Archers of Loaf: « Reason in Decline »

21 octobre 2022

29, 24 et 10. Il s’agit respectivement du nombre d’années écoulées depuis la sortie du premier album culte d’Archers of Loaf, Icky Mettle, celle de leur dernier opus studio, White Trash Heroes, et leur reformation officielle.

Le single « In The Surface Noise » a donné le coup d’envoi de leur premier cycle d’albums depuis plus de deux décennies. C’est la meilleure chanson de Reason In Decline – en apparence une ode aux adolescents rebelles, il y a un sous-entendu politique évident dans des lignes comme « Insurrection / You ask no questions / You take what belongs to you » (Insurrection / Vous ne posez pas de questions / Vous prenez ce qui vous appartient…). Un rocker hystérique qui offre toute l’extase d’une chanson classique de Loaf sans sonner comme un retour en arrière daté, il représente une soudure parfaite entre le personnel et le politique ; un hommage à ceux qui se sentent en droit de demander plus et, à tort ou à raison, vont de l’avant pour l’obtenir.

Ailleurs, Reason in Decline fonctionne par à-coups – souvent en proie à certaines des maladresses que l’on peut attendre d’un groupe qui a passé si longtemps séparé. Le quatuor passe une grande partie de son cinquième album à essayer de rédiger un hymne politique, mais si leurs intentions sont nobles et leur message juste, ils ne parviennent pas à délivrer un slam dunk. Souvent, ils identifient correctement une source de décadence sociétale, mais n’ont pas grand-chose à dire à ce sujet, si ce n’est « cette chose est mauvaise » – ce qui est particulièrement remarquable sur « Misinformation Age », une chanson dont le refrain central consiste simplement en des répétitions de sa phrase-titre. Pour un groupe qui a traditionnellement excellé dans l’art de raconter des histoires, il peut être difficile de ne pas voir qu’il s’appuie ici sur des slogans – le même groupe qui a créé « Web in Front » a sûrement plus à dire que « vous ne pouvez pas croire tout ce que vous entendez » et que le « rêve est vivant » (can’t believe everything you hear – dream is alive! .

Pourtant, même lorsque les prouesses lyriques font défaut, la voix passionnée d’Eric Bachmann et le jeu de guitare furieux d’Eric Johnson – qui est plus que jamais au centre de la musique du groupe – suffisent à vous convaincre d’acheter ce que le groupe vend. C’est ce que l’on retrouve dans l’hymne et la chanson d’ouverture « Human » – un portrait touchant d’une personne troublée mais sympathique. Certains des moments les plus puissants de l’album se produisent dans cette chanson – notamment lorsque Bachmann prévient notre protagoniste que « tu seras ma mort » et, alternativement, que « seule la mort peut te libérer ».

À l’inverse, « Aimee », qui se trouve à mi-chemin, réussit pour les raisons opposées à « Human » – une démonstration de la puissance du groupe dans ses moments les plus calmes et les plus retenus. Ce numéro acoustique est un hommage touchant à un partenaire et au réconfort que l’on éprouve à être main dans la main avec quelqu’un d’autre quand on se sent perdu et confus. « Ça ne me dérange pas si nous ne pouvons pas trouver notre chemin hors d’ici / Ça ne me dérange pas si nous ne pouvons pas trouver notre chemin vers la maison » (I don’t mind if we can’t find our way out of here / I don’t mind if we can’t find our way home), déclare chaleureusement Bachmann dans le premier couplet de la chanson. La seconde moitié de la chanson est dominée par des cris répétés de « ohhhh », mais ces moments s’avèrent tout aussi puissants – témoignant de l’incroyable pouvoir évocateur de la voix de Bachmann ; elle peut transmettre tant de douleur, de désir et de chaleur en une seule syllabe. Tout cela pour dire que, hormis quelques ratés occasionnels, il est bon de retrouver le groupe avec de nouveaux titres.

***1/2


The Jeanines: « Don’t Wait for a Sign »

24 avril 2022

L‘approche indie-pop des Jeanines est la simplicité même. Le duo composé de la chanteuse/guitariste Alicia Jeanine et du bassiste/batteur Jed Smith ne fait rien de compliqué ; il se contente de faire des disques qui capturent parfaitement l’esprit de C-86, sans chichis, et de livrer de grandes chansons avec du cœur et un sens aigu du détail. Leur premier album éponyme était parfois un peu hésitant, comme s’ils étaient encore en train de chercher à savoir exactement à quoi ils voulaient ressembler. Avec Don’t Wait for a Sign, tout devient plus clair. Les chansons sont plus tendues, la production est plus percutante et, surtout, Jeanine a l’air plus sûre en tant que chanteuse. On ne la confondra jamais avec Adele, mais sa voix rocailleuse transmet autant de chagrin, de joie et d’incertitude que n’importe qui travaillant deux fois plus dur. La façon dont elle minimise les émotions s’accorde parfaitement avec la batterie discrète, la basse mélodiquement agile et les guitares qui s’entrechoquent. Plus encore que le premier album, celui-ci est rempli de chansons qui ne se contentent pas de rappeler les points forts des groupes indie pop précédents, mais qui demandent à être considérées dans le même esprit. Le morceau d’ouverture « That’s Okay » est un morceau de pop court et vif qui associe une assurance chaleureuse à des harmonies vocales ; « Any Day Now » a des progressions d’accords magiques, un refrain agréable et, encore une fois, des harmonies vocales de premier ordre, tandis que « People Say » est une belle ballade midtempo qui a la tristesse du premier Aislers Set incorporée et un jeu de guitare néo-psychique par-dessus.

Ce ne sont là que les trois premières chansons, et la sortie est déjà profondément ancrée dans la mémoire ; le reste de l’album ne manque pas de rythme. Jeanine et Smith s’appuient sur le cadre qu’ils ont établi de manière intéressante sur « Got Nowhere to Go », qui ressemble à un single de Beau Brummels, s’enfoncent dans la mélancolie sur la chanson larmoyante « Never Thought », et ajoutent des guitares acoustiques à « Turn on the TV ». Les changements sont mineurs mais ils fonctionnent bien pour élargir le son de manière importante. Les Jeanines se sentent toujours très à l’aise et presque douloureusement racontables ici ; la différence est similaire à l’augmentation du contraste sur un écran ou à la syntonisation d’une station de radio légèrement floue : tout saute un peu plus et coupe un peu plus profondément. Parfois, sur leur premier album, ils avaient l’air d’un groupe de fantaisie avec leur approche rétro parfaite, mais ici, ils sonnent comme un groupe sérieux, du genre à briser des cœurs et à changer des vies.

***


Thumper: « Delusions of Grandeur »

31 mars 2022

Il y a une facilité avec laquelle le sextet britannique de noise pop-punk Thumper fait son travail en prenant des chansons accrocheuses et radiophoniques et en les développant, les tirant doucement vers des territoires plus expansifs. Ceci est résumé dans un texte de la première piste « Fear of Art' » où Oisin Leahy Furlong nous fait savoir : « Ce ne sont que des mots, et ce n’est qu’une chanson » (These are just words, and this is just a song). C’est cette approche décontractée qui leur permet de faire évoluer des morceaux de trois minutes vers des produits plus longs crédibles, psychédéliques et teintés de rock alternatif, atteignant les sept minutes et plus, sans que cela ne semble forcé ou artificiel, ou sans perdre la qualité ou l’attention de l’auditeur.

Il s’agit d’une astuce astucieuse, à laquelle les Wildhearts étaient particulièrement habiles, et pour laquelle Thumper semble avoir un talent certain.

Avec un son qui a beaucoup de pop alternative de la fin des années quatre-vingt-dix, avec des éléments de Smashing Pumpkins, les Wildhearts susmentionnés et des soupçons de Weezer et Ash, qui a grandi et englobe le boom indie des années quatre-vingt, ainsi qu’une touche de prog et de Psych mélangée à un peu de Royal Blood pour faire bonne mesure, c’est un cocktail fort et puissant que les six membres de Dublin ont préparé.

Le premier « single », « Ad Nauseum », peut être un point de départ évident avec ses crochets inspirés des Hives, mais c’est vraiment lorsque les chansons s’ouvrent naturellement, comme la démarche assurée de la mesurée « Greedy Guts », le centre du coda sur la pétillante « 25 », ou l’exploration sombre de « Topher Grace «  qu’elles prennent tout leur sens. Et bien que l’avantage d’avoir deux batteurs ne soit pas vraiment exploité sur le disque – bien qu’il ajoute une touche sonore cool lorsqu’on l’écoute au casque – il sera sans aucun doute plus efficace dans l’environnement live comme contrepoint aux moments et mélodies plus ensoleillés, en particulier sur le groove façon Queens of the Stone Age sur « Overbite » ou le point culminant vibrant qu’est « Loser » ».

Une vision très bien réalisée, avec un titre plein d’autodérision en prime, ce premier album prouve que ce ne sont pas des illusions de grandeur, mais une première profession de foi on ne peut plus forte.

***1/2


Deerhoof: « Actually, You Can »

25 octobre 2021

Deerhoof se rapproche de plus en plus de l’apocalypse : l’album conceptuel Future Teenage Cave Artists sorti en 2020 était abstraitement apocalyptique, tournant autour de l’avènement d’un violent effondrement sociétal. Cette année, Actually, You Can poursuit le même motif – mais il revient avec une approche beaucoup plus ornementale de la catastrophe. Avec ce titre qui se trouve une affirmation de la positivité, et une frivolité plus rationalisée, le dernier LP de Deerhoof offre le son noise pop classique du groupe des années 2000 sous un spectre joyeux de l’apocalypse.

Tourbillonnant de fantaisie, ce nouvel opus revient à un son plus léger, celui de The Runners Four, comparé à l’expérimentation plus anxieuse de la discographie récente du groupe. Certaines constantes de Deerhoof demeurent : malgré l’accent mis sur la philosophie dans les paroles, Matsuzaki triture une grande quantité de bêtises insouciantes. Le décor est planté pour le disque avec la question d’ouverture « Si nous n’avons planté que des oignons, comment se fait-il que toutes ces tomates poussent ? » (If we have only planted onions, how are these tomatoes all growing?).

Des scènes d’excès plus convaincantes mettent en scène le lyrisme : « il y aura de la danse, de la danse simulée », « il y aura des pleurs, des pleurs artificiels », ainsi que « il y aura de la prière, de la prière simulée » (There will be dancing, simulated dancing, there will be crying, artificial crying et « there will be prayer, imitation prayer) sur « Our Philosophy is Fiction », son registre aigu caractéristique conférant une dimension inquiétante aux mots. La liste des morceaux – complétée par des titres comme « Scarcity is Manufactured » et l’anti-carcéral « Department of Corrections » – commence à ressembler à un collage de slogans de Boot Boyz Biz.

Les parties de John Dieterich et Ed Rodriguez sont également très accrocheuses. Le « single » « Scarcity is Manufactured » débute de façon brillante et quasi-dissonante, porté par certaines des lignes de guitare les plus accrocheuses de Deerhoof à ce jour, rivalisant avec les piliers de « Spirit Ditties Of No Tone » et « Your Dystopic Creation Doesn’t Fear You ».

Le post-pandémique Deerhoof a bénéficié d’une production assez prolifique, mais le groupe risque parfois d’avoir besoin de faire une pause. Ils ne mettent pas l’accent sur les idées explorées sur l’étendue souvent épuisante de Love-Lore de 2020, mais une stase similaire pèse sur les annales de Actually, You Can. Des morceaux comme « Epic Love Poem » et « We Grew, and We Are Astonished » stagnent, s’enfonçant dans une dissonance inintéressante, alors que même les réflexions de Matsuzaki semblent manquer de sens. Mais la tentative autrement opératique d’une pop bruitiste plus pure réussit ; le disque résonne principalement avec de la couleur et de la profondeur.

C’est le morceau « Divine Comedy », qui clôt l’album, qui relie le concept de l’album. Doucement, Matsuzaki réfléchit à la nature de ses propres chansons dans le cadre du capitalisme avancé : « Faites correspondre votre souffle à celui de la chanteuse / mais elle vous vend une cigarette pour que vous puissiez respirer » (Match your breath to the singer’s breath / but she’s selling you a cigarette to breathe through), prévient-elle, avant que le reste du groupe ne se lance dans une déconstruction magnifique et rapide. En fait, You Can a beau foncer tête baissée dans l’apocalypse, le jour du jugement de Deerhoof sonne aussi botanique, prismatique et baroque qu’il le proclame ; un opus dans lequel la noise pop n’a jamais été aussi amusante.

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Jiwi jr.: « Cooler Returns »

21 janvier 2021

Kiwi jr. sont de retour avec leur deuxième album, à peine un an après le premier. Cooler Returns poursuit l’approche tourbillonnaire du groupe pour créer une « guitar music » addictive.

« Absurd » est le titre le plus approprié que vous puissiez donner au groupe canadien, qui prend plaisir à créer des chansons pleines de caractère. Dans « Cooler Returns », vous entendrez parler du type d’électeur le plus dangereux, l’indécis, d’une histoire policière et d’une façon intéressante de montrer un nouveau VTT aux voisins, parmi toute une série de personnages. Vous entendrez le chanteur Jeremy Gaudet souligner à quel point le monde dans lequel nous vivons est étrange et particulier, en lisant les gros titres comme un prompteur défectueux.

Les riffs de guitare et les accroches apparaissent comme des personnages secondaires dans ces récits sortis de nulle part pour donner corps aux microcosmes qui les entourent. L’instrument jouant l’un des rôles principaux, c’est un soulagement de voir qu’il est à chaque fois nouveau. Les Kiwi Jr. excellent dans la construction d’un sens constant de la vibrance excitante et étoffent le fond de leurs chansons pour les faire se sentir aussi occupés qu’une rue bondée.

Les paroles de Jeremy Gaudet et sa conscience de soi font en sorte que Cooler Returns ne se lasse jamais et que vous attendez souvent de savoir ce qu’il va proposer ensuite. Qu’il s’agisse de lignes doutant que Woodstock soit jamais arrivé ou de vouloir « étrangler le jangle pop band » lors d’un mariage, un clin d’œil à eux-mêmes. Il semble n’y avoir aucun filtre entre la pensée et la parole et vous vous laissez emporter par ce qui lui vient à l’esprit ensuite.

Cooler Returns vous laissera peu de place pour respirer, mais de la meilleure façon possible. Le groupe ne projette pas seulement son propre sens de l’absurdité, mais il met aussi en évidence à quel point l’être humain est maniaque sur Terre en général. Il y a un niveau de charme incontestable dans leur musique et il y a cette ambiguïté palpitante qui fait que l’on ne sait jamais vraiment où ils vont aller ensuite.

***1/2