Red Fang: « Arrows »

29 mai 2021

« Tu n’as rien à dire quand tu es vieux, fatigué et gris ». Ce sont les mots fatalistes de Red Fang, un combo de Portland, Oregon, sur la pièce maîtresse de son album Arrows, « Fonzi Scheme », et pas nécessairement si l’on considère les mèches poivre et sel qui apparaissent maintenant dans la barbe collective de l’unité généralement hirsute. Aussi gris qu’ils puissent être – et, après 16 ans de carrière, sans doute un groupe de métal plus âgé à ce stade – Arrows est certainement un retour bienvenu de ces marchands de riffs vétérans. Le groove punk-métal puissant de ce disque est la preuve que les Red Fang sont plus que jamais en forme.

Cela fait quatre ans et demi que le groupe a sorti son précédent album, Only Ghosts. Une éternité, en ce qui concerne les cycles d’albums. Nous aurions pu entendre le disque plus tôt, mais, comme la vie en général, COVID-19 a mis les plans de Red Fang en pause l’année dernière. Lorsqu’ils ont refait surface au printemps avec le titre « Arrows », l’esthétique ouvertement loufoque du groupe était de nouveau à l’honneur. Dans ce clip très drôle, le groupe a accidentellement dépensé son budget vidéo pour acheter une épée, et a commencé à nous montrer toutes les choses qu’elle peut trancher : des bouteilles de boisson gazeuse, des pastèques… et, apparemment, le sternum d’un homme. Plus important encore, le single met en évidence le talent de Red Fang à combiner des sons métalliques corrodés par le fuzz avec des accroches pop lugubres.

Arrows commence cependant sur une note plus expérimentale, avec l’introductif « Take it Back » qui arrive comme une concoction sans percussion de doom de basse, de « white noise » à fendre la tête et de hurlements effrayants. Le producteur Chris Funk, de retour derrière les platines pour la première fois depuis Whales and Leeches en 2013, est crédité d’avoir amené le groupe dans certaines de ces directions plus sauvages, mais dans l’ensemble, Red Fang se comporte toujours comme s’il était le lointain cousin de la côte ouest du boom du Georgia metal du milieu des années 2000 (pensez à Mastodon, Kylesa). En effet, le groupe de Portland, qui s’attaque au métal du 21ème siècle à mains nues, est très percutant. Prenez le stomp-out particulièrement hargneux éMy Disasteé », ou éRabbits in Hivesé, un pétard à gains avec un riff de refrain à tête de lâche exquis. éAnondyneé, quant à lui, est une version plus mordante du rock des Queens of the Stone Age, un amalgame de glam et de sludge.

Le rebondissement le plus étrange d’Arrows est également sa plus brève interruption. « Interop-Mod » est une aberration à base de flanger et de sable, avec quelques écorchures ambiantes à la guitare qui s’élèvent au-dessus de quelques fills de batterie de John Sherman, membre du groupe. Inessentiel, peut-être, mais cet interlude d’une minute est finalement un nettoyage de palette inoffensif avant l’impressionnant « Fonzi Schem » ». Le riff d’introduction de ce morceau est puissant, la poussée des haut-parleurs de Red Fang est capable de renverser deux bons hectares de vieux pins de l’Oregon. Le morceau devient plus capiteux lorsqu’une guitare déformée par la distorsion et le retard fait place à un arrangement de cordes classique de la violoniste Kyleen King et de la violoniste Patti King. Symphonique et rocailleux, c’est l’un des morceaux les plus marquants d’Arrows. Vieux et gris, certes, mais pas du tout fatigué.

***1/2

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Black Kalmar Skull: « To All Whom I Loved »

26 janvier 2021

Il n’y a pas si longtemps, les one-man bands se composaient d’une personne jouant de la guitare et ayant un tambour de base attaché au dos, tout en jouant occasionnellement de l’harmonica attaché à leur tête. C’était un peu amusant et certaines personnes sont devenues très douées pour cela, mais c’était tout de même une activité de niche. Quoi qu’il en soit, il y a quelques années et aujourd’hui, avec l’avènement des logiciels d’enregistrement et de mixage à domicile, beaucoup plus de gens peuvent se lancer dans le jeu. Comme pour la plupart des choses, certains sont meilleurs que d’autres. Il n’est pas surprenant qu’un multi-instrumentiste de Veérone en Italie, se fasse appeler Black Kalmar Skull sur son dernier album To All Whom I Loved.

La chanson d’ouverture « Summer » est une excellente introduction à l’album. La première chose qui frappe est le son de guitare saccadé, qui rappelle beaucoup la pop indépendante des années 90, pensez au son de guitare de The La’s et vous n’en êtes pas loin. Les guitares glissent sur un rythme de batterie qui ressemble à un mélange intrigant de pop indépendante des années 90 et d’Alcest dans sa version la plus légère. Les paroles sincères correspondent parfaitement à l’ambiance de la chanson et son évasion rêveuse est réalisée à un degré fantastique. 

Le titre suivant, « No One Else », a de nouveau un son de shoegaze option rêveur. Les voix sont enfouies assez loin dans le mix mais ont un son éthéré et le refrain chargé de criffs emmène l’auditeur dans la stratosphère. 

 » Two Birds » introduira des éléments plus lourds dans le mixage qui commence par une partie de guitare beaucoup plus lourde, mais celle-ci se transforme rapidement en un son shoegaze accrocheur, comme celui des deux premières chansons. C’est une variation bienvenue, bien pensée et qui sert à mettre parfaitement en valeur le chant mélancolique. En effet, ces éléments plus lourds surgissent parfois au cours de l’album et ils s’intègrent toujours parfaitement aux chansons. L’introduction de la chanson « Straight Line » en est un bon exemple conjugué qu’il est au fait qu’il n’a pas peur de faire du rock quand il le faut.

 En ce qui concerne le chant, la voix de Matteo a une belle qualité de chant doux qui correspond très bien à la qualité de l’écriture de la chanson. Après avoir parlé au compositeur Matteo Iron lui-même à propos de l’album, il a déclaré : « il est destiné à transmettre des émotions positives mais en même temps à être teinté de mélancolie, comme quand on se remémore des souvenirs ». Il parvient à transmettre ces émotions avec beaucoup d’aplomb sur cet album ».   

Pour résumer, c’est un excellent album à écouter en portant des écouteurs, en regardant les nuages et en se remémorant les jours passés. Bien sûr, il est un peu brut sur les bords et la production pourrait être améliorée, mais comme il s’agit d’une opération menée par un seul homme, Black Kalmar Skull n’a pas à rougir de son résulat. Si vous avez envie d’un rock onirique qui mélange divers éléments en un tout très cohérent vous ne serez pas déçu.

***1/2

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Briqueville: « Quelle »

20 janvier 2021

Quelle est le troisième album de ce Briquevielle, un quintet belge, mystérieux dans la mesure où il se présente avec des masques mortuaires dorés . Toutes les chansons que le groupe a publiées jusqu’à présent se succèdent les unes aux autres. Les 4 premiers actes de leur premier album étaient « Akte I » à « Akte IV » puis la deuxième parie contenait « Akte V » à « Akte VII. »

Le groupe joue un mélange sinueux, souvent répétitif, essentiellement instrumental, de post métal, de boue atmosphérique, de paysages sonores ambiants et bien plus encore dans un brassage de sons. Les choses commencent avec « Akte VIII » qui débute sur des claviers sinistre avant d’ajouter des couches de guitares floues dans un style presque groovy. Akte IX suit en augmentant considérablement la mise en ce qui concerne les guitares lourdes. Il s’agit d’un jonglage délibéré d’une chanson qui aplatit tout avant elle avec des guitares à l’écoute et admirablement aidées par des éléments électroniques effrayants. 

Le post-métal a toujours été une affaire de contrastes, le contraste entre le lourd et le doux, le clair et le sombre et la chanson suivante, l’immense Akte X, est celle qui met en valeur tout ce qu’il y a de génial dans le genre. C’est un morceau d’ambiance de près de 15 minutes. La chanson commence par une ambiance électronique sinistre qui ne serait pas déplacée dans un film d’horreur. La guitare augmente graduellement en intensité pour finir par une prise de son assez rapide, cette accumulation s’effondre soudainement et un énorme mur de guitares se déchaîne et c’est une glorieuse libération de l’émotion refoulée. C’est merveilleux et c’est le morceau phare de l’album.

Le reste de l’opus suit le modèle établi dans la première moitié de l’album. En effet, s’il y a une critique à faire à propos de cet album, c’est que la deuxième moitié ne retient pas l’attention de la même manière que la première, ce qui ne veut pas dire qu’elle n’est pas géniale parce qu’elle l’est, mais simplement qu’elle n’atteint jamais les hauteurs gargantuesques de la première moitié, même si l’on dit qu’« Akte XII » est une gigantesque tranche de bombardement monolithique boueux avec un sentiment palpable d’effroi et qu’elle est magnifique. 

Cet album contient plus d’éléments électroniques que les précédents et cela ajoute à son poids. Il s’agit d’un adisque imposan de par une atmosphère ponctué ede tranches de bruit monolithiques. C’est une recette captivante que lecombo a, ici, perfectionnée, une monstrueuse concoction de sons hypnotiques, répétitifs et atmosphériques qui devrait plaire à tous ceux qui s’intéressent à la musique alternative lourde. Hautement recommandé. 

***1/2

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Asphodel Wine: « Slowdance Macabre »

19 janvier 2021

SubRosa et Minsk – deux poids lourds du monde du post-métal avec deux approches très différentes du son de ce genre. Alors que SubRosa était plus du côté de l’élégance, Minsk s’interrogeait davantage sur le côté terreux et granuleux du spectre. Nous avons maintenant Asphodel Wine, une collaboration musicale entre le couple en temps réel de Zachary Livingston (Minsk) et Sarah Pendleton (SubRosa). Sarah apporte sa contribution par sa voix et son violon, tandis que Zach joue de la batterie, des guitares et de la basse tout en chantant. 

Il y a quelques années, nous avons eu un impardonnable « duo de rock » de Ville Valo et Natalia Avelon qui a repris le vieux classique « Summer Wine » (de Nancy Sinatra et Lee Hazlewood), et mon, mon, mon comment cela a mal tourné. Nous avons maintenant un duo romantique et sombre qui se rapproche beaucoup plus de Nancy et Lee ou de Nick Cave et PJ Harvey – Zach et Sarah ont vraiment touché le bon bouton et prennent les virages (positivement) nécessaires ; leur vin est beaucoup plus séduisant que celui de Ville et Natalia. 

Une grande partie de cette attraction provient des compétences de Sarah et de Zach sur chacun de leurs instruments. Le violon de Sarah est particulièrement riche en sonorités et ses talents transforment les airs remarquables en diamants étincelants dans une mer de sons. Cette mer est aménagée et basée sur les guitares et les instruments rythmiques de Zachary. Les tambours qu’il déploie sont particulièrement tissés dans une couverture si merveilleuse que même lorsqu’il va un peu à contre-courant du rythme avec certains remplissages ou coups de pied, c’est une étreinte accueillante. Si nous ajoutons les parties de violon lorsque Sarah accompagne les tambours avec un passage accordé en profondeur. Ces passages fonctionnent alors comme une deuxième guitare, ce qui est très bienvenu, car Zach joue surtout en acoustique sur Slowdance Macabre. La guitare acoustique fait également partie de cet accueil, donnant l’impression que leur premier disque ensemble émane d’un sentiment d’appartenance.

Il est intéressant de noter que le long-play a également une très belle structure lorsque l’on pense à l’arrangement des chansons sur le disque, car les premières chansons sont un peu plus décontractées dans le sens où elles ont un son plus orienté pop gothique, tandis que certaines des chansons de la deuxième moitié ont tendance à être plus post-métalliques, en particulier « The Worst Way » qui pourrait également être un morceau de SubRosa. 

Il faut également noter l’utilisation de l’effet d’écho sur certains instruments et sur le chant de Zachary, ce qui leur donne un son encore plus grand que nature. C’est l’un des éléments qui font de ce disque un succès : le chant. Tous deux ont déjà montré à quel point leur voix peut être étonnante, mais ici, dans cette combinaison, c’est comme si un couple marié et heureux allait de l’avant à l’occasion de son 20e anniversaire de mariage et chantait ses propres histoires ensemble. Dans certaines chansons, le timing et l’intonation sont si parfaits qu’il est presque inintelligible qu’elles ne soient pas une chose pour plus de quelques années. Surtout dans la chanson titre et ses 9,30 minutes, il est évident qu’il y a deux maîtres musiciens qui travaillent ici, avec beaucoup d’expérience et une parfaite maîtrise de la façon d’écrire des chansons, de créer des ambiances et d’atteindre leur public. 

C’est sans aucun doute un mélange parfait des deux groupes originaux avec un duo vocal qui est parmi les meilleurs lorsqu’il s’agit de créer une ambiance doomy à la lueur des bougies sans ressembler à Paradise Lost ou Type o Negative, car Asphodel Wine se concentre sur le scintillement des lumières et non sur l’obscurité des ombres.

***1/2

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Asking Alexandria: « Like A House On Fire »

18 mai 2020

Avec une attitude éternellement fougueuse, mais des façons toujours changeantes de l’exprimer, Asking Alexandria renaît de ses cendres avec un son d’une fraîcheur enivrante et un lyrisme d’avant-garde désinhibé dans leur nouvel album, un Like A House On Fire, qui suscite la réflexion.

Asking Alexandria revient avec un album ardent, lourd et surtout provocateur, conçu pour recalibrer vos pensées sur la société, tout en chantant sur des refrains enivrants. Alors que leur précédent album éponyme avait ardemment ressuscité le son caractéristique de AA, suite au retour du fils prodigue Danny Worsnop, le groupe s’est réinventé dans Like A House On Fire et a atteint un point de bonheur en adoptant des influences pop et électroniques pour compléter une approche mature mais indéniablement fraîche du rock et du heavy metal.

House On Fire vous donne exactement 23 secondes pour prendre une grande respiration et vous préparer mentalement au plaisir qui vous attend : un album soigneusement équilibré où les riffs de guitare lourds, le chant râpeux et l’énergie galvanisante échangent constamment avec une batterie rythmée, un chant mélodique et des paroles provocantes. Alors que « They Don’t Want What We Want (And They Don’t Care ») met en évidence l’écart entre le point de vue de chacun et les objectifs de la société, « Down To Hell » monte encore plus le niveau en affichant son mépris des opinions extérieures avec une confiance inébranlable et une attitude fortement dédaigneuse. «  Antisocialist » atténue légèrement l’agressivité de son prédécesseur au profit d’une approche plus conversationnelle et explicative qui permet de conclure et de cimenter le message.

« I Don’t Need You » apporte un changement de rythme bien mérité, en mettant complètement de côté la violence et en ouvrant la voie à un duo candide, sincère et vulnérable, après quoi « All Due Respect » retrouve la conviction de la droiture et la pousse même à déclarer avec condescendance que « vous serez coincé dans l’ombre des hauteurs de ma grandeur » (you’ll be stuck in the shadows of the heights of my greatness). « Take Some Time, One Turns To None », et « It’s Not Me (It’s You) » continuent de se délecter de cette idée de supériorité, mais ils apportent un changement dans l’énergie générale de l’album, avec moins d’éléments de heavy metal et plus de bande-son de film digne d’un rock radiophonique.

« Here’s To Starting Over » fait à peu près ce qu’il est écrit sur la boîte : il redéfinit le message et l’attitude de l’album, en adoptant une position combative et condescendante en faveur de l’acceptation de son destin. « What’s Gonna Be » s’affronte sur l’incertitude du futur avec espoir et ardeur tandis que « Give You Up » et « In My Blood » tentent de le définir en recourant à la rétrospection et à l’introspection. D’un point de vue sonore, ces deux chansons prédisent un avenir fortement imprégné d’effets électroniques, affectant à la fois l’instrumental et le vocal de façon plutôt excitante.

« The Violence » revient à la vibration antagoniste initiale de l’album, tandis que « Lorazepam » ravive le son rock de la radio pour une fête digne d’un grand album final.

Dans l’ensemble, Like A House On Fire revendique sa place parmi les meilleurs albums du climat rock actuel, avec un son largement séduisant, définitivement mûri et modernisé, associé à une attitude contagieuse, arrogante et affirmée. Asking Alexandria a pris un pari en atténuant ses racines underground metalcore et heavy metal afin de faire place à des sons pop et électroniques agréables, cependant, ils ont réussi à les intégrer dans leur style. Ils ont proposé non seulement une chanson bien conçue mais un album entier de chansons fortes et indépendantes, ce que peu de groupes ont réussi à faire dès la première fois qu’ils ont expérimenté des éléments d’autres genres. Par conséquent, on pense qu’ils peuvent affirmer sans risque « Vous allez tomber face contre terre pendant que j’inspire la grandeur » (You’re gonna fall face down while I inspire greatness).

***1/2

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Wrekmeister Harmonies: « We Love To Look At the Carnage »

8 mars 2020

Night of Your Ascension, sorti en 2015 et cinquième album de Wrekmeister Harmonies fut le disque qui semblait être une percée pour le groupe – leur puissante combinaison de musique de chambre, de post-rock, de drone et de doom metal qu’ils brandissaient, qui utilisait les mêmes composants du post-métal mais assemblés en quelque chose de plus orchestral et presque néoclassique, a été épargnée par ces retombées. Leur successeur Light Falls s’est appuyé sur tous les succès de ce précédent disque, mais a poussé chaque élément un peu plus loin et fut considéré comme leur œuvre déterminante.

Sans doute est-ce cela qui a rendu leur opus suivant, The Alone Rush, quelque peu décevant. Il était logique qu’ils veuillent revenir en arrière. Il peut être tentant de rendre chaque projet plus grand et plus ambitieux que le précédent, mais cela finit par vous mener dans une spirale sans fin qui peut pousser un artiste à l’auto-parodie, à moins qu’il ne soit étonnamment chanceux. C’est pourquoi l’exécution du son plus épuré de Wrekmeister pouvait qonner quelque peu, comme si leur cœur était encore dans les déclarations grandioses et grouillantes des disques précédents et qu’ils n’avaient pas tout à fait effectué la transition vers le nouvel espace sonore.

We Love To Look At The Carnage est un album qui se rapproche beaucoup de The Alone Rush mais, heureusement, il est un peu plus complet tout en rstant encore un peu mince ; ses crescendos profonds ne s’élèvent pas aussi haut que le puissant fracas de Night of Your Ascension ou de Light Falls, s’approchant de quelque chose qui ressemble plus à un bourdonnement chaud qu’à un crash féroce. Mais, désormais ils existent à nouveau,chose qui leur a été brièvement refusé. Les procédures épurées ici, notamment le multi-instrumentiste Thor Harris, lors de cette période pour son travail similaire de chamber-rock avec Swans, se sentent plus proches d’une voie médiane acceptable, entre la pente métallique de ces deux albums de pointe et leur approche actuelle plus douce. Les deux morceaux les plus longs de l’album se construisent avec une intensité plus que recevable, donnant l’impression d’une méditation qui prend soudainement un tournant sérieux, même si elle ne produit pas nécessairement le tonnerre heavy metal des œuvres précédentes. Elle a d’ailleurs son rôle car, induite par les drones, elle aide non seulement à excuser mais aussi à justifier les éléments folk des morceaux plus courts.

Cela conduit à l’évolution peut-être la plus satisfaisante du groupe : une prise en compte de la chanson en soi. Leurs précédents disques n’étaient pas totalement dépourvus de caractère chantant, ces énoncés brefs et clairs de la mélodie et des paroles chantées que nous considérons comme des chansons plutôt que comme de simples mouvements dans une œuvre plus longue, mais ils semblaient définitivement plus discrets et plaqés sur ces disques. Leur utilisation des mélodies pendant si longtemps étaient profondément contextuelle, quelque chose qui visait à ternir une œuvre plus vaste plutôt qu’à attirer l’attention sur elle-même, quelque chose que The Alone Rush avait cherché à changer avec son approche plus disjointe et individualisée des mouvements plutôt que les continuités fluides des albums précédents. We Love To Look At The Carnage représente une fois de plus un raffinement de cette idée précédente en faisant en sorte que les passages d’ouverture, du milieu et de fin donnent l’impression qu’ils pourraient se suffire à eux-mêmes et être, enfin, des chansons pleinement satisfaisantes, bien que quelque chose de plus proche de Amen Dunes ou de Moon Duo que peut-être Neurosis ou Godflesh.

Mais même avec le raffinement des crescendos et des passages plus discrets, We Love To Look At The Carnage donne l’impression de se situer un peu plus bas que ces œuvres phares du groupe. Ce n’est pas nécessairement une mauvaise chose ; il y a beaucoup de place dans le monde pour des disques qui sont simplement bons au lieu d’être excellents. Mais il est difficile de ne pas être au moins un peu frustré, surtout si l’on considère que le groupe a montré qu’il avait la capacité de produire de la bonne musique. Il est difficile de dire, il est vrai, si c’est purement une question de perspective, avec un désir d’un retour à des textures plus métalliques et quelques voix plus dures ici et là. Mais il est difficile de nier qu’il y a une placidité accrue dans la musique qui n’était pas là avant, un avancement des éléments méditatifs peut-être un peu trop loin. We Love To Look At The Carnage est un disque qui est bon et qui vaut la peine qu’on s’y attarde, mais qui ne contient pas assez de ces moments ou de ces timbres que l’on peut appeler sans hésitation, sans réserve, de mémorable ou classique.

***1/2

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Pelican: « Nighttime Stories »

1 octobre 2019

Le groupe post-metal/hardcore revient en 2019 avec son premier vrai album depuis 2013. En 2005, le quatuor de Chicago avait lancé ce qui sera encore aujourd’hui considéré comme un des plus grands albums dans le style, The Fire in Our Throats Will Beckon the Thaw. 2019 risque de voir ce nouvel opus se classer dans les classiques de metal instrumental ou post en général. Il est vrai que le combo revient de loin ; en effet, le petit suivant, City of Echoes, avec un son moins métal et plus dream pop n’a pas pu survivre au jeu de la comparaison. Deux autres albums plus tard, le groupe prendra une pause artistique pour, entre autres, des raisons personnelles mais, aujourd’hui les musiciens semblent clairement avoir te fait le plein en matière d’énergie.

Nightime Stories s’ouvre sur une introduction plutôt planante et intéressante. On sent que le groupe n’a rien perdu de sa sensibilité post-rock et shoegaze. Mais c’est dès les premiers accords bien lourds de « Midnight and Mescaline » que l’on comprend le sérieux de la chose: dehors les longues introductions et le son vaporeux. Nightime Stories est un album de gros rock instrumental et ça swingue pas mal par moment. La troisième piste, « Abyssal Plain » en est un autre exemple avec son introduction accrocheuse qui nous mène plus loin vers un « blastbeat » digne de Deafheaven.

La chanson titre nous offre le meilleur moment de l’album. C’est lourd, c’est bien construit, les dynamiques sont déstabilisantes et bien franchement, ça sonne comme le Pelican que nous avons découvert il y a déjà plus de 15 ans. La dernière composition, est autre moment qui nous ramène dans le passé avec une introduction subtile qui fait place à une guitare acoustique en arrière plan avant qu’embarque le gros riff accrocheur qui fait son charme. C’est peut-être le morceau de l’album où le groupe reste le plus dans sa zone de confort initiale, mais ça demeure un grand moment dans le style. En bref, pour les amateurs du style qui avaient mis Pelican de côté depuis une dizaine d’années, il est temps, avec cet opus, d’arrêter de bouder son plaisir et de donner une bonne chance à ce festival du riff.

***1/2

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Cult Of Luna: « A Dawn To Fear »

24 septembre 2019

Cult Of Luna est de retour pour mieux chauffer nos oreilles et montrer ses muscles trois ans après l’acclamé Mariner (en collaboration avec la chanteuse Julie Christmas) et six ans après leur dernier opus Vertikal.
A Dawn To Fear se découpe en huit plages pour une durée totale de soixante-dix-neuf minutes, format long qui permet aux musiciens de montrer leur savoir-faire, mûri depuis déjà vingt ans. En effet, Cult Of Luna s’est imposé comme l’un des fers de lance du post-metal, posant les fondations d’un genre empruntant autant au sludge, qu’au post-hardcore et au post-rock. Cette subtile alchimie est ici parfaitement maîtrisée. Si les premiers grésillements de guitare laissent présager d’un opus violent, une évolution constante des atmosphères est de mise. Johannes Persson, le leader de la bande, a particulièrement soigné les compositions, tout en dérogeant à sa règle d’imposer un thème d’écriture. Ce chemin de création a pu être ardu, mais la force du collectif a triomphé des doutes du songwriter en chef. Enfermés aux studios norvégiens Ocean Sound Recordings, les six hommes ont canalisé leur énergie pour accoucher d’une œuvre remarquable. Pétri d’intensité et de fulgurances, A Dawn To Fear est porté par des riffs puissants, des sons plus organiques (l’orgue au détriment du synthé) et un chant hurlé parfaitement mis en avant. Le désespoir semble affliger notre combo, mais surtout rendre belle la tristesse.

Cette agressivité sert un propos cohérent, chaque note est ciselée et l’ensemble est parfaitement pensé. De la puissance de « The silent Man », « Lay your Head to Rest » et « The Fall », en passant par la lenteur rythmique de « A Dawn to Fear », jusqu’aux accords post-rock de « Inland Rain », sans oublier la douceur de « We Feel the End », le groupe ne néglige aucun élément pour faire voyager l’auditeur. Un juste équilibre donc, entre la rage (qui déborde quelques fois) et la mélancolie. Les musiciens sont en osmose, ce qui est particulièrement manifeste sur « Lay your Head to Rest », un morceau tout en crescendo/decrescendo – et un schéma que l’on retrouve au fil de l’album. Mention spéciale également pour « Lights on the Hill », titre mystérieux et lancinant, porté par des guitares expressives. Que culte soit rendu à la Lune.

***1/2

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Russian Circles: « Blood Year »

8 août 2019

Disque à la facture classique mais pas sans intérêt, Blood Year est basé sur le schéma bien établi de introduction douce qui monte en puissance puis éclate. C’est une approche académique, pour peu qu’il y en a une, mais c’est celle du combo. Le disque reprend pour lui les codes du genre post rock pour mieux les arranger au prisme du métal. On n’y découvre rien de nouveau mais les chansons sont  puissantes et véhiculent émotion, sous des structures hyper classiques.

Les musiciens sont bons en matière de technicité à défaut d’originalité. On se consolera avec les trois dernières chansons de l’album qui relèveront le niveau en se hasardant un peu hors des sentiers battus.

**1/2

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Wear Your Wounds: « Rust At The Gates Of Heaven »

4 août 2019

Wear Your Wounds est, sur le papier, un super-groupe tan son casting, dans le domaine de l’expérimental est alléchant ; Jacob Banon de Converge en est l’nitiateur et il a réuni autour de lui Adam McGrath de Cave In, Mike McKenzie de The Red Chord, Sean Martin de Twitching Tongues et ex-membre d’Hatebreed ainsi que Chris Maggio, le batteur des désormais retraités Trap Them. Les musiciens précités ont, sur ce troisième album, tout le loisir d’étaler leur jeu de manière plus manifeste et c’est en tremes de cette efficacité à le faire que Rust At The Gates Of Heaven se devait d’atteindre des sommets.

Conçu durant les rares moments d’accalmie dans l’agenda infernal des membres du groupe, Rust On The Gates Of Heaven est un album en courant alternatif, capable de proposer de très bons plans, entre beauté glaciale et riffs tranchants, puis d’enchainer sur des titres d’une banalité confondante. Passée l’anecdotique ouverture piano/voix/guitares shoegaze, on rentre dans le vif du sujet avec le « single » et morceau titre qui laisse entrevoir une approche plus ambitieuse, quelque part entre le post-rock de Mogwai et les sonorités sludge de Mastodon. Des morceaux comme « Truth Is A Lonely Word » ou l’autre « single » « Shrinking Violet » font également partie des moments forts du disque grâce à une structure progressive savamment mise en place.

La tonalité générale effleure d’ailleurs ce large spectre de sonorités post-rock avec une production signée Kurt Ballou qui donne la part belle aux guitares et aux solos, à l’image des derniers instants de « Tommorow’s Sorrow » ou de « Rainbow Fades ». Au niveau du songwriting, les titres résonnent déjà moins comme un assemblage inachevé d’idées que comme un projet qui s’ouvre à différentes formes d’explorations. Et si certains breaks ne manquent définitivement pas de robustesse, le résultat n’atteint pourtant jamais la charge émotionnelle et l’intensité que l’on est en droit d’attendre du groupe, compte tenu de la direction qu’il prend ici.

Parfois prévisible, trop souvent linéaire, le disque a finalement bien du mal à cacher un certain manque d’inspiration derrière ses quelques touches atmosphériques surtout quand on connait l’imposant curriculum des musiciens concernés. Force, poutant, de constater que de nombreuses compositions ne parviennent pas à maintenir l’ensemble du projet à flot. Trop ordinaires où simplement désincarnés, les morceaux souffrent d’un surplus de textures et de longueur qui fait que l’on ne parvient jamais totalement à s’embarquer dans ce voyage. Il serampossible, également, de se rattacher à cette facette du chant de Bannon, majoritairement mélancolique mais trop plat que pour servir de bouée de sauvetage.

Le seul constat positif ici est que Wear Your Wounds évolue de façon naturelle et ressemble déjà beaucoup plus à un groupe qu’à un projet solo. Là ou le précédent album était totalement articulé autour de Bannon et ses idées avec des contributions externes, Rust On The Gates Of Heaven le voit se mettre en retrait et laisser plus de place à ses autres géniteurs pour exprimer leur technique. Il faudra, à cet égard, encore un peu plus d’alchimie pour insuffler ce manque d’âme dans les compositions et faire en sorte que le résultat effleure l’excellence à laquelle Bannon et ses sbires sont généralement coutumiers dans leurs exigences.

***1/2

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Publié par rockdecibels

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