Exhalants: « Atonement »

9 octobre 2020

Quelques mois à peine après que le groupe TRVSS de Pittsburgh ait proposé un LP venimeux comme album sophomore, Exhalants fait la même chose – et, tout comme TRVSS, le nouveau disque, intitulé Atonement, se distingue par son dynamisme, sa capacité à stimuler la dissidence ou à s’arrêter sur une pièce de monnaie entre deux coups de poing.

« Richard », qui fait peut-être référence à Richard III, ou qui est peut-être simplement un Dick, est emblématique d’un nouveau type d’approche pour Exhalants, une légère différence de style ou de maniérisme par rapport au grand, mais parfois trop médiocre, premier album éponyme du groupe. Bien que le morceau commence de manière emphatique, le groupe se replie rapidement sur une sorte de dérive mutante, toutes les mesures de guitare sont coupées à la paume de la main et la basse ponctuelle rappelle la scène du bruit new-yorkais des années 90. C’est excellent et addictif. Atonement se termine également par un opus étrangement élégiaque, avec un son vraiment sombre – et, note à chacun : non déformé ! – avec des motifs de guitare et de basse, et même une touche de faux cors tragiques en arrière-plan. Écouter quelque chose de près de 10 minutes et ce funèbre d’un groupe qui fait un si bon travail de création de raquette en un clin d’œil vous donne une bonne idée de la part de membre qu’Exhalants prend au nouveau LP. Au final, c’est l’auditeur qui gagne.

Le disque n’est guère une étude entièrement en retenue. Bien qu’il comporte quelques belles guitares en pseudo-aluminium, « Crucifix » est un morceau sale et énervé, quelque chose, comme le comprennent implicitement les adeptes du groupe, qui se situe entre Unsane et Unwound – dans plus d’un sens du terme. Le grind industriel new-yorkais est merveilleusement présent sur « Crucifix », dont la guitare chorale explose avec des éclats de larsen, et sur l’album d’ouverture  » »The Thorn You Carry in Yr Side », où les lignes de guitare et les percussions fracassantes font place à des éclats de basse, les quatre cordes s’enfonçant bruyamment à l’intérieur de l’instrument, pincées ou cueillies. Même « The Thorn You Carry in Yr Side », cependant, est loin d’être un poney à un tour ; il y a des ponts merveilleusement placés, même discrets, qui donnent des pauses de souffle entre le sac plein de marteaux qui s’écrasent à répétition sur la tête de l’auditeur.

Parfois, le groupe renonce un peu au dynamisme et s’en remet à la vitesse ou au venin de ses débuts. Les fans de noise rock dévoreront sans doute ce genre de choses, mais les oreilles perspicaces auront du mal à distinguer les refrains dans, disons, « Bang » ou « Passing Perceptions ». Ce n’est pas que ce soient de mauvaises chansons ou des duds ou des moments ternes. Mais, lorsque d’autres morceaux, comme « Richar » », font preuve d’une incroyable attention au ton et aux détails sonores, les morceaux où ces gars comptent sur la livraison crachée pour vendre la marchandise sont un peu monochromes.

Dans l’ensemble, Atonement, avec ses thèmes de réflexion denses marqués par la méchanceté psychologique, cochera de nombreuses cases pour le set noise-rock. Même s’il est difficile de se rappeler constamment que ces gars viennent d’Austin, au Texas, et non de New York des années 90, le sens du volume et le dynamisme du groupe – ces chansons, en bref, vous posséderont les tympans pendant que le LP tournera – en font un groupe distingué dans un champ de foule chaotique.

***1/2


Bob Mould: « Blue Hearts »

26 septembre 2020

Bob Mould est un type fougueux, un fait qui n’est pas un secret pour les fans qu’il a pu acquérir depuis son passage à la tête de Hüsker Dü dans les années 80 et de Sugar dans les années 90. Si Mould a parfois concilié son côté hardcore avec plusieurs albums solo – ses premiers efforts, notamment Workbook et Black Sheets of Rain -, sa prédilection pour le punk et sa compétence semblent aller de pair.

Mould a été particulièrement prolifique ces derniers temps, avec une nouvelle sortie tous les deux ans environ au cours de la dernière décennie. Cela fait de Blue Hearts moins une surprise, mais toujours plus qu’une offre obligatoire et, par conséquent, nécessaire. Sa férocité est à couper le souffle, surtout si l’on tient compte de sa posture pétulante et de ses tons turbulents. Alors que Mould n’a jamais été une tapisserie lorsqu’il s’agit d’exprimer son agressivité et sa rage, Blue Hearts – peut-être plus que toutes ses autres sorties individuelles – rappelle la fureur de Hüsker Dü tant dans son intensité que dans son agressivité.

Si certaines de ses chansons sont mesurées à un certain degré – « The Ocean » et « Baby Needs a Cookie » sont rock, mais optent pour une approche relativement mélodieuse – d’autres morceaux, comme « Forecast of Rain », « When You Left » et « Password to My Soul », sont résolument acerbes, inflexibles et intenses, subtilisant le chaos à la mélodie et offrant peu de répit. Certains pourraient craquer face à cette agression implacable, mais c’est Mould qui est le plus menaçant – primal, pétulant et généralement intransigeant.  

Il est vrai qu’il y a de nombreuses raisons d’être en colère ces jours-ci, et ceux qui se sentent privés de leurs droits pourraient faire bien pire que de voir Mould porter leur bannière. Le premier « single » de l’album, « American Crisis », est un appel aux armes parfait pour rejeter ceux qui semblent vouloir faire échouer et vaciller ce pays. Il faudra de la force et de la ténacité pour apporter les changements nécessaires, c’est pourquoi il faudra les grilles et griffes de Blue Hearts et non la prudence de cœurs plus tendres pour montrer la voie.

***1/2


Cherubs: « Immaculada High »

23 juillet 2020

Lorsque les légendaires noiserockers d’Austin, sont arrivés avec leur premier album (2 Ynfynyty) en près de 20 ans en 2014, personne ne savait à quoi s’attendre. C’était leur premier opus complet depuis  leur classieux Heroin Man en 1994. Auraient-ils encore cette distinction ? Eh bien, ceux qui ont écouté 2 Ynfynyty, ont trouvé un groupe toujours au sommet de son art, ne montrant aucun signe de rouille. Ce fut une véritable réintroduction dans le groupe.

Aujourd’hui, cinq ans plus tard, la suite du combo, Immaculada High, est sortie sur un nouveau label, Relapse, et si cela prouve que leur retour n’est pas un hasard, c’est parce que cet album est tout aussi bon que le précédent, preuve s’il en est que The Cheruubs ont toujours ce qu’il faut là où il le faut.

Ils jouent un rock noise grivois et sans membres, qui touche au rock indépendant et n’a pas peur de devenir psychédélique par moments (pensez aux légendes d’Austin Butthole Surfers). Les sons que Kevin Whitley tire de sa guitare sont corrosifs, tandis que le bassiste Owen McMahon et le batteur Brent Prager, martèlent un rythme primaire derrière lui. Leur son est distinctement le leur, et il est tout à fait excellent.

Immaculada High est donc un autre membre du groupe qui devrait plaire aux fans de noise rock et à ceux qui aiment les côtés plus lourds et plus grivois du rock indé (vous savez comme c’était avant).

***1/2


Sunn Trio: « Electric Esoterica »

23 juin 2020

Dernière parution de Sunn Trio, combo de Phoenix, qui complète l’attention portée par le groupe sur l’influence du son Sun City Girls dans leur vie. Cette troisième entrée de la Mount Meru Anthology ( (comme ils l’appellent) est aussi lourde et vertigineuse que tout ce qui figure dans le catalogue du groupe. Dirigé par les cordes de Joel Robinson, qui tord la guitare, l’oud et le bonang par le chas de l’aiguille psychédélique qui recoud le folk du Moyen-Orient, le disque est une force fulgurante. Rythmé, déchiqueté et transpirant de tous les pores, Electric Esoterica adopte le rythme et les accords du « desert bues » mais les fait passer à travers un filtre frit à l’aide d’un ampli. La guitare de Robinson vient de toutes les directions comme une tempête. Déchirant la peau et les sens avec la férocité du sable pressé sur le verre, les morceaux ici ne laissent pas beaucoup de place à la détente.

Outre l’influence des frères Bishop et de leur compagnon Gaucher, le groupe énumère une colère contre l’impérialisme américain et la tromperie entourant ses crimes de guerre au Moyen-Orient. Le groupe canalise la frustration liée à une politique tiède et à des manœuvres délibérément immorales dans la région dans une explosion sonore aussi frénétique que cathartique. Comme pour le sujet de leur trilogie et de nombreux contemporains sur le label Unrock, ils transforment le traditionnel en quelque chose de puissant, vécu physiquement d’une manière qui laisse l’auditeur épuisé mais revigoré. L’interaction entre les musiciens est cinétique : la basse et la batterie sont enfermées dans une volée de rythme qui va et vient et Robinson laisse le sang couler sur ses cordes encore et encore. Si Sunn Trio vous avait échappé jusqu’à présent, c’est un bon endroit pour commencer et travailler à rebours dans leur vibrant catalogue.

***1/2


Videostore: « Your Mind »

21 juin 2020

Il est toujours agréable d’avoir des nouvelles de Nathan Argonaut, car cela signifie invariablement qu’il a fait de la nouvelle musique. Lorna et lui ont certainement été très occupés à écrire et à enregistrer sous leur pseudonyme Videostore pendant qu’ils étaient enfermés, et sa plus récente missive est accompagnée d’un lien vers le tout nouveau « single » de Videostore, écrit et enregistré dans le creux de la vague infectieuse.

Il semble bien que cette spériode ait été une de ces mauvaises semaines pour beaucoup de gens, aussiv un nouvel extrait de leur indie lo-fi endiablé est le bienvenu. Mieux encore, c’est un opus épatant : la boîte à rythmes est à moitié enterrée dans les couplets sous une grosse basse qui bat et une note de synthé soutenue. L’intonation est monotone et résume l’ennui avec une merveilleuse simplicité et précision.

En préambule des paroles, la sortie de BandCamp, comporte la phrase : « We must be out of our brilliant minds ». En remarquant cela, n ne peut que penser à la vidéo du « single » « Brilliant Mind » de Furniture en 1986, puis une série de contenus contemporains telle est notre distractibilité quand l’esprit affiche un blanc :une diversion mentale épique.

Ensuite la guitare explose partout, un souffle de distorsion surchargeant, et cela rappelle les éclats de mur de bruit effaçant de la chanson « Taste The Floor » de The Jesus and Mary Chain. Your Mind est ainsi une libération explosive de tension qui pétille et s’enflamme partout, atterrissant quelque part entre le JAMC et des pairs plus récents, Scumbag Philosopher. C’est probablement leur meilleur travail à ce jour.

***1/2


Rotting Out: « Ronin »

13 avril 2020

Cet album de Rotting Out est implacable, punitif même,  et c’est exactement ce que ses fans attendent depuis un Wrong Way datant de 2013. Avec seulement deux chansons qui durent plus de trois minutes (le dernier morceau, « Boy », est la plus longue chanson de l’album, atteignant la barre des cinq minutes), l’album avance rapidement, mais heureusement, il est rempli de dix ccompositions diverses, agressives et pleines d’émotion. 

Le premier morceau, « Vessel », est également la chanson la plus courte et elle sert d’introduction parfaite, tandis que le deuxième morceau, « Last Man Standing », sera bientôt le préféré des fans, avec des chants prêts à être repris en choeur et un refrain accrocheur comme rare ment permis. Ensuite, vienda la rage avec un « Stones » qui frappe fort avec des répliques aussi subtiles que « fuck you / And fuck your friends too » et, en même temps et rapides comme l’éclairs, des changements de tempo et un travail spectaculaire aux guitares.

Chaque chanson de Ronin a quelque chose de spécial, mais les morceaux les plus marquants seront les titres personnels et plus lente ; « Prisoner » et « Unforgiven » accueillant des chorus de guitates et de basse indéboulonnables aux côtés de la meilleure performance vocale de Walter Delgado sur l’album. Ces deux derniers morceaux forment un final d’enfer, avec « Visceral » porté par une basse et une batterie forcenées, tandis que le dernier morceau, l’épique, « Boy », recueille certains des textes les plus puissants et les plus vulnérables de l’album. 

Ronin est le « come-back album » que tous les fans de Rotting Out attendaient ; l‘écriture destitres est très intelligente et , sur le plan sonore, elle est agressive, et rapide à souhait. C‘est, à cet égard, un album vulnérable qui explore avec pertinence l’isolement, la culpabilité, la colère et plus encore. Rotting Out est comme une machine bien huilée, ce qui rend difficile de croire que cela fait sept ans que le groupe n’a pas sorti de nouvelle musique.Ajoutez à cela une production absolument spectaculaire, et vous obtenez l’un des meilleurs albums hardcore de ces derniers temps.

***1/2


Melkbelly: « Pith »

8 avril 2020

Pith est le troisième album de ce quatuor punk basé à Chicago et il contient une multitude de riffs et d’accroches avec un peu plus de développement et d’ampleur que d’habitude. Sur les enregistrements précédents, Melkbelly a pleinement profité de sa puissance rageuse et a créé des moments de libération viscérale pleins d’énergie et d’abandon total qui ne laissaient personne indemne.  Ces caractéristiques sont toujours évidentes ici, mais il y a une sorte de douceur prudente sur Pith pour tempérer le cynisme affiché sans pour autant le dépouiller entièrement. La production de ce disque est un peu plus lumineuse, ce qui donne un opus plus vivant et plus identifiable, tout en permettant aux compositions de s’épanouir pleinement et de conserver un impact maximal.

Une chanson comme « Sickeningly Teeth » combine les tendances punk mélodiques de Melkbelly avec des mélodies plus brillantes tout en montrant un peu de muscle. Melkbelly fait contraster un joli petit refrain mélodique qui s’évanouit avec le chant de Miranda Winters avant de laisser place à des hurlements de guitare déformés et à un bruit de basse sourd et persistant tout en jouant avec le tempo, passant d’un rythme effréné à un temp plus ralenti. « Kissing Under Some Bats » permet à Melkbelly de s’étendre et d’embrasser son côté plus « noisy » avec des assauts de guitare qui crient et menacent sur une batterie rapide et enflammée savant de se transformer en une sorte de chant funèbre à la Melvins poussé à l’extrême. Il y a ici un peu de « Sturm und Drang » radical, une bagitation néo-industrielle qui est implacable et claustrophobe, la batterie claque et rugit tandis que les guitares sont noyées et submergées par des pédales à effets qui ajoutent, dans la texture, couches et nappes soniques.

Certains des morceaux les plus mélodiques du disque, des compositions comme « Humid Heart » et « Little Bug » verrontle dernier titre commencee par s’enfermer dans un groove un peu sale avec des fournées percussives ludiques et une guitare croustillante avant de se transformer en un joli chant mélodique. Le chant double de Winters ajoute un élément nouveau et bienvenu et apporte une fraîcheur par-dessus les guitares qui déroulent des vagues de crunchs et de riffs agiles. « Humid Heart », de son côté, présente une mélodie enjouée qui utilise un arrangement labyrinthique où les guitares s’entremêlent tandis que la section rythmique crée une sorte de puzzle entre les six cordes que jamais elles ne s’emmêlent les unes les autres. Une désorientation sétablit alors mais elle est ludique est présente tout au long du morceau avec une bel assemblage de gymnastique instrumentale qui tourne à l’effondrement presque total avant de se fondre en une catalyse finale.

La croissance dont Melkbelly a fait preuve en relativement peu de temps a vraiment été quelque chose à voir et ce disque montre un groupe qui se met en marche de façon exubérante. Miranda Winters et ses acolytes continuent de donner un assaut sonore à chaque morceau, mais avec Pith, il y a quelque chose de plus qui se cache sous la tension et les explosions de folies instrumentales que les fans ont appris à connaître et à aimer. L’arsenal varié présenté ici montre un groupe qui fonctionne à un niveau proche du sommet de sa performance et le resserrement de l’art de la composition ne fait qu’ajouter à la puissance qui a toujours été à portée de main. Pith est un disque plein de tension et de tessons, mais il y a maintenant une chaleur sous-jacente qui renforce son impact. C’est un disque qui s’épanouit de bien des façons et qui accueille toutes les bizarreries qui se présentent à lui, d’un point de vue unique et saisissant.

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Sorry: « 925 »

28 mars 2020

Venu du Nord de Londres, Sorry est un duo féminin composé de Asha Lorenz et Louis O’Bryen et dont 925 est le premier album. Ses membres ont travaillé avec le coproducteur James Dring pour créer une variété de chansons dream-pop lynchiennes inspirées par Tony Bennett et Aphex Twin.

En parlant de David Lynch, l’ouverture de l’album « Right Round the Clock » ressemble à un morceau de la partition de Twin Peaks avec des bribes de cuivres, des moments jazzy, une voix double et éthérée et des phrases de type « She rolls around with an entourage, she’s all dolled up like a movie star » (Elle se roule avec un entourage, elle est toute habillée comme une star de cinéma). Ensuite, passage à un son qui se situe quelque part entre Ian Dury et Dry Cleaning alors que le groupe parle de « fuck me eyes » et discute de mettre une fille dans un film personnel pour tenter de la rendre réelle. « In Unison » a des tons plus mystiques et des paroles plus sombres : «  They fall asleep and drop like flies and it makes me cry; ‘One day we’re here and one day we die »(Ils s’endorment et tombent comme des mouches et ça me fait pleurer : Un jour nous sommes ici et un jour nous mourons). « Snakes » sera plus séduisant et sombre, dans un style similaire à celui de Nadine Shah – et là encore, il contient des paroles qui ouvrent les yeux sur une référence à des baisers et lau sexe en pleine confusion : « I never thought about you in your underwear because I didn’t really care what was under there ». ( Je n’ai jamais pensé à toi en sous-vêtements parce que je ne me souciais pas vraiment de ce qu’il y avait là-dessous).

« Starstruck » s’ouvrira sur des riffs de guitare à la manière des Stones et des vibrations britpop, tandis que le morceau central de l’album « Rosie », arborera un ton conversationnel qui s’échauffe rapidement (« I love you, Rosie », « I need you, Rosie », « Fuck you, Rosie ») et « Perfect » se transformera, lui, en un hymne indie à l’américaine avec des éléments de Sleater-Kinney et de Pavement – mais avec plus de jeu vocal : «  t’s your choice, you know where the door is… You know I adore you’; ‘I’m perfect… You’re not worth it » (C’est ton choix, tu sais où est la porte… Tu sais que je t’adore ; « Je suis parfaite… Tu n’en vaux pas la peine).

Il y aura, également, des vibrations de chamber-pop cinématographique sur les inflexions vocales de « As the Sun Sets », tandis que « Wolf » délivrera un son pop anxiogène avec une basse apocalyptique et que « Rock ‘n’ Roll Star » donnera un peu comme du Nina Simone d’avant-garde, alors que le groupe parle d’une expérience avec une « rock ‘n’ roll star délaissée » : «  We fucked all night, stayed up late, felt my assets fall away ». (On a baisé toute la nuit, on a veillé tard, on a senti mes atouts s’effondrer). « Heather » ressemblera aux Carpenters qui jouent des chansons de Moldy Peaches, tandis que les guitares sse montreront enflammées par le grungey et déformées par « More » : « Give me something to look at » ; « Don’t give me too much, just give me enough » (Donne-moi quelque chose à regarder, Ne me donne pas trop, donne-moi juste assez).

Le groupe se transforme ensuite en twee indie-pop sur l’avant-dernier « Ode to Boy » at une phrase emblématique du tandem : « This is an ode for you, my boy. This is an ode for joy because there’s no joy «  (C’est une ode pour toi, mon garçon. C’est une ode à la joie parce qu’il n’y a pas de joie) et que le disque se terminera par « Lies (Refix) » – une chanson intense et expérimentalement sombre avec des paroles façon courant de conscience : « Life feels like it’s just based on the weather and I make lies like we should be together » (La vie semble être basée sur le temps et je fais des mensonges comme si nous devions être ensemble).

On ne sera donc pas déçu (sorry) si on prend le « risque » de rencontrer les demoiselles à l’heure sans doute indiquée sur ce 925.

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Aneurysm: « Awareness »

8 février 2020

Ce combo de Boston fait du bruit depuis des années. Avec une pochette de Mark McCoy (Youth Attack) et enregistré aux God City Studios, Awareness est l’évolution d’un groupe qui avance férocement et exemplifie parfaitement la notion de chaos contrôlé ; à savoir s’attacher sur le bord d’un escalier, mais ne jamais tomber complètement dans le sous-sol sale et humide. Aneurysm apporte des rythmes de conduite solides qui vous frappent implacablement en plein visage et vous écite la rupture d’anévrisme

Si vous n’avez pas votre compte de tires aux intros sinueuses, Aneurysm saura remédier à cela à grands renfort de frappes dures et précises, fortes et vrapides. La prise de conscience est une punition, tout comme le BDSM consensuel est une punition. Vous serez en sueur, fatigué et peut-être blessé, mais c’e sera bon, bruyant, grunge et pourtant complètement efficace. Il n’y a pas de moments perdus et tout se concentre sur une chanson qui durera deux minutes maximume ; juste assez pour pouvoir les mettre sur un disque.

La musique et les voix sont toujours soutenues et se construisent de manière à provoquer une réaction vraiment viscérale. Aneurysm est un incroyable mariage de noise rock et de grunge précoce ; des rythmes crasseux et épais avec des guitares qui déchirent ainsi que des voix qui sont plus Mark Arm que David Yow et sont vraiment le moteur de Awareness

Le premier morceau, « Sorry Dad », est un véritable banger qui préfigurera ce dans quoi vous allez vous engager. « National Embarrassment » et » »Handbook for the Recently Diseased » contiennent tous deux certaines des meilleures lignes de basse entendues depuis longtemps et « Newpor » » est un numéro de grunge rebondissant qui aurait pu être trouvé sur une des premières compilations de Sub Pop. Si vous aimez le côté bruyant et sale du punk, vous ne pouvez pas vous tromper avec Awareness. Il n’y a pas un seul mécompte sur cet album, juste vingt-cinq minutes de bonheur total.

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Pop .1280: « Way Station »

15 décembre 2019

En 2016, le groupe new-yorkais Pop .1280 avait marqué le coup avec leur album Paradise. À mi-chemin entre rock industriel et post-punk noisy, la formation a fait forte impression. Trois années se sont écoulées et ils nous prouvent qu’ils n’ont rien perdu de leurs atouts avec Way Station.

Pour ce nouveau disque, Pop .1280 opte pour un changement drastique et s’assagit quelque peu sur des titres plus intimistes comme « Boom Operator » en guise d’introduction mais également « Under Duress » et « Doves » qui synthétisent cette ambiance bien froide.

Avec les machines qui prennent une place prépondérante dans des compositions synthétiques et hypnotiques à l’image de « Hospice », « Empathetics » ou bien même de « Leading The Spider On », Pop .1280 reste droit dans ses bottes en nous proposant une palette musicale des plus diversifiées. Entre deux instrumentaux (« The Deserter », « The Convoy ») et rythmes martiaux (« Home Sweet Hole »), les new-yorkais font parler leur univers anxiogène et ce Way Station ne déroge pas à la règle. Varié et intimiste, ce nouvel album les affiche sous un nouveau jour.

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