Picturesque: « Do You Feel O.K? »

« Rien de ce que nous écrivons n’est formé de manière traditionnelle », dit le chanteur Kyle Hollis de Picturesque, et ce refus d’être enfermé est certainement l’une des principales excitations du nouvel album du groupe, Do You Feel O.K ?

Do You Feel O.K ? est certainement une question très pertinente à poser en ce moment, et Picturesque a réussi à aborder une pléthore de réponses potentielles avec lce nouvel opus. Naviguant à travers les thèmes de la mélancolie, des difficultés romantiques, de l’alcoolisme et de la santé mentale sans rien retenir, l’album offre un aperçu de certaines des vérités brutalement honnêtes auxquelles le groupe a dû faire face. Le chanteur Kyle Hollis confesse : « Boire jusqu’à se sentir comme une merde, se sentir triste sans raison et perdre le sens de la réalité sont autant de sujets qui se retrouvent ici ». Cependant, il y a un réconfort à trouver dans cette lutte commune et la façon dont Picturesque a réussi à établir un lien avec les fans sur cette base est l’une des caractéristiques pertinentes de Do You Feel O.K ?

« Swipe » en est un bon exemple. Le groupe met à nu le désespoir qui peut naître d’une romance non réciproque, un problème exacerbé par la scène moderne des rencontres où les flirts et les fantômes sont monnaie courante. Kyle révèle la vérité plus sombre qui a inspiré le morceau, confessant : « Après la fin de ma dernière relation – nous étions ensemble depuis six ans et étions fiancés – je me suis perdu dans le monde des rencontres modernes. Tout avait tellement changé ; être confronté à des plateformes comme Tinder était un choc pour le système et je ne savais pas comment y naviguer. Je voulais une relation, mais je me suis vite rendu compte que je cherchais aux mauvais endroits. Toute cette expérience m’a embrouillé l’esprit ».

Le titre « O.K ? » offre une catharsis lyrique dans sa représentation des pensées intérieures et des démons avec lesquels nous sommes tous aux prises. Dominé par des voix brûlantes, il n’y a pas à craindre les émotions accablantes de la haine de soi, et vous serez attiré par la description perspicace des sentiments que nous avons tous éprouvés mais que nous avons du mal à capturer. Le thème de la fragilité personnelle se poursuit dans Glass House mais prend une facette plus externe lorsque les sentiments de colère sont redirigés vers l’extérieur dans « Pray ». Les sentiments volatiles qui passent d’une piste à l’autre reflètent notre propre état mental, et cette sensibilité à des sentiments bien trop réels fait de Do You Feel O.K ? un allié vers lequel se tourner lorsque nous nous sentons incapables de comprendre et de donner un sens à nos pensées intérieures.

Complété par le refus du groupe d’être classé dans un seul genre, l’album brille également par ses mélodies progressives qui s’inspirent d’influences diverses. C’est un effort conscient du groupe, comme le souligne Kyle : « Le premier disque était notre point de vue sur le post-hardcore de 2009, alors que cet album est quelque chose de nouveau, et c’est un style de musique que je n’ai entendu de personne d’autre. À l’approche de Do You Feel O.K., nous sommes arrivés à un point où nous nous sommes dit : « Merde, nous n’allons pas nous enfermer dans une boîte – nous allons nous concentrer sur l’écriture de chansons qui tuent, quel que soit leur son ». On peut entendre cette attitude tout au long du disque ».

« Opener Necessary and ensuing ATTN » : souligne les racines plus post-hardcore du groupe avec des mélodies de guitare si fortes qu’elles pourraient faire trembler le sol, tandis qu’une transe hip-hop est induite dans Swipe et continue de s’accrocher dans Crimes. Cependant, le final « Day By Day » est d’une tendresse déchirante et se rapproche davantage d’une ballade que de tout ce que l’on pouvait trouver auparavant sur l’album. Do You Feel O.K ? est peut-être une grande question à poser, mais Picturesque a fait un travail remarquable pour la décomposer, et nous rassurer que quelle que soit votre réponse, vos sentiments sont valables.

***1/2

Enter Shikari: « Nothing Is True & Everything Is Possible »

Il n’est pas fréquent d’entendre un album qui transcende et mélange les genres comme l’a fait Enter Shikari avec sa dernière production, Nothing Is True & Everything Is Possible. Des guitares rauques aux breaks dubstep, des morceaux orchestraux entraînants à la synth-pop outrageuse, ils ont créé quelque chose d’incroyablement chaotique – mais ça marche.

Les années 80 sont de nouveau à la mode et leur influence n’échappe pas à Enter Shikari. Plusieurs morceaux comme « The Pressure’s On » et l’énorme morceau pop-punk « Crossing The Rubicon » sont dotés d’un synthétiseur énergique et de guitares flamboyantes. Ce dernier parle d’être audacieux et courageux et d’arrêter de regarder en arrière. C’est un morceau incroyablement édifiant, avec un crochet accrocheur qui vous fera fredonner pendant des jours. Avec des voix qui s’envolent et un refrain contagieux, « satellites » renforcent le côté pop déjà prononcé du disque.

Le caractère grunge et plus lourd du « single » principal « { The Dreamer’s Hotel } » combine plusieurs des meilleurs attributs de cette entreprise d’Enter Shikari. La distorsion et la parole sales mènent à un refrain fougueux sur lequel il est impossible de ne pas rebondir. Comme la plupart des chansons pop de l’album, il est ridiculement gai et agréable. De même, la critique sur la vie moderne…. prend vie grâce à un mélange de guitares alt-rock vintage, d’un refrain anthemique et d’alt-rap. Ajoutez à cela quelques secousses de dubstep et vous obtenez une histoire chaotique sur les idéaux culturels d’aujourd’hui.

En outre, « T.I.N.A. » est un club banger avec des basses et de l’electronica. Ironiquement, en utilisant une phrase inventée par Margaret Thatcher, « There Is No Alternative », Reynolds chante « I see through you Tina » pour souligner les fissures du capitalisme moderne. C’est le fil conducteur de cet album, que l’on peut également entendre à travers les récits fascinants de « Marionnettes (I. The Discovery of Strings) » et » Marionnettes (II. The Ascent) » avec, en filigrane cette interrogation implicite : «  Êtes-vous une marionnette dans le spectacle de quelqu’un d’autre ? »

De manière inattendue, l’Orchestre symphonique de la ville de Prague a enregistré pour cet album un arrangement de George Fenton intitulé « Elegy For Extinction ». En tant que protestataires actifs, le changement climatique est un sujet fréquent pour le groupe. C’est la façon, certes ambitieuse, dont Reynolds en parle. Les magnifiques instrumentaux commencent de manière optimiste, se gonflant en quelque chose de plus robuste et diversifié avec des timbales et des cors supplémentaires, pour se terminer agressivement avec des cordes paniquées. Une pièce classique était tout à fait inattendue, mais l’histoire de la vie sur Terre qui est racontée – du Big Bang à la décimation de la faune sauvage à l’époque moderne – est bien exécutée et intrigante.

« Elegy For Extinction » est loin d’être le seul morceau sur Nothing Is True & Everything Is Possible qui semble hors de propos et pourtant étrangement conforme. Si vous vous êtes déjà demandé à quoi ressemblerait un cirque de Tim Burton, « Waltzing Off the Face of The Earth (I. Crescendo) » peut vous le montrer. Comme son titre l’indique, il se transforme progressivement en une cacophonie de cuivres de carnaval et de destruction qui nous pousse à nous interroger sur notre réalité et sur le monde qui nous entoure. C’est leur façon de dire que le monde est devenu un spectacle secondaire. » Waltzing Off the Face of The Earth (II. Piangevole) » revisite les accords et les thèmes de son pendant mais d’une manière plus lumineuse, apportant une perspective presque optimiste à la morosité de la première partie. C’est une façon agréable de clore un disque tourbillon.

Pour un groupe connu pour ses expérimentations, il ne faut pas s’étonner que cet album déterminant soit le point culminant de tout ce qu’il représente et de tout ce dont il est capable. Avec la sortie de Nothing Is True & Everything Is Possible, c’est la confirmation que vous ne pouvez pas ecaser Enter Shikari dans une seule runrique.

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Nova Charisma: « Exposition II »

Nova Charisma est un side project mené par Donovan Melero (Hail The Sun) et Sergio Medina (Stolas, Sianvar) étiqueté post hardcore progressif. Un descriptif qui ne s’impose pas vraiment lors de l’écoute de « Diary (don’t speak) », superbe ballade indie rock prog porté par une voix androgyne. « Gemini » est un tantinet plus musclé, mais pour du post hardcore, ça reste assez soft. « Hoxton » est dans la même veine, avec une couleur plus emocore. Enfin, « Sonya » verse plus franchement dans le post hardcore.

Il ne s’agit que d’un deuxième opus, donc l’équilibre n’est pas totalement atteint. Cependant, le savoir-faire est assez présent pour qu’on s’y laisse prendre, et assez également pour subir des écoutes successives. Encourageant et à suivre !

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Helms Alee: « Noctiluca »

Poursuivant la tradition des groupes d’exception de Seattle, les Helms Alee sont de retour avec leur cinquième album en douze ans d’existence. Intitulé Noctiluca, les 10 titres qu’il contient vous apportent joyeusement plus de leur mélange caractéristique de riffs boueux, de mélodies déjantées et d’expérimentation bruyante qui place Helms Alee sur un registre d’unicité assez grandiose. Le trio composé de Dana James (basse, chant), Hozoji Margullis (batterie, chant) et Ben Verellen (guitare, chant) se combine sans effort pour créer une étonnante éruption de bruit étayée par une sremarquable mélodie.

Noctiluca est une algue marine bioluminescente qui brille lorsqu’elle est excitée. Pour la plupart d’entre nous, une lampe conventionnelle se trouvait à côté de notre lit, mais Hozoji gardait un soupçon de Noctiluca à côté de son lieu de repos nocturne. Ainsi, le thème marin qui figurait sur les précédents albums de Helms Alee est maintenu, comme l’approximation la plus proche de leur son : mystérieux, magique et apportant de la lumière dans l’obscurité.

Une fois que ces guitares familières et ces batteries martelées ont repris vie sur le premier album Interachnid. C’est le son d’un groupe agité et enflammé comme jamais, avec juste la bonne quantité de bruit et de mélodie et un groove percutant qui sonne comme dix batteries dévalent d’une grande montagne. Le « Beat Up », bien nommé, est comme si un champion des poids lourds vous mettait en boîte en vous hurlant des insultes à la figure, alors que vos traits se transforment en pulpe sanglante. La seule grâce salvatrice que l’on puisse trouver est sa compagne qui s’interpose avec sa propre ligne de déprédation avant que vous ne tombiez au sol en morceaux.

Juste au moment où vous pensiez que ces puissants tambours avaient atteint le zénith de leurs martèlements d’oreilles explosifs, vient « Play Dead » pour détruire cette notion. Le premier grand moment mélodique de l’album sort des enceintes et c’est à ce moment que l’on réalise qu’il n’y a pas d’autre groupe sur la planète comme Helms Alee. Cette collision de volume intense, primale et brutale, avec des mélodies merveilleuses et décalées est finalement un accident de voiture dans lequel vous êtes attiré par la scène cauchemardesque.

Si les Pixies ont pillé un son plus métallique et que les bras de Dave Lovering ont été remplacés par des marteaux-piqueurs, on aimera penser que « Be Rad Tomorrow » sera proche de cette analogiere. Les lignes de basse grondantes créent un groove sublime pour les voix de James et Margullis qui taquinent une mélodie monotone méchamment infectieuse. Verellen glisse quelques belles lignes de guitare lors du premier grand moment de l’album et la chanson devient de plus en plus limposante sur ses six minutes. Avec une fausse fin ajoutée pour faire bonne mesure, les guitares ondulantes du titre sont un pur délice alors que s’installe pour une sieste, comme elle seule sait le faire. Le réveil est brutal et le rythme gargantuesque qui annonce l’arrivée de « Lay Waste, Child », fera claquer les écouteurs, telle est l’énergie physique générée par ce son bestial.

Sous la batterie tonitruante et les guitares glissantes de « Illegal Guardian », on peut entendre un piano qui tente d’échapper à la rétention tendue de ce qui précède. La tension est exacerbée par les guitares qui bourdonnent et l’assaut de la batterie qui s’effondre avant que Verellen ne déchaîne de façon menaçante certains de ses propos démoniaques. « Spider Jar » est une ligne de guitare psychédélique tourbillonnante avec un groove à couper le souffle. Le glorieux refrain aux cordes somptueuses arrive de nulle part, c’est vraiment une belle chose. Les voix combinées s’apparentent aux belles harmonies de REM et cela pourrait être dû au choix du producteur/ingénieur, Sam Bell, qui a déjà travaillé avec les meilleurs d’Atlanta.

Il y a une bizarrerie dans « Pleasure Torture » où James et Margullis nous implorent de nous ouvrir encore plus à leurs guitares et, alors qu’elles s’animent comme des foreuses maniaques, vous vous retrouvez à entrer dans le jeu. Des mélodies déchirantes combinées à des cordes qui s’envolent n’est pas quelque chose que vous pourriez associer à la Helms Alee, et voilà que « Pandemic » coche cette case. Les guitares font retentir une merveilleuse sirène mélancolique entre les fabuleux moments qui constituent les couplets. Les échos des sirènes de « Pandemic » s’attardent sur le fond de la dernière sortie qu’est  » »Word Problem » », comme pour démanteler toute notion de ramollissement de la Helms Alee, cette chanson est un autre blaster guttural.

Après cinq albums et de nombreux EP, Helms Alee continue d’apporter une puissante concoction de bruit et de mélodie qui vous confondra, vous déconcertera et vous convaincra comme un secret bien gardé etun trésor absolu. Les Helms Alee ont un goût acquis, mais il n’est pas donné à tout le monde de l’acquérir tant, avec Noctiluca, le trio nous a servi une nouvelle fois une excellente sélection de mélodies et de chaos, un ensemble pour lequel il n’y a pas de retour en arrière.

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Sleeping With Sirens: « How It Feels To Be Lost »

On a perdu Sleeping With Sirens il y a 2 ans avec un Gossip qui ne confirmait pas les promesses que Madness avaient semées en explorant une facette poppy mais toujours bourrée de guitares et jonchée de tubes potentiels. L’annonce de la sortie de How It Feels To Be Lost faisait craindre le pire mais les doutes vont s’estomper très vite (en fait dès la première note de « Leave It All Behind » ». Ce nouvel album prend le contre-pied total de son prédécesseur, et revient carrément aux sources de leur son.

Grosses guitares, passages déclamés (« Leave It All Behind », « Break Me Down »), refrains ultra bien ficelés (« How It Feels To Be Lost », « Ghost »), grosse production (« Agree To Disagree » et « Another Nightmare » qui viennent lorgner sur Bring Me The Horizon.

Du post-hardcore donc, bien caccrocheur avec cette voix si partciculière de Kellin Quinn, géniale pour certains, complètement insupportable pour d’autres. On est loin de l’album de l’année car Sleeping With Sirens n’apporte absolument rien de neuf à leur son mais on aura toutefois plaisir à retrouver un disque homogène signalant à quel point rien n’est perdu pour nos sirènes.

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Pile: « Green and Gray »

Le groupe de Boston reste toujours aussi actif sur la scène noise rock avec une discographie des plus irréprochables. Deux ans après l’emblématique A Hairshirt of Purpose, le voici de retour avec leur septième album intitulé Green and Gray.

Toujours aussi constant dans sa démarche, la bande à Rick Maguire qui étonne toujours par son interprétation tantôt aérienne tantôt délurée continue à exceller sur ce terrain post-hardcore et indie rock à travers des morceaux intenses et implacables comme l’introduction explosive nommée « Firewood » mais également « Your Performance » qui suit. Comme sur son prédécesseur, Pile continue de creuser le sillon un peu plus loin avec beaucoup plus de précision au niveau des orchestrations changeant d’humeur selon les morceaux ).

Ainsi, il ne sera pas rare que Green and Gray vacille entre calme plat qui saisit son auditeur avec les ballades comme « Other Moons », « Half » et autres « My Employer » et tempêtes noisy des plus dévastatrices avec « A Labyrinth With No Center » et « Lords of Calendar ». Plus on avance, plus on sent que le combo continue à marquer par son originalité et redouble d’ambition notamment sur « On A Bigger Screen », « The Soft Hands Of Stephen Miller » sans oublier la pièce maîtresse de 7 minutes nommée « Hiding Places » montrant toute la quintessence du groupe.

Il ne fait aucun doute que Green and Gray élargit les horizons musicaux de Pile. Toujours en s’inscrivant dans leur mouvance post-hardcore noisy, les Bostoniens se montrent plus audacieux (témoins en ont les allures étrangement britpop de « Bruxist Grin ») et permet de prouver qu’ils restent un des actes leessentiels de la scène dans laquelle il se fraie son cemin.

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La Dispute: « Panorama »

La Dispute est un groupe post-hardcore originaire de Grand Rapids qui a connu une sacrée trajectoire musicale après Après une poignée de sorties musicales en tous genres, le groupe formé par Jordan Dreyer a enfin atteint la consécration en signant chez le réputé label Epitaph pour qui ils sortent leur nouvel opus intitulé Panorama.

Ce nouveau disque marque donc une nouvelle étape pour La Dispute. Eux qui mélangent sans vergogne emo, post-hardcore et spoken word se retrouvent dans un nouveau cheminement où la mort, le deuil, la vie et l’amour ont habité le groupe, surtout son leader qui n’est autre que Jordan Dreyer. Après une introduction plantant le décor du nom de « Rose Quartz », la voix du frontman retentit sur « Fulton Street » et choisit les bons mots pour traduire ce tsunami émotionnel qu’il a confronté durant ces années.

Alternant le calme plat et la tempête des plus dévastatrices, Dreyer sait faire le parallèle entre spoken-word et screamo comme il se doit sur d’autres morceaux faisant référence au patriotisme symbolique du Michigan comme « Rhondonite and Grief » et « In Northern Michigan ». Il chante, susurre et hurle de façon incontrôlable tout en exorcisant ses souvenirs aussi bien radieux que traumatisants. Cependant, La Dispute se veut plus lent au niveau du tempo tandis que les sonorités sont plus légères et plus éclairées mais restent tout de même incisives par moments.

Il n’y a qu’à juger des morceaux comme « Anxiety Panorama » et « There You Are (Hiding Place) » pour prouver qu’ils restent les maîtres en ascenseur émotionnel avant qu’une conclusion aux allures jazzy du nom de « You Ascendant » mélancolique et grave dans ses propos montre un La Dispute au zénith de leurs inspirations. Malgré le départ du guitariste Kevin Whittemore auquel il formait une bonne alchimie avec Chad Sterenberg, Panorama est moins porté vers les guitares mais le groupe arrive à combler ce manque via d’autres moyens instrumentaux à forte charge émotionnelle. Après la pluie vient donc le beau temps et le quatuor de Jordan Dreyer arrive à chasser tous les fantômes qui sont venus les hanter comme jamais. Beaucoup devraient en prendre de la graine.

***1/2

Polar: « Nova »

« Intime, cathartique, thérapeutique », tels sont les adjectifs qui décrivent le mieux le message de ce nouvel opus post-hardcore par Polar, qui livrent leur disque le plus personnel à ce jour.
Après 3 ans d’un silence brisé le temps du « single » « Breathe » en 2017, les Anglais de Polar sortent cette année leur 4ème album : Nova. Un nom sobre et impactant derrière leur opus le plus intime à ce jour, un nouveau chapitre post-hardcore entre ombre et lumière explorant des thèmes et des combats très personnels et qui représente pour le groupe un retour à l’introspection, cette fois-ci dans sa forme la plus brute et nue.
Nova succède à No Cure No Saviour (2016), un album engagé abordant différents problèmes de société, en particulier la tragédie vécue quotidiennement par les SDF.
Cette fois-ci, le groupe souhaitait dès le départ adopter une écriture plus personnelle et se confier grâce à la musique, confronter leurs démons intérieurs et effectuer une sorte de…thérapie de groupe si l’on peut dire. Les paroles, principalement écrites par Adam – Woodie – Woodford (chant) et Fabian Lomas (guitare) prennent ainsi une valeur cathartique, chacune étant associée à des évènements ayant marqué l’un ou l’autre, dans une forme qui permet à la fois de rentrer dans leur intimité tout en étant suffisamment universelles dans leur message pour toucher un large public.
« Drive’ » le premier « single », au refrain très efficace, nous parle de laisser sa chance à une relation sentimentale initiée au premier regard. L’ambiance y est quelque peu dérangeante mais le ton laisse place à l’espoir sur un refrain fédérateur.


Bien plus sombre dans ses textes et sa composition est le second single : « Midnight’ » qui relate une expérience traumatisante de relation sexuelle non consentie subie par Woodie alors qu’il n’avait que 15 ans.
L’ensemble de l’album comprend des morceaux d’intimité empruntés à chacun des membres du groupe, en faisant ainsi un opus très spécial pour Polar qui souhaitent que Nova encourage ses auditeurs à effectuer le même travail d’introspection afin d’idéalement parvenir à vivre en paix avec eux-mêmes.
Musicalement, l’alliance entre riffs agressifs et mélodies qui fait la signature de la formation est toujours présente dans une forme exacerbée. Ellie Price, que Woodie et Fabian qualifient de « 6ème membre du groupe » et qui prête sa voix à la plupart des refrains des morceaux précédents, revient en force sur Nova avec deux titres qui la mettent particulièrement en valeur : « Amber », un titre aux accents sentimentaux et « Dusk » un interlude ambiant très pop qui surprend immanquablement sur un album de hardcore. Le parti-pris est osé mais force est de reconnaître que ce moment de douceur dans un ensemble bien agressif est le bienvenu.
Dans son ensemble, Nova est un album efficace et plutôt bien construit, avec ce qu’il faut d’ incursions pop pour faire de Polar un combo capable d’afficher une signature originale.

***1/2

Cursive: « Vitriola »

Groupe précurseur des sonorités emo / post-hardcore, souvent décrit à ses débuts comme proche des d’At The Drive In, Cursive a multiplié les pains tout au long de sa carrière, qui débuta au milieu des années 90s, à Omaha, dans le Nebraska. Un hiatus entre 1998 et 1999 permis à la troupe emmenée par le talentueux Tim Kasher de revenir plus inspirée que jamais, mettant un peu de piment dans ses compositions en y incorporant un violoncelle électrique. Bien que l’instrument ne soit pas au cœur des ambiances tourmentées que Cursive déploie avec brio sur un album tel que Ugly Organ (2003), il retient l’attention de l’auditeur curieux. La dernière décennie fut plutôt terne pour Cursive, incapable de livrer un album convaincant depuis Happy Hollow, sorti en 2006, ce huitième album, Vitriola, redore le blason d’une formation dont on attendait plus grand chose…

Quelle bonne nouvelle, l’inspiration est de retour ! Vitriola est un album sincère, franc et qui fait mouche, contant volontiers les malheurs du monde sur des compositions dissonantes et volontairement brinquebalantes. Le violoncelle un temps disparu, reprend sa place, pour donner un peu plus de relief aux complaintes de Tim Kasher. A la croisée des chemins entre emo et post-hardcore, Cursive livre des morceaux efficaces, à l’image de « Pick up the Pieces » ou du massif « Under the Rainbow », et réussi le pari de nous surprendre avec « It’s Gonna Hurt ». Les envolées de violoncelle, et de ce qui semble être un thérémin, nous transportent dans un univers tout à fait original.

Cursive joue de sa palette pour rompre la monotonie et dessiner des ambiances variées. Elles se font parfois lascives (« Remorse ») poussant l’auditeur à l’introspection. ou totalement contrastées par la rigueur hypnotique de riffs dissonants (« Ouroboros »). Vitriola fini par nous convaincre par un ultime brûlot indie rock (« Life Savings ») au refrain franchement entêtant, avant de s’éteindre après 7 minutes d’une complainte progressive résonnant comme un point d’orgue irréductible et quasiment pérenne (« Noble Soldier / Dystopian Lament »).

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At The Drive-In: « In•ter A•li•a »

Relationship of Command fut l’album qui permit à At The Drive-In de faire école et d’inscrire son opus comme référence de la mouvance post-hardcore. Après une séparation et diverses tentatives en solo, le combo est de retour 17 ans plus tard avec un In•ter A•li•a qui le voit renouer avec un répertoire dégraissé de toute incursion expérimentale.

Avec leurs riffs contorsionnés et leurs textes cryptiques des titres comme «  Governed by Contagions » ou «  Incurably Innocent » nous remettent en mémoire les meilleurs moments du combo. Manque pourtant cette impression de première fois qui faisait que le manque de précision dans l’exécution offrait en matière d’adhésion à l’esthétique du groupe.

Dans l’ensemble, on ne peut s’empêcher d’avoir le sentiment que le groupe s’essaie à re-capturer le son de sa jeunesse mais qu’il s’y emploie de manière forcée et manquant de spontanéité. La férocité est toujours là, toute comme les riffs addictifs mais le tout semble être lissé par une production domestiquée et une exécution qui manque singulièrement de coeur. AtThe Drive-In avait une âme, In•ter A•li•a peine à la raviver.

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