No BS: Just Rock & Roll!

The Cartographer attend sa diffusion publique depuis 2020. La pièce avait été commandée par le célèbre festival RoadBurn aux Pays-Bas pour être jouée en avril de cette année-là, mais hélas, en raison de l’apparition de la peste et de ses inconvénients bienvenus ou irritants (rayez la mention inutile), la représentation a dû être reportée. En regardant le bon côté des choses, deux années ont été mises à profit pour répéter et affiner la pièce, de sorte qu’elle était parfaite à 100% lorsqu’elle a été jouée au 013 Venue à Tilburg. Cela a également donné à Jo Quail l’occasion d’enregistrer le morceau aux studios Groenland aux Pays-Bas, avec tous les musiciens impliqués, et qui sortira le 6 mai. Ce morceau explore le nexus ou l’espace liminal où l’instrumentation classique et la musique lourde se rencontrent. Selon les mots de Jo Quail elle-même : « La lourdeur est un concept émotionnel qui va bien au-delà des limites du volume, de la vitesse et de l’instrumentation ». Pour moi, la lourdeur, c’est aussi l’espace, le timing, le phrasé, le ton et bien d’autres choses qui dépassent le domaine des mots. Vous les avez en abondance ici.

The Cartographer est composé d’une prose de cinq phrases, chaque phrase contenant une intention pour les différents mouvements. Chacune de ces phrases musicales est épurée par le système de hauteur de l’artiste et crée le motif musical sur lequel repose l’ensemble de l’œuvre. Le premier mouvement commence par un tambour grandiloquent, un bourdon caoutchouteux et des éclats de cordes qui donnent le ton avant la récitation d’un morceau de poésie. La noirceur est lente et suspendue comme la fumée ou la brume. La tension plane dans l’air tandis que le paysage sonore clairsemé ressemble à une terre désolée dépourvue d’arbres et de vie. Pour moi, c’est comme regarder au centre d’une âme morte. Le violoncelle de Jo, clairsemé et conforme à ses règles de composition, va et vient comme un éclair illuminant un sol stérile. Il y a aussi une sensation hypnotique d’être coincé dans une ornière pierreuse alors que les sons de cloches hypnotisent les oreilles, c’est comme si j’entendais mes neurones fonctionner ! La deuxième piste commence par une cacophonie de trombones, de carnyx sophistiqués, imprégnés des basses du piano et d’un violon nerveux qui tournoie et tisse sa fine sonorité entre les cuivres. Percussions endiablées, sons dissonants, babioles de piano et trille de violon. Hypnotique mais inquiétant. Les vocalisations d’une créature ressemblant à une méduse résonnent dans les ombres profondes, profondes. Qu’est-ce que c’est ? Oui, les cuivres font très « Guerre des Mondes » !

« Movement Three  » est le morceau le plus long de l’album, avec des voix qui s’expriment depuis un endroit profond et chatoyant. C’est dissonant, comme on peut aimer quelqu’un intensément et le détester avec la même vigueur ? Vous savez qu’une chose peut avoir un goût horriblement agréable ou qu’une photo peut être d’une beauté dégoûtante ? Ceci est sombre, léger, lourd, agréable, sinistre et glaçant. C’est comme un croisement entre une partition de Gormenghast et « The Maldoror Chants » de SCHAMMASCH. « Bloody awesome ! » est tout ce que nous pouvons dire pour résumer ce morceau ! Le chant masculin sinistre et effrayant de Jake Harding est comme une scie coupant le beurre noirci ! Il faut attendre neuf minutes pour ce morceau, mais ça en vaut la peine ! J’adore la pompe « brillante » des trombones à la fin, comme dans un salut de triomphe pervers !

Le quatrième mouvement a une percussion qui frappe comme un tonnerre lointain. Un bourdon scintille comme un éclair. Le violoncelle se faufile, accompagné par les cuivres. Des légions de créatures elfiques dansent sur la pointe des pieds dans un cercle enflammé, les yeux brillants dans la lumière orange. Cela semble assez espiègle. Movement Five « , quant à lui, est un morceau qui commence par des chants glottés, une cacophonie de cordes qui rivalisent avec des voix qui s’élèvent et gémissent, puis les deux se fondent dans un flux linéaire et fluide. Il s’agit d’une chanson de nombreux Gorgones qui scintillent de manière séduisante dans les ombres profondes, le violon implorant. Le morceau se termine par une résonance profonde. Ce qui est en accord avec le morceau dans son ensemble. C’est résonnant.

Oui, résonnant et irrésistible. D’un autre monde et extraterrestre, c’est un morceau de musique bien pensé qui défie les genres et qui vous emmène dans un voyage intense dans un espace que vous avez probablement déjà visité mais que vous n’avez jamais vu de cette perspective. Il y a des violoncellistes qui sont dans la ligue de Jo Quail, mais ce qui fait que Jo Quail se distingue, c’est sa capacité à tirer d’un instrument, avec l’utilisation intelligente d’effets et de boucles, des sons que l’on n’aurait pas pu entendre autrement. Si Dante Alghieri était vivant aujourd’hui, je suis sûr qu’il chercherait Jo Quail comme compositeur pour la version cinématographique de son « Inferno ». The Cartographer est aussi un de ces morceaux qui doit avoir un moment spécial pour être apprécié. Vous n’ouvrirez pas une bouteille de vin spéciale si l’heure, la date, la qualité de la compagnie, etc. ne sont pas bonnes. Vous ne devriez pas non plus ouvrir cette bouteille. En résumé, c’est tout simplement génial et presque une honte u’on ne puisse être là pour assister à une diffusion publique en chair et en os…

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C’est une date propice à la sortie d’un album, peut-être, mais il n’y a absolument rien de jovial, de joyeux ou de badin dans cette nouvelle offre de GGGOLDDD, comme l’expliquent les notes d’accompagnement de « l’œuvre la plus ambitieuse et la plus magistrale du groupe à ce jour » : This Shame Should Not Be Mine a été conçu dans le silence de la pandémie de 2020, en partie comme un moyen pour Milena Eva, la chanteuse de GGGOLDDD, de se confronter à certaines parties de son passé et en partie en réponse à l’invitation du Roadburn Festival à proposer une pièce commandée pour son édition en ligne de 2021. Milena explique : « Si l’album raconte mon expérience personnelle en matière d’agression sexuelle, la chanson la plus récente, « Notes On How To Trust », traite de la manière dont on peut refaire confiance après un tel traumatisme. Lorsque toutes les frontières sont floues et que chaque personne que vous rencontrez est un risque potentiel, c’est un défi de rester sain d’esprit ».

Il faut délibérément éviter les autres critiques afin de ne pas risquer qu’elles influencent notre écoute, et aussi, et surtout, parce que l’on est parfaitement conscient qu’il est facile d’applaudir le courage d’aborder un sujet personnel aussi difficile en chanson, et encore plus de placer cette expérience traumatisante à l’avant-plan et au centre d’un album d’une manière aussi directe et sans compromis. Mais ce n’est peut-être pas de bravoure qu’il s’agit, mais plutôt du fait que This Shame Should Not Be Mine est un travail de contrainte, et une partie essentielle du traitement. Il n’est pas rare que les écrivains et les musiciens couchent leurs sentiments les plus intimes sur le papier, et il ne s’agit absolument pas de rechercher l’attention. C’est tout simplement la seule façon de donner un sens aux choses, et une fois sur le papier, ces horreurs sont en quelque sorte neutralisées : comme si, en voyant les mots sur la page, ce n’était plus le vôtre mais quelque chose qui est tout simplement. Il existe sans aucun doute un grand nombre d’écrits sur la psychologie de ce phénomène mais c’est pour une autre fois et un autre forum.

Il n’est peut-être pas surprenant qu’il y ait beaucoup de colère canalisée dans This Shame Should Not Be Mine. Elle est dirigée à la fois vers l’intérieur et vers l’extérieur, et elle se manifeste à la fois dans les paroles et dans la voix, et elle est assortie à la musique, avec des explosions nettes de bruit rageur. Ailleurs, nous trouvons d’immenses accords puissants qui explosent dans l’abîme, des crescendos post-rock / post-metal qui s’élèvent vers le ciel, non pas dans l’exultation mais dans la capitulation et l’évasion cathartique.

I Wish I was a Wild Thing with a Simple Heart  » oppose la voix presque blanche et cristalline de Minela à une mélodie basse et monotone qui s’amplifie et éclate en une explosion à plusieurs couches et facettes, avec toutes les nuances de bruits et de tourments étrangers qui s’écrasent sur le point culminant pour un effet cauchemardesque. Il y a quelque chose de palpable dans l’anxiété de ces dernières secondes qui voient quelque chose de gracieux et d’élégant se déchirer en un instant.

Minela accompagne l’auditeur dans un monologue intérieur qui la voit rejouer la scène encore et encore sous différents angles, différentes perspectives, différents points de vue émotionnels.

« Je voulais être aimée / comme tout le monde / je voulais être belle » (I wanted to be loved / like everybody else / I wanted to be beautiful), chante-t-elle avec nostalgie au début de « Strawberry Supper ». Sur « Spring », elle verbalise avec un ton d’acier : « Je veux que l’odeur me quitte / Je veux me doucher jusqu’à ce que ma peau se détache / Je ne l’ai pas vu venir / Je ne pensais pas que je serais aussi calme. Je ne devrais pas laisser cela me définir de quelque façon que ce soit / mais c’est plus facile à dire qu’à faire » (I want the smell to leave me / I want to shower till my skin comes off / I didn’t see it coming / I didn’t think that I would be this quiet. ‘I should not let it define me in any way / but it’s easier said than done). À travers ces réflexions, le tableau se construit dans sa plénitude. Mais ce n’est pas à notre avantage : ce n’est pas une explication, une justification. L’accès nous est simplement accordé. Le réconfort vient des endroits les plus étrange », songe-t-elle sur « Invisible », qui se transforme en shoegaze à la MBV, puis bégaie avec une batterie semblable à une mitrailleuse pour se transformer en un passage plus techno. Si la musique et sa dynamique extrême semblent à la limite de la schizophrénie, c’est tout à fait approprié dans la façon dont elle suit les changements imprévisibles d’humeur et de perspective. Et pourtant, tout s’accorde et coule parfaitement : malgré toute cette angoisse, cette canalisation, cette émotion brute, This Shame Should Not Be Mine est un album exceptionnel, et exceptionnel parce qu’il contient des chansons vraiment exceptionnelles. Chacune d’entre elles est tout simplement époustouflante par sa puissance et son intensité. La fragilité douloureuse de la lente brûlure au piano de « I Won’t Let You Down » vous laisse tout simplement abasourdi. Le titre  » Notes on How to Trust « , déjà mentionné, fait penser à Cranes, mais en collision avec Nine Inch Nails et Daughters. C’est beau, majestueux, mais aussi douloureux et désolé. Le titre, clairsemé, minimal, est incroyablement puissant, car Milena conclut finalement que « cette honte ne devrait pas être la mienne » (This shame should not be mine). C’est puissant, et son discours donne des frissons dans le dos.

Véritable montagne russe émotionnelle et sonore, This Shame Should Not Be Mine est un album d’enfer : percutant à tous les niveaux, il est préférable de l’absorber en s’asseyant et avec une grande vodka pour calmer les nerfs.

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D’après ce que nous savons, le post-metal est un genre qui peut, soit vous bercer dans un sentiment de sécurité, soit vous étriper si fort que vous vous demandez qui a fait du mal aux personnes qui font de la musique dans ce genre. Mon expérience du post-métal a été très minime, et cela peut être attribué à deux groupes situés à l’opposé du spectre : Cult of Luna et Kontinuum. Cependant, après avoir regardé Roadburn Redux cette année, on peut se demander si notre éducation musicale n’avait pas besoin d’être élargie une fois de plus ; après tout, plus jontinuait à regarder plusieurs sets pendant ces deux jours environ, plus on était étonné et fasciné par la façon dont les groupes semblaient repousser les limites de leur propre créativité pour jouer leurs sets. C’est au cours de cette rafale d’événements que, en parcourant la majorité de la liste de Pelagic Presents, on a rencontré un groupe qui a tiré le tapis sous nos pieds et nous a fait croire que, peut-être, le post-métal avait quelque chose d’avant-gardiste après tout. Préparez-vous à vous élever et à passer dans l’éternité, car c’est ce que Year of No Light veut faire sur son dernier album, Consolamentum.

Pour les non-initiés, un consolamentum était un processus du catharisme dans lequel une personne qui voulait monter au ciel était « consolée » » car ils croyaient que vivre mène au « regret » et qu’ils avaient besoin d’être consolés afin d’être absous tout en gagnant simultanément une régénération spirituelle, le pouvoir de prêcher, et l’élévation à un plan supérieur. Une fois la personne consolée, elle devenait un parfait cathare et devait consacrer sa vie à être missionnaire. Considéré comme hérétique par les catholiques, le catharisme a fini par être éradiqué en 1350 grâce à l’Inquisition médiévale. Pour un terme qui a été rendu « sans signification » par la doctrine religieuse catholique actuelle – étant donné que la plupart des informations que nous connaissons sur les Cathares proviennent du catholicisme – Year of No Light redonne du sens à ce mot en présentant essentiellement à l’auditeur quelque chose qui peut s’apparenter à trouver son salut, d’une manière plutôt sinistre.

Consolamentum est lourd – il y a tellement de tension et de poids dans leur musique qu’elle peut sembler oppressante, surtout lorsque les influences du sludge commencent à vous creuser la peau. Il y a quelque chose dans cette musique qui s’insinue lentement en vous, vous enfonçant de plus en plus dans un miasme de malaise et d’effroi. Il est vrai que cela n’aide pas que l’atmosphère soit épaisse, créée par ce qui ressemble à des tambours dissonants et une guitare cacophonique qui vous fait vraiment tourner la tête. Year of No Light voulait vraiment que l’auditeur ait l’impression d’avoir atteint son salut, et il est clair que le chemin vers le salut est difficile, rempli de paysages sonores infernaux et d’une myriade d’autres bruits qui font que même le cœur de l’auditeur le plus endurci se serre à l’estomac. S ion a déjà eu des réactions viscérales à des albums de cette nature – on pense par exemple à Vide d’Emptiness – Consolamentum est un album qui nous a donné envie de nous éloigner, mais qui nous a maintenus à l’écoute aussi longtemps qu’on a pu le faire. On est ainsi assez curieux pour suivre ses pistes sonores, d’autant plus que la musique oscille et s’enfle d’une manière qui peut sembler formelle, mais qui ne l’est pas. La musique change constamment, et il faut être sur ses gardes lorsque cela se produit, car son humeur et son atmosphère changent en même temps. Ce n’est donc clairement pas le post-métal originel.

Dans l’ensemble, Consolamentum est un album rempli à ras bord de symboles religieux, d’atmosphères épaisses et d’une myriade d’influences qui élargissent l’étiquette post-métal. Alors que cet album aurait pu fournir un seul morceau sinistre, il en fournit cinq, chacun avec son propre caractère et sa propre nuance. Il est clair que Year of No Light a pris son temps pour créer cet album et cela se voit – leur hiatus de huit ans valait bien la qualité de cet album. On est ainsi profondément enchanté par cet album ; aucun mot ne pourra, d’ailleurs, lui rendre justice ; et, cet égard, nous avons atteint le tiercé de l’étrange avec Vide d’Emptiness, De Doorn d’Amenra et cet album.

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Quelle est le troisième album de ce Briquevielle, un quintet belge, mystérieux dans la mesure où il se présente avec des masques mortuaires dorés . Toutes les chansons que le groupe a publiées jusqu’à présent se succèdent les unes aux autres. Les 4 premiers actes de leur premier album étaient « Akte I » à « Akte IV » puis la deuxième parie contenait « Akte V » à « Akte VII. »

Le groupe joue un mélange sinueux, souvent répétitif, essentiellement instrumental, de post métal, de boue atmosphérique, de paysages sonores ambiants et bien plus encore dans un brassage de sons. Les choses commencent avec « Akte VIII » qui débute sur des claviers sinistre avant d’ajouter des couches de guitares floues dans un style presque groovy. Akte IX suit en augmentant considérablement la mise en ce qui concerne les guitares lourdes. Il s’agit d’un jonglage délibéré d’une chanson qui aplatit tout avant elle avec des guitares à l’écoute et admirablement aidées par des éléments électroniques effrayants. 

Le post-métal a toujours été une affaire de contrastes, le contraste entre le lourd et le doux, le clair et le sombre et la chanson suivante, l’immense Akte X, est celle qui met en valeur tout ce qu’il y a de génial dans le genre. C’est un morceau d’ambiance de près de 15 minutes. La chanson commence par une ambiance électronique sinistre qui ne serait pas déplacée dans un film d’horreur. La guitare augmente graduellement en intensité pour finir par une prise de son assez rapide, cette accumulation s’effondre soudainement et un énorme mur de guitares se déchaîne et c’est une glorieuse libération de l’émotion refoulée. C’est merveilleux et c’est le morceau phare de l’album.

Le reste de l’opus suit le modèle établi dans la première moitié de l’album. En effet, s’il y a une critique à faire à propos de cet album, c’est que la deuxième moitié ne retient pas l’attention de la même manière que la première, ce qui ne veut pas dire qu’elle n’est pas géniale parce qu’elle l’est, mais simplement qu’elle n’atteint jamais les hauteurs gargantuesques de la première moitié, même si l’on dit qu’« Akte XII » est une gigantesque tranche de bombardement monolithique boueux avec un sentiment palpable d’effroi et qu’elle est magnifique. 

Cet album contient plus d’éléments électroniques que les précédents et cela ajoute à son poids. Il s’agit d’un adisque imposan de par une atmosphère ponctué ede tranches de bruit monolithiques. C’est une recette captivante que lecombo a, ici, perfectionnée, une monstrueuse concoction de sons hypnotiques, répétitifs et atmosphériques qui devrait plaire à tous ceux qui s’intéressent à la musique alternative lourde. Hautement recommandé. 

***1/2

SubRosa et Minsk – deux poids lourds du monde du post-métal avec deux approches très différentes du son de ce genre. Alors que SubRosa était plus du côté de l’élégance, Minsk s’interrogeait davantage sur le côté terreux et granuleux du spectre. Nous avons maintenant Asphodel Wine, une collaboration musicale entre le couple en temps réel de Zachary Livingston (Minsk) et Sarah Pendleton (SubRosa). Sarah apporte sa contribution par sa voix et son violon, tandis que Zach joue de la batterie, des guitares et de la basse tout en chantant. 

Il y a quelques années, nous avons eu un impardonnable « duo de rock » de Ville Valo et Natalia Avelon qui a repris le vieux classique « Summer Wine » (de Nancy Sinatra et Lee Hazlewood), et mon, mon, mon comment cela a mal tourné. Nous avons maintenant un duo romantique et sombre qui se rapproche beaucoup plus de Nancy et Lee ou de Nick Cave et PJ Harvey – Zach et Sarah ont vraiment touché le bon bouton et prennent les virages (positivement) nécessaires ; leur vin est beaucoup plus séduisant que celui de Ville et Natalia. 

Une grande partie de cette attraction provient des compétences de Sarah et de Zach sur chacun de leurs instruments. Le violon de Sarah est particulièrement riche en sonorités et ses talents transforment les airs remarquables en diamants étincelants dans une mer de sons. Cette mer est aménagée et basée sur les guitares et les instruments rythmiques de Zachary. Les tambours qu’il déploie sont particulièrement tissés dans une couverture si merveilleuse que même lorsqu’il va un peu à contre-courant du rythme avec certains remplissages ou coups de pied, c’est une étreinte accueillante. Si nous ajoutons les parties de violon lorsque Sarah accompagne les tambours avec un passage accordé en profondeur. Ces passages fonctionnent alors comme une deuxième guitare, ce qui est très bienvenu, car Zach joue surtout en acoustique sur Slowdance Macabre. La guitare acoustique fait également partie de cet accueil, donnant l’impression que leur premier disque ensemble émane d’un sentiment d’appartenance.

Il est intéressant de noter que le long-play a également une très belle structure lorsque l’on pense à l’arrangement des chansons sur le disque, car les premières chansons sont un peu plus décontractées dans le sens où elles ont un son plus orienté pop gothique, tandis que certaines des chansons de la deuxième moitié ont tendance à être plus post-métalliques, en particulier « The Worst Way » qui pourrait également être un morceau de SubRosa. 

Il faut également noter l’utilisation de l’effet d’écho sur certains instruments et sur le chant de Zachary, ce qui leur donne un son encore plus grand que nature. C’est l’un des éléments qui font de ce disque un succès : le chant. Tous deux ont déjà montré à quel point leur voix peut être étonnante, mais ici, dans cette combinaison, c’est comme si un couple marié et heureux allait de l’avant à l’occasion de son 20e anniversaire de mariage et chantait ses propres histoires ensemble. Dans certaines chansons, le timing et l’intonation sont si parfaits qu’il est presque inintelligible qu’elles ne soient pas une chose pour plus de quelques années. Surtout dans la chanson titre et ses 9,30 minutes, il est évident qu’il y a deux maîtres musiciens qui travaillent ici, avec beaucoup d’expérience et une parfaite maîtrise de la façon d’écrire des chansons, de créer des ambiances et d’atteindre leur public. 

C’est sans aucun doute un mélange parfait des deux groupes originaux avec un duo vocal qui est parmi les meilleurs lorsqu’il s’agit de créer une ambiance doomy à la lueur des bougies sans ressembler à Paradise Lost ou Type o Negative, car Asphodel Wine se concentre sur le scintillement des lumières et non sur l’obscurité des ombres.

***1/2