Le groupe post-metal/hardcore revient en 2019 avec son premier vrai album depuis 2013. En 2005, le quatuor de Chicago avait lancé ce qui sera encore aujourd’hui considéré comme un des plus grands albums dans le style, The Fire in Our Throats Will Beckon the Thaw. 2019 risque de voir ce nouvel opus se classer dans les classiques de metal instrumental ou post en général. Il est vrai que le combo revient de loin ; en effet, le petit suivant, City of Echoes, avec un son moins métal et plus dream pop n’a pas pu survivre au jeu de la comparaison. Deux autres albums plus tard, le groupe prendra une pause artistique pour, entre autres, des raisons personnelles mais, aujourd’hui les musiciens semblent clairement avoir te fait le plein en matière d’énergie.
Nightime Stories s’ouvre sur une introduction plutôt planante et intéressante. On sent que le groupe n’a rien perdu de sa sensibilité post-rock et shoegaze. Mais c’est dès les premiers accords bien lourds de « Midnight and Mescaline » que l’on comprend le sérieux de la chose: dehors les longues introductions et le son vaporeux. Nightime Stories est un album de gros rock instrumental et ça swingue pas mal par moment. La troisième piste, «Abyssal Plain » en est un autre exemple avec son introduction accrocheuse qui nous mène plus loin vers un « blastbeat » digne de Deafheaven.
La chanson titre nous offre le meilleur moment de l’album. C’est lourd, c’est bien construit, les dynamiques sont déstabilisantes et bien franchement, ça sonne comme le Pelican que nous avons découvert il y a déjà plus de 15 ans. La dernière composition,est autre moment qui nous ramène dans le passé avec une introduction subtile qui fait place à une guitare acoustique en arrière plan avant qu’embarque le gros riff accrocheur qui fait son charme. C’est peut-être le morceau de l’album où le groupe reste le plus dans sa zone de confort initiale, mais ça demeure un grand moment dans le style. En bref, pour les amateurs du style qui avaient mis Pelican de côté depuis une dizaine d’années, il est temps, avec cet opus, d’arrêter de bouder son plaisir et de donner une bonne chance à ce festival du riff.
Cult Of Luna est de retour pour mieux chauffer nos oreilleset montrer ses muscles trois ans après l’acclamé Mariner (en collaboration avec la chanteuse Julie Christmas) et six ans après leur dernier opusVertikal. A Dawn To Fear se découpe en huit plages pour une durée totale de soixante-dix-neuf minutes, format long qui permet aux musiciens de montrer leur savoir-faire, mûri depuis déjà vingt ans. En effet, Cult Of Luna s’est imposé comme l’un des fers de lance du post-metal, posant les fondations d’un genre empruntant autant au sludge, qu’au post-hardcore et au post-rock. Cette subtile alchimie est ici parfaitement maîtrisée. Si les premiers grésillements de guitare laissent présager d’un opus violent, une évolution constante des atmosphères est de mise. Johannes Persson, le leader de la bande, a particulièrement soigné les compositions, tout en dérogeant à sa règle d’imposer un thème d’écriture. Ce chemin de création a pu être ardu, mais la force du collectif a triomphé des doutes du songwriter en chef. Enfermés aux studios norvégiens Ocean Sound Recordings, les six hommes ont canalisé leur énergie pour accoucher d’une œuvre remarquable. Pétri d’intensité et de fulgurances, A Dawn To Fear est porté par des riffs puissants, des sons plus organiques (l’orgue au détriment du synthé) et un chant hurlé parfaitement mis en avant. Le désespoir semble affliger notre combo, mais surtout rendre belle la tristesse.
Cette agressivité sert un propos cohérent, chaque note est ciselée et l’ensemble est parfaitement pensé. De la puissance de « The silent Man », « Lay your Head to Rest » et « The Fall », en passant par la lenteur rythmique de « A Dawn to Fear », jusqu’aux accords post-rock de « Inland Rain », sans oublier la douceur de « We Feel the End », le groupe ne néglige aucun élément pour faire voyager l’auditeur. Un juste équilibre donc, entre la rage (qui déborde quelques fois) et la mélancolie. Les musiciens sont en osmose, ce qui est particulièrement manifeste sur « Lay your Head to Rest », un morceau tout en crescendo/decrescendo – et un schéma que l’on retrouve au fil de l’album. Mention spéciale également pour « Lights on the Hill », titre mystérieux et lancinant, porté par des guitares expressives. Que culte soit rendu à la Lune.
Disque à la facture classique mais pas sans intérêt, Blood Year est basé sur le schéma bien établi de introduction douce qui monte en puissance puis éclate. C’est une approche académique, pour peu qu’il y en a une, mais c’est celle du combo. Le disque reprend pour lui les codes du genre post rock pour mieux les arranger au prisme du métal. On n’y découvre rien de nouveau mais les chansons sont puissantes et véhiculent émotion, sous des structures hyper classiques.
Les musiciens sont bons en matière de technicité à défaut d’originalité. On se consolera avec les trois dernières chansons de l’album qui relèveront le niveau en se hasardant un peu hors des sentiers battus.
Wear Your Wounds est, sur le papier, un super-groupe tan son casting, dans le domaine de l’expérimental est alléchant ; Jacob Banon de Converge en est l’nitiateur et il a réuni autour de lui Adam McGrath de Cave In, Mike McKenzie de The Red Chord, Sean Martin de Twitching Tongues et ex-membre d’Hatebreed ainsi que Chris Maggio, le batteur des désormais retraités Trap Them. Les musiciens précités ont, sur ce troisième album, tout le loisir d’étaler leur jeu de manière plus manifeste et c’est en tremes de cette efficacité à le faire que Rust At The Gates Of Heaven se devait d’atteindre des sommets.
Conçu durant les rares moments d’accalmie dans l’agenda infernal des membres du groupe, Rust On The Gates Of Heaven est un album en courant alternatif, capable de proposer de très bons plans, entre beauté glaciale et riffs tranchants, puis d’enchainer sur des titres d’une banalité confondante. Passée l’anecdotique ouverture piano/voix/guitares shoegaze, on rentre dans le vif du sujet avec le « single » et morceau titre qui laisse entrevoir une approche plus ambitieuse, quelque part entre le post-rock de Mogwai et les sonorités sludge de Mastodon. Des morceaux comme « Truth Is A Lonely Word » ou l’autre « single » « Shrinking Violet » font également partie des moments forts du disque grâce à une structure progressive savamment mise en place.
La tonalité générale effleure d’ailleurs ce large spectre de sonorités post-rock avec une production signée Kurt Ballou qui donne la part belle aux guitares et aux solos, à l’image des derniers instants de « Tommorow’s Sorrow » ou de « Rainbow Fades ». Au niveau du songwriting, les titres résonnent déjà moins comme un assemblage inachevé d’idées que comme un projet qui s’ouvre à différentes formes d’explorations. Et si certains breaks ne manquent définitivement pas de robustesse, le résultat n’atteint pourtant jamais la charge émotionnelle et l’intensité que l’on est en droit d’attendre du groupe, compte tenu de la direction qu’il prend ici.
Parfois prévisible, trop souvent linéaire, le disque a finalement bien du mal à cacher un certain manque d’inspiration derrière ses quelques touches atmosphériques surtout quand on connait l’imposant curriculum des musiciens concernés. Force, poutant, de constater que de nombreuses compositions ne parviennent pas à maintenir l’ensemble du projet à flot. Trop ordinaires où simplement désincarnés, les morceaux souffrent d’un surplus de textures et de longueur qui fait que l’on ne parvient jamais totalement à s’embarquer dans ce voyage. Il serampossible, également, de se rattacher à cette facette du chant de Bannon, majoritairement mélancolique mais trop plat que pour servir de bouée de sauvetage.
Le seul constat positif ici est que Wear Your Wounds évolue de façon naturelle et ressemble déjà beaucoup plus à un groupe qu’à un projet solo. Là ou le précédent album était totalement articulé autour de Bannon et ses idées avec des contributions externes, Rust On The Gates Of Heaven le voit se mettre en retrait et laisser plus de place à ses autres géniteurs pour exprimer leur technique. Il faudra, à cet égard, encore un peu plus d’alchimie pour insuffler ce manque d’âme dans les compositions et faire en sorte que le résultat effleure l’excellence à laquelle Bannon et ses sbires sont généralement coutumiers dans leurs exigences.
Baroness est un combo de survivants tant il n’a pas été épargné par divers accidents et décès en 2012 qui ont obligé le groupe à faire front et à se relever entre 2012 et 2015 avec un Purple qui avait montré que son élan créatif n’avait pas été altéré.
Quatre ans plus tard, les Georgiens reviennent aux affaires avec une nouvelle œuvre nommée Gold & Grey marquée par l’arrivée de Gina Gleason à la guitare en remplacement de Peter Adams. Sera d’ailleurs le seul changement notable puisque la production demeure toujours confiée à Dave Fridmann.
Comme sur ses disques précédents, Cold & Grey est un disque d’une densité incroyable composé d’autant de nuances que de titres (dix-sept).
Les trois morceaux d’ouverture donnent une première idée de ce qui attend l’auditeur. « Front Toward Enemy » ouvre le bal avec un riffing très proche de ce qui avait été aperçu dans Purple et « I’m Already Gone” » qui lui emboîte le pas, persiste en ce sens mais en affichant le groupe sous un air plus mélodique. Enfin, « Seasons » continuera de balayer les styles en proposant un refrain puissant et fédérateur grâce au jeu de batterie explosif dupercussioniste Sebastian Thomson.
La suite persévèrera dans ce même kaléidoscope sonique et préservera la richesse de l’écoute. Les compositions partent dans tous les sens et une impression de brouillon se dégagera mais, ce qui peut apparaître comme un bémol , s’avèrera en réalité une force.
En effet, l’ensemble est savamment orchestré. La production n’est pas étrangère à ce sentiment. Parfois brute comme dans le remuant « Throw Me An Anchor », elle se révèlera plus fine lorsqu’il faudra mettre en avant certains aspects. « I’d Do Anything » en sera le meilleur exemple avec un équilibre parfait entre les airs de pianos et de guitares acoustiques et la voix de John Baizley.
Gina Gleason ne sera pas en reste et démontrera que son intégration est pleinement réussie. Outre son jeu de guitare, la musicienne se révèlera très précieuse en tant que seconde voix et donnera encore plus de profondeurs aux compositions.
Gold & Grey est une œuvre très riche, voire copieuse par rapport à un Purple qui s’était avéré plus direct. Il nécessitera un certain temps pour povoir être découvert et apprivoisémais, une fois cet effort effectué, on découvrira un travail d’orfèvre bourré de mélodies, d’assemblages inédits et de riffs/rythmiques de toute beauté. Chaque morceau comporte des éléments qui en font une composition unique. C’est l’essence même de Baroness : créer peu importe les codes et, en cela, Gold & Grey est une réussite.
Les Milanais de Destrage pratique un post-metal fusion sans limite aucune et The Chsen One est un opus sérieux, concis et efficace. Ramassé et moins éparpillé il n’oublie pas pourtant d’être plus mélodique quand il le faute ; bref il cultive la différence Après quinze années d’existence il se réinvente ici mais au niveau du chant comme de l’instrumentation ou des structures, tout y est plus tempéré. Plus digeste aussi, forcément.
La voix, particulièrement, amène une couleur plus heavy metal au disque, ce qui ne l’empêche pas d’aller puiser et utiliser quelques éléments extrêmes ça et là. Alors on pourra reprocher ces choix plus tempérés, mais The Chosen One fonctionne finalement très bien, et serait idicule de le bouder.
Quatrième album du groupe suédois Diablo Swing Orchestra, Pacifisticufsprésente une autre facette de ce groupe à l’avant garde du métal. Après le départ d’AnnLouice Lögdlund en Août 2014 et son remplacement par Kristin Evegård qui assure aussi les claviers, le groupe avait sorti un « single » « Jigsaw Hustl »où elle fait sa première apparition. Cet album, enregistré en 2016,ne sort que maintenant en raison de problèmes de mixage. Précédé par deux « singles », « Knucklehugs » et « The Age of Vulture », ainsi qu’un ré-enregistrement du « teaser » « Jigsaw Hustle »,
Pacifisticufsdéploie l’ensemble de la palette musicale du combo : un ensemble électrique, basse-guitare-clavier, avec un orchestre « de scène » violoncelle-trompette-trombone. Épanchement romantique enflammé sur « Laday Clandestine Chainbreaker », c’est de la guimauve qui dégouline avant d’enchaîner sur des guitares qui font monter les blancs en neige suivi d’un duo pour cuivre. À l’opposé, on trouve le très corrosif « Superhero Jagganath » avec sa rythmique endiablée qui ne se livre qu’après un couplet assez aérien, avant une explosion harmonique et une petite rumba qui fait place au très lyrique passage éponyme du titre avec son déhanchement accrocheur.
Après le très ABBA-esque (« Jigsaw Hustle », « Ode to the Innocent » regardera, quant à lui, les maîtres de la période tonale entamer une orchestration exclusive d’instruments à cordes. Après un interlude très léger dans « Cul-de-sac Semantics », le groupe fera feu de tout bois sur le bien-nommé « Karma bonfire » : rythmique contagieuse, section de cuivres qui s’emploie à activer les flammes, ligne de basse qui envoie du bois, l’ensemble est chaloupé et explose à tout va comme un feu d’artifice, avec des influences diverses et variées, notemment cajun. Pour clore cet opus très rond et très appréciable, « Climbing the Eyewall » déroulera son tapis mélodique avec une guitare omnisciente et un rythme plus lent qui calmera les esprits en égrainant ses arpèges. Comme à son habitude, Diablo Swing Orchestra nous livre un disque dont le rythme chaloupé et les mélodies entêtantes enrobées de grosses guitares,échappera aux clichés et nous régalera des ses surprises acidulées.
Alcest, c’est un Français, Stépahne Paut, alias Neige. Il était, jusqu’à présent, connu pour une musique assez « heavy » mais, passées les premières mesures en distorsion qui ouvrent « Écailles de Lune », ce 4° album n’a plus rien de « metal » ni même de « blackgaze » dans la mesure où il sonne avant tout comme un disque « composé ».
Les guitares sont enlevées (et élevées), les lignes de piano, arrondies et les cordes sont comme des drapés au travers desquels Neige semble vouloir atteindre des hauteurs olympiques, un peu comme Sigur Rós. Les textes sont en Français et les titres en Anglais, comme précédemment, mais, si il reste quelques effluves métalliques ce disque de 8 compositions sonne avant tout comme voulant se situer dans des sphères post-rok.
On retrouve, comme souvent dans ce style, un décollage étincelant et un retour en douceur ; ici ils sont concentrés sur 90 secondes « Wings » et 10 minutes « Délivrance ». Entre ces deux emboîtements on perçoit des petits joyaux comme « Shelter » qui débute comme du Smashing Pumkins ou « Opale », bouffée « shoegaze » ; le tout est habilement coiffé par des arrangements qui prennent essor comme une floraison nuageuse.
On peut noter également « Away », acoustique et sombre ; trop doux pour être considéré comme une diatribe même s’il recèle un phrasé plein d’amertume et des phrases comme « J’aimerais que mon esprit errer sans douleur », au final plutôt émouvantes.
Shelter est un album hors genres ; c’est un disque qui respire et aspire à, même si ce n’est qu’une fois, nous élever ; une fois entendu et écouté peu nous importera dans quel genre il conviendrait de le répertorier.
Quand ces béhémoths du métal que sont Isis se sont séparés, ils ont laissé un vide qui n’a pu être remplacé. La nouvelle que trois de ses membres s’étaient associés avec le leader des Deftones, Chino Moreno, on peut imaginer l’excitation, une excitation plus forte que Palms étaient en droit d’attendre.
L’essence de Paims est qu’il s’agit d’un groupe dont personne n’a idée et que ceux qui s’attendaient à une continuation de Isis seront forcément déçus. Il ne s’agit pas en effet d’une album frontal ; il ne possède pas ces riffs à vous scier les os et Moreno n’adopte pas un phrasé vocal qui soir-t agressif et défiant. Palms est un disque au tempo mesuré, du début à la fin, plutôt post-rock que post-metal mais parvenant néanmoins à ne tomber dans aucune des ces catégories. Le bassiste Jeff Caxide n’a pas été loin, d’ailleurs, de qualifier l’album de « pop » et il est vrai que sur certains plans il y a une recherche mélodique assez flagrante au milieu de ces constructions denses. La question qu’on pourrait se poser serait celle-ci : « Est-ce un disque de « post pop » ? » La réponse pourrait bien être positive.
L’ouverture, « Future Warrior », met les choses au point tout de suite : guitare « ambient » noyant nos perceptions dans un flux et reflux dont le crescendo va aboutir à des pics explosifs qui vont s’atténuer avant d’atteindre leur acmé. Les vocaux de Moreno sont emrunts de sensibilité, ballotés par les émotions musicales un peu comme une bouteille à la mer sur un océan de fausse quiétude.
Le contraste n’est qu’apparent, le chanteur n’est pas là un élément extérieur, il conduit la mélodie de l’intérieur ne laisant jamais la théâtralité prendre le pas pour éviquer les sentiments traversés. Le morceau forme un tout et lui s’insère dans ce collectif.
Stylistiquement nous ne sommes pas loin d’Isis, un climat expansif et se voulant panoramique et global, mais musicalement le morceau rappelle plutôt l’introspection d’un groupe comme The God Machine, ce qui n’est pas sans intérêt.
Il faut en effet une certaine patience pour s’emparer de l’album et s’y intégrer car ses compositions nécessitent du temps pour se dévoiler et se faire compréhensibles. « Antartic Hanshake » ppurait aisément se retrouver dans une compilation « ambient » à Ibiza sans détonner de par la qualité onirique dans laquelle il est enrobé, avec un Moreno enveloppé dans la gaze et tout proche de la somnolence. Les guitares de « Patagonia » scintillent de manière merveilleuse tout en semblant vagabonder sans but pour finalement s’ouvrir au sein d’une toile à la beauté délicate et presque féérique. Les lignes de six cordes clairsemées et le « fuzz » de l’electronica accompagnent la pulsation de « Mission Street » et prennent un aspect cosmique particulier avant que le morceau ne se ferme brusquement pour plonger dans des abysses internes.
Nous aurons droit ainsi à des explorations d’espaces extérieurs et intérieurs, passant de l’un à l’autre avec des enchaînements à peine perceptibles et Moreno épousant ces sinuosités en se montrant retenu à un moment ou énergique quand il le faut.
« Shortwave Radio » sera un exemple de titre glaçant, grâce avant tout à des guitares angulaires et perçantes qui voient Palms pencher vers la new wave avant de se précipiter en un crescendo ddont l’issue sera le tumulte. Moreno psalmodie comme s ‘il invoquait les cieux, y semble prêt de la transe au pont que son phrasé devient de plus en plus débridé et donnant libre court à ses impulsions. Ce sera la seule manifestation de chaos dans un disque qui se veut un océan de calme.
Palms est donc bien plus que les éléments qui le constituent. Moreno est sans doute au pinacle de son interprétation et le groupe semble fonctionner comme sis étaient destinés les une aux autres. Il serait plus que dommage qu’une telle expérience et avancée dans le domaine du métal s’arrête là.
atteindre des hauteurs olympiques, un peu comme Sigur Rós. Les textes sont en Français et les titres en Anglais, comme précédemment, mais, si il reste quelques effluves métalliques ce disque de 8 compositions sonne avant tout comme voulant se situer dans des sphères post-rok.
Quand ces béhémoths du métal que sont Isis se sont séparés, ils ont laissé un vide qui n’a pu être remplacé. La nouvelle que trois de ses membres s’étaient associés avec le leader des Deftones, Chino Moreno, on peut imaginer l’excitation, une excitation plus forte que Palms étaient en droit d’attendre.