Widowspeak: « Plum »

28 août 2020

Bien qu’il n’y n’ait rien de peu conventionnel dans Plum, le résultat final est sans doute le meilleur bilan de Widowspeak à ce jour. Si le cinquième disque de Robert Earl Thomas et Molly Hamilton sous le nom de Widowspeak n’est pas révolutionnaire, il ne doit pas être utilisé comme un un opus figé dans sa zone de confort ce qui est trop souvent le cas pour la multitude d’artistes qui canalisent l’écriture de leurs chansons par le biais d’une instrumentation la guitare est de rigueur.

L’innovation doit être tenue en haute estime, c’est certain. Mais il ne faut pas rejeter rapidement une bonne chanson si elle n’est pas assez présente. Elle ne doit pas non plus toujours rechercher de nouvelles significations dans nos structures sociales, économiques et politiques, et créer de nouvelles façons de les transmettre – elle naît souvent du seul désir de s’adresser à nos propres sentiments par ces chemins bien tracés auxquels nos oreilles se sont tellement habituées.

Plum – le titre du disque et la première piste – en est l’exemple parfait. Se promenant avec douceur et atmosphère sur la même vague mid-tempo de guitares légères que Kurt Vile a chevauchée sur Walking on a Pretty Day, la livraison scintillante d’Hamilton aborde son désir d’être plus à l’aise et plus décontractée avec des pensées qu’elle a tendance à éviter. « Je ne ressens rien, je me sens bête ; tu es une pêche et je suis une prune » ( feel nothing, I feel dumb; You’re a peach, and I’m a plum), dit Hamilton autour de la guitare solo aérienne de Earl Thomas.

La première moitié de l’album, qui ressemble beaucoup à un printemps au soleil, est parsemée de quatre « single »s souples, brillants et légers. Sur « The Good One »s, l’harmonie de falsetto du chœur de Hamilton restitue parfaitement le sentiment positif des paroles, tandis que sur « Breadwinner » – l’un des morceaux phares du disque – elle demande à l’autre moitié de se débarrasser de ses radotages de la même manière que l’aurait fait Hope Sandoval de Mazzy Star.

La seconde moitié laisse la pop la plus brillante derrière elle pour un virage plus sombre et plus lourd en réverbération. Des lignes de basse et de guitare malaisées ouvrent la voie à « Amy », offrant les refrains répétitifs et collants et les riffs cycliques d’un certain duo américain de dream-pop plus réussi. Le folk plus électronique de « Jeanie » est d’une beauté douloureuse tandis que « Y2K », le « closer », livre une ballade au piano qui incarne le sentiment général du disque : « Je pourrais économiser tout mon argent, je pourrais tout dépenser. Payer pour escalader une montagne, et tomber » (I could save all my money, I could spend it all. Pay to climb a mountain, and fall).

En terminant comme il a commencé, en s’accrochant à l’assurance et en roulant dans le doute, Widowspeak a produit un grand disque – et sans doute leur meilleur. Et ils l’ont fait avec beaucoup de voix feutrées, des guitares brumeuses et shoegaze et des rythmes directs – qui l’aurait cru ?

***1/2


Double Grave: « Goodbye, Nowhere! »

22 août 2020

Le vide est constant, il est accablant, il est dévorant. C’est un espace infini, qui s’étend vers l’extérieur et se contracte vers l’intérieur, mais ce n’est pas le néant. Les pires instincts de notre cerveau nous mènent à cette conclusion nihiliste ; nos yeux nous révèlent sa véritable valeur. Sur Goodbye, Nowhere !, le deuxième disque de Double Grave, le vide est à l’honneur.

Le trio de Minneapolis – Jeremy Warden (guitare/voix), Bree Meyer (basse) et Seth Tracy (batterie/production) – travaille sur Goodbye, Nowhere ! depuis près d’une demi-décennie, après avoir débuté sur Ego Death et en évoluant vers Double Grave. Chaque sortie ultérieure les a rapprochés du perfectionnement de leur forme de shoegaze existentiel. Leur but est de vous avaler dans la réverbération et de vous enterrer dans le feedback.

Les paroles de Warden ont toujours dépeint les différentes façons dont nous nous détachons – de nous-mêmes, de nos proches, du temps lui-même. Elles sont pleines de questions et de désirs, dont aucun ne trouve de réponse ni ne se réalise. « Deaden » », tiré du fantastique EP Empty Hands en 2018, est le meilleur précurseur de l’incertitude de Goodbye, Nowhere !, même jusqu’à son adieu : « Say goodbye to what I’m working for ». Ces sentiments sont maintenant présentés sous la forme d’un album. 

Le premiertitre, « Out Here », s’insère doucement dans l’univers familier de Double Grave. Un léger carillon de vent évoque le ciel ouvert de la pochette. Immédiatement, le désespoir d’une connexion par quelque moyen que ce soit se manifeste, même quelque chose d’aussi viscéral que de mettre la main autour de la gorge d’un autre, juste pour s’assurer que vous respirez encore tous les deux. Quelque chose d’aussi trivial en apparence a la capacité d’apporter au moins un tout petit peu de paix. Tout au long du dossier, Warden cherche à rassurer, même si c’est peu de chose.

Double Grave fait suivre cette légèreté par quelque chose de drastique mais simple sur le « single » principal « The Farm ». S’il y avait une chanson quintessencielle pour montrer tout ce que le groupe peut faire, ce serait celle-là – c’est le single principal pour une raison. Warden n’a pas besoin de grand chose pour créer de vastes étendues d’une magnifique texture de guitare. Avec quelques cordes, il s’attache à la section rythmique éternellement stellaire de Meyer et Tracy et crée un monde de sonorités dans lequel on pourrait vivre. Malgré la relative facilité d’exécution, le chant insuffle un désir implacable de s’éloigner de l’oppression de la vie quotidienne et de découvrir ce qui manque. Au lieu de n’être qu’un point fort du disque (ce qui est certainement le cas), « The Farm » place la barre très haut pour Goodbye, Nowhere ! Sur chaque chanson suivante, Double Grave atteint ou dépasse son propre niveau d’excellence.

La prise de conscience que fuir à la campagne pour vivre dans une ferme n’apportera pas la paix est illustrée dans les chansons suivantes : « Whateve » » et « NNN ». La première fixe la dépression écrasante dans les yeux et trouve un certain réconfort dans l’action ; son rythme propulsif, avec ma partie de basse préférée sur le disque, semble être ce qui donne à Warden l’énergie nécessaire pour arrêter « d’attendre / que les choses changent ». Ce dernier (« NNN » signifie « nothing, no one, nowhere » (rien, personne, nulle part) est un combat familier entre ce que vous savez être mieux ; « je dois me lever, je dois sortir, je dois être bon pour moi » (gotta get up, gotta go out, gotta be good to myself) et le fait d’être allongé ici, incapable d’oublier le monde ou votre minuscule place en son sein.

Il n’y a pas beaucoup d’autres moments qui permettent de sortir de l’obscurité. Goodbye, Nowhere ! est avant tout un regard intérieur sans concession sur un puits de douleur noirci. Le disque se termine par « Too Late », une acceptation discrète du destin. Warden est un « fantôme avec une petite chanson triste » (ghost with a sad little son), réalisant l’impossibilité d’exister dans le vide. Le nihilisme se glisse dans les crevasses de l’album, surtout ici. Cependant, cette prise de conscience contient une réponse implicite – au lieu de rester où vous êtes, vous devez vous déplacer. « Long Drive Hom » » expose en termes francs la difficulté et la nécessité de cette acceptation. Warden chante : « Je ne suis pas là pour longtemps / je dois garder l’esprit ouvert… Je sais que c’est le destin / mais il est toujours difficile d’ouvrir son coeur » (I’m not here for a long time / gotta keep an open mind…I know it’s meant to be / but it’s still hard to open your heart).

Il n’y a pas de réponses sur Goodbye Nowhere !. Plutôt que d’induire en erreur avec de fausses solutions, Double Grave démontre la nécessité de se remettre en question, de faire face à cette incertitude. Le vide n’est pas permanent, il n’est qu’un arrêt en cours de route. Il suffit de lui dire adieu et de découvrir où l’on va ensuite.

***1/2


I Break Horses: « Warnings »

9 mai 2020

Sans contexte ni histoire, il serait facile de supposer que Maria Lindén a écrit Warnings, le troisième L.P. de I Break Horses, spécifiquement pendant le confinement lié au coronavirus comme bande sonore de ces temps bizarres.

Ce n’était pas le cas, bien sûr. En fait, l’album a pris six ans, à partir de peu après Chiaroscuro de 2014, en passant par des périodes favorables et défavorables pour l’artiste et le monde en général. Par coïncidence, sa sortie tombe en plein dans une période où son caractère tentaculaire et sa portée fournissent une partition idéale pour le film catastrophe dans lequel nous vivons tous.

La sensation cinématographique n’est pas le fruit du hasard. Selon Lindén, l’album a commencé par le visionnage de certains de ses films préférés en sourdine et par l’élaboration de nouvelles musiques basées uniquement sur les images. Elle n’a pas précisé ce qu’elle regardait, mais en se basant sur le produit, on pourrait supposer qu’il est lourd de David Lynch. Les méandres des synthés dispersés dans l’album reflètent la partition réelle de Twin Peaks et la plupart de l’album ressemble à l’a teneur véhiculée par Lost Highway en 1997.

L’album commence avec « Turn », un morceau de neuf minutes, qui est à la fois percutant et éthéré. Les instruments électroniques mélancoliques, ponctués d’un rythme lent mais percutant, combinés à un chant de style shoegaze, recréent avec une précision remarquable, même si ce n’était pas l’intention, la sensation d’un abri solitaire sur place lors d’une catastrophe mondiale.

Mais le verrouillage n’est pas une expérience unidimensionnelle et l’album le reflète. La deuxième chanson, « Silence », augmente légèrement le tempo et ajoute de vagues nuances tropicales par endroits, tout en maintenant la tension mélancolique fondamentale.

La première rupture par rapport à ce ton est le deuxième « single » de l’album, « I’ll Be the Death of You », ce qui est ironique car c’est probablement le morceau qui se rapproche le plus de la première sortie du groupe. C’est une chanson plus poivrée et plus optimiste, malgré ses paroles nihilistes. La déconnexion entre le son et ce qui est dit ajoute une complexité supplémentaire lors des réécoutes. Et l’intro ressemble à la chanson thème d’un jeu de style « Donjon & Dragon » dans une salle d’arcade du début des années 90 qui, pour un public de geeks d’un certain âge, est une belle explosion de nostalgie.

Après un deuxième interlude largement oublié, le troisième « single » de l’album, « The Prophet », revient à son ambiance et à son ton central. Si loin de ce ton, en fait, qu’il agit comme une sorte de moyenne du reste des chansons, équidistantes entre elles toutes mais reprenant des éléments de chacune. Ce n’est pas une critique. En fait, c’est un baromètre utile. Si vous aimez « The Prophet », vous apprécierez probablement l’album, mais si vous ne l’aimez pas, ce ne sera probablement pas le cas.

Au-delà de quelques variations sur les archétypes de chansons de l’album – l’optimiste « Neon Lights », le sombre et mélancolique « I Live At Night » et » »Baby You Have Traveled For Miles Without Love In Your Eyes » – viendra le premier « single » de l’album et peut-être la chanson la plus sombre, » »Death Machine ». Il détaille la tentative de suicide d’un des amis de Lindén et vise à refléter le désespoir généralisé de toute une génération. C’est peut-être trop sombre pour une époque où tant d’autres choses se passent, mais si l’on se base uniquement sur la profondeur et la musique, il est probable qu’elle sera finalement l’une des préférées.

Dans l’ensemble, Warnings fonctionne extrêmement bien comme une bande sonore de la vie actuelle. Si vous préférez une musique adaptée à la situation, comme une sorte de reflet ou de catharsis de ce que vous ressentez, cet album est peut-être fait pour vous. Et une fois que tout cela sera terminé, il pourrait servir de document historique auditif pour vous rappeler ce que c’était, pour vous faire revivre les sentiments associés à cette époque.

***1/2


Midwife: »Forever »

19 avril 2020

Comme pourrait le dire quiconque a été gravement malade ou blessé, il y a un paradoxe dans l’acte de guérison, dans le fait que celle-ci peut être vraiment difficile et douloureuse. Il en va de même pour la blessure émotionnelle, et ce paradoxe est ce qui se trouve au cœur de Forever. Le nouvel album de Madeline Johnston, qui porte le nom de Midwife, est un hommage à son ami Colin Ward, qui est malheureusement décédé subitement en 2018. Le fantôme de cette perte plane sur Forever, et fait partie intégrante de l’album ; pourtant, il n’est pas nécessaire de connaître l’histoire pour être touché par le disque Toute personne qui a aimé, perdu et blessé saura exactement ce que cet album tente de communiquer.

Se décrivant lui-même comme du « heaven metal », Forever est ancré dans la dream-pop, le shoegaze et les doux bruits électroniques. Pourtant, malgré la légèreté de son son, la musique de Midwife est émotionnellement écrasante. Les paroles éparses de l’introduction « 2018 » le montrent clairement : « This is really happening to me » répété avec incrédulité, associé à « get the fuck away from me 2018 » prononcé dans un murmure de chanson. C’est tellement sous-estimé et pourtant plein d’émotion, avec plus qu’assez de puissance pour vous briser le cœur.

On retrouve de tels coups de poing doux et assommants dans Forever, chaque chanson comportant au moins un moment qui vous atteint au niveau des côtes, qui s’empare de votre cœur et le tord avec toute la douleur et la joie de l’amour. Tout cela ressemble à une célébration des moments ordinaires qui font que la vie vaut la peine d’être vécue, tout en pleurant leur disparition. Cette contradiction rend Forever si puissant, et si difficile à résister – la double force du chagrin total après une perte, et la catharsis tranquille du deuil, se poussant et se tirant l’un contre l’autre de si belles manières.

Aussi puissante émotionnellement soit-elle, il peut être presque difficile de se concentrer sur la merveilleuse musique de Midwife. Pourtant, une fois que l’on s’endurcit contre son impact émotionnel, une foule d’éléments subtils se révèlent, faisant de Forever un album musicalement plus complexe et plus profond qu’il n’y paraît à première vue. L’une des plus délicieuses est la petite mélodie de « Anyone Can Play Guitar », qui repose sous des atmosphères brumeuses de type shoegaze qui se délectent de la tranquillité sonore qui caractérise les albums comme Loveless.

Le morceau le plus déchirant et le plus cathartique est « C.R.F.W », qui comprend un enregistrement de Ward récitant un poème, dont le point culminant est la phrase « imaginez la façon dont une brise se pose sur le corps de votre feuille alors que vous n’avez finalement plus besoin de vous accrocher » (imagine the way a breeze feels against your leaf body while you finally don’t have to hold on anymore). La guitare douce et les drones qui accompagnent le morceau sont comme un moment de réflexion, et c’est tellement beau, triste et révélateur de la vie qu’il est difficile de ne pas s’en émouvoir.

En 33 minutes, Forever ne risque pas de rester trop longtemps à l’écoute, bien plus longtemps, et son impact émotionnel et mu !sical aurait été moindre, car il aurait été trop lourd à gérer pour un seul cœur. Pourtant, à la fin de sa durée, il laisse à l’auditeur un sentiment de purification, comme si la musique avait contribué à vous libérer des soucis et des craintes profondes auxquels vous vous accrochez. Bien sûr, elles ne disparaissent pas, mais en aidant à les mettre en mots et en sons, elles deviennent tangibles, quelque chose qui peut être confronté. C’est comme un album conçu pour la guérison et le souvenir, doux-amer et douloureux de la plus belle des manières ; le son des derniers adieux et des souvenirs qui resteront à jamais.

****


Adam Franklin: « Drones & Clones »

6 février 2020

Depuis 1989, le combo Swervedriver, basé à Oxford, n’a cessé de fournir un délicieux mélange de splendeur grunge-shoegaze. Bien qu’ils aient pris une pause à la fin du siècle, ils sont revenus en 2007 et ont poursuivi leur activité depuis. Cela ne veut pas dire que les membres individuels sont restés dans le périmètre, au contraire, lls se sont engagés dans des projets parallèles qui ont été salués depuis leur réactivation. Aucun n’est plus connu que le guitariste Adam Franklin. 

Depuis 2007, Franklin a sorti plusieurs albums solo, à commencer par Bolts Of Melody (2007) qui a également donné son nom à sa troupe de tournée. Cependant, c’est son quatrième et plus intéressant album se doit et mérite d’être apprécié. La sortie de 2013 de Drones And Clones, qui était à l’origine téléchargeable via Bandcamp se fait désormais, chose on ne peut plus louable, sous la forme d’un format physique. 

C’est choe intéressante car il s’agit d’un disque, comme son nom l’indique, est composé de morceaux instrumentaux. L’album est électriquement chargé à la fois d’énergie et de mélodie et les morceaux eux-mêmes seront familiers aux fans, car il s’agit de sélections tirées de sa carrière d’avant 2013 mais ils parviennent toujours t à s’imposerde par leur propre mérite si on omet le chant. En réalité, le son capture les mêmes passions thématiques, lse précipitant vers l’auditeur, et donnant une dimension différente à des sons pourtant familiers. 

S’ouvrant sur des grésillements de cordes, « Two Dollar Dress » lubrifie magnifiquement les rouages de l’album. Les motifs des guitares commencent à s’écouler avec un mouvement positif douloureux. Suit l » cinématique « Lord Help Me Jesus, I’ve Wasted A Soul », un assaut atmosphérique au tempo lent, qui s’intensifie au fur et à mesure qu’il se déploie. Le minimaliste « Mary Gunn » reste méthodiquement luxuriant, s’appuyant sur un carillon bien choisi pour prononcer sa beauté.

Le balancement de guitare progressive-rock de « ITtHurts To See You Go » se répand de plus en plus dans un terrain de jeu aux sons éthérés. L’ensemble devient quelque chose de plus vicieux que dans son incarnation originale sur « Spent Bullets ». Le subtil shoegaze, wah-wah sauvage de « Big Sur » donne parfois un clin d’œil à Hendrix. Cependant, la sélection de ces morceaux utilisés comme un cycle de chansons instrumentales devient plus compréhensible. Elles se complètent tout simplement. Avec des assauts de guitare suivis de constructions heureuses comme « Morning Rain », tout en étant moins rentre-dedans que le précédent, apporte une fluidité bienvenue dans la distorsion

La version de « Carousel City » est merveilleusement dramatique, car elle change de tempo et respire avec passion. Avec le un «  Memory Laughter » en clôture, l’auditeur reçoit un morceau de musique qui fait vibrer le courant de sa conscience da manière unique : un mélange de bruit digne d’une claustrophobie de science-fiction et de douces mélodies qui montent et descendent avec une instrumentation supplémentaire. Le tout se rejoint pour se heurter vers le final dont le besoin est, avec à-prpos sur cette nouvelle édition, celui, organique, d’une aiguille sur un microsillon.

***1/2


Hovvdy: « Heavy Lifter »

19 janvier 2020

Dès les premières secondes du troisième album de Hovvdy, Heavy Lifter, le groupe fait clairement comprendre à l’auditeur qu’il va vivre une expérience nostalgique et mélancolique. Les accords qui soutiennent l’ouverture de « 1999 » semblent lourds, penchés sur un territoire mineur, nous laissant la sensation d’un coup de poing asséné aux tripes. C’est une façon de commencer un album an nous poussant vers le bas mais elle ne nous dispensepas de moments plus heureux. D’ailleurs, le morceau suivant, « Mr. Lee », va immédiatement nous y guider comme pour nous faire croire que l’entame n’était qu’un mauvais rêve et qu’il était nécessaire de s’en extiprer.

Dans Heavy Lifter, il y a une forte insistance la notion d’examiner votre environnement, comme sur « Cathedral », qui se concentre sur l’onbservation, celle d’étudier comment on entre dans le culte d’un autre. Il est peut-être plus facile de s’immerger dans les profondeurs de la tête d’autrui, plutôt que de vivre dans la sienne propre. Les textes insistent sur l’envie de s’échapper vers un santuaire privé et de s’exiler vers une cathédrale pour goûter à l’émerveillement dans l’espoir de trouver un espace vacant permanent qui lui soit propre.

Hovvdy excelle dans les ballades lentes et mélancoliques, atterrissant constamment quelque part entre Elliott Smith et The Microphones. Leurs chansons reflètent fortement les résultats post-hoegaze, optant pour un ton plus triste et morne sur des morceaux comme « Feel Tall ». Les moments de joie sur Heavy Lifter portent aussi une pincée de sarcasme, se moquant presque de l’idée de faire une musique strictement joyeuse. Mais les chansons sont vectrices de bonnes intentions – « TellmeI’masinger » est une charmante ode au clavier-jouet de Fisher-Price où on qu’ête une constante envie d’approbation humaine.

Étant donné que tant de choses dans Heavy Lifter sont lourdes et évoquent les parcelles les plus difficiles de la vie, il ne sera pas surprenant que les deux fondateurs du groupe, Charlie Martin et Will Taylor, viennent du Texas, un état assez grand pour qu’on sy sente comme dans sa propre planète, ce qui peut créer son propre sentiment d’isolement. La vision de Martin et Taylor se mélange sur ce disque, créant des moments où ils se sentent en sécurité dans un espace vaste et sans fin. Leurs chansons apportent ainsi un réconfort contre la peur, et une occasion de réfléchir et de se tourner vers l’intérieur, de se concentrer sur la lumière.

***1/2


Pendant: « Through A Coil »

13 novembre 2019

Christopher Adams fut membre du groupe de noise-rock américain Never Young et ila décidé de se lancer dans ce side-project intitulé Pendant en effectuant un virage musical à 90 degrés avec un premier album à la clé, Through A Coil.

Avec la participation de Melina Duterte alias Jay Som, ce side-project 100% Oakland ira ravir les nostalgiques du shoegaze britannique des années 1990. En effet, Pendant convoque les esprits de Ride et de Happy Mondays à l’écoute des morceaux enflammés tels que l’introduction mais également « Plexiglass » et « Rubber Band » aux guitares rugueuses et rythmiques entraînantes.

Christopher Adams a beau rendre hommage aux pionniers britanniques mais ne compte pas faire de la redite nostalgique avec Through A Coil. Il suffit d’écouter des morceaux authentiques à l’image de « Dovetail » et de « Name Around My Neck » qui sont de parfaits exemples et faisant preuve de vivacité avec en prime l’interprétation catchy de Adams. La conclusion intitulée « Sensory Field » est une autre preuve que Pendant pourrait très bien incarner le futur du shoegaze revival à l’américaine.

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Lacing: « Without »

6 novembre 2019

Voici un album qui à décidé de mélanger la force de frappe du grunge avec un chant venu droit du shoegaze deux genres considérés comme morts. Pourtant, sans parler abusivement de revival et inspiration aidant, l’un comme l’autre se trouvent bien en vie dans ce disque.

On trouve même un certain talent dans cet cette hybridation. Si certaines pistes font bien sur la part belle aux murs de guitares saturées (« 92 », « Swirl »), voire un peu au punk sur « Regret » et sa déferlante sonore, on part ira plus volontiers sur des choses plus calme et introspective dans une bonne moitié du disque. En saturant les guitares à l’extrême, le son finit par devenir une sorte de brouillard, un arrière plan qui noie le reste, en particulier le chant, dans un espèce de halo lumineux et gris.

Without est un disque qui met du temps à s’apprécier pleinement. Les genres y sont nombreux, les rebondissements, changements de rythmes, de genres tout autant. Sans perdre sa cohésion, l’album explore à droite et à gauche de son fil rouge et sort volontiers de sa zone de confort. Sous le signe de l’éclectisme, il ravira quand même les amateurs de grunge, de rock alternatif, de rock progressif, de shoegaze.

L’ alchimie fonctionne donc plutôt bien et la musique assuré par un quatuor motivé et inspiré, est belle, puissante, lumineuse et triste dans toute sa simplicité. Un must pour les fervents du genre.

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