Pup: « The Unraveling of PupTheBand »

30 mai 2022

Stefan Babcock, le leader du groupe pop-punk torontois Pup, est une sorte de type incolore. Mais ce qui fait de Pup un groupe si intriguant, c’est la conscience qu’il a de lui-même. Il est sarcastique, un peu grossier, mais il est aussi implacable dans son autodérision, avec une écriture colorée et juste pour l’étirer sur un album entier. Sur leur dernier album, The Unraveling of PupTheBand, les Pup élargissent leur son avec le producteur Peter Katis, connu pour son travail avec The National et Gang of Youths. Il est clair que le groupe expérimente cette fois-ci, essayant même de construire une quasi-narration présentant Pup comme un produit à vendre, mais le meilleur de The Unraveling se reflète dans leur formule éprouvée.

Le chant collectif, l’écriture, tout cela fait toujours partie de l’ADN du groupe, et bon sang, Pup déchire toujours autant. Avec l’album Brave Faces Everyone de Spanish Love Songs, sorti en 2020, comme point de référence, il est facile de voir Pup exprimer un sentiment similaire de malheur imminent parmi les mondanités quotidiennes, la différence essentielle étant le sens de l’humour de Pup comme mécanisme d’adaptation.

Sur « PupTheBand Inc. is Filing for Bankruptcy », Babcock se lamente sur leur destin de purgatoire industriel, en chantant « Je vais être honnête, c’était plutôt génial/ Les chaussures gratuites et les critiques élogieuses/ J’ai vendu ces Nikes, j’ai acheté un nouvel étui à guitare/ Ça s’appelle protéger ses investissements » (I’ll be honest, it felt pretty great/ The free shoes and the critical acclaim/ I sold those Nikes, I bought a new guitar case/ It’s called protecting your investments). L’anxiété de Pup quant à la mise en place de produits vendables s’exprime à travers trois morceaux au piano, tous intitulés « Four Chords », qui sont disséminés dans la liste des titres, mais qui ne sont jamais liés à une déclaration plus importante. Leur message est clair : Babcock ne peut pas exprimer ses frustrations plus clairement. Mais entre ces segments, les sujets des chansons varient énormément, allant de la chanson d’amour à la crise existentielle standard du chiot. Avec le titre de l’album, il serait facile de le faire passer pour intentionnellement désordonné, mais leur inclusion ne fait que brouiller inutilement les pistes en impliquant un but plus grand que tout autre album de Pup.

Pourtant, ce changement de direction artistique s’accompagne d’une bonne dose de Pup classique, et même lorsqu’un titre comme « Robot Writes a Love Song » est d’une douceur à donner la nausée, avec une mélodie de guitare jangly et des paroles comme « Please tell me, is there any room in your aorta/ For a beta test ? », c’est trop cucul pour être détesté, et le groupe est assez charmant pour le faire (même si le gimmick s’estompe après la première écoute).

En plus de la rare chanson d’amour, le pain et le beurre de Pup servent de base à The Unraveling. « Totally Fine » et « Waiting » semblent avoir été conçues pendant l’enregistrement de Morbid Stuff, ce qui en fait la partie la moins intrigante de ce nouvel album, mais aussi l’un des meilleurs titres de Pup à ce jour. L’avantage supplémentaire d’exister au sein de The Unraveling est que le récit de la marque recontextualise l’attitude délavée de Babcock mentionnée plus haut. Même s’il est acclamé, il arrive à peine à garder la tête hors de l’eau. « Habits » les montre en train d’exercer leurs muscles créatifs avec un instrumental qui semble avoir été arraché à une chanson d’AJR avec quelques synthés et hi hats. L’instrumental s’adoucit et finit par se dissoudre dans une palette complètement distincte, mais il laisse tout de même un goût amer dans la bouche, et on se demande ce qui a bien pu inspirer un tel choix hors marque.

Comparé à Morbid Stuff, il devient évident que cet album est une œuvre cohérente sans effort. Même s’il s’agit de l’album le plus luxueux de Pup à ce jour, The Unraveling est aussi le plus hâtif. Pas en termes de performances ; leurs premiers travaux les battent. Mais en termes de décisions et de justifications de ce qu’ils voulaient accomplir, il y a tellement d’angles morts logiques qu’il vaut mieux apprécier tout en ignorant carrément tout ce qu’ils pourraient vouloir dire. Heureusement, dans les chansons individuelles, Pup n’a pas perdu une once de son avance et avantage.

***1/2


The Linda Lindas: « Growing Up »

8 avril 2022

Les Linda Lindas ne cherchent pas à cacher leur jeunesse. Elles ont intitulé leur premier album Growing Up, et son titre est un hymne pop-punk plein d’entrain qui célèbre la vigueur et la camaraderie des enfants qui grandissent ensemble, en faisant des erreurs et en se forgeant un caractère. Si l’on se fie uniquement à cette chanson, on pourrait penser que les Linda Lindas sont une sorte de reboot d’Hannah Montana, mais elles n’ont pas fait un album de Disney. Les Linda Lindas sont folles de rage, et elles vous diront pourquoi en termes très clairs.

Ce groupe punk précoce de Los Angeles est composé des sœurs Mila et Lucia de la Garza, une batteuse de 11 ans et une guitariste de 14 ans, ainsi que de leur cousine/bassiste Eloise Wong, 13 ans, et de leur amie/guitariste Bela Salazar, 17 ans. Elles chantent toutes et changent aussi d’instrument. Ne jugez pas ce livre à sa couverture. Les Linda Lindas n’ont peut-être personne qui s’appelle Linda, mais ce groupe ne plaisante pas. Sous-estimez-les à votre propre péril.

Bien avant Growing Up, les Linda Lindas avaient déjà fait leurs preuves. Après s’être formées pour un set unique au festival musical Girlschool de la région de Los Angeles en 2018, elles ont continué en tant que groupe pour ouvrir pour des groupes comme Phranc, the Dils et Alley Cats, et ont fini par se produire avec Best Coast, Alice Bag et Bleached. Une opportunité d’écrire une chanson pour le documentaire Netflix The Claudia Kishi Club les a inspirés à commencer à écrire leur propre musique originale, et peu de temps après, ils sont apparus dans et ont enregistré des chansons pour la bande originale du film féministe Moxie (coming-of-age) d’Amy Poehler.

Malheureusement, il n’y a pas d’âge pour faire l’expérience du racisme et du sexisme, et comme elles sont mi-asiatiques et mi-latines, ces jeunes femmes ont vécu toute leur vie avec cette horrible réalité. Avant la pandémie, un camarade de classe de Mila a fait un commentaire amplifiant quelque chose de raciste que son père lui avait dit. Prenant la revanche de Tito Puente, le groupe a écrit une chanson à ce sujet intitulée « Racist, Sexist Boy ».

Leur timing était parfait. Les Linda Lindas sont devenues virales en mai 2021 avec une interprétation vidéo de « Racist, Sexist Boy » enregistrée en direct à la bibliothèque publique de Los Angeles. Au fur et à mesure que la vidéo se propage, des rockeurs de renom tels que Tom Morello (Rage Against the Machine), Flea (Red Hot Chili Peppers) et Thurston Moore (Sonic Youth) chantent ses louanges, tandis que le légendaire label punk Epitaph signe immédiatement le groupe.

Il faut bien sûr se méfier de la rébellion en package. Avril Lavigne a été initialement présentée comme « l’anti-Britney » sur la base de son apparence, mais si l’on compare leur musique, il n’y a pas beaucoup de différence au-delà du genre – une observation peu surprenante si l’on considère qu’elles ont toutes deux employé les mêmes équipes de compositeurs, comme dans la matrice. En gardant cela à l’esprit, certains éléments de Growing Up semblent un peu trop beaux pour être vrais. Cet album n’a certainement pas été enregistré à la bibliothèque. Il y a des moments polis jusqu’à un éclat irréel, mais cela a du sens quand on regarde les crédits.

Growing Up a été produit, mixé et enregistré principalement par Carlos de la Garza dans son propre studio Music Friends à Los Angeles. En plus de jouer de la batterie dans des groupes tels que F.Y.P. et Reel Big Fish, Carlos a mixé l’album éponyme de Ziggy Marley, récompensé par un Grammy Award, et a conçu Hearthrob, l’album de Tegan and Sara récompensé par plusieurs Juno en 2013, ainsi que Visions of a Life, l’album de Wolf Alice récompensé par le Mercury Prize en 2018. Il a produit tout le monde, de Paramore, Cherry Glazerr, Best Coast et Bleached, aux groupes d’Epitaph tels que Bad Religion, HUNNY et Teenage Wrist. C’est quelqu’un d’important. Il est aussi le père de Mila et Lucia, et a produit le premier EP éponyme des Linda Lindas en 2020, donc ils ont eu un chemin plus facile pour arriver là où ils sont que quelqu’un qui envoie des démos par hasard à Epitaph.

Cela dit, passez du temps avec les Linda Lindas, et il est évident qu’on ne leur a pas tout donné. Elles ont saisi leurs opportunités. Il suffit de les voir se déchaîner sur Jimmy Kimmel Live ! pour comprendre ce qui les attend. Ils ont de l’assurance et du style, et ils se moquent bien que quelqu’un n’aime pas ça.

Le premier titre de Growing Up, « Oh ! », démarre sur les chapeaux de roue avec son chant punk rétro et ses mélodies minimales enthousiastes, comme si Joan Jett reprenait les Ramones. Ses paroles dégagent un sentiment de frustration et de futilité, dénonçant les injustices de la société que l’on se sent impuissant à changer, ainsi que la culpabilité que l’on ressent si l’on ne dit rien. Ce sentiment est plus largement reflété dans « Talking to Myself », qui appelle à la commisération en parlant de choses que nous ne pouvons pas aider, et dans Growing Up, où les enfants parlent de choses qui ne sont pas justes. Parler des choses peut être thérapeutique, comme l’est l’écoute de cet album.

D’autres moments sont un peu plus légers. Les harmonies sures de « Nino » se situent quelque part entre La Luz et Blondie, et les paroles rendent hommage à un félin fantastique, rappelant le morceau « Monica » de leur EP éponyme. Ils ajoutent même une petite touche de bossa nova sur « Cuantas Veces » (« How Often » en espagnol), démontrant ainsi leurs influences et leur expérience au-delà de leurs années.

Un enregistrement studio de « Racist, Sexist Boy » clôt Growing Up. C’est un exemple aussi féroce de hardcore politique que vous trouverez de ce côté-ci de Bikini Kill, qu’ils ont soutenu lors de l’un de leurs tout premiers concerts au Hollywood Palladium en 2019. Il annonce la seconde venue du riot grrl avec une touche de kawaii cuddle-core, canalisant la puissance rock ardente des Runaways, le brillant new wave des Go-Go’s et l’exubérance pop-punk de Blink-182.

Avec chaque moment de commentaire social sans faille, les Linda Lindas laissent les auditeurs pénétrer dans les braises fumantes de la promesse de la jeunesse que nous avons tous avant que le poids du monde ne finisse par écraser notre esprit. Car aussi large que puisse être leur appel, leurs yeux sont ouverts plus grand. Les Linda Lindas n’y vont pas de main morte. Jugez ce livre par sa couverture, et il vous jugera en retour. La bibliothèque est ouverte.

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Crows: « Beware Believers »

7 avril 2022

Crows, groupe londonien de quatre musiciens, sera probablement un groupe culte d’ici la fin de l’année. Beware Believers est leur deuxième album et il nous offre un boucan grinçant, lourd de larsens, qui parvient tant bien que mal à être accrocheur. C’est un disque lugubre et oppressant qui s’inspire de la fiction dystopique, des guérisseurs, des tueurs en série et de la maladie mentale et, par moments, on a l’impression de se noyer dans l’électricité statique. Mais c’est aussi un album à l’atmosphère sinistre et étrangement hypnotique. Comme Idles avant eux, ils pratiquent un indie-punk rauque et assez sombre pour attirer les gothiques et les métalleux, et même si cela peut sembler contre-intuitif, il y a là un énorme potentiel de croisement.

S’ouvrant sur une ligne de basse déglinguée, « Closer Still » est le début d’un voyage cauchemardesque dans les coins les plus sombres de Londres. La distorsion est plus épaisse que la mélasse et on a l’impression qu’elle a été enregistrée sur du matériel qui risque de tomber en panne à tout moment, mais cela reste une introduction captivante. Crows fait penser à Unto Others se battant à coups de poing avec Clash et cela ne fait qu’augmenter au fur et à mesure que l’album avance. Leurs influences sont évidentes, mais Crows a une identité distincte qui lui est propre.

« Garden Of England » et « Only Time », par exemple, possèdent tous deux une énergie punk intense. Ce sont des petits morceaux courts, rapides et captivants, diffusés depuis une fête émeutière dans une cabane à héroïne. « Slowly Separate » arrive ensuite comme un intellectuel asocial. Il est hérissé de dédain, mais le canalise dans un refrain piquant avant que « Moderation » et « Healing » ne deviennent des Joy Division Ces dernières sont légèrement plus mesurées mais ne pourraient être plus sombres que si elles étaient jouées par de vrais corbeaux, plutôt que par un groupe portant leur nom.

Peu importe à quel point les choses sont torturées, Crows n’est jamais difficile à écouter. Ils ont réussi à faire un rock’n’roll électrisant qui aurait pu être trop facilement déprimant. Etant donné que l’une des plus grandes accroches est la ligne « I know that everything hurts » (Je sais que tout fait mal), c’est remarquable.

Tout cela met Crows en bonne position pour percer en 2022. Cet album est plein de gros refrains, de nihilisme maniaque et de paroles destinées à finir en tatouage. Et c’est sans compter que le chanteur James Cox est un point focal naturellement imposant et charismatique. C’est le genre d’album qui peut combler le fossé entre le punk, le métal, le gothique et l’indie et attirer toutes sortes de spectateurs en cours de route. Des nuages noirs s’amoncellent au-dessus de l’Angleterre et ils apportent avec eux une agitation chaotique et discordante.

***1/2


Machine Gun Kelly: « Mainstream Sellout »

1 avril 2022

Machine Gun Kelly est le nouvel Ice Cube, les enfoirés détestent l’aimer. Il le sait, et il en profite. Du moins, c’est la seule conclusion logique que l’on puisse tirer du fait qu’il ait intitulé son nouvel album Mainstream Sellout et qu’il y ait inclus un titre écrit du point de vue d’une personne qui pense que Machine Gun Kelly est un poseur qui ruine la scène punk. Au cas où vous auriez besoin d’un peu d’information, MGK a passé une dizaine d’années en tant que rappeur très populaire mais sans créativité, avant de se lier avec Travis Barker, le batteur de Blink-182, de se tourner vers le pop punk sur son album Tickets To My Downfall, sorti en 2020, et, suivant les traces des pionniers de l’emo-rap tels que Lil Peep et Juice WRLD, de contribuer à la re-popularisation du genre. Contrairement aux groupes qui débutent sur la scène punk underground et sont accusés de se vendre une fois qu’ils ont écrit des chansons qui passent à la radio, Machine Gun Kelly était un artiste grand public à l’origine, d’où le nom de l’album.

Tout cela pourrait sembler intelligent si MGK n’était pas aussi dépourvu d’humour, mais quoi qu’il en soit, ce qu’il fait a clairement un impact. Il est plus grand que jamais (il est en tête d’affiche au Madison Square Garden lors de sa tournée qui vient d’être annoncée), et je suis presque sûr qu’il est le seul artiste non-légitime qui peut jouer au das des clubs pour promouvoir un nouvel album pop punk. Si sa célébrité attire ne serait-ce qu’un peu d’attention sur les nombreux groupes qui font avancer le pop punk et l’emo, alors peu importe qu’il soit un vendu ou un poseur ou autre. La marée montante soulève tous les bateaux, même quand cette marée est Machine Gun Kelly.

Quant à la musique de cet album, elle est en grande partie plus fermement ancrée dans le territoire pop punk classique des années 90/2000 que les chansons de Tickets To My Downfall, ce qui est à la fois positif et négatif. Des titres comme « My Ex’s Best Friend », le titre phare de Downfall, ont réussi parce que MGK a fusionné l’influence de Travis Barker avec des rythmes trap et des cadences hip-hop, pour aboutir à une version du pop punk qui, qu’on l’aime ou qu’on le déteste, est une nouveauté dans le genre. Downfall n’avait rien de comparable à « WW4 » de Mainstream Sellout, une chanson de 72 secondes de skate punk à la Sum 41 qui vous dit « vos professeurs sont pleins de merde/vous n’avez pas besoin d’aller à l’école (your teachers are full of shit/you don’t need to go to school )et qui ressemble à une porte d’entrée directe, mais énervante, au punk anarchique classique. Cet album est beaucoup plus dur, ce qui est plutôt cool si vous regrettez l’époque où la musique dérivée du punk était diffusée à la radio et à la télévision, mais il est aussi beaucoup moins original.

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Dale Crover: « Rat​-​A​-​Tat​-​Tat! »

5 mars 2021

Commençons-nous par la facilité, et disons-nous qu’il a, pendant des décennies, fourni l’épine dorsale des Melvins ? Parlons-nous de son histoire avec Kurt Cobain et parlons-nous de leur groupe Fecal Matter et de la façon dont cela s’est traduit plus tard par les premiers enregistrements avec Nirvana ? Parlons-nous de son penchant pour l’expérimentation, en mentionnant peut-être son travail avec Mike Patton ? Un dieu grunge ? Un héros du rock ? Une icône de l’expérimentation ? Peut-on être tout ?

Avec son dernier album solo, Rat-A-Tat-Tat, Crover tente de répondre au moins à cette dernière question par un retentissant « Fuck yes ». Et c’est valable. La vérité, c’est qu’il est toutes ces choses. Crover est ce qu’il veut être quand il veut l’être, putain. C’est un droit qu’il a gagné et c’est un droit qu’il exerce, à juste titre.

Il est un peu difficile de cerner l’ambiance de Rat-A-Tat-Tat sans l’acceptation de ce fait. C’est un album qui n’a pas de véritable ligne de conduite au-delà du fait de l’existence de Crover. C’est un hommage à lui-même, un pastiche de toutes ses influences, et un collage de sons aussi accessible que repoussant, selon les morceaux. Qu’il canalise le bon vieux temps du grunge avec des chansons comme « I Can’t Help You There » ou « Tougher » ou qu’il se tienne dangereusement près du précipice du crossover pop avec des chansons comme « Shark Like Overbite » ou qu’il franchisse le seuil du bruit expérimental avec « Supine Is How I Found Him », l’ambiance est toujours et sans complexe Dale Crover.

C’est peut-être ce qu’il devrait, après tout, être ; Crover ne doit rien à personne d’autre qu’à lui-même. En tant qu’artiste, il a toujours cherché à repousser ses propres limites et à redéfinir ses propres niveaux de confort. Le résultat est une base de fans aussi variée que ses goûts personnels, qui ont tous leur moment sur Rat-A-Tat-Tat. On l’appelle la grande théorie unifiée de Dale Crover. C’est progressif et simple ; c’est du punk rock et de la pop ; c’est du repoussé et de l’invitant.

Mais dans tout cela, c’est toujours du rock and roll. Qu’il essaie de faire du rock avec l’intensité des groupes de scène ou d’épater les esprits avec du bruit, Crover s’empare de l’esprit du rock par le cou et livre son tout dans un album que les différents fans aimeront – ou détesteront, selon le cas – pour différentes raisons. Maintenant que j’ai dit cela, je me rends compte que cela fait probablement de Rat-A-Tat-Tat le plus grand album grunge sorti depuis 1993. C’est, en soi, une sacré performance rock and roll

***1/2


Cheekface: « Emphatically No. »

12 février 2021

Cheekface est de retour avec son deuxième album Emphatically No et cet opus résume parfaitement l’année de quarantaine que nous avons subie au travers des multiples activités Zoom ax quelles beucoup on souscrit.

Le trio de L.A. composé de George Katz, Amanda Tanner et Mark « Echo » Edwards parvient à résumer l’expérience d’une marée de millénaires désaffectés, mais le talent réside dans la façon dont ils l’encadrent dans des tons indie-punk d’une gaieté désarmante. Surtout dans le chant de George Katz, qui semble à la fois incroyablement enthousiaste et apathique, comme quelqu’un qui essaie de vous convaincre que c’est une bonne chose que vous soyez expulsé.

Le premier morceau, « Listen to Your Heart. Non » reprend là où le précédent album Therapy Island s’est arrêté, avec Katz qui donne des conseils de vie sonore sur une ligne de basse funky et une guitare croustillante. Le fait que le reste du groupe reprenne ces conseils de façon maussade aux chœurs est un exemple du sens de l’humour que l’on retrouve dans la plupart de leurs chansons.

Lla chanson qui se démarque est « Best Lif » », un choix difficile car il y a un extrait de Dr Dre plus loin dans l’album. On pourrait dire que la répétition robotique de « Everything is Normal » tout au long du morceau est un commentaire sur la façon dont nous avons dû normaliser des choses assez horribles ces dernières années, mais c’est une simple critique musicale, pas un Ted Talk. La chanson est bien montée, passant sans heurt de la chanson parlée à un refrain mélodique et à l’une des ligne-phares pour 2021 pourrait bien êtres «  Je vais avoir un bâton et un coup de logo Gucci, c’est moins cher qu’une thérapie ! » (I’m getting a Gucci logo stick and poke, it’s cheaper than therapy !).

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Billie Joe Armstrong: « No Fun Mondays »

2 décembre 2020

2020 a été une année phare pour les artistes captifs, dépouillés de leur capacité à créer facilement de la musique avec leurs groupes, enchaînant les reprises de chansons classiques. Pourquoi pas ? Après tout, ils sont presque toujours un coup de foudre sûr pour la sérotonine, même dans leur état le plus inaltéré. Entrez Billie Joe Armstrong des pop-punkers de longue date Green Day et Foxboro Hot Tubs. En mars, il a commencé une série intitulée « No Fun Mondays », où il sortait une couverture différente chaque semaine afin de passer le temps jusqu’à la réouverture du monde. Nous sommes toujours en exil, y compris Armstrong, mais il a fait un bon parcours, en sortant 14 couvertures différentes – toutes rassemblées ici dans la série évidemment nommée No Fun Mondays.

On peut dire sans risque de se tromper que l’album de reprises souvent mal alignées est l’un des plus difficiles à réaliser. Si l’on s’enfonce trop dans la chanson, on peut passer outre la magie de la chanson originale, mais la jouer trop directement revient à laisser l’auditeur regretter de ne pas avoir passé du temps avec l’original. La quantité de reprises transcendantes est assez importante, mais les 90 % restants sont des déchets totaux.

Cela ne veut pas dire que les reprises d’Armstrong entrent dans cette catégorie « trash ». Dites ce que vous voulez sur la cohérence de Green Day, mais il joue aussi des jams pop-punk depuis plus de trois décennies, assez longtemps pour que l’homme puisse naviguer sur une couverture sans problème. Il sait aussi comment les choisir : il aurait pu suivre la voie bon marché empruntée par Weezer avec The Teal Album et choisir les chansons les plus évidentes qu’il pouvait péter, mais en dehors de « Kids in America » de Kim Wilde, « Manic Monday » des Bangles et de l’imparfait « I Think We’re Alone Now » de Tiffany, la collection est dépourvue de véritables tubes. Il ajoute plutôt un simple reflet pop-punk à des chansons comme « That Thing You Do ! » (un hommage évident à Adam Schlesinger, jongleur power-pop décédé du Covid en avril) et « Whole Wide World » de Wreckless Eric. Il fait des adieux à Billy Bragg avec « A New England » et à John Lennon avec « Gimme Some Truth », deux choix d’artistes évidents mais, heureusement, les chansons sont moins qu’évidentes pour ne pas être trop pointues. D’un point de vue purement curatorial, la programmation de cette collection est d’un goût impressionnant. Qui aurait pensé inclure « Amico » du chanteur italien Don Backy ou « Not That Way Anymore » de Stiv Bators des Dead Boys ?

Là où tout s’écroule, c’est dans l’exécution. Prises telles qu’elles ont été présentées – sous la forme d’une série hebdomadaire, étalée sur 14 semaines – chacune de ces chansons est, plus ou moins, une gagnante. Il n’y a aucune raison pour que « Kids in America » ou « That Thing You Do ! » soient un échec entre les mains expertes d’Armstrong, car ces chansons sont entièrement dans sa timonerie. Mais lorsqu’on les combine avec les 12 autres chansons de No Fun Mondays, tout s’use un peu. Une fois que vous avez entendu quelques prises de Green Dayified, vous pouvez raisonnablement imaginer à quoi le reste ressemblera – et votre imagination n’est probablement pas loin de l’une d’entre elles. Il n’y a pas de profondeur, chaque chanson sonnant à peu près comme la précédente, si ce n’est que vous restez fidèle aux charmes et aux accroches des versions originales. Il est assez admirable qu’il ait réussi à se rapprocher d’une palette sonore centrale pour les 40 minutes de reprises ici, mais à la fin, on a l’impression de ne plus jamais avoir besoin de tout écouter.

C’est pourquoi il existe des projets parallèles secrets comme le projet de rock garage Foxboro Hot Tubs ou le projet new wave The Network, qui se veut un déguisement. Ce sont des moyens pour Billie Joe Armstrong de se rafraîchir, sans les attentes liées au fait d’être dans un groupe qui, pour le meilleur ou pour le pire, est un groupe infaillible depuis 30 ans. Il est évident que le projet No Fun Mondaysa été un excellent répit nécessaire aux débuts de Covid, et la joie qu’il ressent en faisant ces chansons est évidente. La collection vaut la peine d’être écoutée, mais au-delà de cela, il est plus facile d’en choisir quelques-unes pour une consommation occasionnelle, de préférence mélangées à d’autres chansons plus distinctes.

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Seaway: « Big Vibe »

17 octobre 2020

Le groupe pop punk canadien Seaway a produit certains des albums les plus sous-estimés du genre au cours de la dernière décennie. Depuis leurs débuts avec Pure Noise en 2015, Colour Blind, jusqu’à Vacation, leur album de 2017, tout aussi énorme, les quatre musiciens torontois ont réussi à tout déchirer pour sortir des hymnes pop punk consistants, optimistes et contagieux. L’annonce tant attendue de leur quatrième album a été très bien accueillie par le monde de la musique et cette fois-ci, c’est une Big Vibe qui nous attend.

Le disque démarre avec « Brain in a Jar » qui introduit un rythme de batterie puissant sur le pré-chœur , idéal pour qui est nostalgique des jeunes sitcoms comme That 70’s Show. Les chœurs offrent une atmosphère décontractée mais froide et, avec le chanteur Ryan Locke, c’est comme un voyage dans le temps. Le « single » principal et la chanson titre, « Big Vibe », poursuit ces chœurs endiablés, avec des rythmes de batterie puissants et croustillants et des paroles incroyablement accrocheuses : « Wide-eyeed, radiating / I’m tongue tied, can’t seem to handle your / Big vibe » (J’ai les yeux écarquillés, je rayonne / J’ai la langue liée, je ne peux pas supporter tes / Grande vibratios ). Cette chanson résume parfaitement l’ensemble de ce disque et s’inscrit parfaitement dans la collection de brulôts de Seaway. Big Vibes, doit-on en dire plus ?

Avec deux albums solides à leur actif, Seaway semblaient avoir réussi à faire ressortir l’attrait de la pop punk. SurBig Vibe, ils ont entrepris de diversifier leur musique en changeant quelque peu de genre. Alors que le rock est toujours aussi évident, les quatre musiciens ont plongé dans un son rock universel et assoupli. Pensez à un « Violent Soho » un peu plus pop. « Mrs David » les verra, de son côté, jouer avec des riffs plus enlevés et un son des années 90 qui semble vraiment apaisant à écouter. Ce riff émo est un peu rehaussé par le morceau suivant,  « Still Blue », et le groupe revient avec son groove contagieux. Ce titre a un rythme pop incroyablement dansant qui rappelle le dernier album d’All Time Low. À la fin, vous chanterez sans arrêt : « Ne serait-il pas agréable de rester sous sédatif / quand tous nos amis deviennent vieux et blasés ? » (Wouldn’t it be nice to stay sedated / when all our friends are getting old and jaded?)

« Wild Things » est le « single » le plus lent des trois sorties du combo ; et il nous a fait découvrir l’évolution du son du groupe. En s’appuyant sur ce son rock grungey, entrelacé avec leurs paroles de bonne humeur, Seaway fait en sorte qu’une chanson pop édifiante devienne un morceau de rock iindie. « Pathetic » accélèrera alors le rythme grâce à son énergie punk rapide, et mettra ainsi en valeur les sentiments de dégoût de soi et de manque d’estime de soi. Cela vous frappera au bon endroit, surtout si vous vous sentez mal aujourd’hui.

La nouvelle attitude, plus assagie, de Seaway se poursuivra sur « Sweet Sugar », mais à un tout autre niveau. S’envolant dans un fort refrain rock/pop, ces Canadiens canalisent les tendances musicales de leurs pairs, All Time Low. Ce riff d’intro à la guitare est éloquent et se poursuit sur le morceau suivant, « Peach ,» qui est un grand air d’été avec ce riff de guitare croustillant et des riffs pop en son centre. Tout fan de pop punk qui n’a pas encore entendu Seaway sera conquis par ce son en un clin d’œil.

Dans « If You Let Me », le groupe combine des riffs émotifs avec une mélodie pop accrocheuse, en liant le tout pour créer l’hymne parfait au mal d’amour. Ces « Ooh-ooh-ooh’s » s’accorderont ainsi parfaitement avec la notion nostalgique du disque, tandis que « Wicked » nous renvoie à ces tendances Soho. Honnêtement, c’est loin d’être de la pop punk. Avec des riffs de guitare déformés qui semblent presque psychédéliques, ce morceau pourrait parfaitement se placer à côté d’une chanson des Dune Rats. C’est du Seaway à un nouveau niveau. Pour compléter l’album avec « Sick Puppy », le groupe fait de son mieux pour conserver sa nouvelle identité musicale. À partir de maintenant, c’est du riff, de l’accroche et du bon temps.

Il est inévitablement clair que Seaway est vraiment doué pour créer une mélodie accrocheuse. La pause de trois ans entre les sorties en valait absolument la peine, car Big Vibe voit le groupe faire ce qu’il fait le mieux et en même temps, se lancer des défis avec de nouveaux styles. Alors que les refrains pop punk bruyants abondent partout, Seaway a pris ce temps pour explorer le rock doux et grunge qui leur a donné un nouvel avantage en musique. Big Vibe présente un son rafraîchi pour le groupe, un combo trop sous-estimé.

***1/2


Cabbage: « Amanita Pantherina »

13 octobre 2020

Deux ans se sont écoulés depuis la sortie du premier album de Cabbage, Nihilistic Glamour Shots, un disque qui a vu le groupe faire de nombreuses tournées à guichets fermés, jouer aux côtés de grands noms et se produire dans de grands festivals. Vendredi dernier, Son deuxième album, Amanita Pantherina, se veut un retour en force qui a vu le groupe mûrir.

Le disque commence avec « Leon The Pig Farmer », un morceau punk et furieux qui fait référence à George Orwell et, d’une durée de moins de 2 minutes, il est absolument percutant et il montre que , en effet,Cabbage est de retour, et se voulant plus grand et meilleur que jamais.

« You’ve Made an Artform (From Falling To Pieces) », le premier « single » de l’album. Inspiré de Coronation Street, il voit Cabbage aborder la question de la santé mentale masculine avec une interprétation psychédélique qui est destinée à sonner encore plus grand en « live ».

« Raus ! » (en allemand) est un morceau qui se démarque de l’album. Cabbage y fait un commentaire social sur le Brexit et fait vraiment réfléchir l’auditeur aux conséquences néfastes de la séparation du Royaume-Uni et de l’Europe. Comportant un chant déformé et accrocheur et un riff de guitare croustillant qui contribue à donner vie au morceau.

Les textes de « Once Upon A Time In The North » aident Cabbage à montrer ce qu’est vraiment la vie dans le nord de l’Angleterre, des sons de basse abrasifs ajoutent à la sensation de chaos que ce morceau contient. Hatred l’atténue un peu, un morceau acoustique à l’instrumentation époustouflante, complétant à merveille le chant du chanteur principal Lee Broadbent.

« Medicine » se démarque également, envoyan presque le combo dans le royaume des gothiques ; un schéma plutôt approprié pour 2020, avec des lignes de basse retentissantes et des paroles accrocheuses telles que « Déployez les médicaments, vive les morts » (Roll out the medicine, long live the dead).

Le dernier morceau s’achèvera da manière psychédélique, et encore plus dépouillé que les précédents. D’une durée de 6 minutes, il donne aux auditeurs le temps de réfléchir sur les morceaux qui l’ont précédé, avec des paroles pleines de remords et de réflexion avant de s’achever avec grâce. Sur seulement 11 titres, Amanita Pantherina emmène Cabbage vers de nouveaux horizonsdans uncontrole du son qui le rend encore plus unique, celui d’une production folle témoignant du le retour d’un Cabbage débordant de colère et de confiance.

***1/2


Machine Gun Kelly: « Tickets to My Downfall »

5 octobre 2020

La carrière de Colson Baker, plus connu sous le nom de Machine Gun Kelly, a beaucoup de points faibles et d’interrogations. Pourquoi est-il apparu dans le biopic The Dirt de Mötley Crüe ? Pourquoi son plus grand succès interpole-t-il celui de Fastball Out of My Head ? Pourquoi sa musique circule-t-elle dans des clichés trash et hyperboliques ? Pourquoi Travis Barker de Blink-182 collabore-t-il avec lui ? La réponse est simple et s’impose avec le cinquième effort de MGK, Tickets to My Downfall : il a toujours été un enfant du rock dans l’âme, alors il a fait un album pop-punk. Voici le rebondissement : le mélodrame ennuyeux qui a rendu son rap si épuisant est ce qui donne à sa nouvelle musique un réel pouvoir. Pour la toute première fois, l’instrumentation convient aux gémissements naturels de Baker.

Cet album n’est nulle part mieux expliqué que sur « Concert for Aliens », le deuxième « single » de Downfall. Sur des guitares éclataantes et une batterie acrobatique, Baker compose la meilleure chanson de fin de période de Blink-182 depuis « Rabbit Hole ». L’appel aggravé de SOS de Baker, lorsqu’il est associé à un riff d’ouverture dynamique, rappelle presque le travail morveux des State Champs ou de Neck Deep du milieu des années 2010, mais sans l’attaque de double basse-batterie de ce dernier. Mais alors que Neck Deep s’est tourné vers l’alt-rock à l’américaine Idiot-esque sur leur album concept 2020, Machine Gun Kelly fournit étrangement la marchandise quand il s’agit de punk bubblegum. Sur des morceaux comme « Jawbreaker, kiss kiss », ou le titre d’ouverture – ce dernier étant équipé d’adlibs ska « yeah yeah yeah » – les accroches ne lâchent pas. Ce sont des calories vides, mais qui s’en soucie quand elles sont aussi accrocheuses ?

Bien que cet album soit un pivot stylistique, il n’est pas une répudiation de ce que représentait Machine Gun Kelly avant cela. « Je suis encore jeune, je gâche ma jeunesse, je vais grandir l’été prochain » (I’m still young wasting my youth, I’ll grow up next summer) chante Baker sur des hi-hats trap et des guitares pop-rock sur « Drunk Face », une chansonnette prometteuse mais finalement juvénile. Sur « WWII », un morceau d’une minute qui rappelle les chansons fun de l’album California de Blink-182 en 2016, il ouvre la chanson en demandant « Qui es-tu pour me dire ce que je dois faire ? Dans des moments comme celui-ci, on a l’impression que, même vieux, Machine Gun Kelly est là, mais avec un lustre de presse.

Machine Gun Kelly lâche plutôt ce qu’il était. Il ouvre cet album en chantant qu’il ne prend plus ses médicaments et pense que tout le monde est contre lui. Son attitude est la même, mais le plus intéressant est que sur un album de pop-punk, ses anciens collaborateurs emo-rap réapparaissent. Sur « All I Know », un titre au point bas qui sonne dangereusement proche du « single » principal » Bloody Valentine », vous avez « Trippie Redd » qui semble à moitié endormi. Tout à l’heure, Halsey a joué l’hyperbole de « Forget Me Too, » un duo de rupture ridicule qui, au mieux, semble campagnard.

Le meilleur collaborateur de Tickets to My Downfall est, bizarrement, Matthew Musto, plus connu sous le nom de Blackbear, un pionnier sordide de l’emo-rap misogyne. Bien que Musto ait ses propres connexions embarrassantes avec le pop-punk, il est étonnant de voir à quel point il sonne bien par rapport au trap-punk de My Ex’s Best Friend. Son couplet est typique du Bro-R&B (« Tout d’abord, je ne suis pas désolé, je ne m’excuserai auprès de personne » (First of, I’m not sorry, I won’t apologize to nobody), mais les pianos d’ambiance et les percussions skittering aident à vendre ses gémissements excessifs. Pourtant, Blackbear n’est que le deuxième meilleur interprète sur cette chanson, car « My Ex’s Best Friend » est la publicité parfaite pour Machine Gun Kelly en tant que tête de noeud pop-punk. Sa voix transmet l’excitation d’un rendez-vous de minuit, tandis que les accords de puissance qui s’enchaînent confèrent à la chanson une puissance bien nécessaire. À la toute fin de la chanson, tout s’arrête, sauf le chant et la production du piège brumeux. C’est vraiment une des grandes chansons de l’année, mais c’est aussi un rappel important pour nous tous que nous devrions être reconnaissants pour Downfall. Si MGK ne faisait pas de punk-pop à forte teneur en sucre, il ferait de la musique bien pire.

***1/2