Magik Markers: « 2020 »

27 octobre 2020

The Magik Markers sont un anachronisme. Ils ne se sentent redevables à aucune tendance musicale actuelle ; on ne retrouve aucune trace du revival alt-rock des années 90 ou du pastiche des années 80 sur 2020 sur leur premier nouvel album en sept ans. Les vétérans du noise-rock de la Nouvelle-Angleterre font des gribouillis spontanés et tentaculaires aussi indéfinissables que vivifiants. On a plutôt l’impression de tomber sur le genre de choses que l’on peut trouver dans un magasin de disques, de la musique punk bricolée d’un groupe qui fait cela depuis une époque où l’on pouvait sérieusement tomber sur eux dans un magasin de disques. C’est délicieusement décalé, mais la musique de Magik Markers est intemporelle.

Appeler leur album 2020 et contextualiser leur musique dans une année extrêmement chaotique ressemble presque à une blague – un clin d’œil à l’idée que dans cette ligne temporelle, il n’y a pas de place logique pour que cette musique existe, mais elle continuera d’exister de toute façon. Le fait que les Magik Markers soient toujours là et aient un débouché pour faire leur truc en 2020 est peut-être l’une des rares bonnes choses de cette année.

Les Magik Markers ont commencé à sortir de la musique à un rythme alarmant. Ils ont commencé dans un sous-sol de Hartford en 2001 et ont sorti une longue série de disques d’improvisation difficiles à saisir qui avaient la fureur d’une fête dans un entrepôt d’art, avec un spectacle en direct rauque et interactif à la clé. Avec BOSS en 2007 et BalfQuarry deux ans plus tard, ils ont maîtrisé certains de leurs éléments les plus frénétiques. Et au fil du temps, leur production s’est considérablement ralentie. Au cours de la dernière décennie, ils n’ont sorti que deux opus : Surrender To The Fantasy en 2013 et, maintenant, 2020.

Les membres du groupe sont partis mener une vie relativement normale. Elisa Ambrogio s’est installée sur la côte ouest ; Pete Nolan est retourné à l’école pour sa maîtrise et a appris à faire de la pizza ; John Shaw s’est lancé dans l’apiculture. Leurs vies ne sont plus centrées sur la musique comme elles l’étaient autrefois. Le fait qu’ils aient une existence plus tangible semble faire partie de l’attrait des Magik Markers. Enregistrée de façon sporadique ces deux dernières années, 2020 sonne comme un événement vécu et luxueusement urgent – la musique ressemble plus à une évasion de la vie quotidienne qu’à quelque chose qui s’y définit.

Il y a quelques mois, le groupe a annoncé son retour sans prétention avec un EP bref mais gratifiant intitulé Isolated From Exterior Time : 2020, une sorte de suite à leur cassette Isolated From Exterior Time datant de 2011. Le titre ne semble que trop approprié pour un groupe qui ne se préoccupe pas de se sentir nouveau. Et en étant si éloigné des machinations générales de l’industrie, ils ont réussi à faire un album qui se sent frais et excitant. Si un groupe peut sonner comme un fanzine, alors Magik Markers est le groupe qu’il faut – tout ce qu’ils font est amoureusement cousu, coupé et collé comme un collage et ne comprend que ce qui les intéresse. Rien sur le disque n’est surchargé ou pointilleux ; il s’agit juste de trois personnes qui jouent du rock ensemble depuis deux décennies et qui font ce qu’elles font le mieux. C’est une musique très naturaliste et résolument old school.

2020 est un fouillis d’idées qui s’égarent surtout du côté du scuzzy et de l’indistinct. Ce qui lui manque en termes de cohésion, il le compense en étant constamment captivant. Il s’ouvre sur « Surf’s Up », un beach-pop langoureux qui donne l’impression que lorsqu’il commence à pleuvoir sur la plage, il faut vite remballer toutes ses affaires et partir. La chanson est livrée dans des vagues nauséesuses, s’étirant sur huit minutes alors que le groupe improvise et réclame pour trouver de nouveaux grooves dans lesquels se glisser. C’est un microcosme de l’album dans son ensemble – frémissant et se tordant à la fois, un bourdonnement prolongé qui est généralement ennuyeux mais qui a des éclats de lumière qui semblent rendre l’obscurité digne d’intérêt.

Et comme pour « Surf’s Up », le groupe ne reste jamais trop longtemps au même endroit. Chaque chanson est indépendante. « Born Dead » est un autre point fort, un magnifique balancement mélancolique et l’un des morceaux les plus calmes de l’album. C’est une vitrine pour la prestation empathique d’Ambrogio, une lettre d’amour à ses camarades du groupe et un argument en faveur du pouvoir réparateur de la musique. « Je suis née morte/ Pendant 15 minutes, je n’ai pas respiré » (I was born dead/ For 15 minutes, I didn’t breathe), chante-t-elle. « J’étais bleue/ Je suis née morte/ Jusqu’à ce que je te rencontre » (I was blue/ I was born dead/ ‘Til I met you). Ce simple sentiment est suivi de « You Can Find Me », un joyau noise-pop parfaitement décalé qui se dirige vers une raclée furieuse et semble justifier leur précédent témoignage du pouvoir de la musique. C’est le groupe qui tourne à plein régime, avec des paroles artistiques d’Ambrogio. « Marcher jusqu’au centre commercial sur Benadryl/ Regarder à travers les rideaux, pas de frissons de sommeil » (Walk down to the mall on Benadryl/ Peeping through the curtains, no sleep thrills), sont les premières paroles du groupe. « Je me tue dans une loge de Sears/ Je veux juste dormir près d’un miroir/ Je veux juste m’allonger là où tu peux me trouver » (“Kill myself in a Sears dressing room/ Just want to sleep near a mirror/ Just want to lie where you can find me).

Ce genre de poésie évocatrice se retrouve tout au long de l’album. Sur « CDROM », Ambrogio se met en mode yeux nus ou morts, où elle fait peut-être allusion à la seule collègue du groupe, sa compagne Erika M. Anderson. Au fil de la chanson, Ambrogio raconte un trip hallicinogène qui mène à de lourdes prises de conscience sur la vacuité potentielle de la vie avec des avertissements de type « Ne les laissez pas vous dire que la faim est une vertu » (Don’t let them tell you hunger is a virtue) et « Ne passez pas votre vie à tourner dans votre tombe . (Don’t spend your life spinning in your grave .

C‘est ce qui se rapproche le plus de l’éloquence de Magik Markers. La plupart du temps, ils se contentent de laisser leur musique délirante et droguée créer une ambiance avec laquelle vous vibrerez ou non. Ainsi, leur « Hymn For 2020 », qui est de toute évidence le moment décisif du disque, est le morceau le plus laconique et le plus épars de l’album. Le groupe n’a pas l’intention de faire de grandes généralisations sur l’état du monde. « Hymn » n’est pas un résumé cinglant, mais plutôt une déflation du bruit, de l’aridité du plein air et des chants de chorale lointains qui sont tous de la texture, sans signification.

En guiqee de conclusion, que sire si ce n’est que la façon dont le groupe aborde son art et sa vie échappe une fois de plus à toute catégorisation facile. Bien que l’on ait l’impression qu’il aurait pu venir de n’importe quand, 2020 sonne particulièrement bien en 2020. Peut-être qu’ils ne font que rencontrer le moment présent. Comme les gens sont plus réceptifs à la musique qui ressemble à un coup de pied au cul quand on est coincé dans un endroit sans fin apparente, Magik Markers n’a jamais sonné aussi éblouissant.

****1/2


METZ: « Atlas Vending »

9 octobre 2020

Il est difficile d’imaginer que quelqu’un puisse avoir besoin d’un stress supplémentaire dans des moments comme celui-ci. Pourtant, c’est un pari que METZ est prêt à prendre. Depuis 2008, le trio noise-punk a affiné son son à haute pression jusqu’à un bord dentelé. Les compositions du groupe, pilotées par les guitares, ont existé à la limite de l’effondrement, remplies de tension, se résolvant rarement.

Avec Atlas Vending, METZ ne perd rien de son intensité. Les rythmes percutants se heurtent à un jeu de guitare violent et tranchant. De puissants chœurs atonaux ancrent les chansons. L’attaque saturée mais sans fioritures de METZ fait toujours rage avec une férocité migraineuse. Alex Edkins arrache des incantations sanglantes à sa gorge déchiquetée, et son dérèglement obsessionnel prend le volant. De brefs passages en transe réduisent l’accélération, mais rien dans ce disque n’apaise. Le groupe met au point un système qui s’équilibre à la réactivité.

Mais la dystopie sonore explorée sur Atlas Vending n’est pas obtenue simplement en augmentant l’entropie du système, et c’est pourquoi il fonctionne généralement. METZ semble avoir augmenté sa gamme dynamique depuis Strange Peace, produit par Steve-Albini en 2017. Sur cet album, le groupe a travaillé dans un format concis et percutant, rendant hommage à Big Black et à AmRep dans une égale mesure. Les chansons étaient structurellement simples, construites autour de phrases criées et de riffs de guitare dissonants.

Atlas Vending, en revanche, sonne plus développé. METZ construit des éléments d’atmosphère qui n’étaient pas évidents auparavant. Avant cet album, les concepts les plus intenses du groupe étaient réalisés par des tactiques linéaires et implacables. Ici, une dimension de complexité haletante vient s’ajouter à la bile de leur punk. En plus des hymnes pub-industriels, les auditeurs sont traités dans des expositions post-traumatiques qui se déroulent en chapitres brefs et changeants.

« Blind Youth Industrial Park » se caractérise par une attitude frontale, mais il est aussi hanté par quelque chose de désolant et de dérangé. « Je sais exactement ce que vous pensez, je sais exactement qui vous êtes »( I know exactly what you’re thinking, I know exactly who you are), accuse Edkins, alors que les choristes résignés haussent les épaules avec antipathie. Un refrain dur résonne de cynisme et de sincérité. La composition est à la fois amicale et distante, l’accent étant mis sur cette dernière. Le groupe peut difficilement dissimuler son indignation face à un monde malade.

 » »ramed By The Comet’s Tail » suit un parcours similaire, tirant une valeur accrue des parties ralenties. La passivité dysphorique opprime une longue section centrale. Lorsque le groupe verse un peu de jus supplémentaire pour la récompense, une chaleur surprenante vient étayer l’urgence bridé de la chanson. Celle-ci s’éteint brusquement, laissant un goût subtil mais nettement amer.

Les influences s’affirment avec force. METZ constitue un point de départ important pour les groupes emo abrasifs des années 90 comme Fugazi et Drive Like Jehu. Cela peut constituer un obstacle à l’émergence de la voix de METZ, car les similitudes sont frappantes sur le disque. La râpe d’Edkins fournit des commentaires sombres à partir des gouttières crasseuses du mix, presque noyés dans le bruit des guitares. On se languit de la performance live, avec tout son pathos et sa sueur.

L’énergie se rencontre et accepte marginalement l’introspection sur Atlas Vending. La souffrance vaut mieux que l’ennui, car METZ passe de la parodie auxmonceaux de ferraille et de débris. Sur « The Mirror », le groupe ajoute des tiers importants pour égayer les choses, mais ce n’est pas facile. De lourdes attaques du batteur Hayden Menzies entraînent la peste des guitares d’Edkins. Des parties virales qui rongent ongles et peaux incitent à des couches de voix lancinantes. Enfin, un refrain presque accrocheur se fraye un chemin hors du mur de la guitare, approchant l’exaltation.

Le titre morbide « A Boat To Drown In » ne contribue guère à élever les esprits. Un drone méditatif dément le riff surchargé d’une note qui fait avancer la chanson. Les couplets modernes et fragmentés d’Edkins se bousculent dans un état d’anxiété soutenue. Comparé à la paranoïa tourmentée qui guide l’esthétique de METZ, c’est une entrée en douceur. Comparée à la douceur absolue, elle est d’une hellacie bouleversante.

En d’autres termes, la dissonance douloureuse de METZ est légèrement atténuée par des refrains rauques et des ralentissements brutaux. Mais il ne devient jamais un métal-core extrême étant trop redevable au post-punk de l’école d’art. « Hail Taxi » est un bon exemple de cet album. Il commence par l’un des plus vilains déraillements de l’album. METZ fait le tour de son spectre, des refrains semi-mélodiques à la basse stoïque de Chris Slorach, pour revenir à une dissonance criarde. C’est le genre de chanson qui, par son caractère très improbable, risque de se répéter dans la tête des auditeurs.

Sur Atlas Vending, METZ retrace le son de l’effondrement avec des chansons qui évoluent et des performances imprudentes. Du cynique au post-apocalyptique, les concepts ne sont pas de tout repos. METZ fouille avec conviction comme un rat dans un territoire inhospitalier. Lieu de maladie, de froid et de survie morne, le territoire du groupe n’est pas pour les doux.

***1/2