Ray Davies: « Americana »

Évoquer Ray Davies, c’est, avant tout reconnaître en lui l’un des plus respectables et respectés songwriter du Royaume Uni. La liste de ses classiques surpasse celle des plus renommés de ses pairs mais, sur ce nouvel opus, ce chanteur qui a inspiré tant d’autres artistes, nous montre quelles étaient ses véritables sources d’inspiration.

Americana est un disque « roots » au même titre que, sur le précédent See My Friends, l’hommage se situait dans la liste des prestigieux invités qui l’accompagnaient (Bruce Springsteen, Lucinda Williams, Jackson Browne et même Metallica).

La trame entre les deux productions est la même dans la mesure où, pour quelqu’un qui a tant su élaborer sur le thème de la nostalgie et du temps qui passe, il était évident que le concept qui préside à Americana s’imposerait.

Que ce besoin se soit fait sentir au moment où Davies soit nominé comme chevalier pour son service rendu aux « British Arts » et qu’il fasse paraître, sous le même nom, son autobiographie n’est pas une incongruité dans la mesure où Davies avait déjà reçu le Order of the British Empire en 2004.

Americana donc, accentuée par le fait qu’il utilise The Jayhawks pour l’escorter et, pour jouer sur la dichotomie USA/Angleterre, leur ait demandé de venir enregistrer dans son propre studio à Londres.

Americana s’ouvre d’ailleurs de manière introspective avec une guitare dont les cordes sont légèrement pincées et où les harmonies enrobent avec douceur des textes qui montent où pour lui se situent ses allégeances, « I want to make my home/Where the buffalo roam ».

Mais, comme pour tout ce qui concerne les Kinks, les sensations américaines de Davies sont complexes et ironiquement asymétriques. On peut être fasciné par le drapeau US et diaprer des titres où « Waterloo Sunset » n’est jamais loin comme sur le caustique « The Invaders » qui rappellent les difficultés qu’a eues le groupe dans sa première tournée outre-Atlantique ou « The Deal » où Davies revisite ses premières impressions des Los Angeles («  I’m going to LA/Check into a quiet, groovy hotel/Get myself a tan ».)

Jamais éloigné de ses observations sur la « chose américaine », le chanteur y greffe ses propres fixations en explorant la conscience de sa propre mortalité comme sur « The Mystery Room » où cette thématique est abordée de manière explicite (« Now I’m faced with mortality ») ou sur la narration nocturne qui parsème «  Silent Movie ».

L’acoustique «  Rock ‘N’ Roll Cowboys » privilégiera encore plus ce sillon avec un «  Do you live in a dream or do you live in reality » qui établit judicieusement la connexion entre l’Ouest d’antan et les rock stars prenant de l’âge. Un fragment de « All Day and All of the Night » trouvera d’ailleurs place sur « The Man Upstairs » comme pour démontrer que l’artiste sait où se situe son Histoire. L’entendre chanter «  don’t live life, life lives me » indique clairement le lien qu’il entend établir entre sa chronologie et l’introspection qui en est le produit. Ce qui permet, pourtant, de ne pas tomber dans l’égotisme est la dextérité avec laquelle Davies joue avec les mots et les tournures de phrases, une des facultés dont il a toujours fait preuve (« Poetry »). À cet égard, l’accompagnement musical des Jayhawks est, volontairement, on ne peut plus générique et fort à propos.

Le focus étant placé sur les mots, il est certain que les compositions n’ont pas l’élan qui a permis d’écrire de si nombreux classiques. Point de « Lola » ou de « David Watts » ici mais une orchestration qui rend le produit terriblement efficace et touchant. Les vocaux en duo avec Karen Grotberg (claviers) sont tout bonnement troublants comme le sont les contributions instrumentales qui jalonnent Americana.

L’album va ainsi merveilleusement alterner ballades acoustiques, quatuor à cordes et titres plus enlevés solidifiant ainsi les « rockers » ou les morceaux music hall témoignant de la versatilité d’un artiste qu’on ne saurait réduire aux stéréotypes qui ont délimité sa carrière.

Certes par moments trop long, Americana prouve que Davies n’a rien perdu de sa verdeur et de son acuité en matière d’écriture ; son sens de l’interjection, son phrasé apportent consistance et cohérence. Il y a, en effet, profondeur et puissance dans sa dissection de l’Amérique.

La grandeur y côtoie ainsi les côtés sombres ; chroniqueur mais aussi poète,le chanteur expose ici sur un ton conversationnel familier et intime un univers qui même si il est le portrait d’un manque et d’une aliénation, donne émotion et douceur à ce sentiment de déperdition qui ne nous abandonne jamais.

****1/2

Jeff Austin: « The Simple Truth »

Le joueur de mandoline du Yonder Mountain String Band. 2, Jeff Austin fait, ici, cavalier seul avec la sotie de son « debut album », The Simple Truth. Dès les premières note, sur « What The Night Brings », le musicien affirme que ce disque n’est pas un « remake » de YSMB.2. Nous avons droit à une guitare électrique vivace qui rappelle le Springsteen de la période Born In The USA et dans laquelle la profession de foi de Austin est claire : « Je ne suis pas certain de comment je suis arrivé ici, mais j’y suis parvenu pour de bon ». Ayant passé 15 ans avec le même combo, l’observation prend toute sa valeur.

Il va, par conséquent, essayer de bâtir sa propre identité musicale en s’aventurant au-dela du « progressive bluegrass » de son précédent groupe même si il en garde des traces sur un « Fiddling Around » (Bidouillant à gauche et à droite) judicieusement ainsi intitulé. Ce vagabondage le mènera vers l’incorporation de schémas pop, rock, country et même funk.

Austin est avant tout un instrumentiste aussi sa voix manque de puissance rocailleuse mais il utilise ses nuances vulnérables et émotives pour donner profondeur à des ballades comme « Scrapbook Pages », « Falling Stars » ou « Over and Over » aux accents de tendresse fort harmonieusement exprimés.

Mais c’est avant tout quand il décide de s’emparer de modèles plus vifs que sa musique prend de l’ampleur ; des titres comme « 15 Steps », « Shake Me Up » ou ‘The Simple Truth » combienent avec succès racines bluegrass et rythmes funk et nous surprend même en délivrant un savoureux hybride « mash-up » de Bill Monroe et James Brown. Avec une section de cuivres et du banjo, on aura quelque chose qui rappellera le Little Feat de Lowell George ce qui n’est pas une mince référence.

The Simple Truth porte ainsi son titre ; il n’est pas si simpliste que ça mais il est évident que Austin nous livre ici une part de sa vérité.

***

Robert Plant: « lullaby and… The Ceaseless Roar »

Excentrique mystique, prince pastoral ou Béhémoth du rock, Robert Plant a transcendé les multiples niveaux de la renommée et du respect et, à ce titre, il lui serait facile de se reposer sur les lauriers posés sur sa tête léonine.

À la place de cela, il continue d’enregistrer inlassablement du métériel dont la plus grande partie est engageante (ce qui est d’ailleurs un euphémisme). lullaby and… The Ceaseless Roar voit notre protagoniste aborder une nouvelle route faite d’exploration et d’expérimentation qui le voit réaliser ici un de ses meilleurs albums solos.

Il s’ouvre sur une reprise digitale et au banjo de « Little Maggie », terrifiante car l’instrument ne fera que vous mettre dans l’inconfort, un peu comme si Led Zep avait souhaité composer la bande original de Délivrance. L’électronique qui le sous-tend est une pure merveille et lui donne un étrange parfum d’avant-garde.

« Rainbow » suivra, autre alliage déroutant entre Tom Waits et des percussions à la Neubauten s’infiltrant dans une tendre ballade où le tintement des guitares se mélange aux lamentations du chanteur. Le titre véhicule un climat de désolation, proche de Cure ou de Low dont il a récemment fait des reprises mais demeurera paisible néanmoins grâce à la densité atmosphérique qu’il dilue. On est loin ici du vocaliste de rock ou de blues acrobatique et plus en phase avec le révolutionnaire sonique qu’il aspire à être.

Malgré ses nombres de disque en solo, parviendra encore à nous surprendre, en particulier dans, et c’est une première, il aborde la pop sur un « Pocketful of Golden » kaléidoscope psychédélique encadré par le murmure séducteur émanant de sa voix.

Toujours dans le même registre « cosmopolite » une ballad tendre et trouble, « A Stolen Kiss » précèderai une incursion dans l’Americana sur « Somebody There » montrant à quel point Plant sait transformer une forme d’expression pour l’ajuster à sa propre expérience. Le « Poor Howard » de Lead Billy en est preuve supplémentaire tant si le violon était remplacé par une guitare on pourrait penser à au Led Zeppelin période Presence.

En fait, chaque morceau semble être une interpolation avec un genre passé à la propre moulinette de Plant. Il peut aussi bien apaiser sur un « House of Love » légèrement gothique ou, a contrario, dérouler un climat scintillant sur « Up On The Hollow Hill (Understanding Arthur) », travaillant avec aisance sur les contrastes, ou sa tendance à alterner tendresse et sauvagerie.

Le dernier morceau de l’album, « Arbaden (Maggie’s Babby) » sera un écho de la première plage avec une intensification de ce qui a été précédemment suscité, une menace véhiculée par de l’electronica façon Moroder.

On peut féliciter l’inspiration mais on peut également louer l’interprétation (Justin Adams, Skin Tyson, John Baggot, Billy Fuller, Dave Smith et Juldeh Camara) ainsi que les arrangements (Tchad Blake) ; tout concourt à ce que lullaby and… The Ceaseless Roar soit un disque fascinant, berceuse et rugissement à la fois, une manière un fois de plus exemplaire la world music au rock (à moins que ce ne soit le contraire) un Houses of the Holy à lui tout seul, bref une fragiilté émotive couplée d’une endurance vocale (ceaseless roar) qui sait faire fi du temps qui passe et que, comparaison extrême, on pourrait assimiler à la vulnérabilité dont Bowie a fait preuve dans son dernier album.

****1/2