Danier Rossen: You Belong There »

15 avril 2022

Bien qu’il ait accumulé près de 20 ans d’expérience en contribuant à la vision sonore distincte de Grizzly Bear, il est clair que Daniel Rossen se tient désormais debout, avec audace, sur ses deux pieds. Son déménagement de la campagne du nord de l’État de New York vers les hauts plateaux désertiques de Sante Fe est emblématique de la transition de la collaboration vers un processus créatif indépendant. Rossen redéfinit les limites de l’imagination musicale avec son premier LP You Belong There, attendu depuis longtemps et plein de confiance.  

Avec des arrangements acoustiques raffinés d’une véritable intégrité musicale, une colonne vertébrale folk et des harmonies vocales tissées serrées qui renforcent le caractère poignant de l’introspection, l’album entraîne l’auditeur dans un terrier de lapin envoûtant pour le faire ressortir de l’autre côté.

Donnant le ton avec des connotations de transition, « It’s A Passage » offre un voyage planant à travers un blues manouche acoustique désaccordé, et une clarté satisfaisante lorsque les tambours et la voix se mettent en mouvement. Des morceaux tels que le haché et réfléchi « Unpeople Space » et le sucré « The Last One » offrent une intrigue rythmique tout aussi captivante et une qualité sonore nette, sur des harmonies chorales hypnotiques et des arrangements de cordes et de bois captivants.

Alors que le batteur invité Chris Bear (Grizzly Bear) ajoute une profondeur d’excitation à l’album, Rossen – plus connu pour son travail à la guitare – joue de manière impressionnante la grande majorité du matériel instrumental, y compris la contrebasse, le violoncelle et les bois, ces derniers grâce à un processus d’auto-apprentissage pendant la conception de l’album.

Ce sont peut-être les inclusions moins nombreuses qui élargissent vraiment l’univers sonore du disque, comme en témoignent la réaffirmation et l’effondrement musical de la chanson titre « You Belong There », la guitare espagnole triste et la magnifique mélancolie vocale de « Celia » et le psychédélisme folk trompeur de la complainte « Keeper and Kin ».

Bien qu’il s’agisse d’un ensemble d’œuvres qui s’affirment d’une manière magistrale, l’album « Repeat The Pattern » pourrait bien être le moment décisif de « You Belong There » ; son intention pensive et quasi-mystique représente l’odyssée sonore artisanale de Rossen qui boucle la boucle, tout en laissant un espace ouvert pour le prochain voyage de l’artisan qu’il sait être.

***


Alabaster DePlume: « Gold »

11 avril 2022

Au début de l’année 2020, Alabaster DePlume a publié To Cy & Lee : Instrumentals Vol. 1, une belle collection qui a fait découvrir à beaucoup le style de composition brumeux de DePlume et son jeu de saxophone alto tremblant. La différence majeure de ce nouveau double album, Gold, est que la voix de DePlume occupe une place prépondérante sur plus de la moitié de ces 19 titres. Il faut un peu de temps pour s’habituer à son style vocal, à la fois parlé et mystique, qui ressemble à la 3D de Massive Attack dans une fête foraine. À l’instar de la voix de DePlume, Gold n’a pas à rougir de son exécution décousue et ouverte à tous les canaux. L’ambiance est facilement résumée dans le sous-titre de l’album, Go Forward In The Courage Of Your Love, qui provient d’un poème que DePlume récite en direct au début de « Fucking Let Them », et qu’il répète sur « Again » et « Broken Like ».

Gold serpente pendant plus d’une heure, ses morceaux variant en longueur de 90 secondes (« Visitors XT8B – Oak ») à sept minutes (« Now (Pink Triangle, Blue Valley) »). Les notes de pochette font état de 22 musiciens, dont le batteur Tom Skinner (Sons of Kemet, The Smile), ainsi que des guitares, des basses, des synthés, des cordes, des cuivres et de nombreuses voix féminines. Par moments, la musique s’approche du reggae défoncé et tapageur (« The World Is Mine »), du jazz-folk dépouillé (« I’m Gonna Say Seven ») et de l’électro-dub ondulante (« Do You Know A Human Being When You See One ? »).

Cependant, Gold est au plus beau et le plus attachant lorsque DePlume s’abstient de faire de la poésie rythmique et laisse la musique s’étirer et parler. Le premier titre, « A Gentle Acaba (Vento Em Rosa) », fait entrer l’auditeur dans le monde sonore brumeux de l’album grâce à une combinaison sans rythme de basse, d’harmonies vocales fredonnées et de saxophone. Cette palette simple mais efficace est revisitée sur « The Sound Of My Feet On This Earth Is A Song To Your Spirit » avec un violoncelle à archet supplémentaire. « Now (Stars Are Lit) » est un instrumental fantomatique et cosmique propulsé par une batterie clairsemée, des voix aigües et des synthés et violoncelles ondulants. « Visitors YT15 – Krupp Steel Condition Pivot » fait appel à des chuchotements vocaux et à des cordes bourdonnantes et lugubres pour un effet magnifique. Et le dernier morceau « Now (Pink Triangle, Blue Valley) » se déploie patiemment autour de strums de guitare électrique d’influence post-rock. 

Étant donné que la voix de DePlume est une saveur si forte, l’attrait de Gold dépendra sans doute de votre goût. Je la trouve très bien à petites doses, mais dominante sur un double album. Il y a de la bonne musique ici si vous avez la patience de choisir les meilleurs morceaux.

***1/2


Great Lakes: « Contenders »

2 avril 2022

Avec son septième album, Contenders, le groupe américain Great Lakes crée un mariage entre un son infectieux et des mots évocateurs qui captive tout simplement. Ce n’est peut-être pas une surprise pour les fans du projet créé et dirigé par Ben Crum, mais la nouvelle offre a une certaine fertilité dans son corps et une tentation qui, plus que n’importe laquelle de leurs sorties précédentes, nous a séduits.

Le nouvel opus du combo est une fusion d’Americana et de rock psychédélique avec des essences de folk rock dans sa vibrante collection de chansons. Sur cet album, Crum, basé à Stone Ridge, NY, est rejoint par ses collaborateurs de longue date, Kevin Shea (batterie) et Suzanne Nienaber (voix), ainsi que par une foule d’invités, une équipe de musiciens adroits qui créent un paysage sonore tout aussi inventif et agile.

« Eclipse This » donne le coup d’envoi de l’album. La chanson, qui met en vedette Louis Schefano à la batterie, attire immédiatement l’attention par sa balade rythmique réfléchie à travers un climat de guitare floue enrobée de psych rock, au milieu d’une brume sonore. C’est une proposition instinctivement atmosphérique et évocatrice que les voix et les pensées de Crum intensifient avec puissance.

Bien qu’il s’agisse d’une chanson à part entière, ce titre est aussi une introduction et un fil conducteur au cœur de l’album, le suivant, « Way Beyond the Blue », émergeant de cette intrigue, avec son propre reflet émotionnel, mais beaucoup plus vif et lumineux. Une fois de plus, les guitares tissent une proposition provocante que les tons combinés de Crum et Nienaber illuminent, la chanson est une rencontre brève mais fascinante avec une présence et une riche persuasion offertes de la même manière par son successeur, « Easy When You Know How ». A, elle aussi, un souffle radieux, mais comme le titre d’ouverture, elle marche dans l’ombre et dans les coins plus intenses de son aventure nourrie de psych rock et de culture indie rock. Une fois de plus, la contagion inhérente au son et à l’écriture des chansons des Grands Lacs manipule les oreilles et les hanches, mettant en lumière la rumination des paroles.

« Comme Baby’s Breath » emprunte la dynamique d’une déambulation vive teintée d’Americana et « I’m Not Listening » manipulé la même chose avec son similairement coloré et rythmique mouvementé, il est juste de dire que ce Contenders exerce une emprise plus serrée sur notre attention, le deuxième de la liste étant un de nos favoris.

Une autre a été trouvée avec eBorn Freese et sa balade imprégnée de rock ‘n’ roll des années 50 et sa virulence pop des années 60, les touches de piano de Petter Folkedal et la voix de Ray Rizzo ajoutant à son charme chaleureux, ce dernier ayant également orné la chanson suivante Last Night’s Smoke qui partageait son infection pop rock indie avec une entreprise de guitare nerveuse et une chaleur floue autour d’une contemplation vocale teintée d’anxiété. Les deux chansons ont facilement tenu les oreilles en place avant que Wave Fighter ne caresse les sens avec son élégante ballade surfée menée par la voix captivante de Nienaber, ses tons radieux enveloppés dans l’étreinte du synthétiseur de David Gould, qui est invité sur une poignée de titres de l’album.

Les deux derniers titres, « Broken Even » et » Your Eyes are Xs », ont permis à l’album de se terminer aussi bien qu’il avait commencé, le premier étant une incitation à l’écoute et à l’imagination dans un mélange de styles variés et savoureux, le second explorant un autre royaume d’intimité atmosphérique et d’ombres. De ce début fascinant, bien qu’agité, émerge un croonage tout aussi évocateur dans un tunnel de son caligineux, une exploration psych rock fuzzée qui prend notre choix de chanson préférée à la dernière minute.

Bien qu’il ait retenu l’attention et le plaisir avec facilité, ce sont les écoutes suivantes qui ont permis à Contenders de nous captiver et de nous inciter à vous dire qu’il faut vraiment l’explorer.

***1/2


Emily Jane White: « Alluvion »

1 avril 2022

Nous nous concentrons, de temps à autre,sur la musique dite « lourde ». Mais « heavy » n’est pas toujours synonyme de batterie double kick à grande vitesse, de guitares foudroyantes et de cris primitifs. Parfois, « Heavy » peut être un état émotionnel. Le sujet peut également être « lourd » et c’est le type de lourd qu’Emily Jane White apporte à la table dans son dernier projet artistique.

Le dictionnaire définit l’alluvion comme « le lavage ou l’écoulement de l’eau contre un rivage » ou « une accession à la terre par l’ajout graduel de matière (comme par le dépôt d’alluvions) qui appartient ensuite au propriétaire de la terre à laquelle elle est ajoutée ». Ce mot est un titre parfait et une description appropriée du dernier album d’Emily Jane White.

La musique vous submerge doucement et naturellement, mais avec toute l’intention d’une vague océanique. Enraciné dans un moment de catastrophe, Alluvion est un album sur le deuil personnel et collectif résultant de la perte de vies humaines et de la perte continue de notre monde naturel. Le chagrin se déplace par vagues et cycles, et à travers son inondation nous pouvons construire à nouveau.

Produit et arrangé par le multi-instrumentiste Anton Patzner (Foxtails Brigade, Bright Eyez), Alluvion a été écrit et enregistré au plus fort de la pandémie. Bien que la batterie de Nick Ott et les guitares de John Courage aient été enregistrées dans des studios en présence de toutes les parties, la plupart des instruments ont été enregistrés alors qu’Emily et Anton se trouvaient dans des endroits différents. Malgré la nécessité d’une distanciation sociale, ils ont réussi à développer un flux de travail cohérent en utilisant des méthodes à distance, liant l’enregistrement à l’intimité de la voix d’Emily, à la superposition méticuleuse des arrangements d’Anton et à un mixage exceptionnel d’Alex DeGroot.

Le premier titre et « single » « Show me the War » est palpitant et rêveur. Les guitares en écho et les synthétiseurs entraînants mélangent les tonalités du gothique des années 80 avec le groove et l’ambiance du trip-hop. Pensez à Portishead qui rencontre Siouxsie and the Banshees.

« Crepuscule » offre encore plus d’une vibration gothique des années 80. Le morceau se déroule de manière organique, avec la voix éthérée d’Emily qui le surplombe doucement. Sur le titre « Heresy », l’album prend une tournure un peu plus sombre. Nous entendons beaucoup des mêmes paysages sonores rêveurs et fantaisistes, mais avec un ton plus sombre.

« Poisoned », lui, offe une ambiance beaucoup plus folklorique que les compositions précédentes. On y trouve même un peu de country et on oserait même dire une influence rockabilly. Sur « Body Against the Gun », la voix mélodique et envoûtante de White s’ouvre sur une subtile accumulation de synthétiseurs et de tambours qui explosent en un refrain scandé. Beaucoup de refrains sur ce disque ont un aspect presque rock d’arène. Des percussions très simples et dépouillées, le type de rythmes sur lesquels un stade plein de gens pourrait taper du pied et applaudir.

« The Hands Above Me » rappelle beaucoup d’artistes gothiques. Cette chanson se vante également d’avoir des mélodies incroyablement magnifiques et superposées pendant le refrain. « Mute Swan » est construit sur une base de rythmes synthétiques ondulants qui se glissent furtivement sous les mélodies vastes et sinistres d’Emily Jane White, tandis que « Hold Them Alive » revient aux percussions minimales et aux mélodies de piano clairsemées qui aident à porter sa voix douce mais puissante. « Hollow Hearth » réunit, quant à lui, des harmonies chorales et un piano mélancolique avant de vous entraîner dans un autre gigantesque refrain digne d’un stade.

«  I Spent the Years Frozen » offre probablement le plus grand changement de rythme jusqu’à présent sur le disque. Un rythme entraînant avec des éléments symphoniques, on retrouve toujours les styles vocaux caractéristiques d’Emily et son vaste refrain, mais l’ambiance de la chanson est très confiante, optimiste et, osons le dire,… victorieuse triomphante. La section breakdown avec les voix superposées de la chanteuse a’capella est magistrale, tout comme le retour à l’ambiance confiante et victorieuse de la chanson.

Et enfin, le titre « Battle Call » clôt l’album. La force est l’ambiance générale que j’ai ressentie dans cette chanson. Dépouillée et entraînante, elle ramène l’album à son point de départ avec « Show me the War » : « Tu es revenu de la guerre en rampant / La violence lave le rivage / Le passé est une cicatrice présente / Embodiment te connaissait avant » (You crawled your way back from the war / Violence washes the shore / Holding the past a present scar / Embodiment knew you before).

Ce morceau est la conclusion parfaite de cet ensemble de musique. En plus d’arborer cette sensation de générique de fin elle nous a donné envie de recommencer l’album et nous montre ainsique sa guerre mène maintenant à un nouvel appel au combat.

À ce stade, on ne peut qu’être séduit par l’esthétique éthérée, sombre, rêveuse et profondement authentique de White. Si vous êtes à la recherche de musique lourde ou heavy d’un genre différent, nous vous recommandons vivement d’écouter attentivement ce disque.

****


Richard Dawson & Circle: « Henki »

26 novembre 2021

Ne jamais rencontrer ses héros, dit le vieil adage, et pour ceux qui ont rencontré des idoles musicales ou autres, il peut certainement y avoir du vrai dans ce cliché.

Mais Richard Dawson, l’un des rares musiciens folk britanniques qui semble réellement aimer les plus anciennes traditions folkloriques de l’île, plutôt que d’écrire des chansons rock avec un banjo, offre une réfutation de cette affirmation sur son septième album studio. L’album est une collaboration avec Circle, un groupe de post-rock finlandais éclectique et expérimental dont Dawson a dit un jour qu’il était son préféré de tous les temps. « C’était comme si j’étais un adolescent et qu’on me demandait soudainement de monter sur scène avec Iron Maiden », a-t-il dit, à propos de la première fois où ils l’ont invité à se produire avec eux. C’est dire à quel point ce groupe est important pour lui

Les deux projets – le premier, un one-man-show d’un Geordie (habitant du Nord-Est de l’Angleterre) qui utilise son style vocal animé pour chanter des chansons dont l’action se déroule dans les centres d’exécution d’Amazon et au 400e siècle, et l’autre, un groupe finlandais de six musiciens ayant 32 albums à leur actif – semblent être une association improbable, mais le fait que leurs styles se complètent si bien ne devrait pas être une surprise. Bien que la joie de Dawson soit principalement lyrique et celle de Circle largement instrumentale, les deux ont une histoire commune de créativité et de réinvention sans relâche. Aucune chanson de Dawson ne se ressemble, et ses sujets vont du meurtre au jogging. Circle, quant à lui, a tâté de l’ambient, du jazz, du krautrock et du métal au cours de ses trois décennies d’existence, et relève le défi de complimenter un chanteur aussi loquace sur Henki.

Tout comme Dawson est manifestement ravi d’avoir pu enregistrer avec Circle, l’album donne l’impression d’être un cadeau offert à l’auditeur à l’approche de Noël. Il y a tellement de choses à déballer ici. C’est une œuvre tentaculaire, la chanson la plus courte étant de six minutes, la plus longue de plus de douze. Sur le plan lyrique, Dawson est en pleine forme. Tout comme son album Peasant en 2017, où toutes les histoires se déroulaient entre 400 et 600 ans, Henki reprend un thème : la flore et la faune. Il y a un air livré du point de vue d’une graine vieille de 32 000 ans gelée dans le permafrost, et d’autres d’explorateurs et d’herbologues moins connus. Si cela semble sec, ce n’est pas le cas. Dawson ne semble pas se préoccuper des tropes thématiques de 90% des chansons, ce qui signifie que les paroles sur la chercheuse en plantes vasculaires Isobel Cookson sur l’ouverture « Cooksonia » sont délivrées avec la même énergie qu’Ariana Grande chante sur un ex. « J’ai réussi à étudier à l’université de Melbourne ! » affirme ainsi Dawson à la fin d’un des couplets de la chanson.

Aussi captivantes que soient les histoires de ces chansons, Circle n’est en aucun cas un simple accompagnateur sur ce disque. « Ivy », un riff psychédélique sur divers mythes grecs, est orné de chœurs hargneux et de guitares propulsives à la manière d’aucune chanson de Richard Dawson avant elle. La chanson « Pitcher », qui clôt l’album, est un morceau krautrockien qui comporte même des chants d’opéra de la part du chanteur du groupe, Jussi Lehtisalo ; lui et Dawson sont perdus dans l’œil d’une tempête qui semble remonter jusqu’à la fin de la chanson. Les meilleurs morceaux les montrent tous les deux au sommet de leur art, comme sur l’épique « Siliphium », qui raconte l’histoire de la plante du même nom, sur laquelle la ville romaine de Cyrène a construit un empire, mais qui comporte également un interlude instrumental prolongé, qui montre Circle au meilleur de sa forme. Vous n’avez pas rencontré vos héros ? Peut-être. Mais faire un album avec eux ? On ne peut pas se tromper.

***1/2


Martha Tilston: « The Tape »

5 novembre 2021

Tilston enregistre une bande sonore qui fonctionne bien en tant que telle, mais qu’il vaut mieux apprécier avec le film qui l’accompagne pour en capter toute la beauté.

Martha Tilston est une menaçante à quatre titres : elle écrit, joue, réalise et crée la bande sonore de son premier film, The Tape. Ce film aconte l’histoire d’un auteur-compositeur-interprète qui s’est installé en Cornouailles et qui enregistre une cassette qui, lorsqu’elle est écoutée par d’autres personnages, les pousse à changer leur vie.  La bande sonore du film a été enregistrée au piano sur le plateau du film pendant sa production.  Tilston crée de la musique depuis 2000 dans un groupe (Mouse) et en solo/avec son propre groupe depuis 2002.  Elle a un fort héritage musical (Steve Tilston est son père et feu Maggie Boyle, une musicienne folk, était sa belle-mère) et a combiné son amour de la musique avec la réalisation de films pour faire cette lettre d’amour à la Cornouailles.

L’album est une belle collection de chansons bien conçues qui transportent l’auditeur dans un espace contemplatif où il peut explorer son lien avec les autres et l’environnement.  Tilston note qu’elle espère que les gens se sentent émus en regardant son film (et en écoutant la bande sonore) – « s’ils sortent ensuite et s’assoient dos à un arbre couvert de mousse, s’ils se tiennent sur les rochers et crient à la mer, s’ils écrivent ce livre, chantent cette chanson, embrassent la personne qu’ils aiment, cela en aura valu la peine ».  Le retour de Tilston en Cornouailles et la réalisation de ce film sont une ode au monde naturel, à notre lien avec lui et à la nécessité d’en prendre soin.  Les chansons sont des hommages pleins d’espoir et la musique au piano suscite une réponse émotionnelle, car les motifs apparemment simples et répétés accrochent l’auditeur à l’histoire qu’elle raconte.

La voix de Tilston est claire, honnête et émotive et ses paroles sont incisives et résonnent à chaque écoute. La musique est basée sur le piano, avec un peu de violon et de guitare acoustique qui se mêlent à la musique pour permettre à la voix d’attirer l’attention de l’auditeur.  Tilston chante à propos du personnage qui veut « être l’été dans ta peau.  Tout ce que tu as à faire est d’expirer et d’inspirer »  Sur « Bigger Bridges », elle chante « Tu n’es qu’un chapitre de l’histoire qui continuera longtemps après toi » (You are just a chapter in the story that will go on long long long after you ). Àcet égard, elle a créé un album qui mérite d’être entendu aussi largement que possible et dont la musique restera avec vous longtemps après que vous l’ayez entendu pour la première fois.

***1/2


Richard Brisbois: « Anytime You Think of Her »

31 octobre 2021

Sur son premier album solo, Brisbois, originaire de Seattle, abandonne les guitares explosives de son groupe roots-rock des années 90, 4 Ft. Ramona pour quelque chose de nettement plus feutré. Dans sa biographie, Brisbois compare sa musique à celle de Wilco et de R.E.M., et on peut effectivement déceler des traces de Jeff Tweedy dans son timbre bucolique et rassurant, tandis que les titres « A Better Animal », teinté de mandoline, et « Take Me to the Sun », doux et tordant, évoquent respectivement « The Wrong Child » et « E-Bow the Letter », de R.E.M.

En outre, vous entendrez aussi Neil Halstead et Grant McLennan sur les beautés de Low/East River Pipe « Not Her » et « I Feel Alright ». Qu’il réimagine l’un des sonnets les plus célèbres de William Shakespeare en une ballade fantomatique aux accents de western spaghetti (« Sonnet 18 »), ou qu’il se remémore une ancienne flamme avec la voix angélique de Chelsea Carothers (le duo séduisant « Perfect Black Dress »), le folk compatissant de Brisbois est source d’apaisement.

***


The Meadows: « Deamless Days »

9 septembre 2021

Le sinueux Dreamless Days de The Meadows est l’oiseau rare d’un album qui voltige avec une beauté de papillon, une grâce et une magie mélodique profonde. Avec leurs propres chansons, ils parviennent à plonger profondément dans l’histoire mystique du Pays de Galles, tout en évitant habilement toute sérénité superficielle new age. Dreamless Day s’équilibre ainsi sur une douce corde raide folklorique au-dessus d’une rivière de tradition folk profonde. Et, on y trouve une âme de musique de chambre presque classique.

« Lullaby » donne le ton. Titania Meadow (c’est une affaire de famille !) chante avec une pure beauté, tandis qu’un piano et un violon ajoutent une sagesse âgée à la mélodie. C’est une musique très précieuse, mais une fois de plus, elle a la lourde et lente profondeur (pour puiser dans la mythologie galloise !) d’une prophétie de Taliesin, qui, soit dit en passant, prédisait que ce seraientt Cadwaladr et Cynan, et non Arthur, qui reviendraient pour sauver la Grande-Bretagne de ces méchants Saxons !

En effet, et pour votre information, les autres membres des Meadows (tous originaires du Carmarthenshire, dans le sud-ouest du Pays de Galles !) sont Melody, Fantasia et Harvey – ils jouent tous du piano, de la flûte, de la flûte à bec, du violon, de la guitare, du bodhran, et ils chantent tous. Non seulement cela, mais selon leur bio, Melody est aussi une « cuisinière passionnée ».

Ceci étant dit, »’Elusive Beauty » va continuer avec sa pulsation à plusieurs voix, encadrée par un piano. Puis un violon caresse la mélodie. D’une certaine manière, cela rappelle Kate Bush dans ses moments les plus intimes, Sally Oldfield sur son brillant album Waterbearer, et pour être plus ésotérique, la musique mystique de Fiona Joyce. Mais en réalité, la chanson est une version moderne du thème de l’Ode On A Grecian Urn de John Keats et avec sa folle poursuite de ces mélodies inouïes ». Oui, cet album est éhontément palpable dans sa quête voulue. Comme l’a écrit John Keats, « La beauté est la vérité, la vérité la beauté » (Beauty is truth, truth beauty).

Cet album est la bande-son de ce conte de fées dans lequel Raiponce peut déposer ses cheveux d’or ; on y touve pourtant aussi de la musique folklorique galloise. L’up-tempo « Merlin’s Oak And Other Tales » est une ancienne mélodie forestière qui chante avec le mystère des agroglyphes et qui a un refrain irrésistible (presque poppy !) pour démarrer !  Et « Castell Dryslwyn » est encore une fois un instrumental vivant à voix haute, avec une belle conversation entre flûte et violon, presque classique dans sa perfection, et qui touche à la pureté folk des Chieftains d’Irlande ou des Whistlebinkies d’Ecosse. Et, il est question, ici, d’un grand éloge qui est prononcé.

Ensuite, il y a une passion plus sereine, ponctuée de piano. « The Dried White Rose » laisse tranquillement entrevoir une émotion en forme de lame de rasoir. La chanson titre, « Dreamless Days », est à nouveau douce, mélodique et remplie de contemplation mélodique de fin de soirée ; elle est auréolée de ce violon et de cette flûte qui flottent au-dessus de la mélodie avec des ailes de pathos sympathique. « There’s You » poursuit, de son côté, cette beauté pure et évoque les voix de plusieurs fantômes versés dans la triste sagesse celtique tandis que « Gelli Aur » » accélère le rythme avec un autre instrumental pour tout le groupe (avec des percussions de bodhran !) qui est une merveilleuse juxtaposition à l’introspection précédente.

Et puis il y a « Dream You Into Life », qui capture l’éthique complexe de cet album : c‘est une chanson d’amour un peu évidente, avec une mélodie magnifique ; pourtant, la chanson est une profonde contemplation de la réalité – qui est le thème primordial de tout l’album. Oui, c’est une musique éphémère qui est profondément riche en questions mineures sur l’existence humaine.

Les dernières compositions poursuivent cette passion tranquille. « Spin A Dream » éclate lentement avec une félicité instrumentale et se rapproche d’une vibration orientale. Ensuite, une brève épopée, « The Tide » sera dramatique et pulsera sa passion, tandis qu’une fois de plus, la flûte et le violon s’élèvent avec un plaisir plein d’espoir au-dessus d’un rivage émotionnel pierreux qui connaît toujours la certitude que « vous ne pouvez pas arrêter la force de la marée » (you can’t stop the force of the tide).

En effet, comme l’a écrit John Keats, « Et, mélodiste heureux, infatigable, /Pour toujours pipant des chansons toujours nouvelles » (And, happy melodist, unwearied, /Forever piping songs forever new, Dreamless Days est une œuvre d’une beauté insaisissable », riche comme un conte de Grimm aux cheveux en cascade, qui, d’une manière très dorée, invite, heureusement, une fable ancienne dans un monde très moderne et très folky.

****


Gozer Goodspeed: « Ghosts of the Future & Past »

17 juillet 2021

Voici, à première vue (ou écoute), une collection étrange du troubadour blues-folk de Plymouth, Gozer Goodspeed, mais ce n’est pas un artiste à prendre au pied de la lettre. Ayant récemment signé sur le label Lights & Lines, un album composé d’anciens titres remixés, d’enregistrements rares et de quelques nouveautés a été rassemblé sous le titre de Ghosts of the Future & Past et constitue une excellente plate-forme de départ pour les non-initiés. 

S’ouvrant sur le rythme envoûtant de « Gambler’s Last Day « , Goodspeed présente son style roots, influencé par l’Americana et agrémenté de paroles qui racontent des histoires, d’une guitare qui gronde et d’un rythme traînant. Charlatans and Hypnotists  » est un morceau entièrement nouveau qui sonne comme si Frank Turner fournissait une guitare d’accompagnement à un flux de conscience de Tim Booth avec une énergie qui démange. Le morceau favori « Rattlebone Colour » est toujours aussi contagieux, tandis que « Man With the Ruined Knee » transporte toujours l’auditeur dans une réserve amérindienne, dans les heures calmes de la nuit, avant que l’aube ne fasse son apparition. 

On trouve dix-sept morceaux sur cette collection et chacun d’entre eux est conçu avec un soin délicat et une passion égale, un fait confirmé par la complexité de « Barrel Headlong into the Night » » qui se déploie comme un jam de l’ère Joshua Tree de U2. « What You Got Going On, Lewis ? » et « The Blueman and the Headshrinker » sont deux des meilleurs exemples d’écriture de chansons basées sur le blues que et seront, à ce titre, des acrées compositions. La guitare profonde, riche et tourbillonnante de « Impossible to Pick Up » fonctionne parfaitement pour une chanson sur l’intangibilité du chagrin, avant que « Survivor by Habit » » ne reprenne la piste de l’Americana avec des éléments des Black Crowes et des Indigo Girls.

La voix de Goodspeed prendra un tour crépusculaire et poussiéreux sur « The Key Broke Off Clean In The Lock » », une chanson qui est la bande-son parfaite d’une nuit passée sous les escaliers à s’émerveiller de la taille de tout cela. La progression de l’artiste solo au capitaine du navire sur « ‘Running with the Outliers » sera, elle, brillante à entendre, alors que le groupe de frères de Goodspeed, les Neon Gamblers, se joignent à eux pour une fête complète, un thème qui se poursuit sur « Pumas and Neon Signs », plus calme. « We never talk about the time you found God on the King Point Marina » est la ligne d’ouverture de « King Point Marina », une référence au point de repère bien connu de Plymouth, pourrait, de son côté, facilement être une complainte de Dylan. 

Le côté diabolique de Goodspeed transparaît sur « Rebuilt and Remade », où il vous raconte les secrets du monde tout en faisant tourner paresseusement sa fidèle guitare acoustique. « The Killjoy Bulletin » est un enregistrement live (l’espace que Goodspeed habite le plus naturellement) d’un morceau très bluesy sur le désir de se déconnecter du réseau électrique, avant de nous offrir une fenêtre sur ce qui est à venir sur l’inédit « Now’s Not The Time To Lay Low » – les choses se présentent bien, d’ailleurs. L’album se termine là où il a commencé (en quelque sorte) avec un remix de « Gambler’s Last Day » par Chris Love, des Whistlewood Studios de plus en plus célèbres, avec une dose supplémentaire d’orgue et de marécage. 

Gozer Goodspeed a déjà amassé un back catalogue incroyablement diversifié, authentique et impressionnant dans lequel je vous invite à plonger et à vous rouler comme un gagnant du loto sur un lit de billets de 20 £. Cependant, l’histoire est loin d’être terminée avec un nouvel album de matériel frais prévu pour 2022 et un retour sur la scène après un hiatus imposé par une pandémie. Prêt à monter à bord ? Vous feriez mieux de l’être, ce train est en route pour la gloire.

***1/2


Lunatraktors: « The Missing Star »

28 avril 2021

Les notes de pochette du disque des Lunatraktors exposent clairement la situation.The Missing Star « est un « rapport sur le triste état des îles britanniques, sous la règle oppressive des voleurs et des menteurs pendant de nombreux âges, et dernièrement sous l’influence d’imbéciles méprisants de gauche et de droite, tous deux méritant d’être oubliés ».

Le morceau d’ouverture « Rigs of the Time » reprend intelligemment la chanson traditionnelle, mais actualise les paroles pour y inclure des mentions du Brexit, de Facebook et même de Covid-19. C’est une critique puissante du gouvernement actuel. Et ça marche. Ce qui est inquiétant, c’est que le sujet souligne que peu de choses ont changé depuis le début des années 1800, lorsque « Rigs of the Times » a été écrit pour la première fois. Il s’agit d’une réécriture prémonitoire, livrée avec une rage claire et percutante par Carli Jefferson et Clair Le Couteur.

Il y a un élément de théâtre inhérent à Lunatraktors, avec des nuances de cabaret, de punk et même un peu de Punch-and-Judy / Music Hall dans leur performance.  Les percussions à main, les sabots, le mélodica et l’harmonium occupent une place importante dans cet enregistrement qui se joue des attentes et entraîne l’auditeur sur des chemins intrigants et inattendus.

Malgré le sérieux inhérent à l’album, il y a aussi plusieurs touches curieuses et amusantes. Le doux drone de « My Witch » a été inspiré par l’expérience de fredonner sur une brosse à dents Sonicare. C’est une interprétation sinistre d’un verset de Nicholas Breton et un petit morceau tout à fait mélancolique. En outre, toutes les chansons ne sont pas traditionnelles. Leonard Cohen est présent ici, avec une reprise efficace de « Lover, Lover, Lover », agrémentée d’un bel arrangement de cordes par Geoffrey Richardson.

Le producteur Julian Whitfield joue de la contrebasse sur « Unquiet Grave », un morceau qui adapte deux chansons traditionnelles pour en faire un commentaire acerbe sur la politique d’austérité des conservateurs. La colère est palpable, et elle est méritée. On peut entendre cette même colère dans « The Exciseman », une interprétation de la ballade anglaise. Il s’agit d’une interprétation sombrement ludique et satirique, qui mérite d’être vue en concert.

« Mirie It Is (Anemoi » adaptera ce titre du début des années 1200 dans un bref morceau qui joue avec le chant choral avant de se diriger vers un instrumental plutôt abstrait et délibérément troublant. C’est une combinaison efficace. « Drone Code «  est un autre instrumental, conçu pour un synthé analogique et chantant de Korg Monologue. C’est un petit morceau hypnotique qui permet de faire le vide entre la chanson-titre et la douce « The Keening ». Ce dernier est une chanson de deuil magnifiquement interprétée et elle démontre une fois de plus la connaissance et le respect de Lunatraktors pour le processus et le développement de la chanson traditionnelle. « The Blacksmith » » est une interprétation tout à fait sincère de la chanson traditionnelle. ; elle est simplement, et efficacement, interprétée uniquement par les voix de Carli et Clair et fonctionne incroyablement bien. On peut dire la même chose du morceau le plus proche «  Ecclesiastes 1.1-18 » » une conclusion fascinante, obsédante et stimulante pour un album tout aussi stimulant.

Le titre « The Missing Sta »’ est certainement le morceau le plus formidable et le plus furieux. Une chanson de protestation adaptée des discours du parti conservateur et du Brexit de 2020, dont le message est délivré avec une juste fureur par le duo. Les mots placés dans ce contexte renforcent le contenu dérangeant des messages originaux.

The Missing Star, parfois, n’est pas facile à écouter. Enregistré avant les récentes révélations concernant des figures centrales de notre gouvernement, il est exaspérant de constater que peu de choses ont changé. Mais il y a aussi de la beauté ici, et c’est un enregistrement qui restera dans vos pensées. Un commentaire puissant sur la politique de notre époque, il mérite une écoute plus large, et pour ma part, j’aimerais beaucoup le voir joué en direct. Un enregistrement qui tombe à pic. Nous avons bien besoin de cela.

****