Jo Quail: « The Cartographer »

3 mai 2022

La violoncelliste Jo Quail est aussi à l’aise dans des ensembles classiques que dans des groupes de métal ou en solo. Elle a également sorti une série d’albums studio très convaincants au cours des douze dernières années. The Cartographer est une pièce à grande échelle en cinq mouvements pour violoncelle, violon, piano, chanteurs, percussions et huit trombones. L’album comporte également des éléments parlés qui sont pour la plupart discrets – jusqu’à ce qu’ils ne le soient plus.

L’album est en grande partie de la musique classique jouée de manière lourde, l’instrumentation inhabituelle ajoutant une sensation subtilement étrangère. Des techniques issues du minimalisme (accords de piano martelés) et du chant sont couplées à des percussions martiales pour un grand effet. Cela rappelle souvent étrangement Magma, une autre source d’amalgames rock/classique pesants.

La pièce maîtresse de l’album est « Mvement 3 », une exploration cinématographique puissante et délibérément rythmée de 15 minutes. Il commence doucement avec des couches de cuivres et de voix, tandis que des rythmes staccato se construisent et s’étirent. Les contributions de Quail sont discrètes et prennent surtout la forme de mélodies lentes. Le volume et le rythme s’accélèrent vers la 7e minute, avec des accords épais et majestueux des cordes et des cuivres.

À première vue, ces sections ressemblent à des riffs massifs de guitare électrique (pour être honnête, le violoncelle et le violon sont amplifiés et certains effets de distorsion ont pu être appliqués). Le piano et les percussions poursuivent leur marche désordonnée, faisant avancer le morceau tandis que les voix passent du calme au cri. Tout cela est retenu – contrôlé malgré l’énergie et la puissance brutes.

Cette seule piste n’est qu’un avant-goût de The Cartographer. Il y a beaucoup plus à entendre, notamment des passages qui auraient leur place sur un enregistrement de Steve Reich ou de Sunn O))). Mais l’offre de Quail parvient également à présenter des similitudes avec d’autres hybrides classiques / métal de ces dernières années – Triptykon et Nightwish, par exemple. En bref, c’est un très bel album pour quelqu’un (comme moi) qui a grandi avec le metal et qui aime l’entendre emmener dans des endroits nouveaux et étranges.

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Sasami: « Squeeze »

27 février 2022

Dans une compte-rendu datant de 2021 sur le deuxième album de System of a Down, Toxicity, un groupe de métal alternatif, un seul musicien non-métallique a été cité – ou du moins, elle n’était pas un musicien de métal à l’époque. « System of a Down exploite cette énergie super sombre et l’applique à quelque chose qui les met vraiment en rage, comme l’insécurité et la toxicité politique de leur pays d’origine, et l’état de l’existence humaine », a déclaré Sasami Ashworth, alias Sasami. Sur son deuxième album Squeeze, la musicienne de 31 ans de Los Angeles imite ses idoles, délaissant le shoegaze et la dream-pop de son premier album éponyme de 2019 pour le métal, l’industriel et le grunge. Grâce à ces nouveaux sons forts et agressifs – Ashworth a également joué du synthé chez Cherry Glazerr et, lors de quelques apparitions télévisées, elle crée un espace dans lequel chacun peut combiner sa propre rage avec la sienne et se sentir nouvellement libéré par une catharsis de groupe, sans infliger aucune violence réelle. Le maelström de guitares distordues et de percussions martelées donne naissance à ses meilleures compositions à ce jour.

En écrivant Squeeze, Ashworth a approfondi la question de savoir comment ses ancêtres Zainichi, des Coréens vivant au Japon, parfois à la suite d’une relocalisation forcée, ont été maltraités et marginalisés. La colère qu’elle a ressentie concorde avec ce qu’elle a appris sur la façon dont l’esprit folklorique y?kai japonais nure-onna – partie serpent, partie femme – épargne les bonnes personnes et anéantit les mauvaises. Dans « Skin a Rat », la colère d’Ashworth est tout aussi spécifique et ciblée : Alors que Dirk Verbeuren, le batteur de Megadeth, se déchaîne derrière le kit, Ashworth et ses choristes – la comédienne Patti Harrison, qui a réalisé la vidéo de la reprise métallique de Squeeze sur la chanson « Sorry Entertaine » » de Daniel Johnston, et Laetitia Tamko, de Vagabon – déversent leur venin sur une « putain d’économie ». Sa cible est claire – le capitalisme – mais c’est la façon dont elle décrit sa colère qui est la plus intéressante. « In a skin a rat mood / Cut ’em / Crush ’em with a big boot » (Dans une humeur de peau de rat / Coupez-les / Ecrasez-les avec une grosse botte ), disent les couplets, qui s’enorgueillissent de guitares glorieuses qui auraient pu être copiées et collées d’une chanson de Korn. Ashworth évoque la violence avec ses paroles, mais c’est une humeur, un fantasme. Elle ne fait jamais de mal à personne, encore moins à un rat.

Ashworth utilise la dureté métallique – parfois grâce à la coproduction avec le dieu du fuzz Ty Segall – pour créer un espace sûr permettant de partager la rage, de la valider et de la transformer en soulagement sans conséquences physiques. Elle ne mentionne jamais l’histoire de sa famille ou sa marginalisation spécifique, même si ces détails ont été à l’origine de la création de Squeeze, et c’est un choix intelligent : il est plus difficile de s’immiscer dans l’art de quelqu’un et de se décharger d’un poids personnel exaspérant quand il appartient si clairement à quelqu’un d’autre. « Need It To Work » passe en trombe sur un langage clair et simple qu’Ashworth livre d’une manière qui relègue toute l’histoire dans les profondeurs de son esprit : « Like me? Do you like me? Do you notice me? » (Tu m’aimes bien ? Est-ce que tu m’aimes ? Est-ce que tu me remarques ?) demande-t-elle d’un ton narquois mais enjoué. On dirait qu’elle tourne frénétiquement en rond dans sa chambre, se préparant à dire quelque chose mais ne trouvant pas encore le courage de le dire. «  I need it to work » (J’ai besoin que ça marche), chante-t-elle à plusieurs reprises au dessus des guitares diaboliques du refrain, et comme ses paroles ne sont pas en phase avec ces guitares et le rythme comprimé de la batterie, le malaise amplifie les enjeux. C’est une musique pour essayer de manifester la disparition de l’obstacle le plus redoutable.

Sur « Say It », le morceau le plus ouvertement inspiré du métal, grâce en partie à la coproduction de Segall et de Pascal Stevenson du groupe post-punk Moaning, la libération de la colère et du stress amoureux vont de pair. « Don’t want to agonize, just say it » (Je ne veux pas mangoisser, dis-le juste), chante Ashworth, suppliant son amoureux de lui dire ce qu’il ressent vraiment ; rien que leurs mots pourraient calmer sa rage. Pourtant, d’autres paroles suggèrent que cette honnêteté pourrait être aussi violente que l’absence même de l’amour qui lui porte sur les nerfs. « Why don’t you rip it off ? » (Pourquoi ne l’arraches-tu pas?) demande une voix grave, fortement décalée, qui semble désincarnée, presque comme une pensée intrusive, au dessus d’un riffage de basse fréquence déchirant. Pour Ashworth, « Say It » suggère que la simple idée qu’un amant pense du mal d’elle peut être aussi enragée et douloureuse que des griffes dans sa peau.

La violence est omniprésente, même dans les moments les moins martelés de Squeeze. « The Greatest » est une « power ballad » surmultipliée mais vaporeuse sur un amour profondément inégal, avec des images de fusils chargés sur la gorge et d’Ashworth abandonnés sans ménagement au bord de l’autoroute. Sur « Call Me Home », que Kyle Thomas de King Tuff a coécrit et qu’Ashworth a produit, des grattages de guitare acoustique et des grosses caisses réverbérantes s’entremêlent avec des synthés qui ressemblent à un chœur criant de derrière un mur, et l’effet combiné est aussi obsédant que magnifique. C’est l’ambiance idéale pour les scènes domestiques mais tendues que peint Ashworth – « Get a real job, and a fake smile » (Trouve un vrai travail, et un faux sourire) résume en hquelques mots mots l’épuisement à joindre les deux bouts – de sorte que lorsque des images de cous étranglés et d’yeux brûlés se joignent à la mêlée, elles ressortent comme des pouces douloureux.

Les chansons moins métalliques de Squeeze ne sont pas aussi cexcentriques et justes que les « headbangers » ; bien que « Tried to Understand » soit une chanson folk-pop accrocheuse et « Make It Right » soit une composition amusante et bluesy, il leur manque la vigueur et la fureur qui font de Squeeze une urne pour les cendres de la rage : comment pouvez-vous déverser votre colère dans une chanson si elle n’a pas sa propre colère ? Squeeze excelle lorsqu’il fournit la bande-son parfaite pour percer un trou dans un mur, ou du moins pour en fantasmer.

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An Autumn For Crippled Children: « All Fell Silent, Everything Went Quiet »

28 avril 2020

An Autumn For Crippled Children est un groupe qui a toujours flotté autour de la sphère de vision, des aficionados mais auquel jceux-ci n’ont jamais réussi à donner assez de profondeur. Quand l’album numéro huit est arrivé on a peut-être l’occasion parfaite de s‘immerger suffisamment pour essayer de décrire ce qqui peut y être trouvé. Sur All Fell Silent, Everything Went Quiet, le mystérieux trio hollandais qui soude d’une manière ou d’une autre les sons inspirés de Joy Division au black metal, ça ne sera peut-être pas l’opus essentiel mais ça marche vraiment.

Il n’y a pas ici de guitare façon « Love Will Tear Us Apart » et le chant est loin d’être compréhensible, mais la batterie a un son riche en retombées du début des années 90 et en sons de synthétiseurs lourds des années 80. Imaginez qun Joy Division qui aurait remplacé Ian Curtis par un chanteur de black metal mais que, batteur en tête,le combo conserve l’esthétique originale de l’enregistrement. Bien que ce ne soit pas une nouveauté pour le groupe, ils ont quand même produit un album où rien n’est vainement répété.

Il y a quelques morceaux qui se démarquent vraiment et on peut être particulièrement attiré par le deuxième titre, un « Water’s Edge » qui possède un rythme de batterie hypnotique proche du happy hardcore des années 90 et qui aurait vraiment pu apparaître sur un « single » de Technohead. Ce qui est beau, c’est la façon dont il s’intègre dans le chant étincelant et insaisissable et les synthés qui prennent le dessus sur la guitare pour entraîner la chanson dans la rigole avant de s’envoler vers la stratosphère. La chanson « Paths » se démarque aussi car lson début ne donne aucune indication sur l’endroit où vous allez être emmené. La batterie est absolument percutante, mais avec cette faible couche d’effet 80/90 et des synthés qui s’envolent tandis que la guitare se déchire à une seconde place en arrière-cour.

L’album est d’une grande intensité et d’un grand rythme, avec des chansons qui sortent tout droit des pièges et qui se contentent d’être percutantes. Bien qu’il y ait tant de constantes, la musique n’est pas répétitive et, lorsque vous passez d’un titre à l’autre, il y a une nette distinction de ce changement. C’est une démonstration magistrale de mélange des extrêmes à un rythme élevé, sans pour autant être répétitif ou gadget. Saluons donc cette agilité qui est aussi organique que celle ici ressentie.

***1/2


Then Comes Silence: « Machine »

9 avril 2020

Machine est le cinquième album des rockers suédois Then Comes Silence, et il ressemble certainement à un album réalisé par un groupe qui a mis du temps à trouver son son. Les albums précédents semblaient souvent coincés entre les tendances lourdes du groupe et leur penchant pour les structures et les humeurs post-punk. Là où Machine réussit, c’est à trouver l’équilibre entre ces deux modes. Le résultat est un solide dossier de morceaux de rock gothique qui ne lésinent pas sur les riffs ou les rythmes dansants.

L’ouverture de « We Lose the Night » devrait vous donner une idée assez précise de ce que l’on peut attendre de Then Comes Silence. Les parties de guitare et les rythmes sont très chantés, la batterie se mélange à la manière de Joy Division et Alex Svenson chante à la basse. Ce n’est rien de particulièrement nouveau mais il est remarquable de constater à quel point le groupe travaille bien le son de chaque morceau ; « Apocalypse Flare », « Glass », « Devil » sont tous taillés dans un tissu similaire, mais se distinguent par leurs accroches mémorables.

Les principales variations du disque sont également remarquables pour certaines idées intéressantes qu’ils travaillent dans le son des pistes environnantes. « I Gave You Everything » est un couplet très sinistre, réduit à un simple riff de guitare descendant, à quelques trémolos en filigrane et à 4 simples coups de pied au sol, ce qui donne à son grand refrain un peu plus de jus quand il éclate. « Kill It » est l’un des morceaux les moins sombres, mais avec des touches psychédéliques qui rappellent le vintage Tear Garden. On peut aussi apprécier « Cuts Inside » plus proche, où le groupe se met enfin à une vague permettant aux synthés en toile de fond de briller un peu plus dans le mix pour des atmosphères plus effrayantes.

Machine ressemble en tous points au travail d’un vrai groupe de rock, avec une production et un mixage qui mettent en valeur les points forts de la chanson. Then Comes Silence n’est pas très novateur – et pour être honnête, il y a certainement des moments où ils puisent directement dans certaines de leurs influences – mais ils savent se débrouiller avec un accroche-regard et un refrain et ont le bon sens de faire bouger les choses d’un morceau à l’autre. Si vous recherchez un disque solide de rock gothique moderne, Machine devrait faire l’affaire.

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Vitja: « Thirst »

13 octobre 2019

Vitja s’est, jusqu’ici, illustré par son mélange electro metalcore parfois musclé, parfois mainstream et des pochettes quelque peu hideuses ; Thirst, lui jouit d’un artwork assez classique mais élégant D’ailleurs, « Light blue » démarre de façon très soft. On imagine sans mal le titre catapulté en « singl »e et propulsé sur les ondes avec la bannière « nouveau Linkin Park ». Bien sûr, quelques vocaux plus metal sont présents en fin de bouche, mais bon, on va plus retenir la jolie mélodie et le feeling général très pop du titre. « Silver lining », se fera beaucoup plus incisif, mais conserve toujours cette touche Vitja faite de beaucoup de sucre et d’un poil de piment.

Le reste un mélange suffisamment équilibré pour qu’on en redemande, quel que soit le côté qu’on préfère chez le combo. Comme ce qu’on avait supputé après le premier titre, Thirst a pas mal levé la pédale sur la violence (relative) sur ce disque qui se situe tout de même en droite lignée de  Digital Love dans l’intention d’axer ses efforts sur l’hybridation. Les 13 titres sont mieux produits, bénéficiant d’un son encore plus « rond », et mixe donc bien mieux la bipolarité du groupe ; tout ici sonne de manière plus naturelle, plus intégrée. C’est évident, certains ne retiendront que le fait que Vitja se soit calmé, mais on ne peut que continuer à trouver ce disque plutôt fort sympathique.

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Manchild: « Demons »

7 mai 2019

Des démons, le canadien Madchild en a pas mal dans sa besace. Avec ses goût pour un certain hip-hop et le crossover qu’il a ainsi réalisé on sait qu’il est capable de nous réserver pas mal de surprises.

La dernière en date, The Darkest Hour, avait pourtant été pour le moin raté et il n’est peut-être que logique de le voir glisser vers des terres musicales beaucoup plus « américaines » et classiques, plus groovy et typiquement hip-hop. En quelque sorte, une émancipation de son passé plus sombre.

Et si ce « Demons » est un titre qui nous est brandi sous le nez,les autres smorceaux suivent pour la plupart le même chemin. Il y a quelques succulents moments (« Brainstorm », « Demons », « Death race », « Soiled in regret »), le reste grappillant les mentions bon mais sans plus et pas mal du tout. Oui,pas vraiment de mauvais choix ici juste des options discutables. À prendre ou à laisser suivant qu’on s’attendait à mieux ou pas.

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New Years Day: « Unbreakable »

3 mai 2019

New Years Day est un groupe originaire d’Anaheim, Californie, qui mélange plusieurs éléments qui fonctionnent plutôt bien ensemble ; le néo metal ou metal alternatif, le thrashcore, le heavy metal. Tout ça au travers d’un style très accessible et catchy, mais qui ne manque pas de grosses guitares. On ne va pas se le cache, Unbreakable fonctionne un peu comme une caution pop à la mouvance metal.

New Year’s Day est l’évolution naturelle de formations comme Evanescence. Un côté moins propret dans le look, peut-être de plus grosses six codes, mais dans le fonds, peu de changements. On pourrait disserter pendant des heures du côté commercial de ce groupe (qui, pourtant, n’a pas été monté de toutes pièces, puisqu’il existe depuis 2004 et s’est bâti au travers de multiples changements de personnel), mais ce serait totalement vain.

Parce que ça aurait un intérêt si sa musique était un repoussoir, ou que le groupe n’assumait pas ce qu’il est. Mais il n’en est évidemment rien. Chaque titre assure à la perfection, et, même Unbreakable ne pourra se vanter d’être un classique à longue duré de vie, ce sera un opus qu’on pourra mettre en mode « lecture » sans trop y penser, comme une toile de fond idéale, rassurante et gorgée de queqsues décibels.

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