Loop: « Sonancy »

25 avril 2022

Les amateurs de musique se souviennent d’une époque où cinq ans entre deux albums signifiaient un redémarrage de la carrière et une re-connaissance totale de l’œuvre d’un artiste. Le plus souvent, tout le processus ressemblait à ce moment gênant où vous rencontrez par hasard quelqu’un de votre lointain passé et où vous essayez de décider si vous l’avez aimé ou non au départ, sans parler d’aller au pub pour le découvrir. Mais 32 ans entre deux albums ? C’est un sacré fossé que Tool doit combler, non ? Et dire que les fans de Tool se considèrent eux-mêmes comme des endurants…

Et pourtant, ce n’est pas un sentiment de soulagement qui accueille Sonancy, le premier album de Loop depuis le magnifique A Guilded Eternity en 1990, mais la prise de conscience progressive que le groupe a livré ce qui est probablement le point culminant de sa carrière. Il existe une tendance à assimiler ce « leur » à la cheville ouvrière et fondateur Robert Hampson. Mais bien que Sonancy puisse être guidé par sa vision, c’est un étonnant travail d’équipe qui permet à cette collection d’atteindre le centre de votre cerveau et au-delà.

À première vue, Sonancy est un album qui ne pourrait être fait par personne d’autre que Loop. Des guitares fuzz ? Oui ! Des répétitions ? Par ici, mister! Une subtile garniture de sons ambiants pour étirer le son et l’expérience ? Ambassadeur, vous nous gâtez vraiment ! Mais ne bougez pas, car si vous creusez un peu plus loin, vous trouverez les vraies truffes : nous parlons ici de précision.

Ceci, en partie, grâce à la section rythmique étanche du batteur Wayne Maskel et du bassiste Hugo Morgan. Déjà intégrée au line-up de Loop depuis sept ans, leur relation s’est forgée lors de l’assaut des surplombs psychédéliques de Bristol, The Heads, et leur verrouillage quasi télépathique sur le groove est à l’origine de la résurrection enregistrée de Loop. Témoin le rebondissement de la basse qui se déplace en même temps que le scintillement de la batterie sur « Halo », un mouvement qui conspire à viser les hanches autant que la tête. On ressent le roulement autant que le rock.

Avec moins d’affaiblissement et d’écoulement des guitares, Sonancy bénéficie d’un plus grand degré de séparation dans son instrumentation. En conséquence, chaque piste peut respirer. Il n’y a pas de claustrophobie étouffante en jeu ici et, tout comme l’expérience psychédélique, la musique s’étend et s’étire vers une vérité et un espace plus grands.

Les couches de guitare fuzz ajoutent à la joie. Sur l’époustouflant « Fermion », les six cordes s’entrechoquent avec précision et netteté, tandis qu’une guitare fuzz s’empile sur l’autre avant de s’effacer à nouveau devant la section rythmique qui poursuit inexorablement son chemin. Alors que les dernières tranches d' »Aurora » laissent place à une ambiance apaisante, l’envie de revenir au début, encore et encore, témoigne de la magnificence de Sonancy. Un retour bienvenu et bien plus encore.

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Black Doldrums: « Dead Awake »

22 mars 2022

Le trio nord-londonien qu’est Black Doldrums aime s’adonner à l’art noir du gothic psych/post-punk ou de tout autre nom. Après avoir attiré des fans grâce à d’excellents EP, ils sortent aujourd’hui leur premier album Dead Awake après une attente … qui s’est fait attendre tardivement.

Dès l’entame il est évident que le groupe est passé à la vitesse supérieure, comme en témoigne le merveilleux riff tourbillonnant de « Sad Paradise » qui jette son éclat glissando sur un cœur sombre. Produit par Jared Artaud de The Vacant Lots, on sent que l’obscurité intérieure du groupe imprègne la musique ici, mais la rend aussi beaucoup plus accessible qu’auparavant. La musique est peut-être sombre, mais il y a une légèreté qui donne aux chansons une sensation de légèreté.

Bien sûr, nous ne parlons pas ici d’été (à moins qu’il ne s’agisse de blues) mais il y a un certain rebondissement dans un morceau comme « Sleepless Nights » qui rappelle le sentiment d’extase que le shoe-gaze peut susciter en vous. Ici, ce n’est pas aussi direct, et au lieu de cela, son mur de son discret rappelle les débuts de New Order, juste avant qu’ils ne découvrent la dance music. Pas vraiment les mains en l’air, mais des mains certainement saisies dans l’allégresse.

Il est intéressant que ce sentiment de communauté provienne d’une collaboration qui a traversé l’océan Atlantique, mais comme le groupe le dit, ils ont trouvé qu’ils passaient plus de temps à faire un effort pour communiquer qu’ils ne l’auraient fait dans le studio. La distance permet des moments de réflexion sur la musique en cours de création, et joue sur une sensation plus spacieuse. L’écho réverbéré de « Now You Know This » est porté par les vibrations de la communication ressenties à distance.

Comme avec tous les grands trios, il y a un son compact qui émane de la puissance et vous sentez qu’ils sont parfois prêts à libérer un mur de son absolu. Au lieu de cela, ils se retiennent et se concentrent sur un album qui les place dans une position à surveiller. A travers ces huit morceaux, il y a la promesse de quelque chose de beaucoup plus grand à venir, et vous sentez qu’ils pourraient bien être capables de faire des alumni plutôt classiques. En l’état actuel des choses, Dead Awake est un excellent premier album qui prend cette promesse et cette excitation du début et la moule en quelque chose qui pourrait être prélude à une carrière.

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King Gizzard & The Lizard Wizard: « Butterfly 3000 »

14 juin 2021

King Gizzard & The Lizard Wizard n’est pas vraiment un groupe de rock psychédélique. C’est une étiquette utile et désinvolte pour un ensemble qui a une telle aversion pour le genre qu’il enveloppe chaque album d’un nouveau gimmick d’écriture de chansons, mais le garage-psych brut de leurs premières années est définitivement révolu. Leur dernier disque Butterfly 3000, est à la fois le plus proche et le plus éloigné d’un retour aux sources, puisqu’ils s’immergent dans les voix respirantes de la dream pop.

La partie « pop » de cette phrase est très importante. Avec leurs mélodies accrocheuses et leurs arpèges de synthétiseurs, les membres du groupe se rapprochent sur ce disque des pistes de danse. « 2.02 Killer Year » pourrait être extrait directement de la discographie de MGMT, et la transe « Blue Morpho » est probablement plus facile à vivre il y a 30 ans, sous l’effet de la MDMA, à l’Haçienda. Quant à «  Catching Smok », c’est un tube digne des radios, avec des chœurs et des lignes de synthétiseurs aussi séduisants que les précédentes guitares du groupe.

Mais plutôt que d’avoir l’impression d’un changement de direction brutal pour nos rockeurs australiens, ces ajouts pop s’intègrent parfaitement à leur son existant. Les arpèges en boucle se posent naturellement sur les rythmes cycliques de la batterie motorisée du groupe, et la pulsation implacable qui alimentait auparavant les méandres de la guitare se transforme en un groove persistant et vibrant.

Il n’y a pas que du changement. De nombreux motifs classiques du groupe apparaissent : des remplissages frénétiques de caisse claire et de tom, des glapissements occasionnels du chanteur Stu Mackenzie, et des taches de guitare wah surchargée dans l’outro menaçant de « Black Hot Soup ». Mais il y a une progression définie. Pas de musicalité, mais de bienséance. King Gizzard a réussi à faire passer son son de la fosse à la piste de danse, tout en se sentant tout à fait sincère dans l’esthétique de la fête d’été, les yeux écarquillés.

Curieusement, Butterfly 3000 ne brille pas par son mouvement mais par la précision de ses arrangements. Des guitares acoustiques entrecoupées sur des morceaux comme « Ya Love », des lignes de piano faciles sur « Interior People » et des harmonies vocales bien placées s’entremêlent avec des nappes de synthé pour former des couvertures sonores luxuriantes. Cela réaffirme que le groupe est à son meilleur lorsqu’il est dépouillé. En éliminant les couches d’overdubs de guitare qui saturaient leurs précédents disques, ils ont trouvé quelque chose de beaucoup moins abrasif, mais d’autant plus brut.

Cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas quelques ratés. Les lignes de synthétiseurs en boucle ne tiennent pas debout toutes seules, et des titres comme « Shanghai » et « Dreams » s’épuisent sous une surface mélodique parfaitement agréable, mais décidément inintéressante. Cependant, lorsque King Gizzard s’adonne pleinement au groove, Butterfly 3000 est un véritable régal. Et ceci, retenons-le.

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Triptides: « Alter Echoes »

1 mai 2021

La génération actuelle, appelons la « génératon streaming », ne semble pas, en majorité, vraiment aimer écouter un album jusqu’au bout et encore moins développer une loyauté envers un artiste. C’est l’époque, je suppose, mais il y a beaucoup de groupes qui n’auraient jamais réussi s’ils n’avaient pas eu le temps de mûrir et de développer leur son sur une série d’albums. J’ai l’impression que c’est exactement ce qui est arrivé aux Triptides, un groupe de rock psychédélique new wave de Los Angeles, dont le dernier album, Alter Echoes, est l’un des plus complets et des plus musicaux à ce jour.

Le groupe sort des 33 tours depuis 10 ans maintenant et son dernier album, qui sort sur le label Alive Natural Sound, est d’une qualité accrue en termes d’écriture, de précision et de production. Si vous avez été un fan au fil des ans, vous entendrez immédiatement cette différence, car le groupe s’est éloigné de la psychédélique à réverbération plus ancienne et a nettoyé chaque coin et chaque note de son arsenal. Cela donne de la profondeur à l’album et, en particulier sur les ballades comme « Moonlight Reflection » et un « Shining » à la Pink Floyd, le groupe clique à un niveau différent.

The Triptides combinent globalement leur psychédélisme avec un folk-rock plus classique qui fonctionne vraiment. Sur des chansons plus enlevées comme « It Won’t Hurt You » et « Hand Of Time », le groupe monte les guitares, vous attrape avec des accroches et vous fait revenir pour les arrangements serrés. Alter Echoes est un disque qui a besoin de plusieurs écoutes pour s’imprégner, car il ne fait que s’améliorer avec le temps. Les Triptides sont clairement passés d’un groupe un peu plus à la pointe du mouvement psychique new wave à un groupe qui compense l’absence de la réverbération tant appréciée par des chansons de qualité et un son intemporel qui rend ce disque agréable à écouter, quel que soit le moment où vous avez chosi de le faire.

***1/2


The Besnard Lakes: « The Besnard Lakes Are The Last of the Great Thunderstorm Warnings »

1 février 2021

Cinq ans après leur dernier album, les psycho-rockeurs montréalais The Besnard Lakes reviennent avec leur sixième opus studio, The Besnard Lakes Are The Last of the Great Thunderstorm Warnings. Après que A Coliseum Complex Museum les ait vus, en 2016, tenter d’adopter la brièveté, The Last of the Great Thunderstorm Warnings les voit revenir à leurs méandres psychédéliques prolongés. Le résultat est un album qui n’est pas vraiment convivial pour Spotify et qui exige une grande concentration de la part de l’auditeur. 

le disque est sorti en double vinyle, chaque face portant un nom thématique : Near Death est le titre de la première face, suivi de « Death », « After Death » et « Life ». Il n’est donc pas surprenant d’apprendre qu’il s’agit d’un album marqué par la perte, notamment celle du père du chanteur Jace Lasek en 2019, mais il comprend également un hommage à d’autres personnes, comme Mark Hollis de Talk Talk et Prince. « Feuds With Guns » est probablement le moment le plus « jovial » de l’album, avec une ambiance de type MGMT qui se déclenche au bout de quatre minutes et demie environ, tandis qu’à l’autre bout du spectre, la piste titre et la fin de l’album durent presque 18 minutes, ce qui peut mettre à l’épreuve la patience de l’auditeur moins attentif au combo.

Il y aua, à ce titre, des moments où l’on n’a pas vraiment l’impression de traverser un orage, plus un brouillard brumeux, car il y a des moments où certains morceaux sont indistincts et nébuleux, comme si les fragments d’une chanson qui se forment lentement étaient sur le point de disparaître dans l’éther avant que l’on puisse s’y accrocher. Il y a des moments où le groupe fait des clins d’œil évidents aux albums classiques de Spiritualized et de Pink Floyd, mais il parvient à éviter le pastiche, bien que ce soit un morceau qui se réclame du psyche prog sans honte.

The Besnard Lakes Are The Last of the Great Thunderstorm Warnings ravira les fans du groupe, et il y a des moments puissants et profonds avec des arrangements qui dépassent les limites de ce que l’on pourrait considérer comme du rock standard. C’est une musique sérieuse qui aborde des thèmes importants, bien que pour les auditeurs plus occasionnels, cela demande de la patience, car les chansons mettent du temps à s’envoler, car des couches de son s’accumulent dans des paysages sonores sombres et inquiétants. Si le psycho-rock cinématographique est votre sac et que vous avez la force de caractère nécessaire pour laisser l’album vous envelopper, vous trouverez sans aucun doute que c’est une œuvre majestueuse et palpitante. Si vous recherchez un tube musical mélodique rapide pour mettre un ressort dans votre démarche, ce ne sera probablement pas l’album qu’il vous faut. Il peut être difficile à écouter et il y a des moments où le résultat ne récompense pas toujours cet effort. Bien que sur des morceaux lents comme « The Father of Time Wakes Up » (qui déplore la mort de Prince) – avec ses harmonies à la Brian Wilson et ses guitares en spirale – la persistance est certainement payante.

***1/2


King Gizzard & the Lizard Wizard: « K.G. »

21 novembre 2020

Les psy-rockers que King Gizzard & the Lizard Wizard poursuit ses incessantes métamorphes psychologiques sous la forme de ce 16e album studio, marquant ainsi ses 10 ans d’activité.

K.G. déforme et conteste les formules instrumentales occidentales, en s’appuyant sur les expérimentations tonales de Flying Microtonal Bananaqui avaient pris forme en 2017. Façonné pendant le confinement, chacun des six membres a composé et enregistré depuis son propre quartier de quarantaine. Le disque couvre ainsi différentes parcelles du territoire familier de Gizzard : la prophétie apocalyptique de « Automation » et la raclée apocalyptique qu’est « The Hungry Wolf of Fate » rappelant Infest the Rats’ Nest, tandis que les douces méditations de morceaux comme « Honey » renvoient au terrain plus folklorique de Oddments.

Sur « Intrasport », le combo s’attaquera à la space disco, troquant les mélodies de guitare folk orientale pour des rythmes synthétiques new wave. Les dix morceaux sont tenus ensemble par une pulsation tremblante ; pour un album formé avec une telle distance entre ses créateurs, on peut dire que K. G.offre un impressionnant sentiment d’immédiateté.

Au final, les motifs abondent et l’ordre apollonien prévaut. Il n’y a pas de quoi être surpris par K.G., mais peut-être sa reconnaissance témoigne-t-elle de la certitude du groupe de savoir qui il est, ce qu’il est venu faire et de son intention de ne pas s’arrêter de sitôt.

***1/2


Jason Simon: « A Venerable Wreck »

21 mai 2020

Guitariste du groupe américain de psycho-rock Dead Meadow, Jason Simon revient à ses activités en solo avec son nouvel album A Venerable Wreck.

Jason Simon a tellement de tours de guitare dans sa musette qu’on pourrait l’appeler « The Dynamo of the Guitar », malgré ses talents d’auteur-compositeur. On prête en effet très vite le compte de la pléthore de sonorités et d’effets qu’il peut accomplir grâce à son expertise des instruments à cordes et cela se vérifie encore plus sur ce disque..

Il fait appel aux services de Nate Ryan et de Jason Anchodo de The Warlocks, auxquels il s’est associé il y a 4 ans alors qu’il travaillait avec son propre groupe, Dead Meadow.

Il se sert d’un banjo électrique pour le morceau d’ouverture folklorique « Same Dream ». Puis il revient à une acoustique douce avec des notes de guitare gémissantes, certaines avec des effets de trémolo en arrière-plan, tout en chantant une chanson pleine d’espoir et de plain-chant avec une mélodie de style Cohen sur « See What It Takes ». 

Jason chante ensuite en chœur dans un style champêtre, « Snow Flakes Are Dancing », avec un doux effet wah-wah. Le style vocal et le rythme de JJ Cale, qui tapote du pied, se font entendre sur « Red Dus »t, mais il ajoute un effet de guitare plus flou que celui d’un coup de doigts et ponctue le tout d’accords de guitare fulgurants.

Sur « Moments of Peace », une guitare floue de style country est accompagnée de notes de guitare à pédales d’acier étirées. Mais c’est son habileté à combiner de multiples effets qui est le point culminant de cette ode à notre aspiration à un mode de vie paisible. Jupiter, une autre chanson de style Cohen, combine le picking acoustique et la wah-wah douce et le trémolo succulent. De la simplicité de « Jupiter », nous avons la complexité de « A Venerable Wreck ». Un solo de guitare liquide, un rythme répété et déformé,et de temps en temps, un nouvel effet est ajouté, ce qui en fait une aventure instrumentale fascinante.

Le bluesy « The Old One » a des voix qui résonnent au milieu du rythme trapu, avec des claviers qui sonnent comme des accordéons. Rêveur et cosmique, avec de subtils effets de distorsion occasionnels. « Doors Won’t Shut Blues » rebondit comme une chanson de Barrett Period Floyd avec des effets de guitare psychédéliques.  « No Entrance No Exit » et « Hollow » avancent à un rythme beaucoup plus lent mais des notes métalliques étirées ajoutent de l’intérêt après un simple doigté électrique / acoustique. Un autre qui pourrait appartenir au songbook de Syd Barrett.

Puis vient son dernier tour. Une guitare chatoyante à nouveau, une guitare électrique qui gratte doucement et un peu d’orgue bluesy mis dans le mélange pour faire de ce disque un splendide final à un album fascinant où vous ne pouvez jamais mettre Jason Simon dans un seul style.

Cet artiste très polyvalent, qui a la rare distinction de ne pas pouvoir être classé, a créé un album qui contient un trésor de merveilleuses surprises, tant dans la variété massive d’effets de guitare électronique que dans le choix du style de chant en fonction de la chanson. Les écoutes répétées m’ont permis de ne jamais me lasser d’aucun titre. A Venerable Wreck fera certainement partie des albums notoires pour 2020.

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Irma Vep: « Embarrassed Landscape »

11 avril 2020

Beaucoup de choses ont changé depuis qu’Edwin Stevens, alias Irma Vep, a sorti son premier album, HAHA, en 2012, un LP lo-fi sensible rempli de morceaux qui ont à peine dépassé la barre des trois minutes et demie. Pour son quatrième album proprement dit, Embarrassed Landscape, Stevens utilise la tension et la détente comme jouet sur un album qui oscille entre angoisse obscure et sensibilité déchirante. Le musicien d’origine galloise résidant à Glasgow a repris la gamme variée d’idées de ses précédents travaux et a élevé la barre du genre psycho-rock lo-fi sur un LP plein de contradictions parfaites et d’incertitude infinie. 

Embarrassed Landscape évolue de façon binauriculaire entre un malaise de grande énergie et des répits doux dont les paroles sont tout sauf cela. L’ouverture, « King Kong », est un examen tonitruant de dix minutes sur l’anxiété sociale qui commence lui-même sur un instrumental de cinq minutes qui s’écrase. Ce morceau ne laisse cependant aucun doute sur la direction que prendra le reste de l’album. Ce sera une écoute rauque mais raffinée, transcendantale mais fugace, qui vous fera passer d’un extrême à l’autre en quelques minutes. 

Suivi de la première des propositions plus gracieuse de l’album, « Disaster », nous sommes réintroduits dans l’exceptionnelle capacité d’écriture de Stevens. Un exercice brutal d’auto-examen où les lignes de guitare complexes de Stevens transparaissent pour la première fois sur le mixage. Ce changement de rythme soudain attire l’auditeur alors que nous nous concentrons en vain sur ce qui n’est pas dit. 

Le reste de l’album se distingue par une alternance brutale, la musique de Stevens trouvant sa place quelque part entre le garage et le folk-rock. « I Do What I Want » est un hymne rebelle qui prend vie grâce à des riffs de guitare criards et à une batterie endiablée. Le premier single de cet album est un classique du genre, avec un riff de guitare prêt pour les festivals et un Stevens tempétueux qui hurle le titre vers la fin. Ce morceau est également rempli de enchaînements complexes, de rythmes imprévisibles et de ruptures majestueuses pour créer quelque chose de bien plus complexe qu’un simple hymne pour les foules enivrées du festival. 

« Tears Are the Sweetest Sauce » et « Purring » sont les deux titres qui brisent le cœur de cet album et qui me font penser à des versions à la sauce country de Leonard Cohen. Les voix de Stevens sont les leaders de ces morceaux plutôt qu’une autre couche de son, mettant en avant des paroles pleines d’esprit élégant. « Les choses que vous avez vues ne peuvent pas être nettoyées, mais vous pouvez les laisser tremper pendant que vous réfléchissez» ( The things that you’ve seen can’t be wiped clean but you can leave them to soak while you think) chante-t-il sur « Tears Are the Sweetest Sauce », ponctuant les problèmes de la vie avec une résolution tempérée mais néanmoins réconfortante. En superposant ces lignes sur des accords qui changent selon des schémas imprévisibles et complexes, on obtient des chansons aussi tendues que magnifiques. 

Cet album frénétique et à l’envers est mené à une conclusion gracieuse dans « Canary ». Rassemblant les thèmes de l’abus d’alcool, de la dépression et des visions inquiétantes, Stevens est sauvé par l’amour de son entourage. Sur une chanson qui est un bel hybride de folk et de psycho-rock, c’est le véhicule parfait pour conclure un album plein de tension et de splendeur.

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The Warlocks: « The Chain »

10 avril 2020

Les Warlocks existent depuis plus de 20 ans et sont toujours très productifs et leur dernier opus n’avait même pas un an. SiMean Machine Music était un peu plus expérimenta il était toutefois resté fidèle au registre neéo-osychédélique

Un nouveau concept a toutéfois été développé pour la nouvelle œuvre du comno, The Cahin ; il s’agit de « Rocky et Diamond », une version moderne de Bonnie et Clyde, qui entrent dans les toues de la justice.

L’album fonctionne donc aussi comme une bande sonore, passe par différentes humeurs, offre des moments dramatiques où le psyche rock sera souvent mis en lumière dans le processus.

« Dear Son », le titre d’ouverture parle de rêve et de réserve,avant que « I’m Not Good Enough / Party Like We Used To » annonce, lui, une fin hymnique.

« The Robbery » sera intense et orienté vers shoegaze alors «  We Don’t Need Money » est grinçant et agité. Sur « Sucking Out Your Soul Like A Son Of A Bitch » un groove de stoner est déballé. Le néo-psyché traditionnel s’accompagne d’un « Double Life » incitant à la dérive et qui sera une conclueions idéale à cette excursion dont on sait les tenants mais pas les aboutissants.

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Elephant Stone: « Hollow »

14 février 2020

Mené par Rishi Dhir, Elephant Stone a toujours joui d’une réputation enviable auprès d’une certaine confrérie de musiciens oeuvrant dans le rock psychédélique. En tournée, la formation a fait la première partie des Black Angels, Brian Jonestown Massacre, ou autres.

Après un premier album (The Seven Seas) et un album éponyme détenant une signature mélodique fortement inspiré des Stone Roses – disque paru en 2013 –, Elephant Stone s’est ensuite affairé à se doter d’une véritable identité sonore. En 2014 paraissait The Three Poisons ; un disque mieux réalisé et qui laissait présager le meilleur pour les Montréalais avant que le virage pop synthétique proposé sur Ship of Fools (2016) ne nous laisse sur notre faim.

Dhir et ses acolytes reviennent avec un nouvel album intitulé Hollow, un opus entièrement enregistré au studio Sacred Sound (studio appartenant à Dhir) et réalisé par le leader lui-même. Cette approche a sensiblement modifié la dynamique créative du groupe, surtout avec un « patron » qui assume encore plus ses choix !

Cette fois-ci, Elephant Stone retourne à un rock psychédélique plus traditionnel (sans verser dans une esthétique lo-fi) et propulse sa musique dans un espace interstellaire plus léchée. Les ambitions de ce Hollow sont on ne peut plus claires : « Il s’agit d’un album concept simple […] Il y a beaucoup de gens qui essaient de trouver une solution. Ils cherchent du sens, quelque chose en quoi croire… Nous voulons tous la même chose, mais nous essayons de l’atteindre de manière différente. C’est dans cet état d’esprit que nous avons écrit et enregistré Hollow », explique Dhir.

Hollow raconte l’histoire des innombrables dettes écologiques survenues après la destruction de la planète Terre par l’humanité. L’élite responsable de ce désastre climatique découvre alors une « nouvelle Terre » dotée de la même espérance de vie que celle que cette même élite vient d’anéantir par des décisions irresponsables. Et ça donne un album ambitieux, dystopique, aux accents aussi rock (« House on Fire ») que pop (« The Clampdown »). Une création qui n’atteint pas toujours la cible, mais qui a le mérite d’être animée par un réel désir de passer un message.

Divisé en deux parties distinctes, le premier segment, intitulé The Beginning, débute avec l’accrocheuse « Hollow World » et se termine avec « We Cry for Harmonia », une excellente chanson pop psychédélique. On offre également un coup de chapeau bien senti à l’intervention du sitar dans « Land of Dead »; l’instrument de prédilection de Dhir. Le deuxième segment, titrée simplement The Ending, s’amorce avec « Harmonia », prélude  d’un « Nouveau Monde », et se conclut avec l’aérienne « A Way Home ».

Évidemment, Hollow prend tout son sens si on l’écoute du début à la fin sans interruption. Même si un certain éclectisme stylistique caractérise cette nouvelle parution (pop, rock, psychédélisme, space-rock, synthpop, etc.), Elephant Stone demeure intelligible grâce à ce concept d’album simple, mais qui parle au plus grand nombre.

Sans être un disque d’exception, Hollow mérite qu’on y retourne plus d’une fois. C’est probablement le meilleur effort de la formation et ce n’est pas étranger au fait que Rishi Dhir assume pleinement le rôle de réalisateur et il permet à Elephant Stone de se positionner confortablement entre ce que crée Tame Impala et The Brian Jonestown Massacre.

***1/2