Tony Molina: « In The Fade »

15 août 2022

La musique pop se nourrit d’économie. On peut toujours ajouter de plus en plus de couches, d’outros prolongées, d’intros indulgentes, d’interludes, de ponts et de ponts, mais la meilleure musique pop a rarement souscrit à l’idée du « plus c’est plus ». À l’instar d’un spectacle live spectaculaire, l’idée générale d’une grande chanson – à l’exception du rock – est toujours de donner envie d’en redemander, même une fois qu’elle est terminée. Entrer et sortir, en aussi peu de temps que possible, et faire en sorte que chaque moment compte.

C’est beaucoup plus difficile à faire qu’il n’y paraît, et de mon point de vue, ça ne semble même pas si facile que ça. Tony Molina, auteur-compositeur-interprète de la région de la baie de San Francisco, n’a jamais manifesté d’intérêt particulier pour l’ascension de ses chansons punk-power-pop dignes des Beatles et des Undertones au sommet des hit-parades, bien qu’il ait un don particulier pour écrire des chansons pop parfaitement concises qui parviennent à rassembler tous les éléments essentiels en 90 secondes ou moins – gros riffs power-pop, couplets déchirants, refrains envolés et même un solo ou deux. On a beaucoup parlé de la brièveté de ses compositions, à son propre désarroi, mais malgré cela, rare est la chanson de Tony Molina qui ressemble à une esquisse inachevée.

Quatre ans après son précédent LP, Kill the Lights, Tony Molina réaffirme son engagement envers le genre de power-pop punky qui a débuté avec son ancien groupe Ovens sur In the Fade, mais avec une oreille vers le maximalisme et des arrangements plus richement psychédéliques. Beaucoup des chansons enregistrées pour l’album ont des racines dans ce groupe, dans le concept si ce n’est toujours en termes de structure ou d’éléments des chansons elles-mêmes, et dès l’ouverture de « The Last Time », Molina sonne énergisé et chargé. Fuzzy, scuzzy, mené par des guitares harmonisées et vibrant d’une énergie juvénile, « The Last Time » offre la signature de Molina à son meilleur – l’esprit du rock ‘n’ roll servi sans fioriture ni remplissage.

Dans les 14 chansons et 18 minutes qui composent In the Fade, Molina présente un éventail de sons plus large que sur ses précédents albums studio, incorporant une gamme plus diversifiée d’instruments en plus des guitares fuzz et jangle qui sont devenues sa marque de fabrique. Le piano et l’orgue Hammond ajoutent de riches couches de son psychédélique plus soul à « Not Worth Knowing », tandis que des cordes acoustiques clairsemées s’associent à un léger bourdonnement de clavier dans le doux « Don’t Be Far ». L’ajout d’un mellotron dans « Song for Friends (Slight Return) » entraîne l’album dans un détour par les champs de fraises, et une couche glorieusement épaisse de fuzz rend les 59 secondes de « Fuck Off Now » parmi les plus satisfaisantes de l’album.

Sur le plan thématique, In the Fade fait le tour de la plupart des sujets familiers de la musique populaire : L’amour, la perte, le malaise et l’agitation, et les hymnes pop à la guitare de Molina, ensoleillés et parfois mélancoliques, semblent toujours adaptés pour illustrer le genre d’émotions que l’on ressent quand on est jeune et que l’on cherche encore sa place dans le monde. Ce qui est approprié, étant donné les efforts de Molina pour rejeter l’idée que sa musique devient, d’une certaine manière, plus « mature » ; comme il le dit dans un communiqué de presse, « Mec, c’est un peu nul, non je ne le suis pas… ». Pourtant, il est difficile de nier son évolution en tant qu’artiste. Depuis plus de dix ans, il offre constamment le meilleur de ce que la power pop a à offrir. Cela ressemble presque à une vocation pour lui, et il parvient à trouver de nouvelles voies d’exploration dans l’idée relativement simple d’une chanson pop. A la fois son album le plus ambitieux à ce jour et son ensemble de chansons le plus fort, In the Fade est un rappel de la profondeur potentielle de ce puits.

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Slang: « Cockroach In A Ghost Town »

31 mai 2022

Le premier album de Slang, combo basé à Portland, OR, a mis du temps à sortir. Drew Grow et Janet Weiss ont formé le groupe il y a plus de dix ans et nous livrent enfin aujourd’hui leur premier opus studio, Cockroach In A Ghost Town

Grow (guitare, chant) et Weiss (batterie, claviers, chant) forment la base de cet album de neuf chansons qui ne s’arrête jamais, changeant de style et de substance tout au long de l’album, avec le soutien de Sam Coomes et Kathy Foster à la basse, Anita Lee Elliot à la guitare et au chant, et d’autres amis.  Le morceau d’ouverture « Wilder » donne un ton inquiétant, avec des battements de tambours caverneux, des voix envolées et une touche de gothique grandiose, tandis que les percussions et les claviers flottent partout. 

La pop bourdonnante et décalée de « King Gunn » apporte une touche de Breeders alors que le groupe étend ou resserre les sons autour de la voix désespérée de Grow et de la guitare de l’invitée Mary Timony (Ex Hex, Wild Flag). Hit The City » et « In Hot Water » amplifient les sons tourbillonnants et les synthétiseurs autour de la grosse batterie avec Weiss qui rocke lourdement, tandis que les « ooh and ahh » spatiaux cascadent autour d’un rythme de batterie boom-bap dans « Time Bomb » qui brille dans un style rétro-glam à la David Bowie.

Slang va ainsi déployer une énergie nerveuse et frénétique tout au long de Cockroach In A Ghost Town, notamment dans le crépitement acoustique/électrique de la schizophrénique « Wrong Wrong Wrong » et le bourdonnement pulsé et serré de « Chipped Tooth ». Ce type de convulsions mentales caféinées (ou pire) est à la fois séduisant et rebutant, exactement comme le groupe l’a prévu, jouant avec les émotions et ne laissant jamais l’auditeur à l’aise dans sa propre peau.    

Le groupe apporte des touches électro bizarres, de gros grooves et un flair théâtral, alors que le disque solide se termine par deux morceaux qui rappellent le son de Flaming Lips. L’effort titre s’envole autour du refrain de Grows « I Have Dreams About The Ending/But I Don’t Dream About The End » tandis que l’album se termine avec son titre le plus accrocheur, « My #1 », qui frémit et prend le large avec une mélodie béate grâce au chant de Weiss et aux riffs de guitare flous de Stephen Malkmus (Pavement). 

Il y a une génération, on aurait qualifié cette musique d’alternative, mais aujourd’hui, une alternative à quoi ? Cockroach In A Ghost Town, le « debut album » du groupe, est une tranche de rock étrange qui se tortille avec les questions frénétiques d’un monde hors de contrôle, tout en se frayant un chemin dans vos oreilles. 

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Diane Coffee: « With People »

29 avril 2022

Shaun Fleming est de retour sous le nom de Diane Coffee avec son quatrième album WIth People. Comme de nombreux artistes, Fleming a sans doute été affecté et influencé par l’isolement pendant la pandémie de Covid. Le résultat est évident : son album le plus introspectif et le plus personnel à ce jour.

Une fois encore, Fleming change de registre musical, passant du son soulful Synth Pop de son précédent album, Internet Arms, à un Folk Rock jangly, une vibe Dream Pop avec une touche de Glam Rock. « Corrina From Colina », « Hollywood » et « Forever You & I » ont un aspect soyeux et fluide. « Bullied » est une ballade pop rétro des années 1950 qui raconte l’histoire d’une brute dans une cour d’école du point de vue d’un enfant maltraité qui en a assez de partager un « I just can’t take anymore » (Je ne peux plus supporter) qui en dit long.

« Forecast » est de la pure Pop dans la même veine que des icônes de la Power Pop comme Dave Edmunds et Nick Lowe ainsi que des groupes comme The dbs, The La’s, et The Allah-Las. L’éclectisme est toujours un élément essentiel de la musique de Diane Coffe, comme l’ambiance Americana Country de la trépidante « The Great Escape » et le Glam Rocker « Sharks » à la T. Rex.

L’expérience de Fleming en tant qu’acteur de voix-off se prête bien à son phrasé vif, presque enfantin, et à sa gamme vocale qui évoque un mélange d’inflexions de John Lennon, Marc Bolan et David Bowie. Sans oublier ses compétences musicales plus que profondes qui se manifestent sur les multiples instruments dont il joue sur les dix titres. Quelle que soit la voie musicale empruntée par Diane Coffee, c’est toujours une belle aventure et With People en est le dernier et brillant exemple.

***1/2


Buzzard Buzzard Buzzard: « Backhand Deals »

24 février 2022

En remontant le fil de la radio jusqu’à l’âge d’or de la power pop des années 70, Buzzard Buzzard Buzzard oscille entre les affres de Queen et Fleetwood Mac avec une insolence malicieuse, sans la prétention souvent associée à la cause du revival.

C’est cet humour, associé à une conscience sociale, qui a permis au comnbo originaire de Cardiff de devenir un groupe culte au cours des dernières années, en laissant libre cours à ses joyeuses manigances enrobées de bubblegum pour se distraire du train-train quotidien.

Backhand Deals est une nouvelle déclaration d’intention à cette fin, modérant l’habit glam du EP The Non-Stop avec des soulèvements ensoleillés et souples, l’intelligence de 10cc filée d’un point de vue moderne. Les frères et sœurs Tom et Ed Rees, ainsi que Zac White et Ethan Hurst, coupent la gaieté avec une désaffection dans leurs textes, comme c’est le cas sur « New Age Millennial Magic », un hymne au mécontentement générationnel qui déplore une habitude répandue pour les mots au détriment de l’action. Le gonflement des touches et de la batterie au début de « Break Right In » et de « Good Day » crée une scène consciente de l’existence des space hoppers et des jeans évasés ; des piques de charme qui alimentent l’optimisme de l’album face à l’adversité.

« Crescent Man vs Demolition Man » résonnera pour tous ceux qui connaissent la disparition de Gwdihŵ, la salle de Cardiff abritée par le Guildford Crescent, la perte d’un lieu très apprécié de la scène musicale locale, symptôme sinistre d’une antipathie plus large envers la préservation des centres culturels. C’est dans ces moments-là que le groupe trouve sa voix, une voix qui se poursuit avec les morceaux « Faking A Living » et « Feel The Change ! », qui glissent entre le tempo d’un morceau de Christine McVie et des riffs « road tripping » à la Grateful Dead ; tout en actualisant le célèbre mantra des Who sous un jour nouveau : « I hope I die before I get old / Then when the time comes you go kicking and screaming singing / Why won’t those kids do what they are told » (J’espère que je mourrai avant d’être vieux / Puis, quand le moment viendra, tu iras frapper et crier en chantant / Pourquoi ces enfants ne font-ils pas ce qu’on leur dit ?). Le morceau « Yourself », tout en piano, montre un côté plus doux de l’écriture de Tom Rees, avec des tournures pleines de tact qui semblent définir la direction à prendre.

La chanson « You » aux accents de Badfinger et la quasi-britpop qu’est « Passionate Life » illustrent bien la tendance à la collision des époques qui anime le travail de Buzzard Buzzard Buzzard. Backhand Deals capture ce révisionnisme pop, le groupe retouchant les sons d’antan avec suffisamment d’individualité pour être à sa place.

***1/2


Gospelbeach: « Jam Jam »

12 janvier 2022

Les membres de GospelbeacH ont des CV aussi longs que l’envergure de Wilt Chamberlain, mais aucun d’entre eux n’a participé à un projet comme celui-ci. Le partenaire de Brent Rademaker au sein de Curation Records est l’heureux propriétaire d’une énorme réserve de « singles » bubblegum et glitter pop, et après avoir fouillé dans certains d’entre eux, Rademaker a eu l’idée de donner à quelques chansons le traitement GospelbeacH. Sur le EP Jam Jam, le groupe et les chansons se rencontrent à mi-chemin dans une collision glorieuse de mélodies sucrées et d’accroches loufoques, de voix traînantes et de country-rock chaleureux. Le groupe a extrait de vraies valeurs sûres et les a remises au goût du jour. L’obscurité scintillante dégagée par « Jam Jam » de l’American Jam Band reçoit un coup de fouet, le très Badfinger-eque « Lovin’ You Ain’t Easy » de Michel Pagliaro fait un pas moelleux vers le paradis du soft rock, et le classique bubblegum « Gimme Gimme Good Lovin » n’est pas vraiment une chanson, mais le groupe la traverse avec juste ce qu’il faut d’énergie et de gaieté.

Les points forts de ce trop court EP sont la reprise par GospelbeacH de « Albatross » »de Chunky, qui s’accompagne d’un rythme glam joyeusement trépidant et de quelques synthétiseurs sérieusement ringards, ainsi qu’une adorable version du joyau pop ensoleillé de Sandy Salisbury, « Do Unto Others ».

Le groupe la fait sonner comme une chanson perdue de Tom Petty au début de sa carrière, tout en ajoutant des harmonies vocales assez jolies pour un album des Beach Boys. Ce n’est pas une surprise puisqu’elles sont assurées par Nelson Bragg, un membre de longue date du groupe de Brian Wilson. Jam Jam est une petite diversion amusante pour GospelbeacH, montrant qu’ils peuvent faire de la légèreté et de la brise comme si c’était une seconde nature. C’est également un bon point de départ pour quiconque souhaite découvrir le bubblegum et les paillettes en remontant à la source des excellents choix du groupe.

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The Legal Matters: « Chapter Three »

16 novembre 2021

The Legal Matters est une « union » d’auteurs-compositeurs-interprètes composée de noms très respectés comme Andy Reed, Keith Klingensmith et Chris Richards. Il se pourrait qu’ils soient des amis de longue date et, à cet égard, l’histoire du groupe devrait peut-être se rechercher.

En tant que tel, sans être encombré par de telles réflexions intrusives, il est clair, à l’écoute, qu’on peut trouver à Chapter Three chaleur et naturel tant leurs deux albums précédents (leur premier opus éponyme en 2014 et Conrad en 2016), donnent le sentiment que le combo prospère sur un confort complet en tant que groupe soudé par la compréhension innée et précieuse qui n’existe que par une pratique illimitée résiltant en une véritable affinité naturelle.

Ce sentiment de chaleur facile est particulièrement visible dans « Light Up The Sky », « Don’t Read Between The Lines » et « Makes Things Up ». Ici, les grandes voix modernes de la power-pop, qui trouvent des véhicules d’expression dans des groupes tels que The Orange Peels, Teenage Fanclub et Dropkick, agissent comme une fondation sur laquelle de somptueuses mélodies et harmonies sont superposées sans effort apparent. C’est de la power-pop laconique parfaite, qui n’a jamais peur de piocher dans le meilleur du rock classique, pour y ajouter un peu d’expression supplémentaire à la guitare.

Bien sûr, nous pourrions simplement ajouter ce groupe à la liste des grands artistes ci-dessus et partir en toute sécurité en sachant qu’ils ont réussi à enrichir une partie très spéciale de nos collections. Cependant, The Legal Matters est plus que cela, car il y a un aspect ludique qui visite les autres nuances musicales, qui leur sont manifestement chères.

Ainsi, « The Painter, Pain » et « You Sure Can’t Blame Her » ralentissent le tempo, accentuent le piano et glissent sans problème vers de parfaites machinations pop des années 70, tandis que le rock psyché croustillant et brumeux est visité dans « That’s All » et que les mélodies des années 60 et les bizarreries de la pop psyché se juxtaposent sur « A Memory of Soun »d. Cinq ans se sont écoulés depuis le dernier album de The Legal Matters et cette sortie ne fait que nous rappeler qu’un tel hiatus est trop long !

***1/2


Colleen Green: « Cool »

30 octobre 2021

Colleen Green est infiniment cool, comme elle l’a prouvé au fil de trois albums, tous ornés de ses éternelles lunettes de soleil et de références à de vieux disques des Descendants. I Want to Grow Up, sorti en 2015 son dernier disque de pop à guitare teintée de punk, a suscité des attentes élevées pour son suivi, attentes que Green a été trop heureuse de mettre de côté. À l’exception de la reprise de « Dude Ranch » de Blink 182 en 2019, Green a été très discrète pendant les six années qui ont suivi. Heureusement, ce temps d’absence porte ses fruits. La Colleen Green que nous trouvons sur Cool se sent plus sûre d’elle que les questionnements existentiels trouvés sur I Want to Grow Up, le nouveau disque la trouvant contente, à l’aise, etcomme d’habitudecool.

L’ouverture, « Somebody Else », indique l’ambiance décontractée du disque, ouvrant l’album sur des lignes de guitare rock universitaire scintillantes, une ligne de basse entraînante et un chant facile. Dès les premiers instants, Green se situe entre la légèreté et la confiance, confrontant une relation unilatérale sur le premier morceau avant de plonger dans un absurde bienvenu avec les accroches tranchantes de « I Wanna Be Your Dog ». Green imagine qu’elle abandonne ses propres névroses pour l’insouciance de la bonne vie en devenant littéralement un chien, sans doute avec toutes les tapes sur la tête et les bonnes filles qui vont avec. Cette même énergie insouciante et ensoleillée réapparaît plus tard dans la liste des titres avec « It’s Nice to Be Nice », accompagné à la fois d’harmonies agréables à l’oreille et d’un solo de guitare explosif. Les accroches et l’instrumentation enjouée sont accompagnées d’un message tout aussi positif, résumé dans le titre de la chanson.

Si les « singles » de l’album font appel au penchant bien établi de Green pour les mélodies accrocheuses, elle s’éloigne également de ses racines punk sur le reste de l’album. Les charmantes guitares floues de I Want to Grow Up sont en grande partie remplacées par un indie rock détendu et languissant. Cela peut avoir pour conséquence que l’album traîne un peu, comme avec la ballade downtempo « I Believe In Love ». Bien que le rythme tranquille manque parfois le charme distinctif de la meilleure musique de Green, son approche déambulatoire et désinhibée permet également à Green d’explorer de nouvelles subtilités.

Certains des meilleurs moments lyriques de l’album surviennent lorsque la disposition ensoleillée de l’album se brise et permet de jeter un coup d’œil derrière le cool sans effort de Green, montrant un côté plus âgé et peut-être plus sombre de Green. Dans « How Much Should You Love Your Husband « », Green explore le mariage, imaginant le stress et l’ennui d’être avec un comédien ou un avocat, ainsi que l’effort constant pour faire fonctionner l’amour. Pendant ce temps, les grooves de basse, les harmonies superposées et les solos de guitare distordue de « You Don’t Exist » accompagnent un regard sur l’anonymat dans notre monde toujours en ligne« Si j’avais un million de followers/alors peut-être qu’ils diraient, ‘CG si populaire’/Plus je vois de choses, plus j’appelle à la connerie/Tu sais que rien n’a d’importance quand tu n’existes pas » (f I had a million followers/Then maybe they would say, ‘CG so popular’/The more and more I see the more I call bullshit/You know that nothing matters when you don’t exist).

Mais même dans les rythmes émotionnels les plus lourds de l’album, Green semble calme et posée, donnant à chacun beaucoup d’espace pour respirer. Elle explore des chemins de traverse inattendus, comme dans le lent brûlot hypnotique de « Highway » ou les synthés spacieux et les rythmes motorisés de « Natural Chorus ». Ce dernier titre et « You Don’t Exist » restent enfermés dans leurs grooves d’ouverture pendant près de deux minutes avant même que la voix de Green n’entre en scène. L’ensemble des structures de chansons tordues, des chuchotements vocaux et des mélodies étonnamment collantes montrent qu’un auteur-compositeur réfléchi se cache derrière le vernis sans effort de ce disque.

Après six ans d’absence, le dernier effort de Green est aussi vif, spirituel et amusant que jamais. Elle semble facile à vivre et à l’aise, peut-être même plus sophistiquée en apparence, ses influences punk passant au second plan. Le disque qui en résulte montre une autre facette de Green, qui peut ne pas plaire à tout le monde. Mais elle offre plus qu’assez de vers d’oreille pop à guitare ensoleillés pour satisfaire ceux qui recherchent son oreille bien aiguisée pour les accroches, tout en pénétrant dans un nouveau territoire. Green s’est toujours contentée de suivre son propre chemin, et elle le fait une fois de plus avec style sur ce Cool.

***1/2


Adele & The Chandeliers: « First Date »

26 avril 2021

Ce n’est pas cette Adele- , mais celle qui a joué dans The Go-Betweens, et qui a fait ses débuts en solo merveilleusement dynamiques.

La musicienne australienne Adele Pickvance a, en effet, été membte des Go-Betweens lors de leur renaissance dans les années 2000 et elle a également joué dans les groupes solo de Robert Forster et du regretté Grant McLennan. Il s’avère qu’elle n’est pas en reste pour écrire et faire de la pop carillonnante à la guitare, et après des années en tant que musicienne de session et de scène très demandée, Adele est à la tête de son propre groupe, The Chandeliers, et a sorti son premier album à la fin de 2020.

Si vous êtes un fan de Forster et McLennan, séparément ou ensemble, allez-y et appuyez sur play, car First Date est traversé par des sons esnsoléillés auxquels Adele apporte un esprit unique qui lui est propre. Des titres comme « Treasure », « Breaking All the Rules » et « Something Good is Happening » ont un côté dynamique et joyeux qui est plutôt contagieux.

Même si les mots « séduisant » et « affable » vous hérissent, il est difficile de résister à ces compositions, jouées simplement mais avec style. La basse d’Adele estlustrée au silex et mélodique, travaillant en tandem avec la guitare « jangle » mais volontaire de Scott Mercer et la batterie propulsive d’Ash Shanahan. Elle aime également agrémenter ses chansons de « whoo oohs » et autres cris bien placés pour en faire un disque amusant et déluré.

On y ajoutera aussi un petit esprit new wave du début des années 80. L’ouverture pleine d’esprit, « German on My MInd » (avec une autre collaboratrice de Forster, Karin Bäumler), combine Toni Basil, Devo et LIliput en un seul morceau ; « Gourami Fish » a une acroche de synthétiseur qui fait vibrer les oreilles ; et « Treasure », la meilleure chanson de l’album, vantera un petit air de The Pretenders loin d’être désagréable. Le trio fait également une reprise assez géniale de « Love You More » des Buzzcocks, qui s’intègre bien au style dynamique de The Chandeliers. Une pop effervescente comme celle-ci fonctionne mieux en petites doses et, en rien moins que 32 minutes, Adele ne laisse jamais le pétillement retomber. En tant que premier rendez-vous, c’est un excellent album et nous espérons qu’il y en aura beaucoup d’autres.

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The Krayolas: « Savage Young Krayolas »

7 décembre 2020

Dans les coins ombragés et un peu glauques de l’histoire du rock, il y a eu plus de quelques fournisseurs rétro qui ont réussi à insuffler une nouvelle vie à des styles bien connus. Parfois, ils ont fait plus que faire des bulles commerciales : Sha Na Na et les Stray Cats sont parmi les rares à avoir fait une grande percée.

Les groupes les plus courants – mais non moins méritants – sont lThe Kaisers, le groupe écossais lancé dans les années 80 qui sonne comme un beat pré-  « Please Please Me » mais avec des chansons originales. Si The Kaisers ont un équivalent aux États-Unis, il pourrait bien s’agir des Krayolas, basés au Texas. Sans aucun rapport avec le Red Krayola (également du Texas, en l’occurrence), les Krayolas ont fait irruption sur la scène dans les années 70 avec leur propre style de rock’n’roll punky. Leur son n’était pas loin de celui des 101ers, un groupe de « pub rock » opérant à la même époque en Angleterre et mettant en vedette un jeune Joe Strummer.

Mais l’esthétique des Krayolas repose sur un caractère véritablement régional : le groupe intègre sans effort des éléments de Tex-Mex à ses chansons originales. Le groupe n’a jamais fait de tube, mais a sorti une série de superbes albums qui se poursuivent encore aujourd’hui (leur plus récente sortie semble être Tormentaen 2013).

Il y a relativement peu de documentation disponible sur le groupe, et une grande partie de ce qui existe semble provenir des mêmes sources. Mais ce que l’on sait, c’est qu’en 2007, le groupe a publié une collection d’archives, Best Riffs Only, sur son propre label. Ce CD rassemble les premières démos et les enregistrements terminés, documentant un groupe embryonnaire – mais encore à l’écoute, pleinement formé – des années avant ses débuts officiels, Kolored Music en 1982.

Fin 2020, c’est au tour de Savage Young Krayolas de faire son apparition. Emprunter un titre à celui d’une collection d’enregistrements des Beatles de l’époque de Hambourg est tout à fait logique, car cette série représente un autre regard sur les débuts du groupe texan. On ne sait pas exactement dans quelle mesure Savage Young Krayolas recoupe le Best Riffs Only, épuisé – probablement un bon morceau – mais la qualité du son est excellente et les morceaux de l’album sont cette fois-ci annotés.

Savage Young Krayolas est entièrement original, à l’exception d’une reprise de « You Really Got Me » des Kinks. Et s’il est vrai que la plupart des groupes de rock de garage ont joué cette chanson, la prise de vue des Krayolas fait ressortir quelques points qui font savoir aux auditeurs avertis qu’ils sont des étudiants en rock. Au milieu de la chanson, ils chantent « stronger than dirt » sur le riff caractéristique. Cette phrase, bien sûr, avec la même progression mélodique de deux notes, faisait partie d’un jingle des années 60 pour le nettoyant ménager Ajax. Et elle a été citée en référence à la fin de « Touch Me » des Doors, une chanson qui a repris une partie de la mélodie du jingle et/ou de la chanson des Kinks. (Le vol/emprunt était plus subtil que « Hello, I Love You », mais c’est une autre histoire).

C‘est la musique écrite par le groupe qui fait que Savage Young Krayolas vaut le plus la peine d’être entendue. Le groupe – alors un trio pseudonyme composé de Sal Dana, Jet Bass et Freddie Herman – déchire ses rockers lunatiques avec délectation. Les chansons puisent dans la même source d’inspiration que celle qui a permis à des groupes comme le Chocolate Watchband de se faire connaître, mais avec une approche de l’harmonie vocale influencée par les Beatles qui élève la musique au-delà des standards du rock de garage. « Cry Cry Laugh Laugh » est un rocker aussi parfait que vous ne l’aurez jamais entendu.

L’orgue qui figure dans la plupart des chansons des Krayolas est utilisé de manière experte, bien que les chansons de Savage Young Krayolas ne mettent pas en avant la saveur régionale des derniers morceaux du groupe. Il y a plutôt le personnage de Merseybeat – avec des claquements de mains énergiques – de tires comme « All I Do is Cry », un morceau irrésistible, un morceau que je parie que Steve Stoeckel et Jamie Hoover auraient aimé écrire.

Et comme les Spongetones, les Krayolas jouent cette musique de style rétro d’une manière si authentique qu’il n’y a aucune trace d’artifice. Bien sûr, « I Just Wanna » (avec le claviériste invité Augie Meyers !) utilise un certain nombre de riffs et de progressions mélodiques familiers, mais ils sont combinés de telle manière que vous ne les avez jamais entendus auparavant. Et si « Alamo Dragway » rappellera aux auditeurs Los Straitjackets, il est lui aussi frais et nouveau à sa manière. « Sunny Sunny Day » a des harmonies vocales époustouflantes qui invitent inévitablement à des comparaisons avec les Beach Boys.

Pour les auditeurs qui découvrent les Krayolas – comme ce chroniqueur -, chaque morceau de Savage Young Krayolas est d’une qualité exceptionnelle et irrésistible qui ne peut que vous faire vous demander : « Pourquoi n’ai-je jamais entendu ces gars avant ? »

***1/2


Smokescreens: « A Strange Dream »

29 octobre 2020

Ce groupe Los Angelese n’est pas étrangerà ce qu’il y a de meilleur dans indie-pop. L’album du combo, sorti en 2018, Used To Yesterday, était excellent, mais leur dernier disque, A Strange Dream, est encore meilleur tant il explique comment faire de la jangle-pop en 2020 et que la production de David Kilgour (The Clean) ne fait qu’élever le niveau.

Si la présence du producteur Kilgour est perceptible, ce n’est pas vraiment le signe que le groupe est dérivé du son de The Clean. En fait, on irait même jusqu’à dire que Smokescreens veut intentionnellement sonner comme The Clean ici, et qu’il y parvient. « Fork in the Road » possède ici l’un des meilleurs ancrages de guitare de 2020 tandis que « On and On » est tout autant familier du langage. Ailleurs, « Working Title » est un peu plus dur, les riffs un tant soit peu plus forts, tandis que « Streets of Despair » sonne moins comme The Clean et plus comme un combo de tye The Close Lobsters en 1987. L’écriture économique de Smokescreens met l’accent sur une grande guitare centrale, avec l’instrumentation et le chant qui l’accompagnent. Parfois, le son rappellera Velvet Crush mais Smokescreens s’intéresse moins aux Byrds qu’à l’historique label Flying Nun Records.

A l’écoute, A Strange Dream ne perd pas de temps à fournir le genre de rock qui a fait grandir tant d’entre nous et qui nous fait vivre encore. Même un morceau relativement lent comme « I Can Still See You » révèle à quel point ces musiciens s’attachent à trouver une mélodie forte, même s’ils se perdent momentanément dans la variété des textures. Pourtant, Smokescreens ne sera jamais un groupe de shoegaze, même si les guitares s’écrasent et les accords s’effondrent. A Strange Dream est à la fois une leçon de jangle-pop et l’un des meilleurs exemples de cette forme en 2020, étendu sur 10 étincelants morceaux.

***1/2