Ce neuvième album de Muse s’éloigne de leur précédente aventure, Simulation Theory, où le trio rock s’est aventuré dans le métavers. Aujourd’hui, Muse se confronte à la tumultueuse réalité mondiale sur Will of the People.
Bien que Matt Bellamy, le leader de Muse, soit basé à Los Angeles depuis 2010, Will of the People est toujours un produit britannique dont certaines parties ont été enregistrées au studio Abbey Road. De plus, les premières dates de retour sur scène de Muse ont eu lieu à l’Hammersmith Apollo en mai 2022 en soutien à The Big Issue, Médecins Sans Frontières et War Child. Bellamy ayant récemment déclaré : « Trouver un moyen d’éviter cette guerre mondiale devient plus difficile à imaginer qu’elle ne l’est en réalité », les auditeurs doivent s’attendre à dix chansons dramatiques, remplies d’extase et de trépidation.
Le titre d’ouverture est un hybride bizarre de « Spirit in the Sky » de Norman Greenbaum et de « The Beautiful People » de Marilyn Manson. Si les deux chansons ont individuellement du mérite, elles ne fusionnent pas bien lorsqu’on essaie de créer une parodie populiste, presque l’antithèse de Uprising en 2009. On ne sait plus si l’on se trouve dans un rassemblement spirituel harmonieux ou si l’on est appelé à créer le désordre.
Le message reflété dans l’ambiance musicale de « Won’t Stand Down » est beaucoup plus clair une fois que les guitares rock et la basse lourde entrent en jeu. Un grognement vocal supplémentaire aurait permis à la musique de se synchroniser plus adéquatement avec les paroles. Au lieu de cela, « Won’t Stand Down » est entravé par une batterie et des touches de synthé-pop tout au long des couplets.
Là où « Won’t Stand Down » n’atteint pas son plein potentiel, « Kill Or Be Killed » s’exécute dès le début. Cette chanson de cinq minutes ne faiblit pas. Tout en rappelant les jours glorieux des tubes classiques de Muse, notamment « Stockholm Syndrome » et « Hyper Music », avec la même passion précoce, juvénile et affamée, « Kill Or Be Killed » incarne aussi parfaitement le thème primordial de Will of the People, à savoir la lutte de l’homme contre l’oppression.
Le thème primordial de cet album peut également être ressenti sur des chansons plus douces, comme la chanson « Liberation » au piano. Malheureusement, la pureté du son est étouffée par des sections de batterie en écho pop et des portions généreuses de distorsions vocales copiées-collées de « Bohemian Rhapsody ». Le deuxième morceau, « Compliance », avec sa danse adolescente des années 80 et ses synthétiseurs pop, enlève également la piqûre du thème principal de cet album.
Trois chansons de Will of the People s’éloignent du thème principal de l’album. « Ghosts (How Can I Move On) » s’en sort le mieux en abordant la mort, le deuil et la recherche de la fermeture à travers la clarté du piano. « Verona » montre du potentiel. Par endroits, elle ressemble à une réinterprétation au synthé de « Screenager » de Muse, mais à d’autres, elle ressemble à une chanson phare de la bande originale d’une comédie romantique. « You Make Me Feel like It’s Halloween » est le plus banal, où il n’y a pas grand-chose qui le sépare de « Somebody’s Watching Me » de Rockwell.
Ailleurs, le feu tenace et la passion créés par « Kill Or Be Killed » se poursuivent avec l’avant-dernière piste, « Euphoria », qui fusionne bien les influences des premiers Foals avec des éléments EDM. L’essence est ajoutée au feu sur le dernier morceau de l’album, « We Are Fucking Fucked ». Elle ne ressemble pas à une chanson de conclusion ; cependant, ce cocktail ardent et séditieux avec un soupçon subtil de distorsion vocale de Flash Gordon de Queen sera très apprécié en concert par les fans de Muse.
Dans l’ensemble, Will of the People est un album sérieux. Muse produit son meilleur matériel lorsqu’ils sont collectivement intenses et se concentrent sur des concepts puissants. Néanmoins, les résultats varient lorsqu’ils laissent tomber un peu leur idiosyncrasie neo-prog.
Les Australiens de King Gizzard & the Lizard Wizard font facilement partie des groupes les plus prolifiques et polyvalents de ces deux dernières décennies. Ils ont sorti près de deux douzaines de collections depuis 2012, dont plusieurs années ont donné lieu à plusieurs sorties chacune. De plus, leurs mélanges très aventureux de rock psychédélique, de hip-hop, de rock garage, de métal, d’ambient, de dream pop et d’électronique évoquent des artistes aussi variés que Pink Floyd, Motörhead, Childish Gambino, Japanese Breakfast, Black Midi et Tame Impala.
Compte tenu de leur talent et de leur ténacité, ce n’était qu’une question de temps avant qu’ils ne se surpassent en créant un double album. En effet, Omnium Gatherum – qui a plus de points communs avec l’accueillant et exploratoire Butterfly 3000 de 2021 qu’avec l’avant-gardiste Made in Timeland du mois dernier – est essentiellement le magnum opus du groupe.
Il n’est pas aussi bizarre que, par exemple, les plus longues excursions de Frank Zappa ou Captain Beefheart dans les années 1960, mais il exploite le même type d’imagination et d’aptitude sans limites. Du début à la fin, il célèbre pleinement les excentricités intelligentes de l’héritage et du nom du groupe.
Le sextuor a expliqué que la réalisation d’Omnium Gatherum était particulièrement importante car c’était la première fois que King Gizzard & the Lizard Wizard enregistraient ensemble depuis le début de la pandémie de COVID-19. (Les albums précédents ont été produits de manière isolée, les parties de chaque membre étant compilées à distance).
Les sessions leur ont également permis de s’installer dans leur nouveau studio, Gizz HQ, et d’essayer une approche plus libre au lieu de se placer une fois de plus dans une boîte conceptuelle avec « des thèmes explicites et des sons singuliers ». Comme s’en réjouit le chanteur/guitariste Stu Mackenzie : « On a décidé que c’était comme notre ‘double album’ classique et tentaculaire. Notre White Album, où tout est permis. »
Comme prévu (étant donné la longueur de l’album et l’histoire du groupe), ce sentiment se retrouve tout au long du voyage. Par exemple, les merveilleusement rythmés, vibrants et mélodiques « Magenta Mountain », « Blame It on the Weather » et « Presumptuous » sonnent comme la progéniture sonore de Portugal. The Man et Danger Mouse, tandis que « The Garden Goblin », « Red Smoke » et « Candles » incorporent diverses nuances d’Oasis, Badly Drawn Boy, Super Furry Animals et Steely Dan. Ce ne sont là que quelques exemples de la beauté de Omnium Gatherum, qui dégage des combinaisons inventives et colorées de synth-pop, de jazz, de soul, de R&B et de folk.
Dans le même temps, King Gizzard & the Lizard Wizard sont très désireux d’explorer un territoire étonnamment rapide et féroce. Plus précisément, « Predator X » et « Gaia » canalisent l’intensité sans retenue du heavy metal des années 1970 et du heavy psych moderne (voire du thrash et du death metal à certains moments).
Ailleurs, des éléments de Gorillaz, Stevie Wonder, Citizen Cope et Run the Jewels imprègnent « Kepler-22b », « Sadie Sorceress », « Ambergris », « Evilest Man » et « The Grim Reaper ».
Bien sûr, ces comparaisons avec d’autres musiciens n’ont pas pour but d’insinuer un manque d’originalité ; au contraire, elles visent à démontrer la diversité et les efforts stupéfiants d’Omnium Gatherum. Au risque de paraître hyperbolique, il est juste de dire que presque chaque chanson mérite d’être analysée pour être un testament autonome de la créativité apparemment infinie du sextet. Le fait que tout s’enchaîne de manière si cohérente – avec de nombreux morceaux qui s’enchaînent avec une fluidité animée – est tout simplement extraordinaire.
Malgré cela, certaines choses freinent un peu le disque. En particulier, le morceau d’ouverture de dix-huit minutes « The Dripping Tap » abuse de son statut. Certes, son espace apaisant et son instrumentation énergique s’alignent parfaitement sur les expérimentations cosmiques de certains artistes de prog rock des années 1970 – Gong, Hawkwind, Soft Machine, etc. Cependant, vers le milieu de l’album, on passe de l’envoûtement à la monotonie, sans que l’écriture ou les arrangements ne vous retiennent complètement.
Il en va de même pour le final, certes bref, « The Funeral ». À la base, il s’agit d’un épilogue sans paroles, rustique et éthéré, mais bien qu’il ne dure que deux minutes et demie, il commence à serpenter avant d’être terminé. Ensuite, il y a « Persistence », un peu trop inerte et répétitif, qui ressemble à une version hallucinogène de Steve Miller et Journey.
Heureusement, ces petits défauts ne ternissent pas l’accomplissement miraculeux qu’est Omnium Gatherum. En fait, ces défauts sont tout à fait normaux, car même les meilleurs doubles albums – ou du moins la majorité d’entre eux – peuvent se permettre de perdre quelques passages. Quoi qu’il en soit, il ne fait aucun doute que King Gizzard & the Lizard Wizard ont établi une nouvelle référence pour eux-mêmes.
Comme beaucoup de groupes qui l’ont inspiré, Omnium Gatherum est vaste, hétéroclite et au moins un peu complaisant, mais c’est précisément ce qui le rend brillant.
Le dévouement de Matt LaJoie à sa pratique solo est une source d’inspiration. Son projet Colander a porté son dévouement à l’improvisation à un niveau incroyable. Pendant environ 10 mois, il a improvisé des morceaux chaque jour, enregistrant tous les résultats et les partageant régulièrement avec les abonnés de Flower Room. Le projet s’est finalement achevé en septembre, après avoir accumulé 24 heures de musique (plus de 226 morceaux). De ces sessions monolithiques sont nées de multiples sorties en dehors de ce cadre, dont l’envoûtant et exaltant Red Resonant Earth.
Ces exultations spacieuses résonnent dans les moments du lever du jour et du crépuscule où le voile est mince et où les esprits dansent et dérivent, remplis d’un joyeux abandon. LaJoie est un médium, qui canalise la magie sonore d’un autre monde à travers sa guitare. « Gilded Hilt » est chaotique de manière exubérante, les notes jaillissant dans toutes les directions, mais interconnectées et sanctifiées. La musique de LaJoie n’est pas seulement liée à des idées astrales, elle est aussi entièrement terrestre. D’une certaine manière, des morceaux comme « Forest Sanctuary » ou « Born Free » nous rappellent le brillant Floating Rhododendron de Sarah Louise, mais électrifié et saturé d’une lumière différente. Cependant, LaJoie danse toujours avec les mêmes ombres holistiques.
Red Resonant Earth possède une force de vie qui lui est propre et qui coule dans nos veines, nous imprégnant d’une sublimité impossible à quantifier. Des torrents de vibrations dorées emportent toute désolation, du moins pour un moment, sur la merveilleuse composition qu’est « Rusted Chalice ». C’est une chanson qui regarde vers l’intérieur, cautérisant les blessures avec des flammes d’argent, une balise chatoyante pour le repos. LaJoie est tellement à l’aise que je ne serais pas surpris s’il lévitait.
Des constellations construites à partir de vrilles vertes et de fleurs aromatiques entourent LaJoie à travers Red Resonant Earth. Son jardin sonore se déplace au gré du vent, planant dans les nuages en apesanteur et baigné de lumière. Lorsque la chanson-titre commence à briller d’une extase carillonnante vers la moitié du morceau, le monde s’arrête et nous trouvons un lien commun avec la terre. L’essence éveillée et le cœur ouvert, LaJoie nous guide vers la maison qui est la sienne et aussi, peu ou prou, la nôtre.
Le label psychédélique Rocket Recordings a ajouté une nouvelle corde à son arc avec la signature du collectif hallucinatoire The Holy Family, dont le premier album sort aujourd’hui. Il s’agit d’un voyage d’enfer, qui traverse librement l’électronique moderne et le folk le plus ancien et le plus terreux, la motorik la plus bourdonnante et le manteau fondu de l’acid rock.
Le groupe est l’invention fiévreuse de David J. Smith, autrement dit de Guapo et de Miasma & the Carousel of Headless Horses, et donc un nom bien apprécié des voyageurs qui s’aventurent dans des paysages sonores plus ésotériques.
The Holy Family, l’album du même nom, se présente comme une explosion de 13 titres, en double album, à travers les mondes du psychédélisme, du psychofolk pastoral, du kosmiche et autres, toujours changeants, toujours séduisants.
« Je pense que si je devais essayer de l’exprimer par des mots, ce serait ma tentative d’interprétation musicale d’une histoire de meurtre et de mystère très trippante et psychédélique, ou d’un rêve ou d’une hallucination d’un autre monde », explique David.
Pour le groupe dans son ensemble, l’inspiration esthétique vient du réalisme magique d’Angela Carter – dont le documentaire de 1991 The Holy Family Album a baptisé le nouveau projet – et de l’art surréaliste de Dorothea Tanning. Tous deux laissent entrevoir un breuvage, élixir sombre et spectral d’une excellence champignonneuse, un creusement dans un folklore plus profond de la terre qui murmure encore son nom si l’on tend l’oreille.
L’esthétique très particulière de The Holy Family a évolué naturellement à partir d’une improvisation initiale, puis d’un affinage minutieux de cette matière première aux côtés d’amis de longue date et de voyageurs musicaux tels que Guapo, Kavus Torabi, Emmett Elvin, Sam Warren et Michael J. York, qui se sont retirés à la campagne pour se retrouver et permettre à leur vision de prendre forme. Les overdubs et les superpositions ont suivi plus tard.
Et il utilise chaque recoin de l’espace-temps de son double album ; chaque coin, chaque recoin, chaque passage de domestique, chaque coupe secrète et verdoyante est exploré dans un disque qui exulte dans le psychédélisme, de l’électronique au folky, de la félicité au cauchemar. Tout est du grain à moudre pour The Holy Family.
Attendez-vous, non, sachez que les choses vont se transformer, que la porte va s’ouvrir pour révéler d’autres sphères, d’autres spectres au-delà. Suivez le conseil du Dr Leary et examinez le décor et le cadre. Ce disque en sait plus que vous ne pouvez l’imaginer ; il a vu des choses qui vous laisseraient éparpillés comme autant de confettis dans les chemins intérieurs. C’est beau, c’est effrayant, c’est même magnifiquement effrayant.
« I Have Seen The Lion Walking » commence la quête de la vision et nous nous fondons dans le monde avec des harmoniques douces et le son de l’environnement d’un bonheur néo-shoegaze ; les guitares, les voix qui chantent au milieu, tout semble courir à rebours dans le temps. Les flûtes se mêlent aux chants d’oiseaux pour apporter un pastoralisme à la Grantchester, et pendant tout ce temps… ça enfle, ça se construit, ça vous enrobe avec une douce insistance. C’est comme ce moment, une heure après que vous soyez tombé, où la lumière commence à scintiller. Et ça se superpose, de plus en plus profondément ; et le scintillement de l’accord majeur commence à se liquéfier dans la suite et le titre énigmatique « Skulls The … » qui, nous dit-on, a eu sa genèse comme un thème conceptuel pour une série policière fictive dans laquelle le protagoniste est une victime de l’acide plutôt que l’habituel alcoolique endurci (un grade au-dessus, donc, du Hamish Macbeth qui se gave de « spliffs »). Ce piano a une tournure de pressentiment des années soixante-dix/ »A Day In The Life » ; il est temps d’embrasser l’expérience et de glisser en aval parmi un intervalle d’accord brumeux, des instruments à anche tournoyants, tout un palimpseste de basse fuzz, des carillons champignons de la guitare, des percussions squelettiques REM-state. Accrochez-vous au chant résolutif, à l’incantation ; c’est votre fil d’argent.
« Inward Turning Suns » est votre premier sommet ; le tout premier « single », il est accompagné d’une animation magnifiquement stylisée – vous pouvez la regarder à la fin – dans laquelle le mythe anglais rencontre les lignes épurées de l’esthétique manga. Le morceau lui-même est une délicieuse émeute de masques à l’envers et de paroles scandées. Il y a beaucoup d’épices, qui glissent dans votre sang dans un éblouissement de voix arrachées, d’échos et de flûtes souk luxueuses qui s’envolent, descendent et plongent. C’est… c’est du psychédélisme à l’état pur, éclairé par la lumière.
L’animation qui l’accompagne a été créée par Mike Bourne, qui explique : « J’ai créé, animé et tourné la vidéo entièrement en 3D, puis je l’ai délibérément « dégradée » en post-production, en évoquant l’animation celtique 2D de films comme Le Seigneur des anneaux de Ralph Bakshi. Je voulais mélanger cela avec le langage visuel distinct du cinéma folklorique et d’horreur des années 70 et des films d’information publique comme les terrifiants Lonely Water et The Finishing Line.
J’aime beaucoup l’utilisation des zooms et des mises au point, le grain des films 16 mm, la typographie audacieuse, les couleurs sourdes, etc. et j’ai pensé que cela compléterait les paroles légèrement macabres. »
« Stones To Water » s’appuie sur un déferlement percussif dispersé et exaltant, qui rappelle le travail du groupe psych japonais Ghost, injustement oublié. La basse fuzz et le trémolo de la six-cordes scintillent, apportant une merveille brumeuse au sustain et au drone ; c’est un instrumental avec un groove lâche et une profondeur atmosphérique dans laquelle on peut se délecter alors qu’il se désagrège progressivement en un rythme cérémoniel Jaki Liebezeit, perdu dans les bois où les choses sauvages appellent, hululent et proclament. Il se transmute en la fumée crépusculaire de « Desert Night », une autre atmosphère psychonaute, plus courte, qui fait vibrer le son de ce qu’il y a là-bas, au-delà du scintillement de la flamme, avec un peu du Chocolate Watch Band dans son aspect le plus cinématographique.
« Wrapped In Dust » est le fantôme dans votre psyché, le plus sinistre des appels et réponses vocaux provenant de l’espace intérieur, la voix de David étant tantôt un cri moqueur, tantôt brute et gutturale. Agité, intense, sans air, on peut presque voir les ombres tourbillonner, les esprits danser. Vous pouvez frissonner ou prononcer un juron admiratif. Faites-vous à l’idée.
« World You Are Coming » semble s’éloigner un peu de l’intensité – semble, juste un peu, vous comprenez ; en commençant par des tambours africains et un bourdon, d’autres petites gouttes de son placées là habilement pour tromper votre ouïe, le chant est complètement acide, traité jusqu’à une abstraction sinistre et en légion avec une chorale qui tient une vibration de note de mantra. Mais oh! : faux sens de la sécurité ; il est si facile de transmuter, comme la basse se déterre du riche terreau et commence son grognement cyclique, il s’épaissit d’une musique qui est tellement du maintenant et également tellement d’une tradition plus sombre et ancienne. Perdez vous, embrassez l’état altéré, comme vous êtes supposé le faire. Cette musique a évolué au cours des siècles avec cette intention.
Et supplicant maintenant, absolument à son apogée, avec les huit minutes du morceau précédent qui s’évanouissent dans un trille chaud et « Inner Edge Of Outer Mind » qui atteint les douze minutes, et nous sommes juste là, juste là, dans la guitare hurlante, incandescente ; le piano qui s’interpose et flotte hors de la tonalité, psych-honky-tonk ; la basse musclée, aucun horizon n’est visible d’un côté ou de l’autre, David émergeant masqué et espiègle avec un texte déclamatoire et disparaissant une fois de plus dans des énoncés désincarnés, vestigieux, avec un peu de ce ton hargneux et obsédant de John Lydon dans PiL quand ils étaient bons. En fait, c’est tout à fait ça ; imaginez Metal Boxfaçon Public Image Ltd sous une avalanches de bonnets liberty, une austérité post-punk à la base vaincue par les « shrooms ». C’est très intense.
« A New Euphoria » admet plus d’air parmi son galop délirant, un balancement de clics et de claquements percussifs, son motif central claveté pulsant comme un cœur. Des nappes de bourdonnement de guitare de retour balayent le tout, et c’est un endroit plus léger à habiter, non moins chargé de mystère, mais plus à l’échelle humaine que les piliers soniques jumeaux maintenant au-dessus de notre épaule. Dans un concept diurne, la nuit profonde est maintenant positivement en retrait avant les rayons de « See, Hear, Smell, Taste », vraiment luxueux à la manière E2-E4 de Manuel Göttsching ; tout en scintillement et en carillon. Et on se relâche, on se détend, jusqu’à ce que tout se brise pour David, à peine accompagné, lorsqu’il entonne : « Je vois / Catastrophe … J’entends / Les buses sont proches. » (I see / Catastrophe … I hear / The buzzards near). Vous ne pensiez pas vous en tirer si facilement, n’est-ce pas ?
éAnthony’s Fireé était le deuxième « single » avant l’album, et il se présente comme une profonde odyssée folk psychédélique, avec une technique d’arpèges de marteau-piqueur, des guitares violonées et un glissement vocal, des percussions doucement tribales avec l’odeur des générations passées s’amassant à votre épaule, prêtes à conspirer et à danser, exultant dans l’ombre ; une incantation pastorale de drone-folk de la plus belle forme.
David J Smith s’étend sur la chanson : » »Conçu et enregistré dans un champ de champignons (quelque part) en Angleterre, »’St Anthony’s Fire » voit notre conte mystérieux en cours d’élucidation rayonner vers son sommet de délire ».
Un sacré voyage se termine par le diptyque « Chasm ». On touche presque terre, mais pas tout à fait encore. La première partie est un bourdon ouvert, ambiant, avec la fumée et les têtes d’orage d’atmosphères plus grandes, plus élémentaires, qui se dressent sur la crête, avançant inexorablement ; on peut presque goûter l’ozone. C’est la partie de l’album qui se rapproche le plus de l’electronica contemporaine et elle est carrément jolie. La deuxième phase rassemble ses énergies pour une dernière charge dans votre tête, vibrant de puissance polyrythmique, colorée par un piano et un synthé en libre association.
Délirant. Psychotrope. Ténébreux. Itératif. Multi-teintes ; le premier album de The Holy Family est tout cela à la fois. Indulgent ? Oui ; pourrait-il en être autrement ; le voudriez-vous autrement ? Voyager aussi loin dans les différentes musiques psychédéliques – acid folk, krautrock, witch folk, délire freeform pur et simple – c’est voyager là où les cartes ne disent pas grand-chose. Il faut avoir le pouvoir de faire confiance à son instinct et aux états de conscience altérée qui permettent d’émettre depuis les bords.
La musique pour l’entrée et l’immersion absolues, si loin de la musique comme choix de style de vie ou marchandise, comme toile de fond, c’est une chambre après l’autre de texture et d’atmosphère intenses à enfiler et à perdre dans la nuit. Amenez quelques personnes partageant les mêmes idées, et laissez-vous emporter et envelopper.
« Une pilule vous rend plus grand et une pilule vous rend plus petit – allez demander à Alice quand elle fera trois mètres de haut » (One pill makes you larger and one pill makes you small – go ask Alice when she’s ten feet tall). Suivez ce quatuor de LA dans le terrier du lapin et vous trouverez ce miroir électrique en technicolor avec le premier album de ce groupe hétéroclite. ELG est une concoction charismatique de Carnaby Street, prenant une dose de The Left Banke avec une pincée de The Beatles et une pincée de Small Faces. Ce quatuor de pop baroque nous offre une rêverie de printemps 1967 avec ceSomewhere Flowers Grow, en provenance de Los Angeles, CA.
Electric Looking Glass, c’est est la somme de leurs influences. Cet album est enrobé de soleil et de power pop avec une fantaisie et une excentricité qui est à la fois charmante et infiniment réconfortante. Avec des visuels rappelant les Monkees et une garde-robe rivalisant avec celle de Procul Harum, vous serez ensorcelés par leur mellotron magique, leur hammond miroitant, leurs guitares sautillantes et leur clavecin chantant. Ce disque vous transportera à travers le vortex temporel vers le Londres des années 60, en pleine effervescence.
Avec chacun de ses membres aux talents si éclectiques, ELG est la marmelade du goûter du chapelier fou, composé d’Arash Mafi, Brent Randall, Johnny Toomey et Danny Winebarger. Vivant dans leur propre pays des merveilles analogique anglophile, la nostalgie qui coule à flot dans le son baroque est capturée si parfaitement, si bien qu’on ne penserait pas du tout à remettre en question leur origine. Véritable melting-pot de sons poivrés, SFG rappelle les Londoniens d’Honeybus et le duo power pop des années 60 Lyme and Cybelle. Pas de doute, ça sonne comme une vraie affaire.
Le premier titre « Purple, Red, Green, Blue & Yellow » est un hommage affectueux et rappelle « Pink Purple Yellow and Red » de The Sorrow. « Dream a Dream » est un citron confit de la variété Sgt Peppers, tandis que « Find Out Girl », avecses changement de rythme , est un »Turkish Delight » plus sombre, guidé par les basses mais entraînant. Les chœurs surgissent d’un haut-parleur Leslie sur « Rosie in the Rain », faisant un clin d’œil à « Lucy In The Sky With Diamonds » des Beatles.
Nous devenons de plus en plus curieux et nous tomberons dans les nuages avec « Don’t Miss The Ride », un slow qui change l’esprit et les dimensions pour un joyeux non-anniversaire. Puis arrive le lièvre fou cher à Alice avec « Holiday », une composition baroque harmonieusement orchestrée avec des paroles lugubres, sombres et existentielles qui déclarent avec nostalgie » »l y a trop de douleur dans le monde aujourd’hui… il pourrait en être de même demain… » (there’s too much pain in the world today…it might be the same tomorrow…), demandant à l’auditeur de mettre de côté ses opinions politiques et religieuses, et poursuivant avec optimisme avec un unificateur « Come together let’s outshine the sun » (Ensemble, éclipsons le soleil). C’est un refuge gentiment sentimental pour tous les fumeurss de narguilé.
Nous nous retrouvons ensuite transportés de façon fantaisiste à l’étage du « Daffodil Tea Shoppe », un salon de thé perpétuel où chaque jour est un dimanche. On dirait une face B de Tomorrow, un groupe obscur des années 60, avec un jeu de piano joyeux et des voix spectaculaires dignes de Lennon. « Death of A Season » est également l’une de nos chansons préférées, magnifiquement poétique – elle résume cette sensation d’heure dorée de la transition de l’été vers la mélancolie douce-amère de l’automne. Pour terminer l’album avec « If I Cross Your Mind », c’est un doux retour à la réalité où le miroir est plus clair, mais où l’on se languit toujours de cet endroit où les fleurs poussent. Ce LP ne manquera pas de vous faire sourire, c’est vraiment un must pour l’amateur et le collectionneur de musique baroque. Ce premier album est une ode à la nostalgie, un avant-propos à la fantaisie et un amour artisanal pour les genres psych et pop baroque.
Matt Berry, musicien, acteur, voix-off et écrivain, est sans aucun doute une sorte d’homme de la Renaissance. Pour le grand public, il est peut-être mieux connu pour son travail à la télévision dans le rôle de personnages tels que Toast of London, Sanchez de Darkplace ou Beef de House of Fools. Cependant, Berry a également publié avec assiduité des albums très inventifs et riches en détails depuis Jackpot en 1995. Il a sans doute trouvé et établi son rythme avec Witchazel en 2011 et son mélange envoûtant de folk acide et de psych progressif, agrémenté de touches savantes qui font référence à une riche tapisserie d’artistes allant de Vangelis et Jean Michel Jarre à Pentangle et Genesis de l’ère Gabriel. Des sorties successives ont suivi sur le label Acid Jazz Records, qui a offert à l’éclectisme de Berry une base bienvenue pour suivre sa muse, qu’il s’agisse des sons synthétiques vintage de Music For Insomniacsen 2014, ou de Television Themes de 2018 (sur lequel, de façon mémorable, la chanson thème de Rainbow est transformée en un classique psych folk à la Donovan). L’album précédent de Berry, Phantom Birds (2020), dépouillait son travail habituel, richement orchestré, et était tout aussi fascinant par son intimité. Cependant, il est agréable de constater qu’avec son nouvel album, The Blue Elephant, Berry revient à ses récits plus étagés et embellis ; en effet, il s’agit de son œuvre la plus finement et baroquement ornée à ce jour, peut-être délibérément. Une grande partie de la joie dans sa musique vient des sons et des styles finement travaillés, souvent vintage, que Berry essaie, un peu comme M. Ben dans un Madame Tussauds musical, plutôt que dans un magasin de costumes. Constamment inventif, intéressant et étrangement touchant, Blue Elephant est tour à tour nostalgique, mélancolique, troublant et passionnant.
L’album s’ouvre sur une brève introduction, faite de roulements de timbales dramatiques et de flûtes de mellotron cinématographiques, avec de forts échos de l’opus prog atmosphérique de Steve Hackett, Voyage of The Acolyte. Une basse terreuse sert de point d’ancrage, avant que les guitares au carillon urgent de « Summer Sun » et les tons chauds de Berry n’émergent et ne propulsent les choses quelque part entre Deep Purple de l’ère « Hush », The Moody Blues et The Left Banke. Cette approche éclectique de pie est la force de Berry, car les tropes musicaux familiers du folk, de la pop, du funk et du rock des années 60 et 70 fusionnent avec des synthés analogiques bouillonnants et vrombissants pour créer quelque chose qui devient un hommage inspiré, plutôt qu’un pastiche. Ce style ou ce son est également en train de devenir une signature propre à Berry, il est maintenant possible de décrire un morceau de musique comme étant Matt Berry-esque, ce qui n’est pas une mauvaise chose ; en fait, c’est une recommandation.
L’espionnage instrumental à l’orgue de Ray Manzarek et du John Barry de Safe Passage se fond dans le breakdown funk de « Now Disappear » avant que la voix distinctive de Berry ne fasse une réapparition bienvenue sur Alone. Les morceaux de Blue Elephant sont soigneusement conçus pour être écoutés comme un tout ; ils s’enchaînent les uns aux autres et suivent une sorte d’atmosphère narrative, avec des passages instrumentaux ponctués de chansons ou de moments plus dramatiques ou cinématographiques. Chaque pièce de cette « suite » est accompagnée de ses propres détails et rebondissements, tissés de main de maître. Par exemple, les chœurs angéliques au mellotron d’Alone se mêlent à la section parlée de style Warrior on The Edge of Time du morceau en trois parties « Blues Inside Me », qui se transforme ensuite progressivement en électronique analogique chargée de funk. Par contraste, on assiste ensuite à une métamorphose en orgue Farfisa Floydien et en breakdowns à la Syd Barrett, évoquant un dimanche après-midi brumeux aux motifs paisley.
Cependant, l’élément central de « Blues Inside Me » est un classique pop plus conventionnel des années 60, une variation soignée et attentive qui équilibre les morceaux plus outrés de la bande-son. Il glisse ensuite sans transition vers « I Cannot Speak », une tranche parfaitement lancée de Matt Berry en mode classique, avec des guitares wah wah, un refrain triomphant mais curieusement mélancolique, ponctué de cuivres, et un sentiment sous-jacent d’ailleurs. Le monde de Berry n’est jamais sinistre, mais il est étrange et peut être étrangement bizarre.
Sur la deuxième face, le piano nerveux et la guitare de « Spanish Caravan » de la chanson titre sont recouverts d’un passage de spoken word vraiment lysergique, ajoutant un exotisme dérangé aux procédures. Les passages de claviers scintillants et descendants de Life Unknown sont à la fois transportants et cosmiques, sans être voyants ou tape-à-l’œil, malgré l’évidence des musiciens présents ; Berry se concentre sagement sur l’évocation de l’ambiance et de la texture. Ensuite, les effets désorientants de Safer Passage mènent à un passage de flûte et de guitare plaintive, alternant entre le folk psyché et un entraînement prog complet, agrémenté de synthés de science-fiction vacillants, de chants extraterrestres et d’un orgue plus proche de celui de Doors. « Like Stone » offrira une tranche de funk plus conventionnelle, bien qu’agrémentée d’effets de flange et de sitar sauvages. « Story Told » commence par les cris d’un éléphant (bleu) avant de s’épanouir dans un morceau de piano magnifique et délicat, se tissant et s’entrelaçant à travers des passages instrumentaux chaleureusement mélancoliques et des ruptures d’orgue jazzy avant de se terminer de manière véritablement épique à la Pearl and Dean, tandis que les effets de guitare à l’envers et le piano majestueux de « Forget Me » en font une ballade baroque parfaitement formée. L’album se termine par une reprise de » Now Disappear (Again) », un thème d’espionnage pour un film de Le Carre qui n’a pas encore été réalisé.
En effet, l’album dans son ensemble évoque souvent une atmosphère d’espionnage des années 60, une ambiance ou une atmosphère typiquement Harry Palmer. Il y a un sentiment vintage, poussiéreux et légèrement triste d’hier, ainsi qu’un sentiment de fraîcheur et d’intrigue. Le fait que tous les composants, les styles et les instruments apparemment disparates s’écoulent aussi facilement que l’eau et s’intègrent sans effort et avec autant d’émotion témoigne du génie de Berry. Écouter, c’est entrer dans sa vision unique et, on le sent, dans sa façon de voir le monde qui l’entoure. Pourquoi ne pas lui rendre visite pour un moment, et découvrir The Blue Elephant dans toute son étrange beauté.
Prêtant sa voix à Skyharbor, à White Moth Black Butterfly et, surtout, à la sensation mondiale du métal progressif, Tesseract, le concluant CV de Daniel Tompkins laisse entendre qu’il est plus qu’un beau gosse. Souvent, au sein de ces collectifs complexes et sérieux, Tompkins est la faille où la lumière proverbiale de ceux avec qui il a pu collaborer. Ses performances guident les auditeurs à travers des structures labyrinthiques tout en les gardant toujours au sol. L’année 2019 a vu la sortie de son premier album solo, Castles, un opus pop-rock assez bien accueilli. Un album dont la qualité « pop », avec le recul, semble avoir hanté le chanteur. Avec son deuxième album, Ruins, Tompkins retravaille et réécrit la majorité de ce qui constituait Castles à la recherche de sonorités plus vraies et plus sombres tout en restant fidèle à ses concepts originaux. Pourtant, si Ruinsarpente un terraindéjà parcouru, il explore bien plus de nouveaux territoires qu’il ne retrace de vieilles traces.
À première vue, les titres de morceaux tels que « Empty Vow », « Stains of Betrayal » et « A Dark Kind of Ange » » suggèrent une lecture solennelle de poésie gothique plutôt qu’une réimagination musicale progressive. Heureusement, le premier morceau « Wounded Wings », avec le guitariste Plini, dissipe ces soupçons. Posant les bases avec une mélodie séduisante englobée dans une boucle hypnotique, un refrain planant va s’insinuer pour mieux exploser. Mais si le moteur tourne à plein régime, il ne décolle jamais tout à fait, taquinant plutôt avec ce qui va suivre ; une finale mélancolique menée par le piano. En revanche, la chanson titre et le « single » « Ruins » ne sont pas aussi percutants, car ils sont beaucoup plus graves musicalement, Tompkins passant sans effort d’un chant clair à un chant dur. Le premier « single », « The Gift », avec Matt Heafy de Trivium, tente d’offrir la même chose, mais avec moins de succès. Sa scansion brutale pourrait bien finir par être la préférée des fans, mais comme il s’agit du seul morceau tout neuf de l’album, les attentes étaient certes plus élevées d’autant que « Ruins » affiche une profondeur et une polyvalence que « The Gift » ne peut tout simplement pas rivaliser.
Tout comme Tompkins lui-même, Ruins est à son meilleur dans les fissures où la lumière pénètre. Comme dans « Empty Vows », qui ne sert pas seulement de morceau phare de l’album, il clarifie également les raisons pour lesquelles Tompkins s’est senti obligé d’entreprendre ce projet. Dans sa forme originale, ce titre, initialement intitulé « Saved », a toute la puissance d’une marche électronique laborieuse. Aujourd’hui, aux côtés du producteur Paul Ortiz (alias Chimp Spanner), Tompkins choisit le morceau et le rend euphoriquement explosif. Avec des mélodies captivantes injectées dans cette partie de ballade et dans l’hymne, la composition est l’un des meilleurs morceaux de Tompkins. Il en sera de même avec « A Dark Kind of Angel », qui réimagine la chanson « Telegraph », la propulsant vers de nouveaux sommets avec son atmosphère émotive et enivrante.
Peur de la nouveauté, de la correction d’une erreur ou de la recherche de la perfection ? Il faut presque certainement que ce soit la dernière. Tompkins est assez intelligent pour savoir qu’on ne peut tout pas simplement se contenter de superficialité et de se dédouaner de tout effort.Bien sûrCastles n’est en aucun cas un disque insignifiant. Pourtant, se sentant construit plutôt que reconstruit, Ruins est bien plus qu’un album rebaptisé et une collection des mêmecompositions sous un habillage nouveu. Il s’agit essentiellement d’une œuvre entièrement nouvelle. Intelligent, et souvent convaincant, Ruins est un témoignage louable et à multiples facettes du soin que Tompkins investit dans son art. Il n’est peut-être pas parfait, mais, comme Tompkins, c’est une tentative sincère de rechercher une plus grande perfection. Et, à certains moments, il y parvient.
Lorsque Crippled Black Phoenix ont commencé leur dernier album Ellengæst, ils se sont retrouvés avec un chanteur et un claviériste masculin, après le départ de Daniel Anghede. Plutôt que de laisser ce revers les vaincre, ils ont fait appel à des amis musiciens pour les aider. Vincent Cavanagh d’Anathema, Kristian « Gaahl » Espedal de Gaahls Wyrd, le bassiste itinérant Ryan Patterson de Coliseum/Fotocrime/one-time Crippled Black Phoenix, l’artiste solo Suzie Stapleton et Jonathan Hultén de Tribulation sont les invités d’honneur. Bien qu’il s’agisse d’un éventail d’artistes, à aucun moment l’album ne semble rapiécé ou disjoint. Produit par Justin Greaves et Karl Daniel Lidén, le son est immense et majestueux tout au long de l’album.
Le morceaud’ouverture, « House of Fools », chanté principalement par Cavanagh est accompagné de la trompette sombre d’Helen Stanley avant d’être brutalement balayé par une rafale de guitares enragées. Comme dans le monde moderne, tout ce qui est beau doit être piétiné. Le sentiment de malheur s’empare de l’auditoire et le chœur a la puissance tonitruante d’un Godspeed You ! Piste de Black Emperor. Le chant s’élève dans un passage de piano serein et la trompette solitaire réapparaît, meurtrie mais toujours vivante. Un rythme funèbre signifie le trouble alors que les sirènes retentissent par intermittence et que la tempête de merde des guitares s’écrase à nouveau. C’est une épopée ouverte sur l’album, et ne laisse aucun doute sur le ton du disque.
Une boîte à jouets sonne une sinistre introduction de « Lost », et elle met en vedette une voix étonnante et exaspérée, celle de Belinda Kordic. La houle des guitares dans le refrain est sismique et vous enveloppe de tout votre sang. Cavanagh hurle « Nous sommes perdus en tant qu’humains ! » (We are lost as humans !) et vous vous sentirez coupable de tout ce que vous avez fait pour provoquer le déclin de la civilisation. Le sentiment dominant de cette chanson est celui du désespoir pur et simple et de l’abandon de tout ce qui est bon. Greaves martèle un rythme apocalyptique qui ne s’arrête jamais et les guitares hurlent et s’envolent, c’est vraiment une chanson puissante.
« In the Night » commence par un extrait du récit déchirant d’une jeune fille, que je ne vais pas tenter de résumer car il faut l’entendre pour qu’il ait un impact complet. La chanson vous entoure comme un serpent, avec une seule issue noire à l’esprit. Les contributions de Belinda Kordic sont fantomatiques et totalement tragiques, « live to fight another day » est répété par le groupe qui s’épanouit dans un paysage sonore à la Pink Floyd de solos de guitare liquides et d’orgue brûlant. Alors que le morceau se transforme en un crescendo écrasant, Kristian « Gaahl » Espedal rugit puissamment les mêmes paroles comme un dieu mystique de la guerre et c’est terrifiant, à vrai dire.
Le galop de « Cry of Love » peut inquiéter lors de la première écoute mais la chanson est un sacré morceau de culture et la combinaison pont et choeur est une chose puissante à voir. La mélodie est forte pour correspondre à la majesté de la musique et je trouve maintenant que la chanson est l’une des plus fortes de Crippled Black Phoenix. Ryan grogne « Le temps est un ennemi cruel et il est trop tard » et le chahut de la terreur redescend le long de votre colonne vertébrale. Alors que la chanson s’élève, les magnifiques guitares d’Andy Taylor et de Justin Greaves tourbillonnent et font tourner de belles mélodies. Incroyable.
« Everything I say » est une ballade tendre (puissante) où Kardic ronronne comme Edith Piaf et où le groupe superpose le bruit, sa voix devient intense et puissante, jusqu’à l’effet hypnotique. La rage est palpable tout au long de cet album car le son est immense et sans retenue, essayant de vous dominer et de vous coincer. Il est à la fois expansif et claustrophobe, l’album est extrêmement sombre en perspective. Il est implacable et difficile à écouter, mais passionnant et absorbant en même temps.
« The dark (-) » est un interlude échantillonné d’un homme qui parle de sa dépression de façon graphique. Encore une fois, je ne vous transmettrai rien de tout cela car cela diminuerait la puissance du contenu, mais ma parole, cela frappe vraiment l’âme. Compte tenu du monde dans lequel nous vivons aujourd’hui, il se peut que vous vous trouviez au bord du gouffre à ce stade. Soyez avertis…
L’humeur est au beau fixe, la bizarrerie de la reprise du Bauhaus « She’s In Parties », qui essaie d’être ludique mais qui sonne juste en contradiction avec les autres chansons. L‘album aurait mieux valu se terminer par » »The Invisible Past », mais il y a évidemment une raison pour laquelle cette chanson se trouve là où elle est. La citation d’ouverture de l’album dit bien : « Une chose que nous ne ferons jamais, c’est de respecter les règles et de rester dans les limites de la boîte » (One thing we’ll never do is stick to the rules and stay within the box), alors pourquoi la remettre en question ?
Les fans de Crippled Black Phoenix savent à quoi s’attendre avec leurs disques, mais Ellengæst apporte un niveau d’obscurité encore plus sombre que d’habitude. Parfois, l’album terrifie par les pensées qu’il provoque et il n’est vraiment pas à écouter si vous ressentez les tensions de ce monde malfaisant en ce moment. Le groupe est cependant dans une forme redoutable et il y a une rage tonitruante que je crois n’avoir entendue auparavant que sur un Godspeed You ! Black Emperor, c’est donc un véritable exploit pour toutes les personnes concernées. Je ne recommanderais pas cet album comme introduction à Crippled Black Phoenix, mais pour les initiés, laissez-vous emporter.
Publié par rockdecibels 
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