Nala Sinephro: « Space 1.8 »

4 juin 2022

Nala Sinephro excelle dans la construction de mondes minuscules. Sur son premier album sur Warp Records, Space 1.8, la compositrice belgo-caribéenne crée des espaces luxuriants qui regorgent de sentiments de rajeunissement et de créativité. Il s’agit d’une collection de sessions chaleureuses et libres qui combinent le jazz et la harpe à pédales, les cors et le travail de synthé modulaire, le tout arrangé et exécuté avec une fluidité impressionnante. Allant de la tranquillité d’un enregistrement sur le terrain au synthé-jazz en passant par des explosions maniaques d’énergie bruyante, cet album instrumental témoigne d’un talent brut associé à une profonde intelligence émotionnelle. Sinephro a enregistré Space 1.8 après avoir vaincu une tumeur, ce qui a déclenché une passion pour la création d’une musique curative et joyeuse – pour chérir la vie pendant qu’elle existe encore. Cet entrelacement de chaleur et de guérison est palpable sur le morceau d’ouverture « Space 1 ». Le chant des grillons et la sensation de fraîcheur de l’air du soir sont soigneusement effleurés par une harpe luminescente et des passages mesurés au clavier. La chanson crée son propre écosystème miniature de paix électroacoustique, une introduction aussi accueillante qu’un album puisse l’être. La fascination de Sinephro pour le mélange de sons électroniques et plus conventionnels s’étend sur « Space 2 », où elle troque les sons verdoyants de la nature pour l’atmosphère enfumée d’un concert de jazz. Un saxophone grave et enveloppant envahit la scène sonore, tandis qu’un piano ondulant et une batterie légère complètent l’ensemble. Mais les synthés modulaires de Sinephro prennent le relais à la fin pour un outro hypnotique, renforçant la dualité acoustique et électronique qui définit Space 1.8. Chaque nouveau morceau révèle une facette différente du travail de Sinephro. « Space 6 », en particulier, est d’une intensité inattendue au milieu d’un disque aussi calme, où des trilles de saxophone pulsés s’accumulent et s’entremêlent progressivement pour former un crescendo imposant.

Et sur le ludique « Space 3 », des synthés ondulants se mêlent à une batterie jazz galopante (interprétée par le percussionniste des Sons Of Kemet, Eddie Hick). Bien qu’il s’agisse des moments les plus audacieux et les plus intéressants de l’album, ils se terminent brusquement, juste au moment où ils prennent de l’ampleur – en particulier « Space 3 », qui dure un peu plus d’une minute. On a l’impression que c’est juste au moment où Sinephro s’apprête à aller dans un endroit inattendu qu’elle coupe court à l’expérience, de peur de casser sa propre ambiance délicate. Mais ces moments laissent présager des orientations futures passionnantes pour Sinephro, comme si Space 1.8 n’était qu’une rampe de lancement pour des choses plus fortes et plus grandes. À l’autre bout du spectre, le morceau de clôture « Space 8 » est un chef-d’œuvre méditatif et stupéfiant. D’une durée de plus de 17 minutes, il s’imprègne de l’environnement montagneux et printanier que Sinephro construit si habilement. Des vibrations de saxophone dignes d’une berceuse, une électronique douce et des cordes de harpe brumeuses s’attardent et percolent, l’exemple le plus clair de sa quête d’une musique réconfortante et apaisante. Mais le plus grand moment de clarté de Space 1.8 arrive dans « Space 5 », beaucoup plus court. Dans ce bain sonore centré sur le saxophone et la harpe, le son d’un battement de cœur amplifié et régulier garde le rythme. Sa position au centre même de l’album semble intentionnelle : Les espaces de Sinephro ne sont pas seulement pleins de vie, ils sont aussi construits avec les sons mêmes de celle-ci, nous rappelant de ne pas la prendre pour acquise.

***1/2


Johan Lindvall Trio: « This Is Not About You »

7 mai 2022

Avec le dernier enregistrement en trio de Johan Lindvall, les joueurs développent le terrain couvert dans No City, No Tree, No Lake en 2019, mais emmènent la précision agitée de Johan dans des directions légèrement plus sombres et plutôt rêveuses.

Les pièces de cet album ont toutes été écrites par Johan autour du piano, mais l’interaction entre les trois laisse entendre l’importance de chaque élément. À certains moments, le piano, la basse et la batterie s’entrechoquent, provoquant des plumes ébouriffées et de petites collisions, tandis qu’à d’autres, ils restent en retrait, laissant l’espace et le temps se mêler au jeu et permettant à l’auditeur de tisser ses propres impressions.

C’est un trio de jazz, en fin de compte, et « Give Up » présente une ligne de basse classique et fluide sur laquelle le piano pose une étrange roue libre en écho qui est subtile ; les regards amusés qu’ils affichent sur les photos de l’album se reflètent définitivement dans leur style de jeu. On a l’impression que c’est pour leur propre amusement et c’est un vrai bonus que l’auditeur puisse trouver autant d’attrait au résultat final.

Il y a un côté ludique dans le jeu du piano, dont le ton est haut et léger, mais qui produit souvent ce que l’on attend le moins. La basse d’Adrian Myhr, quant à elle, a le pied léger et se contente de passer un bras autour de l’épaule du piano pour se laisser aller à ses impulsions les plus folles. Le tout est rejoint par la batterie texturée d’Andreas Skår Winther qui fait allusion au rythme, mais qui s’intéresse davantage aux allusions et aux fioritures qui esquissent la toile de fond dans des tons impressionnistes et printaniers.

Leur ajustement est parfois maladroit, mais il y a un but à cette maladresse que l’on comprend progressivement au fil de l’album. C’est comme s’ils étaient si heureux de jouer ensemble qu’ils avaient juste besoin d’ajouter une touche de drame ou d’intrigue pour contrebalancer les choses. On peut presque sentir l’inquiétude face au temps qui passe dans le rythme effréné de « Listen », tandis que la chaleur rêveuse de « Getting Out » ressemble davantage à une couverture, avec le roulement et le tapotement de la batterie, un massage apaisant après une dure journée. Cette capacité à passer d’une humeur à l’autre rend le voyage agréable et les morceaux se terminent souvent au moment où l’on s’y attend le moins, ce qui vous donne envie d’en redemander.

Il y a des interludes à la Erik Satie qui se déroulent comme un matin d’automne et qui ne sont pas étrangers à la mélancolie de la fin de soirée, lorsqu’on boit un café à 3 heures du matin dans un bar miteux, en réfléchissant au monde et à ses méandres compliqués. Vers la fin, une foule enthousiaste encourage les joueurs et semble leur donner un peu plus d’élan, cette fois sous l’impulsion de l’initiative percussive d’Andreas. Il pousse les deux autres, son rythme s’entrechoquant comme les tasses de café sur les tables, les cloches semblant sonner à l’unisson.

La construction progressive et les motifs répétitifs du piano et de la basse sont une vision savoureuse d’un autre visage du trio, mais avant que vous ne le sachiez, This Is Not About You s’arrête agréablement. Il est, à ce titre, un album délicieux et vibrant qui, d’une certaine manière, vous fait réfléchir. Et cela ne peut être qu’une bonne chose…

***1/2

 


The Royal Arctic Institute: « From Catnap to Coma »

25 mars 2022

Le Royal Arctic Institute fait naître des visions instrumentales d’une clarté langoureuse, ses accords évasés et ses lignes de basse sinueuses ressemblant à de la musique de surf ralentie à une dérive onirique.  James McNew de Yo La Tengo a enregistré ce quatrième album pour le groupe, dont les cinq membres ont accompagné Arthur Lee et Roky Erickson et joué dans Das Damen et Gramercy Arms.  Ces grooves instrumentaux somnolents mais lucides pourraient vous rappeler les morceaux non vocaux de Yo La Tengo ou la magie des guitares arquées de Friends of Dean Martinez.

Ces morceaux ont été enregistrés en septembre 2020, après que la vague la plus meurtrière du COVID soit passée, mais alors que la vie était encore suffisamment déséquilibrée pour que les siestes et les comas soient monnaie courante.  C’est le deuxième disque de cette itération du Royal Arctic Institute avec ses deux guitaristes, le fondateur John Leon et Lynn Wright. Leur interaction, qui consiste à échanger des glissades obsédantes, des accords ondulants et des mélodies claires et aiguës, définit le son de ce groupe.  Les autres musiciens, tout aussi expérimentés, sont Lyle Hysen à la batterie, David Motamed à la basse et Carl Gaggaley aux claviers. 

La musique vous enveloppe et vous immerge dans une sensation aqueuse.  Faire tomber l’aiguille, c’est un peu comme plonger dans une piscine propre et fraîche.  Vous pouvez tout voir (ou entendre), mais avec un léger recul, comme si vous vous souveniez de ces sons la première fois que vous les avez entendus.  « Fishing by Lantern » est épique à sa manière, avec des accords de jazz qui s’enchaînent librement, tandis que le claquement de la batterie pousse doucement vers la prochaine partie du rêve.  « Shore Leave on Pharagonesia » tire son nom d’un roman graphique de science-fiction de Moebius, bien que dans la vidéo, les artistes admettent qu’ils n’ont jamais lu le texte.  Ils imaginent plutôt la Pharagonie comme une ville urbaine, avec de nombreux restaurants et clubs, et probablement comme une ville de New York idéalisée, flottant de manière séduisante, juste hors de portée de tous pendant la pandémie.  

Le COVID-19 refait surface dans le titre du montage final, « Anosomia Suite », qui rend hommage à la perte de l’odorat et du goût dont ont souffert de nombreux malades de la pandémie.  La musique flotte ici sur des tons intemporels et gonflés, les mouvements de la basse et des guitares étant piégés comme des insectes dans l’ambre, dans une clarté immobile et lumineuse.  Vous pouvez sentir vos angoisses s’évacuer, votre pouls ralentir, votre tête s’éclaircir à mesure que le morceau se déroule dans une sérénité apaisante, et vous devez vous dire qu’au moins, ils n’ont pas perdu leur sens de l’ouïe.

***1/2


Bitchin Bajas: « Switched On Ra »

7 novembre 2021

Près de quatre ans après leur dernier LP Bajas Fresh et trois ans après une rétrospective luxuriante, les drones synthétiques de Chicago Bitchin Bajas sortent un hommage réinterprété de huit titres à leur idole Sun Ra, qui sort ici en numérique et sur cassette.

Switched On Ra est, en effet, le résultat d’un exercice typique des Bajas : en verser un peu pour les pionniers qui les ont précédés (comme ils l’ont fait avec Bitchitronics et leur participation à la représentation annuelle de Chicago de « In C » au fil des ans). C’est une bonne façon d’obtenir un flux – ils jouent un peu d’eux-mêmes, puis un peu pour les pionniers, puis un peu plus pour le groupe. En peu de temps, ils jouent avec les inspirations entremêlées, car elles ne peuvent venir que de l’intérieur. Pour Switched On Ra, cela signifie une plongée profonde dans le song-book de l’un de leurs prédécesseurs de l’âme, Sun Ra, dont la musique est littéralement inscrite dans l’ADN des Bajas. Se plonger dans cette musique avait l’air fou sur le papier : le groupe de synthétiseurs de drones reprenant les harmonies de l’Arkestra et les grooves lâches de Ra ? L’astuce consistait à faire en sorte que ce sens du rythme se traduise de Ra à Bajas, d’une manière qui leur convienne à tous les deux.

Sun Ra était bien sûr son propre type de visionnaire original du clavier, utilisant des claviers électriques à la fin des années 40 et 50 pour remplir un rôle dans le jazz qui avait traditionnellement été joué sur un piano acoustique uniquement. Une fois qu’il l’a fait, il a poussé son écriture dans des directions inspirées par l’électricité, dans des endroits où personne n’avait pensé à aller avant. Faire ce qu’il faisait sur les touches était une prise de position pour l’individualité qui est devenue le rayonnement de fond de son voyage à travers le cosmos ; la recherche d’un endroit au-delà de la domination terrestre, pour tous les gens qui voulaient désespérément se barrer. Les Bitchin Bajas se sont contentés de dominer dans un monde microtonal, généralement sans un seul accord à trouver nulle part. Mais ici, ils s’avancent avec droiture, leur vibration se triangule en faisant avancer la musique de Ra avec le style de Wendy C, créant un espace inattendu pour que tous puissent s’épanouir. Il y a un véritable sentiment de joie lorsque ces signaux collectés rebondissent sur la bande et traversent les haut-parleurs pour atteindre votre espace. À cet égard, Switched On Ra est une célébration effervescente de la musique à travers le temps et l’espace.

***1/2


Luke Stewart & Jarvis Earnshaw Quartet: « Luke Stewart & Jarvis Earnshaw Quartet »

19 octobre 2021

Peu d’artistes ont occupé une place aussi centrale dans nos écoutes ces dernières années que Luke Stewart. Son travail est en mouvement constant, car il trace une voie singulière, explorant une palette sonore toujours plus étendue. Cela dit, certains de ses travaux les plus intéressants ont été réalisés au sein d’ensembles, qu’il s’agisse de l’album Exposure Quinet paru l’an dernier sur Astral Spirits, de Irreversible Entanglements ou de cet intriguant quartet dirigé par le sitariste Jarvis Earnshaw, avec Ryan Sawyer à la batterie et Devin Waldman au saxophone alto.

En six morceaux, le groupe s’aventure dans de nombreuses zones différentes. Mettant les auditeurs au défi de rester engagés, se concentrant sur la nature spectrale de l’endroit où le chaos et le réconfort se rencontrent, il y a beaucoup d’espace pour voler ici. Le sentiment d’exploration présent tout au long de la session est une carotte cosmique brillante brandie vers l’horizon, invitant quiconque se trouve à portée d’oreille à lacer ses chaussures et à chercher sans se retourner lorsque les pluies violentes arrivent.

Les courses fantaisistes de Waldman sont soutenues par la résonance effervescente du sitar sur « Kenopsia », la basse de Stewart poussant toujours la musique à aller de l’avant. Cette interaction est soutenue par Sawyer, qui peut jouer n’importe quoi, n’importe quand, n’importe où, laissant Stewart danser sous les feux de la rampe quand le moment l’exige ou mettant le sitar au premier plan. C’est revigorant, purifiant.

La cohésion est toujours essentielle, mais ce quatuor vit dans cet espace rare où le fait de s’écarter un peu ici et là fait avancer les morceaux, élargissant les possibilités sonores. « Red Hook Blues Got Me Smiling » est peut-être discret, mais il chante avec une énergie astrale. La qualité tonale de la sitar d’Earnshaw ajoute quelque chose de si unique, de si spirituel à la session qu’il est pratiquement impossible de ne pas être absorbé. Sawyer et Stewart sont solides comme le roc, créant ces énormes masses sonores qui se déplacent lentement et qui seraient impénétrables si le saxophone de Waldman ne dessinait pas des formes sonores complexes. 

Il y a beaucoup à aimer dans les réconforts cathartiques de ces six pièces. Stewart et Earnshaw sont des fils conducteurs en quête, et tout s’achève de manière frontale avec « Where I Go, I Am There ». Sawyer met en place des grooves rapides et entêtants, lançant des fills en forme de poignards à chaque occasion, posant une vague vertueuse pour les trois autres. Les lignes de basse de Stewart sont contemplatives et touchantes, ouvrant une voie à Earnshaw et Waldman pour chercher, non pas tant des réponses, mais les bonnes questions. Les angles s’ouvrent, obtus et spacieux, où chacun peut respirer avant de plonger la tête la première dans la tempête qui s’annonce.

***1/2


Mathias Eick: « When We Leave »

4 octobre 2021

Journée difficile au bureau ? Les factures de votre professeur de yoga vous stressent ? L’œuvre du trompettiste norvégien Mathias Eick semble conçue pour apaiser les âmes troublées. Certes, ses vignettes soigneusement construites se situent à l’extrémité douce de l’univers sonore de l’ECM – une région qu’un critique a un jour qualifiée avec dédain de musique « soleil se levant sur un lac ».

Mais il serait injuste de considérer cette musique comme une simple musique de détente de haut niveau. Sur son cinquième album en tant que leader, Eick déploie certainement un éventail de textures mielleuses. Une fois de plus, il utilise le violon aux côtés de sa trompette mélancolique sur un piano ondulant ou la douce houle d’une guitare en acier. Mais les lignes de violon folk de Hakon Aase sont agréablement brutes, et les percussions, bien que mélangées à basse altitude, sont très inventives. Le batteur Helge Andreas Norbakken a joué dans des groupes de free jazz – il y a un peu de sel au milieu de la douceur.

Eick joue ses mélodies délicates avec une intensité tranquille et parfois, comme sur Turning, il y a des échos du ton radieux du regretté Kenny Wheeler. On est loin des acrobaties zappa du big band expérimental Jaga Jazzist auquel Eick a appartenu.

Au milieu de l’album, juste au moment où l’on commence à penser que l’album est trop pressé de plaire, vient « Flying », une esquisse impressionniste d’une chanson pleine d’espace ouvert et parsemée de micro percussions – c’est peut-être la meilleure chose ici. Vient ensuite Arvo, dans lequel un chant sacrément minimaliste sans paroles est associé à un groove rock. Cette pop Pärt construit lentement une vapeur satisfaisante. « Begging » est la dernière piste et elle ressemble à un hymne, le violon dansant doucement autour du thème élégiaque d’Eick, la percussion étant tranquillement subversive.

Le groupe est le même que sur l’album précédent d’Eick, Ravensburg, et un ancien collaborateur, Stian Carstensen, revient à la pedal steel. Eick considère When We Leave comme une continuation naturelle des textures douces et des motifs rythmiques doucement inventifs de cet album. Une musique de soleil se levant sur un lac ? Eh bien, c’est un lac plutôt beau et un lever de soleil éclatant.

***1/2


Arooj Aftab: « Vulture Prince »

26 août 2021

Arooj Aftab est née au Pakistan et réside actuellement à Brooklyn aux États-Unis. Il est clair que ses racines ne sont jamais loin de son esprit. Avec son troisième album, Vulture Prince, elle nous offre un aperçu de ses réflexions acoustiques sur la perte. Chaque morceau vous touche d’une manière différente et vous éclaire d’une manière romantique et festive. Faire son deuil, c’est se languir, c’est se rappeler de sourire, quel que soit le chagrin que l’on ressent maintenant.

Aftab a perdu son jeune frère pendant l’écriture de son nouvel album et si la perte est omniprésente, elle est dépeinte dans un état calme et réfléchi. Cela pourrait être les guitares à combustion lente de « Saans Lo » qui évoquent une vibration gentille de Cocteau Twins croisée avec une prière au coucher du soleil. La voix feutrée mélangée à un scintillement lointain d’harmoniques de guitare et de souffle de vent constitue une expérience discrète mais profonde. Il pourrait s’agir de la voix dynamique d’Aftab, qui oscille entre harpes et violons sur « Baghon Main ». « Diya Hai » donnera l’impression que les sables mystérieux du temps changent les points de vue et les perspectives. Le riff est simple, mais la liberté de ce qui l’entoure est à nouveau cathartique et réconfortante.

D’autres morceaux s’éloignent de la formule acoustique simple. « Last Nigh » » mêle des éléments urbains et Arooj Aftab chante l’un des rares morceaux en anglais de l’album. Ici, le rythme a un swing reggae et le groupe est jazzy. Cet élément jazzy revient pour le morceau le plus proche, « Suroo », où une basse droite, une harpe, un synthé et une voix créent un morceau uptempo. Au fur et à mesure que le morceau progresse, il se rapproche d’un écho psychédélique, comme si tout devenait un mirage. L’une des caractéristiques de l’album d’Ajoor est que chaque chanson est une visite de lieux ou d’états d’esprit antérieurs. Le fait qu’elle les laisse dans une brume est assez révélateur du caractère temporaire de tout et de tous ceux qui nous entourent.

Les deux morceaux les plus longs sont le glorieux « Inayaat » qui fusionne harpe, piano, violon et voix dans une célébration éthérée. Signifiant « soin » ou « protectio » », le morceau a un aspect maternel, aidé par un magnifique travail de bugle. Le bugle revient pour le raj de « Mohabbat »qui est à la fois dévotionnel et plein d’amour. Ajoutez quelques percussions légères et des gazouillis d’oiseaux matinaux et vous obtenez une délicate illumination sur huit minutes de musique joyeuse.

Vulture Prince » est un album magique. Arooj Aftab a le don d’ajouter des tas de petites couches de musique qui donnent une impression de légèreté et de fluidité. Sa voix est absolument divine, elle calme votre âme sans effort tout en transmettant l’émotion. Elle parvient à faire sonner tant de choses comme si c’était si peu, tout en créant un impact colossal avec chaque bruit. Époustouflant.

****


Sons of Kemet: « Black To The Future »

17 mai 2021

Après la sortie du « single » « Hustle » », un titre qui a vu Sons of Kemet s’associer à l’un des plus grands rappeurs/artistes du Royaume-Uni, Kojey Radical, l’attente de leur nouvel album Black To The Future était presque insupportable. Mélange parfait de jazz et de grime, avec une production à tomber par terre et une accroche qui vous accompagnera toute la journée, «  Hustle «  a fait de Black To The Future un album de jazz comme on n’en a jamais entendu. Aujourd’hui, à sa sortie, ce opus refuse d’être confiné dans un genre particulier, car Sons of Kemet réalise l’un des albums les plus atmosphériques de l’année et ce qui ne peut être décrit que comme un chef-d’œuvre du début à la fin.

L’album s’impose comme un projet qui ne fera aucun prisonnier dès le départ grâce au morceau d’ouverture «  Field Negus », qui comprend un poème parlé obsédant sur un free jazz subtil. La douleur des mots qui sont prononcés et de leur livraison – combinée à la nature chaotique du jazz qui les accompagne – joue comme une tourmente doublée sur un lit de feu. C’est comme si vous aviez un aperçu de la fin du monde lorsque les mots « BurnItAll » sont répétés et que nous entrons dans la deuxième piste.

À partir de là, l’ensemble du LP refuse de se relâcher. Chaque chanson est imprévisible : certaines contiennent des arrangements jazz incroyablement structurés, d’autres vous offrent des voix soul et grime, et d’autres encore vous plongent dans un chaos total. 

Et il y a une couche plus profonde qui rend cet album encore plus parfait. Pour tout dire, on peut comprendre la lutte que mènent les personnes de couleur dans une société systématiquement raciste.

L’utilisation du free jazz, cependant, aide certainement à faire passer le message. Témoignage de la capacité de la musique à décrire quelque chose mieux que les mots ne le pourraient jamais, Sons of Kemet prend le free jazz et rend hommage à son histoire en tant que genre contestataire, tout en reconnaissant que les choses ont changé au cours des 70 dernières années. L’album résume le sort actuel des minorités en s’inspirant de l’influence de ceux qui les ont précédés. Beaucoup de ces chansons sont des chaos (comme dans le free jazz), mais lorsqu’il y a de l’improvisation, elle n’envahit pas l’album. 

Musicalement, Black To The Future est exemplaire et il est impossible de lui trouver des défauts. C’est un mélange de chaos qui sonne comme si une capsule temporelle avait été envoyée dans le passé, recouverte de colle et traînée à travers une histoire de notes musicales inspirées par l’oppression et l’agitation. Le message de l’album et ce qu’il représente s’affichent parfaitement alors que des sons dont les racines sont ancrées dans le chaos reçoivent une certaine structure. Tout cela se combine de la plus belle des manières, ce qui signifie que Sons of Kemet parvient à livrer l’un des albums les lus notables de cette année 2021 jusqu’à présent. 

***1/2


Nils Frahm: »Graz »

3 avril 2021

Cet album « perdu » et datant de de 2009 met en lumière le don pour l’émotion et les prouesses techniques du pianiste. Il n’y a guère de meilleur moyen de mettre en perspective l’évolution d’un artiste que d’écouter des œuvres inédites datant du début de sa carrière. Le pianiste allemand Nils Frahm a passé la dernière décennie à innover, à quitter ses zones de confort pour en construire de nouvelles ailleurs. Ambiance, classique, jazz, chorale, électronique, tout y passe. Parfois, son travail électronique a été suffisamment immersif pour faire oublier le talent de son pianiste. En 2015, le compositeur a créé la Journée du piano. Cette journée, qui a lieu le 88e jour de chaque année, célèbre le » « roi des instruments de musique », le pian). Pour célébrer le « Piano Day 2021 », Frahm a sorti un album surprise, enregistré à l’origine en 2009 en Autriche. C’était censé être le premier album qu’il a publié sur Erased Tapes, mais il l’a rangé dans le coffre-fort et a choisi de publier Felt à la place. Frahm déclare que les compositions sur Graz « sonnent comme une version beaucoup plus jeune de moi-même, et beaucoup des expressions musicales de cette époque seraient impossibles à reproduire pour moi aujourd’hui. » Ces morceaux ont des relents d’improvisation, le jeu volatile traduisant un jeune Frahm incertain de ce que l’avenir lui réserve.

Mais l’attention méticuleuse qu’il porte à l’acoustique est évidente dès que l’on appuie sur la touche. Le son est tridimensionnel, presque comme si Frahm et son piano flottaient autour de votre tête. « Because This Must Be » saute et cahote jusqu’à la ligne d’arrivée. C’est un crescendo d’énergie avec des phrases répétées qui sont jouées avec plus de détermination à chaque fois. Il y a une faim inimitable dans ces morceaux de piano, le son de quelqu’un qui ne voulait pas simplement les composer, mais qui en avait besoin. Les chansons plus longues comme « Kurzum » sont émouvantes, le genre de voyage qui vous laisse profondément dans une réflexion introspective sur qui vous êtes et qui vous devenez.

Comparé au travail plus maximaliste de Frahm, il est étonnant de constater à quel point il est capable de recréer un sentiment brut avec une instrumentation aussi minimale. « Crossings » est lumineux et discret, comme les lumières de la rue qui se reflètent sur la peau d’une flaque d’eau. Elle sonne comme une confiance croissante, ou de vieux espoirs qui se réalisent enfin. Les pianistes ont la chance que leur travail ne soit presque jamais périmé ou daté, et des titres comme « Hammer » incarnent l’immortalité des compositions de Frahm. Il l’interprète en direct depuis une décennie et une version plus dépouillée est parue sur son album live Spaces en 2013. Sur Graz, « Hammer » a encore plus de poids émotionnel, grâce à la voix en cascade de Peter Broderick. Ces chansons ne sont pas conçues comme des actes d’expérimentation ou d’innovation, mais plutôt comme une plongée profonde dans l’âme. Les moments les plus dramatiques de Graz évoquent une image de Frahm, frénétique et penché sur son piano comme un savant fou. C’est suffisamment captivant pour qu’on se demande pourquoi il ne l’a pas sorti en 2009, mais d’un autre côté, c’est suffisamment brut pour qu’on ait l’impression de s’immiscer dans quelque chose de profondément personnel en l’écoutant. Frahm affirme qu’il s’agit de « sons qui n’ont aucun rapport avec ce que nous pouvons mesurer », et c’est en grande partie vrai. Graz est l’un de ces rares instantanés musicaux suffisamment vivants pour capturer les aspects intangibles de la condition humaine, sans prononcer un seul mot. C’est lui qui est à l’origine de la journée qui célèbre le piano comme « le roi des instruments de musique », mais dans Graz, Frahm est roi, et le piano est son trône.

****


Jane Ira Bloom & Mark Helias: « Some Kind of Tomorrow »

8 mars 2021

Maintenant que nous approchons d’une année d’isolement, la compréhension des impacts à long terme de la quarantaine sur la création musicale ne cesse de se cristalliser. Sans public, où les artistes trouvent-ils un espace de dialogue interactif ? Comment les musiciens individuels peuvent-ils même s’engager les uns avec les autres lorsque la proximité n’est plus viable ? À l’automne 2020, la saxophoniste Jane Ira Bloom et le bassiste Mark Helias ont décidé de lutter contre ces luttes par le biais du conduit le plus étonnamment évident : Zoom. Les deux musiciens de jazz ont improvisé ensemble à partir de leurs propres écrans, considérant la latence comme un nouvel outil pour explorer l’attention nécessaire pour faire rebondir les motifs musicaux l’un sur l’autre. Les sessions se sont finalement transformées en Some Kind Of Tomorrow, une version exclusivement numérique qui envisage un modus operandi post-pandémique sur la façon dont le jazz pourrait être assemblé.

Sans aucun contexte, il serait au départ presque impossible de dire comment le projet a été enregistré. Bloom et Helias, tous deux improvisateurs chevronnés, s’affrontent avec une facilité déconcertante. Souvent, Bloom ouvre un morceau avec une fraction de seconde de mélodie avant qu’Helias ne prenne la dynamique et ne construise un groove approprié. Le morceau de titre d’ouverture établit ce plan par un appel et une réponse presque, mais pas tout à fait, entre les deux, où un instrument recule délicatement après que l’autre ait répondu à un motif. Le disque est rempli de ces solos à mouvement rapide, où aucune des parties ne reste immobile assez longtemps pour s’installer dans la complaisance. Le redouté sens du jazz, « conversationnel », devient inévitable grâce à ces va-et-vient rapides que Bloom et Helias créent de manière ludique pour se synchroniser l’un avec l’autre par le biais de connexions webcam défaillantes. Bien que les deux musiciens se produisent ensemble avec une précision vertueuse, le disque se révèle parfois plus comme un exercice fascinant de définition de ce nouveau média que comme un lot de chansons.

Il peut être difficile de parler ou de créer de l’art dans notre situation actuelle sans s’appuyer sur un gadget. Certaines œuvres inspirées par Covid sont apparues comme peu sincères, ne serait-ce que pour un clin d’œil forcé. Pourtant, Bloom et Helias subvertissent complètement ces notions dans ces enregistrements, en grande partie à cause de l’espace inhérent au jazz libre – ce jeu de langage spécifique qui existe depuis sa création. Il y a des moments sur « Far Satellites » et « Drift » où des halètements silencieux, des doigts reposant sur des cordes et une latence momentanée deviennent tout aussi importants que les notes jouées. Ce sont ces brèves secondes où l’attention se porte sur l’acte physique de faire de la musique qui élèvent l’album à quelque chose d’enivrant et de nouveau. Même avec de tels arrangements, les enregistrements de Zoom sont d’une intensité incroyable, où tout semble pouvoir s’écrouler, mais ce n’est jamais le cas. 

Bloom et Helias ont généreusement invité les auditeurs à entrer dans un monde étrange de connexion numérique intime en essayant de trouver comment en faire quelque chose d’organique et de beau. Le titre de l’album à lui seul nous dit ce qu’ils ont essayé de réaliser au cours de ces sessions, et ce qu’ils espèrent poser comme une voie viable pour la création artistique alors que nous continuons tous à déchiffrer comment exister dans une nouvelle ère.

***1/2