Bob Mould: « Blue Hearts »

26 septembre 2020

Bob Mould est un type fougueux, un fait qui n’est pas un secret pour les fans qu’il a pu acquérir depuis son passage à la tête de Hüsker Dü dans les années 80 et de Sugar dans les années 90. Si Mould a parfois concilié son côté hardcore avec plusieurs albums solo – ses premiers efforts, notamment Workbook et Black Sheets of Rain -, sa prédilection pour le punk et sa compétence semblent aller de pair.

Mould a été particulièrement prolifique ces derniers temps, avec une nouvelle sortie tous les deux ans environ au cours de la dernière décennie. Cela fait de Blue Hearts moins une surprise, mais toujours plus qu’une offre obligatoire et, par conséquent, nécessaire. Sa férocité est à couper le souffle, surtout si l’on tient compte de sa posture pétulante et de ses tons turbulents. Alors que Mould n’a jamais été une tapisserie lorsqu’il s’agit d’exprimer son agressivité et sa rage, Blue Hearts – peut-être plus que toutes ses autres sorties individuelles – rappelle la fureur de Hüsker Dü tant dans son intensité que dans son agressivité.

Si certaines de ses chansons sont mesurées à un certain degré – « The Ocean » et « Baby Needs a Cookie » sont rock, mais optent pour une approche relativement mélodieuse – d’autres morceaux, comme « Forecast of Rain », « When You Left » et « Password to My Soul », sont résolument acerbes, inflexibles et intenses, subtilisant le chaos à la mélodie et offrant peu de répit. Certains pourraient craquer face à cette agression implacable, mais c’est Mould qui est le plus menaçant – primal, pétulant et généralement intransigeant.  

Il est vrai qu’il y a de nombreuses raisons d’être en colère ces jours-ci, et ceux qui se sentent privés de leurs droits pourraient faire bien pire que de voir Mould porter leur bannière. Le premier « single » de l’album, « American Crisis », est un appel aux armes parfait pour rejeter ceux qui semblent vouloir faire échouer et vaciller ce pays. Il faudra de la force et de la ténacité pour apporter les changements nécessaires, c’est pourquoi il faudra les grilles et griffes de Blue Hearts et non la prudence de cœurs plus tendres pour montrer la voie.

***1/2


Entry: « Detriment »

26 juillet 2020

Il est rafraîchissant de pouvoir discuter d’un groupe dont l’histoire n’est pas encore écrite. Detriment, le premier album du groupe hardcore de Los Angeles Entry, est cependant redevable à l’histoire des genres d’une manière presque dogmatique. Il s’agit simplement de neuf titres de punk concussif et explosif qui adhèrent étroitement aux caractéristiques sonores du punk classique. La question qui se pose est de savoir si cela est à l’avantage ou au détriment de l’album.

En général, un travail qui manque d’agilité et qui adhère obstinément à un seul style sonore, avec bien sûr une exception très spéciale à la fin, tendrait à indiquer ce dernier. Mais le Punk est une exception – sa similitude est une vertu, une joyeuse affection qui joue en sa faveur. Et s’il y a une familiarité passagère avec le genre, vous avez déjà entendu cet album à un certain titre. À quelques exceptions près, Entry sonne comme du punk hardcore vintage du début des années 80, dans la veine de Minor Threat, mais avec des valeurs de production de classe mondiale et avec des paroles motivées par les préoccupations du présent.

Ces exceptions sont toutefois suffisantes pour rendre Detriment digne d’intérêt. Avec un tempo souvent réduit et des passages d’une force brutale, Detriment doit de véritables clins d’œil au sludge metal, qui est une fascinante concoction. Le chant de Sara Gregory est brut et sans compromis, avec des motifs vocaux allant d’un rugissement de grizzly à un cri guttural et laconique, diffusé parmi un mur de guitares brutes de Clayton Stevens de Touche Amore. Dans Touche, le travail de Stevens est généralement plus agile, mais il est ajusté dans Entry pour donner un coup de poing à chaque accord de puissance, un véritable marteau de riffs lo-fi accordés en goutte-à-goutte et additionnés de réverbération. Il y a des textures de basse granuleuses et la batterie est constituée de remplissages et de motifs punk classiques. Si ça marche, ça marche, pourquoi le changer ? Il y a assez de distinction dans ce cocktail d’odes punk pour qu’il reste intéressant.

Seules deux chansons durent plus de deux minutes ; l’une d’entre elles, « Selective Empathy », est une affaire violente et générale qui abhorre toujours une mélodie, ce qui est bien. Il n’en faut pas, pas de chant de gang, pas d’appel et de réponse, pas d’éclat pop qui semblait orienter le genre au début des années 90. C’est de la colère étant donné son espace, dirigée et maniée comme un club sonique. Le joyau, l’exception mentionnée plus haut est le dernier morceau, « Demons », qui présente un potentiel de discussion. C’est un morceau lourd, entièrement séparé du reste du punk adhérent plus fidèle de l’album, et qui se penche plutôt ouvertement sur le doom et le sludge metal. C’est un véritable choc, car le reste de l’album est tempéré, pas dérivé, mais bien gardé dans la décision du groupe de canaliser une énergie d’un genre qui est connu pour être difficile à innover efficacement à l’intérieur.

Detriment est un disque de punk brutal, faisant probablement plus pour récupérer ce que signifie être plu punk que le punk et son intention que la plupart des autres albums de punk récents. La façon dont cela stimule un auditeur potentiel dépend de nombreux facteurs, la nostalgie étant peut-être l’un d’entre eux. Bien sûr, la perception de ce qu’est, ou devrait être, un genre en est un autre.

***1/2


The Lawrence Arms: « Skeleton Coast »

24 juillet 2020

The Lawrence Arms sont un incontournable depuis plus de vingt ans sur la scène punk/alternative. Sorti régulièrement au début des années 2000, c’est la première sortie du trio depuis environ six ans, et cela vaut complètement la peine d’attendre. Skeleton Coast est un album rapide avec 14 titres qui passent en moins de 35 minutes, ce qui vous donnera encore plus de raisons de l’écouter en permanence.

L’été amène des voyages en voiture, des chansons à chanter en solo lors de ces voyages et des chansons à faire sauter les étoupes. The Lawrence Arms ont créé un album parfaitement adapté à cela. Avec l’influence évidente de groupes comme Alkaline Trio, The Menzingers et The Smoking Popes, il est facile de comprendre pourquoi le groupe a une façon de créer des chansons amusantes et personnelles

Bien qu’il ne s’agisse pas d’un bond massif de la créativité, il ne semble pas que ce soit nécessaire. Avec le genre de musique qu’ils font, la cohérence est essentielle. Le groupe ne s’éloigne pas trop de sa zone de confort, mais cela ne vous dérange pas de sentir l’énergie monter en flèche au fur et à mesure que l’album avance.

Les morceaux bourdonnent d’énergie et d’émotion, vous tenant la tête haute et poussant à la course, pas trop longtemps avec la plupart des morceaux de moins de trois minutes chacun. Des titres comme « Quiet Storm », qui ouvre l’album de manière agressive et forte, « Dead Man’s Coat » et « How To Rot » vous feront cogner la tête et écouter encore et encore pour que les refrains et les couplets soient justes et que vous puissiez crier.

Le plus proche, « Coyote Crown » »est le morceau le plus long, avec trois minutes et demie, et ferme magnifiquement le serre-livres de l’album. La plupart des chansons étant des points d’exclamation, on a l’impression que c’est la marque d’une période et non pas d’une manière collante ou forcée.

Pour les fans cultes du groupe et pour ceux qui écouteront Skeleton Coast pour la première fois, cela fera tilt avec tous les fans du genre. Il y a beaucoup plus de notes aiguës que de notes graves de haut en bas, mais ne vous attendez pas à ce que quelque chose qui révolutionne une roue qui, elle, continue de tourner d’elle-même.

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Silverbacks: « Fad »

18 juillet 2020

Il y a un peu plus de 18 mois, un billet de blog hébergé par le NME a fait de l’Irlande la nouvelle patrie du punk. Aujourd’hui, des termes comme « journalisme paresseux » ne devraient pas être utilisés à tort et à travers, mais soyons honnêtes : le terme « punk » est une étiquette trop réductrice pour les groupes qu’il présente et, à part le fait que certains d’entre eux ou tous ont partagé une scène à un moment ou à un autre (et que deux des groupes ont une relation particulièrement étroite), la seule chose qu’ils ont vraiment en commun est qu’ils sont irlandais.

L’un de ces groupes, Silverbacks, se distingue des autres grâce au son post-punk déformé, maigre et artistique de la série de singles qu’ils ont publiés au cours des deux dernières années. Le quintette de Dublin se distingue par son mode tri-guitare et le style vocal déclamatoire du frontman Daniel O’Kelly. On pourrait même dire que de tous, ils sont les plus amusants à écouter.

Compte tenu de l’accueil réservé à la scène « post-punk revival », Fad est un intitulé intéressant mais approprié pour un premier album. Sonorité brute et parfois féroce, il est soutenu par le lyrisme d’observation et les crochets infectieux d’O’Kelly.

Si la scène new-yorkaise du début des années 2000 est un point de référence évident, on pourrait dire que la tendance pop plus relâchée des années 1990 est tout aussi importante que la formule du groupe. L’esprit nihiliste et sec, ainsi que les paroles laconiques comme « That wasn’t Jesus/That was just some fucker in a dressing dress dress dress » sur « Drink It Down », ou « There’s only one thing that’ll patch me up/But the DJ won’t play The Boys Are Back In Town » sur « Last Orders » feraient rougir même le perpétuel nonchalant Stephen Malkmus. Si ce n’était pas le cas, les harmonies des cloches de prières et les chuchotements de « Korea », qui se sont répandus dans toute la mode de 1995, le feraient certainement.

Le triple arrangement de guitares du groupe donne à Fad la plus grande partie de sa vitalité. Bien que ce ne soit pas le jeu de guitare le plus étudié ou le plus adroit techniquement jamais enregistré, les morceaux sont délicatement entrelacés et superposés. Leurs contrepoints tissent une nouvelle substance et une subtile complexité à chaque morceau.

Il y a aussi beaucoup de diversité à apprécier – de la timbale réticente sur « Dunkirk »et son groove catch and release qui laisse place à une décomposition mathématique merveilleusement divergente, au disco-punk vibrant et luxuriant du Klub Silberrücken.

Fad est accrocheur et pointu, mais ce n’est qu’un simple fondement. Après tout le battage et le buzz, les Silverbacks ont créé une collection de chansons mémorables, accrocheuses et pleines de bon sens, avec une conscience de soi ironique et absurde. Contournant la pop rebondissante des slackers, le rock mathématique et les sons de revival garage/post-punk, c’est un disque qui ne se prend jamais trop au sérieux. « Dunkirk » s’amuse à utiliser toutes les astuces punk du livre / Et vous voulez qu’il aille quelque part », alors que même le titre de l’album pourrait être perçu comme s’amusant du buzz autour de l’album, du groupe ou de la scène qui a donné naissance aux deux. Cela ne réinvente pas exactement la roue, mais ce n’est pas nécessaire. Il le sait, en tout cas.

***1/2


No Age : « Goons Be Gone »

8 juin 2020

Randy Randall et Dean Spunt de No Age ne jouent pas vraiment franc jeu sur leur cinquième album. Bien que tous les clubs des États-Unis aient été fermés depuis la mi-mars, ces gars vous font regretter les spectacles punk rock et ce spray vocal occasionnel dirigé par la batterie. Après leur précédent album Drag City, Snares Like A Haircut, qui a capturé le summum du mélange d’expérimentation et d’éclats bruyants du duo, Goons Be Gone s’attaque principalement à la gorge. Plus direct et plus percutant que tout ce qu’ils ont fait jusqu’à présent, il est néanmoins pleinement accueilli dans le vide actuel.

L’ouverture, « Sandalwood » se pavane façon Jagger, et Randall arrive en tête avec un riff de style « Satisfaction » d’une franchise désarmante. La joie primale des percussions, des couches de guitares bourdonnantes et du chant passionné de Spunt attire l’attention dès le début tandis que les passages instrumentaux plus sombres, avec leurs borborygmes mécaniques, ajoutent une touche de complexité. « Feeler » a une ligne de tête plus brillante qui coupe continuellement sous le rictus morveux de Spunt mais le point culminant de l’album est « War Dance, » avec son rythme effréné et ses plaintes récurrentes : « Je suis étonné par votre ignorance aujourd’hui. » (I’m astonished by your ignorance today.)

Il n’y a qu’une poignée de morceaux qui penchent vers la fin plus expérimentale, et ceux-ci sont principalement dépourvus de chant. Les boucles de bande et le fuzz de Toes In The Water recouvrent un cliquetis industriel sous-jacent qui rappelle les précédents travaux du duo. Tandis que le répétitif « A Sigh Clicks » rappelle un exercice de sirène de raid aérien qui dure un peu plus longtemps que les exercices imposés par le gouvernement. Le dos de l’album manque peut-être de moments plus marquants, mais il se termine par un autre bobber à pleine tête dans « Agitating Moss ».  

Goons Be Gone ne sera pas considéré comme le meilleur album de No Age, mais il bénéficie de sa franchise. Randall et Spunt s’affrontent aux frontières du punk aussi bien que n’importe qui. Le fait qu’ils aient fini par explorer une facette plus passionnée et plus libre d’esprit d’eux-mêmes finit par constituer en soi le mouvement surprenant. Que l’album vous ramène aux premiers temps du punk anti-establishment ou vous donne simplement envie de retourner, en temps venu, dans les clubs, Goons Be Gone fait bien son travail. 

***


Jeff Rosenstock: « NO DREAM »

25 mai 2020

Votre « oncle punk » préféré, Jeff Rosenstock, est de retour avec une autre surprise, un nouveau disque NO DREAM dans lequel, dès les premiers instants, il est clair qu’il est revenu à ses racines punk rock dans Bomb the Music Industry et Arrogant Son’s of Bitches pour créer un opus inspiré par le chaos, la confusion, la division et le désespoir de ces dernières années. JR a décrit son regard sur la musique comme étant du vocabulaire: « on apprend de nouveaux mots mais on n’oublie pas les anciens » (you learn new words but you don’t forget the old ones).

Dans les premiers morceaux, il est clair qu’il s’agit d’un album plein de fureur. L’ouverture frénétique, « NO TIME, » arrive en moins d’une minute et elle constitue une introduction parfaite à l’album, avec des thèmes musicaux et lyriques qui sont suivis tout au long. Il y a un sentiment de nostalgie pour les groupes punk EpiFat des années quatre-vingt-dix, qui s’accorde parfaitement avec le chant rapide qui mène à un point culminant de rétroaction grinçante.

Le souci du détail dans la transition d’une piste à l’autre est une chose que JR a toujours maîtrisée. La combinaison des intros et des outros crée une libération qui s’accompagne d’un flux chaotique, mais quelque peu réconfortant. Il y a très peu de gens qui peuvent passer d’un riff de guitare écrasant (« Scram ») à une guitare vintage et à un chant émotionnel (« N O D R E A M) », mais cela ne fait qu’ajouter au charme.

Si l’on considère qu’il s’agit d’une sélection de chansons qui s’inspire de projets antérieurs, la fraîcheur et la créativité de cet album sont surprenantes. Même si cela ne devrait probablement pas être le cas, vu la fréquence à laquelle JR repousse les limites et surprend les auditeurs. L’ensemble de la sortie ressemble à un développement, y compris tout ce qui a précédé. Les percussions frénétiques, les chants de gang et les guitares anguleuses qui clôturent le f a m e en sont un excellent exemple et illustrent toute la carrière de Rosenstock.

Il est évident que le back catalogue n’est pas la seule comparaison à faire dans cette collection de chansons. On y trouve des hochements de tête en direction de la musique alternative de toutes les époques, créant ainsi un album qui joue comme une leçon d’histoire de la musique. Les touches vintage de « The Beauty of Breathing » rayonnent de soleil et d’air marin. Les tambours roulants du surf punk, les harmonies et la guitare lointaine combinent The Beach Boys, Surfer Blood et Descendents en une chanson pop parfaite de trois minutes. « Old Crap » a un côté chanteur-compositeur traditionnel qui se construit à partir de la guitare et du chant pour aboutir à quelque chose de beaucoup, beaucoup plus grand avec le soin et la considération nécessaires au rock mathématique.

Cette sortie est un autre exemple d’écriture de chansons bien réfléchies, avec une musicalité éblouissante qui se combine avec une opinion politique et émotionnelle équilibrée, pour créer treize chansons qui vous inspireront à réfléchir. Il y a des moments qui, bien qu’écrits avant la pandémie, semblent importants et prédominants en ce moment, il y a des messages d’espoir et des rappels que tout cela passera (espérons-le) malgré le pétrin dans lequel nous nous trouvons actuellement.

C’est un album qui comprend l’importance d’un riff, que ce soit sous la forme d’une ligne de guitare accrocheuse ou d’un énorme refrain. Ces moments égayent une sortie qui aborde l’émotion sérieuse, la politique et la santé mentale. Ces moments transportent l’auditeur dans des salles en sueur et des chants de gang, et pour l’instant, cela ressemble à une évasion bien nécessaire.

Dans l’ensemble, NO DREAM est un excellent album qui illustre l’évolution de Rosenstock en tant qu’auteur, musicien et personne. Sa maturité s’associe à un sens de l’humour des plus aiguisés pour créer des chansons qui sont réconfortantes et donnent à réfléchir. Cet album est probablement idéal pour ces quelques moments d’évasion dont nous avons tous besoin.

***1/2


Pure X: « Pure X »

5 mai 2020

De retour d’une interruption de six ans, le groupe d’Austin, au Texas, Pure X, revient avec son quatrième album de douze titres, Pure X, un son qui reprend le même son acclamé de leurs travaux passés en mettant l’accent sur une approche punk.

L’album présente des guitares qui s’échangent pour former un son grungy, des guitares folkloriques douces qui vibrent de mélodies empathiques et tristes, ainsi que le chant narcotique laxiste de Nate Grace et l’énergie qui fait allusion à d’autres groupes tels que Deerhunter, Tamaryn et Diners. Au début de l’album, le projet « Middle America », acclamé par la critique et l’une des meilleures performances du projet, fait son apparition avec des rythmes lents et durs et des voix empathiques. Avec une vidéo officielle publiée en complément du morceau, la vidéo présente des scènes et des vidéos maison aléatoires et diverses à petit budget pour donner une touche artistique à « Middle America ».

Lent et traînant, « Hollywood » est l’essence même d’un après-midi de sommeil qui se manifeste par une mélodie qui appelle à être appréciée en lisant son livre préféré sur le canapé avec d’autres morceaux plus tard dans l’album qui donnent des vibrations similaires. Avec ses sonorités punk-rock classiques, « Angels of Love » s’insère dans un univers musical qui fait exploser les têtes et qui est à écouter avec modération au lit ou pendant les travaux ménagers.

« Free My Heart Coasts » est un titre aux sonorités plus graves que « Angels of Love », avec des voix douces et répétitives et une légère rythmique pour donner une impression de rêve, tandis que « Making History » donne à l’album un centre assez laid-back pour se détendre et se relaxer. « Fantasy » marque la moitié de l’album avec des guitares délavées qui font de cet album une scène punk souterraine trouée dans le mur, réservée à ceux qui pratiquent la religion. Des paroles déprimantes et des guitares lo-fi déverseront une expérience mélancolique de lent balancement en écoutant « Man With No Head » en complément de « How Good Does It Get » avec des similitudes de ton et de mélodie.

Il convindra aussi de se mettre en sa situation préférée pour « Slip Away » et « Grieving Song », avec les chants graves et les guitares lo-fi déjà habituels, les deux vous demandent de vous reposer, de prendre une grande respiration et de vous replonger dans les mélodies sombres. Les percussions révèlent leur place dans « Stayed Too Long », donnant le support de base nécessaire à ces sombres mélodies de guitare pour construire un rembobinage palpitant juste avant le morceau outro rêveur, « I Can Dream ».

Pure X reste fidèle au son et à la production uniques du groupe, un exploit que les auditeurs apprécient lorsqu’ils écoutent un de leurs artistes bien-aimés, car ils veulent revivre cette même muse qui les a capturés une fois auparavant sans grande déviation.

***


The Used: « Heartwork »

26 avril 2020

Avec des paroles infernales, des refrains entraînants et des ballades mémorables, Heartwork est le deuxième album studio de The Used après The Canyon en 2017. Il intègre également des éléments de musiciens reconnus, dont le chanteur Jason Aalon Butler de Fever 333, le chanteur Caleb Shomo de Beartooth et Travis Barker et Mark Hoppus de Blink 182.

S’ouvrant sur la ballade colossale « Paradise Lost, a poem by John Milton », cette fanfaronnade punk fait démarrer Heartwork par des riffs volants et une énergie tourbillonnante. S’élançant dans de subtiles tendances de heavy rock, « Blow Me » est asséné par un invité spécial, Jason Aalon Butler. Avec des cris d’enfer et des riffs militants, le disque n’hésite pas à nous mettre dans l’ambiance sur les deux premiers morceaux, alors que les musiciens triturent leurs instruments dans l’anarchie la plus totale. 

Mystique, « Bloody Nose » sera plus sombre alors que le frontman Bert McCracken met en boucle des paroles contagieuses : « J’ai été sur la route, mais je vais trop vite, dégagez la route, je cherche un endroit pour m’écraser et brûler, dites-moi, est-ce que je mérite ce qui arrive ? » ‘ I’ve been on the road, but I’m going way too fast, clear the road, I’m looking for a place to crash and burn, tell me, do I deserve what’s coming ?)

L’émulsion atmosphérique de My Cocoon » est courte mais efficace ; d’un son doux, cet intervalle d’une minute fait la transition entre le climat précédent de désordre émotionnel et leur single électro-pop « Cathedral Bell ». Ce morceau sonne beaucoup plus mainstream que le reste de l’album, mais il ne semble pas déplacé par ses carillons angéliques qui se fraient un passage parmi les chuchotements de McCracken. 

La chanson titre voit, parait-il, son origine dans la magie et son et interlude de paroles es, ) cet égard, glacial, prolongé et rémanant. «The Lottery », avec le chanteur de Beartooth, Caleb Shomo, est un gouffre tourbillonnant de chaos et cela ne s’arrête pas là, les paroles progressives de Shomo, en plus du chant de McCracken, sont assez percutantes. Il est sombre dès le premier coup de guitare et se démarque facilement. 

L’avant-dernier morceau, « Darkness Bleeds », est assez difficile à suivre, mais c’est un voyage joyeux. Il se termine avec le très sincère « To Feel Something » » et conclut Heartwork par un adieu émouvant, alors que le frontman McCracken plaide : « Je veux juste ressentir quelque chose, n’importe quoi est mieux que cela ». (I just wanna feel something, anything is better than this) De retour après trois ans, Heartwork salue le retour d’un John Feldman qui nous dispense, sur cet album, une part indéniable de magie punk.

***1/2

 


Melkbelly: « Pith »

8 avril 2020

Pith est le troisième album de ce quatuor punk basé à Chicago et il contient une multitude de riffs et d’accroches avec un peu plus de développement et d’ampleur que d’habitude. Sur les enregistrements précédents, Melkbelly a pleinement profité de sa puissance rageuse et a créé des moments de libération viscérale pleins d’énergie et d’abandon total qui ne laissaient personne indemne.  Ces caractéristiques sont toujours évidentes ici, mais il y a une sorte de douceur prudente sur Pith pour tempérer le cynisme affiché sans pour autant le dépouiller entièrement. La production de ce disque est un peu plus lumineuse, ce qui donne un opus plus vivant et plus identifiable, tout en permettant aux compositions de s’épanouir pleinement et de conserver un impact maximal.

Une chanson comme « Sickeningly Teeth » combine les tendances punk mélodiques de Melkbelly avec des mélodies plus brillantes tout en montrant un peu de muscle. Melkbelly fait contraster un joli petit refrain mélodique qui s’évanouit avec le chant de Miranda Winters avant de laisser place à des hurlements de guitare déformés et à un bruit de basse sourd et persistant tout en jouant avec le tempo, passant d’un rythme effréné à un temp plus ralenti. « Kissing Under Some Bats » permet à Melkbelly de s’étendre et d’embrasser son côté plus « noisy » avec des assauts de guitare qui crient et menacent sur une batterie rapide et enflammée savant de se transformer en une sorte de chant funèbre à la Melvins poussé à l’extrême. Il y a ici un peu de « Sturm und Drang » radical, une bagitation néo-industrielle qui est implacable et claustrophobe, la batterie claque et rugit tandis que les guitares sont noyées et submergées par des pédales à effets qui ajoutent, dans la texture, couches et nappes soniques.

Certains des morceaux les plus mélodiques du disque, des compositions comme « Humid Heart » et « Little Bug » verrontle dernier titre commencee par s’enfermer dans un groove un peu sale avec des fournées percussives ludiques et une guitare croustillante avant de se transformer en un joli chant mélodique. Le chant double de Winters ajoute un élément nouveau et bienvenu et apporte une fraîcheur par-dessus les guitares qui déroulent des vagues de crunchs et de riffs agiles. « Humid Heart », de son côté, présente une mélodie enjouée qui utilise un arrangement labyrinthique où les guitares s’entremêlent tandis que la section rythmique crée une sorte de puzzle entre les six cordes que jamais elles ne s’emmêlent les unes les autres. Une désorientation sétablit alors mais elle est ludique est présente tout au long du morceau avec une bel assemblage de gymnastique instrumentale qui tourne à l’effondrement presque total avant de se fondre en une catalyse finale.

La croissance dont Melkbelly a fait preuve en relativement peu de temps a vraiment été quelque chose à voir et ce disque montre un groupe qui se met en marche de façon exubérante. Miranda Winters et ses acolytes continuent de donner un assaut sonore à chaque morceau, mais avec Pith, il y a quelque chose de plus qui se cache sous la tension et les explosions de folies instrumentales que les fans ont appris à connaître et à aimer. L’arsenal varié présenté ici montre un groupe qui fonctionne à un niveau proche du sommet de sa performance et le resserrement de l’art de la composition ne fait qu’ajouter à la puissance qui a toujours été à portée de main. Pith est un disque plein de tension et de tessons, mais il y a maintenant une chaleur sous-jacente qui renforce son impact. C’est un disque qui s’épanouit de bien des façons et qui accueille toutes les bizarreries qui se présentent à lui, d’un point de vue unique et saisissant.

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Las Kellies: « Suck This Tangerine »

6 avril 2020

Las Kellies est le groupe argentin formé en 2005, composé de deux membres, Cecilia Kelly à la basse, aux guitares et au chant, et Silvina Costa à la batterie, aux percussions et au chant et on trouve, parait-il, Las Kellies dans les discothèque post-punk pleines de Goths et d’Indie Kids portant des vestes en cuir noir.

Le premier motif de batterie et le son de basse de « Closer  ramènent directement au Sandinista ! des Clash. En fait, l’ensemble de leur répertoire a un côté dub un peu plus rapide e, que comme leur premier opus, il est produit par Dennis Bovell. « Closer » mélange également ce que l’on peut décrire comme du gravier et du miel, une douceur dans les voix et des lignes de basse qui contrastent fortement avec les attaques de trilles et de coups de couteau de la guitare. Souvent, comme dans une composition telle que « Baby », la basse et la voix occupent un monde onirique enveloppé de réverbération, tandis que la guitare se juxtapose avec colère. Cependant, la guitare offre également des passages mélodieux comme le riff percutant qui traverse « Charade » ou le glissement cosmique qui joue dans « White Paradise ». Il y a aussi des chansons comme « He’s Who’s », « Despite » et « Weekdays » qui ont la puissance motrice de « Not Great Men » ou « To Hell With Poverty » de Gang of Four.

Comme la plupart des groupes ne comptant que deux ou trois membres, ils doivent faire preuve d’inventivité dans le jeu entre si peu d’instruments et Las Kellies sont excellentes pour savoir quand laisser de l’espace pour permettre à la voix et à l’instrument de respirer et quand se laisser déchirer par un millier de poignards de flics hurlants. La section rythmique de la basse et de la batterie maintient un rythme solide et ingénieux avec une excellente utilisation occasionnelle des bongos (quelque chose qui peuplait beaucoup de morceaux indés des années 80 mais qui semblait se retrouver dans le faste des années 90) et permet à la guitare d’attaquer les sens comme un choc statique inattendu. Il s’agit d’une capacité à danser avec des angles aigus et des sauts supplémentaires. En écoutant leurs précédents albums pendant l’écriture de cette critique, il semble que Las Kellies aient affiné leur son sur la pierre à aiguiser de l’expérience pour sortir un album qui est vraiment confortable dans sa propre peau indie et plein de plaisirs croustillants à croquer.

***1/2