Pour certains, Editors n’a jamais vraiment retrouvé l’euphorie sombre et palpitante de son premier disque, The Back Room, sorti en 2005. Il s’agissait d’un album inspiré de la claustrophobie nerveuse de Joy Division et d’Interpol, mais aussi de la pompe des arènes de U2. Leur deuxième album, An End Has a Start, sorti en 2007, s’inspire de ce modèle sombre initial et s’envole directement dans les charts britanniques où il se classe numéro 1. Pourtant, Editors, contrairement à beaucoup de ses pairs, n’est pas le genre de groupe à trouver une formule à succès et à s’y tenir sans relâche. Plutôt que de produire des variations sur le même thème, Editors a rapidement commencé à élargir son son et à introduire une touche beaucoup plus électronique dans son œuvre.
L’arrivée récente du compositeur Benjamin John Power (alias Blanck Mass et également l’un des membres fondateurs du groupe de drone Fuck Buttons) en tant que membre permanent était certainement une décision excitante et sur leur premier album complet ensemble, EBM, Editors semble véritablement revigoré.
Dès le début de « Heart Attack », l’album ne prend pas le temps de respirer. « Picturesque » est un morceau bélier, un banger dark electro goth rock implacable, tandis que « Karma Climb », un morceau dont le leader Tom Smith a expliqué qu’il s’agissait « d’une évasion hédoniste », a l’éclat sombre classique des premiers travaux d’Editors, mais reçoit une nouvelle dose d’adrénaline grâce aux rythmes électroniques urgents et implacables de « Power ».
Ailleurs, l’intensité de « Strawberry Lemonade » fait que l’on peut pardonner certaines des paroles les plus osées de Smith, en particulier la rime de « renegade » avec « lemonade », tandis que « Vibe » évoque Depeche Mode dans ses années de cuir disco sombre et moite.
Ils ont peut-être gardé le meilleur pour la fin avec « Strange Intimacy », avec des claviers arachnéens à la John Carpenter, des guitares déchiquetées et leur capacité innée à créer des refrains indie rock. EBM est un bon album et, malgré la prédilection de Smith pour les paroles sombres et sinistres, il donne l’impression que le groupe s’est amusé à explorer les différentes possibilités que leur a offertes l’arrivée de Powers. Il est étrange qu’un groupe qui a été accusé de se tourner vers le passé pour s’inspirer et qui a été reniflé comme « Boy Division » soit resté si tourné vers l’avenir plutôt que de stagner dans un miasme de nostalgie.
And Also The Trees fait du post-punk atmosphérique et sombre depuis 1979. Au fil des ans, la formation a changé plusieurs fois, mais les habitués, les frères Simon Huw et Justin Jones, sont là depuis le début.
Dans les premières années, le groupe était lié à The Cure, car And Also The Trees faisait régulièrement la première partie de Robert Smith and co. et parce que Smith avait produit la première démo du groupe. Lol Torhurst a été chargé de la production des premiers singles. Sur le plan musical, cependant, on ne peut pas comparer le groupe à The Cure ; il a plus en commun avec ses contemporains The Sound, The Chameleons et Joy Division.
Après toutes ces années, And Also The Trees garantit toujours un son chaud et stratifié avec le son de guitare reconnaissable de Justin et la voix chaude et poétique de Simon Huw. Sur leur 15ème album, The Bone Carver, ils mettent en avant ce son reconnaissable entre tous. Cela fait six ans qu’ils ont sorti leur dernier album Born Into The Waves, sans compter l’album compilation Untangled. Ils ont passé pas moins de trois ans à écrire l’album et ont enregistré en Suisse, à Londres et dans un grenier atmosphérique de l’ère Tudor converti en salle de concert, situé dans les Midlands britanniques d’où le groupe est originaire.
Depuis Untangled, And Also The Trees a un nouveau label, Dutch Gentlemen Recordings, et de nouveaux membres dans le groupe, le bassiste Grant Gordon et le clarinettiste/guitariste/clavier Colin Ozanne. C’est surtout ce dernier qui a eu une grande influence sur ce nouveau disque. L’utilisation de la clarinette donne à la plupart des chansons un côté klezmer, qui s’accorde parfaitement avec les chansons largement orchestrées.
Le groupe voit ce disque comme la bande originale d’un film qu’il faut s’imaginer jouer. Simon Huw semble souvent se réduire à une caméra de cinéma, un observateur qui parle dans un langage de scénarios de films. Ainsi, lui et les membres de son groupe nous emmènent dans un film noir particulier dans lequel il nous guide à travers des rues et des ruelles sombres pleines d’une chaude mélancolie.
Il est clair que And Also The Trees ne reste pas immobile. Le son inimitable est devenu encore plus large et plus intense qu’auparavant. Ce sont plus de 45 minutes d’appréciation de ce disque atmosphérique qui sont propres à nous vraiment impressionner.
À l’écoute de Scrutiny, il est difficile de croire que Pascal Stevenson, de Fashion Club, ne s’est jamais considérée comme une leader avant d’écrire les chansons qui ont donné naissance à son premier album. Elle a passé des années dans l’ombre de la scène indé de Los Angeles avant de devenir sobre, une décision qui l’a amenée à jeter un long regard sur sa vie et le monde qui l’entoure et à partager ses sentiments. Fidèle au titre de l’album, elle dénonce l’hypocrisie partout où elle la voit avec la confiance et l’éloquence d’une artiste chevronnée ; comme elle le grogne sur « Scrutiny » sur des basses caverneuses et des synthés et guitares lugubres, elle « fait tomber les masques » (brings the spectacle down). Sur ladite composition et sur l’entraînante « Reaction », on retrouve l’énergie post-punk de confrontation de son autre projet Moaning, mais Fashion Club a sa propre identité. La voix profonde et brute de Stevenson contribue à différencier Scrutiny de toutes les autres musiques sur lesquelles elle a travaillé auparavant, en particulier sur des morceaux comme « Phantom English », où la combinaison de sa voix directe et de la production inspirée de Jam & Lewis définit la tension de Fashion Club entre le faux fier et le trop réel. Elle saisit les nuances de ce conflit de manière évocatrice, en chantant « You’ll never see it/But the chapel walls are filthier than your bedroom » (Tu ne le verras jamais/Mais les murs de la chapelle sont plus sales que ta chambre) sur la méditation de « Chapel » sur la croissance et le doute ; sur « Dependency », elle exprime un traumatisme persistant de manière poignante : « Weaponize your brain/What good is a weapon if it drives you insane ? » (Armez votre cerveau / A quoi sert une arme si elle vous rend fou ? ). L’empathie dans l’écriture de Stevenson rend Scrutiny d’autant plus accessible et indélébile, surtout lorsqu’elle révèle le désespoir derrière la tromperie.
Sur « Pantomime », elle s’en prend à juste titre à l’altruisme de façade, mais si les paroles sont tranchantes, la mélodie fluide ajoute complexité et sympathie. Sur le morceau phare « Feign for Love », Stevenson construit une maison de miroirs avec des guitares chatoyantes et des paroles pleines de déni. Aussi sombre que puisse être l’ambiance, Fashion Club n’oublie pas de tendre vers la lumière, et les lueurs d’espoir et de rédemption de « Failure » et « All in Time » élèvent le disque au-delà de la simple mélancolie. Scrutiny offre un éclat apparemment hors du commun qui demande beaucoup de temps et d’énergie pour être créé, et lorsque Stevenson fait venir le spectacle à nous, elle réalise un premier album époustouflant.
Cave World, le troisième album brûlant des renégats post-punk que sont Viagra Boys, est essentiellement un manifeste sur la stupidité. En plus de cela, le quintette suédois s’attaque à la masculinité toxique et à la façon dont elle encourage les mauvais comportements, tout en se moquant d’eux-mêmes. S’il émanait d’un groupe à l’esprit plus sérieux, son message pourrait prendre une tournure plus idéologique, à la limite du prêche. Venant de Viagra Boys, on pourrait s’attendre au genre de pitreries dépravées avec lesquelles ils ont constamment tâté depuis leur premier LP, Street Worms, en 2018.
Dès le début, le groupe révèle certaines de ses compositions les plus sombres sur l’ouverture de l’album Baby Criminal, dans lequel ils racontent l’histoire d’un enfant innocent qui se transforme en un terroriste domestique en devenir. Le frontman Sebastian Murphy utilise les États-Unis comme modèle pour fonder son humour mordant, reconnaissant que la folie qui prévaut dans ce pays semble plus déséquilibrée que la plupart des autres. Il est difficile de ne pas être d’accord avec lui. Il renforce cette idée en termes plus généraux sur « Troglodyte », en défendant avec force l’idée que les singes ont plus d’intelligence que les extrémistes portant du papier alu et crachant des absurdités.
Murphy martèle ce message tout au long de Cave World avec une insistance inébranlable, ce qui peut sembler quelque peu irritant mais qui est très probablement le but recherché. C’est là que l’humour intervient pour apporter un peu de légèreté, comme sur « Punk Rock Loser », où le groupe utilise avec justesse un riff bluesy stomp déformé comme toile de fond pour décrire un bon à rien effrayant rempli d’une confiance mal placée : « Je n’ai pas l’air fou/Mais je le suis, putain, et je porte une petite chaîne en or » (I don’t seem insane/But I fuckin’ am and I’m rocking a little gold chain). Murphy livre l’une de ses performances les plus viscérales sur Creepy Crawlies, se pâmant et grognant à propos de l’hystérie de masse anti-vaccins sur un psychédélisme menaçant : « Avec de toutes petites jambes qui rampent autour de votre corps/collectent des informations » (With tiny little legs that creep around your body/collecting information). Sa façon de personnifier les vaccins est absurdement irrationnelle, mais, malheureusement, pas très éloignée de ce que dirait votre oncle consercial endoctriné.
Ce qui est plus audacieux dans Cave World, en dehors de leur engagement à agir comme des satiristes de la désinformation, c’est la façon dont le groupe prend une route plus aventureuse sur le plan sonore. Plutôt que d’épicer leur son punk avec du saxo skronky, le groupe puise dans l’électro-punk teinté de flûte (« Troglodyte »), la techno allemande frénétique digne de la bande originale de « Run Lola Run (Ain’t No Thief) » et la new wave minimale (« ADD »). Leur désir de secouer les choses n’est nulle part plus palpable que sur Big Boy, qui commence par un blues du delta teinté de marécages avant de se transformer en un beat acid house – avec nul autre que Jason Williamson des Sleaford Mods pour faire passer leur message sur ceux qui se vantent comme des hommes-enfants.
Juste au moment où vous pensez que Viagra Boys a épuisé ses idées, en dehors de la surprenante confession « ADD », Murphy et ses cohortes font monter l’énergie une dernière fois sur « Return of the Monkey ». L’équivalent auditif d’un coup de fouet soudain, ce morceau plein d’énergie s’aventure en territoire pop avec un chant délibéré (« Leave society/be a monkey ») qui complète parfaitement ses guitares bruyantes. Le groupe a complètement désévolué, appelant à une réponse primitive qui, plus que ses métaphores narquoises, ne semble jamais gratuitement nihiliste. C’est le plaidoyer désordonné et imparfait dont nous avons besoin en ce moment.
Horsegirl, ce sont sont trois amies qui font de la musique dans un sous-sol. C’est vrai, et elles veulent que vous le sachiez, non pas parce qu’elles sont gênées par l’attention qu’elles ont reçue en tant que dernière percée du rock indépendant, mais parce que le trio de Chicago composé de Penelope Lowenstein, Nora Cheng et Gigi Reece veut que vous sachiez qu’elles s’amusent. Elles y parviennent comme seuls des adolescents passionnés peuvent le faire : en professant leur admiration pour Kim Gordon, en peignant des T-shirts au hasard et en lançant des riffs contre le mur jusqu’à ce qu’ils se transforment en chansons. Le produit final de ces séjours en sous-sol, Versions of Modern Performance, combine de manière impressionnante des influences bruyantes et punk qui se fondent dans une merveilleuse concoction de post-punk, no-wave, shoegaze précoce, etc. Bien qu’inspiré par les cadres des années 80 et 90 des acteurs les plus bruyants du rock indé émergent, le son de Horsegirl est singulier, curieux et recouvert d’une bonne dose d’ironie que la génération Z porte comme une paire de bottes de travail fiable.
Avec l’aide de John Agnello (Kurt Vile, Hop Along) à Electrical Audio, Horsegirl profite pleinement de son studio tout en maximisant le son DIY qui a charmé les fans sur les premières sorties. S’ouvrant sur une batterie rebondissante et des guitares bourdonnantes sur « Anti-glory », Horsegirl met en scène le plaisir et la danse avant tout sur une chanson qui a émergé de leurs sessions de répétition comme par enchantement. « Beautiful Song » oppose des voix en coucou à un chœur de guitares en écho, tourbillonnant dans les cieux et empiétant sur le shoegaze. Le morceau « Live and Ski », rythmiquement difficile et acoustiquement abrasif, donne l’occasion à Cheng et Lowenstein de chanter en harmonies feutrées tout au long de l’album, introduisant un mystère passionnant dans leur discours. Le disque se termine par l’une des trois pistes instrumentales, « Bog Bog 1 », une expérience d’improvisation shoegaze lo-fi qui pourrait facilement être confondue avec une démo de My Bloody Valentine. Chaque instrumental de Versions est unique ; « Electrolocation 2 » met l’accent sur des drones qui encapsulent tout, manifestant les perturbations du champ électrique que le titre de la chanson évoque. Le titre ludique « The Guitar Is Dead 3 » est une expérience de piano réverbérant d’une durée de moins d’une minute, avec des touches guidées par l’entropie spirituelle dans un moment de doux répit pour le disque autrement propulsif.
Aussi expérimentale que soit la tonalité de l’album, Horsegirl joue également avec une musique pop plus reconnaissable, en donnant sa propre tournure au son et à la structure de la pop. Des chansons comme « Dirtbag Transformation (Still Dirty) » et « World of Pots and Pans » offrent les structures astucieuses de la pop et inspirent des émotions comme la célébration et la nostalgie. « World of Pots and Pans » s’enfonce dans un espace jangly, twee-adjacent, suggérant ce qui pourrait arriver si quelqu’un faisait exploser sa stéréo en essayant d’écouter The Pains of Being Pure at Heart. Les personnages qu’ils évoquent révèlent la profondeur du paysage imaginatif de Horsegirl : « On ne la verra pas danser ou courir / Il n’y a simplement rien à faire / Quand Emma balaie le sol, il devient plus gris » (Won’t see her dance or see her run / There’s simply nothing to be done / When Emma sweeps the floor it turns more gray). L’esprit punk du groupe est à l’origine du discours désordonné et impassible qui fascine les auditeurs. À l’opposé du spectre, « The Fall of Horsegirl » offre une atmosphère sinistre qui ressemble à une chute libre dans le vide, mais avec un titre aussi ironique, étant donné l’ascension fulgurante du sujet, on peut se demander s’il n’y a pas une couche de BS qui empêche l’humeur de la chanson d’être légère. « The Fall of Horsegirl » projette de manière créative les angoisses du perfectionnisme qui réapparaissent sur » Option 8 « , un morceau post-punk plein de crochets, si entraînant qu’on pourrait manquer les ordres : « Tiens-toi droit, ne sois pas en retard ! »
Horsegirl fait monter l’intrigue sur « Homage to Birdnoculars », dont les suppliques répétées, « Fall into my / Wormhole », sont à la fois déconcertantes et charmantes. A un certain niveau, on peut se demander si le morceau n’est pas une tentative d’hypnose avant la conclusion de l’album, « Billy », un morceau pensif et bruyant qui suit une autre invention de l’imagination inspirée du groupe. Horsegirl invite Steve Shelley et Lee Ranaldo à l’aider à clore ce morceau avec un peu plus de volume et de déchiquetage, clôturant ainsi l’album sans réponse (comme c’est postmoderne) mais avec des murs de son. Par coïncidence, « Billy » était également le premier single de l’album, et le premier du groupe pour Matador ; dans son contexte, il est évident que la chanson est une conclusion efficace.
Aussi évocateur et excitant que soit chaque chanson, qui montre le plaisir du groupe et illustre les styles/genres qui les inspirent, l’un des meilleurs aspects de Versions est son enchaînement. Le disque atteint un équilibre entre les divers envois stylistiques du groupe et les transitions instrumentales aident à manifester les changements d’ambiance qui permettent au groupe de faire de la marelle. Ils oscillent entre les styles plutôt que de regrouper des morceaux grandiloquents et de leur permettre d’éclipser le reste du disque, un péché malheureusement courant. Entre les réalisations stylistiques qui semblent rafraîchissantes sans être trop référencées, la livraison vraiment pince-sans-rire sur un lit de bruit enroulé, et (enfin) un séquençage correct, Versions of Modern Performance est un disque intelligent qui prouve que Horsegirl est une vraie affaire. Leur sous-sol sera, selon toute vraisemblance, à l’origine d’enregistrements encore plus excitants à l’avenir.
Le Gallois Sion Orgon a toujours été dans notre radar en raison de sa participation régulière à Thighpaulsandra et de sa collaboration occasionnelle avec Peter Christopherson de Coil. Soutenant sa carrière d’artiste en tant que concepteur sonore, technicien de studio et producteur de musique pour le cinéma, le théâtre et l’animation, il s’agit en fait de son cinquième album solo.
Dust d’abord été publié en édition limitée sur vinyle (300 copies seulement) via Lumberton Trading Co. l’automne dernier et est maintenant disponible en CD avec un tracklisting identique. Honnêtement, on ne m’attendait pas à ce qu’il soit un musicien aussi polyvalent sur le plan stylistique – dans ces 6 titres, il passe sans transition du rock indé bruyant à l’ambient abstrait, pour finir en beauté par un rock psychédélique sincère et émouvant.
En commençant par « Spat Out Of Dust », co-écrit et avec la participation de Richard Johnson de Splintered, il attire immédiatement votre attention avec un rythme implacable et une guitare qui pousse le chant cynique jusqu’à ce qu’il s’estompe organiquement dans une structure ouverte. Après ce titre qui me rappelle positivement le Ministry actuel, « Ornament Centipode » est un morceau dramatique ressemblant à une bande sonore, de la musique concrète avec un côté expérimental et psychédélique. C’est d’ailleurs l’un des trois titres où l’on retrouve Thighpaulsandra aux synthétiseurs modulaires.
Suivi de « Head Bomb », l’ambiance se maintient au début mais gagne progressivement en intensité jusqu’à ce que l’on puisse imaginer une rage psychotique qui est vécue à fond. Soutenu uniquement par Claudio Gian à la basse et Chey Davis aux percussions et aux enregistrements sur le terrain, Sion Orgon ne laisse aucun nerf intact.
« Who Do You Think You Are ? » (co-écrit par Thighpaulsandra) revient à l’ambiance indie-rock post punk avec des interférences dramatiques, un changement soudain vers des excursions mélodiques de métal progressif et un retour en arrière vers des déserts post punk remplis de field recordings.
« Disintegration » est la chanson de rock alternatif la plus directe que l’on puisse imaginer ici, associée à un rythme hip-hop et à un chant impitoyable surprenant. Cette chanson me laisse perplexe, une explosion d’énergie qui n’est résolue que par l’épopée finale « The Mouth That Has No Face » qui est un hommage étonnant aux débuts du rock psychédélique, léger, ludique et même avec un refrain mélodique accrocheur avant de s’éteindre lentement dans des enregistrements de terrain qui vous laissent en paix avec le monde.
Dans le désert tragiquement sombre d’un monde en ruine, les derniers sons connus des mortels pulsent infiniment à travers le temps dans un environnement autrement sans humains. Les chansons que l’on trouve sur le premier album éponyme de Crime of Passing capturent les déclarations émotionnelles d’une espèce qui court vers sa fin. Le mélodrame apocalyptique mis à part, Crime of Passing est une offre sombre et expressive de l’un des groupes post-punk underground les plus évocateurs de l’Ohio. Cette musique sophistiquée présente toute la misanthropie, les textures électroniques glacées et les riffs stridents que l’on peut attendre d’un groupe opérant à la frontière de la cold wave et du post-punk.
Le morceau commence par un bourdonnement électronique tourbillonnant qui plonge l’auditeur dans une arène sonore liminale. Au moment où l’on pense que le son va résonner dans l’obscurité, la batterie et la guitare basse explosent sur le morceau, générant un groove obsédant et mémorable. Un riff de guitare industrialisé fait son entrée et transforme instantanément la chanson en un numéro exaltant qui plante le décor pour le reste de Crime of Passing. La première piste, « Off My Shoulder », est une introduction d’enfer.
La chanteuse du groupe, Andie Luman, est une force expressive et dominatrice tout au long de l’album. Sa voix, imprégnée de réverbération, alterne entre des marmonnements discrets et des gémissements à la Lydia Lunch. Luman utilise sa voix comme une autre texture de la musique et explore des mélodies merveilleuses ou se penche sur un désarroi lugubre tout aussi efficace.
La majeure partie de Crime of Passing repose sur les pouvoirs divergents de la mélodie et de la violence. Des morceaux comme « Hunting Knife » ou « Damrak » sont aussi méditatifs qu’ils sont féroces. Ils existent dans un état éthéré qui parvient à capturer la beauté et la terreur que l’on trouve lorsqu’on explore le périmètre émotionnel de son esprit. « Vision Talk » et « Interlude » sont pensifs et hypnotiques. Les deux chansons utilisent des synthétiseurs pour créer une atmosphère qui s’oppose à l’inévitable déclin de l’obscurité.
Le comboexiste dans un espace sombre et impalpable. Outre l’indéniable musicalité du groupe, l’une des plus grandes caractéristiques de la musique est l’indéniable réponse émotionnelle qu’elle suscite. Malgré la signification presque impénétrable de chaque chanson, les morceaux de ce premier album éponyme sont comme un miroir, vous forçant à vous tourner vers l’intérieur et à étudier vos propres souvenirs, humeurs et sentiments naissants.
Ces piliers post-punk de Brooklyn que sont Savak ont annoncé leur cinquième album, Human Error / Human Delight, qui sort via Ernest Jenning Record Co. en conjonction avec le groupe Peculiar Works.
Savak est la bête à deux têtes de Sohrab Habibion et Michael Jaworski, avec Matt Schulz à la batterie. Jaworski et Habibion se partagent les tâches de chant et d’écriture depuis la création du groupe en 2015, tous deux se relayant pour chanter leurs chansons tout en jouant de la guitare et d’autres instruments divers. Bien que les membres de Savak aient fait du temps dans des groupes comme Obits, Edsel, Holy Fuck et bien d’autres, leur groupe actuel semble être le véritable aboutissement de leurs pouvoirs d’écriture de chansons.
Comment garder l’espoir quand nous vivons dans une période de crise sans fin ? L’amour a-t-il une quelconque valeur si la planète est en train de mourir ? Peut-on justifier la production d’un album pendant une pandémie mondiale ? Sur leur cinquième album, Human Error / Human Delight,lnos rockeurs de Brooklyn s’attaquent à des questions aussi fondamentales que celles-ci. Ils ne trouvent peut-être pas de réponses concrètes, mais l’exploration elle-même s’avère remarquablement fertile.
La dualité inhérente au titre même de l’album indique la fascination du groupe pour la nature dichotomique de la simple existence. Le frottement entre les deux concepts jumeaux alimente les douze morceaux de l’album.
Le morceau d’ouverture « No Blues No Jazz » énonce une mission, imaginant un avenir où la création artistique peut exister sans la tyrannie du genre, et où les gens peuvent coexister sans les mêmes démarcations arbitraires : « Pas de comtés, pas de pays, pas de serment d’allégeance » (No counties, no countries, no pledge of allegiance), chantent-ils. Mais l’humeur est décidément moins optimiste sur la suite « Empathy », alors qu’ils énnoncent « Je vais cesser de t’attendre, d’attendre ton empathie »(I’ll stop waiting for you, waiting for your empathy). Pourtant, la répétition de ce refrain frise la protestation de trop – en s’attardant sur l’idée de ne pas attendre, ils attendent en effet. Bien qu’ils insistent sur le fait qu’ils ont perdu tout espoir, l’acte même de cette insistance maintient en vie une forme tordue d’espoir.
Cette tension est un microcosme approprié pour l’album dans son ensemble. Human Error / Human Delight voit Savak se débattre avec l’idéalisme et le désespoir simultanés, incertain de la meilleure façon de fonctionner dans un monde moderne. Cette lutte se reflète également dans l’instrumentation de l’album, les instruments se battant presque les uns contre les autres, opposant indulgence et économie. Prenez l’instrumental d’une minute et demie qui commence « Set Apart ». Sur une section rythmique insistante et bourdonnante, le saxophone et la guitare s’essaient tour à tour à de nouvelles idées mélodiques qui se battent pour s’élever, mais s’essoufflent inévitablement. L’originalité, l’intention, l’invention, tout cela n’est finalement que du carburant, qui attend d’être brûlé pour continuer à alimenter les machines de notre système capitaliste.
Dans « Cold Ocean », ces préoccupations deviennent plus explicitement écologiques. « These are my requirements, this is what I need : a cold cold ocean an eternity », déclare le refrain. Conscients de la montée du niveau des océans et de la nature trop temporaire de l’habitabilité de la planète, ils expriment clairement leurs exigences. Et pourtant, deux titres plus tard, cette audace a nettement faibli. « Shot by shot we watched it go to waste / Piece by piece we put it back in place », se lamentent-ils au début de « Oddsmaker ». Presque comme s’ils s’excusaient de leur audace passée, ils admettent la nature sisyphéenne du simple maintien du statu quo, en regardant tout ce qui nous entoure s’effondrer, en abandonnant tout ce qui est aussi ambitieux que le progrès.
En fin de compte, cependant, derrière ces hésitations, il y a effectivement des raisons d’espérer. Savak a écrit et enregistré Human Error / Human Delight entièrement sur Zoom, suggérant que la transcendance des frontières physiques à laquelle ils aspirent au début de l’album n’est peut-être pas une notion si farfelue après tout. Mais à quel prix ? Alors qu’une part croissante de nos vies est absorbée par le virtuel et que les algorithmes menacent de nous enfermer dans nos propres trous de lapin solipsistes, les frontières idéologiques qui nous divisent sont plus difficiles à franchir que jamais. Que faire, alors, de la musique criée dans cette cacophonie culturelle tumultueuse ? A-t-elle une chance de résoudre l’un ou l’autre des problèmes qu’ils nomment si astucieusement ?
Peut-être que choisir la voie de la création artistique alors qu’il y a tant de questions plus pressantes est à la fois la plus grande erreur humaine et le plus grand plaisir de l’homme. Savak a ainsi rédigé un traité d’une honnêteté cinglante sur la vie dans le moment présent. Cet album est tour à tour auto-incriminant et célébrant, à la fois une distraction et un baume. On ne peut qu’espérer que ces idées concurrentes, en ricochant les unes sur les autres, résonnent en quelque sorte en harmonie.
Skinty Fia bourdonne, crisse et prend vie de manière tremblante. Dès les premières notes de l’ouverture » In ár gCroíthe go deo « , Fontaines D.C. marque son retour. Le morceau se met en marche de façon régulière, vibrant de la promesse de ce qui est à venir – sans doute la meilleure offre du groupe à ce jour.
D’une certaine manière, Fontaines D.C. a passé toute sa carrière dans un cycle semblable à celui d’un papillon : entrer dans un cocon, s’engager dans une période de transition profonde, émerger à nouveau, le produit étant douloureusement beau et profondément stratifié. Chaque album invite à la réinvention. Du rauque et incendiaire Dogrel au surréalisme de son successeur A Hero’s Death, le groupe se transforme pratiquement et Skinty Fia ne fait pas exception. Il s’agit de l’album le plus réfléchi à ce jour, mais toute effronterie qui aurait pu subsister auparavant a disparu. À sa place, on trouve une puissance pensive et tranquille.
Leur tournure de phrase reste leur plus grande force, mais Skinty Fia a une élasticité musicale qui les soutient. Il fait appel à ses talents de guitariste désormais bien affinés pour créer une présence rampante et hésitante ( » Big Shot « , » Jackie Down The Line « ), sa section percussive est une figure implacable qui serpente et pulse avec intensité. L’ajout de » The Couple Across The Way « , avec son seul accordéon et ses images mélancoliques d’une promenade nocturne sur la rivière, montre la capacité du groupe à créer des éléments excentriques qu’il est le seul à pouvoir réaliser.
L’album donne finalement l’impression de se catalyser vers l’avant-dernière piste « I Love You ». C’est un examen contradictoire de l’identité irlandaise et des idées incongrues sur la façon de naviguer à l’étranger. Skinty Fia aborde thématiquement la domesticité, l’anxiété, la presse et les dysfonctionnements, mais ce sont les réflexions du groupe sur l’identité et leur pays d’origine qui s’infiltrent dans chaque souffle de l’album : « I Love You » en est l’aboutissement désespéré. Il s’élève vers cette tension lourde laissée en suspens, laissant un album dont l’empreinte se fait encore vivement sentir alors qu’il touche à sa fin.
Le Royal Arctic Institute fait naître des visions instrumentales d’une clarté langoureuse, ses accords évasés et ses lignes de basse sinueuses ressemblant à de la musique de surf ralentie à une dérive onirique. James McNew de Yo La Tengo a enregistré ce quatrième album pour le groupe, dont les cinq membres ont accompagné Arthur Lee et Roky Erickson et joué dans Das Damen et Gramercy Arms. Ces grooves instrumentaux somnolents mais lucides pourraient vous rappeler les morceaux non vocaux de Yo La Tengo ou la magie des guitares arquées de Friends of Dean Martinez.
Ces morceaux ont été enregistrés en septembre 2020, après que la vague la plus meurtrière du COVID soit passée, mais alors que la vie était encore suffisamment déséquilibrée pour que les siestes et les comas soient monnaie courante. C’est le deuxième disque de cette itération du Royal Arctic Institute avec ses deux guitaristes, le fondateur John Leon et Lynn Wright. Leur interaction, qui consiste à échanger des glissades obsédantes, des accords ondulants et des mélodies claires et aiguës, définit le son de ce groupe. Les autres musiciens, tout aussi expérimentés, sont Lyle Hysen à la batterie, David Motamed à la basse et Carl Gaggaley aux claviers.
La musique vous enveloppe et vous immerge dans une sensation aqueuse. Faire tomber l’aiguille, c’est un peu comme plonger dans une piscine propre et fraîche. Vous pouvez tout voir (ou entendre), mais avec un léger recul, comme si vous vous souveniez de ces sons la première fois que vous les avez entendus. « Fishing by Lantern » est épique à sa manière, avec des accords de jazz qui s’enchaînent librement, tandis que le claquement de la batterie pousse doucement vers la prochaine partie du rêve. « Shore Leave on Pharagonesia » tire son nom d’un roman graphique de science-fiction de Moebius, bien que dans la vidéo, les artistes admettent qu’ils n’ont jamais lu le texte. Ils imaginent plutôt la Pharagonie comme une ville urbaine, avec de nombreux restaurants et clubs, et probablement comme une ville de New York idéalisée, flottant de manière séduisante, juste hors de portée de tous pendant la pandémie.
Le COVID-19 refait surface dans le titre du montage final, « Anosomia Suite », qui rend hommage à la perte de l’odorat et du goût dont ont souffert de nombreux malades de la pandémie. La musique flotte ici sur des tons intemporels et gonflés, les mouvements de la basse et des guitares étant piégés comme des insectes dans l’ambre, dans une clarté immobile et lumineuse. Vous pouvez sentir vos angoisses s’évacuer, votre pouls ralentir, votre tête s’éclaircir à mesure que le morceau se déroule dans une sérénité apaisante, et vous devez vous dire qu’au moins, ils n’ont pas perdu leur sens de l’ouïe.
Publié par rockdecibels 
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