Silverstein: « Misery Made Me »

9 mai 2022

Il y a deux ans, nous avons émis l’hypothèse que le plutôt moyen A Beautiful Place to Drown n’était qu’une documentation inutile de Silverstein drainant toute sa sensibilité pop dans un projet avant de revenir à de plus grandes et meilleures choses. Même si je suis un visionnaire incroyablement brillant et humble, je n’avais que partiellement raison. Alors que le tout nouveau, Misery Made Me, est nettement meilleur que son frère un peu plus âgé, l’amélioration n’est pas due au fait que le nouvel album est plus lourd et moins pop-centrique ; c’est plutôt parce que l’écriture des chansons est marginalement meilleure. Mot clé : un peu mieux.

Au fur et à mesure que les années 20 progressent, il devient douloureusement clair que Silverstein… n’est plus aussi génial. Bien sûr, les Canadiens sont encore capables de produire un banger absolu sous la forme de « Die Alone », mais la majorité de Misery Made Me voit le groupe masquer des chansons fades avec des choix de production plus grands que nature et d’autres astuces peu convaincantes. Faire suivre les paroles profondément inspirantes  » I don’t care, I don’t care, I don’t care  » d’un  » YEAH !  » ne masque pas exactement les défauts flagrants de  » Our Song  » ; de même,  » The Altar/Mary  » se tire une balle dans le pied avec un pistolet à eau en contrastant des couplets d’une excellente intensité avec un refrain chargé d’effets très discutables. L’atmosphère recherchée par le groupe n’est tout simplement pas là, car aucun élément n’a le temps et l’espace nécessaires pour se développer en quelque chose d’attachant. Ailleurs, ‘It’s Over’ s’appuie trop sur un riff peu inspiré tandis que ‘Don’t Wait Up’ sous-utilise son excellent riff, illustrant parfaitement l’incompétence de l’album : les bons ingrédients sont peut-être là, mais Silverstein semble avoir perdu la recette.

Malgré cela, Misery Made Me est un album parfaitement écoutable. À l’exception de  » Die Alone « , ses meilleurs moments sont essentiellement des moments épars. Le refrain de  » Ultraviolet  » est une tranche de pop rock très agréable ;  » Cold Blood  » fournit une bonne toile pour la voix de Shane Told, à défaut d’autre chose ;  » Misery  » se construit jusqu’à un point culminant quelque peu inattendu, en dépit de ses paroles terriblement peu inspirées. Si Misery Made Me est peut-être un meilleur album que A Beautiful Place to Drown, il est aussi plus explicitement déprimant à l’écoute : il confirme que les Silverstein, autrefois admirablement fiables, ne sont plus capables d’écrire un bon disque de manière constante. La lourdeur ne peut pas masquer la fadeur : de plus, la lourdeur ne peut pas excuser une énième mélodie de refrain forcée lorsqu’elle n’est pas accompagnée par le riffage caractéristique du groupe. Chose étonnante : la misère n’est pas chose très amusante.

***


Caracara: « New Preoccupations »

26 mars 2022

« J’écoutais Dirty Projectors « , s’exclame Will Lindsay, le chanteur de Caracara, sur « Colorglut », le troisième titre de New Preoccupations, le plus instructif des textes de l’album. Il est vrai que, avant, Caracara a toujours existé dans l’espace liminal bizarre entre l’emo et l’indie rock, mais, sur New Preoccupations, ils ont choisi unautre versant. Pour Lindsay et compagnie, l’art rock éclectique de David Longstreth est la lumière qui guide le groupe dans son long voyage hors de la scène emo, de la même manière que Radiohead a été une pierre de touche pour Foxing lorsqu’ils ont fait un saut similaire sur Nearer My God. L’une des forces du groupe était auparavant son caractère amorphe ; il semble qu’il ait été étiqueté comme emo pour les personnes avec lesquelles il collaborait plutôt que pour un son, qui sur Summer Megalith allait du slowcore sinistre (« Evil ») au post-hardcore DC (« Another Night ») en passant par l’indie pop floue (« Revelatory »). Sur New Preoccupations, bien qu’ils soient toujours à l’aise pour passer d’un son à l’autre, ils semblent avoir trouvé une niche dans le rock indé coloré et plus ampoulé. 

L’EP Better qui a suivi Summer Megalith, et le « single » « Dark Bells » qui l’a suivi, indiquaient déjà un pas dans cette direction, empruntant plus à The National ou The Antlers qu’à American Football ou Sunny Day Real Estate, et les deux premiers titres de New Preoccupations reprennent bien là où Better s’est arrêté. Certaines des chansons les plus appréciées de Caracara («  Apotheosis », « Better » et, sans doute, bientôt « Monoculture ») commencent comme de délicates ballades avant de s’épanouir en des ponts grandioses, et « My Thousand Eyes » tout comme le « single » principal « Hyacinth » vont étirer cette formule sur deux morceaux. Lorsque le larsen engloutit la voix de Lindsay dans les dernières secondes de l’aérienne et acoustique « My Thousand Eyes », il se jette directement dans la fulgurante « Hyacinth » d’une manière qui rappelle la transition tonitruante qui a porté la chanson titre de Better à de nouveaux sommets. Bien que « Hyacinth » soit assez séduisant en tant que « single », il est clair que cette chanson était destinée à être entendue couplée avec « My Thousand Eyes » comme le moment où New Preoccupations décolle vraiment. 

Si « My Thousand Eyes » et « Hyacinth » présentent le groupe dans son habitat naturel, « Colorglut » montre que Caracara se lance dans quelque chose de nouveau. Elle est dynamique et électronique, construite sur un rythme de danse nerveux. Alors que Caracara n’avait peut-être jamais eu de son défini auparavant, « Colorglut » est le premier morceau qu’ils ont sorti qui brise le moule. La boîte à rythmes inspirée de l’horreur qui ouvre la chanson la distingue immédiatement du reste de leur discographie, et la mélodie mi-parlée, mi-chuchotée de Lindsay donne à la chanson un sentiment unique. Anthony Green fait une apparition dans le pont de la chanson, sa voix singulière cimentant encore plus « Colorglut » comme un tournant sur le LP ; il mène à la sombre « Nocturnalia », peut-être la omposition la plus synthétisée dans le catalogue du groupe jusqu’à présent – il est immédiatement clair que « Colorglut » n’est pas un cas unique pour Caracara. Les fioritures électroniques, celles qui colorent « Nocturnalia » ou donnent à « Useful Machine » son flair pop, contribuent à étoffer l’univers de New Preoccupations et à lui donner une vie distincte, non seulement dans le contexte de la carrière du groupe, mais aussi dans celui de la scène plus large qui les a engendrés.

Il y a d’autres chansons sur New Preoccupations qui sont plus proches du domaine de l’émotivité du groupe, cependant. Le « single » « Strange Interactions in the Night » est clairement redevable à Death Cab, cousin des premiers « singles » de Caracara comme « Revelatory » et « New Chemical Hades », et les fans des morceaux denses et sinueux de Summer Megalith comme « Evil » et « Prenzlauerberg » apprécieront le labyrinthique morceau central de six minutes qu’est « Ohio ». Toutefois, l’agressivité de « Hyacinth » n’est jamais égalée que par la chanson finale « Monoculture », qui consiste essentiellement en une accumulation de quatre minutes. C’est la chanson qui puise le plus profondément dans le puits silencieux et bruyant qui caractérise la musique emo, et que Caracara a déployé avec tant d’efficacité sur ses précédents albums, et c’est la chanson la plus lourde qu’ils aient jamais sortie, toute la colère, le dégoût de soi et le désespoir des 35 minutes précédentes se déversant en même temps. Le groupe enchaîne les riffs triomphants tout en s’approchant de plus en plus du soleil, puis les ailes finissent par se détacher et Lindsay prononce la dernière phrase du disque, celle vers laquelle tout tend clairement : « Je suis enfin libre de me laisser aller » (I’m finally free to let go). Il la répète six fois, sa voix devenant de plus en plus rauque à chaque fois, jusqu’à ce qu’il se mette à hurler et que tout s’effondre en poussière. C’est une fin d’album s’il y en a une, un soupir de frustration et de soulagement à la fois ; c’est du Caracara classique.

Pour un groupe qui apprécie clairement un crescendo cathartique, certains des moments les plus puissants de New Preoccupations sont les plus subtils.  Les 90 secondes de « Peeling Open My Eyelids » en sont un exemple. C’est une reprise de « Nocturnalia », cette fois habillée de cordes douces et d’un battement de tambour électronique à peine audible, plus un écho ou un fantôme de cette chanson qu’une entité propre. C’est bref et discret, mais l’association des paroles impressionnistes de Lindsay avec la brume orchestrale constitue une belle combinaison. Ensuite, « Harsh Light », l’avant-dernière piste sans prétention, prise en sandwich entre l’électropop sombre de « Useful Machine » et l’apothéose que constitue « Monoculture », pourrait bien être la meilleure chanson de tout l’album. Comme sur « Peeling Open My Eyelids », des percussions électroniques se mêlent à une simple ligne de piano et la juxtaposition est magnifique. La voix de Lindsay ne s’élève jamais au-dessus d’un croon calme, et l’accroche de la chanson se présente sous la forme d’un riff de scie circulaire qui élève la chanson à un niveau entièrement nouveau. C’est une excellente étude de contraste, les battements de l’UKG contre le piano contre le ronronnement des synthés contre les cordes qui plongent dans les dernières secondes de la chanson ; c’est un morceau où la libération ne vient pas d’un cri déchirant la gorge ou d’une réplique à l’emporte-pièce mais d’un riff bien synchronisé – c’est une retenue impressionnante pour un groupe comme Caracara. Ils ont appris que parfois, une ligne de piano ou un rythme inattendu peuvent être porteurs d’autant d’émotion que les cris les plus sincères. C’est cette volonté de s’adapter, de ne jamais s’en tenir à une seule formule et de se remettre constamment en question qui distingue Caracara de tant de ses pairs, et New Preoccupations ne témoigne pas seulement de l’ambition du quatuor, mais aussi de ses talents de musicien.

****


Touché Amoré: « Lament »

14 octobre 2020

Quelque quatre ans après la révolutionnaire Stage Four où Jeremy Bolm a vécu la mort de sa mère et le deuil qui s’en est suivi, Touché Amoré revient avec un bilan beaucoup plus avant-gardiste et tourné vers l’extérieur.

Les séquelles de la Stage Four sont toujours présentes, en particulier dans la première moitié de Lament » – même si la relation n’est jamais complètement décrite – mais il s’agit d’un bilan plus préoccupé par les observations sur la condition humaine qui ont été recueillies au cours des quatre dernières années.

Après avoir excellé dans le format d’album concept sur la Stage Four et sur Is Survived Byen 2013 – une exploration de l’héritage – le passage à une forme plus traditionnelle est en train de se libérer pour les Californiens. Cela se reflète dans leur album au son le plus ambitieux à ce jour, avec des chansons qui s’étendent sur un territoire de cinq minutes (« Limelight »), des touches de post-punk (« Lament ») ou de grands pans de mélodie (« Reminders »). Par rapport à Is Survived By, où le message a été transmis à la vitesse du son, une telle subtilité donne l’impression d’un monde à part. Pourtant, elle semble aussi tout à fait naturelle, comme si les chaînes avaient été libérées, permettant à Touché Amoré de faire travailler ses muscles créatifs de manière nouvelle et passionnante. Prenez par exemple l’ouverture « Come Heroine », qui s’appuie sur le maelström lent et fort des titans post-rock Explosions In The Sky, bien plus que sur l’intensité du matraquage desriffs plus traditionnels du hardcore.

Lament est également très clair. Trop souvent, avec le hardcore, l’intensité des émotions masque tout sentiment de clarté, mais ici, tout est clairement défini. Dirigée par Ross Robinson – le maître du nu-métal qui a fait des merveilles similaires avec le Relationship of Command de At The Drive-In – Lament représente une percée tout aussi impressionnante, faisant passer un acte culte très apprécié d’un sous-genre plus insulaire du rock à quelque chose qui a un attrait beaucoup plus large.

Lament est donc une rupture assurée ; éloignée d’un concept, c’est une version svelte et simplifiée d’un acte qui a fait ses preuves. Il manque peut-être un récit complet, mais cela signifie que ce sont les chansons – et non les idées – qui occupent le devant de la scène. Sur des titres comme « Feign » et « Deflector », les résultats sont tout proprement éblouissants.

***1/2