Psychic Markers: « Psychic Markers »

7 juin 2020

Lorsqu’un groupe décide de sortir un album éponyme, et que ce n’est pas leur premier, c’est signe qu’ils cherchent une sorte de rupture nette, un changement, un nouveau départ. Cela pourrait être le cas de Psychic Markers, un groupe multinational qui a décidé de faire de son troisième album un disque éponyme.

Qu’est-ce qui pourrait provoquer ce changement et comment cela affecte-t-il le son du combo ? Comme l’explique Steven Dove, l’un des leaders du groupe, l’une des influences clés de l’album, de son thème et de son son est le lien avec le fait que le groupe a été pris dans une grosse tempête de sable lors d’un road trip aux États-Unis.  « Ces choses-là ont un impact sur vous », dit-il. « J’ai pensé à la nature humaine, à notre propension à l’erreur, à l’imperfection et aux implications d’une prise de décision réactionnaire ».

Des pensées profondes. Très souvent, cependant, cela ne se reflète pas beaucoup sur le son qui est présenté aux auditeurs. Mais cette fois-ci, Dove, Dufficy et le reste du groupe ont étayé leurs grands mots par des changements substantiels dans leur son.

Ils n’ont donc pas complètement abandonné leurs racines psychédéliques mais ont décidé d’y ajouter des couches d’électronique. Certains pourraient faire des comparaisons avec le dernier né de Tame Impala. D’une certaine manière, c’est la même chose mais c’est très différent. Si cela a un sens.

Ce que Psychic Markers ont fait, c’est varier leur son. Ils ont évidemment ingéré pas mal de Krautrock entre-temps. « Silence In The Room » pourrait, à cet égard, certainement être vu/entendu comme un hommage psychologique à Kraftwerk, et « Enveloping Cycles » est un morceau inédit de Harmonia/Michael Rother, avec des voix en prime. Ailleurs, « Pulse » et « Sacred Geometry » comprennent certainement de l’électronique mais sont pleins de sons que ceux qui sont conscients des marqueurs psychiques d’avant connaissent mieux.

L’expérience de Psychic Markers dans la vie réelle a profondément influencé leur son, sans vraiment les éloigner de leurs racines psychiques, et c’est tant mieux.

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Brigid Dawson & The Mothers Network: « Ballet of Apes »

31 mai 2020

Les années Brigid Dawson de Thee Oh Sees ont été parmi les plus belles que le groupe de longue date ait eu à offrir. Bien qu’elle soit toujours une collaboratrice fréquente (mais plus un membre principal), il faut mentionner que sa présence a toujours amélioré le groupe, en offrant des voix et des touches et une touche légèrement plus raffinée à l’étrange spectacle de punk garage toujours changeant (ceci est un compliment). Aujourd’hui, après toutes ces années, Dawson a sorti son premier album solo, Ballet of Apes, sous le grand nom de Brigid Dawson & The Mothers Network. Bien que l’intrigue ait fait de ce disque l’un de nos plus attendus, l’album est tout à fait brillant, un joyau intemporel d’un début qui s’améliore à chaque écoute.

Enregistré avec la contribution de Mike Donovan (Peacers, Sic Alps), Mikey Young (Eddy Current, Total Control) et Sunwatchers, il y a une vieille âme dans le Ballet des singes, mais un son qui refuse de rester immobile, canalisant un psychisme floral, un folk acide, une âme réverbérante et une ballade caustique. Chaque chanson évolue dans un espace et un temps qui lui sont propres, la voix magnifique de Dawson et son écriture contemplative étant le fil conducteur qui relie le tout. C’est l’un des meilleurs disques néo psychédéliques de l’année.

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Elephant Tree: « Habits »

3 mai 2020

Habits est le genre de disque addictif qui, dès la première écoute, déclencherait d’approfondir les raisons pour lesquelle il suscite une telle déclaration. Tout d’abord, ce disque a été qualifié de « doom » ou de « stoner », car le premier album éponyme d’Elephant Tree s’il était extrêmement lourd, était également accompagné de mélodies et d’une bonne dose de blues. Mais l’étiquette va bien sûr rebuter beaucoup de gens parce qu’elle peut être un peu définitive. Deuxièmement, c’est le premier effort du groupe qui affichecette réputation de chansons turbulentes du chaos sonique bruyant avec lequel jeunes frères et sœurs sèement la zizanie chez les membres plus âgés de leur famille.

Si on considère cet album comme une passerelle vers tout ce qui précède on pourradéfier quiconque aime la musique de ne pas aimer ces airs. La combinaison de la mélodie, de la lourdeur et de la psychédélie a peut-être déjà été essayée mais rarement a-t-on fait en sorte qu’elle sonne si fraîche et édifiante.

« Sails », la première véritable chanson – l’intro, « Wake.Repea » », est une sorte de battement de coeur à la Dark Side of the Moon – a un refrain qui vous ouvre grand le coeur, tandis que « Faceless », qui suit, a une belle ligne mélodique qui est presque impossible à sortir de votre tête. Puis il y a « Bird », qui s’élève aussi haut que son nom l’indique.

Les sons de guitare peuvent être doux et profonds et la basse peut être riche et souple, entraînée par une grosse caisse qui se profile à l’horizon et soutenue par des claviers occasionnels. Ensemble, ils évoquent des riffs à mourir. Mais au-dessus du mur du son, il y a des voix harmonisées qui sont accordées et fragiles, dans le bon sens du terme – comme ces battements de cœur de la fin des années 1960 qui semblaient déterminés à se frayer un chemin à travers la psychedelia envahissante.

Et pour compléter le tout, les chansons sont si bien assemblées. Leur premier album était très bon mais l’écriture des chansons est ici à des années-lumière de ce qu’ils ont produit précédemment. On a l’impression que si Elephant Tree n’était pas tombé dans lun trou d’anonymat, leurs mélodies feraient la joie des fans de pop. Sérieusement.

Prenez « Exit the Soul » »comme exemple. Il n’est pas aussi accrocheur que les morceaux susmentionnés, mais il a un riff apaisant qui est l’incarnation d’un grand géant sympathique. Il vous fera sursauter lorsqu’il se glissera dans vos oreilles, mais une fois qu’il est là et qu’il s’est installé confortablement, il est clair qu’il ne veut pas faire de mal, même s’il se décompose en un rythme d’escargot. Et si ce chiffre ne suffit pas à vous convaincre que ces gars savent comment écrire un morceau, la chanson acoustique « The Fall Chorus » fera l’affaire. C’est une chanson magnifique, avec une coda folklorique cool et mélancolique qui fait appel à un violon. Elle vous transporte dans un pays mythique de patchouli et de velours, de cheveux longs et de doux hallucinogènes.

L’album se termine par les deux plus lourdes des huit chansons. « Wasted » plonge dans les recoins de la psychchedelia, avec des solos prolongés, des voix filtrées et des paroles comme celle-ci : « Je perds mon temps à essayer de trouver une raison de rimer, une raison pour laquelle des choses étranges se produisent dans mon esprit. » (I am wasting my time, trying to find a reason to rhyme, a reason why strange things are happening in my mind). C’est une chanson énorme et elle met en valeur tout ce qui est étonnant dans cet album : non seulement le ton et la mélodie, mais aussi la façon dont elle est à la fois lourde et édifiante, sans effort.

« Broken Nails », quant à elle, est surtout instrumentale et très, très sombre. Il s’agit d’un bon contrepoint à la mélodie que l’on retrouve ailleurs, car il s’agit de riffs. Et de l’effrayant. Mais ne vous laissez pas effrayer. Retournez au début et enveloppez-vous à nouveau dans l’album. Croyez-le, vous aurez envie de le faire encore et encore.

***1/2


Caleb Landry Jones: « The Mother Stone »

3 mai 2020

Bien qu’il soit connu pour ses rôles d’acteur dans des films comme Get Out (2017) et X-Men : First Class (2011), Caleb Landry Jones nourrit depuis longtemps des ambitions musicales. À part le projet éphémère de Robert Jones dans les années 2000, il a relégué ses idées dans les profondeurs de son esprit et les séances d’enregistrement occasionnelles dans la grange de ses parents. Plutôt que de laisser mourir ses chansons, Jones a nourri son art dans la grande déclaration de son premier album. The Mother Stone est un travail de maître en matière de musique psychédélique expansive, envoûtante et saisissante.

Si les Beatles ont enregistré The White Album avec Tom Waits et David Axelrod, cela pourrait ressembler à cette énorme entreprise. L’album commence avec ses deux plus longs morceaux, « Flag Day / The Mother Stone » et « You’re So Wonderful ». Les deux chansons pourraient remplir des albums entiers avec leurs arrangements. Alors que les orchestres de chambre se mêlent à une section rythmique psycho-rock, Caleb Landry Jones compose encore sa voix émotionnelle. Qu’il crie ou qu’il chante en souriant, il fait évoluer son chant pour s’adapter aux changements d’humeur de la musique. Quoi qu’il en soit, le tout este fermement ancré dans des mélodies mémorables.

Avec une durée de plus d’une heure, The Mother Stone se présente comme une longue excursion. Les transitions entre les chansons semblent complètement disjointes, à moins que vous ne les preniez dans une succession sans faille. Même si les rythmes nuancés, les arrangements luxuriants des cordes et le piano lourd créent une ambiance unique sur « I Dig Your Dog », il semble incomplet en lui-même.

Il en va de même pour « All I Am in You / The Big Worm ». Jones intègre des riffs de guitare grunge et des chants de baryton lunatiques dans sa version excentrique de British Invasion, mais cela ne constitue qu’une petite partie de l’histoire. On ne saurait trop insister sur le zèle créatif de cet album. Tout semblant de composition conventionnelle de chansons s’enfonce inévitablement dans une atonalité contrôlée et des crescendos symphoniques. Il y a trop de couches pour les compter, et pourtant vous vous retrouverez accroché à des crochets flottants au milieu de l’océan agité.

Il est facile de faire des comparaisons avec Tom Waits lorsqu’il est confronté à la voix croassante de Jones au début de « Katya », mais la véritable similitude réside dans ce qui est essentiellement une « méthode de jeu de la voix ». Evil Jones a un timbre grave et aigre, tandis que Good Jones apporte un ton bienveillant, car il joue des personnages dans une production théâtrale kaléidoscopique. C’est un sentiment qui se reflète musicalement, alors que des morceaux comme « The Hodge-Podge Porridge Poke » se détachent comme un air de spectacle de Broadway. Les changements de temps, les accents dynamiques et l’instrumentation élargie restent aussi abondants que naturels.

Des voyages de huit minutes aux anecdotes de deux minutes, chaque instant de The Mother Stone est minutieusement pensé. Le sillon ondulant de « No Where’s Where Nothing’s Died » et le déformé « The Great I Am », qui s’écrase, reflètent la nature polarisée de The White Album. Mais le sens de la portée et l’attention aux détails de Jones vont bien au-delà de l’imitation des imaginateurs originaux du rock, surtout en termes de dynamique de balayage et de production immaculée.

Plutôt que de noyer ses chansons dans la bizarrerie, Jones laisse toujours place à un grain rustique et à un son serein et agréable. Ce contraste permet à « Lullabbey » de dériver sur un nuage de chants et d’orgues angéliques, tout en étant ancré dans le sol par des tensions constantes à la batterie et à la guitare. Une telle placidité contraste avec les hits explosifs et les rythmes accélérés de « No Where’s Where Nothing’s Died (A Marvelous Pain) » » La chanson peut aussi bien être le thème du Fantôme de l’Opéra joué par un groupe de psycho-rock.

En dépit de sa musicalité exubérante, le travail de Jones conserve une solide colonne vertébrale lyrique. Malgré une musique intéressante, « For The Longest Time » et I Want To Love You » sont des histoires d’une grande richesse narrative. Abordant respectivement l’amour turbulent et le romantisme désespéré, les performances évocatrices de Jones sont remplies de récits basés. Cela peut sembler être un trip d’acide chasmique, mais il y a toujours de l’humanité dans le mélange.

The Mother Stone est un album pour mélomanes, écrit par quelqu’un qui aime son processus créatif. Les carillonsen arpèges, les cordes qui gonflent et le rebondissement rythmique de type cirque de « Thanks For Staying » se développent avec grâce, tout en restant fondés sur d’incroyables coups d’écriture. « Little Planet Pig » se termine par un geste conceptuel final, rappelant les modulations d’ouverture de l’album.

Caleb Landry Jones vient peut-être de commencer sa carrière solo en se surpassant. The Mother Stone est une expérience vraiment captivante. Les années passées sur chaque morceau s’attestent à chaque écoute, alors qu’une autre facette de la vision de l’auteur se dévoile.

****1/2


Harold Nono: « We’re Almost Home »

19 avril 2020

Ce musicien d’Edimbourg livre une musique intrigante sous diverses permutations et via de nombreuses collaborations depuis près de 20 ans maintenant et We’re Almost Home est sa quatrième sortie en solo.

Comme poursles précédentes productions, on y déniche maltitude de sonss, de samples, de craquelures et de bibelots soniques qui s’agitent autour de titres terriblement absurdes comme « Ron’s Mental Leap Coach » (un bain de champagne apaisant), « Gold Lame Neckhold » (un opéra sinistre et glitchy tout droit sorti d’un film de David Lynch), et le toujours populaire et nombriliste en mode ambient « Annie’s Phantom Life-Raft Choir ».

Des équipements de construction industrielle ont reproduit les rails pour un « Menton Train Jump » faustien en diable et Morishige Yasumune prête ses talents de violoncelliste au cinématographique « The Shout ». « Annie & Bunny Get Fast-Tracked » est un manège de carnaval qui tourne mal, car nos héros (héroïnes ?), prêtés par Bunny & The Invalid Singers, se faufilent avec insouciance sur ledit manège.

Fidèle à la mission de Nono, qui est d’être « inattendu », « Shaking On An Iron Bed » est une pure improvisation Coltrane (bravo au saxophoniste Anthony Osborne) qui traînera derrière elle une musique de film d’ambiance, et « Let The Light In (Prince of Darkness) » poursuivra cette fanfaronnade cinématographique impertinente. Alors que « The Gurney Trips » ressemble plus à une chaîne de télé qui surfe sur le net qu’à un véritable trip à l’acide et que « The Art of Rosa »pourrait s’apparenter à un enregistrement de The Conet Project, il y aura suffisamment d’avant-gardisme pour aiguiser votre appétit ; vouloir détruire et déconstruire vos ondes cérébrales afin de les reséquencer en un enregistrement du 21e siècle qui refuse de suivre les règles. Au final, ce sera une excellente chose pour notre playbook musical !

***1/2


The Dream Syndicate: « The Universe Inverse »

15 avril 2020

Les chansons et la guitare de Steve Wynn sont au centre de Dream Syndicate depuis que le groupe a débuté sur la scène du Paisley Underground de Los Angeles au début des années 80. Mais ce n’est pas le cas sur The Universe Inside, leur troisième album depuis que Wynn a relancé le groupe avec le nouveau guitariste Jason Victor et le clavier Chris Cacavas.

Les morceaux sont issus de jam sessions d’improvisation et les voix sont principalement des récitations conspiratrices entrecoupées de longs grooves entraînants.

Bien que le groupe ait exploré de longues chansons dans le passé – notamment le « John Coltrane Stereo Blues » de près de neuf minutes du Medicine Show de 1984 – il s’agissait généralement de duels de guitares entre un Velvet Underground qui aurait rencontré Crazy Horse. Cette fois-ci, les touches frappées par Cacavas et le saxophone et la trompette de Marcus Tenney prennent souvent le dessus.

Les cinq chansons de l’album sont étonnamment psychédéliques et proggy, avec des échos de groupes de moto allemands comme Neu ! et Can (sur « Apropos of Nothing » et « Dusting Off the Rus » », tous deux d’une durée d’environ neuf minutes), d’albums de jazz fusion comme Bitches Brew de Miles Davis (sur « The Regulator », 20 minutes), et surtout des débuts de Roxy Music (sur « The Slowest Rendition », 11 minutes).

Ces points de référence peuvent venir d’il y a environ un demi-siècle, mais The Universe Inside sonnent toujours frais et demeure, ancore aujourd’hui, trippant.

***1/2


Jonathan Wilson: « Dixie Blur »

18 mars 2020

Jonathan Wilson est un musicien multi-instrumentaliste, surtout connu pour ses travaux de producteur et de musicien de studio. Travaillant avec des artistes comme Roger Waters et Father John Misty, Wilson s’est révélé être un musicien formidable et son travail en solo a été fortement stimulé par ses habitudes de travail où il s’est toujours montré très investi. Outre son approche instrumentale, Wilson est crédité d’avoir revitalisé la scène musicale mourante de Laurel Canyon grâce àses méthodes de production, ainsi qu’aux différentes jam-sessions qu’il a organisées avec les différents musiciens des environs de Los Angeles. Sur son septième disque, Dixie Blur, les fans de tous les genres devraient s’attendre à un album solide, ses premières œuvres en deux ans.

Dixie Blur est , en effet,un maillage de genres qui s’inscrivent tous autour d’un seul et même axe : son éducation en Caroline du Nord. Le fait de cotoyer différents artistes excentriques et de les associer aux sonorités blues du sud de la Caroline du Nord s’avère fructueux, car il permet à Wilson de présenter un album fluide et facile à écouter, avec de nombreux détails mineurs pour les auditeurs musiciens. Le premier morceau, « Just For Love », semble avoir été écrit par Roger Waters. Wilson utilise une instrumentation progressive et un chant de réverbération intelligent qui évoque les tons et les émotions que Waters utilise dans son propre travail solo. C’est logique, car Wilson a remplacé David Gilmour pour le chant principal et le chant rythmique des chansons de Pink Floyd interprétées lors de la dernière tournée de Waters.

L’ensemble du disque donne cette impression d’être un album de country progressif mais où le prog-rock semble avoir une influence massive sur le son. Alors que, par le passé, Wilson s’est concentré sur les sons psychédéliques ceux-ci quelque peu éliminés sont, en même temps, réverbérés pour mener sa musique vers une direction plus calme. Le morceau « ’69 Corvette » semble à première vue être une chanson country qui pourrait raconter les mêmes sujets, mais il s’avère être une rumination sur la maison et le confort, avec une instrumentation apaisantealors que « Oh Girl »» est une ballade au piano sur l’amour, avec une guitare slide qui rappellera les compositions du Steve Miller Band.

L’album devient alors familierau fil de l’écoute at l’instrumentation est généralement la même tout comme une structure des compositions qui ne dévie pas vraiment. Certaines parties deviennent un peu lentes sans un élément de percussion plus lourd, renforçant la sensation que cela pourrait être un album country de Roger Waters. Dixie Blur montre toutefois un sens clair de la musique et est très loin de l’album country normal de tous les jours. Avec son climat dans l’ensemble plaisant et apaisant avec un son natif mais teinté dans un sryle progressif, Jonathan Wilson fait un travail fantastique en mélangeant les genres qui lui sont familiers, ainsi qu’en utilisant les influences des personnes avec lesquelles il a travaillé.

***1/2


Dead Lips: « Dead Lips »

16 mars 2020

Cet album éponyme est le fruit d’une collaboration entre The Flaming Lips et le duo de rock de L.A. Deap Vally. Il est parfait à l’approche de l’élection de cette année, grâce à son écriture très précise et à l’utilisation libérale de slogans consacrés à la politique américaine.

Le meilleur exemple de ce commentaire électoral chargé de « blasphèmes » se trouve peut-être dans le morceau de deux minutes « The Motherfuckers Got to Go » au cours duquel Lindsey Troy de Deap Vally répète plusieurs fois le titre de la chanson sur un fond de Flaming-Lips composé des immenses battements de tambour de Steven Drozd et des bruirs divers communs au chaos baigné dans les synthés des Lips.

Le projet entre les fans communs a été long à réaliser. La collaboration n’est pas étrangère à ce projet. Troy et Julie Edwards de Deap Vally ont travaillé avec tout le monde, de l’artiste canadienne Peaches à Jenny Lee Lindberg de Warpaint, en passant par l’auteur-compositeur-interprète français Soko et Ayse Hassan de Savages. Après avoir rencontré The Flaming Lips en 2016, Troy et Edwards ont fait un pèlerinage à Oklahoma City pour enregistrer avec le groupe dans ses studios de Pink Floor.

Mais Troy et Edwards sont arrivés à Oklahoma City sans aucun matériel préparé. Les membres de Flaming Lips, Wayne Coyne et Drozd, se sont donc mis au travail, dépoussiérant quelques chansons inutilisées d’autres projets et en composant de nouvelles, dont l’ouverture de l’album, le surdoué et syncopé « Home Through Hell ». Les artistes se sont engagés à inscrire les noms des deux groupes dans les paroles. Mission accomplie : La chanson comprend les paroles : « Riding along through the deep valley where the dragons of madness roam » (Parcourant la vallée profonde où rôdent la folie) avec « Now I think I tried too hard to shut the mouth of doom..taking all my wisdom from the flaming lips of youth » ( Parcours de la vallée profonde où errent les dragons de la folie avec ( Maintenant je pense que j’ai trop essayé de fermer la bouche du malheur… en prenant toute ma sagesse sur les lèvres flamboyantes de la jeunesse).

Sur le premier « single » de l’album, « Hope, Hell, High », Troy prête sa voix caractéristique, qui ressemble plus qu’un peu à celle de la chanteuse Ex and Oh’s, Elle King, à une ballade acoustique soyeuse qui prend de la force pendant le refrain percutant avec Edwards qui chante, « It’s a motherfucker, it’s a motherfucker, blam, blam, blam, blam blam, blam, blam, blam, blam, blam, blam ! »

La pochette de « The Pusher » de Steppenwolf synthétise le grain surdimensionné de l’original, le transformant en un paysage sonore de science-fiction aéré, sombre et accordé automatiquement. Ironiquement, l’hymne anti-drogue sonne assez dopé, et Troy ne peut pas résister à l’envie d’ajouter un élément œdipien à la phrase, « Seigneur, il va laisser ton putain d’esprit crier. » ( Lord, he’ll leave your motherfucking mind to scream)

La plupart des accords de puissance lo-fi de Deap Vally ont disparu, supplantés par l’ambiance hippie de science-fiction des Flaming Lips de leur époque Yoshimi Battles the Pink Robots. La musique de l’album partage sa personnalité entre des guitares acoustiques grattées et des synthétiseurs psychédéliques, généralement en même temps. La juxtaposition est mise en valeur pour « Love is a Mind Control », une chanson que The Flaming Lips avait à l’origine préparée pour l’auteur-compositeur-interprète Kesha.

L’album tempère la passion grossière de Deap Vally avec l’expérience et la sorcellerie sonore de The Flaming Lips. L’album qui en résulte parvient à sonner à la fois audacieux et bien élevé. À sept mois de la prochaine élection présidentielle, les possibilités de langage coloré ne manqueront pas. Heureusement, avec le nouvel album de Deap Lips, vous pourrez reconstituer le stock de bombes à Fuck qu’il vous reste à donner.

***1/2


Sphaèros: « Possession »

8 mars 2020

Après 30 ans passés à créer dans de multiples médias (sculpture, visualisation rétinienne, voyages, musique, poésie) jil décidé de tout mélanger en un seul monstre protéiforme : Sphaèros Possession.

On y touve sept pièces musicales et sept films, nés de sphères, sans forme préconçue, créés spontanément comme une écriture automatique, pour laisser parler les esprits. Ce travail est constitué d’une superposition de couches successives de sons, de visions, de poésie et de couleurs. Une fois reliés entre eux, ces éléments créent un univers kaléidoscopique vivant unique qui mêle la vision, l’audition et la pensée spirituelle à l’Au-delà et à ses mondes parallèles.

Pour créer cette pièce, il a passé trois ans dans mon monde intérieur, vivant une vie presque monastique afin de trouver l’essence même de la création, et de partager sa vision de la magie et de la réalité aussi ouvertement que possible, sans aucune concession.

Bien qu’il s’agisse d’un projet personnel, quelques amis l’ont aidé tout au long du chemin pour le chant, la danse, les arrangements, la batterie. La liste qu’il en dresse est explicite et édifiante :

« Holly Carlson (danse envoûtante), Adrian Bang (double batterie), Louise Ebel Pandora (Lucifer), symphonie monotone (danse du sang), Machiavel Machina (la bible isaac contre Xvl), Lenny Kray (studio /mix recording), Sylvia Kochinski (récital de poésie de Sphaèros), Stephanie Swan Quills (chant de poésie d’Aleister Crowley), Dante Fontana (Neckrocifer act), Anja, Attila bela babos, Roky Erickson (de l’interview d’Atom Brain »)

Ne restera plus alors que de plonger dans le paranormal, laisser couler toutes ses obsessions et explorer son mysticisme, un univers ténébreux et mystérieux. On embarquera alors dans l’au-delà, dans l’irréel et on sera perdu dans ce périple inquiétant dès les premières notes de l’obscure introduction nommée « Lucifero ». Mélangeant savamment krautrock, rock psychédélique et musique avant-gardiste afin de n’en garder que des codes peu conventionnels, le membre d’Aqua Nebula Oscillator évoque les forces maléfiques durant ce magma puissant des morceaux solennels tels que « Sorcière » et « Vibration » où tous les sonorités allant de cris de jouissance de femme aux mélodies déconstruites. Nous voici en plein délire rituel où les aspects théâtraux de « Void » et « Oeil » convoquent cris d’animaux, sons de synthés monocordes tout comme la voix de notre hôte bien spectral qui se lance dans diverses incantations sataniques. Vous voilà prévenus au menu de ce Possession qui ne fait pas du tout dans le conventionnel.

***1/2


Wasted Shirt: « Fungus II »

4 mars 2020

Le « debut album » de Wasted Shirt lui gagnea probablement la plupart de ses fans grâce à la crédibilité des membres de son groupe : Ty Segall et Brian Chippendale de Lightning Bolt et, en effet, ces auditeurs ne seront pas déçus. Fungus II est une ruée exaltante de percussions chaotiques, d’une guitare fuzz d’une qualité exceptionnelle et d’un bruit imperturbable qui rivalise souvent avec les meilleures œuvres du duo.

Aussi vicieuse et inquiétante que soit la musique, il y a un sentiment de joie partout. Il se manifeste dans l’expérimentation débridée, la catharsis en roue libre, et même dans une présence presque fantasque sur le « Zeppelin 5 », par ailleurs bourdonnant. Entendre les deux musiciens notoirement prolifiques, intenses et non conventionnels ensemble est un plaisir pour l’auditeur autant qu’on pourrait l’imaginer pour les deux. « All Is lost » ouvre l’album par un cri abrupt qui précède une explosion brouillonne de grosse caisse et de guitares en duel.

A partir de là, les choses vont rarement au ralenti. Segall et Chippendale couvrent à peu près tout le territoire qu’on pourrait attendre d’eux deux, se penchant un peu plus sur le chaos féroce de Lightning Bolt mais avec le lavage esthétique déclamatoire pour lequel le punk garage crasseux de Segall est connu. « Double The Dream » incarne peut-être le mieux cette combinaison, avec des morceaux de guitare noueux formant des accroches presque mélodiques tandis que Chippendale bat un rythme incessant. « Fist Is My Ward » est un numéro de Black Sabbath evisité doomysurmonté d’un chant guttural tandis que « The Purple On » » pourrait être un morceau perdu de Violent Femmes possédé par Satan.

En plus de leur penchant pour le bruit, les deux musiciens s’unissent pour faire d’excellentes excursions au son de la pierre, comme le bourdonnement de « Zeppelin 5″ »mentionné précédemment et surtout le morceau plus proche, lent et marécageux, « Four Strangers Enter The Cement At Dusk ». La batterie de Chippendale fait des breakbeats pour « Eagle Slaughters Graduation » et un backing track rachitique et trébuchant pour « Harsho » mais les fans de Segall, n’auront pas à s’inquiéter tant sa guitare est présente dans toute sa gloire et exerce ses ravages de fuzz sur tout le reste de l’album.

Fungus II n’est pas un album pour les faibles de coeur ou pour une écoute occasionnelle, mais c’est une oeuvre stellaire de deux des plus grands expérimentateurs modernes du rock indépendant.

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