Sweeping Promise: « Hunger For A Way Out »

Sweeping Promises est un groupe relativement récent puisque formé en 2018 et venu de Boston. Le combo interprète un style de musique tendu, lunatique, entraînant et anguleux qui intègre des éléments de post punk, de punk et de new wave dans leur son. 

En effet, musicalement, Sweeping Promises peut être comparé à des groupes tels que The Wipers, Moving Targets, The Estranged, Slant Six, Airfix Kits et d’autres groupes de même sensibilité.

Hunger For A Way Out est leur premier LP et, sur ledit opus, Sweeping Promises propose dix morceaux de post-punk, de punk et de new wave au son dépouillé, brutal, et epontané promettant une écoute qui ne doit absolument pas être manquée.

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Fake Names: « Fake Names »

Fake Names remporte incontestablement le titre de « supergroupe » alors que leur premier album éponyme vient de sortir. Une accumulation de noms punks importants et influents domine la composition de Fake Name. Début 2016, Brian Baker (Minor Threat, Dog Nasty, Bad Religion) et Michael Hampton (S.O.A., Embrace, One Last Wish) se rencontrent pour une jam session qui tourne à l’épiphanie et qui conduit les deux célèbres musiciens à décider de créer un nouveau groupe. À la fin de l’année, le groupe avait intégré deux autres membres – le bassiste Johnny Temple (Girls Against Boys, Soulside) et le chanteur suédois Dennis Lyxzén (Refused) – pour parfaire leur vision du renouveau punk-pop. Baker, Hampton et Temple ont des liens qui remontent à l’école primaire, et avec l’ajout de Lyxzén (découvert en tant que compagnon d’affiche du Riot Fest Chicago 2016), le groupe a résumé une variété d’expériences punk-rock de longue date.

Fake Names, est donc le résultat de plus d’un siècle de pratique internationale combinée du punk rock, et cela se voit. Le groupe, signé par le très estimable Epitaph Records, a enregistré son premier album aux studios Renegade de New York et livre une sortie de 10 titres parfaitement mixés en 28 minutes seulement. Avec Baker et Hampton à la guitare, Temple à la basse et Lyxzén comme chanteur, le groupe comprend des pionniers du punk américain et européen. Fake Names illustre les influences power-pop et punk des fondateurs et poursuit ces idées tout au long de cet album. Le combo ne cherche pas à se conformer aux sons punk modernes plus forts, mais plutôt à combiner leurs compétences collectives pour produire un album qui rappelle (sans être nostalgique) les classiques du punk rock des années 80 et 90 – un véritable projet passionnel. Le groupe s’écarte de l’utilisation de pédales de looper, de synthétiseurs et d’effets spéciaux au profit d’un son véritablement live par essence.

Dans l’ensemble, cet opus est un travail de maturité et de précision. Il se déroule avec une essence proche de celle d’une bande-son, et les spectateurs peuvent facilement imaginer que Fake Names a joué avec le mémoriel dans des classiques des années 80 comme Pretty in Pink ou The Breakfast Club. Cependant, rien dans cet album n’est ringard. Du morceau d’ouverture « All For Sale » à « Lost Cause », l’album s’enrichit d’un travail de guitare complexe, de lignes de basse puissantes et d’un chant accrocheur, sans perdre le moindre sentiment punk. De la discussion des batailles internationales contre les structures capitalistes aux luttes internes sur la croissance, le contenu lyrique de « Fake Names » est angoissant mais sincère. Le groupe entremêle avec aisance des lignes de basse majeures et mineures et des riffs de guitare percutants avec un chant clair et fort, le tout mélangé avec l’habileté d’une main savante. Pour l’auditeur, cet album dépeint une image amusante et pleine d’entrain de Fake Names. Il est clair que le groupe a une vision commune de chaque morceau. Des titres comme « Drive », « Darkest Days », « Heavy Feather », « This is Nothing » et « Weight » sont des morceaux faciles à danser avec des refrains qui ne demandent qu’à être entonnés par des fans comme l’auditeur peut imaginer lors de concerts.

Bien que certains sceptiques puissent penser que le type de musique proposé dans Fake Names est dépassé et qu’il n’attire que les personnes d’âge moyen qui ont un penchant pour le bon vieux temps, ils ne se rendent pas compte des masses de plus jeunes auditeurs qui idolâtrent les premiers hymnes punk et seront ravis d’entendre une interprétation moderne de ces vieux »– » bien-aimés. Cet album n’est rien d’autre qu’agréable et plaisant avec des interprétations qui montrent des compétencesplus que parfaites, à défaut d’être mémorables.

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Diet Cig: « Do You Wonder About Me ? »

Le duo pop-punk Diet Cig – alias Alex Luciano et Noah Bowman – a deux sorties à son actif – le EP Over Easy en 2015 et le premier album Swear I’m Good At This (2017). Ce tandem, originaire du nord de l’État de New York, a établi sa capacité à fournir des productions pleines d’esprit avec un penchant naturel pour la vulnérabilité lyrique, et s’il y avait des défauts dans cette première incursion, c’était un manque de polyvalence et de profondeur.

Aujourd’hui, sur leur deuxième album Do You Wonder About Me ?, l’accent est mis sur cette profondeur initiale négligée. Dans la continuité de l’esprit provocateur de « Thriving », le titre « Who Are You », à la basse puissante, est un hymne et une colère, alors qu’Alex congédie un être cher en chantant sur la confiance brisée : « J’en ai assez des promesses vides, je n’en peux plus » (I’m tired of empty promises, I can’t take anymore of this). Le morceau est brut dans son message, mais il est parfaitement compensé par un paysage sonore trompeur et optimiste. 

« Night Terrors » est un titre remarquabledans la façon dont il détaille des rêves, les angoisse et des somnolences agitées. Avec des paroles telles que « Je n’ai pas dormi depuis Septembre » (I haven’t slept since September , l’esprit décapant fait également son apparition : « promets-moi de ne pas te tuer dans mon sommeil »  (promise not to kill you in my sleep).

La douce chanson d’amour de l’intermède donne la vedette à l’hymne explosif qu’est « Flash Floods », le clou incontestable de cette production de dix titres. Il puise dans le punk rock de New York aussi profondément qu’il le peut, brisant joyeusement la paix que le reste de l’offre soigneusement établie – et c’est plus qu’étonnant. 

Mais l’album n’est pas seulement étonnant. Après l’éclat de « Flash Floods », l’ouverture acoustique de « Worth The Wait » reste inoubliable et impressionnante.  Diet Cig fait un retour en force avec l’avant-dernier morceau, le léger et pop « Staring Into The Sun », avec sa mélodie instrumentale et de vers d’oreille facile. 

Le dernier morceau, plus proche, « Night Terrors (Reprise) » revisite le morceau précédent, avec une touche plus atmosphérique et des sonorités lentes aux accents électro. Retirant les couches de leur son pop-punk bruyant, Diet Cig offre une fin intime et contemplative à leur deuxième album. 

Tout en conservant l’humour et la musique rapide qu’ils ont introduits au début de leur carrière, le nouvel album de Diet Cig révèle une maturité irrésistible qui élève leur son et leur présence – plus profondément, ils vont avec Do You Wonder About Me ? et bien plus encore d’où cela vient.

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Boston Manor: « GLUE »

Qui sont ces types et qu’ont-ils fait du Boston Manor ? La prudence est de rigueur, la bande pop-punk britannique s’est apparemment réduite en bouillie pour produire un son qu’elle a toujours voulu expérimenter depuis qu’elle est apparue sur la scène il y a sept ans. Les paysages furieux et sauvages que Boston Manor crée sur GLUE sont un véritable plancher.

Ouverture de l’album avec un « Everything Is Ordinary » qui est tout sauf ça. Une chanson explosive de mépris frénétique, l’electronica cascade sur des rythmes furieux et des chants de falsetto flous.

Elle vous prépare pour le reste de l’album, puisque « Plasticine Dreams » fait écho à l’ouverture de « How Soon Is Now ? » des Smiths, combinée au charme fantaisiste et enfantin de Brendon Urie vers 2008. « On A High Ledge » est une expérience sensuelle où l’on se retrouve partout et nulle part.

Les arrangements à plusieurs niveaux ne seront pas toujours la tasse de thé de tout le monde et si GLUE attirera certainement de nouveaux fans, Boston Manor s’est vraiment éloigné des pesanteus créatives, suivant son intuition pour trouver quelque chose de vraiment cool.

Le groupe est l’incarnation même de l’amélioration – à chaque sortie, il fait preuve de progrès dans tous les domaines, augmentant la mise en scène, la musicalité et l’inventivité, mais reste un groupe criminellement sous-estimé. Peut-être que GLUE va changer cela.

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The Used: « Heartwork »

Avec des paroles infernales, des refrains entraînants et des ballades mémorables, Heartwork est le deuxième album studio de The Used après The Canyon en 2017. Il intègre également des éléments de musiciens reconnus, dont le chanteur Jason Aalon Butler de Fever 333, le chanteur Caleb Shomo de Beartooth et Travis Barker et Mark Hoppus de Blink 182.

S’ouvrant sur la ballade colossale « Paradise Lost, a poem by John Milton », cette fanfaronnade punk fait démarrer Heartwork par des riffs volants et une énergie tourbillonnante. S’élançant dans de subtiles tendances de heavy rock, « Blow Me » est asséné par un invité spécial, Jason Aalon Butler. Avec des cris d’enfer et des riffs militants, le disque n’hésite pas à nous mettre dans l’ambiance sur les deux premiers morceaux, alors que les musiciens triturent leurs instruments dans l’anarchie la plus totale. 

Mystique, « Bloody Nose » sera plus sombre alors que le frontman Bert McCracken met en boucle des paroles contagieuses : « J’ai été sur la route, mais je vais trop vite, dégagez la route, je cherche un endroit pour m’écraser et brûler, dites-moi, est-ce que je mérite ce qui arrive ? » ‘ I’ve been on the road, but I’m going way too fast, clear the road, I’m looking for a place to crash and burn, tell me, do I deserve what’s coming ?)

L’émulsion atmosphérique de My Cocoon » est courte mais efficace ; d’un son doux, cet intervalle d’une minute fait la transition entre le climat précédent de désordre émotionnel et leur single électro-pop « Cathedral Bell ». Ce morceau sonne beaucoup plus mainstream que le reste de l’album, mais il ne semble pas déplacé par ses carillons angéliques qui se fraient un passage parmi les chuchotements de McCracken. 

La chanson titre voit, parait-il, son origine dans la magie et son et interlude de paroles es, ) cet égard, glacial, prolongé et rémanant. «The Lottery », avec le chanteur de Beartooth, Caleb Shomo, est un gouffre tourbillonnant de chaos et cela ne s’arrête pas là, les paroles progressives de Shomo, en plus du chant de McCracken, sont assez percutantes. Il est sombre dès le premier coup de guitare et se démarque facilement. 

L’avant-dernier morceau, « Darkness Bleeds », est assez difficile à suivre, mais c’est un voyage joyeux. Il se termine avec le très sincère « To Feel Something » » et conclut Heartwork par un adieu émouvant, alors que le frontman McCracken plaide : « Je veux juste ressentir quelque chose, n’importe quoi est mieux que cela ». (I just wanna feel something, anything is better than this) De retour après trois ans, Heartwork salue le retour d’un John Feldman qui nous dispense, sur cet album, une part indéniable de magie punk.

***1/2

 

Frank Iero and The Future Violents: « Barriers »

Sur son nouvel album, un Barriers qui porte bien son nom, Frank Iero et son groupe, The Future Violents, font tomber toutes les limites et les barrières qu’ils se sont fixées dans le passé. Barriers ne se contente pas de briser le moule sur le plan sonore, comme Iero ne l’a jamais fait avec ses deux dernières sorties en solo (ou même avec ses projets précédents), mais il force également les auditeurs à se confronter à des émotions autrement inconfortables comme le regret, la peur et l’incertitude. Barriers est un album très introspectif qui, espérons-le, sera apprécié par les auditeurs réceptifs d’Iero. Il s’agit sans aucun doute de sa sortie la plus vulnérable et la plus dynamique à ce jour.

Dans une démonstration courageuse de la gamme dynamique de l’album, Iero donne le coup d’envoi du disque avec l’ouverture optimiste, « A New Day’s Coming », qui a d’abord commencé comme une berceuse avant de se transformer en l’hymne dirigé par les orgues qu’il est devenu maintenant. L’espoir véhiculé par « A New Day’s Coming » donne parfaitement le ton du reste de l’album, non seulement sur le plan émotionnel mais aussi sur le plan sonore. On dirait une nouvelle direction du groupe, et les treize autres chansons suivent le mouvement.  

Alors que « A New Day’s Comin » est un premier titre plutôt ouvert et enpué, les chansons qui suivent ont tendance à explorer des émotions plus sombres et plus vulnérables. L’énergique « single » « Young And Doomed », par exemple, se concentre sur la peur tandis que l’explosif « Fever Dream » suinte pratiquement l’anxiété. Avec une seule chanson les séparant, « Fever Dream » ne pourrait pas être plus différent de « A New Day’s Coming », mais l’album a un rythme qui fait que la variation entre les sons et les émotions semble naturel.

D’une certaine manière, Barriers nous montre un Iero qui retourne à ses racines et explore de nouveaux sons. Un exemple parfait de cela est le contraste sonique sur des chansons comme le punk et punchy « Fever Dream » et l’incroyablement dynamique « The Host », qui est animé par un piano brillant et des chants sur les versants émotionnels. Des compositions comme le grand hymne « Basement Eyes » se placeront facilement à côté de la plus sombre « Ode to Destruction ». Ce contraste sonore se ressent vivement, par exemple, entre l’excuse vulnérable et émotionnelle, « The Unfortunate », et l’énergie grinçante, intemporelle et élevée, « Moto-Pop », qui suit. Quid du meilleur ? Bien que chaque chanson de Barriers sonne différemment de la précédente, elles coulent toutes ensemble grâce à leurs thèmes sous-jacents de regret et d’espoir.

Barriers est non seulement le premier album que Frank Iero a écrit depuis Parachutes en 2016, mais c’est aussi le premier album qu’il a écrit depuis une expérience de mort imminente en 2016. Dire que l’accident a changé Iero, sa façon de voir la vie et la musique qu’il crée serait un euphémisme, et Barriers en est le reflet direct. Émotionnellement brut et vulnérable, il peut être douloureusement honnête parfois, mais c’est ce qui en fait une sortie si puissante. Ceci, associé à une écriture de chansonsintrépides comme le percutant « Moto-Pop » associé des morceaux émotionnels comme « No Love » et « Six Feet Down Under ») fait de ce Barriers un disque dynamique et excitant comme on en fait rarement.

***1/2

Cable Ties: « Far Enough »

Les Australiens, sur leur deuxième album, abordent le proto punk répétitif. Cable Ties peuvent, en effet, facilement délivrer une chanson rock classique et énergique, puis un numéro post-punk intense. Ils l’ont prouvé lors de leurs débuts en 2017, et maintenant ils le font à nouveau disque Far Enough.

Le trio de Melbourne combine Garage Rock et Post Punk dans les styles mentionnés ci-dessus. Le punk entre le proto et le post est négligé.Tant qu’il est rapide et dur l’éventail ne sera pas négligé.

La chanteuse Jenny McKechnie maîtrise les différentes ambiances et suit fidèlement l’instrumentation ; que ce soit avec le rugissement ou la narration, tout fonctionnera sans à coups.

« Hope » est une ouverture pleine d’âme, qui se dirige vers le Hard Rock. Plutôt dispensable, comme la doublette épaisse que constituent « Not My Story » et « Self-made Man ». Des choses fantastiques se passent ensuite avec « Tell Them Where To Go » avec sa basse à spectre large et « Sandcastle » dont la fluidité atmosphérique ravit.

On sera captivé également sur un « Lani » qui s’étendra sur sept minutes ainsi que par un « Anger’s Not Enough », galement stoïque et dense. Une partie excellente, un autre moins enthousiasmante ; preuves à faire mais admis à une séance de rattrapage.

*11/2

All Time Low: « Wake Up Sunshine »

Après quelques années d’absence au cours desquelles leurs membres ont exploré des projets parallèles (notamment le travail de Simple Creatures d’Alex Gaskarth avec Mark Hoppus), la sphère pop-punk avait besoin d’un nouveau disque All Time Low quand on vit dans un avenir prévisible. Au cours de leurs quinze années d’existence, il n’y a pas eu de groupe plus cohérent pour produire des hymnes punk à la fois accrocheurs et vertigineux. Après avoir pris un chemin plus conceptuel sur leurs deux derniers albums, Wake Up Sunshine est un retour à la romance insouciante qui a rendu les chansons des précédents albums Don’t Panic et Nothing Personal si attachantes et addictives.

Le premier, sorti en double « single », était un hommage affectueux à deux des héros les plus évidents du groupe. « Some Kind of Disaster » »est accompagné d’un refrain alcoolisé qui reflète Green Day, tandis que « Sleeping In » est la meilleure chanson de blink-182 de mémoire récente, avec une batterie à fond de train et une voix à couper le souffle, et un riff sciemment emprunté aux années 2000, « Si je disais que je veux ton corps, tu me le reprocherais ? Sept heures du matin pendant que j’écoute Britney » (If I said I want your body, would you hold it against me? Seven in the morning while I listen to Britney).

Le titre « Wake Up Sunshine » est une chanson qui parle d’amour-propre et qui est diffusée sur un fond de surf rock intelligent. A quinze titres, ATL peut encore s’écarter de la norme, avec « Monsters » qui nous invite à rapper sur ses vers. La chanson souffre un peu de sa propre fanfaronnade et ne frappe pas aussi fort que le tarif plus standard ici, mais il y a tellement de choses à aimer ailleurs sur Wake Up Sunshine que Gaskarth et ses collègues ont gagné le droit de s’amuser sur quelques chansons. La présence du groupe Camino sur « Favourite Place » est plus convaincante, mais All Time Low est mieux servi en restant fidèle à lui-même sur « Safe » et la démonstration d’un groupe qui a perfectionné son écriture de compositions dans un art précis au cours de la dernière décennie. 

« Clumsy » évoque l’angoisse de leurs premiers travaux avant que « Basement Noise » ne clôture l’album avec un regard nostalgique sur ces premières répétitions chez leurs parents. All Time Low est de retour à ce qu’il fait de mieux, à savoir servir des pépites de pop-punk légères. Bien que la quantité de remplissage ne soit pas nulle ici, elle est compensée par un certain nombre d’airs de tueur qui (lorsque nous serons enfin autorisés à retourner sur scène) viendront renforcer leur liste déjà gonflée de véritables morceaux de bravoure.

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Handguns: « When The Light Burns Out »

On peut dire sans se tromper que Handguns a connu son lot de changements de line-up, mais maintenant, armés à nouveau des membres originaux, ils reviennent avec leur quatrième album, When The Lights Burn Out.

Le premiee titre, « Constructive Criticis » », ne dure peut-être qu’une minute, mais il est percutant dès le début et constitue un retour très attendu, étant donné que leur dernier album est sorti il y a cinq ans.

« Cap Peeler » ensuite est tout ce que l’on peut attendre d’un disque pop-punk : une histoire de rupture angoissante avec des riffs extrêmement accrocheurs, sans parler de la nostalgie inattendue façon Pinky And The Brain, qui s’arrête à mi-chemin pour laisser place à un « Hey Marco what do you want to do tonight? / The same thing we do every night Jake / Try to take over the world. » (Hey Marco, que veux-tu faire ce soir ? / La même chose que nous faisons tous les soirs Jake / Essayer de conquérir le monde.)

L’ensemble du son du disque rappelle le genre de pop-punk qui faisait des vagues au début des années 2010, et, bien qu’il soit très facile d’écarter cela comme un manque d’évolution, il est plus significatif qu’ils restent fidèles à leurs racines. « Frictional Damage » le montre parfaitement avec ses chants infectieux qui seront sans aucun doute bien accueillis dans n’importe quel spectacle, et qui ont cet air nostalgique de jeunesse.

Le morceau phare, « Liquid Therapy », est un hymne énergique et roboratif qui reflète la qualité du lyrisme du groupe, facteur de longévité de leur succès. Bouleversant un peu la direction, « Glass Lanterns » en revanche adoptera un nouveau son rafraîchissant pour le combo ; un son légèrement plus lourd qui se rapproche presque du style pop-punk de Sum 41. Le chant déformé et les riffs puissants fonctionnent très bien, et il aurait été intéressant d’en entendre un peu plus sur l’album. Une des choses les plus remarquables à retenir de ce disque est le fait qu’il s’agit d’un groupe qui sait très bien qui il est. Il est regrettable qu’il n’ait pas eu l’éclat qu’il mérite pleinement après douze ans, mais Handguns restera un groupe à part entière dans la sphère pop-punk.

***1/2

Origami Angel: « Somewhere City »

Il y a des albums d’emo et de pop-punk qui sortent de nulle part et qui nous prennent à la gorge. C’est le cas du premier disque de ce groupe de Washington, Origami Angel, sont le « debut album » Somewhere City se doit d’être remarqué.

Le quatuor mené par Ryland Heagy (chant, guitare) et Pat Doherty (batterie) est du genre à ne pas faire dans la litote. Après une introduction nommée « Welcome To… » remarquable pour son crescendo menant à une explosion finale, Origami Angel envoie un son énorme, du skate-punk teinté d’emo avec ses déflagrations soniques en tous genres.

Avec de bons gros riffs efficaces et des rythmiques fusant à 100 à l’heure sur « 24Hr Drive-Thru », « Doctor Whomst » ou bien sur « Say Less », Origami Angel tape dans le dur. Et ce n’est que le début car d’autres titres salvateurs come « Escape Rope » et « Skeleton Key » arrivent et montrent l’alchimie entre le tandem Heagy/Doherty qui se confirme sur le dernier morceau nommé « The Air Up Here ». Somewhere City est un opus riche en énergie dans lequel les fans de skate-punk se retrouveront sans trouver à redire.

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