The Brothers Steve : « #1 »

12 septembre 2020

Suivant cette fière tradition de rock ‘n’ roll qui consiste à nommer des groupes de patronymes trompeurs, The Brothers Steve ne sont pas des frères, et aucun ne s’appelle Steve. Le groupe basé à L.A. joue sa propre marque de powerpop, avec une bonne dose de bubblegum ajoutée au mélange. Le combo a déjà sorti trois « singles » (dont un sur le thème de Noël), mais leur premier album  #1 contient sept nouvelles chansons, ainsi que trois morceaux qui figuraient sur ces « singles » (uniquement en numérique).

En accord avec l’esthétique des dessins animés de The Brothers Steve la musique du premier album fait fortement écho à celle des Vandalias, un groupe powerpop sur le thème des dessins animés, immortalisé sur l’un des sets essentiels de Jordan Oakes, les Yellow Pills. Mais les chants enjoués sont soutenus par une musique plus dure, qui rappelle Redd Kross dans sa pop punk la plus intelligente.

Les harmonies et les vocaux sont une tuerie et  #1 nous gratifie les deux en grande partie. Le riff musclé d’ »Angeline » est équilibré par le solide travail vocal du groupe. « She » n’est pas un classique des Monkees, mais c’est néanmoins un solide morceau de jangle-pop, avec quelques changements d’accords gagnants et de la subtilité dans le « rocking-out ».

Le groupe change de style tout en opérant dans le genre qu’il a choisi. « Carolanne » est une pop douce et mélodieuse qui rappelle Matthew Sweet. Le titre et le refrain de l’un des morceaux les plus forts de l’album s’exclame « We Got the Hits », et bien que cela puisse être exact ou non dans un contexte commercial, en termes de qualité, The Brothers Steve tient cette promesse. En outre, le « C’mon Pappy »» aux accents psychédéliques, canalise l’ambitieux rock mélodique de ces musiciens légeandaires des années 1960 à Los Angeles.

Poursuivant sur ce thème des années 60, l’ouverture de la deuxième partie, « Songwriter », suggère ce à quoi cela pourrait ressembler si The Stooges et The Monkees avaient accroché. (En d’autres termes, cela rappelle Redd Kross.) Précédemment sorti – bien qu’avec un mix différent – sous la forme du « single » numérique, l’accrocheur « Carry Me » sera certainement un titre qui deviendra culte.

Les applaudissements trouvent souvent leur place dans le pop rock, et ils sont très à l’aise sur « Good Deal of Love ». Cette chanson n’est peut-être pas une innovation stylistique, mais c’est une musique mémorable et bien conçue. De son côté, « Beat Generation Poet Turned Assassin » met en évidence le sens de l’humour irrévérencieux, axé sur la culture pop, qui imprègne la musique de Brothers Steve. La chanson elle-même est caractérisée par un jeu énergique, des accords de puissance déformés, une basse insistante, encore plus d’applaudissements et un refrain contagieux qui vous fera chanter. Il se pourrait bien que ce soit le morceau le plus fort du disque.

The Brothers Steve prendront une direction très différente avec un « Sunlight », du style Unplugged se caractérisant par un chant de tête doux, beaucoup de guitare acoustique, un joli morceau de piano électrique et des harmonies vocales proches. C’est un peu déplacé sur cette collection de rockers uptempo, mais cela montre bien que The Brothers Steve ont du talent et de la polyvalence à revendre.

***1/2


Guided By Voices: « Mirrored Aztec »

25 août 2020

Il faut concéder cela à Robert Pollard ; il ne s’arrête pas. Plus de 100 sorties entre Guided by Voices, des disques en solo et divers autres projets parallèles, et la plupart d’entre eux sont bons. Comment fait-il ? On peut se poser la question en écoutant Mirrored Aztec, le 30e disque de Guided by Voices et on s’émerveille de sa qualité. Il y a 18 chansons ici — toutes dans le style power-pop rock actuel de GVB de la fin des années 70 (Nick Lowe nous vient à l’esprit), avec une belle orchestration de cordes mellotron — et on ne peut que juger qu’environ la moitié d’entre elles sont de véritables gardiens du templs pop.

Au moins deux — « To Keep An Area » et « Thank You Jane » — ont le potentiel de figurer au panthéon de la dite église. D’une certaine manière, Pollard n’avait pas encore écrit de chanson intitulée « The Party Rages On », donc c’est là aussi. Est-ce que GBV ferait un meilleur album s’ils gardaient tous les « hits » pour un seul album par an ? Non ! C’est comme ça que fonctionne Pollard et on attend avec impatience l’annonce du prochain album, qui a peut-être eu lieu pendant que l’on écrit ceci.

****


The Lemon Twigs: « Songs For The General Public »

21 août 2020

Les Lemon Twigs savent vraiment comment organiser une fête. En écoutant leur nouvel album, Songs For The General Public, on a l’impression d’avoir emmené une machine à remonter le temps dans les coulisses enfumées d’une arène de la fin des années 1970. La salle est bondée de monde. Des rockers androgynes vêtus de vestes en cuir et portant des lunettes de soleil et des chaussures à semelles compensées incroyablement grandes, et il y a assez de cocaïne pour, comme l’a dit Robin Williams, vous donner l’impression que Dieu vous dit « que vous gagnez beaucoup trop d’argent ». Les frères Brian et Michael D’Addario ont créé ce genre de rock n roll depuis leurs débuts à Do Hollywood en 2016, alors qu’ils n’étaient encore qu’adolescents. Depuis, ils ont grandi en tant qu’auteurs et musiciens, et même le pastiche de cette époque dorée du rock classique dont ils s’inspirent ne les empêche pas de créer leurs propres chansons pop, uniques et parfaites. Alors que cette fête en coulisses déborde de célébrités, Elton John discute de Tumbleweed Connection avec Gregg Allman dans un coin, tandis que les membres de Sweet and Slade échangent des coups de guitare et que Bowie, Brian Eno et Tony Visconti scrutent la salle avec désinvolture. Au centre de tout cela, les D’Addarios dirigent les débats. Ils mettent chaque pièce dans un lieu qui transcende l’imitation et la fait sienne.

Il y a pléthore de pierres de touche musicales qui volent autour des 12 titres de Songs For The General Public. « Hell On Wheels », qui ouvre l’album, commence par une superbe section de cordes avant que des voix morveuses ne prennent le relais et ne se lancent dans un énorme ver d’oreille de refrain, rempli de chants de gang et de guitares. On entend un peu de Bowie, un peu de The Stones et dans l’outro de la chanson, D’Addario semble même imiter Dylan. Il se passe beaucoup de choses ici, mais la production garde tout brillant et suffisamment séparé pour que l’auditeur puisse tout comprendre.

« Live In The Favour Of Tomorrow » sonne comme si les frères prenaient une page des Kinks de l’époque des années 60. La ligne de basse bouillonnante ne se contente pas de faire une promenade dans la chanson, elle semble faire un parcours du combattant. Même avec la section rythmique hyper active et les guitares carillonnantes et brillantes, le chant des D’Addario a tendance à occuper le devant de la scène. Ce qui peut leur manquer dans l’écriture des paroles, qui a tendance à être assez cliché, ils le compensent certainement par leur habileté vocale. Leurs mélodies et leurs harmonies vocales s’envolent positivement sur l’ensemble de l’album. Musicalement, le jeu est également de premier ordre. « No One Holds You (Closer Than The One You Haven’t Met) » comprend des claviers et des synthés absolument exquis, y compris un solo étonnamment amusant qui fait office de huitième partie de la chanson. « Fight » saute aux oreilles, porté par une ligne de piano rebondissante et quelques moments vocaux amusants de style Jagger dans le couplet avant de s’envoler dans un énorme refrain qui est plus l’interprétation des D’Addarios du rock n roll des années 1950 que tout ce qui figure sur le disque. C’est coloré, amusant et cela vous restera en tête pendant des jours. « Moon » commence avec un harmonica blues-y avant de se transformer en quelque chose qui ne serait pas déplacé sur Bat Out Of Hell. Les harmonies géantes et nobles du refrain et les paroles de « walking around in the pale moonlight, feeling like you want to get out of here » vous replongeront dans l’apogée de cet album. « Hog » s’appuie sur un peu du schmaltz des débuts d’Engelbert Humperdinck, mais il conserve suffisamment d’énergie pour le rendre plus agréable, surtout lorsque le pont roule dans sa gloire déformée et piétinante. Lorsque le groupe Laurel Canyon, dont le style folk est « Ashamed », clôt l’album, on a vraiment l’impression que The Lemon Twigs vient de vous faire vivre une leçon d’histoire du rock n roll.

Bien que les Lemon Twigs portent leurs influences de façon si évidente sur leurs pochettes, les frères sont de merveilleux musiciens et compositeurs à part entière. Songs For The General Public est un véritable disque. Le voyage qu’il vous emmène est si agréable qu’il devrait donner aux nouveaux initiés l’envie de rechercher les influences laissées de côté tout au long de l’album et, bien qu’il ne rende pas familier aux auditeurs la musique qu’il soulève, il devrait définitivement vous faire apprécier les frères D’Addario en tant qu’archivistes du rock classique mais aussi en tant qu’interprètes au talent monumental. L’album est une explosion d’élégance et de brillance qui devrait être la bande sonore parfaite pour des jours qui vont bien plus loin que la fin de l’été.

****


Bad Moves : « Untenable »

5 juillet 2020

Ce groupe de power pop de la région de Washington D.C. avait déjà conquis ses fans avec son premier album contagieux, Tell No One, ainsi qu’avec sa participation à l’émission Craig of the Creek sur Cartoon Network et ses tournées avec des héros underground comme Jeff Rosenstock et The Hold Steady. La puissance pop du groupe, brillante, séduisante et pleine d’émotion, s’est un peu durcie au cours des deux années qui ont suivi ses débuts. Pourtant, bien qu’Untenable capture une agitation et une instabilité palpables, il garde aussi les crochets accrocheurs et l’attitude courageuse à un niveau égal, créant ainsi un album aussi amusant qu’intelligent. 

Tout comme Tell No One, Untenable est dynamique et divertissant tout au long de son parcours. Les chansons ici sont pleines de riffs de guitare percutants et de mélodies sucrées. Le groupe continue également à faire des compromis entre les tâches vocales de tous ses membres. Chaque membre a l’impression d’ajouter son propre caractère à sa voix, ce qui crée un sentiment de collaboration dans la musique. L’élément collectif se reflète également dans l’atmosphère ensoleillée du disque.

Des morceaux comme « Camp Henlopen » s’intègrent bien dans le karaoké improvisé de certains enfants. La chanson capture la joie simple d’une journée avec des amis sur une plage du Delaware. Ces mélodies toujours accrocheuses et ces performances énergiques maintiennent un délicieux noyau pop puissant dans la musique du groupe. 

Mais autour de ce noyau, les paroles du groupe examinent intelligemment les angoisses sociales et politiques contemporaines. « Party With the Kids Who Want to Party With You » prend le spectre de la guerre nucléaire ou de l’effondrement du climat et le transforme en un appel urgent à ignorer les banalités de la vie et à se rapprocher des gens. Ce sentiment d’agitation imprègne une grande partie des chansons, ajoutant à l’énergie rebondissante du disque. « Working For Free » prend une tournure plus dynamique et plus agressive lorsque le groupe montre ses références punk et s’attaque à l’exploitation des travailleurs des services. Aussi amusant que soit l’album, des lignes telles que « When the worlds run through the hands of unpaid labor excess income drikles up » (Quand le monde passe entre les mains du travail non rémunéré, les revenus excédentaires s’écoulent) montrent que le groupe est toujours capable de messages lyriques percutants. 

Il y a quelques moments où l’album perd un peu de son élan. « Fog is a Funny Thing » commence avec des synthés et des accents de cordes, se démarquant assez nettement du reste de l’album. Il finit par être repris dans un autre morceau pop punk, mais l’esthétique du début est assez peu flatteuse. De même, l’indie fainéant de « Settle Into It » n’a pas la force de caractère du reste de l’album. Cependant, même ces morceaux plus faibles montrent le penchant du groupe pour les mélodies bien construites et les performances vocales distinctives. 

Untenable s’adresse à un monde apparemment en perpétuel état de confusion et de bouleversement, trouvant finalement un réconfort personnel dans les amitiés au sein et autour du groupe. Il atteint un point final émotionnel semblable à celui de beaucoup de pop punk anxieux, comme Jeff Rosenstock ou PUP. Pour reprendre les mots du morceau de clôture, « We’re still having a good time/Maybe this all ends up fine » (On s’amuse toujours Ou peut-être que c’est la fin du temps). Pourtant, dans cette voie, Bad Moves parvient à donner au style sa propre tournure addictive et citadine. Les styles vocaux distinctifs, les sonorités de guitare ensoleillées et l’oreille pour les mélodies aiguisées distinguent le groupe de ses pairs et montrent un groupe qui ne fait que grandir en qualité.

***1/2


The Ashenden Papers: « Asphodel Meadows »

5 juin 2020

Jason Dezember est capable d’enrichir un impressionnant CV musical de 30 ans avec des sommités de la musique indie-pop comme Plastic Shoelaces, The Bright Ideas, Smog et Nar. Son dernier projet, The Ashenden Papers, se situe à l’épaule de ces « géants cool », avec une facilité déconcertante.

Au fil des deux albums de ce projet sporadique (le dernier étant le superbe album éponyme de 2011), on a toujours l’impression que Dezember a l’intention de découvrir simultanément la chanson indie-pop jangly parfaite et d’inventer un petit quelque chose de hors-normes pour brouiller les pistes. C’est presque comme si la beauté seule ne pouvait jamais être assez cool.

Fondamentalement, il a raison. C’est cette fraction qui fait que l’esthétique de The Ashenden Papers dépasse la norme. C’est ce que l’on voit le mieux dans Sea On Sound où l’encre qui tache parfaitement les eaux pop est l’invasion de guitares qui tintent comme dans The Umbrella Puzzles. De même, la véritable particularité de Companion to the Year est le « Felt tribute » le plus excentrique jamais réalisé, qui comprend des rythmes de batterie programmés et des pépins au point de distraire délibérément.

Même le sens de la sophistication pop douce que l’on entend dans le single Melodie Robin se perd derrière une accentuation de la voix de style The Bats et le genre de cuivres étonnants que Belle et Sebastian introduisaient parfois dans leur mix de la fin des années 90.

Bien sûr, tout ce qui contient Dezember dans le mix ne suivra jamais le même modèle d’album et, avec son sens de l’obturation typique, la sortie présente à l’auditeur un titre épique de 10 minutes qui surprend à la fois parce qu’il est libre et parce qu’il a simplement permis qu’il le soit. Un morceau vraiment époustouflant, à l’ambiance jangle et à la combustion lente.

Deux albums sur 9 ans pour ce projet n’est vraiment pas suffisant vu l’immense qualité des deux. Espérons qu’il ne faudra pas attendre encore 9 ans avant la prochaine sortie.

***1/2


Brendan Benson: « Dear Life »

26 avril 2020

Il est juste de dire que le bonheur domestique ne fait pas le plus séduisant des sujets musicaux – ce qui est ironique car, en gros, c’est la seule chose que nous avons tous en commun.

Depuis qu’il a formé The Raconteurs avec les Jacks White et Lawrence, et Patrick Keeler (la section rythmique des Greenhornes), Brendan Benson s’est fait l’avocat des petits plaisirs que permet la vie tranquille. Dans une interview accordée en 2009, il a vanté les vertus de la tonte de l’herbe (« aussi satisfaisant qu’écrire une chanson. Plus, parfois. »), et ses trois albums solo de cette période ont tous, dans une mesure plus ou moins grande, mis en évidence cette satisfaction. Il en va de même pour Dear Life, et bien que son septième album solo soit vendu comme un nouveau départ sonique, il est en fait ldu « business as usual ».

C’est ce qui ressort d’un simple coup d’œil à la liste des titres : « Richest Man Alive » (« J’ai deux beaux bébés et une sacrée belle femme »- ‘I got two beautiful babies and one hell of a good-looking wife’- ) se déroule bien et évite ainsi d’être trop mièvre, tandis que « I’m In Love est répétitif » sur le plan lyrique dans ses 90 secondes mais comporte des accords capricieux qui contredisent la teneur du sujet.

Il peut sembler évident de faire référence aux Raconteurs, mais comme ils ont été en grande partie responsables du crossover de Benson, cela est également valable. Dear Life est également un bon indicateur de qui fait quoi : « Half A Boy (Half A Man) » présente une guitare familière avec un grand refrain de jour, adapté à la radio, bien qu’avec un rythme plus léger. Mais on peut pratiquement entendre Jack White aux chœurs, et l’album dans son ensemble démontre qu’il est la force dominante de ce groupe.

Les percussions et les cuivres du groupe sur « Baby’s Eyes », qui est en pleine liberté, rappellent également l’instinct du super groupe de se lancer sans honte den un echo des Travelling Wilbury. Le morceau-titre comporte également des cuivres lourds, mais cela ne fait qu’ajouter une acclamation trompeuse à un récit sur la lutte contre la dépression, l’une des rares références au côté sombre de la vie « normale ».

Parmi les nouveaux sons qui sont promus, seuls quatre titres s’écartent de la formule éprouvée du rock aguicheur de Benson. Le premier morceau, « I Can If You Want Me To », propose un BPM accru via l’électronique, mais revient rapidement à la typographie avec un refrain explosif à la guitare qui ne comprend que la ligne de titre. « Good To Be Alive » ressemble à la récente production de Beck, car sa voix s’accorde automatiquement, mais conserve la mélodie familière à l’envers qu’il affectionne tant. « I Quit » mélange de nouveaux grooves avec un son acoustique traditionnel, et enfin le plus proche « Who’s Gonna Love You » possède des beats et des effets rapides et aussi un sample de ce que sont, vraisemblablement, ses enfants.

Quelque part, on peut dire bravo à un album qui fait avancer les choses, mais le meilleur morceau de l’album est aussi le plus simple : « Freak Out » fait exactement ce qui est écrit sur la boîte, un rocker rapide comme un morceau de la série des Nuggets avec un solo de guitare qui fait mouche et l’occasion de se lâcher dans le studio.

Selon les standards de Brendan Benson, il s’agit d’un album moderniste, qui se caractérise par sa brièveté et son caractère enjoué ; tout en lui permettant de s’épancher il devient un album fun à écouter.

***1/2


Psychic Flowers: « Jumbled Numbers »

6 mars 2020

Depuis la dissolution de Ex-Breathers, David Settle est resté prolifique et inspirant, avec d’excellents projets comme Big Heet, The Fragiles et Psychic Flowers (sans parler des groupes de musique pour le podcast, Under The First Floor). Il reste très occupé et la qualité reste élevée, qu’il s’agisse de faire du « egg punk » ou du lo-fi, chaque projet apporte un élément différent de ses inspirations et puise dans l’essence même de ce qui le rend si influent au départ. Après les débuts de The Fragiles, Settle travaille à nouveau sur Psychic Flowers se un dernier album, Gloves To Grand Air. Enregistré dans sa cave sur un magnétophone à cassette 8 pistes, l’album est une power-pop volontaire qui équilibre le fuzz lo-fi et le sifflement de la bande avec des mélodies incontournables. Il est plein de magie d’enregistrements maison.

Le single « Jumbled Numbers » reprend un lead de guitare perçant inspiré de Guided By Voices et le transforme en une chanson pop grouillante, enfouie dans un bruit déformé et des cymbales qui engloutissent presque tout le mix. La chanson, un message pour laisser vos sentiments s’envoler librement (« vos émotions ne sont pas un crime » – your emotions are not a crime – ), est secouée par le son de guitare à électricité statique de Settle, chaque accord se frayant son chemin dans la myriade detonalités. C’est la dureté de la power-pop qui vous rappelle que vous n’avez pas toujours besoin d’être aussi dur, et que, souvent, le laissez- aller est préférable. Psychic Flowers écrit des chansons qui vont du punk garage à la pop slacker et l’attention que porte Settle aux détails sonores de la variété 8 pistes pousse tout délicieusement dans le rouge des émois de songeries imaginaires ainsi exacerbées.

***


Ratboys: « Printer’s Devil »

3 mars 2020

Pour la première fois de leur vie de groupe, l’auteure-compositrice-interprète Julia Steiner et le multi-instrumentiste Dave Sagan ont une certaine stabilité. Le duo a passé les dernières années à travailler avec un aéropage de membres qui les ont rejoints pour des tournées aux côtés de PUP, Foxing, Wild Pink et d’autres. Aujourd’hui, ils ont enfin pu se contenter d’une version à quatre musiciens de Ratboys, et ce soutien à plein temps a permis d’ouvrir le son de leur troisième album, Printer’s Devil, de manière passionnante.

Tout de suite, l’impresssion est qu’ils s’amusent beaucoup ensemble. « Alien With a Sleep Mask On » offre une retraite sonore tirée de films pour adolescents qui dateraient du tournant du millénaire comme American Pie et Road Trip – sans les hormones enragées et l’immaturité masculine -et avec un rebondissement de power-pop qui rendrait jaloux Bowling for Soup et Fountains of Wayne. Ce choc électrique se répercute sur » »Look To » et « An » » deux titres énergiques et touchante qui parlent de l’évolution de la vie et de certaines relations datées. Si vous êtes devenu adulte au début des années 2000, ces morceaux, en en effet risquent d’alimenter vos poussées nostalgiques

Ces chansons turbulentes ne sacrifient qu’une petite partie de la tendresse qui a rendu l’effort précédent des Ratboys aussi saisissant et enveloppant qu’il puisse être. Sur Printer’s Devil, l’esprit adolescent de Wheatus rencontre la béatitude adulte de Big Thief dans un charmant mélange printanier qui mêle une power-pop floue et confuse à une acoustique brillante et clinquante.

Des chansons comme « My Hands Grow » et « A Vision » sonnent comme une profonde bouffée d’air frais par un matin d’été idyllique, avec de jolis arrangements qui utilisent l’espace à bon escient. « Listening » adopte un joli rythme de croisière entre alt-country et indie rock, « Victorian Slumhouse»  est un petit air noueux et groovy, et « Printer’s Devil » sera un petit morceau de stratification qui remplit et vide l’espace autour de sa boucle lo-fi composée d’une simple mesure mais fatalement addictive. Seul un final sans grand impact, leméandreux « Clever Hans », empêche ce très bon album d’être vraiment génial.

 D’une certaine façon, Printer’s Devil ressemble à l’équivalent musical de l’ami d’enfance que votre mère a toujours aimé – doux, agréable, poli et, surtout, il vous fait sourire. Il est difficile de développer davantage cette analogie, mais si vous voulez avoir une meilleure idée de ce que sont les Ratboys, pensez brièvement à savoir si vous et cet ami êtes toujours en contact.

Printer’s Devil tourne autour d’un mantra de David Byrne et Brian Eno : « I’m lost, but I’m not afraid. » (Je suis perdu, mais je n’ai pas peur). Si vous vous absentez assez longtemps, les choses peuvent vraiment changer et vous reconnaîtrez peut-être de moins en moins l’endroit que vous appelez chez vous. Il y a aussi une étrangeté innée à grandir, car les gens eux-mêmes commencent à prendre de nouvelles formes et significations. Avec leurs chansons, Ratboys témoignent d’une recherche permanente de stabilité au milieu d’un sentiment de mouvement et de bouleversement imparable – que cela signifie trouver une épaule sur laquelle s’appuyer, un souvenir à revivre ou un endroit qui ressemble vraiment au vôtre, une bonne compagnie à avoir pour un voyage sonique cristallin.

***1/2


Roomtones: « So Long (Shadow) »

15 février 2020

Exsudant un climat power-pop mélodique et contemplatiif, So Long (Shadow) est un délicieux morceau sorti aujourd’hui par roomtones, un groupe formé en 2017 et basé à Brooklyn, NY. Des rythmes acoustiques luxuriants et un tendre vibrato de guitare constituent un départ facile. Les voix émergent avec un charme mélodique peu après, le ton général et les moments de chorale comme « 00:57 » rappellent affectueusement Teenage Fanclub. Le riff de « station on your radio « station de votre radio » est attachant et mémorable, comme une supplique à la redifusion. So Long (Shadow) » est une tranche de nourriture réconfortante et audible.

On peut attendre avec impatience le premier album de Roomtones, Beginning to Begin. Le disque a été produit par Martin Bisi (Sonic Youth, Swans, Herbie Hancock) dans son célèbre studio Gowanus. Selon le groupe, on peut espérer un concept album libre composé de souvenirs étincelants de la vie à New York au début du 21e siècle, Beginning to Begin tourne autour des thèmes de la perte, de la mémoire, du vieillissement et du regret. En termes d’influences, le groupe cite The Modern Lovers, Alex Chilton, Scott Walker, The Zombies, Field Mice et Pavement. À suivre donc.

***


Ali Barter: « Hello, I’m Doing My Best »

29 octobre 2019

Avec son premier album A Suitable Girl sorti en 2017, Ali Barter semblait bien partie pour devenir l’un des plus beaux secrets trop bien gardés de la scène australienne. Son nouveau disque peut espérer dépasser les frontières de son pays puisqu’il bénéficie aujourd’hui d’une distribution internationale.

Son panel musical s’est, de ce fait, élargi et pas seulement d’un point de vue géographique. On pourrait, en effet, parler de montée en puissance car, si son premier album revisitait avec brio l’indie rock des années 90, avec une vision très féminine et affirmée façon Liz Phair, Hello, I’m Doing My Best fait exactement la même chose, mais en plus grand et plus fort. A programme : distorsion et gros riffs de guitares accompagnés de sa voix plus haut perchée que jamais. Peu d’artistes prennent, de nos jours, le parti de se référencer à une musique qui n’est plus dans l’ère du temps ; les solos de « History Of Boys » voudront, à cet égard, nus ramener à la période du le premier album de Weezer.

Hello, I’m Doing My Best va naviguer en plein power pop, ce qui, en outre permettra de nous gratifier de chansons addictives mais, cerise sur le gâteau, de nous présenter pune collection de titres au ton très autobiographique qui retracent ses différentes relations. On aura droit ainsi à des allusions pertinentes et matures à son corps, à ses instincts, à la sobriété et ses anciens vices, ainsi qu’aux personnes qui lui sont chères. On pourra, à ce sujet, mettre en exergue le très tranchant « Ur A Piece Of Shit » qui se déploie sans filtre et qui est comme une illustration significative de la moue désinvolte qu’elle affiche sur la couverture du disque.

On ressent d ’ailleurs comme une envie d’en découdre et une ambition décuplée. Chaque morceau est très direct et marche à l’instinct, celui d’une sensibilité musicale de singer songwriter sous un costume de rockeuse enragée. Cette formule lui permet de faire mouche à de nombreuses reprises. C’est certain, elle n’a pas besoin de dire qu’elle fait de son mieux pour arriver à ses fins et séduire son audience. Ce nouvel album lui offre l’occasion de s’exprimer haut (« January ») et fort (« Big Ones ») et d’attirer sur elle une attention plus que méritée. En bref, un vrai disque de rock comme on en entend trop rarement et dans lequel elle fait bien plus que son mieux.

***1/2