Snowgoose: « The Making of You »

29 novembre 2020

Le deuxième album de Snowgoose commence par une voix féminine, belle et solitaire, celle de la co-fondatrice du groupe, Anna Sheard, qui teste une mélodie montante. « Cœurs en feu, nouveaux désirs de découverte, en route, voyageant des heures durant dans la nuit » (Hearts on fire, new desires to discover, on their way, traveling hours through the night), trille-t-elle en ajoutant son vibrato ténu des sonorités pures comme si elles émergeaient de l’eau. Elle ressemble un peu à Jacqui McShee de Pentangle, un peu moins à Sandy Denny de Fairport Convention, et, en tout cas, elle fonde ses attentes sur une sorte de revivalisme folk des années 60, agrémenté d’un peu de jazz et de blues. C’est normal, et, au fur et à mesure que l’album avance, dans un bourdonnement de guitares, le bruit sourd de la basse, la pulsation des filtres du mélodica, ce sera néanmoins la voix de Sheard qui vous arrêtera. Lorsqu’elle atteint le refrain de cette première chanson, « Everything », elle abandonne les mots en cascade, dans un son magnifique et liquide. The Making of You vous rappellera peut-être les albums classiques, mais il vaut vraiment la peine d’être écouté en tant que tel.

Snowgoose, attire des musiciens britanniques connus de tous, sauf du folk. Jim McCulloch, le principal partenaire artistique de Sheard au sein du groupe, s’est fait connaître en jouant dans les Soup Dragons. Dave McGowan, qui joue de la basse, a fait du temps avec Belle and Sebastian, BMX Bandits, Mogwai et Isobel Campbell. Ray McGinley, du Teenage Fanclub, joue de la guitare et Stuart Kidd, du groupe Euros Child, est le batteur. Des collaborateurs occasionnels sont issus de formations tout aussi célèbres et non folkloriques comme Belle and Sebastian, Camera Obscura et les Pearlfishers.

La chanson titre est la pièce maîtresse du disque avec sontintement de cymbal et son, un enchevêtrement modal de guitares acoustiques. La chanson est écrite avec une légère réticence, mais elle s’épanouit avec certitude lorsque Sheard chante « Es-tu assez mûr pour le voyage ? As-tu faim de son prix ? C’est l’essence même de tqui tu es » (Are you open for the ride? Are you tall enough for the ride? Are you hungry for the prize? It’s the making of you). Les arrangements instrumentaux s’épanouissent avec le martèlement des tambours et des arcs de guitare slide, et Sheard double sa voix. La chanson, tout comme ses paroles, passe de l’hésitation à une sorte de bravade pour saisir le jour dans un joli crescendo.

Ailleurs, Snowgoose prend des couleurs sombres et jazzy, dans la lignée de Pentangle, comme dans la cool et sophistiquée « Goldenwave » ou la pétillante valse qu’est « Deserted Forest ». Il y a un arrangement de cordes dans cette dernière coupe, qui va souligner le phrasé urbain et aéré de Sheard ; elle se situe quelque part entre le folk pur et le chant du piano-bar. Tout cela est plutôt bien, plutôt indépendant et sans prétention. Cela semble à la fois tout à fait naturel et soigneusement planifié. Il n’y a pas de détails à régler ni d’excès malheureux.

Vous avez peut-être tout le Pentangle dont vous avez besoin et toute la convention Fairport que vous pourriez vouloir écouter. The Making of You ne remplacera aucun de ces favoris, mais il peut certainement se tailler une place sur l’étagère à côté d’eux. Faites-lui de la place ; ce truc est sacrément bon.

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Rome: « The Lone Furrow »

6 novembre 2020

Au début de l’année, on pouvait avoir l’impression que tous ceux qui pouvaient se le permettre remettaient à plus tard les sorties. Depuis le début de l’été, en temps normal, c’est-à-dire pendant la saison sèche, les, supposés, grands albums ont commencé à sortir les uns après les autres, et le disque que nous avons sous les yeux peut certainement être considéré comme l’un des meilleurs à ce jour.

Comme c’est toujours le cas avec les bons albums, il y a beaucoup plus à dire à leur sujet que ce que permet la portée d’une critique. The Lone Furrow fait, à cet égard, référence à une multitude d’idées dans une myriade de langues, à travers des musiques très diverses et avec l’aide de nombreux chanteurs connus. Mais ne pensez pas que le LP est quelque chose d’alambiqué et peu attrayant ! Le fait que l’album parvienne à être une écoute extrêmement agréable et accessible malgré sa complexité fait partie de ce qui en fait un grand album.

Bien que vous n’ayez peut-être pas entendu parler de Jerome Reuter, l’auteur-compositeur-interprète luxembourgeois à l’origine de Rome, la liste des chanteurs invités sur son nouvel album devrait vous donner une idée de son ancienneté, de ses affinités musicales et peut-être aussi de l’estime dont il jouit auprès de ses collègues musiciens. Alan Averill de Primordial a prêté sa voix, tout comme Nergal de Behemoth et J.J. de Harakiri for the Sky – et ce n’est pas liste exhausr-tive.

Ce n’est certainement pas le cas de Jerome Reuter ; sa voix profonde et sombre a suffisamment de caractère. Mais chacun des invités ajoute quelque chose de personnel à l’album, par son parcours et sa langue maternelle ; le produit final étant un morceau de musique qui, du point de vue linguistique, englobe toute l’Europe, de la Pologne aux îles britanniques, en passant par l’Autriche, la France et le Luxembourg, ainsi que l’Amérique.

Les chanteurs invités pourraient laisser entendre qu’il s’agit d’un album de black metal, mais ce n’est pas le cas. Sur le plan philosophique, The Lone Furrow est proche du black metal en ce sens qu’il affiche une aversion pour les diverses ramifications de la civilisation occidentale et cherche à établir un lien avec notre passé païen, amoureux de la nature et respectueux de la nature.

Il n’est ni facile ni vraiment nécessaire d’étiqueter le LP en termes de genre, puisque presque chacun des treize titres de l’album a son propre caractère. Cependant, pour nous orienter, posons quelques pierres angulaires : vous entendrez des morceaux de « spoken word », avec un fond de sons sphériques, puis il y a du plain folk avec guitare acoustique, percussions et voix, mais aussi de l’Americana et de la chanson française, ainsi que de la musique industrielle. Le tout est agrémenté d’extraits de films, de pièces de théâtre et de discours. Les paroles sont poétiques, la voix pleine de Weltschmerz, toutafois, l’atmosphère générale n’est pas celle de la mélancolie – c’est plutôt celle d’une résistance obstinée.

L’album s’ouvre avec « Masters of the Earth », un morceau en spoken word dans lequel les mots sont accompagnés de sons de la nature et de bourdonnements chargés électroniquement. « La civilisation moderne », dit-on, « n’est pas supérieure, n’est pas éclairée », et « l’homme moderne (…) n’a ni grâce, ni but » (Modern civilization is not superior, is not enlightened, and (modern man (…) has neither grace, nor purpose). Des déclarations difficiles, peut-être, mais néanmoins vraies. Ce discours, dont l’auteur est Aki Cederberg, est suivi d’une chanson folklorique assez traditionnelle, « Tyriat Sig Tyrias », avec des guitares acoustiques, des percussions, des flûtes et des cloches.

« Ächtung, Baby ! », peut-être mieux caractérisé comme néofolk, shonore de la présence de Alan Averill de Primordial comme chanteur invité et prête allégeance aux anciens dieux et aux hiérarchies naturelles, d’une manière calme, harmonieuse et assurée. Le titre du morceau est une référence à l’album Achtung Baby de U2, mais il n’y a pas lieu de penser que le essage est positif. « Umlaut » fait toute la différence alors que « Achtung ! »,dans la forme impérative, signifie simplement « Attention ! » ou « Ecoute ! » ; « Ächtung ! » est un ostracisme, une exclusion de la société.

Les choses deviennent audiblement un peu plus sauvages et dangereuses avec le cinquième morceau, « Angry Cup », mettant en scène Adam Nergal Darski de Behemoth. Les percussions ont gagné en agressivité par rapport aux morceaux précédents, tout comme le chant. Certains chants en polonais ont des sonorités particulièrement menaçantes.

« The Twain » sert vira de calme avant la tempête, et le tout culmine avec la piste centrale de l’album, la piste numéro sept sur treize, « Kali Yuga Über Alles ». La musique est post-industrielle, comme l’époque dans laquelle nous vivons. Notre civilisation, nous dit-on, a dépassé son apogée. Les percussions ressemblent à des bombes qui frappent le sol et qui font vibrer chaque point des paroles. Fantastique !

Après « Kali Yuga Über Alles », l’album se ralentit quelque peu et semble un tantinet décevant, ce qui ne veut pas dire que les chansons qui suivent ne valent pas la peine d’être entendues ou sont de moindre qualité – il est juste difficile de se concentrer sur autre chose juste après le largage de certaines bombes.

Pour mettre l’eau à la bouche, disons que le reste des saveurs de l’album, se devra d’êtrs découvert par soi-même.

Il ne me restera donc plus qu’une chose à dire. Non, vous les gens bizarres qui répandent des théories de conspiration sur Internet, « über alles » n’est pas nécessairement une référence à l’Allemagne nazie ou à son hymne. Il est beaucoup plus probable que le titre de la chanson « Kali Yuga Über Alles » fasse référence à la chanson « California Über Alles » des Dead Kennedy. Et l’utilisation de cette phrase a été voulue ironiquement en premier lieu.

***1/2


Will Butler: « Generations »

26 septembre 2020

Cela fait cinq ans que le multi-instrumentiste d’Arcade Fire Will Butler a sorti un album studio solo et quatre depuis l’album live Friday Night. Avec l’arrêt de l’enregistrement d’un nouvel album d’Arcade Fire à cause de COVID-19, Butler n’a pas laissé son temps en prison arrêter le processus de création de Generations dans son studio de Brooklyn. 

L’album explore l’exploration de Butler dans l’histoire et sa vocation d’artiste. Dans une déclaration, il dit que Generations soulève des questions comme « Quelle est ma place dans l’histoire américaine ? Quelle est ma place dans le présent de l’Amérique ? En fin de compte, il s’agit de réfléchir sur notre place dans le monde. « 

L’album commence avec « Outta Here », un morceau à l’énergie hypnotique, suivi de « Bethlehem », qui dégage la même énergie mais d’une manière inspirée du punk. Le disque tout entier est empreint de nostalgie, notamment sur des titres comme « Close My Eyes » et « Surrender », qui rappellent le chef-d’œuvre d’Arcade Fire, The Suburbs, sorti en 2010.

C’est un album de nature folk, avec un punch intense mais avec une touche intemporelle. Ainsi, « Not Gonna Die » sera une autre ballade remarquable qui met en scène un saxophone de qualité et des guitares superposées. Butler chante les façons dont il ne mourra pas et d’autres façons dont il pourrait mourir – un sujet sinistre, indubitablement, mais c’est avant tout une chanson qui se démarque de par sathématique. 

Generations présentera une ampleur d’émotions, à la fois brutes et sincères. Vous ne pouvez pas vous empêcher de vous poser la même question que celle que génère le disque : Que dois-je faire ? Qu’est-ce que je peux faire ?

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Joshua Burnside: « Into the Depths of Hell »

13 septembre 2020

Le dernier album de Joshua Burnside, Into the Depths of Hell, fait partie de ces albums pour lesquels, lorsque la tournée sera annoncée, votre ami vous demandera quelle chanson vous êtes le plus pressé de voir en concert et à qui vous pourrez répondre : « Toutes. »

L’album est, en effet, incroyable et, si vous avez suivi Joshua Burnside sur les médias sociaux, vous aurez vu le clip musical de « War On Everything », qui vous donne un petit aperçu de ce qui va suivre. L’ambiance générale du disque rappelle légèrement Willy Mason ou Alexi Murdoch; il touche à l’Americana, au folk irlandais et met en avant le point fort de Burnside, le récit.

« Under The Concrete » a une mélodie merveilleusement amusante et édifiante qui nous transporte tout au long delson déroulé. La chanson elle-même semble simple et paisible, mais elle nous montre à quel point un crochet dans la mélodie peut être puissant. Les trois chansons suivantes sont « And You Evade Him/Born In The Blood », « Whiskey Whiskey » et « Driving Alone In the City At Night ». Placées l’une après l’autre dans un ordre parfait, chacune a son propre son distinct de guiares en glissando et se déroule sous la douce voix folk de Burnsides.

Certains d’entre vous savent peut-être comment Burnside lutte contre la peur de l’avion et dans « Whiskey Whiskey », sa voix nous chante : « Mon estomac se retourne et je regarde le personnel de cabine pour voir s’il y a des signes d’inquiétude, mais il ne donne pas grand-chose ». C’est un petit texte qui fait partie intégrante de la composition, mais c’est une phrase que beaucoup de gens peuvent comprendre.

« Driving Alone In The City At Night » dure plus de six minutes, mais chaque seconde est comptée. Cette chanson est tellement chaotique, avec ses guitares rapides, sa batterie, son auto-accord extrême et des paroles parcimonieuses. Burnside est presque brisé par le chagrin alors qu’il nous chante avec ce qui ressemble à la pluie qui tombe sur un toit de tôle. Il crée une image si claire que vous pouvez vraiment voir l’histoire de cette chanson se dérouler dans votre tête.

« War On Everything » se démarque complètement des autres titres de l’album et est probablement l’une des plus fortes du disque. La structure et le chant sont très intelligents et votre oreille veut constamment en entendre plus. Les instruments à cordes lui donnent une énorme et intense profondeur au point qu’on sera tentéde la réécouter et la chanter aussi fort que possible. En tant que final d’un concert, ce serait le titre idéal.

Le dernier morceau, « Nothing For Ye », nous ramène à ce pour quoi Burnside est le plus connu : le chant et les histoires. Il nous rappelle cette période de l’enfance où l’on écoutait de vielles et traditionnelles contines folkloriques avec une histoire magnifiquement racontée et des paroles telles que : « Eh bien, je n’ai rien pour toi aujourd’hui ma chère, pas d’huile dans le réservoir, L’eau que je crains sera aussi froide que la pluie, qui tombe en Décembre, Non, je n’ai rien pour vous aujourd’hui ma chère. Je n’ai rien pour toi, ma chérie, si j’avais assez d’argent, je t’achèterais une bague, car j’avais peur qu’un jour tu t’enfuies avec un docteur parce que je n’ai rien pour toi, ma chérie ».

Well I have nothing for you today my dear, no oil in the tank, The water I fear will be as cold as the rain, that falls in December, No I have nothing for you today my dear. Eh bien, je n’ai rien pour toi, ma chère, Si j’avais assez d’argent, je t’achèterais une bague, car j’ai peur qu’un jour tu t’enfuies avec un médecin car je n’ai rien pour toi ma chère. » (Well I have nothing for you today my dear, no oil in the tank, The water I fear will be as cold as the rain, that falls in December, No I have nothing for you today my dear. Well, I have nothing for you, my sweet darling, If I had enough money I’d buy you a ring, for I worried someday you’ll run off with a doctor cos I have nothing for you my sweet darling).

À l’écoute de ce titre,on ne pourra que ressentir un sentiment ou un souvenir agréable d’il y a de nombreuses années. Into the Depths of Hell est un album étonnant. Il a un tel poids, une telle intensité et un tel chagrin qu’il touche un nerf qui est à la fois joyeux et réconfortant. Après l’avoir écouté, vous n’aurez qu’une envie, celle de le réentendre. Ce sera un opus qui gardera sa place sur les étagères pendant de nombreuses années.

****1/2


The Cradle: « Laughing In My Sleep »

2 septembre 2020

The Cradle, le projet solo de l’auteur-compositeur-interprète et multi-instrumentiste Paco Cathcart, sort ici un album de 21 titres, Laughing In My Sleep et dont le « single » principal, « One Too Many Times », avec Lily Konigsberg (de Palberta) en backing vocals, est une belle complainte sur les erreurs de communication, que l’on peut entendre ici.

Avec des mélodies intrigantes et tordues, Catchcart vous entraîne tout au long de l’album avec sa propre interprétation de l’Americana et du Folk qui vous fait écouter du début à la fin. « Society Of Men », par exemple, nous offre des mélodies rythmées et sinueuses qui s’harmonisent avec la voix parlée de la chanson et mettent parfaitement en valeur le chant sur le morceau. Sur des morceaux comme « End Of The Day » nous voyons le rythme se ralentir, les mélodies scintillantes s’accordent parfaitement avec les rythmes bien travaillés qui se fondent si bien sur ce morceau. La simplicité permet de faire briller tant de choses sur cet album.

L’histoire et l’émotion des paroles de ces chansons sont incroyablement bien mises en valeur tout au long de l’album. « Bottom Bell » est un excellent exemple de l’histoire racontée sur l’album, mais vous avez tellement de choix en ce qui concerne l’honnêteté et la profondeur des paroles sur Laughing In My Sleep, la chanson titre sera un bon exemple alors que des morceaux comme « Eyes So Clear » et l’accroche de « I’ll Walk » se montreront contagieux.

Disque qui évolue au fur et à mesure qu’il passe des racines folkloriques aux moments électroniques, Laughing In My Sleep est un album qui explore les sons et les genres pour vous apporter un quelque chose qui ne pourra jamais être reproduit.

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Saskia: « Are You Listening ? »

5 août 2020

Are You Listening ? est le quatrième album de l’auteure-compositrice-interprète londonienne Saskia Grffiths-Moore et il marque un véritable avancement d’un talent exceptionnel.  Le disque est une collection du meilleur de son répertoire des cinq dernières années et, à la différence de sa précédente production, Are You Listening ? est (à la seule exception d’une merveilleuse reprise de l’hymne « Hallelujah » de Leonard Cohen) entièrement son propre travail.  C’est un album exceptionnel, rempli de chansons vraiment excellentes, toutes magnifiquement interprétées et superbement produites. 

Dans une vie antérieure, avant de décider que sa voix claire et chaleureuse et ses paroles qui font réfléchir devaient être partagées avec le reste de l’humanité, Saskia était une thérapeute de Harley Street et, mon garçon, cette expérience n’imprègne-t-elle pas son écriture de chansons. Ces chansons sont empreintes d’une profonde compréhension des émotions humaines et d’une capacité à trouver des raisons d’espérer et d’être optimiste, même dans les situations les plus pénibles. L’écoute de cet album est une expérience réconfortante et revigorante.

Il n’y a pas de solo éblouissant ni de trucage en studio ici.  La caractéristique principale de chaque chanson est la voix enchanteresse de Saskia, rehaussée par ses propres auto-mutilations et construite sur un simple accompagnement de guitare acoustique. Le tout est subtilement rehaussé par David Ian Roberts à la guitare, Thomas Holder à la contrebasse, Ali Petrie au piano, Gabriella Swallow au violoncelle et sur le morceau « These Hours Only », une autre contribution à la guitare de l’auteur-compositeur-interprète australien Cooper Lower.  Susanne Marcus Collins a fait un merveilleux travail de production, offrant un son propre et respectueux, en parfaite adéquation avec ces grandes chansons.

L’album commence comme il faut pour continuer. Un joli passage de guitare acoustique conduit au premier des magnifiques passages vocaux d’harmonie, Saskia offrant un sage conseil à ceux qui s’apprêtent à l’écouter : « Are You Listening? Focus on my voice. ». Le son est doux et les paroles sont réfléchies ; un véritable avant-goût des délices à venir.

« In Time » est une belle chanson, avec des paroles qui donnent de sages conseils pour aller de l’avant sans oublier les leçons du passé. « These Hours » fait référence de manière douce et rassurante à la gestion d’une relation stable en acceptant de manière pragmatique que les hauts et les bas sont inévitables. « The Presence » est obsédante et poignante avec des paroles qui prennent une résonance particulière en ces temps ravagés. « Write Me a Song » est un numéro fantastique qui, avec son accompagnement de guitare au doigt, son contenu lyrique et sa prestation vocale rappelle fortement Joan Baez à son apogée.  C’est une chanson qui n’aurait pas été déplacée dans le cadre d’un club folk des années 60 et qui serait un bon candidat pour le single principal de l’album.

« Best Of You » est la première des deux nouvelles compositions de l’album et c’est un conseil de vie merveilleusement contemplatif en particulier la ligne où la vocalistenous dit « Ne cédez pas aux préjugés – nous sommes tous d’une même espèce » (Don’t give in to prejudice – we are all of one kin ).  Et, en effet, nne le sommes-nous pas ?.  La deuxième des nouvelles chansons est « Come Comfort Me » ; c‘est probablement le titre la plus sombre de l’album, avec des paroles qui plaident pour le confort dans une situation sombre, voire mortelle.

« After » est probablement une des plus belles chansons de séparation avec des paroles reconnaissent la douleur de la séparation et exprimant un désir : celui d’absorber cette douleur tout en s’accrochant à l’optimisme d’une réconciliation heureuse. »  Sur Bring It Down », Saskia évoque Joni Mitchell avec son chant d’un morceau d’auto-analyse provocateur qui culmine dans la splendide phrase « Opening up is not so hard ». 

« Wash it Away » reflète, sur un fond champêtre de guitare grattée, la nature fugace et transitoire de la vie et fait courageusement face à l’inévitabilité d’une mort qui arrivera avant que nous ne soyons prêts. Il donne le réconfort suivant : « Nous ne supporterons pas nos pertes, mais nous ne conserverons pas non plus nos gains » (We won’t bear our losses, but neither will we keep our gains).

L’album se termine par cette version sobre, respectueuse et élégante de « Hallelujah ;apparemment la première chanson que Saskia ait jamais interprétée en public et qui a continué à figurer dans son set live depuis.  C’est une fin appropriée à un excellent album equ’on ne peut que recommander de découvrir tant cette « dame » est sur le point de devenir une grande star.

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Courtney Marie Andrews: « Old Flowers »

29 juillet 2020

Au panthéon des albums de rupture, ceux qui sont axés sur les relations à long terme devraient porter la couronne. La fin des romances d’été ne devrait justifier qu’une chanson. Shoot Out the Lights de Richard et Linda Thompson est peut-être l’album de rupture qui les domine tous, mais Old Flowers de Courtney Marie Andrews traite des conséquences d’une relation de près de dix ans avec beaucoup plus de compassion. L’album reflète autant la difficulté de se séparer et d’aller de l’avant qu’il est une indication de ce qui a pu s’envenimer. 

Musicalement, Old Flowers est aussi dépouillé qu’il y paraît. Andrews joue de la guitare et du piano et s’accompagne de musiciens de premier ordre – Matthew Davidson (multi-instrumental) de Twin et James Krivchenia (batterie) de Big Thief. Krivchenia est habitué à une assistance sympathique et sa contribution ici va du murmure au cri – tous deux magistralement.  Sur la pièce maîtresse « Carnival Dream », le piano et les chants plaintifs d’Andrews sont interrompus par des fracas intermittents de tambours qui atterrissent avec le poids du décompte des années.

Le chant d’Andrews n’a peut-être pas le langage cru d’Iris Dement, mais dans la pureté de son timbre, il partage le même niveau de pathos. Qu’il nous entraîne dans des balades folkloriques comme « Burlap String » et la chanson titre ou dans les méditations plus calmes de « If I Told » ou « Break The Spell », le chant d’Andrews est un phare. Le fait qu’elle puisse également nous accompagner sur la chanson country à la langue bien pendue « It Must Be Someone Else’s Fault », permet à l’auditeur de savoir en un clin d’œil qu’Andrews a le plein contrôle de ses facultés.

***1/2


Zachary Cale: « False Spring »

8 juin 2020

Le dernier album de Zachary Cale, tout en étant imprégné d’une sorte de sensation ddoucereuse au coucher du soleil, est également imprégné d’une bonne dose d’incertitude à laquelle tout un chacun peut s’identifier. Alors que l’album est en préparation depuis cinq ans, cette incertitude saisit le sentiment d’une année qui semble ne pas pouvoir se relâcher. Le rythme de Cale oscille entre des ruisseaux ramassés à la main et le genre de confort beurré qui a fait mijoter Kurt Vile, Mike Polizze et le le don de Philadelphie. Il poivre dans des instruments qui laissent briller ses prouesses discrètes, parfois pensives, parfois propulsives, et qui relient l’album comme une tapisserie délavée. Mais c’est dans ses textes, tout aussi usés que vieillis, que Cale rayonne le plus.

False Spring, comme son titre l’indique, traite d’une lueur d’espoir étouffée par le hasard et le changement. Le temps est une bête de somme sur ce disque, laissant le protagoniste bloqué, étouffé et généralement à la dérive. Les chansons de Cale rongent l’incertitude et sont à leur tour rongées par le temps. Parfois, il se délecte de lcet affranchissement, mais le plus souvent, Cale se penche dans les vents amers avec un œil dans les deux sens. Il cherche la lumière de la lampe à l’horizon et il n’est jamais certain de la trouver. Mais il emmène avec lui un bon équipage pour le voyage. Son groupe, composé de Brent Cordero et de Charles Burst de The Occasion, est amplifié par la pedal steel particulièrement langoureuses de Dan Lead, qui a prêté son ton à Jess Williamson, Kevin Morby et Cass McCombs. Le disque est un radeau dans des eaux qui ne sont pas aussi clémentes que leur surface et il vaut la peine de s’y accrocher.

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Ash & Herb: « Ash & Herb »

25 mai 2020

Le duo du Maine Ash & Herb (Ash Brooks et Matt Lajoie) couve un havre de bonheur psyco-délique dans le Nord-Est depuis quelque temps. Sous la marque Flower Room, ils ont accueilli des sorties de Matt et Ash en solo, combinés, méditant comme Starbirthed et entrecoupés de différentescroisements des deux – avec des centres d’intérêt allant du Kosmiche au folk. Lorsqu’ils sont combinés et qu’ils volent sous la bannière de Ash & Herb, les résultats peuvent varier sur le plan stylistique. Leur dernier « single » a fait un tabac sur un principe Cosmic Americana qui a été bien accueilli. Peut-être qu’un jour ils reviendront dans les grâces rainurées de cette vallée particulière, mais pour « Roughin’ It » ils voyagent vers l’extérieur, dans l’éther gazeux qui s’accroche librement à cette Terra Firma.

Le duo a enregistré la majeure partie de l’album en direct dans les espaces de la Nouvelle-Angleterre et cela les montre en train de pousser leurs démangeaisons d’improvisation jusqu’aux confins de l’harmonie de l’espace aérien. L’album commence avec deux morceaux qui bourdonnent d’une énergie tordue – un bourdonnement insistant qui se transforme en regards cosmiques. Ils adoucissent l’approche au fur et à mesure que le disque se fraye un chemin, ne trouvant pas tout à fait de la brise mais s’installant sur un sifflement balancé pour « Mudra of Creation ». La chanson, et en fait le disque dans son ensemble, a une qualité brute. On a l’impression qu’elle oscille entre la foudre du bootleg live et la bonté de la presse privée locale. Le jeu est libre, mais fluide. Le groupe n’a pas tort d’étiqueter certains des nœuds ifaçon Fripp dans leur approche et nous sommes tous au bénéfice de la magie mutable qui se produit sur l’étendue de cette bande.

« Ascension Tea » fait passer les ondes invisibles à travers les petits os du crâne, en faisant résonner les sens et en cherchant à bloquer l’énergie lysergique dont nous avons tous besoin pour passer la journée, la semaine ou le mois à venir. Les sons se glissent dans le sol de notre conscience, nourrissant l’âme d’une dose rafraîchissante de psychédéliques humides et d’un frémissement de zone libre, vital lorsque l’air s’embue avec le sop du printemps. Même si tout cela serait une prime n’importe quel jour, Matt et Ash ne laissent pas le printemps s’écouler uniquement sur cette sortie. En parallèle, ils proposent un nouveau EP de Ash qui est tout à fait à la hauteur des zones traversées ici et une série de sorties aussi. Plus une réserve de croquis d’Herbcraft qui donnent un contexte à « Wot Oz « tout en se tenant bien debout. Consultez le site de l’étiquette et découvrez tout ce qu’ils ont à offrir. Diffusez l’ensemble de l’album ci-dessous avant sa sortie demain.

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Mariana Semkina: « Sleepwalking »

15 mars 2020

Mariana Semkina s’éloigne du son duo, le très acclamé iamthemorning, pour faire flotter son drapeau en solo avec un décor typiquement éthéré de somnambulisme.  Bien sûr, ce n’est pas la première sortie de iamthemorning ; le claviériste Gleb Kolyadin a déjà utilisé la voie du solo comme exutoire pour son jeu remarquable. Pour être juste, il ne faut pas non plus y voir quelque chose d’inédit. En effet, il n’y a pas de concessions aux licornes ; Dieu nous en préserve,-et il est réconfortant de savoir que nous sommes en terrain raisonnablement familier avec une pochette au goût préraphaélite.

Elle a parlé du somnambulisme comme étant « un accomplissement personnel important parce que cela signifie que j’ai réussi à surmonter beaucoup de doutes et d’insécurités ». Cette fragilité que nous connaissons depuis iamthemorning se retrouve dans les chansons qui voient Grigoriy Losenkov fournir l’essentiel du support musical. Son piano, ses touches et ses talents généraux d’arrangeur sont le fondement de l’album, tandis que Mariana jette sa poussière magique par-dessus. Non sans un soupçon des comparaisons avec Tori Amos ou Kate Bush avec lesquelles elle semble destinée à souffrir.

Parmi les musiciens invités, Nick Beggs et Craig Blundell sont de la partie sur « Turn Back Time » et « Skin », offrant un groove profond sur le premier, qui est aussi fort et audacieux qu’un morceau de musique que vous attendez de cette combinaison, tandis que le second s’appuie sur un motif percussif et rampantr, comme on peut en trouver sur le travail solo de Beggs.

Cependant, la piste la plus marquante est peut-être celle où Jordan Rudess de Dream Theater apporte une touche classique et habile à « Still Life ». Il est intéressant d’entendre le contraste entre son accompagnement et celui de Gleb Kolyadin, plus familier, qui n’a que rarement eu l’occasion de s’exprimer dans l’éclat de l’œuvre de Dream Theater.

Une guitare douce et des cordes profondes caractérisent « Ars Longa Vita Brevis », » Lost At Sea » et « Invisible » et elles offrent un contraste avec la délicatesse des paroles. Ce dernier gronde lentement, le sentiment d’un maelström imminent se construisant jusqu’à ce que la menace de la tempête passe. Ce n’est pas toujours le cas lorsqu’elle chante « I will teach you how to be alone » et trouve du réconfort dans la solitude, mais l’injection massive de bravade lui donne une confiance inattendue, reflétée par les cordes écrasantes de « Mermaid Song ».

Elle donne à ses visions une nouvelle direction, sans l’étiquette « Chamber prog ». Le somnambulisme permet à Mariana Semkina de flirter avec de nouveaux domaines tout en conservant le charme qui fait sa carte de visite du mélodrame gothique. N’ayant jamais peur d’exposer son âme, ses espoirs et ses craintes, ses nouvelles chansons sublimes touchent et ouvrent une nouvelle voie.

***1/2