3rd Secret: « 3rd Secret »

19 avril 2022

De nos jours, il est rare d’être pris par surprise par une sortie, mais c’est exactement ce qui s’est passé avec le premier album du « supergroupe » 3rd Secret.  Celui-ci est composé de l’ex-guitariste de Soundgarden Kim Thayil, du batteur de Soundgarden/Pearl Jam Matt Cameron, de l’ancien bassiste de Nirvana Krist Novoselic, ainsi que des chanteuses un peu moins connues Jillian Raye et Jennifer Johnson, qui ont toutes deux joué avec Novoselic dans Giants In The Trees.

L’album est une bête curieuse car il est partagé entre les rockers lourds et le côté plus folk du groupe.  Il s’ouvre sur le pastoral et décontracté « Rhythm of the Ride, » aussi éloigné de Soundgarden que possible, avec la voix de Raye soutenue par les grattements de guitare de Novoselic.  Un changement complet s’ensuit, avec le rocker « I Choose Me », qui présente des riffs de guitare efficaces de Thayil et la batterie battante de Cameron, comme on n’en a pas entendu depuis la disparition du groupe.  Le lourd prog-folk de « Last Day of August » aurait même pu apparaître vers la fin de Superunknown.

Cependant, l’élan de l’album est brisé par des morceaux plus lents et plus folkloriques qui sont bons mais qui semblent appartenir à un autre album.  « Winter Solstice » et « Dead Sea » voient le groupe s’adonner à un folk flottant, avec de légères touches de synthétiseur ici et là.  En revanche, « Right Stuff », où l’on retrouve notamment Krist Novoselic à l’accordéon, est bien trop enjoué.  Lorsque le groupe est un peu plus rock, il est vraiment à la hauteur sur des ctitres comme « Lies Fade Away, Diamond In The Cold » et l’hymne « Live WIthout You », même si parfois on se demande comment ils sonneraient si le regretté Chris Cornell s’en prenait à eux.  Ils combinent à la fois des tendances folk et rock sur le morceau « The Yellow Dress », un titre ambitieux qui semble un peu trop complexe et exagéré pour son propre bien.

Il y a quelque chose de Them Crooked Vultures à ce sujet. Les meilleurs moments sont ceux où le groupe se lâche et « rock out ».  Ils délivrent des mélodies classiques que l’on n’avait pas vues depuis le début des années 90. Mais d’une manière ou d’une autre, le résultat est légèrement inférieur à la somme des parties.

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The Mysterines: « Reeling »

12 mars 2022

Sombre, grunge, et magnifiquement intense : le premier album de The Mysterines, Reeling, a une façon de créer une atmosphère permettant de s’aventurer dans les coins les plus obscurs du rock’n’roll, dès l’ouverture distordue de « Life’s A Bitch (But I Like It So Much) ». C’est le genre de musique que l’on a envie d’entendre dans le sous-sol d’un club de rock, dans une salle bien ténébreuse avec une foule électrisée par la musique. C’est l’effet que produisent The Mysterines un combo venu de Liverpool sur leur « debut » album, en vous aspirant dans leur monde de grunge effrayant.

Tout au long dudit album, ils ne se fixent jamais sur un seul genre, mais injectent leur propre style dans le rock désertique de « The Bad Thing » », la touche »southern gothic » sur «  Old Friends Die Hard «  et toute autre saveur de rock’n’roll qui soutient cette intensité irrésistible. La voix grave et grinçante de la frontwoman Lia Metcalfe fait d’elle une formidable actrice de la scène rock, donnant à chaque chanson de l’album un côté immédiatement reconnaissable qui rappelle Hole et The Pretty Reckless.

Il est facile pour un groupe émergent de jouer la carte de la sécurité pour ses débuts, mais The Mysterines ne fait rien de tel ici. Leur style de narration gothique et leur acharnement sonore les rendent aussi immédiatement reconnaissables que certains des groupes les plus expérimentés de la scène. Les riffs infectieux qui règnent sur « Dangerou » « et la chanson-titre équilibrent des morceaux plus décalés comme  » »Old Friends Die Hard » et en font des compositions qui seront des favoris garantis. Mais qu’ils adhèrent à une formule plus standard, ou qu’ils poussent le bouchon plus loin, The Mysterines sont toujours séduisants. 

Avec « On The Run », ils atténuent un peu les choses, faisant une pause dans le martèlement des guitares et de la batterie pour explorer quelque chose de plus dépouillé et de plus simpliste, avant de se lancer à nouveau dans une aventure séduisante avec le très « PJ Harvey-esque » «  Under Your Skin » » dans lequel l’écriture littéraire de Metcalfe prend le rôle principal, et les instruments en retrait permettent aux paroles de vous subjuguer.

Ce niveau d’équilibre, de cohérence et de consistance sur leur premier album est un signe excitant pour les choses à venir. Des chansons les plus grungeuses au showstopper acoustique « Still Call You Home » aucun morceau ne semble déplacé. Sur Reeling, The Mysterines se sont consacrés entièrement à un son et une ambiance spécifiques qu’ils ont explorés en détail tout au long du disque. Sur leur prochain album, ils pourraient continuer sur la même voie ou changer complètement de direction ; mais soyez assurés que quoi qu’ils fassent, ils le feront très bien.

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Jerry Cantrell: « Brighten »

6 novembre 2021

Alors que le paysage musical du début des années 90 se peuplait de musique de Seattle, on a pu s’empresser de se procurer la bande originale du film Singles de Cameron Crowe. C’est une excellente compilation de bric et de broc et, à la fin, on y trouve une composition propre à nous toucher. « Would » a ainsi été pour beaucoup une introduction à Alice In Chains. Elle est restée à ce jour un classique, tout comme leur deuxième album, l’incroyable Dirt. Difficile de croire qu’il est sorti il y a un peu plus de 30 ans. Beaucoup de choses sont arrivées à Jerry Cantrell au cours de cette période, la perte tragique de Layne Staley n’a pas mis fin à Alice In Chains, ils continuent à sortir de la musique de qualité et à faire des tournées dans le monde entier. Entre temps, Cantrell a enregistré trois albums solo, Boggy Depot (1998) et Degradation Trip Volumes 1 & 2 (2002). Il s’est écoulé beaucoup de temps entre le dernier album solo et Brighten, son dernier album.

Mais pendant ce temps, Cantrell a vu sa musique apparaître dans des films à succès comme John Wick et Spider-man. Sans parler des onze nominations aux Grammy Awards, de la vente de plus de 30 millions de disques et du fait qu’il a été cité parmi les 100 meilleurs guitaristes de tous les temps par Guitar World. Ce n’est pas seulement son jeu de guitare inimitable qui fait d’Alice In Chains le groupe qu’il est, mais aussi ses incroyables interventions vocales. Les tendres harmonies de Cantrell avec le râpeux Staley ont apporté de la chaleur à leurs penchants mornes et sombres infusés de drogues. En solo, Cantrell s’oriente vers un son plus joyeux et ses talents de compositeur sont mis en avant.

Avec une pléthore de musiciens invités (Greg Puciato, Duff McKagen, Gil Sharone, Michael Rozon pour n’en citer que quelques-uns), Brighten contient neuf chansons de haute qualité de production et de mélodie. L’album commence par « Atone », une mélancolie psychédélique avec des guitares floues, une basse qui drague les rivières et une pléthore de craquements de fouets de films de western et de tambours qui dégringolent. La chanson constitue un morceau d’ouverture intense. Cantrell chante avec un grognement à la Staley et l’ensemble du morceau ressemble à un classique perdu d’Alice In Chains.

Comme le titre le suggère, « Brighten » est un rocker optimiste avec une mélodie euphorique et un refrain qui fait mouche. Les voix harmonisées sont une chose magnifique et unique à Jerry Cantrell, il a embelli sans effort sa musique avec ces voix depuis des décennies pour un effet glorieux. Avec quelques changements d’accords excentriques qui semblent s’adapter logiquement à la perfection aux mélodies. « Prism of Doubt » a beau avoir un changement d’accord qui a déjà été utilisé des centaines de fois, Cantrell en tire une mélodie sublime et y ajoute de jolies touches country comme des pédales d’acier et des guitares virevoltantes. Sans aucun doute l’une des meilleures chansons qu’il ait jamais écrites, c’est une chanson joyeuse et extrêmement mémorable, aussi glorieuse qu’une brise chaude d’été.

Le pedal steel de Michael Rozon s’attardera sur la pâle « Black Hearts and Evil Done », une autre chanson country qui semble être un genre dans lequel Cantrell pourrait facilement se glisser. Sa voix se prête au côté plus attrayant du style musical qui a progressé au fil des ans. La chanson acoustique « Siren Song » commencera comme une ballade rock stable avec une pédale d’acier langoureuse et des scintillements froids du soir. Alors qu’elle se dirige vers un territoire plus dur, elle se transforme en un slow d’Alice In Chains resplendissant avec des harmonies étonnantes. Ecoutez attentivement et vous aurez droit à de splendides éléments percussifs de toutes sortes. Si vous écoutez encore plus attentivement, vous entendrez Greg Puciato, de Dillinger Escape Plan, vous arracher quelques chœurs.

Si jon signale que «  Had to Know «  contient les mêmes accords que « Run To You » de Bryan Adam, ce n’est pas pour vous gâcher la surprise, mais pour vous émerveiller de la capacité qu’a Cantrell à ne pas se lancer dans le refrain rugissant de cette chanson. Ce morceau est un rocker bein professionnel mais finalement oubliable qui est la première piste à décevoir ces oreilles. C’est le cas jusqu’à ce que Puciato réapparaisse pour ajouter un peu de grognement qui réussira à l’extraire du rlot commun. Des années de malheur et de tonalités sombres n’ont pas terni la capacité de Cantrell à créer des mélodies brillantes et « Nobody Breaks You » offrira de la positivité par le biais d’un refrain épique d’harmonies superposées, de guitares denses et de piano. Pour rappeler qu’il est capable de pratiquer une entame méchante, Cantrell nous délivre un solo teigneux qui fait du morceau le point culminant de l’album.

Alors que le titre de la chanson suggère un groupe de death metal, le poppy « Dismembered » est une autre compositi mid-tempo de rock country avec une mélodie glorieuse et une centaine d’accroches. « Goodbye », qui clôt l’album, est dépouillée de toute instrumentation et la voix de Cantrell est vulnérable alors que le multi-tracking est laissé au repos. La chanson est une ballade sincère et il est inhabituel d’entendre Cantrell non pas couvert de guitares épaisses mais soutenu par des cordes délicates. C’est un domaine à explorer davantage pour les prochaines sorties.

Comme déjà mentionné, il aiura fallu vingt ans à Jerry Cantrell pour sortir un autre album solo. Peut-être qu’il s’est trouvé dans une impasse, comme le reste d’entre nous, avec le monde ainsi confiné et c’est à partir de cette situation que Brighten a vu le jour. Comme pour beaucoup d’autres artistes, les circonstances entourant la création de l’album ont donné lieu à un album de grande musique. Brighten contient quelques-unes des meilleures chansons de Cantrell et plaira non seulement aux fans d’Alice In Chains, mais aussi à tous ceux qui ont l’oreille pour le bon rock lourd et les belles mélodies.

***1/2


bauwaves: « u r everything »

22 mai 2021

u r everything, le premier album de bauwaves d’Austin, TX, a été écrit à la fin d’un épisode dépressif. Le chanteur Lew Houston a sété atteint d’une dépression profonde en 2016, et, alors qu’il se sortait, l’inspiration a lui est venue pour engranger des compositions qui ont donné naissance à u r everything.

Cette histoire de fond semble importante – une grande partie du disque traite de la dépression et trouve les narrateurs autobiographiques de Houston en quête de connexion. Mais au-delà du thème, c’est un disque qui sonne comme s’il se débarrassait d’une brume spleenesque ; les guitares grésillent et s’embrouillent, et la voix de Houston se situe quelque part entre la plainte indie punk et le glas. 

Cepandant la carte de visite de u r everything, plus que ses guitares grunge et le chant plaintif de Houston, est la façon dont tous ses membres jouent ensemble : c’est-à-dire de façon rapide et désordonnée, comme si l’ensemble risquait de s’effondrer à tout moment. Les rythmes ne gardent pas la cadence, ils testent plutôt la capacité du groupe à redresser le véhicule à grande vitesse qu’est chaque chanson. Par moments, c’est exaltant, on dirait un vestige du rock ‘n’ roll de la fin des années 80 ou du début des années 90 ; ailleurs, comme sur « years later », le groupe semble plus perdu qu’expérimental, comme si les rythmes qui étaient sur le point de s’effondrer s’étaient effectivement effondrés pendant l’enregistrement.

Ces contretemps se produisent surtout sur la première partie de l’album, celle qui contient ses meilleurs titres, comme si le groupe avait enregistré tous les morceaux les uns après les autres, en prenant de l’assurance au fur et à mesure. « early morning summer » ajoute une guitare acoustique à l’instrumentation du groupe, ce qui permet de différencier la chanson en tant que single et d’ajouter la variété nécessaire à l’album. Mais plus qu’une simple sonorité, la chanson montre Houston dans son état le plus vulnérable, sa voix hurlante ruminant des pensées suicidaires. À partir de là, les choses deviennent plus punk et tout aussi déprimées sur « to the floor » et « like sinking », donnant à la deuxième phase de u r everything un élan et une ligne directrice qu’elle n’a pas au départ. 

C’est sur le dernier morceau de l’album, la chanson titre, que tout se met vraiment en place. Les rythmes tremblants et les guitares démesurées ne sont pas seulement un style – ils ressemblent à la vie, une métaphore du voyage tumultueux dans lequel chacun se trouve. « Sans toi, il n’y a rien » (Without you, there’s nothing), gémit Houston comme si sa vie en dépendait, ce qui est en quelque sorte le cas. u r everything est, à cet agard, autant un disque qu’un chemin vers l’acceptation de soi. Au terme de son périple, Houston a réalisé que la vie valait la peine d’être vécue et l’a transposé en chanson. Cela ne veut pas dire que ce sera facile, mais parfois, c’est dans les moments où tout s’écroule que l’on trouve le plus de sens.

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Foo Fighters: « Medicine At Midnight »

2 février 2021

L’objectif de rester frais et excitant lorsque vous êtes ensemble depuis vingt-cinq ans n’est pas une légende alternative du rock dont les Foo Fighters doivent s’inquiéter. Le dixième album studio de Dave Grohl et de ses acolytes est une représentation glorieuse de la carrière réussie du groupe dans le domaine de la musique. Si chaque morceau insère son propre coup de foudre rock and roll, ils fonctionnent également comme une unité combinée. Il fait un clin d’œil à des influences familières comme Queen, Metallica et Queens of the Stone Age, mais si certains morceaux mettent en avant une signature sonore, il est évident que le groupe a cherché à établir un territoire plus large, et le caractère distinct de chaque morceau reste présent à l’esprit après une seule écoute.

Le titre d’ouverture, « Making A Fire » revigore la chose par son mélange équilibré de genres. L’utilisation d’une technique de style gospel déclenche un moment vibrant la fille de Grohl, Violet, offre une technique vocale compétente sous la forme de quelques notes aiguës alors que « Shame Shame » offrira, de son côté, un mélange convaincant, combinant une trame rythmique dramatique et des atmosphères sombres.

Différents sentiments domineront le panorama musical sur « Cloudspotter ». Le morceau est dynamique et complexe et il explore à merveille les manifestations de pessimisme qui peut atteindre la plupart d’entre nous avec un« Head ringing in the dead of night/Just a pair of lovesick parasites » (Une tête qui résonne au milieu de la nuit/Une paire de parasites en mal d’amour) exemplifiant à merveille la rébellion contre les formats traditionnels des chansons abordant l’amour, en une composition qui reste une chanson d’amour, mais pas au sens conventionnel du terme.

Ailleurs, « Waiting On A War » est dédiée à la fille du frontman, Harper. D’un ton et d’une structure révélateurs, elle reflète son enfance et son éducation. Au début de cette année, le frontman a publié un tweet sur la principale source d’inspiration.

Ayant grandi dans la banlieue de Washington D.C., il avait peur que les guerres n’éclatent. Ayant passé une grande partie de sa jeunesse à s’inquiéter à ce sujet, il a été étonné lorsque sa fille lui a demandé s’il pensait qu’une guerre était imminente. La prise de conscience qu’ils partageaient tous deux une peur similaire a déclenché l’envie instantanée d’écrire.

Pendant ce temps, une vibration divergente est projetée sur la chanson titre de l’album. Avec un son qui s’étend potentiellement à des groupes comme Talking Heads et Roxy Music dans la nature, des voix de type Bowie sont incorporées, ce qui donne une prestation sonore élaborée et plutôt délicate.

En revanche, « No Son Of Mine » est une explosion de sonorités. Hommage à Lemmy, cette prestation tentaculaire illustre l’admiration que Grohl porte à l’influent frontman de Motörhead.

Élevé et immersif, le morceau « Chasing Birds «  émule John Lennon et constitue un moment de réflexion tranquille et rêveuse avant le moment de chance contagieux et joyeux de « Love Dies Young ». Pour ce qui est des chansons de pop rock, elles sont aussi optimistes qu’elles le sont. Débordant d’énergie, il signifie la fin parfaite d’un voyage passionné et explosif.

Célébrant jusqu’à l’os, la dixième aventure d’enregistrement des Foo Fighters est un peu comme se retrouver sur les meilleures montagnes russes de la ville par une chaude journée d’été, joyeusement terrifiante par endroits mais qui se termine bien. Au final, émane de ce nouvel opus, un fort besoin de se connecter à des moments où l’intensité, toute provisoire qu’elle peut être, se veut agréable. Et ceci est suffisamment précieux pour qu’on accepte de s’en satisfaire

***1/2


Bully : « Sugaregg »

25 août 2020

« Je veux être en contact, me sentir un peu moins déconnectée sans la béquille », s‘écrie Alicia Bognanno de Bully au milieu des guitares déchaînées sur « Stuck in Your Head » (« I wanna be in touch, feel a little less disconnected without the crutch). Le sentiment n’est pas un appel à l’aide gémissant comme cela pourrait paraître, mais plutôt une déclaration frustrée, comme si Bognanno voulait se tourner vers le passé et lui arracher sa perte de contrôle. Ce qui suit sur Sugaregg, son troisième album, est un grunge vif mais bilieux elle illustre sa désorientation avec une vie en perpétuel changement et en se libérant de traditions étouffantes.

Un sentiment de liberté d’esprit est présent sur e disque, presque nostalgique et enfantin, un changement de ton par rapport au deuxième disque plus dense du combo, un Losing sorti en 2017. Malgré cela, l’album ne craint pas les explorations plus lourdes. Bognanno cite le traitement de son trouble bipolaire II pour avoir altéré sa perception d’elle-même et sa capacité à créer de la musique, avec la désensibilisation lente à la douleur sur « Prism » et la lente combustion de « Come Down » comme reflets de cet état d’esprit.

La désorientation et l’ennui de Bognanno ne manquent cependant jamais d’âme ni de punch. Le « single » « Where to Start » s’inspire du classique «  Tubthumping » intérprété par Chumbawamba, ce qui est évident dans des chants, qui, à travers le disque et la discographie de Bully, sammplifie cette démarche d’une seule notre qui convient d’être marmonnée d’une voix râpeuse. Les sons du disque n’en sont pas moins une bouffée d’air enivrante – un mélange rafraîchissant de brut et de propreté.

Au milieu de ces bruits grinçants, Bognanno insite sur son envie de briser le moule, surtout en tant que femme, avec les titres « Every Tradition » et « Not Ashamed » qui insistent sur son désintérêt à se conformer aux attentes de la vie que les autres lui ont présentées. En bref, Bully sait comment faire de la musique pour se sentir jeune et totalement désorientée, parfois désespérée, et finalement, complètement vivante.

***1/2


Momma: « Two of Me »

12 juin 2020

Apparemment, le groupe de grunge pop de L.A. Momma n’a jamais entendu parler de l’écueil du deuxième album let on ne s’en porte que mieux. Les quatre membres du groupe ont sorti leur premier album Interloper en 2018, et deux ans plus tard, ils partagent Two of Me, un album concept qui réussit à capter l’imagination et fait preuve d’une incroyable retenue en même temps. Etta Friedman et Allegra Weingarten, qui se partagent la guitare, l’écriture des chansons et la voix, ont enregistré l’album à Los Angeles avec leurs collègues Zach CapittiFenton (batterie) et Sebastian Jones (basse).

Two of Me explore un monde de l’ombre appelé Bug House qui ressemble au nôtre, mais qui sert d’enfer aux transgresseurs. Friedman et Weingarten sont intentionnellement vagues quant à l’apparence de cette Bug House, mais les descriptions qu’ils en donnent ressemblent au royaume habité par des entraves dans le film Us de Jordan Peele, jusqu’aux éléments tordus du carnaval et aux copies de personnes du monde réel qui y vivent.

« Momma » ne vous prend pas la tête avec des descriptions exagérées de ladite Bug House, mais plutôt avec ce monde souterrain qui s’infiltre insidieusement à travers leur voix confuse, leurs paroles de rechange et leurs guitares déformées. On pourrait même confondre deux de mes chansons avec une première écoute, comme un Snail Mail plus joyeux ou une Chastity Belt plus psychédélique. Mais une fois qu’on est bien renseigné, on a l’impression que lorsque Friedman et Weingarten chantent ensemble, c’est comme s’ils se regardaient dans un miroir déformé de la funhouse, leurs voix étant souvent impossibles à distinguer l’une de l’autre. Ils ont cité cette dualité dans leur processus d’enregistrement (« Nous avons réalisé que nous sommes pratiquement les mêmes, mais juste des gens différents », ont-ils écrit dans un essai pour Talkhouse), et c’est évident dans la façon dont leurs voix non seulement se ressemblent, mais aussi se fondent en un son amorphe.

Et puis il y a la musique elle-même, qui vous attire avec des accords grunge et pourtant baignés de soleil. C’est la version auditive de quand vous fermez les yeux par une journée ensoleillée, la chaleur se déversant dans le rouge à travers les paupières. « Bug House », l’ouverture tentaculaire, vous berce dans un faux sentiment de sécurité avant de s’intensifier dans un vortex de forte distorsion. « Derby » donne à chaque membre du groupe suffisamment d’espace pour montrer ses propres prouesses, et « Double Dar » propose une série de sons de carnaval tintinnabulants et transportables. La distorsion et les guitares floues vous envahissent l’album.

Momma a fait un choix judicieux en ce qui concerne les paroles, en sélectionnant les phrases les plus évocatrices pour donner du punch et en les livrant avec soin. » »Écraser du cartilage / Se lier en pleine frénésie / L’enculé est un monstre / Appâter ce barbare » (Crushing cartilage / Binding on a binge / Fucker is a freak / Baiting this barbarian), Friedman et Weingarten chantent sur le flou avec « Biohazard », qui suit un homme atteint de trouble dissociatif de l’identité qui est envoyé au Bug World pour un meurtre que son alter ego a commis. Leur allitération et la façon dont ils savourent certaines consonnes illustrent le monde de la Maison des insectes. Une jeune fille se languit de son amant sur l’album « Carny » après qu’il ait été banni aux enfers, et vous pouvez imaginer sa détresse juste dans le désir répétitif. Le désir qu’elles expriment n’est surmonté que par leur attitude diabolique sur « Not A Runner » » en chantant « Did I fucking stutter ? I told you I’mnot a runner », si bien que vous pouvez les imaginer en train de jeter des cendres au bout d’une cigarette et de rouler les yeux en même temps. On a l’impression que ce n’est pas sincère, mais une nonchalance feinte pour ne pas être blessé. Après tout, la Bug House n’est pas un endroit où l’on peut baisser sa garde.

Pour faire confiance à un auditeur, il faut toujours faire un acte de foi, et Momma est heureuse de jeter la prudence au vent. Leur capacité à maintenir un sens clair de l’orientation tout en acceptant l’ambiguïté fait de cet album une écoute tout à fait gratifiante. Two of Me donne un aperçu non seulement du monde fantastique de la Bug House, mais aussi des échanges entre Friedman et Weingarten. L’exploration par Momma de leurs propres natures secondaires nous invite à faire de même.

***1/2


Pearl Jam: « Gigaton »

20 mars 2020

« J’ai changé en ne changeant pas du tout », avait entonné solennellement Eddie Vedder, le leader de Pearl Jam, en 1993. Ce sentiment est devenu une sorte de principe directeur pour un groupe de rock chevronné qui, malgré l’absence de l’émotion brute de Nirvana et du sens de la théâtralité des Smashing Pumpkins, a réussi à survivre à beaucoup de leurs contemporains alt-rock. Alors que Vedder a écrit des chansons rock indélébiles – « Yellow Ledbetter » n’en étant qu’un exemple – Pearl Jams emble être sous régulateur de vitesse depuis la fin des années 90, et leur dernier album, Gigaton, est, en grande partie, le même que les précédents.

Le premier titre, « Who Ever Said », est accompagné de riffs de guitare grondants et entrecroisés. La voix de Vedder est également en pleine forme (il commence à ressembler un peu à Chris Cornell, qui a toujours été un meilleur chanteur) et il livre des jeux de mots intelligents : « ‘Tout est dans la livraison’, dit le messager qui est maintenant mort. » (‘It’s all in the delivery,’ said the messenger who is now dead). L’accroche de la chanson – « Whoever said it’s all been said ? » – semble directement confrontée à la notion que le groupe est à court d’idées. Et pendant quelques minutes, Pearl Jam paraît déterminé à prouver que ses détracteurs ont tort, et ceci jusqu’à ce que la chanson se transforme en un second mouvement sinueux et finisse par mourir de lui-même. De cette façon, elle sert de microcosme à l’ensemble de l’album : quelques bonnes idées et des moments d’expérimentation aux côtés de quelques casse-tête déconcertants.

Le plus déconcertant en est « Superblood Wolfmoo » », dont le rythme en deux temps, avec des remplissages de cymbales, lui donne une énergie nerveuse qui n’a d’égal que le débit de Vedder. Mais les guitares kloutées sont étrangement déphasées par rapport à la trop grande ampleur de la chanson, et les paroles se lisent comme une tentative de confronter la catastrophe politique à travers le prisme de la perte personnelle et d’une fiction dont on se demande quel rôle elle a. Ailleurs, « Buckle Up » souffre d’un flou lyrique : « D’abord ne pas faire de mal, puis mettre sa ceinture, boucler sa ceinture ! » (Firstly do no harm, then put your seatbelt on, buckle up!) où Vedder semble essayer d’aborder l’importance de l’autogestion de la santé, mais où le rythme lent du titre et sa prestation guerrière font que les paroles sonnent maladroitement.

De temps en temps, les expérimentations de Vedder et de son groupe fonctionnent. Ainsi, malgré un titre idiot, « Dance of the Clairvoyants » est une reprise réussie de la signature sonore du groupe. La section rythmique élastique du morceau, inspirée par le funk, et le riff de synthétiseur troublant s’accordent bien avec le chant de Vedder, qui sonne alternativement enragé et épuisé. « Quand le passé est le présent et que le futur n’est plus/Quand chaque demain n’est plus » When the past is the present and the future’s no more/When every tomorrow’s no more), chante-t-il, ressemblant à un homme qui a vécu plus de vies qu’il ne peut s’en souvenir. En contraste avec le maximalisme de ce morceau, « Comes Then Goes » est une ballade douce, aux accents champêtres, qui met en valeur l’étendue vocale souvent sous-estimée de Vedder. La fiabilité est peut-être ce qui a fait de Pearl Jam un pilier si puissant, mais plus ils sortent de leur zone de confort et s’éloignent de leur identité de longue date (ou de son absence), plus ils paraissent enfermés dans un schéma de maintien.

**1/2


The New Pagans: « Glacial Erratic »

11 mars 2020

The New Pagans sont un combo qui livrent ci un nouvel EP indie-pop plein de punch.  Nominés récemment pour le prix de la meilleure interprétation en direct du Prix de la musique d’Irlande du Nord, leurs chansons n’ont rien à voir avec le fait qu’elles viennent des côtes irlandaises mais louchent plutôt du côté rock aternatif ou grunge américain. Formés en 2016 par le guitariste et chanteur Cahir O’Doherty, The New Pagans ont fait leur première apparition sur scène au Belfast Empire au début de 2017. Depuis lors, ils ont produit de nombreux « single »s tels que « I Could Die »/ « Lily Yeat » » et « It’s Darker ». Ce premier EP regroupe leurs précédentes sorties, dont le « single » « Admire », récemment sorti.

Curieusement intitulé Glacial Erratic, on peut penser, à première vue, qu’il s’agissait de deux mots abstraits réunis pour une ambiguïté artistique. En fait, le terme fait référence à une roche déposée par les glaciers, dont la taille et le type diffèrent, et qui est native de la région dans laquelle elle se trouve. L’opus est unique ou du moins assez différent de celui de leurs pairs issus de la même région.

L’énergique premier morceau « It’s Darker » ainsi que « Charlie Has the Face of a Saint » avec la ligne de basse de Miskimmin sur « Monkey Gone to Heaven », ont tous des nuances lourdes rappelant les Pixies classiques. La voix et le style de McDougall ont également des parallèles avec ceux de Kim Deal de The Breeders, Courtney Love’s Hole et Juliana Hatfield. Dans la même veine que l’explosion du rock alternatif et du grunge au début des années 90, le groupe a cité Sonic Youth comme son inspiration et son guide.

Dans l’ensemble, Glacial Erratic n’est pas que la somme de ces influences; assez disjoint et changeant dans certaines parties, mais contenant aussi des moments vraiment sublimes et créatifs. Avec des compositions plus fluides et le talent qu’ils ont en germe, il sera intéressant de voir dans quelle direction ils se dirigent ensuite. Une fois maturité acquise.

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Sodoma: « It’s All About To Change »

22 février 2020

Incontestablement, avec Sodoma, c’est la force qui jaillit des haut-parleurs dès la première seconde Ce Grunge/Noise Rock Band de Zurich est, en effet, reconnaissable sur son deuxièm ealbum dès le premier accord. It’s All About To Change est le titre du nouvel opus du combo et il fait parfaitement suite à leur premier album éponyme, sorti il y a deux ans.

Le premier titre « Alive » est court, mais il montre bien ce qu’est Sooma. Des cymbales et des toms bruyants qui enterrent les voix ternes et déformées en arrière-plan. Un son de guitare unique et strident, fraîchement pressé à travers un circuit d’overdrive. Beaucoup de choses se sont passées au cours des deux années qui se sont écoulées depuis leurs débuts. La guitare est devenue encore plus expérimentale et les sons synthétisés sont dépouillés vers la fin du morceau.

L’ensemble est groovy et défoncé dans le quatrième titre « Material Humanos ». Des riffs de type mantra entre le noise-rock et le post-punk forment une évocation du changement et de la décadence. Une glorieuse piste pour s’attarder dans les abysses.

10 morceaux couvrent l’ensemble de l’album et quelque chose se détache : Il n’y a pas un seul tube sur cet album. Quand on écoute le disque en effet, on perd rapidement l’orientation de la chanson à laquelle on se tient, car le son est pratiquement toujours le même et il domine les riffs et les mélodies auxquels on pourrait s’accrocher. Sooma est un état d’esprit et il se poursuit du début à la fin.

Ce disque résonne fort, est fort avec un nuage sonore en plein essor de basse, de guitare et de batterie ; il est une excellente occoasion de redécouvrir l’expérience grunge.

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