No BS: Just Rock & Roll!

Folk et tarabiscoté, tel est le répertoire de James Yorlstown, songwriter écossais dont The Route To The Harmonium est le neuvième album. Enregistré dans un petite village de pêcheurs et produit par David Wrench (Frank Ocean, Caribou) ce nouvel opus a pour but de nous entraîner dans le labyrithe sonore qu’il nous a concocté.

La recette est celle de ballades toutes en légèreté ornées de sa voix lointaine et mélancolique et de ses guitares acoustiques caressantes. L’accompagnement est d’une toute autre garniture ; cithares et outohapres propres à enflammer l’imagination et cuivres étouffés apportant leur lot de dissonances. Des nappes synthétiques prennent également le dessus, s’extirpant de cette masse gribouillée et des refrains enjoués que la retenue verrouille retenue en une clameur cotonneuse.

Les ballades de Yorkston s’inscrivent ainsi dans une certaine intemporalité (ou atemporalité) qui s’emploient, avec réticences, à nous réchauffer le cœur. Ainsi, les arrangements semblent partir de simples notes de piano ou de quelques cordes pour évoluer vers des sonorités plus complexes semblant vouloir nous sérier pour mieux nous envahir. James Yorkston laisse le temps aux plages instrumentales d’évoluer, donnant encore plus d’importance aux passages vocaux qui semblent s’évaporer à chaque syllabe, percutant le silence.

Le disque va basculer sur « Shallow », titre rapide et inquiétant laissant perler une certaine émotion d’où l’effroi semble s’extraire de boucles synthétiques, parsemées de solos de trompettes nous transportant aux beaux milieux de paysages brumeux. Le mélange de l’organique des cuivres et du synthétique des claviers imeront alors une ambiance tragique presque insoutenanble.

La rythmique rapide refera son apparition sur « My Mouth Ain’t No Bible », accompagnée par une voix parlée inspirée du hip-hop sur fond d’arrangements krautrock. Après des débuts tout en lenteur, Yorkston nous impose son contre pied en déroulant son texte avec brusquerie sur un tempo qui semble en constante avance sur son temps. Arrivera ensuite une ballade frémissante, The Villages I Have Known My Entire Life, certainement le titre le plus marquant du disque avec ce piano en retenue et ces quelques violons se frayant un passage. Yorkston nous noie dans ce qui semble jaillir directement de son âme. Les chansons d’amour comme « Oh Me, Oh My » ne se perdront pas d’ailleurs en fioritures ; ce sont des émanations d’âmes dont la verve enjouée peine à masquer la veine atrabilaire, en « unplugged » au coin du feu, dont la force réside dans les méandres qu’il véhicule, ceux d’un petit village figé dans un temps qu’il tente en vain de ralentir, un monde destiné à obérer la route vers l’hramonie dont il se veut porteur.

***1/2

Tirill Mohn fait partie du groupe Autumn Whispers où elle apparaît comme flûtiste/guitariste sur l’album Ignis Fatuus des norvégiens de White Willow. Sans oublier qu’elle se consacre aussi à une carrière solo où elle a pu exprimer tout son potentiel d’auteur, compositeur, chanteuse et multi-instrumentiste. A ce jour, Tirill Mohn a publié sous son nom trois albums magnifiques, le premier A Dance With The Shadows en 2003, le second Nine And Fifty Swans en 2011 et enfin Um Himinjodur en 2013.

Alors pourquoi Tirill plutôt qu’une autre ? Tout simplement parce que sa musique a la faculté de vous faire voyager et de vous transporter vers des contrées insoupçonnées. Tirill possède assurément un talent enchanteur qui donne à ses albums un côté mystérieux et hypnotique. Sa musique puise ses influences dans le folk traditionnel, mêlée d’histoires au fort potentiel émotif. L’instrumentation est essentiellement acoustique avec une préférence pour les sons chauds de la flûte ou du violoncelle. Par ailleurs, on voit fréquemment apparaître un mellotron pour la touche progressive et pas mal d’instruments exotiques propices au voyage.

Um Himinjodur signifie « Au bord du ciel » en norvégien et fait référence à la « maison » dans le sens du paradis ou du lieu que l’on rejoint tous après notre vie terrestre. Il s’agit d’un concept album qui parle de mythologie nordique et de la possibilité de recréer un monde idéal. La pochette typique de l’imagerie des contes et féeries cadre merveilleusement avec le thème et l’ambiance du disque. La musique est très douce, enveloppante, parfois sombre et vous transporte dans une sorte de flottaison ouatée qui n’est pas sans rappeler le glissement d’une barque sur un lac de montagne. Les images qui apparaissent ne sont pas urbaines, mais plutôt champêtres et souvent liées à l’automne ou l’hiver.

Ce voyage n’est jamais ennuyeux, il y a toutes sortes de surprises, à commencer par le premier titre « Voluspa » sur lequel Tirill utilise pour la première fois le parlé norvégien pour un duo vocal en superposition de toute beauté. Le ton est donné pour ce disque où les voix masculines et féminines vont s’alterner ou s’entremêler harmonieusement. Tirill possède une voix très douce, prédisposée au répertoire folk et dont le phrasé peut rappeler par moment Loreena McKennitt ou même Nick Drake. C’est une artiste qui utilise l’art comme moyen d’expression. Um Himinjodur est une de ses créations, elle l’a écrit, composé, elle y joue de plusieurs instruments, elle l’a produit et a aussi dessiné la pochette. Autant dire que même si elle s’est entourée de quelques musiciens et chanteurs, Um Himinjodur lui appartient pleinement.

Tirill aime le rock progressif des années 70. Elle avoue adorer le son du mellotron et n’hésite pas à l’utiliser de la plus belle des façons sur « In Their Eyes » et surtout sur le sublime « Moira » dont l’aspect étrange nous rappelle le jeune King Crimson. Autre clin d’œil au rock seventies avec la présence de l’orgue Hammond joué par Jan Tariq Rui-Rahman, lui aussi présent sur Ignis Fatuus. Sur le long « In Their Eyes », son intervention dans la partie centrale est superbe et fait décoller littéralement le morceau. On ne prend pas grand risque en qualifiant de Prog Folk la musique de Tirill tellement son univers créatif colle parfaitement avec les codes de ce genre musical. Sur « Chariot » notamment, où la classique ballade folk commencée au tin whistle va s’interrompre pour quelques notes rêveuses de xylophone du plus bel effet. Cela dit, l’ensemble est homogène même si rien n’est répétitif. La différence se fait par petites touches comme sur l’intro de « Serpent » où l’on entrevoit un instant le chant plaintif de Lisa Gerrard. On retiendra « Muzzled » dont le côté lancinant nous renvoie à l’ambiance New Age du Before And After Science de Brian Eno, on aimera aussi « The Poet » avec ses voix superposées, son beau solo de flûte et l’orgue Hammond en conclusion originale. L’album se termine avec la bien nommée « Quiet Night », une jolie berceuse à la guitare et au violoncelle venant conclure la charmante balade onirique de Um Himinjodur.

Tirill Mohn se fait discrète, on attend la sortie de son quatrième album qui ne devrait plus tarder.Toujours est-il que Tirill fait partie de ces artistes que l’on conserve précieusement comme faisant partie de nos refuges intimes mais que l’on aime aussi partager.

****1/2

Michael Chapman renaît régulièrement de ses cendres tel un phénix. Ici il bénéficie de la participation de son complice, Steve Gunn aux manettes et aux instruments pour remettre en salle ce vétéran de la scène folk progressive britannique des années 1960-1970. Afin de marquer un beau coup, le tandem gagnant remet donc le couverts sur un nouvel album intitulé True North.

Une fois de plus, Michael Chapman fait parler sa sagesse et regarde, sur ces onze compositions, son parcours avec un détachement emprunt de nostalgie. A l’approche des 80 printemps, le britannique continue son voyage introspectif qui démarre en trombe avec un « It’s Too Late » des plus déchirants en passant par « Vanity & Pride », « Bluesman » sans oublier « Full Bottle, Empty Heart » qui nous envoûtera comme jamais. Avec ses instrumentaux paisibles et sereins teintés d’une douce mélancolie, notre doyen montre su’il connaît son affaire et ne cherche jamais à nous proposer du recyclé.

Entre épopées instrumentales comme « Eleuthra » et passages bluesy pour les moins réussies avec « Truck Song », on peut définitivement atteindre que Michael Chapman a atteint la sagesse absolue. Ce n’est pas pour rien que des morceaux à l’image de « Caddo Lake » et de « Youth Is Wasted On The Young » que le précurseur de ce courant arrive à nous transmettre ses élans de lucidité de façon magique. True North s’ajoute à la discographie taillée comme un précieux diamant accompagné de son acolyte américain qui le guide parfaitement pour le mener l

Avec ses forêts verdoyantes, ses paysages enneigés, sa mythologie passionnante peuplée de créatures légendaires et de divinités, la Finlande est une terre fascinante. C’est certainement la raison pour laquelle tant de groupes locaux se sont inspirés de cet héritage à travers leur musique. On imagine bien que c’est ce qui a poussé Mathew McNerney, chanteur de metal anglais, a venir s’y installer et fonder Hexvessel.

Étiqueté comme un groupe de folk rock psychédélique et progressif à ses débuts, dix ans plus tard, le sextet voit son style évoluer avec son troisième album, All Tree. C’est au coin du feu, au cœur de la nature finlandaise et empreint de nostalgie que Mathew McNerney a trouvé l’inspiration pour ce nouvel album, l’esprit empli de paysages naturels hypnotiques.

Ce cadre apaisant se fait ressentir au plus profond des treize titres qui composent l’opus. Musicalement, le rock progressif ayant teinté les premières compositions a cédé sa place à un folk parfois atmosphérique et souvent sombre dont les mélodies rappellent le froid hivernal. Nous sommes donc aux antipodes du monde du metal ayant forgé l’identité du compositeur britannique !

Après une très belle intro a cappella, c’est « Son Of The Sky » qui prend place avec son ambiance remémorant des scènes scandinaves médiévales et son violon, symbole de réminiscences celtiques. L’ambiance est souvent grave comme sur le très beau « Changeling » évoquant une marche à travers une forêt enneigée.

On retrouve aussi des atmosphères plus minimalistes et intimistes comme sur «  Old Tree », premier single court et épuré, qui n’en reste pas moins un bijou acoustique, sublimé par un solo de violon lent et douloureux. On côtoie même la grâce sur la ballade « Birthmark », pièce maîtresse de l’album avec son refrain d’une grande sensibilité et d’une beauté rare tout en restant très simple. Mais Hexvessel sait aussi varier les ambiances comme en témoigne le festif « Wilderness Spirit » et son thème emmené par un violon sautillant évoquant danses celtiques et autres réjouissances.

All Tree est un bel album de folk qui s’écoute toujours avec plaisir. Plus qu’un simple disque, il est une invitation au voyage, à ne faire qu’un avec la nature finlandaise généreuse et mystique, une initiation au lâcher prise, une porte vers une évasion spirituelle.

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