Great Silkie: « Dawn Chorus »

22 août 2021

Great Silkie, combo originaire de Londres, a remué les eaux du psychofolk pastoral avec ses premiers « singles » « Scared To be Alone » et « So Many Hours », et il revient aujourd’hui sur la crête de la vague à laquelle son premier album Dawn Chorus va certainement donner naissance. Le chanteur et guitariste Sam Davies a écrit son album dans une solitude quasi-totale à la campagne, alors qu’il traversait une sorte de crise existentielle, puis il l’a enregistré en direct sur des bandes analogiques afin de capturer au mieux l’essence du groupe. Décrit comme si « Syd Barrett chantait avec les Byrds et jouait des chansons de Pentangle avec la jeunesse des premiers Blur » (une analogie pertinente à certains égards), Great Silkie capture quelque chose de chacun de ces groupes ; toutefois, Dawn Chorus n’est pas un simple hommage, il se passe en effet quelque chose ici qui suggère un talent nouveau et unique qui creuse un sillon authentique et fascinant qui lui est propre. Le plus excitant, c’est que ce n’est que le début, le début de ce qui, espérons-le, sera un voyage pour rivaliser avec certains des artistes auxquels Great Silkie est comparé.

S’ouvrant sur le sarclage brumeux du dimanche après-midi et la wah-wah laconique de «  Ten Pounds « , il est immédiatement évident que quelque chose de spécial est en train de se produire. La voix tranchante et passionnée de Davies ajoute un sens du hors-champ et un côté new wave anguleux au cadre décontracté, avant de plonger dans la mélancolie façon « west coat » de « Nothing Will Change » avec ses harmonies chaudes et luxuriantes et sa belle mélancolie. Construites de main de maître, ces chansons se tordent et se transforment ; il n’y a rien de prévisible ou de piéton ici. Au contraire, il y a une approche délibérément créative et expérimentale à l’œuvre, bien qu’elle soit alignée avec un fort sens de la mélodie – en effet, par moments, Great Silkie fait penser à Wire dans sa version la plus psychédélique, vers « Outdoor Miner ». « I Don’t Know How To Say I Love You (These Days) « , en revanche, est un morceau de beauté baroque, amoureusement embelli et mené par le piano, avec une guitare slide qui pleure sur un refrain envolé. Il y a une véritable ambiance de fin d’été sur l’album, reflétant peut-être le processus d’écriture et le lieu où il a été enregistré, une nostalgie et une réflexion qui nous touchent et nous évoquent dans la même mesure. On peut presque sentir la lumière du soir qui projette des ombres et des formes, alors que la journée touche à sa fin. « Birthday Wish » en est un bon exemple, ses descentes de guitare ajoutant à la fois une tension tranquille et une sensation de temps qui passe, de longs après-midi solitaires.

« Silly Boy » suvra, avec la batterie habile de Charlie Salvidge qui propulse les lignes de guitare cristallines d’une manière dynamique et excitante, démontrant que Great Silkie peut habilement passer à la vitesse supérieure quand il le faut. « Gone Long », quant à lui, révèle l’amour de Davies pour la scène de Canterbury, découverte lors de son déménagement de Berlin à Wiltshire, ainsi que les aspects plus pastoraux des Kinks et de Pentangle. Des harmonies vocales qui font se dresser les cheveux sur la tête intercalent un couplet circulaire et brumeux, la chanson dans son ensemble évoquant une sensation céleste et pourtant d’un autre monde, à la fois sacrée et étrange. Par contraste, la terreuse et carillonnante « How Could This Happen » s’élancera sur les courses de basse fluides d’Andrew Saunders, aux côtés des explosions de guitare enflammées de Davies et de son jeu de précision en forme de cloche. Ensuite, la chaleur acoustique bucolique de « Great Blondel » se fraie un chemin dans l’âme, un regard campagnard vers l’horizon qui canalise à la fois Bert Jansch et Syd Barrett, tout en restant une créature à part entière. Le jeu de guitare de Davies mérite une mention spéciale ; immaculé et porteur, complexe mais pas voyant ni égocentrique, il ajoute de la texture et de la tapisserie plutôt que de la frime. Son jeu apporte également un sens de l’originalité et un style reconnaissable, peignant un certain nombre de coins et d’angles bizarres et agréables sur la toile de Great Silkie. Comme pour prouver ce point, ‘Such Silence’ termine l’album sur une séquence de figures de guitare en écho et en boucle qui conspirent pour créer une ambiance et une atmosphère dont Eno lui-même serait fier à juste titre. De douces vagues d’orgue déferlent, tournant en rond et se superposant jusqu’à ce qu’un chœur d’harmonies vocales sans paroles et une guitare à l’archet viennent clore le tout de manière cinématique et émotive.

Pour un groupe aussi jeune (bien qu’ils aient chacun un certain pedigree dans des formations et collectifs précédents), c’est un travail étonnamment accompli. Dawn Chorus est à la fois riche et orné de détails et de décorations folkloriques, tout en laissant beaucoup d’espace pour exister dans les chansons, leur permettant de respirer. Il est aussi chaleureusement réconfortant, tout en étant empreint d’une tristesse tranquille. De plus, le son de Great Silkie est peut-être vintage, mais il est totalement en dehors du temps et des modes, vivant confortablement dans son propre univers et sa propre époque. Dawn Chorus est donc, à ces multiples égards, un kaléidoscope délicat, un album aux multiples facettes, visages et côtés. L’écouter, c’est s’extraire du monde pour un temps, se laisser transporter ailleurs. Et qui ne le voudrait pas ? 

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Moongazing Hare: « The Middle Distance »

25 juin 2021

Moongazing Hare, le personnage public du musicien et artiste David Folkmann Drost, travaille en marge de la folk psychique intime et expérimentale depuis plusieurs années maintenant, avec des succès et des réalisations significatifs. Collaborant parfois avec des compagnons de route comme Trappist Afterland et David Colohan de United Bible Studies, d’innombrables bijoux calmes et réfléchis se sont échappés de sa base de Copenhague/Malmö, du point culminant de sa carrière, le sculpté et complexe Wild Nothing en 2016, au plus libre mais non moins émouvant Marehalm. L’un des plus beaux souvenirs que l’on a de lui est celui d’il y a quelques étés (avant que la peste ne s’abatte sur ces terres), assis dans un minuscule sous-sol de Leith, à Édimbourg, en train de regarder Drost tenir un public en haleine, les yeux écarquillés et absolument immergé dans un set acapella et acoustique vraiment envoûtant. Avec son nouvel album, The Middle Distance, il souhaite que l’enregistrement soit « une célébration de la joie de la communauté à travers le temps et la distance, et des personnes qui ont fait de ces quinze dernières années d’apprentissage à chanter mes propres chansons à presque personne, un voyage si enrichissant. Les chansons retracent les relations entre les maisons et les corps ; habiter, déshabiter, réhabiter, désirer et quitter ». Si l’on en croit la musique qu’il contient, Drost réussit au-delà de toute mesure, en fusionnant un sentiment de mélancolie bien ancré avec une chaleur authentique et une profondeur d’humanité. C’est une musique qui parle de ce que cela signifie d’être vivant à ce moment de l’histoire, alors que nous regardons avec inquiétude les années défiler et que nous sommes parfois tenus à l’écart de ceux dont nous devrions être proches ; elle parle du besoin de trouver un foyer construit à partir de ceux qui nous entourent, et de la renaissance et du renouveau que les cycles du temps imposent.

« After Vementry » ouvre l’album d’une manière feutrée et hymnique, avec des guitares qui s’inclinent et résonnent autour d’un rythme solitaire de boîte à rythmes, des notes de flûte à bec et de bois qui pleurent et s’entrelacent sur la mélodie meurtrie comme des papillons de nuit au crépuscule. La voix de Drost porte la majeure partie du poids émotionnel de la chanson, à la fois profonde et stable, mais avec une fragilité humaine essentielle et un sens de l’intimité. Il ne recouvre pas ses chansons d’artifices de studio ou d’effets sonores qui peuvent éloigner le public et atténuer la résonance émotionnelle ; ici, Drost est nu, humain, et tout à fait authentiquement réel. « King Neutral’s Dream », avec ses parties de synthétiseur élaborées et son air de douce tristesse, est une preuve évidente que le calme et la retenue sont plus puissants qu’un assaut sonore, surtout entre de bonnes mains. « After The Brush Fire » commence par la plainte brisée de cordes à l’archet, un tambour à main distant et un chœur de cloches et de carillons contemplatifs, un morceau d’ambiance qui évoque habilement la froideur et l’inquiétude d’une nuit d’hiver, claire et nette, avec une magie noire. Une version de  » »The Highland Widow’s Lament » de Robert Burns (peut-être mieux connue d’une certaine génération pour avoir été chantée au générique de la suite de The Wicker Man, avec des drones magnifiquement superposés, un battement de cœur régulier et une performance vocale discrète mais exemplaire qui élève la chanson au rang de psaume sacré, à la fois mystique et finalement réconfortant. Le sifflet de David Colohan ajoute une touche de folk acide à la Summerisle à ce qui est l’une des plus parfaites fusions contemporaines de musique folk traditionnelle et moderne.

Ensuite, « We Could Live Here », avec son doigté délicat et son souffle d’harmonium, est enveloppé de murmures et d’échos fantomatiques, un hymne obsédant et pourtant réconfortant à la recherche et à la création dans nos vies d’un foyer et d’un sentiment d’appartenance. Vulnérable, mais pas abattu, on sent ici que, bien que les nerfs soient exposés, la chanson est d’autant plus attachante, enveloppante et parée d’une beauté simple en raison de cette relativité et de cette humanité brute. A son tour, « Resurrection Bell » est une affaire plus austère et plus balayée par le vent, le cri de la guitare ajoutant un côté sinistre et inquiétant qui rappelle parfois la belle tristesse de American Music Club. « To Make You Stay » » laisse entrer la lumière une fois de plus, une dévotion menée par l’orgue, avec des touches et des teintes chatoyantes d’une version de la musique country à la Bonnie Price Billy. Le moment où la batterie entre en scène et élève la chanson à un tout nouveau niveau d’intensité est un véritable moment de retenue.

« I Am Long Pig » prendra ensuite un chemin inattendu mais bienvenu, avec des passages de piano ornés et baroques et des synthés analogiques lugubres encadrant parfaitement la voix de Drost, des rafales d’effets modulaires râpeux ajoutant à l’impression d’un autre monde du morceau. On a la forte impression de flotter, sans attache et perdu, mais résigné et sans résistance, dans l’obscurité de l’espace (intérieur) ou de la nuit. C’est un point culminant de l’album, qui équilibre de façon magistrale la tension et la libération émotionnelle, et qui est à la fois profondément émouvant et évocateur sans effort. Une reprise sympathique de « Maize Stalk Drinking Blood » des Mountain Goats nous ramène sur terre avec un mélange de folk psyché et de country alternatif, tandis que « Before the Smoke Clears » émettra un bourdonnement inquiétant (comme un essaim électronique modulaire) auquel répond une variété de clics de synthétiseurs vintage, de gazouillis et d’énoncés. Au cœur de ce flottement, une guitare apocalyptique tourbillonnante lance un cri d’avertissement et de trépidation semblable à celui d’une sirène, tandis que les canaux de radio se mettent brièvement à portée et disparaissent tout aussi rapidement. Le morceau constitue une sorte d’interlude, une pause qui encourage à la fois l’immersion et la contemplation, avant que le final, « Between the Calm Remains » », n’offre le genre de ballade minimale – mais énorme – et douce mais hymnique que Drost semble évoquer sans effort, un peu comme les précédents trésors de Moongazing Hare, Wild Nothing et Burning Cloud. Les voix harmonisées rassurent et tendent la main ; aussi sombre que cela puisse être avant l’aube, l’humanité et l’esprit essentiels de Drost s’efforcent de se connecter et de rencontrer l’autre. À parts égales, déchirante et pleine d’espoir, endommagée mais profondément humaine, cette musique est tout à fait authentique, elle a son propre cœur qui bat et fait preuve de compassion. 

The Middle Distance est donc un album à chérir lorsque les nuits sont bien trop sombres et bien plus froides qu’elles ne devraient l’être, lorsque la solitude est un manteau dont on ne peut se défaire et lorsqu’une sorte de compagnonnage essentiel est bien nécessaire. La musique de Moongazing Hare peut être cette main secourable, cet ami inconditionnel. Gardez cet album près de vous, en ces temps, c’est un onguent indispensable, sa beauté aux yeux tristes et son espoir malmené sont quelque chose sur lequel on peut compter. 

****1/2


Rokurokubi: « Iris, Flower of Violence »

10 juin 2021

Le duo de folk psychédélique Rokurokubi (Rose et Edmund), basé à Brighton, a émergé en 2019, comme s’il sortait des pages d’un exemplaire des « Contes de fées » de Perrault, ou de quelque part au plus profond de l’imagination de Lewis Carrol, avec son premier enregistrement, Saturn in Pisces. Cet album, un cours magistral de chamber-folk, richement décoré et aux motifs cachemire, a établi le duo comme une force de la nature extrêmement imaginative, idiosyncrasique et créative et, surtout, qui avait accès à toutes les meilleures mélodies.

Avec cette suite tant attendue, Iris, Flower of Violence, Rokurokubi ne se contente pas de consolider sa position et sa réputation, mais fait plus que tenir ses promesses initiales et repousse ses limites vers le ciel, avec de plus grands éclats de bizarrerie et de beauté inspirées. La première chanson de l’album, la carnavalesque « Come to The Fayre », est un conte de fées, avec son orgue sifflant et sa voix de comptine, qui évoque habilement les fantômes de Syd Barrett et Mike Heron. A la fois légère et légèrement hantée – donnant l’impression que la fête foraine va disparaître si vous détournez le regard – c’est le début idéal d’un album qui assume pleinement ses excentricités. Iris, Flower of Violence, en revanche, est un monstre de psycho-rock aux accents baroques, avec des guitares en forme de cloche, des explosions de distorsion et une section de cordes endiablées, qui s’enchaînent pour aboutir à une conclusion véritablement palpitante et frénétique. « Cult Leader Murder » suit, adoptant une tension acoustique feutrée et calmement dramatique, bien qu’avec un chœur de violons poignardants qui ajoutent progressivement au sentiment croissant d’obscurité au fur et à mesure que la chanson se déroule. Il y a un soupçon de Faun Fables dans sa puissante simplicité et sa narration, le morceau démontre la versatilité de Rokurokubi et la facilité avec laquelle ils peuvent évoquer une multitude d’atmosphères et d’images cinématographiques, dans ce cas d’un rêve d’enfant de fleur des années 60 qui a mal tourné. 

« Match Girl » suit, essentiellement une histoire de fantôme racontée avec un violon triste et des battements de tambour funèbres. « Death & The Maiden » est un folk rock plus reconnaissable, rappelant le « Reynardine » » de Fairport Convention avec des interludes de comptines tordues, évoquant agréablement Lee Hazelwood et Nancy Sinatra sur un coup de pied folk sombre et lysergique. « Nick », quant à lui, est une ballade magnifiquement cadrée, majestueuse et gracieuse avec un air médiéval, truffée de coins et d’angles bizarres qui ajoutent un sentiment d’étrangeté et d’étrangeté. Nous sommes peut-être dans une forêt enchantée, mais, comme nous le savons par les contes de fées, c’est aussi là que se trouve toujours la maison de la sorcière. « Nature Poem » est un morceau de folk psychédélique de chambre parfaitement formé, les guitares et le violoncelle réverbérés fournissant une fondation et un paysage de soutien pour la voix cristalline de Rose, chaque phrase et chaque tour étant enrobés d’émerveillement et d’expression. Ensuite, une explosion soudaine de cymbales et un tourbillon de sons introduisent « Katie Levitating », un mirage désertique à moitié parlé de son exploratoire Doors/Ray Manzarek, nous conduisant vers des jours étranges en effet. Tendu comme un fil, c’est un chant de sorcière d’une profonde magie et d’une folie gloussante, qui se jette volontiers dans un final de guitares fuzz en masse, de flûtes trippantes et de voix exclamatives à la Arthur Brown.

La magnifique « The Dance of Wasp & Moth » annonce l’été avec sa guitare aux échos délicats, ses voix mélancoliques et ses arrangements vaporeux, un point de rassemblement pour les gens rusés. Alors que le violoncelle se construit couche après couche, accompagné par le cri occasionnel d’un glockenspiel, c’est l’un des nombreux moments où l’on a les cheveux sur la nuque que l’on trouve tout au long de l’album. En effet, l’album ressemble à un livre de contes, avec des passages d’une beauté mélancolique qui côtoient des contes et des personnages hypnagogiques, et des excursions dans la forêt sombre dignes des frères Grimm eux-mêmes. L’écoute d’Iris, Flower of Violence est une expérience multisensorielle qui fait appel à l’imagination autant qu’aux oreilles. Le voyage se termine avec  « Eternity Magic « , avec à nouveau l’esprit de Syd Barrett qui rôde en arrière-plan, une merveille wyrd fracturée et teintée d’acide qui se dirige vers un territoire cosmique, rempli d’orgue fou et d’un soupçon de gothique aux yeux de khôl.

L’album est accompagné d’une série de vidéos spécialement conçues pour chaque chanson, soulignant à nouveau la nature visuelle et hautement évocatrice des créations de Rokurokubi, et un livre illustré des paroles et des poèmes de Rose sera également publié. Avec un enregistrement aussi immersif, émotif et communicatif, cela prend tout son sens et c’est l’occasion pour l’auditeur de s’immerger complètement dans le monde étrange mais addictif du groupe. Vous n’aurez pas envie de revenir.

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Firefay: « Tales of Monsters and Fairies »

14 mai 2021

Le groupe londonien Firefay publie discrètement depuis plusieurs années des morceaux de folk psychédélique uniques et attachants, qui enchantent et envoûtent à parts égales avec des titres tels que « Anointed Queen » » (enregistré avec Alison O’Donnell de Mellow Candle et United Bible Studies) et l’époustouflant « The King Must Die », qui témoignent tous de leur mosaïque de baroque urbain, folk noir mondial, jazz et chanson. Avec le nouvel album Tales of Monsters and Fairies, qui fait partie de la série de cassettes du splendide label Woodford Halse, Firefay ne se contente pas d’égaler et de développer les richesses précédentes, mais ajoute de nouvelles dimensions, de nouveaux personnages et de nouveaux mondes à son univers déjà séduisant et inhabituel.

Ce n’est pas seulement un album mais aussi une sorte de livre de contes, qui traite principalement du surnaturel (en particulier des créatures artificielles de toutes sortes), « Tales of Monsters and Fairies » est une œuvre très détaillée et magnifiquement ornée, chaque chanson étant un récit autonome ou un conte troublant en soi. Richement orchestré avec des cordes de chambre, du piano, des cuivres, de la cithare, de la clarinette et la voix mélancolique mais envoûtante de Carole Bulewski, il y a des parties égales, des allusions et des nuances de Brel et de Piaf ainsi que de Pentangle et Fairport Convention.

Le titre d’ouverture, « Somerault « , en est un excellent exemple : une magnifique tranche de tristesse, une chanson torche qui hante et enchante à la fois. »Kolumbasplat » « , avec son air hivernal et son violoncelle strident, est sans effort cinématographique, tandis que  » El Dia en que Encuentro al Diablo  » canalise François Hardy et le beat des années 60, et est imprégné de l’atmosphère de la Nouvelle Vague. L’autoharpe déclarative de « Prison St Michel » et le violoncelle omniprésent offrent une complainte funeste et majestueuse, tandis que l’interprétation par le groupe de la murder ballad meurtrière « Long Lankin » est u bonheur d’exploration ténébreuse, un bijou de folk acide influencé par le jazz. L’ombrageux chamber-folk qu’est « Night Spell » sera, lui, propulsé par une batterie funèbre, tension et drame habilement signalés par chaque nuance de piano et instruments à bois, évoquant de sombres ruelles et de profonds regrets. « House on the Strand » offre une chanson similaire, une histoire de fantôme effrayante, enveloppée dans une tapisserie de cordes inquiétantes et de piano chanson. L’éblouissante « Victoria Dines Alone » est à la fois provocante et blessée, une histoire de solitude et d’excentricité qui est profondément touchante. Un point culminant de l’album, il reflète tout ce qui est spécial de Firefay, montrant leur poids émotionnel significatif ainsi que l’artisanat soigné qui permet à chaque instrument de ne pas seulement fournir un soutien, mais de raconter l’histoire de la chanson ; chaque note est lyrique. Le final « Pesach Dance » commence timidement avec des cymbales brossées, des bois larmoyants et des doigts pensifs, avant d’éclater dans un stomp électrisant, des guitares fuzz et une clarinette sauvage tourbillonnant à perdre haleine, alors que le rythme devient plus rapide et plus derviche, allant toujours plus loin.

Firefay s’est déjà imposé comme l’un des groupes folk contemporains les plus passionnants et les plus inventifs ; avec Tales of Monsters and Fairies, il s’impose comme l’un des rois du psychisme. Aussi susceptibles de plaire à ceux qui adorent The Left Banke et Procol Harum qu’aux aficionados de Sandy Denny ou Steeleye Span, ainsi qu’aux amateurs de cabaret sombre et de chanson, Firefay sont les troubadours inclusifs et ouverts dont nous avons besoin en ces temps troublés. Lorsque le temps est froid, que les nuits sont sombres et que le confinement est à l’ordre du jour, pourquoi ne pas se plongeralors dans des contes de monstres et de fées ?

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Six Organs Of Admittance:  » Companion Rises »

26 février 2020

Une décoction primale de sons électrifiés – un peu de guitare altérée, un peu de synthé, un peu de feedback ; tellle est la teneur de ce qui ance le dernier album de Ben Chasny sous le nom de Six Organs of Admittance. On dirait un orchestre qui s’accorde, mais aussi un vaisseau spatial qui décolle. C’est le moment du big bang sur cet opus à l’atmosphère brumeuse, hérissée de piques et de battements, qui prend pour sujet l’observation des étoiles, parmi les activités les plus banales et les plus naturelles qui peuvent vous mettre régulièrement en contact avec l’infini.

Companion Rises est un album fait de six orgues, pas aussi bruyant et abrasif que le premier disque Hexadic, pas aussi tendre que les disques plus anciens dérivés du folk. Il glisse ses incursions de guitare plus sauvages et plus déformées dans les interstices des couplets, de sorte que le cliquetis régulier de la guitare acoustique se transforme en bourrasques sonores tempétueuses. Chasny chante d’une manière haute, aérienne et dénaturée, sans trop avaler, cracher ou grincer, bien que l’on puisse entendre la physicalité de son jeu de guitare, le tintement des cordes, les doigts emmêlés, les grincements et les courbes et les claquements de percussion qui en résultent. Les chansons s’enchaînent, les unes après les autres, dans une progression sensible qui ne fait appel ni aux pots ni aux palmes (bien que les deux premières après l’intervalle de bruit « Pacific », « Two Forms Moving » et « The Scout Is Here » utilisent exactement les mêmes attaques de six cordes). Les variations sont subtiles. Le « single » « The 101 », quant à lui, s’enfonce dans son riff de guitare, laissant la place à des assauts de synthés et d’électricité, et à de gros crashs de batterie.

Le thème de l’album est astral. Son titre fait référence à la façon dont Sirius s’élève près d’Orion dans le ciel nocturne et « The Scout Is Here », selon Chasny, a été inspiré par l’astéroïde Oumuamua que certains observateurs croyaient être un vaisseau spatial extraterrestre. Ce sujet céleste donne à Companion Rises un étrange amalgame de fantaisie et de réalisme naturel. Il n’y a rien de plus terre à terre que d’être assis à la campagne, à regarder les étoiles, mais vous regardez de la science-fiction incarnée, des planètes lointaines, des satellites et, peut-être, de la vie extraterrestre. Ainsi, alors que le corps de l’album est aussi acoustique et accueillant qu’une promenade pieds nus dans les prés, il est encadré par deux titres qui s’étendent dans l’étrange et l’inconnaissable. « Pacific » commence avec une énergie explosive, comme déjà mentionné, et « Worn Down to the Light »- » se termine par un bourdonnement astral et universel. La voix de Chasny flotte en apesanteur au-dessus d’une atmosphère de base stagnante, comme si elle était entendue à travers des ondes radio, des éons et des années-lumière. Il y a une sorte de clavier d’orgue d’église qui souligne son aura de prière. La coupure s’estompe avec le temps, comme un signal qui s’éloigne, laissant de faibles traces d’immanence dans son sillage. C’est une façon délicieuse de clore un album envoûtant.

***1/2


Efrim Manuel Menuck & Kevin Doria: « are SING, SINCK, SING »

21 mai 2019

Le second album d’Efrim Manuel Menuck intitulé Pissing Stars avait, peu ou prou, été mis en valeur. Le membre de Godspeed You! Black Emperor et de Silver Mount Zion avait exploré son talent jusqu’ici inexploité. Il ne compte pas se reposer sur ses lauriers cependant car le voilà qu’il revient avec un album collaboratif en compagnie de Kevin Doria, tête pensante de Total Life intitulé are SING, SINCK, SING.

Le « superduo » s’est envolé au Mexique pour mettre en boîte cinq morceaux à mi-chemin entre ambient, drone et folk psychédélique pour un contenu aussi bien musical et politique. Résolument engagé, Efrim Manuel Menuck & Kevin Doria arrivent à balancer leurs messages que ce soit l’introduction hypnotique de huit minutes nommée « Do the Police Embrace? » riches en loops électroniques menaçants ou encore « Fight the Good Fight » et « We Will » qui sont placés sous le signe de la persévérance.

are SING SINCK, SING arrive à distiller ces influences musicales pour une écoute plus que religieuse. Avec des titres magnétiques comme « A Humming Void an Emptied Place » et les hommages à l’héritage juif d’Efrim Manuel Menuck du somptueux « Joy Is on Her Mount and Death Is on Her Side », l’album entre les deux artistes arrive à nous emporter au loin et à faire revivre et entrer dans leurs univers respectifs.

***1/2


Jessica Pratt: « Quiet Signs »

13 février 2019

Le second album de Jessica Pratt, On Your Own Love Again, date de quatre ans. Elle effectue, ici, un retour sous le signe de la douceur avec son successeur, un Quiet Signs qui, à son tour, place la barre très très haut.

La chanteuse la plus british de San Francisco est remarquable pour sa folk psychédélique digne des années 1960 faussement présentée comme désuète. Désormais signée sur le prestigieux label Mexican Summer, Jessica Pratt prend son envol avec son nouvel album où elle baigne dans ces influences qui lui sont familières mais avec plus de grâce et de charme qu’auparavant. Dès l’introduction au piano sous une couche de reverbs intitulée « Opening Night », voilà que sa voix enfantine toujours aussi originale refait surface et nous envoûte sous ses très belles combinaisons guitare/voix comme « As The World Turns », « Here My Love » sans oublier le désormais incontournable « This Time Around ».

Avec toujours Vashti Bunyan comme principale source d’inspiration, Jessica Pratt n’hésite pas à s’élever au milieu de la concurrence fortement accrue avec des Angel Olsen, Aldous Harding et autres Julie Byrne en faisant appel à un charme infaillible et à une profondeur exceptionnelle. Au milieu de ces neuf compositions dépouillées et intemporelles, il arrive que d’autres instruments viennent s’y greffer pour plus d’émotions comme la flûte et l’orgue sur « Fare Thee Well » ou des influences brésiliennes viennent s’ajoute à l’atmosphère générale de l’opus comme les accents Laurel Canyon de « Poly Blue ».

On se laissera donc bercer par les paroles inintelligibles contrastant avec la sublime interprétation de la native de San Francisco comme sur « Here My Love », « Silent Song » mais également sur la magnifique conclusion nommée « Aeroplane ». Beaucoup plus lumineux que son prédécesseur, le charme infaillible de Jessica Pratt rayonne de nouveau sur ce Quiet Signs et arrive à rendre sa folk psychédélique des années 1960-1970 intemporelle, distinctive et remarquable.

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Lisa/Liza: « Momentary Glance

30 novembre 2018

La voix patiente et légèrement plaintive de Liza Victoria est enfin de retour. S’il y a eu le court Barn Coat au printemps, il y avait deux ans que la musicienne du Maine ne s’était pas lâchée en longueurs. Six pistes en 42 minutes : un format parfait pour sa construction mélodique lente, en volutes libres et imprévisibles. C’est ainsi que naît la grâce. Momentary Glance, enregistré à Montréal (à l’exception d’un morceau) dans le froid pénétrant de l’hiver dernier, fait entendre pour la première fois le groupe qui accompagne Lisa/Liza — la guitare est maintenant électrique, on entend des percussions, de la reverb, de le pedal steel, des bruits. Mais c’est toujours aussi fuyant qu’avant : comme une seule piste qui traverserait plusieurs paysages.

Lisa/Liza fait d’ailleurs souvent référence à la nature, aux oiseaux, à ce qui nous entoure pour poser sa contemplation. Et cette fois, sa voix vacillante a chanté malgré le deuil d’un ami, qui s’est suicidé peu avant l’enregistrement. Pour cela, et pour le talent qu’il recèle, Momentary Glance est d’une précarité grandiose.

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Miranda Lee Richards: « Echoes of the Dreamtime »

8 avril 2016

La pochette légèrement psychédélique et inspirée des 60’s de Echoes of the Dreamtime aurait pu faire croire que nous allions avoir devant une resucée de Pentangle ou autre réminiscence de l’ère hippie, ce n’est pourtant pas ce qui constitue l’inspiration de Miranda Lee Richards.

Bien sûr, évoquer des échos aux rêves ouvre la problématique suivant : ceux-ci ne sont-ils pas des reflets de quelque chose ? Des fragments musicaux de nos vies en veille médiatisés pendant le sommeil, des courants de notre conscient dont les formes ne sont jamais révélées, des espoirs ou des désirs.

C’est un peu ce qui vient à l’esprit quand on écoute ce troisième nouvel opus de la chanteuse. Pas de pastiche à la Kula Shaker mais la détermination à créer une atmosphère et d’y résider. L’artéfact, le disque en soi, ne devient qu’adjacent et si le sonique y est présent, il ne l’est que par accident.

L’americana psyché rock à laquelle on peut s’attacher ne l’est que vaguement tangible. Cette invitation est désinvolte même si le soleil se lève, que le vent souffle et soulève les sables du désert .

La lueur ne peut qu’être sombre , un bar vaguement illuminé, une lumière de néon, et le trajet accidenté. Partout des images de « flower children » jalonnent les routes, de la mystique du troisième œil ou de pleine lune (« The Man »).

Nous sommes dans l’Amérique de Zabriskie Point, cette mythologie à moitié western dont l’existence n’est que balbutiée.

Le panorama est onirique, avec une focalisation minimale, son pinacle sera d’une brillance lustrée, « First Light of Winter » sis à la Nouvelle Orléans) et ses vocaux sont élégants et consumées comme si il était question se se fracasser sur des falaises. S’insinue alors la crainte permanente que le barrage ne tiendra pas , et ce sur plus de sept minutes, et que les guitares minimalistes se heurtent aux magnifiques arrangements à cordes.

Le moment ne dure pas, très vite nous avons affaire à un folk prosaïque (« It Was Given ») ou le passage obligé et dispensable de la cithare sur le peu mémorable « Julian ». Seul « The Colours So Fine » parvient alors à laisser une impression qui se conjugue à un onirisme agréable, tourbillonnant et propre à nous transporter.

Au travers de ce périple, The Cowboy Junkies viendront immanquablement à l’esprit tout comme les poèmes de Percy Bysse Shelley admirablement évoqués ici et la sensation que nous sommes arrivés à une oasis mais que celle-ci est aussi un mirage. Quid alors de nos repères si le bienveillant et le beau sont également maléfiques ? Il appartiendra à chacun de s’attarder à une telle destination.

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Red River Dialect: « Tender Gold & Gentle Blue »

2 août 2015

Du début à la fin cet album de Red River Dialect nous transporte dans un temps où le folk psychédélique était fait de douceur et de langueur, un paysage sonore imbriqué uniquement dans notre propre système et nos émotions. Ainsi est Tender Gold & Gentle Blue un départ radical de ce qui était la caractéristique du groupe.

Ce disque n’avait pas pour vocation d’être le produit d’un groupe mais l’effort solo de David Morris. Le résultat en est un opus insistant sur la notion d’espace et lui donnant une qualité pastorale. La tristesse de « For Ruth and Jane » véhicule notule éthérée par son interaction piano, guitare, violoncelle où les textes développent une tapisserie semblable à cet entremêlement.

« Fallen Tree » insite sur cette synthèse et « Dozmary » nous entraîne vers ce mystère que sont les méandres qui qnuancent l’instrumentation.

Même effet de vertige avec l’hypnotique banjo de « Khesed » ou les instrumentaux (« Child Song », « Sceillic ») qui accentuent ce climat élusif. Avec Tender Gold & Gentle Blue Red River Dialect donnen une nouvelle facette à la musique folk, et les éléments qui la constituent possèdent une structure qui étincelle tendrement.

***1/2