

Et puis il y a les Mancuniens bizarrement merveilleux, Wimple Winch, et leur harmonieux morceau de rock « Rumble On Mersey Square South » avec son commentaire social sur la guerre entre gangs à Stockport !  Dans le registre des noms de groupes plus mignons, nous trouvons The Tickle avec le morceau pop jangly « Rose Coloured Glasses » et Blossom Toes avec le morceau de pop excentrique « What On Earth ».

L’intérêt de ce genre de compilations n’est pas seulement de revisiter des chansons que vous avez peut-être déjà appréciées, mais aussi de découvrir tout un tas de morceaux que vous n’auriez jamais entendus autrement, qu’il s’agisse de groupes connus ou de groupes plus obscurs. Avec 122 chansons à découvrir, il y a de quoi occuper vos oreilles, et le fait qu’il soit présenté dans un livre cartonné brillant de 60 pages avec des illustrations exceptionnelles ajoute encore à l’attrait. Il y a trop d’excellente musique pour la condenser dans une seule critique, mais avec onze titres inédits, et beaucoup de titres qui sont restés dans l’ombre pendant des décennies, Grapefruit Records a triomphé une fois de plus avec ce coffret, leur 100e sortie en tant que label. Ce coffret est destiné à la fois aux inconditionnels et aux curieux.

****1/2


The Cleaners From Venus: « Penny Novelettes »

19 juillet 2021

Penny Novelettes est la toute nouvelle version et le dernier joyau à ajouter à la couronne de The Cleaners From Venus, alias Martin Newell, dont les récits intemporels sur la vie provinciale, de l’amour et de tous les points intermédiaires ont fermement établi son travail dans la grande tradition des auteurs-compositeurs-interprètes anglais. 

S’inspirant de thèmes contemporains mais familiers aux adeptes de ce pionnier de l’underground DIY, l’album regorge d’histoires nostalgiques d’amour perdu et d’observations sur la vie quotidienne des Anglais. Comme le titre de l’album l’indique, les chansons de cette collection contiennent des histoires racontées de manière classique qui peuvent être considérées comme des vignettes individuelles de l’existence d’une petite ville ou comme un commentaire sur la société britannique moderne.

Le titre « Penny Novelettes » est le récit poignant mais léger d’un livreur démodé qui est « un retour à une époque bien antérieure » (a throwback to some much earlier time) et qui s’habille comme « le père de son père » (his dad’s dad), qui finit par trouver le grand amour avec une fille du coin, comme l’auraient fait les générations précédentes de sa famille. Évoquant la mélancolie de la meilleure œuvre de Ray Davis, l’acceptation par les personnages du fait que leur mariage ne doit pas être comparé à celui de Meghan et Harry met en évidence une acceptation sans réserve de leur chemin de vie et une incapacité à envisager que cela puisse changer un jour.

« Estuary Boys » dresse un tableau saisissant de la culture « dépensez comme vous gagnez » (spend as you earn) de la société britannique moderne. À la fin de chaque semaine, la vieille couronne ternie au-dessus de la ville brille sur ses habitants qui parlent de voyages en Thaïlande ou à Berlin et trouvent des clients pour le « Paco Rabanne à l’arrière de la camionnette » garée sur le parking du pub. La voix vive de Newell et l’instrumentation enjouée illustrent l’attitude joyeuse et insouciante de tous ceux qui ont l’expérience de cet élément de la vie britannique.

A l’opposé, « Flowers of December » est une évocation onirique de l’amour perdu, avec un thème instrumental insistant, des riffs de guitare qui s’entrechoquent et une voix éthérée. Le « cygne sans espoir » de la chanson qui nage dans la rivière semble incapable d’échapper aux souvenirs du passé qui laissent un désir ardent de jours meilleurs. Les effets et l’instrumentation tout au long de la chanson font penser à un morceau perdu depuis longtemps, extrait d’une session d’enregistrement inédite de Revolver.

Le commentaire social de « Statues » est couplé à un son qui rappelle l’apogée de la power pop. Les solos de guitare classiques et les harmonies vocales se combinent pour aborder des questions contemporaines telles que la pandémie de grippe, l’agitation sociale et l’aide financière aux pauvres. Les plaidoyers persuasifs de l’auteur en faveur du changement sont mis en valeur par une mélodie accrocheuse caractéristique et un arrangement dynamique. 

Sur les 14 pistes de cet ajout bienvenu au catalogue considérable de Newell, Penny Novelettes capte l’imagination de l’auditeur en peignant une image des temps passés et présents, chaque chanson mettant en scène des personnages différents et dépeignant des événements à la fois exceptionnels et banals, afin de mettre en lumière les parties de la Grande-Bretagne que nous avons aimées et perdues et celles qui, pour le meilleur ou pour le pire, demeurent.

***1/2


Zeuk: « Crow Spanner

25 mai 2021

Zeuk, alias Marc Roberts, troubadour psychédélique basé à Cardiff, a poursuivi un chemin artistique toujours curieux et créatif depuis la sortie de son premier album,, Zeuk,, en 2013 . Il s’agissait d’un mo opus glorieux, intime et très personnel d’acid folk peint dans des couleurs sauvages et romantiques et orné d’images d’hippocampes et d’améthystes, Zeuk était magnifiquement hors du temps et du lieu, et il a été accueilli avec vénération par ceux qui ont rencontré ses charmes. Depuis, il y a eu le projet spectaculaire et théâtral Starlings Planet, qui a injecté une sensibilité gothique dans un mélange agréablement dérangé de Peter Hamill et d’electronica vintage, ainsi que I See Horses, un deuxième effort ambitieux qui a vu un album entier de matériel mixé (par Melmoth The Wanderer) en une seule suite composite avec un grand succès. La capacité de Roberts à canaliser un certain nombre d’influences dans un ensemble cohérent et engageant, tout en sonnant tout à fait différent de n’importe qui d’autre, est une caractéristique qui rapporte et récompense à plusieurs reprises. Sa voix distinctive, immédiatement identifiable, peut évoquer un drame authentique, tout en étant aussi à l’aise pour chuchoter des secrets étouffés. C’est cet ensemble de compétences, parfois ludiques, souvent troublantes, et cette approche singulière qui confèrent au nouvel album, Crow Spanner,, une allure véritablement excitante et addictive. La variété bienvenue de sons, de styles et de croisements de genres est présente, mais tout cela reste résolument Zeuk. L’album a donc un point commun et un flux distinctif, tout en offrant une sorte de visite magique et mystérieuse, avec une imprévisibilité agréable et de nouveaux plaisirs étranges à chaque coin ou tournant.

Un dialogue répété de « thank you and goodbye » donne une ouverture excentrique et engageante, avant de se dissoudre rapidement dans les rythmes électroniques et les éclats de guitare new wave de « Crow Time » ». Rappelant à la fois Current 93 et Wire (comment réussit-il cette combinaison improbable ?), le mantra répété du titre de la chanson et l’étrangeté de l’écho et de la réverbération sont immédiatement envoûtants et intrigants, nous invitant à descendre dans le terrier du lapin personnel de Zeuk. « If I Were A Clock adopte également une approche stridente sur  » »Chairs Missing « , avec une boîte à rythmes et une attaque de guitare lo-fi et dépouillée, mais le morceau sonne toujours aussi énorme, dramatique et stratifié. Des rugissements et des hurlements étranges et à rebours imprègnent l’arrière-plan ; avec Zeuk, ces détails sont placés de manière experte pour un maximum d’étrangeté, projetant des ombres et des formes inhabituelles. I »’m Mad As Hell » tisse un motif de clavecin/sitar dans le style de Ipcress File sur une électronique et des cordes frémissantes, le protagoniste proclamant qu’il est fou à lier et qu’il n’en peut plus(, tandis qu’unchant de castrat façon Klaus Nomi s’harmonise derrière. Inquiétant et excitant, il y a peu de choses qui sonnent comme ça. Si l’acid folk de la fin des années 60 et du début des années 70 prenait des formes de chansons et des genres reconnus (comme le folk ou le folk rock) et les tordait de manière lysergique avec ses propres sensibilités et valeurs, ceci est un équivalent moderne, et c’est glorieusement inventif.

À partir de cela, «  Tides » nous ramène au monde de la psycho-folk, et à un Zeuk particulièrement nostalgique et croisé. Une belle tristesse plane sur la chanson, mettant en vedette Roberts et sa guitare accompagnés de percussions discrètes ; le résultat est calmement et doucement puissant dans son attraction émotionnelle. « A Northern Shining » suit le même chemin, mais avec un sourire plus espiègle à la Syd Barrett, tandis que  » « Doppelganger » prend une autre direction, ajoutant une touche électronique infusée de dub et une basse Jah Wobble à une tranche gothique effrayante d’expérimentalisme, plus proche de « Metal Box » de PIL que de The Incredible String Band. Cependant, nous sommes ensuite ramenés dans les prairies d’été pour l’exquise et folklorique « One Way Ticket (Oh Man !) », une agréable torsion entre différents paysages. Ce sont les nombreuses facettes de Zeuk, qui reçoivent toutes l’attention qu’elles méritent. Ensuite, « I Am A Cloud (Oh Yes) ! » est une œuvre insistante et urgente d’electronica vintage, avec un soupçon de Bauhaus dans le sang, et « Webs » » une comptine délicate et tordue, remplie d’enregistrements de terrain, de chants d’oiseaux et d’éclats subtils de mellotron. « Twilight of Ice » entrera dans le domaine de l’ambient, avec des synthés à la dérive, des échos de guitare à retardement et une voix d’enfant qui entonne impassiblement à travers les étoiles, dans les vastes cieux. Imposant et d’une beauté chaleureuse, ce morceau démontre encore un autre attribut ou une autre facette de l’univers singulier de Zeuk, et il est le bienvenu. La dernière chanson, «  Looking for Huxley « , est un morceau vintage de psychédélisme parfait, une chanson folk de chambre mélancolique qui combine fantaisie et mélancolie séduisante pour constituer un point culminant de l’album.

Crow Spanner est donc une mosaïque ou une tapisserie en technicolor d’étrangeté, de tristesse, de joie et d’étrangeté, un collage de couleurs à la fois enivrant et constamment captivant ; ces chansons vous collent à la peau et se logent dans vos pensées et votre imagination. Bien qu’elles puissent présenter une armoire à curiosités, elles sont également très mélodiques, Zeuk ayant une oreille attentive pour les harmonies et les accroches. Ils sont également émouvants ; parfois, la chaleur et l’honnêteté des enregistrements peuvent ressembler à une conversation intime entre Roberts et l’auditeur. Tout à fait unique et hautement recommandé.tant chaque maisonnée a besoin des bricolages addictifs d’une clé à molette (crow spanner).

****1/2


Daniel M. Griffin : « You’re Gonna Lose Your Mind »

21 mai 2021

Le monde actuel vous déprime-t-il ? Prenez alors une pilule de machine à remonter le temps vers l’univers coloré et vibrant d’antan avec ce disque conceptuel en analogique de Daniel Griffin, You’re Gonna Lose Your Mind. Préparez-vous à un voyage dans le terrier du lapin, à l’égal d’Alice au pays des merveilles. D’abord, on vous dit que vous allez perdre la tête, ensuite, vous n’en reviendrez pas, vous vous retrouverez au Tea Party Mad Hatters Attention, la magie est encore plus grande dans les morceaux de sucre que vous prendrez avec vos tasses de thé sans fond. 

Comme, donc, cee Chapelier Fou cher à Alice condamné à prendre éternellement du thé par la Reine de Cœur parce qu’il a assassiné le temps, ce vocaliste a été métaphoriquement institutionnalisé à la « Dr Winslow’s Clinic », il cherche donc du réconfort dans une dimension parallèle qu’il peut imaginer et créer avec des instruments des années 60. 

Son médicament, outre Lewis Carroll, a été une diète intraveineuse du Magical Mystery Tour des Beatles. L’influence de Lennon est particulièrement frappante au début et à des moments clés de la gamme vocale de Griffin. Assis dans un jardin anglais, attendant le soleil, ce natif de l’Ohio a très probablement gelé à force de rester debout dans la neige. La réverbération de la voix ajoute une touche surréaliste à ses paroles et à ses inflexions, comme s’il chantait à travers le miroir. 

Griffin jette les bases de son shangri-La imaginaire dans le lucide « There’s A Place You Can Go », en chantant « Je ne sais pas tout ce qu’il y a à savoir mais je sais que ces endroits n’existent pas, en dehors de votre esprit… » (I don’t know everything there is to know but I know these places don’t exist, outside your mind…).

Dans cet air réjouissant qu’est « A Thousand Symphonies », Daniel Griffin décrit le fruit de son imagination sous influence médicale : « et bien que je ne puisse pas bouger, tous les détails étaient fluides. Je voyais les touches et elles bougeaient à leur guise… mille symphonies et la foule était à genoux… » (and though I couldn’t move, all the details were smooth. I saw the keys and they moved as they pleased…a thousand symphonies and the crowd was on her knees…).

« Digital Faultline » atteint un point culminant de transformation dans le disque, où l’on peut se sentir glisser subrepticement mais définitivement dans une dimension d’un autre monde. Cette étrange vibration atmosphérique oscille et repose dans les tonalités de la chanson et, bien que fermement ancrée dans une autre époque, elle présente des similitudes avec le morceau d’ouverture du disque de Granddaddy, The Sophtware Slump, elle déclenche des sensations organiques.

Dans ce labyrinthe intemporel d’indices, de couches et de métaphores décalés et imprévisibles, c’est à l’auditeur de relier les points pour donner un sens à sa propre expérience, ce qui est l’un des atouts d’une œuvre d’art car celle-ci ne doit jamais être auto-explicative mais plutôt laisser place à l’interprétation personnelle, ce qui implique une stimulation et une expansion de l’esprit. Victor Hugo a dit que l’imagination était « l’intelligence en érection ». Ce disque est un rappel intelligent de chercher quelque chose de sous-jacent dans tout ce que nous entendons.

****


Electric Looking Glass: « Somewhere Flowers Grow »

17 mai 2021

« Une pilule vous rend plus grand et une pilule vous rend plus petit – allez demander à Alice quand elle fera trois mètres de haut » (One pill makes you larger and one pill makes you small – go ask Alice when she’s ten feet tall). Suivez ce quatuor de LA dans le terrier du lapin et vous trouverez ce miroir électrique en technicolor avec le premier album de ce groupe hétéroclite. ELG est une concoction charismatique de Carnaby Street, prenant une dose de The Left Banke avec une pincée de The Beatles et une pincée de Small Faces. Ce quatuor de pop baroque nous offre une rêverie de printemps 1967 avec ce Somewhere Flowers Grow, en provenance de Los Angeles, CA. 

Electric Looking Glass, c’est est la somme de leurs influences. Cet album est enrobé de soleil et de power pop avec une fantaisie et une excentricité qui est à la fois charmante et infiniment réconfortante. Avec des visuels rappelant les Monkees et une garde-robe rivalisant avec celle de Procul Harum, vous serez ensorcelés par leur mellotron magique, leur hammond miroitant, leurs guitares sautillantes et leur clavecin chantant. Ce disque vous transportera à travers le vortex temporel vers le Londres des années 60, en pleine effervescence.

Avec chacun de ses membres aux talents si éclectiques, ELG est la marmelade du goûter du chapelier fou, composé d’Arash Mafi, Brent Randall, Johnny Toomey et Danny Winebarger. Vivant dans leur propre pays des merveilles analogique anglophile, la nostalgie qui coule à flot dans le son baroque est capturée si parfaitement, si bien qu’on ne penserait pas du tout à remettre en question leur origine. Véritable melting-pot de sons poivrés, SFG rappelle les Londoniens d’Honeybus et le duo power pop des années 60 Lyme and Cybelle. Pas de doute, ça sonne comme une vraie affaire.

Le premier titre « Purple, Red, Green, Blue & Yellow » est un hommage affectueux et rappelle « Pink Purple Yellow and Red » de The Sorrow. « Dream a Dream » est un citron confit de la variété Sgt Peppers, tandis que « Find Out Girl », avec ses changement de rythme , est un »Turkish Delight » plus sombre, guidé par les basses mais entraînant. Les chœurs surgissent d’un haut-parleur Leslie sur « Rosie in the Rain », faisant un clin d’œil à « Lucy In The Sky With Diamonds » des Beatles.

Nous devenons de plus en plus curieux et nous tomberons dans les nuages avec « Don’t Miss The Ride », un slow qui change l’esprit et les dimensions pour un joyeux non-anniversaire. Puis arrive le lièvre fou cher à Alice avec « Holiday », une composition baroque harmonieusement orchestrée avec des paroles lugubres, sombres et existentielles qui déclarent avec nostalgie  » »l y a trop de douleur dans le monde aujourd’hui… il pourrait en être de même demain… » (there’s too much pain in the world today…it might be the same tomorrow…), demandant à l’auditeur de mettre de côté ses opinions politiques et religieuses, et poursuivant avec optimisme avec un unificateur « Come together let’s outshine the sun » (Ensemble, éclipsons le soleil). C’est un refuge gentiment sentimental pour tous les fumeurss de narguilé. 

Nous nous retrouvons ensuite transportés de façon fantaisiste à l’étage du « Daffodil Tea Shoppe », un salon de thé perpétuel où chaque jour est un dimanche. On dirait une face B de Tomorrow, un groupe obscur des années 60, avec un jeu de piano joyeux et des voix spectaculaires dignes de Lennon. « Death of A Season » est également l’une de nos chansons préférées, magnifiquement poétique – elle résume cette sensation d’heure dorée de la transition de l’été vers la mélancolie douce-amère de l’automne. Pour terminer l’album avec « If I Cross Your Mind », c’est un doux retour à la réalité où le miroir est plus clair, mais où l’on se languit toujours de cet endroit où les fleurs poussent. Ce LP ne manquera pas de vous faire sourire, c’est vraiment un must pour l’amateur et le collectionneur de musique baroque. Ce premier album est une ode à la nostalgie, un avant-propos à la fantaisie et un amour artisanal pour les genres psych et pop baroque.

****1/2


Hello Forever: « Whatever It Is »

5 octobre 2020

« This is hello forever » est le mantra de Hello Forever sur « Farm On The Mountaintop », un morceau qui se démarque de leur disque, Whatever It Is. C’est un titre sucré, livré avec une sincérité et un fond de béatitude que vous ne trouverez pas souvent aujourd’hui, bien qu’il ait été constant pendant la plus grande partie des années 60 dans la musique rock la plus populaire.

Si les derniers efforts artistiques de ce groupe talentueux peuvent être qualifiés de quelconques, c’est un vrai bonheur. Whatever It Is est une ode forte à l’époque des Beatles, avec une belle écriture et une instrumentation de Hello Forever qui ne parvient jamais à être cliché, simplement joyeux. 

La plus grande force de Whatever It Is est son paysage sonore : si vous pouvez imaginer l’album qui jouerait pendant que vous roulez dans un champ de fleurs sous le regard du soleil des Teletubbies, c’est cet album. Les harmonies vocales folkloriques sont abondantes, combinées aux accroches collantes de morceaux comme le dense « Some Faith ». Les beats sont toujours en construction, avec l’ajout d’un nouveau riff de guitare ou d’un roulement de batterie à chaque section, cela crée une dynamique merveilleuse à côté de productions plus modernes comme dans le méditatif « Rise ».

Josephh ajoute une autre couche à chaque chanson ; c’est un appel de sirène aigu qui parvient à envelopper les moments excitants et calmes dans un archet soigné. « Yeah Like Whatever » est un excellent exemple de cette force vocale. 

Malgré l’ambiance amusante et agréable du disque, Hello Forever ne renonce pas au volume ni à l’expérimentation. « Natural » comporte beaucoup de guitare floue ; « Get it Right » est une chanson rock à plusieurs phases qui ne parvient jamais à devenir confuse ou disjointe, chaque section saignant merveilleusement l’une dans l’autre. La richesse du son et de l’atmosphère de l’album est comme un dîner de Thanksgiving ; chaque fois que vous pensez en avoir assez, un nouveau son ou instrument apparaît comme un accompagnement pour vous empiffrer encore plus.

Du côté lyrique de Whatever It Is, la béatitude continue, mais non sans une bonne dose de tension. L’amour, la réalisation de soi et la confusion sont autant d’éléments de l’écriture des chansons du groupe qui s’avèrent efficaces et même touchants par moments. « I Want to Marry You » »est une belle ballade ; la sincérité du chant de Joseph capture le sentiment d’affection éternelle. « Created For Your Love » est une ode intéressante à l’exploration et à l’appréciation des relations à distance ; l’acoustique solitaire et les cloches mélancoliques soulignent la situation désespérée d’une manière d’une beauté obsédante. La meilleure façon de décrire l’écriture ici est de se réjouir personnellement – même lorsque le groupe est à terre, il parvient toujours à trouver la lumière quelque part, que ce soit dans un être cher ou dans son environnement. 

La positivité n’est pas quelque chose que l’on trouve dans beaucoup de musique indie aujourd’hui, et c’est pourquoi Whatever It Is fonctionne pour moi, et fonctionnera sans doute pour vous. C’est une ode énorme, peut-être trop grande, à la musique pop des Beatles, mais elle ne devient jamais trop nostalgique. C’est la musique du bonheur, qui vaut la peine d’être écoutée pour ses morceaux lyriques et instrumentaux uniques. Découvrez la musique des Beatles !

***1/2