Big Hogg: « Pageant of Beasts »

26 juillet 2021

Ce groupe de Glasgow est devenu un élément incontournable de la scène musicale de la ville, collaborant régulièrement avec des compagnons de route locaux comme les membres du très regretté Trembling Bells, ainsi qu’avec des sommités de passage comme Ex Reverie (le groupe a récemment accompagné Gillian Chadwick sur son excellent opus Isobel Gowdie avec Julia Jeffries). Mélangeant avec aisance des éléments particuliers du psychisme de la côte ouest, du funk des années 70 et du folk rock britannique de Fairport, ils offrent un mélange séduisant et enivrant qui conserve aussi fortement leur propre marque unique et leur style identifiable. Les albums précédents, tels que l’éclatant premier album éponyme de 2015 et le suivant Gargoyles, ont marqué la croissance de Big Hogg en une unité qui peut joyeusement nager dans des eaux expérimentales tout en gardant un groove stable et une forte sensibilité mélodique, une capacité qui leur a valu une reconnaissance critique significative. Conçu à l’origine à la fin de l’été 2018, Pageant of Beasts consolide et élargit les précédentes sorties de BH, tant sur le plan sonore qu’en termes d’écriture, sans doute aidé par le fait d’avoir été écrit et enregistré par tout le groupe ensemble dans un studio voisin de Glasgow, puis mixé pendant le huis clos. Il y a ici un sentiment authentique et tangible de cohésion et de « verrouillage » de parties et de styles disparates ; une fusion en quelque sorte, une magie qui s’est produite avec les bons composants et les bons acteurs, au bon moment.

Le morceau d’ouverture, « Golden Beasts », est une véritable fanfare, une salve de trompette solo pour ce qui est à venir, il est convenablement royal et plein de promesses. « Here Come The Moles » sera un mélange de Funkadelic et d’une séance d’entraînement psychédélique, habilement ancrée et encadrée par la section de cuivres et une guitare tour à tour carillonnante et brûlante. La voix de Sophie Sexon se marie parfaitement avec celle de Justin Lumsden ; en fait, Big Hogg tisse une tapisserie extrêmement efficace, chaque partie et chaque joueur contribuant de façon transparente à l’image sonore. Ensuite, « Man Overboard » accentue ses penchants soul des années 70 avec une rafale de flûtes adroites, avec à nouveau un soupçon de psychisme baroque à la Nirvana ou The Left Banke. On peut entendre l’ex-Trembling Bell Lavinia Blackwell apporter sa voix distinctive, son collègue Mike Hastings apparaît également sur l’album, tout comme la multi-instrumentiste Georgia Seddon, fille de Mike Heron de The Incredible String Band. « Smoking Again » plonge dans le psycho-rock enflammé que Big Hogg peut évoquer comme s’il faisait partie intégrante de son être ; cependant, l’exécution apparemment sans effort cache une interaction d’une complexité impressionnante entre des éclats de guitare en fusion et des cuivres, comme un mélange capiteux de Kinks de l’époque Village Preservation et de TS McPhee. Suit une version vréritablement envoûtante du « Willow’s Song » de Paul Giovanni, tirée de The Wicker Man, à la fois chatoyante et envoûtante. Le groupe saisit habilement l’étrangeté inhérente à la chanson, en laissant beaucoup d’espace aux bois bucoliques et aux échos électroniques spectraux pour ajouter un côté inquiétant. « Red Rum » fait honneur à Pentangle, la contrebasse créant un contraste saisissant entre des moments d’exploration plus calmes, influencés par le jazz, et une série de descentes de cuivres et de guitares à couper le souffle.

Ensuite, l’intro à la trompette de « All Alone Stoned » mènera à une beauté réfléchie et nostalgique aux couleurs de Canterbury, ses guitares bridées et son instrumentation délicate offrant une douce nostalgie qui montre encore une autre facette de Big Hogg, avec un orgue fuzz à la Richard Sinclair. La chanson se termine par le chant « Ringtone Round » de The Quatermass Conclusion, qui ajoute un aspect inquiétant et obsédant. « Magisetellus » est une tranche scintillante et psychédélique de cosmiche doux, mais avec des éclats intermédiaires de flûte et de cuivre en clé mineure qui ajoutent un courant de tension et un drame tranquille. Toujours dans le cosmos, les synthés analogiques introduisent « Wyverns », un morceau de space rock en spirale, imprégné de prog, qui est vraiment transportant et qui flotte dans son propre univers unique et orné. Un possible point culminant de l’album, le ciel rempli d’étoiles que BH invoque ici indique certainement un coin musical qu’ils seraient les bienvenus d’explorer davantage. Les cuivres de « Bouffant Tail » et son approche libre servent de toile de fond à une curieuse poésie performative – et offrent un espace pour reprendre son souffle – avant de déboucher sur la chamber-pop laconique qu’est « Cat Fool » qui sonne déjà comme un classique intemporel, ou quelque chose que l’on pourrait dénicher dans une collection de vinyles des années 70 acclamés par la critique (le breakdown à la fin vaut à lui seul le prix de l’entrée). En conclusion de l’album, la trompette solitaire revient, clôturant le voyage (et c’est un album visuellement puissant, avec à la fois son imagerie lyrique et ses harmonies multicouches évoquant diverses époques historiques et zones géographiques, de l’Angleterre de Kevin Ayers à la côte ouest californienne de la fin des années 60/70, avec un soupçon de New York et de Chicago entre les deux).

Un retour triomphal donc et un autre bijou dans la discographie croissante de Big Hogg. Si c’est votre tasse de thé, plongez dans leurs précédents albums, vous y trouverez des trésors. Il est, en outre, magnifiquement packagé, comme pour les sorties précédentes, dans une couverture conçue et illustrée par Julia Jeffrey.

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Chad VanGaalen: « World’s Most Stressed Out Gardener »

20 avril 2021

Chad VanGaalen, auteur-compositeur-interprète de Calgary, n’est pas à l’abri du stress de notre époque. Par moments, sur World’s Most Stressed Out Gardener, il porte cet épuisement ouvertement, mais seulement parfois. À d’autres moments, il joue sur le cosmique à travers des paysages synthétiques et des effets extraterrestres. Le résultat est une poussée et une traction palpables qui rendent son dernier album particulièrement actuel, alors que la fin d’une pandémie d’un an est en vue et qu’il y a encore beaucoup de raisons de perdre le sommeil.

Les auditeurs saisiront cette dichotomie dès la deuxième chanson. Le premier morceau, « Spider Milk », commence par un falsetto obsédant sur une trame squelettique de grattage de guitare et de percussion décalée (« And I don’t know how we go on and on. » (Et je ne sais pas comment on peut continuer encore et encore) Pourtant, à mi-chemin, la chanson se jette dans un accès de distorsion ancré dans des rythmes indéniables et dansants qui se terminent par une allure pompette. Vient ensuite « Flute Peace », un soliste à la flûte de 45 secondes – aidé par des percussions douces qui font écho – qui semble signifier le désir de VanGaalen de faire une pause, et que seules quelques secondes suffiront.

Comme il se doit, cette pause est de courte durée : sur « Starlight », il commence par un paysage sonore sinistre à la Microphones, qui s’installe rapidement dans un rythme roulant qui évoque néanmoins quelque chose d’inconnu et de sinistre. Who knows how the oracle came to be light/What good does it possibly do us to know it? » (Qui sait comment l’oracle s’est transformé en lumière, et à quoi bon le connaître ?) demande-t-il. Parfois, les transitions entre les morceaux sont si courtes qu’elles se parlent presque les unes aux autres (prenez, par exemple, le passage de « Where Is It All Going ? » à « Earth From a Distance »). Dans d’autres mains, le résultat pourrait être choquant et distrayant. Pourtant, ici, ils imitent parfaitement la mission de VanGaalen qui consiste à traiter toutes ses pensées, aussi disparates soient-elles.

Parfois, il y parvient grâce aux effets vocaux déformés que l’on attend du musicien, comme sur « Where Is It All Going ». Ici, la voix de VanGaalen donne l’impression d’un homme qui se promène dans les bois, mais qui est tellement enveloppé dans ses pensées qu’il risque de se perdre. Sa voix sur le « single » « Nightwaves » est noyée dans une telle réverbération qu’il est parfois difficile de comprendre ce qu’il dit, et cette approche est doublée d’effets vocaux sur « Nothing Is Strange ». Encore une fois, ces choix n’ont rien de nouveau, mais leur déploiement ici prend une signification supplémentaire étant donné l’esthétique troublante de cet album.

Les fois où VanGaalen veut être ailleurs que sur Terre, il y parvient également. Sur « Earth From a Distance », un paysage sonore instrumental de quatre minutes et demie brille de synthétiseurs et d’effets stridents. Pourtant, c’est la tentative ultérieure Inner Fire qui s’avère la plus efficace. Le dernier tiers de la chanson s’articule autour d’une mélodie sinistre aux allures de laser qui rappelle les bandes sonores des jeux vidéo 16 bits, quelque chose qui pourrait véritablement servir de bande sonore à une catastrophe imminente. Ce choix est à la fois ludique et troublant.

Pourtant, malgré toute cette variété, personne d’autre n’aurait pu créer ce disque. Le dépouillé et délicieusement idiosyncrasique « Golden Pear, » agrémenté de carillons et de coups de clochettes, est une marque de fabrique de VanGaalen. « Samurai Sword », sans doute le morceau le plus enjoué de l’album, n’en est pas moins lancé sur les enjeux de sa mission : « Well I really need it back to fight my way to the end / Plus it’s only on loan from a friend » (J’en ai vraiment besoin pour me battre jusqu’à la fin / En plus, c’est seulement un prêt d’un ami.).

World’s Most Stressed Out Gardener a connu plusieurs itérations : un disque de flûte, un disque électronique, « un tas d’ordures », peut-on lire sur la page Bandcamp de l’album. Pourtant, de ces origines fracturées est né un album intriguant qui s’assemble de manière inattendue. VanGaalen, comme tout le monde, tire le meilleur parti du désordre actuel.

***1/2


Tidal Rave: « Heart Screams »

19 avril 2020

Fishrider Records à Dunedin en Nouvelle-Zélande a, sur son catalogue, des artistes très captivants (Emily Fairlight, Death and the Maiden, Prophet Hens et autres) et ce sextet

Wellington en est une belle addition grâce à un son d’orgue hargneux d’Ann-Marie Keating, qui se faufile entre leurs chansons indie-pop/garageband intelligentes. Heart Screams se révèle être plein de lumière et d’ombre, d’une énergie tenace qui anime leurs paroles parfois pointues et, parfois, ils réussissent à faire ressortir ce son de pop rock psychédélique né en Amérique avant que les héroïnes à la guitare et les chansons de 15 minutes ne prennent le dessus.

Voici neuf chansons en 40 minutes, de la désillusion socio-politique optimiste et des psychédéliques déprimants du formidable Slow Fast au rock grinçant de « Speed of Sound » et à la chanson country rock « Can You Do Right When You Do Wrong ».

Avec quatre chanteuses (Emmie Ellis, Esther Gedye Taylor, Kristen Paterson et Keating) et trois guitaristes (Ellis, Taylor et Paterson), ainsi que le bassiste Frank Eggleton et le batteur Scott Hakkaart, ils ont un son très large et profond et des options à exploiter.

Il se peut qu’ils se réfèrent par défaut à quelques mélodies familières par endroits, mais pour un début, il est dense et prometteur d’autant qu’Ellis fait ontre d’une prestation puissante à la six cordes.

***1/2


The Vacant Smiles: « Cooperation »

4 janvier 2020

The Vacant Smiles fait partie de ces groupes auxquels on ne prête pas forcément attention. Le combo australien possède un talent indubitable dans son domaine, à savoir la scène rock psychédélique. Ce talent, malheureusement éclipsé jusqu’à présent, pourra peut-être trouver un écho sur Cooperation, son nouvel opus.

Considéré comme étant une compilation de ses anciens titres, c’est une parfaite occasion de se familiariser avec son univers. À mi-chemin entre surf vintage et rock psychédélique, les Australiens nous servent un cocktail bien frappé sorti tout droit des années 1960. On en veut pour preuve les morceaux entraînants que sont « Made Of Gold » mais encore les plus connus de leur répertoire « Weirdo ($20) » et « Stones ».

Entre la production limpide de « I’m Drifting » et les allures surf-garage bien mises en avant de « Tasmanian Tiger », « Corners » et de « So Tired of Sleeping In », il n’y a qu’un pas. The Vacant Smiles ose tout et sans jamais détourner l’attention de l’auditeur comme l’instrumental volontairement déformé de « Tiger II » et le jazzy « A Pretty Sick Detective ». Cooperation reprend donc toute la quintessence du groupe australien qui gagne tant à être reconnu par un bon nombre de ses pairs.

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Siskiyou: « Not Somewhere »

2 janvier 2020

Siskiyou, ou plutôt Colin Huebert, avait laissé son auditeur avec un Nervous en 2015 qui lui a valu une nomination au Polaris Music Prize cette année. Suite à cela,

Cet ancien membre de Great Lake Swimmers qui avait entrepris une pause musicale de quatre ans après son premier opus solo, Nervous, est aujourd’hui de retour avec son nouvel album, Not Somewhere.

Siskiyou n’a, semble-t-il, rien perdu de son inspiratio, une inspiration qui le voit toujours à la croisée s chemines entre Neutral Milk Hotel et Syd Barrett. Il n’y a qu’à juger les compositions freak folk venues d’ailleurs comme « Stop Trying » mettant en valeur la voix si particulière de Huebert avant de partir vers des arrangements plus épurés et riches en contrastes à l’image de « What Ifs », « The End II // Songs Of Joy » ou bien même de « Unreal Erections // Severed Heads » faisant intervenir les cuivres en fin de morceau.

Not Somewhere se montre plus équilibré qu’auparavant comme en témoignent les écoutes de titres immersifs et en apesanteur à l’image de « Temporary Weakness » ou encore des plus sombres « Nothing Disease » et « Her Aim Is Tail » où l’interprétation du musicien canadien est parfois renforcée par des échos inquiétants. Siskiyou envoie très loin ses angoisses permanentes afin de faire venir une quiétude et une assurance inédite sur ce nouvel album riche en trouvailles sonores venues d’ailleurs et, peut-être pour lui, d’éléments cathartiques.

***1/2


Rev Magnetic: « Versus Universe »

18 décembre 2019

Beaucoup connaissent Luke Sutherland pour ses collaborations avec le groupe Mogwai ou encore avec Long Fin Killie et Music AM. Et bien le musicien écossais a décidé d’entamer une nouvelle aventure. Elle se nomme Rev Magnetic et se concrétise avec un premier album nommé Versus Universe.

Dès l’entrée en matière du même nom, quelque chose nous dit que l’on ne sortira pas indemne de cette fusion musicale mêlant shoegaze, dream-pop psychédélique et musique expérimentale. Rev Magnetic nous entraîne dans un rêve totalement hallucinogène où l’inimaginable se produit. Avec sa voix presque susurrée et ses sonorités venues d’ailleurs, Luke Sutherland nous procure ainsi mille sensations auditives à l’écoute de « Daughter of Astronauts », « Schoenberg in America » et « Woodland Sorority Carwash » riches en surprises.

Versus Universe convoque aussi bien les spectres de The Avalanches que Mercury Rev mais également de Xiu Xiu notamment sur « Sunny Windy Winter Morning », « Yonder (Là-Haut) » et ainsi que sur « Gloaming » où des échos se font bien sentir. Rev Magnetic est au top de sa créativité tout au long de ce premier album contenant entre autres « It Shoulda Been You » venu d’ailleurs montrant toutes les apprentissages du musicien multi-instrumentiste écossais. Un disque original et rêveur que le monde se doit d’écouter religieusement.

***1/2


Sam Cohen: « The Future’s Still Ringing In My Ears »

23 mai 2019

Le récent succès de Kevin Morby, on le doit également à un autre homme : Sam Cohen. En effet, l’ex-membre d’Apollo Sunshine est aux commandes de ses plus grands et incontournables albums. L’homme de l’ombre basé à Brooklyna décidé de faire son grand retour après quatre années de silence radio avec The Future’s Still Ringing In My Ears.

Signé sur un label qui n’est autre que celui de Danger Mouse, Cohen nous présente ses choses à dire sous la forme de onze nouvelles compositions autoproduites (avec une aide précieuse de Danger Mouse créditée à la co-production mais sa patte est plus que présente), il poursuit sa voie qu’il avait emprunté avec son titre psychédélique « Use Your Illusion » aussi bien mystique que mélancolique et sa bande-son hantée The House of Rising Sun. Une fois de plus, son mélange de pop psychédélique et d’indie rock groovy fait effet avec ses claviers complètement trippy et ses arrangements quasi-Dylanesques comme sur « I Can’t Lose », « Something’s Got A Hold On Me » ou bien même sur « Man On Fire ».

Aussi bien rétro que psychédélique, Sam Cohen prend un regard détaché sur la société et dépeint un futur plutôt incertain et pas très optimiste. Ce sera avec des instrumentations vintage qui alimentent son sens du storytelling que l’on a affaire comme « Invisible Song », les arrangements au piano du plus bel effet de « Deafening Silence » sans oublier les guitares bien rétro et fumeuses qui habillent « Dead Rider ». Mentionnons tout de même l’audacieux « Let The Sun Come Through » qui pourrait faire office de pièce maîtresse de cet opus qui fourmille de nombreuses idées, n’en déplaise avec les nostalgiques « Waiting For My Baby » et « The Future ».

On pourra considérer The Future’s Still Ringing In My Ears comme un point tournant dans la créativité de Sam Cohen. On retrouve certains aspects qui ont fait le succès de Kevin Morby mais avec cette pointe de psychédélisme que l’on soupçonnait sur son premier album mais également lors de ses travaux précédents auprès d’Apollo Sunshine ou de Yellowbird. Grâce à l’aide précieuse de Danger Mouse, le musicien est définitivement prêt pour passer de l’ombre à la lumière avec un avenir plutôt bien tracé.

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Golden Daze: « Simpatico »

20 avril 2019

Golden Daze formé en 2013 est un duo américain originaire de Los Angeles constitué de Ben Schwab et de Jacob Loeb. Pour d’emblée tenter d’aiguiller sur le genre de leur univers pop, on pourrait citer cite Ultimate Painting, Jon Brion, The Clientele et comme adjectif élégant, intime, sucré et éthéré. Le premier album paru en 2016 est suivi de ce Simpatico, cousu d’or harmonique et mélodique. Leurs deux voix à l’unisson touchent, leurs guitares mariées à la basse et la batterie, marquent un tempo chaleureux qui met dans le mille. Le mélange est somptueux, homogène et fichtrement limpide à l’oreille. L’album déploie ses mélopées de manière brillante, voire astrale. Les cordes de violons et la peau du tambourin s’invitent parfois, discrètement pour effleurer les arpèges de guitares et le chant cristallin montrant que les deux artistes sont doués pour non seulement la création mais aussi l’instrumentation et l’interprétation. Quand ce cocktail est réussi, il reste sur la platine une petite tuerie pop.

Ce qui éduit, à la première écoute, c’est la basse qui swingue, offre de l’ampleur aux guitares et se promène sur tout le disque en le portant avec gaillardise à bout de chevalet. Les mélopées s’ouvrent sur « Blue Bell » qui sonne le glas de la délicatesse et du temps qui passe, plantant un décor doré de notes romantiques et de voix duveteuses.

« Amber » enchainera sans blanc maintenant cette sensation de matière avec ses métaphores saisonnières impeccables. La chanson remplit l’attention dès l’arrivée de la basse grandiose pour évoquer une relation vibrante doans laqulle « Flowers » va créer une continuité forte et efficace. Le titre au groove subtil se fait plus insistant et persistant sur une ritournelle en guise de bouquet de fleurs, puis sentimentale sur « Took a Fall » où la distance amplifie l’amitié ou la fraternité. Les images physiques, géographiques, en mouvement se foront langoureuses sur « Lynard Bassman » avec sa mélodie pleine de fulgurance et ses arrangements enrichis de cordes. « Wayward Tide » avancera sa majesté sur ses accords et arpèges de guitares fins où l’on entend tout le travail de sculpteurs de Ben et de Jacob, idem pour l’excellent « Within » qui croise divinement l’art de la composition à celui de l’interprétation.

« Sentimental Mind » avec son tempo indie solide poursuit l’ambiance ballades pop soyeuses, qui avancent en s’encastrant et se répondant parfaitement faisant perdre la notion du temps quand un « Drift » sautillant et rythmé par le tambourin et les cymbales ajoute à l’intelligence et à la musicalité une envoutante dose d’optimisme. Arrivera ansuite cla perle du disque un formidable Where « You Wanna Be ». « Simpatico », le morceau-titre de l’album est, pour terminer l’écoute, la chanson phare, par son sens et sa construction. Folk, lo-fi, indie pop alternative, tous les éléments sont là et bien malaxés pour créer un titre brillant. Le travail effectué sur les deux voix reflètent la complicité de Ben Schwab et de Jacob Loeb, ce qui est voulu et recherché. Le résultat élégant est atypique parce qu’il est rare de pouvoir savourer une telle pépite pop écrite à quatre mains traitant du thème de l’amitié. Golden Daze signe un Simpatico beau, musclé d’harmonies, lumineux de fraternité et équilibré de sentiments positifs.

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