James Murray & Mike Lazarev: « Suññata »

17 novembre 2020

Suññata est le fruit d’une collaboration onirique et exploratoire de James Murray et Mike Lazarev. Avec une compréhension, une expérience et un amour profonds de tout ce qui touche à l’ambient (les deux artistes étant des amoureux de la musique en général), le duo est capable de faire de la musique céleste, en utilisant leur expérience et leurs connaissances musicales et en les mettant en pratique.

Construite sur une base solide de piano et d’électronique subtile, Suññata décrit en détail « l’expérience de la rencontre avec le non-soi ». Les auditeurs reconnaîtront en Lazarev l’homme derrière le toujours excellent Headphone Commute un magazine electronique online), mais en plus de son dévouement, de son énergie et de son engagement envers le site, il joue également du piano et, à l’occasion, du violoncelle. Murray et Lazarev ont déjà collaboré, ayant retravaillé « Living Treasure » »de Murray, tirée de son disque Falling Backwards. D’une durée de vingt-trois minutes, Suññata est courte et douce, et se situe dans un monde post-classique, où les tons fragiles semblent être suspendus dans un espace infini. Le piano de Lazarev, paisible et déterminé, est soutenu par un assortiment de textures ambiantes délectables, mais elles ne sont en aucun cas secondaires par rapport au piano. Au contraire, les deux sons sont traités comme des égaux, et la musique ne bénéficie que du mariage.

Sur le titre et les morceaux de l’album, Lazarev déclare : « Ils proviennent de la langue Pali, une langue très ancienne dans laquelle sont écrites certaines des écritures bouddhistes Theravada. Suññata est l’expérience de la rencontre avec le non-soi, d’un son et de son reflet qui se rencontrent dans le vide ».

Les titres des morceaux peuvent également être traduits comme étant libres de tout désir, atteignant (ou poursuivant) la transcendance et dépassant les conceptions du monde, dépassant la poursuite des plaisirs sensuels et les considérant comme des expériences impermanentes et finalement creuses, s’écartant de la dimension actuelle et des perceptions individuelles de la réalité et recherchant des vérités plus profondes. Certains de ses morceaux évoquent un aspect méditatif, comme « Animitta », qui se traduit par l’absence de perception, où toute forme d’entrée par les cinq sens n’est pas reçue ou enregistrée. Il est facile de s’isoler à l’écoute de ce magnifique album, mais paradoxalement, le disque est aussi très concentré. Murray et Lazarev se concentrent sur la recherche du vide et de la paix, sur la recherche d’un univers intérieur plutôt que sur le monde extérieur, physique. La musique est le grand médiateur entre les deux, et elle ne dit rien d’autre que la vérité.

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Eva Lindal & Anna Lindal: « Bäver »

23 avril 2020

Les frères et sœurs suédois Eva et Lindal sont entrés en studio à l’été 2019, armés seulement de quelques titres de chansons, et de quelques discussions sur leur amour et leur ambivalence envers la tradition de la musique artistique occidentale. Au-delà de cela, tout a été improvisé à partir des deux violonistes (Eva passant également à l’alto).

Le résultat est un ensemble d’une heure qui vagabonde sur un large spectre de ce qui est possible à partir d’un violon – adoptant souvent une familiarité old school assez traditionnelle et mélodique, bien que sinueuse, tout en étirant parfois quelque peu l’instrument, l’utilisant de manière percussive et impulsive pour élargir la palette sonore.

Il est cependant assez puriste, sans artifices de post-production ni effets en direct pour étendre vraiment cette abstraction, et ce que vous entendez reste deux personnes, dans une pièce, qui jouent l’une contre l’autre et conversent, en longueur et en détail, en utilisant leurs violons plutôt que leurs voix.

Il y a parfois un décalage intéressant entre la mélodie et la discorde. Dans la chanson titre, on a l’impression qu’un instrument dessine une mélodie romantique assez simple qui conviendrait à un drame d’époque de Jane Austen à la télévision, mais l’autre violon est effronté, joue contre lui, se moque presque de lui avec ses courtes expressions spontanées et sautillantes. La tension est forte mais constante dans la plus longue composition « Olivier ».

En revanche, dans « Hjul », il y a un vide et des égratignures qui sont d’une stérilité engageante et assez audacieuse – ce qui évoque peut-être les dents du castor du titre de l’album . Ce morceau marque le début du dernier tiers de l’album qui est nettement plus épars que ce qui le précède – pas sans relief, et toujours avec des rafales occasionnelles, mais qui finit par déboucher sur le grincement du bois du dernier morceau « Knust » qui est étrangement évocateur du son d’un bateau pirate abandonné grinçant sur la mer.

C’est une œuvre curieuse et très expressive dans laquelle on se surprend à constater qu’elle montre des interprètes travaillant en synergie et, et si cela est vrai pour de grandes parts ici aussi, c’est en fait le contre-jeu et les contradictions mélodiques des premières pièces qui donnent les résultats les plus intéressants. Une forte dose d’expérimentation post-classique.

***1/2


Maike Zazie: « Seismopsychollage »

21 avril 2020

Le titre de l’album de la pianiste Maike Zazie pourrait impliquer un tremblement de terre (seismo) ou une angoisse mentale (psycho, selon votre interprétation), mais aucun des deux ne serait vraiment exact. Cet album offre une forme d’intimité musicale réfléchie et en grande partie très romantique. De douces ballades et des tintement occasionnels, presque ambiants, sont complétés par une combinaison de chants, de poésie à mots doux (en allemand, français et un peu d’anglais), et une poignée de sons atmosphériques.

Bien que décrite comme « minimale », une grande partie de l’œuvre pour piano n’est pas ce qu’on pourrait décrire comme telle. Les accords riches et fermement capitonnés de « Sehnsucht » remplissent la pièce. L’audace et le drame de « Erdbeben », avec ses fracas et ses notes basses martelées, font que cet album est loin d’être plat. Mais il a aussi sa part d’œuvres romantiques, dont la plus évidente est le « Lieben ». Il y a même une poignée de morceaux que l’on pourrait légitimement appeler des chansons – « Kind » »en étant une.

Le résultat est un ensemble de portraits qui s’inscrit parfaitement dans le style d’illustration de Giulia Pex que l’on retrouve dans l’œuvre et dans le livret qui l’accompagne. C’est l’équivalent musical du pastel doux, doux et introspectif, réfléchi et largement non conflictuel, conscient de l’obscurité mais se déplaçant autour d’elle plutôt qu’à travers elle.

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