No BS: Just Rock & Roll!

Pour faire suite à leur deuxième album, Twentytwo In Blue, salué par la critique, le trio new-yorkais Sunflower Bean – composé de la chanteuse et bassiste Julia Cumming (elle/il), du guitariste et chanteur Nick Kivlen (il/elle) et de la batteuse Olive Faber (elle/ils) – est revenu aux sources. Après que la pandémie mondiale ait réduit leur appétit apparemment insatiable pour les concerts, le trio a transformé le négatif en positif et a décidé d’enregistrer leur troisième album, Headful of Sugar, principalement dans leur home studio. Le retour à l’essentiel, lorsqu’il est envisagé sous l’angle d’une idéologie politique, est généralement synonyme d’austérité budgétaire, de coupes et de « débrouille ». Cependant, cela signifie quelque chose de complètement différent lorsqu’il est vu à travers l’objectif créatif de Sunflower Beans. Le retour aux sources a donné au groupe l’espace nécessaire pour innover, la chance de prendre le contrôle total de son récit créatif et de suivre ses instincts sans la pression extérieure d’une horloge de studio qui tourne. Comme l’explique le batteur Olive Faber, « vous perdez de l’argent dès que vous entrez dans le studio d’enregistrement. C’est merdique d’enregistrer et de faire de la musique comme ça parfois ».

Après s’être réhabitués à un monde en confinementet à la place qu’ils y occupent, les membres du groupe se sont réunis et se sont attelés à l’élaboration de leur meilleur travail à ce jour. Ils ont l’air revigorés, et naviguent avec expertise sur une variété de terrains sonores qu’ils plient à leur volonté avec des résultats qui ne sont rien de moins que spectaculaires. Il y a de la lumière, il y a de l’ombre, et il y a de l’espoir au milieu d’une atmosphère occasionnellement d’obscurité dystopique, alors que le groupe explore et élargit les possibilités du rock et de la pop. Le guitariste et co-vocaliste Nick Kilven explique : « Nous voulions écrire sur l’expérience vécue du capitalisme tardif, sur ce que l’on ressent chaque jour, sur la banalité de ne pas savoir où chaque construction est censée nous mener. Le message est dans le titre : il s’agit de plaisirs rapides, du sucre de la vie, de la joie qui vient en lâchant tout ce que vous pensiez être important. » Headful of Sugar examine ce sentiment audacieux de lâcher prise, de déconstruire et de briser les attentes des autres quant à votre identité, ou comme le dit Cumming, « Pourquoi ne pas faire ce que vous voulez faire selon vos propres termes ? Pourquoi ne pas faire un disque qui vous donne envie de danser ? Pourquoi ne pas faire un disque qui vous donne envie de crier ? »

En son cœur, Headful of Sugar est un disque de pop néo-psychédélique moderne et vibrant, qui mêle souvent une sensibilité pop et funk à la Prince, avec des accroches pop géniales et des rythmes dystopiques granuleux. L’album ne dure que 36 minutes, mais il s’agit d’une machine à groove maigre et sans excès, chaque morceau étant un morceau de choix.

L’album se déploie avec le très beau « Who Put You Up To This ? », dont le refrain, dans lequel la sublime cascade de voix célestes de Julia Cumming a presque des airs d’Elizabeth Fraser. Kivlen affronte le syndrome de la petite ville sur le magnifique « In Flight », qui ressemble à une rencontre entre Michael Stipe et Talk Talk, tandis que sur le propulsif « I Don’t Have Control Sometimes », la voix sucrée et glacée de Julia Cumming tourbillonne autour d’un mélange effervescent et addictif de lignes de basse lancinantes et de rythmes urgents. Il s’agit en fait d’un morceau optimiste, mais il s’inspire d’expériences plus sombres, motivées par le côté impulsif de Cumming, qui, selon elle, l’a conduite à faire « ses meilleurs choix sur scène, mais ses pires choix dans la vie ».

« Roll the Dice » commence avec la voix déformée de Cumming qui prévient : « Rien dans cette vie n’est vraiment gratuit »(Nothing in this life is really free), et mélange mélodie et dissonance, mêlant d’imposants murs de larsen, de statique et de guitares stridentes. « Post Love » sonne comme le summum de Madonna sur les pistes de danse, tandis que le single principal « Baby Don’t Cry », sorti en 2021, a déjà commencé à prendre l’allure d’un classique culte underground. « Otherside » offre un moment de calme alors que Cumming livre une performance d’une beauté à fleur de peau, tandis que l’hymne gothique rock « Beat the Odds » n’est pas très éloigné de Depeche Mode dans sa splendeur.

Sous le tsunami planant de mélodies chargées d’accroches, d’harmonies sublimes et de techniques de production innovantes, Headful of Sugar est la distillation d’un groupe qui devient exactement ce qu’il est censé être. Malgré les temps sombres que nous vivons, on sent que le groupe nous invite à les rejoindre pour regarder l’avenir avec plus d’espoir que de trépidation. Il s’agit d’un travail passionné, honnête et sans peur, qui ne tient pas compte des tendances actuelles du rock indépendant, de plus en plus régressives et rétrogrades. En effet, il s’agit sans aucun doute d’un album avant-gardiste plein de vitalité et d’excitation, qui fait appel à la tête et au cœur d’un groupe qui s’est toujours efforcé de faire les deux, et il réussit à peu près à tous les niveaux.

***1/2

Ce trio psycho-pop de Philadelphie qu’est Spirit of the Beehivesort avecEntertainment, Deathson premier album depuis sa signature sur le label Saddle Creek et son quatrième au total. Entièrement auto-enregistré et produit à distance au cours des 12 derniers mois, le groupe a mixé l’album numériquement avant de le masteriser sur bande. Le guitariste et chanteur Zach Schwartz a déclaré : «  Nous savions que nous voulions utiliser de nouveaux éléments instrumentaux sur cet album. Nous ne sommes pas entièrement électroniques. Mais la guitare, la basse et la batterie éraient devenus monotones ».

« Entertainment » ouvre l’album dans un style fracturé. Plein de sonorités inventives, de roulements de percussions ndustriels et de grincements et de piaillements presque tribaux, il évolue au fur et à mesure que de doux samples de guitare et de chants d’oiseaux glissent sur la bande sonore folklorique. Il est suivi de « There’s Nothing You Can’t Do » – un morceau puissant et psychédélique qui se situe parfaitement dans l’espace entre Death Grips et Goldfrapp. Excitant, loufoque et doté d’une ligne de basse funky, on ne peut s’empêcher d’être du côté du groupe lorsqu’il déclare « I’m your friend ». L’ambiance rêveuse de « Wrong Circle » permet ensuite à Zach et à la bassiste Rivka Ravede de se partager les tâches vocales, tandis que « Give Up Your Life «  s’ouvre sur un style indie-rock traditionnel avant de se transformer en une pièce d’art rock fascinante, agrémentée de carillons et de messages sur la préparation aux situations difficiles.

« Rapid & Complete Recovery «  poursuit sur cette lancée et le groupe passe de paysages sonores et de mélodies à des chemins moins souvent empruntés avec aisance. Alors que le groupe répète avec passion la question lancinante «  Et si nous ne ressentions pas la même chose ? » (What if we don’t feel the same?’, il devient clair qu’ils vont toujours prendre des chemins inattendus – et c’est particulièrement gratifiant à chaque nouvelle écoute. « The Server is Immersed »  – décriteironiquement comme la chanson la plus pop de l’album ressemble à une jam session entre Animal Collective et London Grammar avec des voix obsédantes de type call-and-response qui sont mises en avant et des riffs puissants qui entourent des éléments de tristesse et d’espoir.

« It Might Take Some Time «  passe également d’un genre à l’autre avec aisance, allant cette fois du space rock à la Spiritualized à quelque chose de plus flou, tandis que les trois derniers morceaux sont tout aussi diversifiés – «  I Suck the Devil’s Cock « , d’une durée de six minutes et demie, mêle guitare pop mélodique, basse rebondissante et électro glitchy pour un effet convaincant.

Entertainment, Death est un opus follement expérimental et extrêmement exaltant ; il ne demande qu’à ce que vous le fassiez entrer dans votre esprit.

***1/2

Écouter le premier LP de Tempesst, c’est comme voyager dans une vieille camionnette fraîche à travers les paysages surréalistes intérieurs, en passant par des canyons cosmiques, des fleurs géantes, des couchers de soleil sur la plage et des nuages de champignons. Il se passe beaucoup de choses et vous ne savez pas dans quelle direction il va tourner, mais c’est passionnant.

L’histoire du groupe a commencé il y a plus de dix ans à Noosa, en Australie, avec son noyau dur – les frères jumeaux Toma et Andy Banjanin. Les premiers pas qu’ils ont faits dans le groupe de l’église. Et à la fin des années 2000, ils se sont rendus à New York, où ils ont développé un artisanat musical et commencé à enregistrer chez eux. Après avoir déménagé au Royaume-Uni, Toma et Andy ont rencontré le guitariste Eris Weber et ont renoué avec de vieux amis australiens – Kane Reynolds et Blake Misipeka. Tempesst est né pour de bon. 

Le quintette basé à Londres a fait ses débuts en 2015 avec un « single » psycho-pop ensoleillé, « Too Slow ». En 2017, le premier EP Adult Wonderland a vu le jour et un an plus tard, un autre, Doomsday. Le dernier disque et le premier LP de leur carrière Must Be A Dream, sorti sur leur propre label Pony Recordings, est le résultat de quatre années de travail et de préparation musicale. 

Dix chansons accrocheuses et ensoleillées cachent une plus grande complexité. Elles explorent des thèmes tels que le passage du temps, l’amour, la perte, l’amitié, les abus ou la superficialité du monde moderne des médias sociaux. Tempesst joue tout cela avec une grâce inébranlable, vous invitant à vous joindre à leur danse hypnotisante. Dès le début avec « Better Than the Devil », il a entendu dire qu’ils avaient réussi les examens de psycho rock des années 60 et 70 avec la note maximum. Des guitares qui gémissent mélodieusement et des chœurs envoûtants sur la chanson titre vous donnent envie de vous plonger dans ce son. Après l’explosion et la précipitation de « High On My Own », vient la ballade « Mushroom Cloud » qui grandit lentement, du baryton profond de Banjanin qui chante sur la rupture et la destruction jusqu’au point culminant avec un solo de saxophone. 

L’électronique brumeuse rencontrera le soleil du surf rock et il sera difficile de résister à ces mélodies liquides et douces dans « Walking on the Water ». Installé au milieu du disque, « On the Run » est un excellent morceau de psych-pop rappelant les échos de Tame Impala et Spiritualized, à la fois dynamique et porteur de tensions et de nostalgie. Le nonchalant et vertigineux « Age of Bored », un morceau qui pourrait être envié par Kasabian. « With a Woman » s’épanouit magnifiquement, souligné par des riffs de guitare céleste. « Is This All That There Is », de son côté nous fera parier que les fans des premiers Arctic Monkeys en seront fans.

Must Be A Dream apporte le psychédélisme moderne à son meilleur dans une élégante tenue rétro. Dans chaque chanson, l’ancien rencontre le nouveau. Le groupe mélange habilement des paysages sonores où l’on peut entendre des inspirations Beach Boys, Midlake ou Flaming Lips avec du rock indé et du folk, montrant ainsi son propre style éclectique. Le premier LP de Tempesst est un disque multicouches, au succès effronté, et raffiné du début à la fin. Trente-sept minutes et vingt-deux secondes d’un fantastique voyage musical.

****