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Asking Alexandria: « Like A House On Fire »

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Avec une attitude éternellement fougueuse, mais des façons toujours changeantes de l’exprimer, Asking Alexandria renaît de ses cendres avec un son d’une fraîcheur enivrante et un lyrisme d’avant-garde désinhibé dans leur nouvel album, un Like A House On Fire, qui suscite la réflexion.

Asking Alexandria revient avec un album ardent, lourd et surtout provocateur, conçu pour recalibrer vos pensées sur la société, tout en chantant sur des refrains enivrants. Alors que leur précédent album éponyme avait ardemment ressuscité le son caractéristique de AA, suite au retour du fils prodigue Danny Worsnop, le groupe s’est réinventé dans Like A House On Fire et a atteint un point de bonheur en adoptant des influences pop et électroniques pour compléter une approche mature mais indéniablement fraîche du rock et du heavy metal.

House On Fire vous donne exactement 23 secondes pour prendre une grande respiration et vous préparer mentalement au plaisir qui vous attend : un album soigneusement équilibré où les riffs de guitare lourds, le chant râpeux et l’énergie galvanisante échangent constamment avec une batterie rythmée, un chant mélodique et des paroles provocantes. Alors que « They Don’t Want What We Want (And They Don’t Care ») met en évidence l’écart entre le point de vue de chacun et les objectifs de la société, « Down To Hell » monte encore plus le niveau en affichant son mépris des opinions extérieures avec une confiance inébranlable et une attitude fortement dédaigneuse. «  Antisocialist » atténue légèrement l’agressivité de son prédécesseur au profit d’une approche plus conversationnelle et explicative qui permet de conclure et de cimenter le message.

« I Don’t Need You » apporte un changement de rythme bien mérité, en mettant complètement de côté la violence et en ouvrant la voie à un duo candide, sincère et vulnérable, après quoi « All Due Respect » retrouve la conviction de la droiture et la pousse même à déclarer avec condescendance que « vous serez coincé dans l’ombre des hauteurs de ma grandeur » (you’ll be stuck in the shadows of the heights of my greatness). « Take Some Time, One Turns To None », et « It’s Not Me (It’s You) » continuent de se délecter de cette idée de supériorité, mais ils apportent un changement dans l’énergie générale de l’album, avec moins d’éléments de heavy metal et plus de bande-son de film digne d’un rock radiophonique.

« Here’s To Starting Over » fait à peu près ce qu’il est écrit sur la boîte : il redéfinit le message et l’attitude de l’album, en adoptant une position combative et condescendante en faveur de l’acceptation de son destin. « What’s Gonna Be » s’affronte sur l’incertitude du futur avec espoir et ardeur tandis que « Give You Up » et « In My Blood » tentent de le définir en recourant à la rétrospection et à l’introspection. D’un point de vue sonore, ces deux chansons prédisent un avenir fortement imprégné d’effets électroniques, affectant à la fois l’instrumental et le vocal de façon plutôt excitante.

« The Violence » revient à la vibration antagoniste initiale de l’album, tandis que « Lorazepam » ravive le son rock de la radio pour une fête digne d’un grand album final.

Dans l’ensemble, Like A House On Fire revendique sa place parmi les meilleurs albums du climat rock actuel, avec un son largement séduisant, définitivement mûri et modernisé, associé à une attitude contagieuse, arrogante et affirmée. Asking Alexandria a pris un pari en atténuant ses racines underground metalcore et heavy metal afin de faire place à des sons pop et électroniques agréables, cependant, ils ont réussi à les intégrer dans leur style. Ils ont proposé non seulement une chanson bien conçue mais un album entier de chansons fortes et indépendantes, ce que peu de groupes ont réussi à faire dès la première fois qu’ils ont expérimenté des éléments d’autres genres. Par conséquent, on pense qu’ils peuvent affirmer sans risque « Vous allez tomber face contre terre pendant que j’inspire la grandeur » (You’re gonna fall face down while I inspire greatness).

***1/2

Wrekmeister Harmonies: « We Love To Look At the Carnage »

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Night of Your Ascension, sorti en 2015 et cinquième album de Wrekmeister Harmonies fut le disque qui semblait être une percée pour le groupe – leur puissante combinaison de musique de chambre, de post-rock, de drone et de doom metal qu’ils brandissaient, qui utilisait les mêmes composants du post-métal mais assemblés en quelque chose de plus orchestral et presque néoclassique, a été épargnée par ces retombées. Leur successeur Light Falls s’est appuyé sur tous les succès de ce précédent disque, mais a poussé chaque élément un peu plus loin et fut considéré comme leur œuvre déterminante.

Sans doute est-ce cela qui a rendu leur opus suivant, The Alone Rush, quelque peu décevant. Il était logique qu’ils veuillent revenir en arrière. Il peut être tentant de rendre chaque projet plus grand et plus ambitieux que le précédent, mais cela finit par vous mener dans une spirale sans fin qui peut pousser un artiste à l’auto-parodie, à moins qu’il ne soit étonnamment chanceux. C’est pourquoi l’exécution du son plus épuré de Wrekmeister pouvait qonner quelque peu, comme si leur cœur était encore dans les déclarations grandioses et grouillantes des disques précédents et qu’ils n’avaient pas tout à fait effectué la transition vers le nouvel espace sonore.

We Love To Look At The Carnage est un album qui se rapproche beaucoup de The Alone Rush mais, heureusement, il est un peu plus complet tout en rstant encore un peu mince ; ses crescendos profonds ne s’élèvent pas aussi haut que le puissant fracas de Night of Your Ascension ou de Light Falls, s’approchant de quelque chose qui ressemble plus à un bourdonnement chaud qu’à un crash féroce. Mais, désormais ils existent à nouveau,chose qui leur a été brièvement refusé. Les procédures épurées ici, notamment le multi-instrumentiste Thor Harris, lors de cette période pour son travail similaire de chamber-rock avec Swans, se sentent plus proches d’une voie médiane acceptable, entre la pente métallique de ces deux albums de pointe et leur approche actuelle plus douce. Les deux morceaux les plus longs de l’album se construisent avec une intensité plus que recevable, donnant l’impression d’une méditation qui prend soudainement un tournant sérieux, même si elle ne produit pas nécessairement le tonnerre heavy metal des œuvres précédentes. Elle a d’ailleurs son rôle car, induite par les drones, elle aide non seulement à excuser mais aussi à justifier les éléments folk des morceaux plus courts.

Cela conduit à l’évolution peut-être la plus satisfaisante du groupe : une prise en compte de la chanson en soi. Leurs précédents disques n’étaient pas totalement dépourvus de caractère chantant, ces énoncés brefs et clairs de la mélodie et des paroles chantées que nous considérons comme des chansons plutôt que comme de simples mouvements dans une œuvre plus longue, mais ils semblaient définitivement plus discrets et plaqés sur ces disques. Leur utilisation des mélodies pendant si longtemps étaient profondément contextuelle, quelque chose qui visait à ternir une œuvre plus vaste plutôt qu’à attirer l’attention sur elle-même, quelque chose que The Alone Rush avait cherché à changer avec son approche plus disjointe et individualisée des mouvements plutôt que les continuités fluides des albums précédents. We Love To Look At The Carnage représente une fois de plus un raffinement de cette idée précédente en faisant en sorte que les passages d’ouverture, du milieu et de fin donnent l’impression qu’ils pourraient se suffire à eux-mêmes et être, enfin, des chansons pleinement satisfaisantes, bien que quelque chose de plus proche de Amen Dunes ou de Moon Duo que peut-être Neurosis ou Godflesh.

Mais même avec le raffinement des crescendos et des passages plus discrets, We Love To Look At The Carnage donne l’impression de se situer un peu plus bas que ces œuvres phares du groupe. Ce n’est pas nécessairement une mauvaise chose ; il y a beaucoup de place dans le monde pour des disques qui sont simplement bons au lieu d’être excellents. Mais il est difficile de ne pas être au moins un peu frustré, surtout si l’on considère que le groupe a montré qu’il avait la capacité de produire de la bonne musique. Il est difficile de dire, il est vrai, si c’est purement une question de perspective, avec un désir d’un retour à des textures plus métalliques et quelques voix plus dures ici et là. Mais il est difficile de nier qu’il y a une placidité accrue dans la musique qui n’était pas là avant, un avancement des éléments méditatifs peut-être un peu trop loin. We Love To Look At The Carnage est un disque qui est bon et qui vaut la peine qu’on s’y attarde, mais qui ne contient pas assez de ces moments ou de ces timbres que l’on peut appeler sans hésitation, sans réserve, de mémorable ou classique.

***1/2

Pelican: « Nighttime Stories »

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Le groupe post-metal/hardcore revient en 2019 avec son premier vrai album depuis 2013. En 2005, le quatuor de Chicago avait lancé ce qui sera encore aujourd’hui considéré comme un des plus grands albums dans le style, The Fire in Our Throats Will Beckon the Thaw. 2019 risque de voir ce nouvel opus se classer dans les classiques de metal instrumental ou post en général. Il est vrai que le combo revient de loin ; en effet, le petit suivant, City of Echoes, avec un son moins métal et plus dream pop n’a pas pu survivre au jeu de la comparaison. Deux autres albums plus tard, le groupe prendra une pause artistique pour, entre autres, des raisons personnelles mais, aujourd’hui les musiciens semblent clairement avoir te fait le plein en matière d’énergie.

Nightime Stories s’ouvre sur une introduction plutôt planante et intéressante. On sent que le groupe n’a rien perdu de sa sensibilité post-rock et shoegaze. Mais c’est dès les premiers accords bien lourds de « Midnight and Mescaline » que l’on comprend le sérieux de la chose: dehors les longues introductions et le son vaporeux. Nightime Stories est un album de gros rock instrumental et ça swingue pas mal par moment. La troisième piste, « Abyssal Plain » en est un autre exemple avec son introduction accrocheuse qui nous mène plus loin vers un « blastbeat » digne de Deafheaven.

La chanson titre nous offre le meilleur moment de l’album. C’est lourd, c’est bien construit, les dynamiques sont déstabilisantes et bien franchement, ça sonne comme le Pelican que nous avons découvert il y a déjà plus de 15 ans. La dernière composition, est autre moment qui nous ramène dans le passé avec une introduction subtile qui fait place à une guitare acoustique en arrière plan avant qu’embarque le gros riff accrocheur qui fait son charme. C’est peut-être le morceau de l’album où le groupe reste le plus dans sa zone de confort initiale, mais ça demeure un grand moment dans le style. En bref, pour les amateurs du style qui avaient mis Pelican de côté depuis une dizaine d’années, il est temps, avec cet opus, d’arrêter de bouder son plaisir et de donner une bonne chance à ce festival du riff.

***1/2

Cult Of Luna: « A Dawn To Fear »

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Cult Of Luna est de retour pour mieux chauffer nos oreilles et montrer ses muscles trois ans après l’acclamé Mariner (en collaboration avec la chanteuse Julie Christmas) et six ans après leur dernier opus Vertikal.
A Dawn To Fear se découpe en huit plages pour une durée totale de soixante-dix-neuf minutes, format long qui permet aux musiciens de montrer leur savoir-faire, mûri depuis déjà vingt ans. En effet, Cult Of Luna s’est imposé comme l’un des fers de lance du post-metal, posant les fondations d’un genre empruntant autant au sludge, qu’au post-hardcore et au post-rock. Cette subtile alchimie est ici parfaitement maîtrisée. Si les premiers grésillements de guitare laissent présager d’un opus violent, une évolution constante des atmosphères est de mise. Johannes Persson, le leader de la bande, a particulièrement soigné les compositions, tout en dérogeant à sa règle d’imposer un thème d’écriture. Ce chemin de création a pu être ardu, mais la force du collectif a triomphé des doutes du songwriter en chef. Enfermés aux studios norvégiens Ocean Sound Recordings, les six hommes ont canalisé leur énergie pour accoucher d’une œuvre remarquable. Pétri d’intensité et de fulgurances, A Dawn To Fear est porté par des riffs puissants, des sons plus organiques (l’orgue au détriment du synthé) et un chant hurlé parfaitement mis en avant. Le désespoir semble affliger notre combo, mais surtout rendre belle la tristesse.

Cette agressivité sert un propos cohérent, chaque note est ciselée et l’ensemble est parfaitement pensé. De la puissance de « The silent Man », « Lay your Head to Rest » et « The Fall », en passant par la lenteur rythmique de « A Dawn to Fear », jusqu’aux accords post-rock de « Inland Rain », sans oublier la douceur de « We Feel the End », le groupe ne néglige aucun élément pour faire voyager l’auditeur. Un juste équilibre donc, entre la rage (qui déborde quelques fois) et la mélancolie. Les musiciens sont en osmose, ce qui est particulièrement manifeste sur « Lay your Head to Rest », un morceau tout en crescendo/decrescendo – et un schéma que l’on retrouve au fil de l’album. Mention spéciale également pour « Lights on the Hill », titre mystérieux et lancinant, porté par des guitares expressives. Que culte soit rendu à la Lune.

***1/2

Russian Circles: « Blood Year »

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Disque à la facture classique mais pas sans intérêt, Blood Year est basé sur le schéma bien établi de introduction douce qui monte en puissance puis éclate. C’est une approche académique, pour peu qu’il y en a une, mais c’est celle du combo. Le disque reprend pour lui les codes du genre post rock pour mieux les arranger au prisme du métal. On n’y découvre rien de nouveau mais les chansons sont  puissantes et véhiculent émotion, sous des structures hyper classiques.

Les musiciens sont bons en matière de technicité à défaut d’originalité. On se consolera avec les trois dernières chansons de l’album qui relèveront le niveau en se hasardant un peu hors des sentiers battus.

**1/2

Wear Your Wounds: « Rust At The Gates Of Heaven »

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Wear Your Wounds est, sur le papier, un super-groupe tan son casting, dans le domaine de l’expérimental est alléchant ; Jacob Banon de Converge en est l’nitiateur et il a réuni autour de lui Adam McGrath de Cave In, Mike McKenzie de The Red Chord, Sean Martin de Twitching Tongues et ex-membre d’Hatebreed ainsi que Chris Maggio, le batteur des désormais retraités Trap Them. Les musiciens précités ont, sur ce troisième album, tout le loisir d’étaler leur jeu de manière plus manifeste et c’est en tremes de cette efficacité à le faire que Rust At The Gates Of Heaven se devait d’atteindre des sommets.

Conçu durant les rares moments d’accalmie dans l’agenda infernal des membres du groupe, Rust On The Gates Of Heaven est un album en courant alternatif, capable de proposer de très bons plans, entre beauté glaciale et riffs tranchants, puis d’enchainer sur des titres d’une banalité confondante. Passée l’anecdotique ouverture piano/voix/guitares shoegaze, on rentre dans le vif du sujet avec le « single » et morceau titre qui laisse entrevoir une approche plus ambitieuse, quelque part entre le post-rock de Mogwai et les sonorités sludge de Mastodon. Des morceaux comme « Truth Is A Lonely Word » ou l’autre « single » « Shrinking Violet » font également partie des moments forts du disque grâce à une structure progressive savamment mise en place.

La tonalité générale effleure d’ailleurs ce large spectre de sonorités post-rock avec une production signée Kurt Ballou qui donne la part belle aux guitares et aux solos, à l’image des derniers instants de « Tommorow’s Sorrow » ou de « Rainbow Fades ». Au niveau du songwriting, les titres résonnent déjà moins comme un assemblage inachevé d’idées que comme un projet qui s’ouvre à différentes formes d’explorations. Et si certains breaks ne manquent définitivement pas de robustesse, le résultat n’atteint pourtant jamais la charge émotionnelle et l’intensité que l’on est en droit d’attendre du groupe, compte tenu de la direction qu’il prend ici.

Parfois prévisible, trop souvent linéaire, le disque a finalement bien du mal à cacher un certain manque d’inspiration derrière ses quelques touches atmosphériques surtout quand on connait l’imposant curriculum des musiciens concernés. Force, poutant, de constater que de nombreuses compositions ne parviennent pas à maintenir l’ensemble du projet à flot. Trop ordinaires où simplement désincarnés, les morceaux souffrent d’un surplus de textures et de longueur qui fait que l’on ne parvient jamais totalement à s’embarquer dans ce voyage. Il serampossible, également, de se rattacher à cette facette du chant de Bannon, majoritairement mélancolique mais trop plat que pour servir de bouée de sauvetage.

Le seul constat positif ici est que Wear Your Wounds évolue de façon naturelle et ressemble déjà beaucoup plus à un groupe qu’à un projet solo. Là ou le précédent album était totalement articulé autour de Bannon et ses idées avec des contributions externes, Rust On The Gates Of Heaven le voit se mettre en retrait et laisser plus de place à ses autres géniteurs pour exprimer leur technique. Il faudra, à cet égard, encore un peu plus d’alchimie pour insuffler ce manque d’âme dans les compositions et faire en sorte que le résultat effleure l’excellence à laquelle Bannon et ses sbires sont généralement coutumiers dans leurs exigences.

***1/2

Baroness: « Cold & Grey »

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Baroness est un combo de survivants tant il n’a pas été épargné par divers accidents et décès en 2012 qui ont obligé le groupe à faire front et à se relever entre 2012 et 2015 avec un Purple qui avait montré que son élan créatif n’avait pas été altéré.

Quatre ans plus tard, les Georgiens reviennent aux affaires avec une nouvelle œuvre nommée Gold & Grey marquée par l’arrivée de Gina Gleason à la guitare en remplacement de Peter Adams. Sera d’ailleurs le seul changement notable puisque la production demeure toujours confiée à Dave Fridmann.

Comme sur ses disques précédents, Cold & Grey est un disque d’une densité incroyable composé d’autant de nuances que de titres (dix-sept).

Les trois morceaux d’ouverture donnent une première idée de ce qui attend l’auditeur. « Front Toward Enemy » ouvre le bal avec un riffing très proche de ce qui avait été aperçu dans Purple et « I’m Already Gone” » qui lui emboîte le pas, persiste en ce sens mais en affichant le groupe sous un air plus mélodique. Enfin, « Seasons » continuera de balayer les styles en proposant un refrain puissant et fédérateur grâce au jeu de batterie explosif du percussioniste Sebastian Thomson.

La suite persévèrera dans ce même kaléidoscope sonique et préservera la richesse de l’écoute. Les compositions partent dans tous les sens et une impression de brouillon se dégagera mais, ce qui peut apparaître comme un bémol , s’avèrera en réalité une force.

En effet, l’ensemble est savamment orchestré. La production n’est pas étrangère à ce sentiment. Parfois brute comme dans le remuant « Throw Me An Anchor », elle se révèlera plus fine lorsqu’il faudra mettre en avant certains aspects. « I’d Do Anything » en sera le meilleur exemple avec un équilibre parfait entre les airs de pianos et de guitares acoustiques et la voix de John Baizley.

Gina Gleason ne sera pas en reste et démontrera que son intégration est pleinement réussie. Outre son jeu de guitare, la musicienne se révèlera très précieuse en tant que seconde voix et donnera encore plus de profondeurs aux compositions.

Gold & Grey est une œuvre très riche, voire copieuse par rapport à un Purple qui s’était avéré plus direct. Il nécessitera un certain temps pour povoir être découvert et apprivoisé mais, une fois cet effort effectué, on découvrira un travail d’orfèvre bourré de mélodies, d’assemblages inédits et de riffs/rythmiques de toute beauté. Chaque morceau comporte des éléments qui en font une composition unique. C’est l’essence même de Baroness : créer peu importe les codes et, en cela, Gold & Grey est une réussite.

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Destrage: « The Chosen One »

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Les Milanais de Destrage pratique un post-metal fusion sans limite aucune et The Chsen One est un opus sérieux, concis et efficace. Ramassé et moins éparpillé il n’oublie pas pourtant d’être plus mélodique quand il le faute ; bref il cultive la différence Après quinze années d’existence il se réinvente ici mais au niveau du chant comme de l’instrumentation ou des structures, tout y est plus tempéré. Plus digeste aussi, forcément.

La voix, particulièrement, amène une couleur plus heavy metal au disque, ce qui ne l’empêche pas d’aller puiser et utiliser quelques éléments extrêmes ça et là. Alors on pourra reprocher ces choix plus tempérés, mais The Chosen One fonctionne finalement très bien, et serait idicule de le bouder.

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Diablo Swing Orchestra: « Pacifisticufs »

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Quatrième album du groupe suédois Diablo Swing Orchestra, Pacifisticufs présente une autre facette de ce groupe à l’avant garde du métal. Après le départ d’AnnLouice Lögdlund en Août 2014 et son remplacement par Kristin Evegård qui assure aussi les claviers, le groupe avait sorti un « single » « Jigsaw Hustl »où elle fait sa première apparition. Cet album, enregistré en 2016, ne sort que maintenant en raison de problèmes de mixage. Précédé par deux « singles », « Knucklehugs » et « The Age of Vulture », ainsi qu’un ré-enregistrement du « teaser » « Jigsaw Hustle »,

Pacifisticufs déploie l’ensemble de la palette musicale du combo : un ensemble électrique, basse-guitare-clavier, avec un orchestre « de scène » violoncelle-trompette-trombone.
Épanchement romantique enflammé sur « Laday Clandestine Chainbreaker », c’est de la guimauve qui dégouline avant d’enchaîner sur des guitares qui font monter les blancs en neige suivi d’un duo pour cuivre. À l’opposé, on trouve le très corrosif « Superhero Jagganath » avec sa rythmique endiablée qui ne se livre qu’après un couplet assez aérien, avant une explosion harmonique et une petite rumba qui fait place au très lyrique passage éponyme du titre avec son déhanchement accrocheur.


Après le très ABBA-esque (« Jigsaw Hustle », « Ode to the Innocent » regardera, quant à lui, les maîtres de la période tonale entamer une orchestration exclusive d’instruments à cordes. Après un interlude très léger dans « Cul-de-sac Semantics », le groupe fera feu de tout bois sur le bien-nommé « Karma bonfire » : rythmique contagieuse, section de cuivres qui s’emploie à activer les flammes, ligne de basse qui envoie du bois, l’ensemble est chaloupé et explose à tout va comme un feu d’artifice, avec des influences diverses et variées, notemment cajun. Pour clore cet opus très rond et très appréciable, « Climbing the Eyewall » déroulera son tapis mélodique avec une guitare omnisciente et un rythme plus lent qui calmera les esprits en égrainant ses arpèges.
Comme à son habitude, Diablo Swing Orchestra nous livre un disque dont le rythme chaloupé et les mélodies entêtantes enrobées de grosses guitares,échappera aux clichés et nous régalera des ses surprises acidulées.

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Alcest: « Shelter »

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Alcest, c’est un Français, Stépahne Paut, alias Neige. Il était, jusqu’à présent, connu pour une musique assez « heavy » mais, passées les premières mesures en distorsion qui ouvrent « Écailles de Lune », ce 4° album n’a plus rien de « metal » ni même de « blackgaze » dans la mesure où il sonne avant tout comme un disque « composé ».

Les guitares sont enlevées (et élevées), les lignes de piano, arrondies et les cordes sont comme des drapés au travers desquels Neige semble vouloir atteindre des hauteurs olympiques, un peu comme Sigur Rós. Les textes sont en Français et les titres en Anglais, comme précédemment, mais, si il reste quelques effluves métalliques ce disque de 8 compositions sonne avant tout comme voulant se situer dans des sphères post-rok.

On retrouve, comme souvent dans ce style, un décollage étincelant et un retour en douceur ; ici ils sont concentrés sur 90 secondes « Wings » et 10 minutes « Délivrance ». Entre ces deux emboîtements on perçoit des petits joyaux comme « Shelter » qui débute comme du Smashing Pumkins ou « Opale », bouffée « shoegaze » ; le tout est habilement coiffé par des arrangements qui prennent essor comme une floraison nuageuse.

On peut noter également « Away », acoustique et sombre ; trop doux pour être considéré comme une diatribe même s’il recèle un phrasé plein d’amertume et des phrases comme « J’aimerais que mon esprit errer sans douleur », au final plutôt émouvantes.

Shelter est un album hors genres ; c’est un disque qui respire et aspire à, même si ce n’est qu’une fois, nous élever ; une fois entendu et écouté peu nous importera dans quel genre il conviendrait de le répertorier.

★★★½☆