Tangents: « Timeslips »

6 octobre 2020

Alors que le groupe australien Tangents déploie son histoire avec le battement de cœur d’un collectif, le batteur Evan Dorrian reste le frontman du groupe, si tant est qu’il en ait un. Le style extraverti de Dorrian flirte avec le jazz, l’IDM et le post-rock, entre autres idiomes, pour un effet déroutant et élastique. Sur Timeslips, le quatrième LP du groupe, les rythmes, les résolutions et, oui, les pensées tangentielles de Dorrian conduisent la construction des compositions qui les entourent, comme autant de pistes d’atterrissage pour les avions qui se construisent au fur et à mesure qu’ils volent. Bien que le disque soit plus subtil – voire, parfois, plus discret – que les précédentes sorties du groupe, le travail de Dorrian reste toujours aussi dépouillé.

Dans une certaine mesure, il en a toujours été ainsi. Pour la plupart de ses productions, le groupe a soigneusement édité et modifié en post-production ses suites d’improvisation afin de refléter cette notion même, le fournisseur de temps et de mètre une sorte de source brute de gravité. Mais, là où le New Bodies de 2018 était encombré d’idées et de spasmes d’inspiration, Timeslips est plus feutré que précipité, et les contributions de Dorrian sont d’autant plus frappantes.

Prenez « Old Organs » », que Temporary Residence a judicieusement diffusé avant la date de sortie de Timeslip. La percussion est brillamment colorée, avec des petit noyaux incrustés de bijoux – la grosse caisse et la caisse claire de Dorrian ont été retouchées numériquement et coupées de manière inhabituelle, pratiquement au point de ne plus être reconnaissables. Derrière lui se cachent des pastels d’orgue et de synthé, mais je vous mets au défi d’écouter ces envolées de percussions qui finissent par céder la place à un traditionnel battement de dos de kit. Que ce soit l’électronique d’Ollie Brown ou le pincement des cordes du violoncelle de Peter Hollo, on entend les insinuations d’un thrum bassy, aussi léger soit-il, avant que le groupe ne commence à se fondre autour du centre rythmique de tout cela. Je vous mets au défi de trouver un moment où Dorrian n’élabore pas le récit.

Tangents jouent un tour similaire sur « Survival ». Alors que le thème central de la chanson est une mesure répétée au synthétiseur, ce qui fait chanter la chose, c’est la façon dont Dorrian danse et se balance autour du motif, plus John McEntire que Can. Si vous enlevez toute la composition des percussions, ce ne serait pas un morceau de construction ambiante étudié ; il sonnerait épars et même flasque. Mais ajoutez un mélange hypnotique de batterie, quelque chose pour faire tourner l’auditeur en rond pendant que le synthétiseur lance la transe, et vous êtes sur quelque chose.

Ailleurs, Tangents jouent avec d’autres prétentions – ou, plus exactement, essaient de le faire. Bien qu’Adrian Kim-Klumpes soit au centre de l’ouverture de l’excellent et atypique « Debris », un morceau ultérieur, ce qui est intéressant, c’est la façon dont Kim-Klumpes peint des arpèges de piano et des textures autour des notes du guitariste Sia Ahmad, d’un claquement inhabituel. Ici, Dorrian est inhabituellement muet, ce qui donne une sorte de marche faustienne. Mais c’est l’un des rares morceaux du nouvel album où tout le groupe se sent engagé dans un véritable racket ; le morceau se termine sur de vraies notes de raucité et d’audace.

Le piano et le violoncelle offrent des sous-entendus séduisants sur le « Bylong » de clôture, qui n’a pas besoin de la main lourde d’un éditeur pour faire connaître ses intentions. C’est presque une clôture légèrement pensif – pensez au cinéma de Tindersticks. Des touches lourdement manipulées sont présentes sur « Vessel », qui est en fait la pièce qui ouvre le monde aux possibilités du LP après « Exaptation ». Ici, les motifs répétés, posés sur des cymbales lourdes et un bruit de guitare salace, sont les choses qui vous resteront en tête.

Les tangentes sont devenues expertes dans la sculpture de paysages sonores instrumentaux qui sont plus grands que la somme de leurs parties. Sur Timeslips, cependant, plus que sur tout autre prédécesseur, il est difficile d’imaginer le terrain sans les pistes établies par Dorrian. Il y a une intention derrière le groupe qui fait tourner ses récits en cascade autour de la batterie, si l’on en croit les enregistrements passés. Mais, dans les moments les plus discrets, le groupe présent sur son nouvel album, la batterie ne se contente pas de conduire le récit. Ils deviennent souvent le récit.

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Francesca Naibo: « Namatoulee »

24 août 2020

Cela commence par un cri, un doux hurlement… un vide, alors que tout l’air s’échappe de l’univers. Se déployant comme une fleur extraterrestre sortant d’un oeuf, une fleur élégante et inconnue, quelques minutes plus tard, Mae Lougon pourrait introduire le 2001 de Kubrick. En regardant dans cet abîme, ce que vous voyez ne dépend que de vous. Il en ressort des tonalités profondes, semblables à celles du violoncelle, des grognements, des gémissements et la vision expansive de Francesca Naibo sur les possibilités de la guitare électro-acoustique.

Le spectre des sons ici est une chose, une autre est leur utilisation totalement naturelle (bien que souvent mélodiquement tordue) – rien n’est forcé, pas de sons carrés dans des oreilles rondes, … tout est audacieux, beau, envoûtant et absolument juste.

Sur Toundaleda, les harmoniques atonales scintillent et résonnent avec un vibrato à glissement libre, qui se tord dans le vent. Une boîte à musique se fraye un chemin à travers une trame sonore atonale ; le chemin est clair (avec le recul) mais pas droit. Des voix sans voix s’harmonisent (et non) avec le sciage de Nadare Nura, qui ressemble à un violon. Dans « Làmeda Lemèda » et « Tandiketi », des indices d’une approche fracturée non-idiomatique inspirée de Bailey se répandent dans l’espace de tête, flirtant avec une cueillette plus fluide, menaçant une mélodie. Ailleurs, nous rencontrons des drones lourds de type synthétiseur et de la science-fiction, le son de la noyade et un bruit élégamment abstrait.

L’impression générale est celle d’une libre errance, d’un contrôle virtuose et d’une étreinte sans peur de l’inattendu. Pourtant, grâce à une sensibilité d’avant-garde et à des techniques et une amplification étendues, on peut entendre le bois – c’est un son organique produit par les doigts sur le bois de rose et l’acier – chaud, vivant, croissant même…

Cet album est une carte postale de l’au-delà, au-delà des limites que la plupart des guitaristes acceptent habituellement, une zone dans laquelle chaque centimètre carré de l’instrument est une source sonore, filtrant l’imagination sonore fébrile de l’artiste.

***1/2


Lovely Wife: « Best in Show »

5 juillet 2020

À première vue, Newcastle possède une scène remarquablement vaste et florissante consacrée à toutes sortes de dormations de métal bruyantes/expérimentales, jusqu’à ce qu’on se rende compte qu’environ 75 % des groupes comptent James Watts et un certain nombre de ses compagnons. En fin de compte, c’est une belle chose parce que Watts est un chanteur polyvalent – peut-être pas Mike Patton, mais plus qu’habile à affecter toutes sortes de métal à gorge basse, ainsi que des notes allongées angoissées et des incantations monastiques, et, comme le prouve la dernière chanson, le didgeridoo humain.

Le groupe est décrit comme « un mélange unique et bizarre de doom improvisé avec une ambiance psychédélique d’ivresse qui se situe entre THRONES, The Melvins et un groupe de Butthole Surfers très énervé ». Le texte poursuit en précisant que « Ils jouent normalement en trois parties, avec une basse, une batterie, un peu de saxo et des voix qui semblent sortir de la bouche de quelqu’un qui a été enfermé dans une cave pendant 20 ans et qui reste en vie en léchant la moisissure qui se développe sur les fûts de bière ».

C’est un bon résumé, même s’il y a plus qu’un peu de saxo ici. Mais pas de violons. Et que, malgré toutes les agressions sonores, ce sont des pacifistes.

Il n’y a rien de tel que de faciliter l’écoute d’un album en douceur, et l’introducteur de vingt-trois minutes, « Ioniser », n’a absolument rien de tel que de faciliter l’écoute d’un album en douceur. Un grésillement et un bourdonnement de surcharge se produit et se déforme comme l’enfer. Il finit par s’installer dans un groove à la gomme-laque, un rythme de tambour trépidant à la Todd Trainer, qui entraîne un grondement bas de gamme et qui sert de toile de fond à un spectacle de contorsions vocales qui célèbrent tout ce qui est torturé et guttural.

Et il y a cette basse ! Elle est si basse et grinçante qu’elle pourrait soulage rn’importe quel blocage en quelques mesures, et contre un rythme influencé par le jazz et joué avec une force explosive, « Shan patter » est une bête absolue. Le chant est à peine audible et aussi bas, sinon plus bas, que la basse, un gargouillis grouillant à souhait.

« Shenanigans » possaède la structure en boucle d’une piste de danse croisée avec les motifs circulaires lancinants qui ont défini le son de Therapy sur Nurse – seulement c’est une odyssée jazz-funk tordue, et c’est un contraste complet avec le bourdonnement ultra lent et ultra minimaliste de « Wallow » qui rampe dans un bourdonnement de répétition, un seul accord résonnant pour l’éternité, la torsion de soutien au feedback. Toute comparaison avec Sunn O))) est tout à fait justifiée, bien que la percussion ait un certain swing qui la fait passer du domaine du sludgy doomy drone à celui d’un style plus jazz/low grunge.

Et si le titre du morceau final inspire des références à Derek an Clive, les treize minutes de « Hor » » sont moins destinées à inspirer un jet de sang qu’une sensation de rampement sur une peau atteinte de chair de poule alors qu’une autre ligne de basse lourde se promène, battue, meurtrie, couverte de poussière et de saletés, au milieu d’un pétillement de bruit, avant qu’un cuivre au cœur lourd ne se mette à brailler, à gémir et à se manifester à tout venant.

Si les éléments de free form des compositions leur donnent un sentiment de relâchement, ou de non-conformité, de spontanéité, de désarroi, la façon dont elles se rejoignent si étroitement et intuitivement sur les segments de riffs étendus est révélatrice d’une réelle compétence musicale et d’un haut niveau d’intuition. C’est spécial et c’est rare. Et c’est une caractéristique déterminante d’un album qui est à la fois très lourd et très jazzy, sans être superficiel et impropre à l’écoute.

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Aaron Diehl : »The Vagabond »

14 février 2020

Le pianiste américain Aaron Diehl s’est surtout fait connaître comme accompagnateur privilégié de la chanteuse Cécile McLorin Salvant — les deux se sont encore produits en duo cette semaine. Mais Diehl a aussi ses projets en parallèle, et en leader : à preuve, ce troisième album pour l’excellente étiquette Mack Avenue, cette fois en trio avec Gregory Hutchinson à la batterie et Paul Sikivie à la contrebasse.

Entre sept compositions et quatre reprises (on note celle de John Lewis (une influence évidente pour Diehl ), de même qu’une superbe version de « Piano étude no 16 » de Philip Glass, une autre référence pour le pianiste), le jeune trentenaire distille son jeu précis et sophistiqué dont l’éclat et la virtuosité se mesurent paradoxalement dans la retenue. Formé tant en classique qu’en jazz (ce qui s’entend partout, à la manière d’un Fred Hersch), Diehl possède une touche d’une rare luminosité et d’une rare profondeur : c’est dans les détails que l’on note la richesse de son jeu, et c’est très bien comme ça.

***1/2


Calibro 35: « Momentum »

3 février 2020

Cet album démarre sur un titre évoquant un vieux DJ Shadow (« Glory-Fake-Nation »), avant d’embrayer sur un morceau hip-hop old school (« Stan Lee ») en compagnie du rappeur Illa J. La suite présente des musiques quasi toutes instrumentales aux effluves de musiques de films italiens des années 70, comme celles que pouvait composer Ennio Morricone pour des polars de série B dont les musiques sont aujourd’hui devenu cultes.

L’ensemble est tout de suite très accrocheur avec notamment une grosse section rythmique qui imprime le plus souvent un tempo lourd dans des ambiances sombres et forcément très cinématographiques.

Momentum est le 13e album du groupe et il sera sans doute l’occasion pour certains de découvrir l’univers musical de ce passionnant quintet milanais qui mêle hip hop et jazz avec un style assez proche par moment des musiques de films italiens des années 70.

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Nick Malkin: « A Typical Night in the Pit »

1 février 2020

Nick Malkin rencontre Maxwell Sterling, M. Geddes Gengras et bien d’autres encore, afin d’atténuer le son de la ville des anges (Los Angeles) la nuit, dans un mélange de jazz instrumental chaleureux et d’électronique.

A Typical Night in the Pit est une collection de nouvelles musiques qui trouve l’artiste absorbé dans la densité et le chaos du complexe urbain. C’est sans aucun doute un « album de Los Angeles », mais pas le Los Angeles des bars d’écoute hi-fi et du New Age scintillant et prêt à l’Instagram ou autres.

Malkin navigue plutôt dans quelque chose qui ressemble davantage à l’atmosphère de Los Angeles des films de Robert Altman ou d’Alan Rudolph – surchauffée, tendue, brumeuse, effilochée – avec des compositions nocturnes éclairées en bleu qui rappellent parfois les partitions noires de Mark Isham pour ces films (anti-)hollywoodiens subversifs. En faisant appel à une équipe tournante d’expérimentateurs de Los Angeles, Malkin a assemblé un disque aussi caméléon que cohérent, offrant des vignettes allant du MIDI-jazz biaisé de « Sixth Street Conversation » à la menace rôdante de « Estacionamiento Privado » » avant de céder la place au titre final, « View From Two Perspectives », plus proche et nuageux. A Typical Night in the Pit est un disque lounge mais aussi acidifié.

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Jeff Goldblum: « I Shouldn’t Be Telling You This »

13 novembre 2019

Dans la plupart des cas, un disque de célébrités est un exercice grandiose d’auto-indulgence pour des gens qui ont trop d’argent, trop de liberté et trop peu d’amis pour qu’on leur dise non.

Mais Jeff Goldblum et son fidèle Mildred Snitzer Orchestra transcendent cela dans I Shouldn’t Be Telling You This, une suite extrêmement agréable aux Sessions du Studio Capitol. Goldblum est légitime dans cette démarche ; c’est un vétéran de s touches d’ivoire depuis 30 ans et, à ce titre, il a fait plusieurs concert sà la Rockwell Table and Stage de Los Angeles ces dix dernières années. Un joueur moins confiant aurait pu se servir de son statut de star pour se hisser au premier plan, mais Goldblum reconnaît que le jazz n’est pas une question de projecteurs ; il s’agit de l’interaction du groupe dans son ensemble.

Des instrumentaux comme « Driftin » et « The Cat » donnent au groupe leurs meilleures chances de s’éclater à fond, Joe Bagg volaera même le spectacle sur son orgue Hammond. L’auteur-compositeur-interprète britannique Anna Calvi se joint à lui pour transformer en quelque chose d’urgent et de guttural l’épisode des années 70 d’un mash-up de « Four on Six » de Wes Montgomery et « Broken English » de Marianne Faithfull. De même, l’étonnante contribution de Sharon Van Etten à l’ouverture de l’album « Let’s Face the Music and Dance ».Son phrasé est remarquable, avec une étonnante illusion d’aisance qui transforme le chagrin d’amour ainsi traduit en quelque chose que l’on a, encore et encore, envie d’entendre.

 

Peut-être la partie la plus importante de I Shouldn’t Be Telling You This est sa facilité d’accès. C’est du jazz pour le plaisir des gens qui ont une connaissance encyclopédique des musiciens aux côtés de quelqu’un qui aurait pu traverser la vie jusqu’à présent en croyant que le jazz était quelque chose qu’on entendait seulement dans les ascenseurs. Vous pouvez l’enfiler lors d’un dîner chic, et il n’ennuiera personne ; vous pouvez vous asseoir et l’analyser note par note et découvrir de nouveaux plaisirs à chaque écoute. Et c’est un plaisir, une marche lente et douce que l’on sent sur la peau, que l’on goûte sur la langue et que l’on fait rouler dans la bouche.

Avec I Shouldn’t Be Telling You This, Goldblum prouve une fois de plus que le Mildred Snitzer Orchestra est un autre moyen de nous charmer tous.

***1/2


Joel Miller: « Unstoppable »

19 octobre 2019

Saxophoniste (ténor et soprano), compositeur, improvisateur, leader d’orchestre essentiel à l’écosystème du jazz montréalais, Joel Miller réalise un rêve : composer pour un grand ensemble à forte teneur jazz, créer le prolongement orchestral de son univers créatif.

Au terme d’un cycle d’apprentissage auprès du compositeur et pédagogue John Rea, ainsi que du maestro français et pédagogue Guillaume Bourgogne, Joel Miller accouche d’une maîtrise en composition de l’œuvre Unstoppable, « fantaisie épique » où se succèdent 4 tableaux répartis en 14 stations – « Song Story », dirigé par Christine Jensen, « What You Can’t Stop », « Dance of the Nude Fishes » et « Deerhead Hoof ».

Les référents sont différents, témoignent des intérêts musicaux du compositeur et improvisateur pour le folklore afro-péruvien, pour l’avant-rock de « Deerhead Hoof » et consorts, pour le minimalisme américain post-Steve Reich, pour les big bands de jazz moderne ou contemporain.

Véritable synthèse orchestrale de Joel Miller, cette œuvre rassemble 18 interprètes chevronnés, et dont l’instrumentation est singulière, dans un contexte jazzistique — saxophones, trompettes, flûtes, clarinettes, cor, guitare, piano, contrebasse, percussions. Fantaisie épique, on ne pourra pas dire mieux

***1/2


Sable Blanc: « Homecoming »

6 octobre 2019

Les albums ont vu leur rôle changer de manière conséquente en matière de composition de la production numérique d’aujourd’hui. Développé autour de l’inspiration tirée d’un récent voyage à New York, Sable Blanc sort ici une collection élégante et ciblée de morceaux, chacun racontant sa propre histoire. On y trouve une très une belle interaction entre la sensation de l’instrumentation réelle et le pouls de l’électronique qui entoure la musicalité de l’ensemble.

On pendra pour exemple les moments jazzy comme « Limo And Theatre » (feat. Reuben Lewis) particulièrement révélateurs tant les coups de trompette froids enflammenront l’air de l’automne alors qu’à l’inverse, la séquence rapide des notes de piano cherchera une fin appropriée à l’atmosphère qui cultivera le bon goût et l’élégance de Yakima Pepperoni. L’album sera, ainsi, accompagné d’une série de photographies accompagnées d’explications révélante le processus de réflexion et la façon dont l’artiste est finalement arrivé à son Homecoming.

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Iiro Rantala:  » My Finnish Calendar »

5 octobre 2019

La particularité de ce My Finnish Calendar du pianiste finlandais Iiro Rantala est de proposer 12 morceaux improvisés avec pour chaque titre une évocation musicale d’un mois de l’année… car le pianiste Iiro Rantala a décidé de mettre en musique le passage d’une année entière dans son pays, la Finlande.

Disque de jazz mais pas seulement, My Finnish Calendar évoque l’esprit des albums en mode  solo piano de Gonzales avec ce côté joueur et par moment très virtuose dans la manière de poser les notes, avec pour chaque mois une humeur un ressenti différent.
Les mois d’été seront légers et entraînants tandis que les mois d’hiver seront mélancoliques et sombres. Le tout, comme partout en Europe.

Quelles que soient les saisons, cela donnera un album très varié et très riche avec des variations et des nuances présentes tout au long des cinquante minutes de ce disque, un opus ludique et virtuose à la fois.

***1/2