Seaway: « Big Vibe »

17 octobre 2020

Le groupe pop punk canadien Seaway a produit certains des albums les plus sous-estimés du genre au cours de la dernière décennie. Depuis leurs débuts avec Pure Noise en 2015, Colour Blind, jusqu’à Vacation, leur album de 2017, tout aussi énorme, les quatre musiciens torontois ont réussi à tout déchirer pour sortir des hymnes pop punk consistants, optimistes et contagieux. L’annonce tant attendue de leur quatrième album a été très bien accueillie par le monde de la musique et cette fois-ci, c’est une Big Vibe qui nous attend.

Le disque démarre avec « Brain in a Jar » qui introduit un rythme de batterie puissant sur le pré-chœur , idéal pour qui est nostalgique des jeunes sitcoms comme That 70’s Show. Les chœurs offrent une atmosphère décontractée mais froide et, avec le chanteur Ryan Locke, c’est comme un voyage dans le temps. Le « single » principal et la chanson titre, « Big Vibe », poursuit ces chœurs endiablés, avec des rythmes de batterie puissants et croustillants et des paroles incroyablement accrocheuses : « Wide-eyeed, radiating / I’m tongue tied, can’t seem to handle your / Big vibe » (J’ai les yeux écarquillés, je rayonne / J’ai la langue liée, je ne peux pas supporter tes / Grande vibratios ). Cette chanson résume parfaitement l’ensemble de ce disque et s’inscrit parfaitement dans la collection de brulôts de Seaway. Big Vibes, doit-on en dire plus ?

Avec deux albums solides à leur actif, Seaway semblaient avoir réussi à faire ressortir l’attrait de la pop punk. SurBig Vibe, ils ont entrepris de diversifier leur musique en changeant quelque peu de genre. Alors que le rock est toujours aussi évident, les quatre musiciens ont plongé dans un son rock universel et assoupli. Pensez à un « Violent Soho » un peu plus pop. « Mrs David » les verra, de son côté, jouer avec des riffs plus enlevés et un son des années 90 qui semble vraiment apaisant à écouter. Ce riff émo est un peu rehaussé par le morceau suivant,  « Still Blue », et le groupe revient avec son groove contagieux. Ce titre a un rythme pop incroyablement dansant qui rappelle le dernier album d’All Time Low. À la fin, vous chanterez sans arrêt : « Ne serait-il pas agréable de rester sous sédatif / quand tous nos amis deviennent vieux et blasés ? » (Wouldn’t it be nice to stay sedated / when all our friends are getting old and jaded?)

« Wild Things » est le « single » le plus lent des trois sorties du combo ; et il nous a fait découvrir l’évolution du son du groupe. En s’appuyant sur ce son rock grungey, entrelacé avec leurs paroles de bonne humeur, Seaway fait en sorte qu’une chanson pop édifiante devienne un morceau de rock iindie. « Pathetic » accélèrera alors le rythme grâce à son énergie punk rapide, et mettra ainsi en valeur les sentiments de dégoût de soi et de manque d’estime de soi. Cela vous frappera au bon endroit, surtout si vous vous sentez mal aujourd’hui.

La nouvelle attitude, plus assagie, de Seaway se poursuivra sur « Sweet Sugar », mais à un tout autre niveau. S’envolant dans un fort refrain rock/pop, ces Canadiens canalisent les tendances musicales de leurs pairs, All Time Low. Ce riff d’intro à la guitare est éloquent et se poursuit sur le morceau suivant, « Peach ,» qui est un grand air d’été avec ce riff de guitare croustillant et des riffs pop en son centre. Tout fan de pop punk qui n’a pas encore entendu Seaway sera conquis par ce son en un clin d’œil.

Dans « If You Let Me », le groupe combine des riffs émotifs avec une mélodie pop accrocheuse, en liant le tout pour créer l’hymne parfait au mal d’amour. Ces « Ooh-ooh-ooh’s » s’accorderont ainsi parfaitement avec la notion nostalgique du disque, tandis que « Wicked » nous renvoie à ces tendances Soho. Honnêtement, c’est loin d’être de la pop punk. Avec des riffs de guitare déformés qui semblent presque psychédéliques, ce morceau pourrait parfaitement se placer à côté d’une chanson des Dune Rats. C’est du Seaway à un nouveau niveau. Pour compléter l’album avec « Sick Puppy », le groupe fait de son mieux pour conserver sa nouvelle identité musicale. À partir de maintenant, c’est du riff, de l’accroche et du bon temps.

Il est inévitablement clair que Seaway est vraiment doué pour créer une mélodie accrocheuse. La pause de trois ans entre les sorties en valait absolument la peine, car Big Vibe voit le groupe faire ce qu’il fait le mieux et en même temps, se lancer des défis avec de nouveaux styles. Alors que les refrains pop punk bruyants abondent partout, Seaway a pris ce temps pour explorer le rock doux et grunge qui leur a donné un nouvel avantage en musique. Big Vibe présente un son rafraîchi pour le groupe, un combo trop sous-estimé.

***1/2


Cabbage: « Amanita Pantherina »

13 octobre 2020

Deux ans se sont écoulés depuis la sortie du premier album de Cabbage, Nihilistic Glamour Shots, un disque qui a vu le groupe faire de nombreuses tournées à guichets fermés, jouer aux côtés de grands noms et se produire dans de grands festivals. Vendredi dernier, Son deuxième album, Amanita Pantherina, se veut un retour en force qui a vu le groupe mûrir.

Le disque commence avec « Leon The Pig Farmer », un morceau punk et furieux qui fait référence à George Orwell et, d’une durée de moins de 2 minutes, il est absolument percutant et il montre que , en effet,Cabbage est de retour, et se voulant plus grand et meilleur que jamais.

« You’ve Made an Artform (From Falling To Pieces) », le premier « single » de l’album. Inspiré de Coronation Street, il voit Cabbage aborder la question de la santé mentale masculine avec une interprétation psychédélique qui est destinée à sonner encore plus grand en « live ».

« Raus ! » (en allemand) est un morceau qui se démarque de l’album. Cabbage y fait un commentaire social sur le Brexit et fait vraiment réfléchir l’auditeur aux conséquences néfastes de la séparation du Royaume-Uni et de l’Europe. Comportant un chant déformé et accrocheur et un riff de guitare croustillant qui contribue à donner vie au morceau.

Les textes de « Once Upon A Time In The North » aident Cabbage à montrer ce qu’est vraiment la vie dans le nord de l’Angleterre, des sons de basse abrasifs ajoutent à la sensation de chaos que ce morceau contient. Hatred l’atténue un peu, un morceau acoustique à l’instrumentation époustouflante, complétant à merveille le chant du chanteur principal Lee Broadbent.

« Medicine » se démarque également, envoyan presque le combo dans le royaume des gothiques ; un schéma plutôt approprié pour 2020, avec des lignes de basse retentissantes et des paroles accrocheuses telles que « Déployez les médicaments, vive les morts » (Roll out the medicine, long live the dead).

Le dernier morceau s’achèvera da manière psychédélique, et encore plus dépouillé que les précédents. D’une durée de 6 minutes, il donne aux auditeurs le temps de réfléchir sur les morceaux qui l’ont précédé, avec des paroles pleines de remords et de réflexion avant de s’achever avec grâce. Sur seulement 11 titres, Amanita Pantherina emmène Cabbage vers de nouveaux horizonsdans uncontrole du son qui le rend encore plus unique, celui d’une production folle témoignant du le retour d’un Cabbage débordant de colère et de confiance.

***1/2


Machine Gun Kelly: « Tickets to My Downfall »

5 octobre 2020

La carrière de Colson Baker, plus connu sous le nom de Machine Gun Kelly, a beaucoup de points faibles et d’interrogations. Pourquoi est-il apparu dans le biopic The Dirt de Mötley Crüe ? Pourquoi son plus grand succès interpole-t-il celui de Fastball Out of My Head ? Pourquoi sa musique circule-t-elle dans des clichés trash et hyperboliques ? Pourquoi Travis Barker de Blink-182 collabore-t-il avec lui ? La réponse est simple et s’impose avec le cinquième effort de MGK, Tickets to My Downfall : il a toujours été un enfant du rock dans l’âme, alors il a fait un album pop-punk. Voici le rebondissement : le mélodrame ennuyeux qui a rendu son rap si épuisant est ce qui donne à sa nouvelle musique un réel pouvoir. Pour la toute première fois, l’instrumentation convient aux gémissements naturels de Baker.

Cet album n’est nulle part mieux expliqué que sur « Concert for Aliens », le deuxième « single » de Downfall. Sur des guitares éclataantes et une batterie acrobatique, Baker compose la meilleure chanson de fin de période de Blink-182 depuis « Rabbit Hole ». L’appel aggravé de SOS de Baker, lorsqu’il est associé à un riff d’ouverture dynamique, rappelle presque le travail morveux des State Champs ou de Neck Deep du milieu des années 2010, mais sans l’attaque de double basse-batterie de ce dernier. Mais alors que Neck Deep s’est tourné vers l’alt-rock à l’américaine Idiot-esque sur leur album concept 2020, Machine Gun Kelly fournit étrangement la marchandise quand il s’agit de punk bubblegum. Sur des morceaux comme « Jawbreaker, kiss kiss », ou le titre d’ouverture – ce dernier étant équipé d’adlibs ska « yeah yeah yeah » – les accroches ne lâchent pas. Ce sont des calories vides, mais qui s’en soucie quand elles sont aussi accrocheuses ?

Bien que cet album soit un pivot stylistique, il n’est pas une répudiation de ce que représentait Machine Gun Kelly avant cela. « Je suis encore jeune, je gâche ma jeunesse, je vais grandir l’été prochain » (I’m still young wasting my youth, I’ll grow up next summer) chante Baker sur des hi-hats trap et des guitares pop-rock sur « Drunk Face », une chansonnette prometteuse mais finalement juvénile. Sur « WWII », un morceau d’une minute qui rappelle les chansons fun de l’album California de Blink-182 en 2016, il ouvre la chanson en demandant « Qui es-tu pour me dire ce que je dois faire ? Dans des moments comme celui-ci, on a l’impression que, même vieux, Machine Gun Kelly est là, mais avec un lustre de presse.

Machine Gun Kelly lâche plutôt ce qu’il était. Il ouvre cet album en chantant qu’il ne prend plus ses médicaments et pense que tout le monde est contre lui. Son attitude est la même, mais le plus intéressant est que sur un album de pop-punk, ses anciens collaborateurs emo-rap réapparaissent. Sur « All I Know », un titre au point bas qui sonne dangereusement proche du « single » principal » Bloody Valentine », vous avez « Trippie Redd » qui semble à moitié endormi. Tout à l’heure, Halsey a joué l’hyperbole de « Forget Me Too, » un duo de rupture ridicule qui, au mieux, semble campagnard.

Le meilleur collaborateur de Tickets to My Downfall est, bizarrement, Matthew Musto, plus connu sous le nom de Blackbear, un pionnier sordide de l’emo-rap misogyne. Bien que Musto ait ses propres connexions embarrassantes avec le pop-punk, il est étonnant de voir à quel point il sonne bien par rapport au trap-punk de My Ex’s Best Friend. Son couplet est typique du Bro-R&B (« Tout d’abord, je ne suis pas désolé, je ne m’excuserai auprès de personne » (First of, I’m not sorry, I won’t apologize to nobody), mais les pianos d’ambiance et les percussions skittering aident à vendre ses gémissements excessifs. Pourtant, Blackbear n’est que le deuxième meilleur interprète sur cette chanson, car « My Ex’s Best Friend » est la publicité parfaite pour Machine Gun Kelly en tant que tête de noeud pop-punk. Sa voix transmet l’excitation d’un rendez-vous de minuit, tandis que les accords de puissance qui s’enchaînent confèrent à la chanson une puissance bien nécessaire. À la toute fin de la chanson, tout s’arrête, sauf le chant et la production du piège brumeux. C’est vraiment une des grandes chansons de l’année, mais c’est aussi un rappel important pour nous tous que nous devrions être reconnaissants pour Downfall. Si MGK ne faisait pas de punk-pop à forte teneur en sucre, il ferait de la musique bien pire.

***1/2