Kurt Vile: « (watch my moves) »

14 avril 2022

(watch my moves), le neuvième album de Kurt Vile, ressemble à l’aboutissement de toute sa carrière jusqu’à ce jour. C’est à la fois un retour à ses premiers enregistrements « en chambre », bien que d’une fidélité bien supérieure, et une maturation dans un nouveau domaine de l’écriture de chansons et du processus créatif.

Il y a une qualité organique et terreuse dans le son de ces chansons, celle d’un artiste qui s’est enraciné dans un endroit après des années de voyage et de recherche. À la première écoute de « Mount Airy Hill (Way Gone) », le dernier single avant la sortie de l’album, il y avait une légère réminiscence d’un autre grand auteur-compositeur américain, Townes Van Zandt. Cela ne veut pas dire que ce morceau sonne comme un morceau de Van Zandt, mais il y a une qualité commune, une qualité qui témoigne des années passées dans le métier.

Tous les mécanismes de Vile – le tourbillon de synthétiseurs psychopompes, les guitares distordues et floues, les voix lourdes de réverbération – qui sont devenus synonymes de sa musique depuis son premier album solo de 2008, Constant Hitmaker, sont présents, mais une nouvelle chaleur clairement audible se dégage de l’ensemble. Lorsque l’on apprend que la majorité de l’album a été enregistrée dans le nouveau home studio de Vile, OKV Central, sur une console à tubes ayant appartenu à l’emblématique maestro du jangle-pop Mitch Easter, il est facile de comprendre d’où vient cette chaleur supplémentaire. Faisant écho à cette idée, Vile a récemment expliqué : « Mon passe-temps favori aujourd’hui est de m’asseoir le matin après le petit-déjeuner près de la fenêtre pour boire du café, lire et écouter Sun Ra, le soleil brillant à travers les arbres de la forêt ». Cela explique non seulement où il se trouvait dans sa tête lorsqu’il a créé (watch my moves), mais c’est aussi un excellent conseil pour l’écouter la première fois – alors que le soleil du début du printemps traverse la fenêtre de mon salon, j’en suis à ma deuxième tasse de café et à ma deuxième écoute de l’album.

Tout au long de l’album, les deux principales forces de Vile sont clairement mises en évidence. En plus de se placer au sommet de la catégorie des auteurs-compositeurs de ces quinze dernières années, Vile a également prouvé qu’il était l’un des meilleurs collaborateurs musicaux de cette période. Cette tendance se poursuit avec un certain nombre d’invités de choix sur (watch my moves), comme la chanteuse galloise d’avant-pop Cate Le Bon, qui ajoute sa voix et son piano sur la chanson électro-folk très subtile « Jesus on a Wire », James Stewart de Sun Ra Arkestra, qui met son sax ténor au service de l’exercice de sept minutes « Like Exploding Stones », se mêlant aux synthétiseurs Moog et aux guitares distordues pour donner une teinte cosmique au son, ou encore la participation de Chastity Belt à « Chazzy Don’t Mind », l’ode de Vile au quartet de Walla Walla, Washington. Tous les invités sont parfaitement placés, chacun apportant de la profondeur et des contours à l’ambiance générale de l’album.

Un aspect ludique traverse également l’album, comme la simple berceuse d’ouverture « Goin’ on a Plane Today » qui évoque la nature surréaliste de sa vie de musicien itinérant, l’utilisation de boucles de bande magnétique à l’envers sur « Palace of OKV in Reverse » et le court instrumental atmosphérique « (shiny things) ». Si l’écriture de chansons est une affaire sérieuse, elle ne doit pas se faire au détriment de l’amusement, qui a peut-être autant à voir avec le fait de devenir père de deux jeunes filles qu’avec le fait de mûrir en tant qu’artiste. Un coup d’œil à l’excellente image de la pochette ou une écoute des paroles de « Hey Like a Child » suffit à prouver qu’il s’agit d’un homme heureux de sa vie de famille.

Une autre caractéristique récurrente de Vile dans tous ses albums est le fait qu’il est autant un fan de musique qu’une personne qui la crée. S’il a toujours été un musicien qui a tracé sa propre voie, il n’hésite jamais à parler de ses influences, citant par exemple Neil Young dans « Goin’ on a Plane Today ». Plus directement encore, Vile rend hommage à l’une de ses pierres de touche musicales les plus influentes, Bruce Springsteen, avec une reprise de « Wages of Sin », une chanson profonde.

« Born In The USA », extrait du coffret Tracks. Comme sa reprise de « Downbound Train » de Springsteen sur l’EP So Outta Reach en 2011, Vile montre à quel point la musique de Springsteen a compté pour lui, tout en donnant à la chanson juste assez de KV pour la faire sienne. On pourrait dire que (watch my moves) est un cachet de carrière, qui marque la fin du premier chapitre et le début du suivant. Il n’y a vraiment aucun point faible sur l’album, et bien qu’il faille un certain temps pour attacher des souvenirs particuliers à ces chansons comme les fans l’ont fait avec ses anciens albums, après un certain temps, celui-ci pourrait s’avérer être le meilleur du lot. Si vous n’êtes pas sûrs, versez-vous une tasse de café et allez vous asseoir dans un rayon de soleil, et laissez ces 15 chansons vous envahir.

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Zeuk: « Minutes »

14 avril 2022

Zeuk, alias Marc Roberts, poète et musicien psychédélique basé à Cardiff, poursuit une vision hautement créative et audacieusement singulière depuis le premier album, Zeuk en 2013 sur le label Reverb Worship. Mélange de folk acide feutré et séduisant et de puissance émotionnelle sombre à la Peter Hammill, l’album a immédiatement annoncé Roberts comme une pierre angulaire de la nouvelle scène folk wyrd qui bouillonnait à la surface à cette période. I See Horses, l’album suivant, est encore plus ambitieux et affine les influences de Robert en un style unique et reconnaissable, mais toujours agréablement imprévisible. Parsemé d’images d’hippocampes et de personnages ou d’histoires excentriques, cet album en particulier semble destiné à être redécouvert comme un trésor caché de la même manière que le travail de Mark Fry, Perry Leopold ou Bill Fay. La métamophose de Roberts en tant que Zeuk, Crow Spanner (après le projet glam psych magnifiquement dérangé et dramatique Starlings Planet), était, en 2021, une offre magnifiquement éclectique, suggérant des points de référence disparates tels que Wire, Klaus Nomi et Current 93, et le nouveau long player Minutes continue dans cette veine de pie à un grand effet.

S’ouvrant sur la magnifique et brève fantaisie acid folk de ‘Electric Daisy’ avant de se transformer en un sinistre ‘Emily’s Mask’ à la Paul Roland, il est immédiatement évident qu’il s’agit d’un projet pour lequel Roberts s’est fixé des paramètres créatifs stricts (à savoir la longueur des chansons – les vingt-trois morceaux durent tous une minute ou moins) mais a laissé libre cours à sa sensibilité mélodique. De la comptine hallucinatoire de « My Name is Jason » à l’électronique démente et aux chants d’enfants sur le T. Rex-isme gothique de « I Am (The Meat Man) », il s’agit peut-être de vignettes aux couleurs expérimentales, mais ce sont aussi des chansons bien formées et des vers d’oreille qui hanteront et raviront longtemps après coup. Parmi les points forts, citons la sinistre ballade folk « Margate », un instantané de style médiéval avec un soupçon de quelque chose de vraiment traumatisant, les explorations hypnotiques à la guitare psychique de la percutante « Most People » et les cordes rampantes et enveloppantes qui enveloppent la chanson condamnée de « The Museum of Broken Relationships ».

Ailleurs, les guitares déchiquetées et les nuances de Van Der Graf Generator qui imprègnent « Mushrooms » dégagent un véritable air de désespoir, tandis que le doigté tremblant et les murmures inquiétants de « A Nation of Lemmings » évoquent peut-être l’état désastreux du Royaume-Uni aujourd’hui. Les tourbillons de synthé analogique ritualisés de « Negative Norm » contiennent certainement plus d’une soucoupe de secrets, et le romantisme de « Opal Eyes », soutenu par un orgue Hammond, est un véritable joyau, une mini-symphonie psychique. La voix stridente et évocatrice de Roberts est mise en avant sur l’acoustique « A National Debate » et est ensuite enveloppée d’un écho somnambulique pour « Sleepwalking » ; en effet, la voix de Marc est l’élément le plus immédiatement reconnaissable et cohérent tout au long de l’album, fournissant un fil conducteur fort entre les chansons et, même dans ce cas, il l’utilise comme un instrument ou un outil pour lui permettre de jouer avec différentes humeurs, personnages et récits. Il faut également mentionner l’éventail d’instruments et de genres musicaux que Zeuk traverse au cours de ce voyage tourbillonnant, des guitares new wave à la John McGeoch aux touches Floydiennes et à la délicate rêverie acoustique des doigts.

Zeuk est donc un cas unique, quelque chose de spécial et d’unique, un véritable artiste. Résistant à toute forme de catalogage, il est proprement psychédélique dans le sens où il explore volontairement d’autres mondes, possibilités et perceptions altérées en dehors de la norme, avec un abandon prudent, puis nous en fait part. Il y a aussi quelque chose d’extrêmement addictif et intriguant, ainsi que de stimulant, dans un album de chansons d’une minute ; il y a un sentiment de désorientation agréable lorsque nous sautons d’un récit ou d’un style à un autre, tout en sachant qu’un autre sera bientôt en route. Il n’y a personne comme Zeuk dans le milieu de la psychologie d’aujourd’hui, passez quelques minutes avec lui et sa muse, vous ne le regretterez pas.

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Various: « Think I’m Going Weird »

1 novembre 2021

Sous-titré Original Artefacts From The British Psychedelic Scene (1966-1968), le label Grapefruit Records atteint sa centième sortie en beauté avec un coffret 5CD au format livre.

Ah, les années 60, une époque de Beatlemania, de rébellion rock n’ roll, de pop dominant les hit-parades, de trois chaînes de télévision et d’exploration spatiale. Alors que le monde était fasciné par ce qui se trouvait au-delà de notre propre planète, à la fin des années 1960, les amateurs de musique du monde entier découvraient d’autres façons de « sortir » et de « devenir un homme cosmique » grâce aux scènes psychédéliques qui avaient vu le jour dans le monde entier. Bien qu’ils soient souvent liés à San Francisco, de nombreux musiciens en dehors de la Californie se sentaient également étrangers à la culture dominante et aux attentes de la société, surtout ici au Royaume-Uni. 

Que ces groupes se considèrent ou non comme faisant partie d’un mouvement plus large à l’époque, ils avaient tous une chose en commun : le désir de donner une nouvelle direction à la musique pop. Des morceaux plus sombres et expérimentaux aux mélodies estivales et brumeuses, la scène psychédélique britannique a annoncé une nouvelle ère de la musique moderne. Cette nouvelle compilation de cinq albums rassemble ce qui doit être la grande majorité de la musique psychédélique réalisée à cette époque.

Musicalement, on y trouve quelques grands noms, avec des versions alternatives de chansons ou des morceaux plus profonds de l’album, comme « Lazy Old Sun » des Kinks, et The Status Quo avant qu’ils ne découvrent le double denim, avec « Sunny Cellophane Skies » de leur album psychédélique Picturesque Matchstick Message From The Status Quo. Le Nirvana des années 60 y trouve un titre avec « The Touchables (All Of Us) « , tout comme des groupes tels que The Move avec « Walk Upon The Water », Tyrannosaurus Rex avec Marc Bolan au meilleur de son folk psychédélique avec « Beyond The Rising Sun « , et les rois du psych pop The Zombies avec « Hung Up On A Dream «  tiré du légendaire album Odessey And Oracle.

Mais ce qui nous intrigue tout autant, ce sont les noms de groupes franchement ridicules, qui masquent un morceau génial que vous n’auriez probablement jamais découvert sans cette compilation. Saluez Granny’s Intentions avec votre morceau brillamment bizarre « The Story Of David », et Boeing Duveen And The Beautiful Soup avec un nom qui, de l’aveu même de Boeing, est « un nom des années 60 génial, on ne peut pas faire pire, même en essayant ! ». Il était également copain avec Syd Barratt et Roger Waters de Pink Floyd et a plus tard changé son nom en Hank Wangford, se transformant en chanteur de country.  Pour ne pas être en reste sur le plan des noms de groupes, il y a Mabel Greer’s Toyshop avec un morceau flottant et lunatique intitulé « Jeanetta », qui est devenu par la suite les géants du prog rock à une syllabe, Yes.

Et puis il y a les Mancuniens bizarrement merveilleux, Wimple Winch, et leur harmonieux morceau de rock « Rumble On Mersey Square South » avec son commentaire social sur la guerre entre gangs à Stockport !  Dans le registre des noms de groupes plus mignons, nous trouvons The Tickle avec le morceau pop jangly « Rose Coloured Glasses » et Blossom Toes avec le morceau de pop excentrique « What On Earth ».

L’intérêt de ce genre de compilations n’est pas seulement de revisiter des chansons que vous avez peut-être déjà appréciées, mais aussi de découvrir tout un tas de morceaux que vous n’auriez jamais entendus autrement, qu’il s’agisse de groupes connus ou de groupes plus obscurs. Avec 122 chansons à découvrir, il y a de quoi occuper vos oreilles, et le fait qu’il soit présenté dans un livre cartonné brillant de 60 pages avec des illustrations exceptionnelles ajoute encore à l’attrait. Il y a trop d’excellente musique pour la condenser dans une seule critique, mais avec onze titres inédits, et beaucoup de titres qui sont restés dans l’ombre pendant des décennies, Grapefruit Records a triomphé une fois de plus avec ce coffret, leur 100e sortie en tant que label. Ce coffret est destiné à la fois aux inconditionnels et aux curieux.

****1/2


The Cleaners From Venus: « Penny Novelettes »

19 juillet 2021

Penny Novelettes est la toute nouvelle version et le dernier joyau à ajouter à la couronne de The Cleaners From Venus, alias Martin Newell, dont les récits intemporels sur la vie provinciale, de l’amour et de tous les points intermédiaires ont fermement établi son travail dans la grande tradition des auteurs-compositeurs-interprètes anglais. 

S’inspirant de thèmes contemporains mais familiers aux adeptes de ce pionnier de l’underground DIY, l’album regorge d’histoires nostalgiques d’amour perdu et d’observations sur la vie quotidienne des Anglais. Comme le titre de l’album l’indique, les chansons de cette collection contiennent des histoires racontées de manière classique qui peuvent être considérées comme des vignettes individuelles de l’existence d’une petite ville ou comme un commentaire sur la société britannique moderne.

Le titre « Penny Novelettes » est le récit poignant mais léger d’un livreur démodé qui est « un retour à une époque bien antérieure » (a throwback to some much earlier time) et qui s’habille comme « le père de son père » (his dad’s dad), qui finit par trouver le grand amour avec une fille du coin, comme l’auraient fait les générations précédentes de sa famille. Évoquant la mélancolie de la meilleure œuvre de Ray Davis, l’acceptation par les personnages du fait que leur mariage ne doit pas être comparé à celui de Meghan et Harry met en évidence une acceptation sans réserve de leur chemin de vie et une incapacité à envisager que cela puisse changer un jour.

« Estuary Boys » dresse un tableau saisissant de la culture « dépensez comme vous gagnez » (spend as you earn) de la société britannique moderne. À la fin de chaque semaine, la vieille couronne ternie au-dessus de la ville brille sur ses habitants qui parlent de voyages en Thaïlande ou à Berlin et trouvent des clients pour le « Paco Rabanne à l’arrière de la camionnette » garée sur le parking du pub. La voix vive de Newell et l’instrumentation enjouée illustrent l’attitude joyeuse et insouciante de tous ceux qui ont l’expérience de cet élément de la vie britannique.

A l’opposé, « Flowers of December » est une évocation onirique de l’amour perdu, avec un thème instrumental insistant, des riffs de guitare qui s’entrechoquent et une voix éthérée. Le « cygne sans espoir » de la chanson qui nage dans la rivière semble incapable d’échapper aux souvenirs du passé qui laissent un désir ardent de jours meilleurs. Les effets et l’instrumentation tout au long de la chanson font penser à un morceau perdu depuis longtemps, extrait d’une session d’enregistrement inédite de Revolver.

Le commentaire social de « Statues » est couplé à un son qui rappelle l’apogée de la power pop. Les solos de guitare classiques et les harmonies vocales se combinent pour aborder des questions contemporaines telles que la pandémie de grippe, l’agitation sociale et l’aide financière aux pauvres. Les plaidoyers persuasifs de l’auteur en faveur du changement sont mis en valeur par une mélodie accrocheuse caractéristique et un arrangement dynamique. 

Sur les 14 pistes de cet ajout bienvenu au catalogue considérable de Newell, Penny Novelettes capte l’imagination de l’auditeur en peignant une image des temps passés et présents, chaque chanson mettant en scène des personnages différents et dépeignant des événements à la fois exceptionnels et banals, afin de mettre en lumière les parties de la Grande-Bretagne que nous avons aimées et perdues et celles qui, pour le meilleur ou pour le pire, demeurent.

***1/2


Zeuk: « Crow Spanner

25 mai 2021

Zeuk, alias Marc Roberts, troubadour psychédélique basé à Cardiff, a poursuivi un chemin artistique toujours curieux et créatif depuis la sortie de son premier album,, Zeuk,, en 2013 . Il s’agissait d’un mo opus glorieux, intime et très personnel d’acid folk peint dans des couleurs sauvages et romantiques et orné d’images d’hippocampes et d’améthystes, Zeuk était magnifiquement hors du temps et du lieu, et il a été accueilli avec vénération par ceux qui ont rencontré ses charmes. Depuis, il y a eu le projet spectaculaire et théâtral Starlings Planet, qui a injecté une sensibilité gothique dans un mélange agréablement dérangé de Peter Hamill et d’electronica vintage, ainsi que I See Horses, un deuxième effort ambitieux qui a vu un album entier de matériel mixé (par Melmoth The Wanderer) en une seule suite composite avec un grand succès. La capacité de Roberts à canaliser un certain nombre d’influences dans un ensemble cohérent et engageant, tout en sonnant tout à fait différent de n’importe qui d’autre, est une caractéristique qui rapporte et récompense à plusieurs reprises. Sa voix distinctive, immédiatement identifiable, peut évoquer un drame authentique, tout en étant aussi à l’aise pour chuchoter des secrets étouffés. C’est cet ensemble de compétences, parfois ludiques, souvent troublantes, et cette approche singulière qui confèrent au nouvel album, Crow Spanner,, une allure véritablement excitante et addictive. La variété bienvenue de sons, de styles et de croisements de genres est présente, mais tout cela reste résolument Zeuk. L’album a donc un point commun et un flux distinctif, tout en offrant une sorte de visite magique et mystérieuse, avec une imprévisibilité agréable et de nouveaux plaisirs étranges à chaque coin ou tournant.

Un dialogue répété de « thank you and goodbye » donne une ouverture excentrique et engageante, avant de se dissoudre rapidement dans les rythmes électroniques et les éclats de guitare new wave de « Crow Time » ». Rappelant à la fois Current 93 et Wire (comment réussit-il cette combinaison improbable ?), le mantra répété du titre de la chanson et l’étrangeté de l’écho et de la réverbération sont immédiatement envoûtants et intrigants, nous invitant à descendre dans le terrier du lapin personnel de Zeuk. « If I Were A Clock adopte également une approche stridente sur  » »Chairs Missing « , avec une boîte à rythmes et une attaque de guitare lo-fi et dépouillée, mais le morceau sonne toujours aussi énorme, dramatique et stratifié. Des rugissements et des hurlements étranges et à rebours imprègnent l’arrière-plan ; avec Zeuk, ces détails sont placés de manière experte pour un maximum d’étrangeté, projetant des ombres et des formes inhabituelles. I »’m Mad As Hell » tisse un motif de clavecin/sitar dans le style de Ipcress File sur une électronique et des cordes frémissantes, le protagoniste proclamant qu’il est fou à lier et qu’il n’en peut plus(, tandis qu’unchant de castrat façon Klaus Nomi s’harmonise derrière. Inquiétant et excitant, il y a peu de choses qui sonnent comme ça. Si l’acid folk de la fin des années 60 et du début des années 70 prenait des formes de chansons et des genres reconnus (comme le folk ou le folk rock) et les tordait de manière lysergique avec ses propres sensibilités et valeurs, ceci est un équivalent moderne, et c’est glorieusement inventif.

À partir de cela, «  Tides » nous ramène au monde de la psycho-folk, et à un Zeuk particulièrement nostalgique et croisé. Une belle tristesse plane sur la chanson, mettant en vedette Roberts et sa guitare accompagnés de percussions discrètes ; le résultat est calmement et doucement puissant dans son attraction émotionnelle. « A Northern Shining » suit le même chemin, mais avec un sourire plus espiègle à la Syd Barrett, tandis que  » « Doppelganger » prend une autre direction, ajoutant une touche électronique infusée de dub et une basse Jah Wobble à une tranche gothique effrayante d’expérimentalisme, plus proche de « Metal Box » de PIL que de The Incredible String Band. Cependant, nous sommes ensuite ramenés dans les prairies d’été pour l’exquise et folklorique « One Way Ticket (Oh Man !) », une agréable torsion entre différents paysages. Ce sont les nombreuses facettes de Zeuk, qui reçoivent toutes l’attention qu’elles méritent. Ensuite, « I Am A Cloud (Oh Yes) ! » est une œuvre insistante et urgente d’electronica vintage, avec un soupçon de Bauhaus dans le sang, et « Webs » » une comptine délicate et tordue, remplie d’enregistrements de terrain, de chants d’oiseaux et d’éclats subtils de mellotron. « Twilight of Ice » entrera dans le domaine de l’ambient, avec des synthés à la dérive, des échos de guitare à retardement et une voix d’enfant qui entonne impassiblement à travers les étoiles, dans les vastes cieux. Imposant et d’une beauté chaleureuse, ce morceau démontre encore un autre attribut ou une autre facette de l’univers singulier de Zeuk, et il est le bienvenu. La dernière chanson, «  Looking for Huxley « , est un morceau vintage de psychédélisme parfait, une chanson folk de chambre mélancolique qui combine fantaisie et mélancolie séduisante pour constituer un point culminant de l’album.

Crow Spanner est donc une mosaïque ou une tapisserie en technicolor d’étrangeté, de tristesse, de joie et d’étrangeté, un collage de couleurs à la fois enivrant et constamment captivant ; ces chansons vous collent à la peau et se logent dans vos pensées et votre imagination. Bien qu’elles puissent présenter une armoire à curiosités, elles sont également très mélodiques, Zeuk ayant une oreille attentive pour les harmonies et les accroches. Ils sont également émouvants ; parfois, la chaleur et l’honnêteté des enregistrements peuvent ressembler à une conversation intime entre Roberts et l’auditeur. Tout à fait unique et hautement recommandé.tant chaque maisonnée a besoin des bricolages addictifs d’une clé à molette (crow spanner).

****1/2


Daniel M. Griffin : « You’re Gonna Lose Your Mind »

21 mai 2021

Le monde actuel vous déprime-t-il ? Prenez alors une pilule de machine à remonter le temps vers l’univers coloré et vibrant d’antan avec ce disque conceptuel en analogique de Daniel Griffin, You’re Gonna Lose Your Mind. Préparez-vous à un voyage dans le terrier du lapin, à l’égal d’Alice au pays des merveilles. D’abord, on vous dit que vous allez perdre la tête, ensuite, vous n’en reviendrez pas, vous vous retrouverez au Tea Party Mad Hatters Attention, la magie est encore plus grande dans les morceaux de sucre que vous prendrez avec vos tasses de thé sans fond. 

Comme, donc, cee Chapelier Fou cher à Alice condamné à prendre éternellement du thé par la Reine de Cœur parce qu’il a assassiné le temps, ce vocaliste a été métaphoriquement institutionnalisé à la « Dr Winslow’s Clinic », il cherche donc du réconfort dans une dimension parallèle qu’il peut imaginer et créer avec des instruments des années 60. 

Son médicament, outre Lewis Carroll, a été une diète intraveineuse du Magical Mystery Tour des Beatles. L’influence de Lennon est particulièrement frappante au début et à des moments clés de la gamme vocale de Griffin. Assis dans un jardin anglais, attendant le soleil, ce natif de l’Ohio a très probablement gelé à force de rester debout dans la neige. La réverbération de la voix ajoute une touche surréaliste à ses paroles et à ses inflexions, comme s’il chantait à travers le miroir. 

Griffin jette les bases de son shangri-La imaginaire dans le lucide « There’s A Place You Can Go », en chantant « Je ne sais pas tout ce qu’il y a à savoir mais je sais que ces endroits n’existent pas, en dehors de votre esprit… » (I don’t know everything there is to know but I know these places don’t exist, outside your mind…).

Dans cet air réjouissant qu’est « A Thousand Symphonies », Daniel Griffin décrit le fruit de son imagination sous influence médicale : « et bien que je ne puisse pas bouger, tous les détails étaient fluides. Je voyais les touches et elles bougeaient à leur guise… mille symphonies et la foule était à genoux… » (and though I couldn’t move, all the details were smooth. I saw the keys and they moved as they pleased…a thousand symphonies and the crowd was on her knees…).

« Digital Faultline » atteint un point culminant de transformation dans le disque, où l’on peut se sentir glisser subrepticement mais définitivement dans une dimension d’un autre monde. Cette étrange vibration atmosphérique oscille et repose dans les tonalités de la chanson et, bien que fermement ancrée dans une autre époque, elle présente des similitudes avec le morceau d’ouverture du disque de Granddaddy, The Sophtware Slump, elle déclenche des sensations organiques.

Dans ce labyrinthe intemporel d’indices, de couches et de métaphores décalés et imprévisibles, c’est à l’auditeur de relier les points pour donner un sens à sa propre expérience, ce qui est l’un des atouts d’une œuvre d’art car celle-ci ne doit jamais être auto-explicative mais plutôt laisser place à l’interprétation personnelle, ce qui implique une stimulation et une expansion de l’esprit. Victor Hugo a dit que l’imagination était « l’intelligence en érection ». Ce disque est un rappel intelligent de chercher quelque chose de sous-jacent dans tout ce que nous entendons.

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Electric Looking Glass: « Somewhere Flowers Grow »

17 mai 2021

« Une pilule vous rend plus grand et une pilule vous rend plus petit – allez demander à Alice quand elle fera trois mètres de haut » (One pill makes you larger and one pill makes you small – go ask Alice when she’s ten feet tall). Suivez ce quatuor de LA dans le terrier du lapin et vous trouverez ce miroir électrique en technicolor avec le premier album de ce groupe hétéroclite. ELG est une concoction charismatique de Carnaby Street, prenant une dose de The Left Banke avec une pincée de The Beatles et une pincée de Small Faces. Ce quatuor de pop baroque nous offre une rêverie de printemps 1967 avec ce Somewhere Flowers Grow, en provenance de Los Angeles, CA. 

Electric Looking Glass, c’est est la somme de leurs influences. Cet album est enrobé de soleil et de power pop avec une fantaisie et une excentricité qui est à la fois charmante et infiniment réconfortante. Avec des visuels rappelant les Monkees et une garde-robe rivalisant avec celle de Procul Harum, vous serez ensorcelés par leur mellotron magique, leur hammond miroitant, leurs guitares sautillantes et leur clavecin chantant. Ce disque vous transportera à travers le vortex temporel vers le Londres des années 60, en pleine effervescence.

Avec chacun de ses membres aux talents si éclectiques, ELG est la marmelade du goûter du chapelier fou, composé d’Arash Mafi, Brent Randall, Johnny Toomey et Danny Winebarger. Vivant dans leur propre pays des merveilles analogique anglophile, la nostalgie qui coule à flot dans le son baroque est capturée si parfaitement, si bien qu’on ne penserait pas du tout à remettre en question leur origine. Véritable melting-pot de sons poivrés, SFG rappelle les Londoniens d’Honeybus et le duo power pop des années 60 Lyme and Cybelle. Pas de doute, ça sonne comme une vraie affaire.

Le premier titre « Purple, Red, Green, Blue & Yellow » est un hommage affectueux et rappelle « Pink Purple Yellow and Red » de The Sorrow. « Dream a Dream » est un citron confit de la variété Sgt Peppers, tandis que « Find Out Girl », avec ses changement de rythme , est un »Turkish Delight » plus sombre, guidé par les basses mais entraînant. Les chœurs surgissent d’un haut-parleur Leslie sur « Rosie in the Rain », faisant un clin d’œil à « Lucy In The Sky With Diamonds » des Beatles.

Nous devenons de plus en plus curieux et nous tomberons dans les nuages avec « Don’t Miss The Ride », un slow qui change l’esprit et les dimensions pour un joyeux non-anniversaire. Puis arrive le lièvre fou cher à Alice avec « Holiday », une composition baroque harmonieusement orchestrée avec des paroles lugubres, sombres et existentielles qui déclarent avec nostalgie  » »l y a trop de douleur dans le monde aujourd’hui… il pourrait en être de même demain… » (there’s too much pain in the world today…it might be the same tomorrow…), demandant à l’auditeur de mettre de côté ses opinions politiques et religieuses, et poursuivant avec optimisme avec un unificateur « Come together let’s outshine the sun » (Ensemble, éclipsons le soleil). C’est un refuge gentiment sentimental pour tous les fumeurss de narguilé. 

Nous nous retrouvons ensuite transportés de façon fantaisiste à l’étage du « Daffodil Tea Shoppe », un salon de thé perpétuel où chaque jour est un dimanche. On dirait une face B de Tomorrow, un groupe obscur des années 60, avec un jeu de piano joyeux et des voix spectaculaires dignes de Lennon. « Death of A Season » est également l’une de nos chansons préférées, magnifiquement poétique – elle résume cette sensation d’heure dorée de la transition de l’été vers la mélancolie douce-amère de l’automne. Pour terminer l’album avec « If I Cross Your Mind », c’est un doux retour à la réalité où le miroir est plus clair, mais où l’on se languit toujours de cet endroit où les fleurs poussent. Ce LP ne manquera pas de vous faire sourire, c’est vraiment un must pour l’amateur et le collectionneur de musique baroque. Ce premier album est une ode à la nostalgie, un avant-propos à la fantaisie et un amour artisanal pour les genres psych et pop baroque.

****1/2


Hello Forever: « Whatever It Is »

5 octobre 2020

« This is hello forever » est le mantra de Hello Forever sur « Farm On The Mountaintop », un morceau qui se démarque de leur disque, Whatever It Is. C’est un titre sucré, livré avec une sincérité et un fond de béatitude que vous ne trouverez pas souvent aujourd’hui, bien qu’il ait été constant pendant la plus grande partie des années 60 dans la musique rock la plus populaire.

Si les derniers efforts artistiques de ce groupe talentueux peuvent être qualifiés de quelconques, c’est un vrai bonheur. Whatever It Is est une ode forte à l’époque des Beatles, avec une belle écriture et une instrumentation de Hello Forever qui ne parvient jamais à être cliché, simplement joyeux. 

La plus grande force de Whatever It Is est son paysage sonore : si vous pouvez imaginer l’album qui jouerait pendant que vous roulez dans un champ de fleurs sous le regard du soleil des Teletubbies, c’est cet album. Les harmonies vocales folkloriques sont abondantes, combinées aux accroches collantes de morceaux comme le dense « Some Faith ». Les beats sont toujours en construction, avec l’ajout d’un nouveau riff de guitare ou d’un roulement de batterie à chaque section, cela crée une dynamique merveilleuse à côté de productions plus modernes comme dans le méditatif « Rise ».

Josephh ajoute une autre couche à chaque chanson ; c’est un appel de sirène aigu qui parvient à envelopper les moments excitants et calmes dans un archet soigné. « Yeah Like Whatever » est un excellent exemple de cette force vocale. 

Malgré l’ambiance amusante et agréable du disque, Hello Forever ne renonce pas au volume ni à l’expérimentation. « Natural » comporte beaucoup de guitare floue ; « Get it Right » est une chanson rock à plusieurs phases qui ne parvient jamais à devenir confuse ou disjointe, chaque section saignant merveilleusement l’une dans l’autre. La richesse du son et de l’atmosphère de l’album est comme un dîner de Thanksgiving ; chaque fois que vous pensez en avoir assez, un nouveau son ou instrument apparaît comme un accompagnement pour vous empiffrer encore plus.

Du côté lyrique de Whatever It Is, la béatitude continue, mais non sans une bonne dose de tension. L’amour, la réalisation de soi et la confusion sont autant d’éléments de l’écriture des chansons du groupe qui s’avèrent efficaces et même touchants par moments. « I Want to Marry You » »est une belle ballade ; la sincérité du chant de Joseph capture le sentiment d’affection éternelle. « Created For Your Love » est une ode intéressante à l’exploration et à l’appréciation des relations à distance ; l’acoustique solitaire et les cloches mélancoliques soulignent la situation désespérée d’une manière d’une beauté obsédante. La meilleure façon de décrire l’écriture ici est de se réjouir personnellement – même lorsque le groupe est à terre, il parvient toujours à trouver la lumière quelque part, que ce soit dans un être cher ou dans son environnement. 

La positivité n’est pas quelque chose que l’on trouve dans beaucoup de musique indie aujourd’hui, et c’est pourquoi Whatever It Is fonctionne pour moi, et fonctionnera sans doute pour vous. C’est une ode énorme, peut-être trop grande, à la musique pop des Beatles, mais elle ne devient jamais trop nostalgique. C’est la musique du bonheur, qui vaut la peine d’être écoutée pour ses morceaux lyriques et instrumentaux uniques. Découvrez la musique des Beatles !

***1/2


The Flaming Lips: «American Head»

12 septembre 2020

The Flaming Lips, un groupe qui n’a pas peur de faire des changements radicaux, fait de la musique depuis 36 ans et pendant tout ce temps, peu de choses égalent American Head. Encore et toujours, ils ont mené des expériences qui ont fait couler des groupes de moindre importance. Zaireeka a eu besoin de quatre systèmes de lecture différents synchronisés simultanément pour capturer toute sa gloire. D’autres sorties ont été réalisées avec des fœtus en gélatine et des cœurs en chocolat noir. Si l’emballage a pu être une source d’inspiration, le combo a également repoussé les limites sonores de sa musique. Et c’est là que la formation laisse les autres disques dans la poussière.

Malgré une musique parmi les plus belles qu’ils aient jamais créées, ce disque contient aussi des moments incroyablement sombres. D’emblée, « Will You Return/When You Come Down » est incroyablement déprimant : « .Étoile filante / Accident dans votre voiture / Ce qui a mal tourné / Maintenant tous vos amis sont partis » ( Shooting star/ Crashing in your car/ What went wrong/ Now all your friends are gone), Wayne Coyne chante à la guitare acoustique, aux cloches et au piano. Pour un premier essai, ce doux lavage n’est pas exactement ce à quoi on s’attend.

Toutes les chansons semblent jaillir des banques de mémoire de Coyne, qui se penche sur les gens et les lieux, les temps passés, les vies antérieures. Certaines d’entre elles ne sont pas faciles à prendre, mais dans d’autres endroits, les souvenirs s’effacent beaucoup plus facilement. « Flowers of Neptune 6 » rappelle un voyage dans l’acide, « Le soleil jaune se couche lentement/ Faire de l’acide et regarder les insectes lumineux briller/ Comme de minuscules vaisseaux spatiaux en rangée/ La chose la plus cool que je connaisse » (Yellow sun is going down slow/ Doing acid and watching the light bugs glow/ Like tiny spaceships in a row/ The coolest thing I’ll ever know). Pourtant, la chanson n’est pas sans sa part de tristesse.

Cela semble être l’un des thèmes sur lesquels Coyne revient sans cesse dans American Head, l’idée que rien n’est isolé. Comme le note Coyne, « Notre musique préférée est le désir et elle est triste, mais elle est aussi positive et optimiste et elle parle de la mort et de la vie ». Ce sentiment que ces contradictions existent en même temps semble être au cœur de l’album. Au milieu des synthés et des cordes de « Mother I’ve Taken LSD », Coyne chante en termes déchirants : « Maintenant, je vois la tristesse dans le monde/ je suis désolé de ne pas l’avoir vue avant » (Now I see the sadness in the world/ I’m sorry I didn’t see it before . Ceci n’est, effectivement, pas exactement le genre de voyage que la plupart des gens recherchent.

Dans « You n Me Sellin’ Weed », le même Coyne chante le rôle d’une célébrité du trafic de drogue, et pourtant, on n’arrive pas à se débarrasser du sentiment que les choses ne sont pas exactement ce qu’elles semblent être. Parce qu’en fin de compte, lui et sa petite amie sont toujours confrontés aux réalités d’une vie qui n’a pas exactement joué comme ils l’attendaient. « Ouais, Danny et Grace ont tout compris/ Il vend de la coke pendant qu’elle travaille à l’abattoir/ Tu dois vivre ce que tu fais/ J’ai du sang dans ma chaussure » (Yeah, Danny and Grace got it all figured out/ He’s dealing coke while she works at the slaughterhouse/ You gotta live what you do/ Got blood in my shoe). La sirène synthétisée à la fin des chansons rend compte de l’ironie de la situation.

L’un des chefs-d’œuvre de l’album est « Mother Please Don’t Be Sad », qui parle d’un vol à Long John Silver’s que Coyne a vécu alors qu’il y travaillait. « Quand on pense à la fin des années 70, au début des années 80, nous travaillions tous dans des restaurants », dit-il. « Certains faisaient de la musique, d’autres de l’art, mais on travaillait dans un restaurant pour gagner un peu d’argent ». Rempli de cordes, c’est une fantaisie de ce qui aurait pu se passer lors de son expérience derrière le comptoir à Oklahoma City.

Un autre aspect fascinant d’American Head est le choix de Kacey Musgraves comme partenaire de chant. L’entendre chanter « Do You Realize » à Bonnaroo en 2019, a conduit à une rencontre entre elle, Steven Drozd et Coyne où ils ont tous réalisé à quel point ils avaient en commun. Ses apparitions sur le disque ne sont qu’un exemple de plus de la façon dont The Lips ont tendance à faire ce qu’ils veulent, après tout Coyne and Co. a également enregistré avec Kesha, Miley Cyrus et Erykah Badu entre autres.

Ce que The Flaming Lips nous montrent sur American Head, c’est qu’ils sont toujours capables de faire de la musique qui nous fait réfléchir et nous inspire. C’est ce que font les grands groupes. D’après les manifestations ici présentes, ils ont encore ce qu’il faut.

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The Lovely Eggs: « I Am Moron »

1 août 2020

Am Moron, le sixième album de The Lovely Eggs, pourrait bien être l’antidote idéal au chaos actuel. Le duo basé à Lancaster, en Angleterre, a sorti son premier album en 2009 et, depuis lors, il a fait preuve d’une indépendance farouche. Adoptant l’esprit du bricolage, The Lovely Eggs fonctionne sans l’aide d’un manager, d’un agent de réservation ou d’une maison de disques. C’est une attitude qui, associée à une musique absolument fantastique, leur a valu une base de fans loyaux et aimants. 

Le son du groupe a, au fil des ans, réussi à incorporer tout ce qu’il y a de plus beau, de l’art-punk de Half Japanese aux écrits surréalistes de Richard Brautigan, en passant par la superbe bêtise du comédien culte John Shuttleworth. La psychedelia est devenu une influence plus importante depuis le LP This is Eggland, produit par Dave Fridmann en 2018. l’ouverture qu’est “Long Stem Carnations”, reprend là où l’album s’est arrêté. L’électronique de science-fiction s’estompe, la chanson se met en marche et nous nous précipitons à 100 mph comme nous le dit la chanteuse et guitariste Holly Ross : “Je suis aussi forte qu’une roue de chariot/Je suis connectée à ce que vous ressentez” (I’m as strong as a Wagon Wheel/I’m connected to how you feel.). Fridmann est de retour derrière le bureau et les chansons sonnent comme des vagues de sonorités dans sa production psychédélique.

L’élan déchirant de chaque chanson successive donne à I Am Moron un emballement brillamment essoufflé. L’humour du groupe s’accompagne d’un véritable sentiment de colère et, à l’occasion, d’un dégoût total. Si vous suivez le groupe sur les médias sociaux ou si vous les entendez dans des interviews, vous saurez à quel point ils sont passionnés. Leur punk joyeusement surréaliste imprégné d’urgence. La pop ridiculement accrocheuse, associée à des mots, de “You Can Go Now” donne l’impression d’un nettoyage de printemps sonique alors que tout et tous, des repas au micro-ondes aux divertissements eux-mêmes, sont montrés à la porte. “This Decision” nous fait perdre la tête et trouve Ross et le batteur David Blackwell (également son mari) en train de fournir une explosion de psycho-punk brute et magnifiquement fracassée.

« You’ve Got the Ball » prend un virage plus expérimental avec un mantra hypnotique et rythmé qui peut ou non concerner le football.Pourquoi s’en soucier ? Cela, après tout, semble frais, amusant et complètement décalé. “Bear Pit », le grognement de “I Wanna” et le névrotique “24 Eyes” sont garantis de faire tomber quelques chaussettes ; ils vont droit au but avec un triple titre de bonté punk-rock sans retenue. “The Mothership” est un moment de calme inattendu, le son du duo dérivant à travers le vide solitaire de l’espace comme Ross chante “I sleep alone/I just wanna sleep alone”. Un bref moment pour reprendre son souffle et « Insect Repellent » pourrait bien être l’un des meilleurs morceaux de l’album en s‘élançant dans la vie avec un groove brillant et lourd, “investment opportunities/repellent!/luxury coleslaw/ repellent !”

The Digital Hair” présentera un peu plus d’une minute de divagation psycho-punk, tandis que “Still Second Rate” capture parfaitement le talent du groupe pour un brûleur art-punk énergique et accrocheur.

Comme tout bon hôte, The Lovely Eggs vient peut-être de partir et de garder le meilleur pour la fin avec l’épopée “New Dawn”. Le couplet nous entraîne avec un rythme propulsif alors que Ross chante “la solitude de la vie/la vis qui ne tourne pas” (The melancholy morphs into euphoria as the chorus ushers in a new, hopeful dawn.) La mélancolie se transformera en euphorie alors que le refrain annonce une nouvelle aube pleine d’espoir. La chanson s’achève sur l’image de Ross dans une cuisine de campagne en train d’étaler des excréments sur des plans de travail en marbre. Les premiers pas vers le renversement de nos riches, les conservateurs votant les seigneurs suprêmes ? I Am Moron est un de ces albums qui semble être arrivé au bon moment ; c’est exactement ce qu’on peut avoir besoin d’entendre; et honnêtement, il se doit d’être écouté.

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