Gospelbeach: « Jam Jam »

12 janvier 2022

Les membres de GospelbeacH ont des CV aussi longs que l’envergure de Wilt Chamberlain, mais aucun d’entre eux n’a participé à un projet comme celui-ci. Le partenaire de Brent Rademaker au sein de Curation Records est l’heureux propriétaire d’une énorme réserve de « singles » bubblegum et glitter pop, et après avoir fouillé dans certains d’entre eux, Rademaker a eu l’idée de donner à quelques chansons le traitement GospelbeacH. Sur le EP Jam Jam, le groupe et les chansons se rencontrent à mi-chemin dans une collision glorieuse de mélodies sucrées et d’accroches loufoques, de voix traînantes et de country-rock chaleureux. Le groupe a extrait de vraies valeurs sûres et les a remises au goût du jour. L’obscurité scintillante dégagée par « Jam Jam » de l’American Jam Band reçoit un coup de fouet, le très Badfinger-eque « Lovin’ You Ain’t Easy » de Michel Pagliaro fait un pas moelleux vers le paradis du soft rock, et le classique bubblegum « Gimme Gimme Good Lovin » n’est pas vraiment une chanson, mais le groupe la traverse avec juste ce qu’il faut d’énergie et de gaieté.

Les points forts de ce trop court EP sont la reprise par GospelbeacH de « Albatross » »de Chunky, qui s’accompagne d’un rythme glam joyeusement trépidant et de quelques synthétiseurs sérieusement ringards, ainsi qu’une adorable version du joyau pop ensoleillé de Sandy Salisbury, « Do Unto Others ».

Le groupe la fait sonner comme une chanson perdue de Tom Petty au début de sa carrière, tout en ajoutant des harmonies vocales assez jolies pour un album des Beach Boys. Ce n’est pas une surprise puisqu’elles sont assurées par Nelson Bragg, un membre de longue date du groupe de Brian Wilson. Jam Jam est une petite diversion amusante pour GospelbeacH, montrant qu’ils peuvent faire de la légèreté et de la brise comme si c’était une seconde nature. C’est également un bon point de départ pour quiconque souhaite découvrir le bubblegum et les paillettes en remontant à la source des excellents choix du groupe.

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The Legal Matters: « Chapter Three »

16 novembre 2021

The Legal Matters est une « union » d’auteurs-compositeurs-interprètes composée de noms très respectés comme Andy Reed, Keith Klingensmith et Chris Richards. Il se pourrait qu’ils soient des amis de longue date et, à cet égard, l’histoire du groupe devrait peut-être se rechercher.

En tant que tel, sans être encombré par de telles réflexions intrusives, il est clair, à l’écoute, qu’on peut trouver à Chapter Three chaleur et naturel tant leurs deux albums précédents (leur premier opus éponyme en 2014 et Conrad en 2016), donnent le sentiment que le combo prospère sur un confort complet en tant que groupe soudé par la compréhension innée et précieuse qui n’existe que par une pratique illimitée résiltant en une véritable affinité naturelle.

Ce sentiment de chaleur facile est particulièrement visible dans « Light Up The Sky », « Don’t Read Between The Lines » et « Makes Things Up ». Ici, les grandes voix modernes de la power-pop, qui trouvent des véhicules d’expression dans des groupes tels que The Orange Peels, Teenage Fanclub et Dropkick, agissent comme une fondation sur laquelle de somptueuses mélodies et harmonies sont superposées sans effort apparent. C’est de la power-pop laconique parfaite, qui n’a jamais peur de piocher dans le meilleur du rock classique, pour y ajouter un peu d’expression supplémentaire à la guitare.

Bien sûr, nous pourrions simplement ajouter ce groupe à la liste des grands artistes ci-dessus et partir en toute sécurité en sachant qu’ils ont réussi à enrichir une partie très spéciale de nos collections. Cependant, The Legal Matters est plus que cela, car il y a un aspect ludique qui visite les autres nuances musicales, qui leur sont manifestement chères.

Ainsi, « The Painter, Pain » et « You Sure Can’t Blame Her » ralentissent le tempo, accentuent le piano et glissent sans problème vers de parfaites machinations pop des années 70, tandis que le rock psyché croustillant et brumeux est visité dans « That’s All » et que les mélodies des années 60 et les bizarreries de la pop psyché se juxtaposent sur « A Memory of Soun »d. Cinq ans se sont écoulés depuis le dernier album de The Legal Matters et cette sortie ne fait que nous rappeler qu’un tel hiatus est trop long !

***1/2


Colleen Green: « Cool »

30 octobre 2021

Colleen Green est infiniment cool, comme elle l’a prouvé au fil de trois albums, tous ornés de ses éternelles lunettes de soleil et de références à de vieux disques des Descendants. I Want to Grow Up, sorti en 2015 son dernier disque de pop à guitare teintée de punk, a suscité des attentes élevées pour son suivi, attentes que Green a été trop heureuse de mettre de côté. À l’exception de la reprise de « Dude Ranch » de Blink 182 en 2019, Green a été très discrète pendant les six années qui ont suivi. Heureusement, ce temps d’absence porte ses fruits. La Colleen Green que nous trouvons sur Cool se sent plus sûre d’elle que les questionnements existentiels trouvés sur I Want to Grow Up, le nouveau disque la trouvant contente, à l’aise, etcomme d’habitudecool.

L’ouverture, « Somebody Else », indique l’ambiance décontractée du disque, ouvrant l’album sur des lignes de guitare rock universitaire scintillantes, une ligne de basse entraînante et un chant facile. Dès les premiers instants, Green se situe entre la légèreté et la confiance, confrontant une relation unilatérale sur le premier morceau avant de plonger dans un absurde bienvenu avec les accroches tranchantes de « I Wanna Be Your Dog ». Green imagine qu’elle abandonne ses propres névroses pour l’insouciance de la bonne vie en devenant littéralement un chien, sans doute avec toutes les tapes sur la tête et les bonnes filles qui vont avec. Cette même énergie insouciante et ensoleillée réapparaît plus tard dans la liste des titres avec « It’s Nice to Be Nice », accompagné à la fois d’harmonies agréables à l’oreille et d’un solo de guitare explosif. Les accroches et l’instrumentation enjouée sont accompagnées d’un message tout aussi positif, résumé dans le titre de la chanson.

Si les « singles » de l’album font appel au penchant bien établi de Green pour les mélodies accrocheuses, elle s’éloigne également de ses racines punk sur le reste de l’album. Les charmantes guitares floues de I Want to Grow Up sont en grande partie remplacées par un indie rock détendu et languissant. Cela peut avoir pour conséquence que l’album traîne un peu, comme avec la ballade downtempo « I Believe In Love ». Bien que le rythme tranquille manque parfois le charme distinctif de la meilleure musique de Green, son approche déambulatoire et désinhibée permet également à Green d’explorer de nouvelles subtilités.

Certains des meilleurs moments lyriques de l’album surviennent lorsque la disposition ensoleillée de l’album se brise et permet de jeter un coup d’œil derrière le cool sans effort de Green, montrant un côté plus âgé et peut-être plus sombre de Green. Dans « How Much Should You Love Your Husband « », Green explore le mariage, imaginant le stress et l’ennui d’être avec un comédien ou un avocat, ainsi que l’effort constant pour faire fonctionner l’amour. Pendant ce temps, les grooves de basse, les harmonies superposées et les solos de guitare distordue de « You Don’t Exist » accompagnent un regard sur l’anonymat dans notre monde toujours en ligne« Si j’avais un million de followers/alors peut-être qu’ils diraient, ‘CG si populaire’/Plus je vois de choses, plus j’appelle à la connerie/Tu sais que rien n’a d’importance quand tu n’existes pas » (f I had a million followers/Then maybe they would say, ‘CG so popular’/The more and more I see the more I call bullshit/You know that nothing matters when you don’t exist).

Mais même dans les rythmes émotionnels les plus lourds de l’album, Green semble calme et posée, donnant à chacun beaucoup d’espace pour respirer. Elle explore des chemins de traverse inattendus, comme dans le lent brûlot hypnotique de « Highway » ou les synthés spacieux et les rythmes motorisés de « Natural Chorus ». Ce dernier titre et « You Don’t Exist » restent enfermés dans leurs grooves d’ouverture pendant près de deux minutes avant même que la voix de Green n’entre en scène. L’ensemble des structures de chansons tordues, des chuchotements vocaux et des mélodies étonnamment collantes montrent qu’un auteur-compositeur réfléchi se cache derrière le vernis sans effort de ce disque.

Après six ans d’absence, le dernier effort de Green est aussi vif, spirituel et amusant que jamais. Elle semble facile à vivre et à l’aise, peut-être même plus sophistiquée en apparence, ses influences punk passant au second plan. Le disque qui en résulte montre une autre facette de Green, qui peut ne pas plaire à tout le monde. Mais elle offre plus qu’assez de vers d’oreille pop à guitare ensoleillés pour satisfaire ceux qui recherchent son oreille bien aiguisée pour les accroches, tout en pénétrant dans un nouveau territoire. Green s’est toujours contentée de suivre son propre chemin, et elle le fait une fois de plus avec style sur ce Cool.

***1/2


Adele & The Chandeliers: « First Date »

26 avril 2021

Ce n’est pas cette Adele- , mais celle qui a joué dans The Go-Betweens, et qui a fait ses débuts en solo merveilleusement dynamiques.

La musicienne australienne Adele Pickvance a, en effet, été membte des Go-Betweens lors de leur renaissance dans les années 2000 et elle a également joué dans les groupes solo de Robert Forster et du regretté Grant McLennan. Il s’avère qu’elle n’est pas en reste pour écrire et faire de la pop carillonnante à la guitare, et après des années en tant que musicienne de session et de scène très demandée, Adele est à la tête de son propre groupe, The Chandeliers, et a sorti son premier album à la fin de 2020.

Si vous êtes un fan de Forster et McLennan, séparément ou ensemble, allez-y et appuyez sur play, car First Date est traversé par des sons esnsoléillés auxquels Adele apporte un esprit unique qui lui est propre. Des titres comme « Treasure », « Breaking All the Rules » et « Something Good is Happening » ont un côté dynamique et joyeux qui est plutôt contagieux.

Même si les mots « séduisant » et « affable » vous hérissent, il est difficile de résister à ces compositions, jouées simplement mais avec style. La basse d’Adele estlustrée au silex et mélodique, travaillant en tandem avec la guitare « jangle » mais volontaire de Scott Mercer et la batterie propulsive d’Ash Shanahan. Elle aime également agrémenter ses chansons de « whoo oohs » et autres cris bien placés pour en faire un disque amusant et déluré.

On y ajoutera aussi un petit esprit new wave du début des années 80. L’ouverture pleine d’esprit, « German on My MInd » (avec une autre collaboratrice de Forster, Karin Bäumler), combine Toni Basil, Devo et LIliput en un seul morceau ; « Gourami Fish » a une acroche de synthétiseur qui fait vibrer les oreilles ; et « Treasure », la meilleure chanson de l’album, vantera un petit air de The Pretenders loin d’être désagréable. Le trio fait également une reprise assez géniale de « Love You More » des Buzzcocks, qui s’intègre bien au style dynamique de The Chandeliers. Une pop effervescente comme celle-ci fonctionne mieux en petites doses et, en rien moins que 32 minutes, Adele ne laisse jamais le pétillement retomber. En tant que premier rendez-vous, c’est un excellent album et nous espérons qu’il y en aura beaucoup d’autres.

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The Krayolas: « Savage Young Krayolas »

7 décembre 2020

Dans les coins ombragés et un peu glauques de l’histoire du rock, il y a eu plus de quelques fournisseurs rétro qui ont réussi à insuffler une nouvelle vie à des styles bien connus. Parfois, ils ont fait plus que faire des bulles commerciales : Sha Na Na et les Stray Cats sont parmi les rares à avoir fait une grande percée.

Les groupes les plus courants – mais non moins méritants – sont lThe Kaisers, le groupe écossais lancé dans les années 80 qui sonne comme un beat pré-  « Please Please Me » mais avec des chansons originales. Si The Kaisers ont un équivalent aux États-Unis, il pourrait bien s’agir des Krayolas, basés au Texas. Sans aucun rapport avec le Red Krayola (également du Texas, en l’occurrence), les Krayolas ont fait irruption sur la scène dans les années 70 avec leur propre style de rock’n’roll punky. Leur son n’était pas loin de celui des 101ers, un groupe de « pub rock » opérant à la même époque en Angleterre et mettant en vedette un jeune Joe Strummer.

Mais l’esthétique des Krayolas repose sur un caractère véritablement régional : le groupe intègre sans effort des éléments de Tex-Mex à ses chansons originales. Le groupe n’a jamais fait de tube, mais a sorti une série de superbes albums qui se poursuivent encore aujourd’hui (leur plus récente sortie semble être Tormentaen 2013).

Il y a relativement peu de documentation disponible sur le groupe, et une grande partie de ce qui existe semble provenir des mêmes sources. Mais ce que l’on sait, c’est qu’en 2007, le groupe a publié une collection d’archives, Best Riffs Only, sur son propre label. Ce CD rassemble les premières démos et les enregistrements terminés, documentant un groupe embryonnaire – mais encore à l’écoute, pleinement formé – des années avant ses débuts officiels, Kolored Music en 1982.

Fin 2020, c’est au tour de Savage Young Krayolas de faire son apparition. Emprunter un titre à celui d’une collection d’enregistrements des Beatles de l’époque de Hambourg est tout à fait logique, car cette série représente un autre regard sur les débuts du groupe texan. On ne sait pas exactement dans quelle mesure Savage Young Krayolas recoupe le Best Riffs Only, épuisé – probablement un bon morceau – mais la qualité du son est excellente et les morceaux de l’album sont cette fois-ci annotés.

Savage Young Krayolas est entièrement original, à l’exception d’une reprise de « You Really Got Me » des Kinks. Et s’il est vrai que la plupart des groupes de rock de garage ont joué cette chanson, la prise de vue des Krayolas fait ressortir quelques points qui font savoir aux auditeurs avertis qu’ils sont des étudiants en rock. Au milieu de la chanson, ils chantent « stronger than dirt » sur le riff caractéristique. Cette phrase, bien sûr, avec la même progression mélodique de deux notes, faisait partie d’un jingle des années 60 pour le nettoyant ménager Ajax. Et elle a été citée en référence à la fin de « Touch Me » des Doors, une chanson qui a repris une partie de la mélodie du jingle et/ou de la chanson des Kinks. (Le vol/emprunt était plus subtil que « Hello, I Love You », mais c’est une autre histoire).

C‘est la musique écrite par le groupe qui fait que Savage Young Krayolas vaut le plus la peine d’être entendue. Le groupe – alors un trio pseudonyme composé de Sal Dana, Jet Bass et Freddie Herman – déchire ses rockers lunatiques avec délectation. Les chansons puisent dans la même source d’inspiration que celle qui a permis à des groupes comme le Chocolate Watchband de se faire connaître, mais avec une approche de l’harmonie vocale influencée par les Beatles qui élève la musique au-delà des standards du rock de garage. « Cry Cry Laugh Laugh » est un rocker aussi parfait que vous ne l’aurez jamais entendu.

L’orgue qui figure dans la plupart des chansons des Krayolas est utilisé de manière experte, bien que les chansons de Savage Young Krayolas ne mettent pas en avant la saveur régionale des derniers morceaux du groupe. Il y a plutôt le personnage de Merseybeat – avec des claquements de mains énergiques – de tires comme « All I Do is Cry », un morceau irrésistible, un morceau que je parie que Steve Stoeckel et Jamie Hoover auraient aimé écrire.

Et comme les Spongetones, les Krayolas jouent cette musique de style rétro d’une manière si authentique qu’il n’y a aucune trace d’artifice. Bien sûr, « I Just Wanna » (avec le claviériste invité Augie Meyers !) utilise un certain nombre de riffs et de progressions mélodiques familiers, mais ils sont combinés de telle manière que vous ne les avez jamais entendus auparavant. Et si « Alamo Dragway » rappellera aux auditeurs Los Straitjackets, il est lui aussi frais et nouveau à sa manière. « Sunny Sunny Day » a des harmonies vocales époustouflantes qui invitent inévitablement à des comparaisons avec les Beach Boys.

Pour les auditeurs qui découvrent les Krayolas – comme ce chroniqueur -, chaque morceau de Savage Young Krayolas est d’une qualité exceptionnelle et irrésistible qui ne peut que vous faire vous demander : « Pourquoi n’ai-je jamais entendu ces gars avant ? »

***1/2


Smokescreens: « A Strange Dream »

29 octobre 2020

Ce groupe Los Angelese n’est pas étrangerà ce qu’il y a de meilleur dans indie-pop. L’album du combo, sorti en 2018, Used To Yesterday, était excellent, mais leur dernier disque, A Strange Dream, est encore meilleur tant il explique comment faire de la jangle-pop en 2020 et que la production de David Kilgour (The Clean) ne fait qu’élever le niveau.

Si la présence du producteur Kilgour est perceptible, ce n’est pas vraiment le signe que le groupe est dérivé du son de The Clean. En fait, on irait même jusqu’à dire que Smokescreens veut intentionnellement sonner comme The Clean ici, et qu’il y parvient. « Fork in the Road » possède ici l’un des meilleurs ancrages de guitare de 2020 tandis que « On and On » est tout autant familier du langage. Ailleurs, « Working Title » est un peu plus dur, les riffs un tant soit peu plus forts, tandis que « Streets of Despair » sonne moins comme The Clean et plus comme un combo de tye The Close Lobsters en 1987. L’écriture économique de Smokescreens met l’accent sur une grande guitare centrale, avec l’instrumentation et le chant qui l’accompagnent. Parfois, le son rappellera Velvet Crush mais Smokescreens s’intéresse moins aux Byrds qu’à l’historique label Flying Nun Records.

A l’écoute, A Strange Dream ne perd pas de temps à fournir le genre de rock qui a fait grandir tant d’entre nous et qui nous fait vivre encore. Même un morceau relativement lent comme « I Can Still See You » révèle à quel point ces musiciens s’attachent à trouver une mélodie forte, même s’ils se perdent momentanément dans la variété des textures. Pourtant, Smokescreens ne sera jamais un groupe de shoegaze, même si les guitares s’écrasent et les accords s’effondrent. A Strange Dream est à la fois une leçon de jangle-pop et l’un des meilleurs exemples de cette forme en 2020, étendu sur 10 étincelants morceaux.

***1/2


Nick Frater: « Fast & Loose »

16 octobre 2020

La musique qui pourrait être un peu trop commerciale, accessible, populaire, radiophonique (prenez-en deux sur quatre, insérez-les dans une phrase et vous aurez la raison moyenne de rejet des soumissions aux disquaires indie dont le besoin de paraître « cool » est régulièrement lié au fait de vouloir être associé à tout ce qui est alternatif et décalé

Le Londonien Nick Frater ne remplit pas les critères susmentionnés qui lui garantiront l’entrée dans le royaume du cool. Cependant, toute personne capable de rejeter sa musique est manifestement incapable de bénéficier d’oreilles pleinement fonctionnelles.

En effet, Frater est tout ce qu’il y a de plus parfait dans le domaine de l’accessibilité, son seul modus operandi semblant consister à prendre de multiples décisions sur la façon dont il peut tirer le maximum de crochets pop des guitares power-pop, du piano rock des années 70 et du côté le plus pop de la psyché.

Ainsi, des titres comme « Lets Hear It For Love » et « Cocaine Gurls » sont Alex Chilton qui persuade le Teenage Fanclub de laisser tomber leur ssone de confort pour une seconde et d’embrasser les années 70, « Luna » et « Would You Like To Go » sont les Beach Boys transplantés sur un terrain de jeu des années 60 dans l’ouest de Londres plutôt que sur la côte ouest américaine, tandis que « Fast and Loose » et » So Now We’re Here » sreprésentent le parfait abandon de Frater aux couleurs tourbillonnantes du psychédélisme britannique.

Frater se sent peut-être en terrain familier grâce à la juxtaposition des sons les plus populaires d’antan, mais c’est la façon dont il les transforme en riffs et accroches et ce qu’il fait avec les arrangements, qui fait de lui le dernier chéri de la power-pop à être béni de ses meilleures confections

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Supercrush: « SODO Pop »

15 octobre 2020

Mark Palm a fait un tour entier du « bloc musica « ; il a fpassé du temps avec les punks de Vancouver Reserve 34, le groupe de métal Black Breath de Seattle et le groupe de dream-pop Modern Charms de San Francisco, pour n’en citer que quelques-uns Cette éphémère carrière musicale n’a d’égal que son besoin constant de bouger.

La seule constante a peut-être été son dévouement à la chanson, qu’il met en avant dans son dernier projet, Supercrush. Adorant les icônes de la power pop des années 90 comme Teenage Fanclub, les Posies et Velvet Crush, le groupe est un retour en arrière dans presque tous les domaines. Les chansons sont courtes, percutantes et remplies de belles harmonies vocales sur l’amour et le chagrin.

Pourtant, à aucun moment, Palm et ses compagnons d’orchestre, dont Phil Jones de Shook Ones, qui a également coproduit, n’ont l’impression d’essayer de recréer le passé. Au contraire, les chansons du premier opusSODO Pop – le Never Let You Drift Away de l’année dernière était surtout une collection de « singles » – sont comme une continuation, un passage de témoin. Palm utilise les sons d’hier pour explorer son point de vue actuel.

Du rythme lent de « I Didn’t Know (We Were Saying Goodbye) » au flou de « Parallel Lines », la familiarité de ces 10 titres est comme une démangeaison que l’on ne peut pas vraiment gratter ; un riff, une mélodie, même un son de guitare si familier, mais dont la source est difficile à situer.

En ce sens, leur analogue le plus proche est probablement Beach Slang, un groupe dirigé par un bricoleur (James Alex) qui utilise de vieux sons pour exciser les fixations actuelles. Palm n’a pas encore atteint le sublime amalgame de l’ancien et du nouveau que propose Alex. Mais SODO Pop a suffisamment d’idiosyncrasies pour dépasser ses influences et être adopté selon ses propres termes.

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