Peter Broderick & David Allred: « What the Fog »

28 février 2021

What the Fog est la deuxième sortie de la collaboration entre David Allred et Peter Broderick. Les compositions de cette sortie de 45 minutes du label Dauw sont extraites d’une bande-son d’un documentaire de 11 heures intitulé #monalisa qui montre une journée dans la vie du Louvre à Paris alors que les gens s’engagent dans l’art, la foule et la technologie – et dans cet ordre. Le film semble être un équilibre entre la reconnaissance de la déconnexion qui existe entre ceux qui font de l’art dans un espace commercial – une déconnexion qui semble encore plus exaspérée lorsque la technologie ajoute une autre couche de suppression. Mais c’est aussi une reconnaissance de ces moments de tranquillité et de partage de la connexion humaine à cause, et parfois en dépit de l’art, qui semble donner à l’espace sa signification. Musicalement, Allred et Broderick sont à la hauteur de la tâche d’élever le niveau narratif et émotionnel de cette expérience vécue.

What the Fog commence par une fin. Une fin presque lugubre, d’ailleurs. Là où le film semble être une bonne ouverture, nous faisant lentement entrer dans son monde, la musique semble être un outro tout aussi bien. « The Foghorn » s’ouvre avec de l’éther numérique, puis une trompette entre, jouant en quelque sorte comme un adieu militaire. Il y a une sorte de lamentation sur ces premières notes. Lentement, des vagues de distorsion ondulent sous le tout, laissant la mélodie de la trompette s’éloigner. Mais, lorsque le piano entre, un calme invitant et une réflexion commencent à s’installer. Et lorsque la trompette rejoint le piano, cette fois-ci, le morceau semble plus rudimentaire.

Le deuxième morceau, « Cloud Clearing », est lumineux et bref. L’œuvre de Broderick au piano nous invite à rester un peu plus loin dans ce lieu de calme.

« Stasis Oasis » sonne comme son titre – ornière et bûcheron. Mais ce contraste avec le morceau 2 montre comment Allred et Broderick peuvent rapidement frapper au cœur d’un moment et immerger l’auditeur. La pièce met en évidence une tension entre l’optimisme et la défaite.

« Sky Swamp » onduleta avec de lents coups de piano, sur une brume d’électronique éthérée. Les accords du piano jouent au ralenti, créant un suspense tout au long de la pièce – comme un métronome émotionnel, mesurant le sentiment à quelques bpm. Les synthés fleurissent au-dessus, comme s’ils attendaient que le signal se décale ou s’affaiblisse.

«  Crystal Flower » reviendra à certaines des tonalités de « Oasis Stasis ». Finalement, des traînées de vapeur de trompette flottent en arrière-plan tandis que des sons de science-fiction défilent – faisant presque allusion à la dynamique dystopique d’une foule immergée dans la technologie personnelle plutôt que dans l’art communautaire. Sur le plan sonore, l’œuvre semble être une nouvelle couche de la composition globale. Et la trompette, autrefois triste, semble plus vivante, presque prête à se transformer, mais elle est enfouie dans le fond comme si elle essayait de se frayer un chemin à travers le mirage de la déchéance technologique.

« Deep Dark » est aussi sombre qu’il y paraît. Profondément dans l’obscurité, avec à peine une lueur de lumière. On a l’impression qu’elle se consume presque entièrement.

« Shadow Diver » s’ouvrira dans un bain de distorsion circulant. Alors que le piano et la trompette entrent, l’espoir revient. Mais il avance lentement comme s’il était épuisé par tout ce qui l’a précédé. Les percussions entrent, s’installant dans un sillon – mais c’est un sillon hanté qui donne un sentiment de progrès face à l’épuisement.

Plus proche, « Outer Lands », avec de lentes nappes de synthés, l’album n’a jamais peur de jouer et de taquiner les tropes de science-fiction. Mais au fur et à mesure qu’il se déploie, il se transforme en une pièce au piano. Et à la fin, il n’y a rien d’autre qu’un piano solitaire pour mettre fin aux choses. C’est un album doux-amer – avec un espoir prudent mais en quelque sorte épuisé par le voyage.

Au total, What the Fog dure environ 45 minutes – un instantané du film dans son ensemble. Mais comme il s’agit d’un récit contenu en lui-même, il raconte une histoire complète avec un début, un milieu et une fin. C’est un voyage évocateur avec des couches qui inciteront l’auditeur à revenir, probablement plus immergé à chaque retour.

***1/2


Vargkvint: « Hav Reimagined »

7 février 2021

S’inspirant des océans, des forêts et du folklore, Vargkvint est le projet musical de l’artiste Sofia Nystrand, basée à Stockholm. Après la sortie de son premier EP Brus en 2016, il a été repris pour une réédition l’année suivante, suivi de son premier LP, l’album concept Hav, publié sur des disques vinyles en édition limitée. Combinant des mélodies évocatrices et une approche ludique de l’arrangement et de l’utilisation des instruments, la musique de Vargkvint s’inscrit parfaitement dans les définitions de la musique folk, classique contemporaine, pop et expérimentale, et elle a effectué à plusieurs reprises des tournées internationales, se produisant sur des scènes telles que le Q3Ambientfest à Potsdam, en Allemagne. Aujourd’hui, nous avonsll’occasion de passer en revue Hav Reimagined, une collection de reprises mettant en vedette un ensemble de collaborateurs et publiée, en janvier, par piano and coffee records.

Hav Reimagined est un assortiment brillamment éclectique de morceaux issus du premier album de Vargkvint, Hav. Hav, « la mer » en suédois), est une très belle mise en scène d’un thème. Le projet original, dans toute sa fragilité et sa saveur pensive, est un voyage cohérent ; exploratoire, patient et entier dans sa présentation. Hav Reimagined développe son prédécesseur sans perdre ce caractère fondateur ; l’album est lent au mieux, du genre qui commande de faire une pause dans un monde plein de bavardages.

L’œuvre commence par une introduction intime : « Stormen Kommer I », (ette première offrande est peut-être plus un poème qu’une musique, un monologue vocal doux avec le Stormen Kommer original qui coule en dessous, les mots convaincants de Claire établissant parfaitement une nouvelle scène pour le reste. « Drivved » (réimaginé par Sun Rain) s’ouvre sur un drone inquiétant, l’électronique comme le balayage des fréquences et la recherche de la maison. La saveur dramatique de l’œuvre de Nystrand a été aggravée par un coup de pied bas réverbérant ; driving mais sans sacrifier la délicatesse originale de la pièce. Elle est émotionnelle et forte, s’épanouissant sauvagement, s’ouvrant sur une grande seconde moitié avant une fin subtile. « Fyr » (réimaginé par Bonander) se transforme en un paysage sonore cinématographique impressionnant, avec d’énormes voix planantes qui s’envolent sur des synthés brillants et des percussions retentissantes. « Dösjö » (réimaginé par Hoshiko Yamane) donne une tournure intéressante à l’ensemble, avec un accent sur les bois, des cordes qui bourdonnent de façon semi-dissonante, couche après couche, pulsation, tissage ; autant de fils dans une tapisserie.

« Till Havs » (réimaginé par Kinbrae) est presque inconfortablement intime du début à la fin, des synthés pulsés faisant sauter une introduction tandis que des textures panoramiques balayent d’une oreille à l’autre. De curieux effets vocaux et une chanson dulcet sont ensuite rejoints par des cuivres dans les deux dernières minutes, une tournure inattendue qui donne de la chaleur à l’atmosphère sinistre. C’est une juxtaposition fascinante de caractères – l’ensemble de cuivres a redonné des sonorités de synthétiseur moderne. Avec ses 10 minutes et 13 secondes, « Stormen Kommer II » (réimaginé par Klangriket et Sjors Mans) est le morceau le plus long de l’ensemble, un voyage curieux et mesuré qui s’étend de son ouverture atmosphérique à des textures de pépins, des moments vocaux sporadiques et plusieurs mini-chapitres avant de culminer dans une section de danse électronique martelée. « Håll M »ig (réimaginé par Tim Linghaus) apporte un soulagement par rapport à l’excitation du morceau précédent dans une ouverture douce de statique douce et de piano droit dans une tonalité abaissée. Le morceau se déroule lentement avant qu’un soupçon de guitare n’apparaisse à 01:33, pour s’épanouir pleinement à 01:48 dans une ambiance folk-rock indie. C’est une autre délicieuse surprise dans une collection variée de morceaux qui témoignent du parcours individuel de chaque artiste.

Une mention spéciale doit être faite pour « Drivved » (réimaginé par Vargkvint), qui est un morceau bonus exclusif à Bandcamp. Il est toujours fascinant d’entendre un artiste réinterpréter son propre travail, et cela ne fait pas exception : le morceau s’ouvre en scintillant, les instruments tintent autour de la voix affectée de Nystrand, le tout placé dans un nouveau climat spacieux. Dans l’ensemble, l’album est une exploration délicate et diversifiée d’une œuvre qui tire l’original vers de nouveaux territoires et élargit certaines idées spéciales dans des versions plus grandes. C’est un album avec lequel on peut s’asseoir, prendre le temps de réfléchir ; c’est une occasion bienvenue de séjourner un peu.

« La mer a joué un rôle si important pour nous, dans la formation et la croissance des sociétés, elle nous a reliés les uns aux autres et nous a donné la vie, et elle est à la base d’une grande partie de notre mythologie. Mais en même temps, elle a été une véritable misère : ses tempêtes, ses tsunamis et l’élévation du niveau de la mer ont été dévastateurs pour des vies individuelles, des sociétés entières et maintenant pour l’humanité tout entière. C’est dans ce conflit – sa beauté et sa menace, sa force vitale et sa force d’attraction – que ce concept-album a été créé ».

***1/2


Luke Concannon: « Ecstatic Bird In The Burning »

5 février 2021

Nizlopi étant maintenant en pause indéfinie, le frontman Concannon, qui a déménagé dans le Vermont, revient à sa carrière solo avec Ecstatic Bird In The Burning, un deuxième album complet qui le voit évoluer entre les genres, en passant par le folk, le blues et le jazz, avec la collaboration de son épouse Stephanie Hollenberg et Hannah Meloy aux harmonies, du batteur Grant Smith et de Michael K. Harris à la contrebasse et aux percussions.

Annoncé par la contrebasse, il s’ouvre sur un groove swing qui mêle des rythmes bluesy et une prestation de style hip hop avec Darius Christian Jones qui lui donne quelques coups nébuleux sur « Absolument » jalonné de refraisen forme d’appel et de réponse, un numéro optimiste sur la transformation métaphorique en papillons travaillant dur, dansant dur et l’antienne, « making sweet love in France ». Par contraste musical, « Your Heart Is In My Ches » », sur lequel John Parker, collègue de Nizlopi, est invité à la contrebasse et Luke Flowers à la batterie, s’ouvre sur un folk-pop exubérant sans accompagnement, avec le chant principal et l’harmonie avant que les instruments ne se mettent en marche et que le morceau ne soit interprété, une chanson d’amour sans ambiguïté varie entre des vers graves au rythme soutenu et un refrain qui s’élève.

« Doing Nothing At All » sonne une fois de plus les changements avec un doigté estival folklorique et un texte d’introspection, de perte de confiance en soi et de distraction volontaire sur le fait de « ne pas vivre la vie pour laquelle je suis né parce que j’ai peur de mon don », qui fait ironiquement référence à la façon dont Ed Sheeran l’a cité comme influence et à la pression qui en découle inévitablement pour « prendre le risque d’être aussi audacieux que lui », même s’il conclut en se préparant à retourner sur le terrain pour suivre sa vocation.

Avec Ethan Setiawan à la mandoline, qui ouvre et ponctue d’un simple coup de doigt le rythme plus uptempo des passages vocaux, « Hummingbird » est une chanson simple qui parle de s’immerger dans la nature et de sortir pour « boire des pétunias », l’ambiance revient à des textures plus jazzy pour les rythmes percutants de « Feel You In My Arms » et ses paroles sur la vie brisée de quelqu’un qui vit dans la rue, sa santé mentale endommagée par une attaque vicieuse, son désir d’avoir une famille à tenir.

Une autre tangente musicale suit avec le bourdonnement de « It Won’t Wait » avant de passer à des éclats staccato de guitare acoustique et à des harmonies pleines d’entrain, Concannon se dispersant et rappant sur un état de la nation en commentant les communautés à la dérive où » »une obscurité descend… en chuchotant ‘wake or die’ ».  Le train de la pensée se poursuit dans la lente marche funèbre de « Coventry » avec ses lourds accords grattés, qui compare la société actuelle à Coventry brûlant au Blitz, des gens déchirés par un autre type de guerre avec un appel à vivre l’amour.

On trouve aussi « Denial » avec son appel à s’approprier les erreurs et les vérités du passé qui n’ont pas été exprimées par la peur, quand « nous nous sommes enfouis la tête dans le sable et avons sali ma ville natale avec des gratte-ciel de boue » (We buried our heads in the sand made a mess of my hometown with mud skyscrapers) comment « les blessés gisaient dans les décombres » quand ils sont tombés métaphoriquement alors qu’il chantait son souhait de vivre dans « une forêt verdoyante » loin de la « guerre de notre passé ».

Ecstatic Bird In The Burning s’achève, tout d’abord, avec la simplicité du troubadour folk des années 70, comme « Grown Wild » (pensez à Martyn, Chapman, Harper), la contrebasse ancrant à nouveau les procédures, une chanson qui adopte l’entretien d’un jardin comme métaphore de l’amour, de la famille, de la communauté et du renouveau. Enfin, Harris joue de la contrebasse et lance un appel à « Join The Liberation », à arrêter les tueries et à choisir la bonté et la dignité. Les paroles parlent des cœurs et des personnes brisées à Manchester, Bagdad, Londres et en Libye et, bien que cela soit devenu un cliché, rappellent que nous sommes tous une seule nation et que « I just wanna be your friend ».

Il y a du désespoir ici, mais en fin de compte, c’est un album qui reconnaît comment le jeu de l’obscurité et de la lumière nous rend entier, est imprégné d’espoir que d’autres suivront cette voie. On est peut-être loin de l’histoire d’un garçon et d’un JCB, mais Concannon veut encore dévorer tous les brutes, les enseignants et leurs animaux de compagnie.

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Selah Broderick: « Anam »

17 janvier 2021

Pour les Broderick, la musique est vraiment une histoire de famille. Si les profils artistiques composites de Peter et Heather sont désormais des réalités bien établies de la scène indépendante, l’étendue de leurs horizons créatifs a même réussi à impliquer les inclinations musicales des parents ; après que Peter ait partagé avec son père Steve le développement de vieilles lignes harmoniques jouées à leurs enfants dans leur enfance (Broderick & Broderick, 2013), c’est maintenant au tour de la mère Selah de « débuter » officiellement avec un album entièrement sous son propre nom, qui rassemble des chansons interprétées et écrites dans un laps de temps étendu sur quarante ans.

Avec le soutien instrumental minimal de ses deux fils, ces chansons sont devenues Anam, une œuvre qui non seulement révèle une voix folklorique intemporelle, mais poursuit également l’idée de calme et de transcendance typique de l’activité de Selah en tant que professeur de yoga et érudit des disciplines orientales, menée au fil des ans.

L’empreinte folklorique originale, qui apparaît immédiatement dans le morceau d’ouverture, le traditionnel « Every Bush And Tree » fidèlement présenté dans sa version enregistrée par elle en 1979, et dans la ballade psycho-folk enchantée  « Witnessing », n’est cependant pas le seul élément qui caractérise un album dont les deux faces se terminent en effet par de longs instrumentaux, parsemés d’enregistrements sur le terrain et de couches synthétiques extatiques, spontanément orientés vers la transcendance. L’apport de Peter et Heather, sans doute décisif pour que l’œuvre prenne forme, d’un point de vue strictement sonore, se limite en fait à des dialogues vocaux occasionnels, à des parties rythmiques délicates et surtout à des arrangements de cordes, qui recouvrent les chansons acoustiques de Selah et ses douces interprétations d’une patine de romantisme poussiéreux (« Green Eyes », « Rainy Day » ».

Au-delà des considérations sur la « familiarité » artistique de la famille Broderick et la curiosité de la participation active de ses enfants aux débuts tardifs de leur mère, Anam descend en tous points de la sensibilité de Selah Broderick à l’écriture musicale et aux paysages sonores fortement évocateurs.

***1/2


Grievous Angels: « The Summer Before The Storm »

16 janvier 2021

The Grievous Angels ont fait leurs débuts en 1986 mais The Summer Before The Storm, leur huitième album, est leur plus grand succès à ce jour. Le groupe a été aidé par un invité spécial, Andy Maize de Skydigger, dont le travail avec le combo semble ici être la marque d’une adéquation naturelle.

L’album démarre avec style avec le rocking, presque rockabilly, « The Morning After ». Il passe rapidement à un style plus traditionnel avec le deuxième morceau, le magnifique « All Night Depanneur », qui est une chanson de perte douloureuse, écrite comme un roman avec des vers très descriptifs. Le frontman Charlie Angus et Maize échangent leurs voix et s’harmonisent tout au long du morceau, ce qui ajoute beaucoup de profondeur et de texture. Ailleurs, Mercier fait un duo avec Angus sur le morceau folklorique « Mile Out Of Kirkland ».  Là encore, la combinaison des voix est étonnante et apporte beaucoup d’émotion à la chanson. Elle comporte également un superbe refrain, « à un mile de Kirkland/le monde était en train de brûler » (a mile out of Kirkland/the world was burning down). Il faut une grande habileté pour lier la politique à une chanson d’amour populaire au goût d’accordéon.

Musicalement, le disque est très varié. Cajun, rock, folk, mais surtout, l’album est rock et plein d’énergie. Ce que l’on entend, c’est un groupe de musiciens qui s’amusent tout en écrivant sur des sujets très sérieux. Angus est toujours membre de Parliament, il est donc compréhensible que l’album se situe à l’extrémité politique du spectre lyrique. Les chansons abordent des thèmes tels que la théorie de la conspiration, la crise climatique, les trobles et le stress post-traumatiques aini la violence. Il a été enregistré à la veille de la pandémie, et de ce fait, il résonne encore plus lourdement.

The Grievous Angels avaient fait trop peu d’albumsnotables à ce jour. Ce nouvel opus corrige à merveille le tableautant il est accommodé de musique brillante et de paroles fortes. À cet égard l’ajout d’Andy Maize et de Janet Mercier et bienvenu tant il parvient à faire de The Summer Before The Storm un album folk galvanisant pour une époque telle que celle que nous vivons.

***1/2


Sam Moss: »Shapes »

10 janvier 2021

Sam Moss peit être un guitariste d’enfer quand il est d’humeur, il « parle » couramment le folk, le jazz, le blues et le country, et il est capable de jouer de la six cordes sans le moindre problème. Il joue localement dans un groupe de reprises country et western appelé Rear Defroster, dont la rauque « feell good » atmosphère éclate périodiquement dans une démonstration de virtuosité technique. Mais Moss a aussi le don de la retenue. Son dernier album, Shapes, est réduit à de la fumée et des ombres, les parties instrumentales sont réticentes, les mélodies fortes mais tremblantes, livrées dans un ténor filiforme et murmurant, le backing band réduit au minimum, la batterie à la basse, les cordes occasionnelles et pas grand chose. Tout comme Richard Buckner, Damien Jurado et d’autres artistes à la voix douce, Moss a la capacité de faire beaucoup de choses avec peu de moyens et d’obtenir un coup de poing dévastateur avec très peu de force.

Le morceau d’ouverture, « Shapes Out of the Dark », est du Moss stricto-sensuen matière de guitare, avec lumière et l’air se frayant passages dans les espaces entre les notes. Ici, Moss met un rebond jazzy, façon Django Reinhardt dans son frappé de guitare, mais en gardant le volume bas. Le ton est triste, la mélodie se courbe en douceur, comme il le fait remarquer : « Vous n’étiez pas préparés à la façon dont le monde s’est effondré sur vous/ avec un coup lourd et sourd, cette lueur de jeunesse est assommée » (You were unprepared for the way the world came down on you/with a dull heavy blow, that youthful glow is knocked out of you).

Ailleurs, un petit ensemble remplit ces chansons adroites et épurées. Moss lui-même joue de la guitare et parfois du violon, Benjamin Burns de Honeysuckle est à la batterie, Michael Siegel joue de la basse et Stephen Ambra, très occasionnellement, comme sur le subtil « Ways », ajoute un peu de violoncelle. Parmi les morceaux denses et complets, « Talkers » est peut-être le plus fort, avec son rythme endiablé à trois bases, son son de guitare et de violoncelle au timbre profond, son battement, sa voix chargée d’émotion. Un break instrumental particulièrement fin coupe la mélodie en deux, permettant une interaction riche et vibrante entre la guitare électrique, la basse et le violoncelle.

Les paroles de Moss sont plutôt bonnes aussi, pleines de la contemplation tranquille du vieillissement et de la mort, mais pas du tout effrayées par elles. Le morceau « Morning Light », choisi en treillis et surtout optimiste, évoque l’agréable surprise de se réveiller avec un être cher. Il équilibre finement le contentement et l’angoisse existentielle dans la phrase : « Nos jours ne seront pas assez longs pour dire que j’avais assez connu ton toucher pour être satisfait, je me demande ce qui va suivre ? » (Our days will not be long enough to say I had known your touch enough as to be satisfied, I wonder what is next ?)

Shapes est un album drôle, dans la mesure où il se rétrécit un peu à l’écoute. Il insiste pour se glisser dans le fond. Il détourne l’attention de lui-même. Pourtant, si vous l’écoutez un moment, vous vous rendez compte qu’il est calme mais résonnant, comme un diapason que vous entendez à peine, mais qui vibre avec tous les sons qui vous entourent. Penchez-vous un peu. Cela en vaut la peine.

***1/2


Rupert Wates: »Lamentations »

1 décembre 2020

Avec ce Lamentations, nous sommes gratifiés par d’adorables chansons folkloriques sur le dixième album de l’auteur-compositeur-interprète Rupert Wates. Né à Londres, il vit aux États-Unis depuis 2007 mais ne peut et ne veut pas renier ses racines britanniques.

Le choix de la guitare et le style vocal sont souvent dus à d’illustres prédécesseurs britanniques comme Bert Jansch ou John Martyn, pour n’en citer que quelques-uns. Rupert Wates a cependant rompu avec la « tradition ». Et a grandi avec Bob Dylan, Paul Simon et Joni Mitchell. Sur ses précédents albums et concerts, il a osé proposer des chansons jazzy ou de cabaret. Il s’inspire de la vie elle-même : douloureuse mais nécessaire au bonheur.

Lamentations, il explore le carrousel de la naissance et de la mort, vu à travers les yeux d’un enfant. N’abandonnez pas, il y a aussi beaucoup d’amour et d’espoir cachés en elle. Et surtout beaucoup d’intimité dans des interprétations chaleureuses. Rupert Wates est un conteur d’histoires. Et ces histoires et sa guitare ont suffi à enregistrer l’album en une soirée. Pas d’overdubs, pas d’arrangements, juste lui et sa guitare acoustique. La classe à l’état pur !

***1/2


Snowgoose: « The Making of You »

29 novembre 2020

Le deuxième album de Snowgoose commence par une voix féminine, belle et solitaire, celle de la co-fondatrice du groupe, Anna Sheard, qui teste une mélodie montante. « Cœurs en feu, nouveaux désirs de découverte, en route, voyageant des heures durant dans la nuit » (Hearts on fire, new desires to discover, on their way, traveling hours through the night), trille-t-elle en ajoutant son vibrato ténu des sonorités pures comme si elles émergeaient de l’eau. Elle ressemble un peu à Jacqui McShee de Pentangle, un peu moins à Sandy Denny de Fairport Convention, et, en tout cas, elle fonde ses attentes sur une sorte de revivalisme folk des années 60, agrémenté d’un peu de jazz et de blues. C’est normal, et, au fur et à mesure que l’album avance, dans un bourdonnement de guitares, le bruit sourd de la basse, la pulsation des filtres du mélodica, ce sera néanmoins la voix de Sheard qui vous arrêtera. Lorsqu’elle atteint le refrain de cette première chanson, « Everything », elle abandonne les mots en cascade, dans un son magnifique et liquide. The Making of You vous rappellera peut-être les albums classiques, mais il vaut vraiment la peine d’être écouté en tant que tel.

Snowgoose, attire des musiciens britanniques connus de tous, sauf du folk. Jim McCulloch, le principal partenaire artistique de Sheard au sein du groupe, s’est fait connaître en jouant dans les Soup Dragons. Dave McGowan, qui joue de la basse, a fait du temps avec Belle and Sebastian, BMX Bandits, Mogwai et Isobel Campbell. Ray McGinley, du Teenage Fanclub, joue de la guitare et Stuart Kidd, du groupe Euros Child, est le batteur. Des collaborateurs occasionnels sont issus de formations tout aussi célèbres et non folkloriques comme Belle and Sebastian, Camera Obscura et les Pearlfishers.

La chanson titre est la pièce maîtresse du disque avec sontintement de cymbal et son, un enchevêtrement modal de guitares acoustiques. La chanson est écrite avec une légère réticence, mais elle s’épanouit avec certitude lorsque Sheard chante « Es-tu assez mûr pour le voyage ? As-tu faim de son prix ? C’est l’essence même de tqui tu es » (Are you open for the ride? Are you tall enough for the ride? Are you hungry for the prize? It’s the making of you). Les arrangements instrumentaux s’épanouissent avec le martèlement des tambours et des arcs de guitare slide, et Sheard double sa voix. La chanson, tout comme ses paroles, passe de l’hésitation à une sorte de bravade pour saisir le jour dans un joli crescendo.

Ailleurs, Snowgoose prend des couleurs sombres et jazzy, dans la lignée de Pentangle, comme dans la cool et sophistiquée « Goldenwave » ou la pétillante valse qu’est « Deserted Forest ». Il y a un arrangement de cordes dans cette dernière coupe, qui va souligner le phrasé urbain et aéré de Sheard ; elle se situe quelque part entre le folk pur et le chant du piano-bar. Tout cela est plutôt bien, plutôt indépendant et sans prétention. Cela semble à la fois tout à fait naturel et soigneusement planifié. Il n’y a pas de détails à régler ni d’excès malheureux.

Vous avez peut-être tout le Pentangle dont vous avez besoin et toute la convention Fairport que vous pourriez vouloir écouter. The Making of You ne remplacera aucun de ces favoris, mais il peut certainement se tailler une place sur l’étagère à côté d’eux. Faites-lui de la place ; ce truc est sacrément bon.

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Rome: « The Lone Furrow »

6 novembre 2020

Au début de l’année, on pouvait avoir l’impression que tous ceux qui pouvaient se le permettre remettaient à plus tard les sorties. Depuis le début de l’été, en temps normal, c’est-à-dire pendant la saison sèche, les, supposés, grands albums ont commencé à sortir les uns après les autres, et le disque que nous avons sous les yeux peut certainement être considéré comme l’un des meilleurs à ce jour.

Comme c’est toujours le cas avec les bons albums, il y a beaucoup plus à dire à leur sujet que ce que permet la portée d’une critique. The Lone Furrow fait, à cet égard, référence à une multitude d’idées dans une myriade de langues, à travers des musiques très diverses et avec l’aide de nombreux chanteurs connus. Mais ne pensez pas que le LP est quelque chose d’alambiqué et peu attrayant ! Le fait que l’album parvienne à être une écoute extrêmement agréable et accessible malgré sa complexité fait partie de ce qui en fait un grand album.

Bien que vous n’ayez peut-être pas entendu parler de Jerome Reuter, l’auteur-compositeur-interprète luxembourgeois à l’origine de Rome, la liste des chanteurs invités sur son nouvel album devrait vous donner une idée de son ancienneté, de ses affinités musicales et peut-être aussi de l’estime dont il jouit auprès de ses collègues musiciens. Alan Averill de Primordial a prêté sa voix, tout comme Nergal de Behemoth et J.J. de Harakiri for the Sky – et ce n’est pas liste exhausr-tive.

Ce n’est certainement pas le cas de Jerome Reuter ; sa voix profonde et sombre a suffisamment de caractère. Mais chacun des invités ajoute quelque chose de personnel à l’album, par son parcours et sa langue maternelle ; le produit final étant un morceau de musique qui, du point de vue linguistique, englobe toute l’Europe, de la Pologne aux îles britanniques, en passant par l’Autriche, la France et le Luxembourg, ainsi que l’Amérique.

Les chanteurs invités pourraient laisser entendre qu’il s’agit d’un album de black metal, mais ce n’est pas le cas. Sur le plan philosophique, The Lone Furrow est proche du black metal en ce sens qu’il affiche une aversion pour les diverses ramifications de la civilisation occidentale et cherche à établir un lien avec notre passé païen, amoureux de la nature et respectueux de la nature.

Il n’est ni facile ni vraiment nécessaire d’étiqueter le LP en termes de genre, puisque presque chacun des treize titres de l’album a son propre caractère. Cependant, pour nous orienter, posons quelques pierres angulaires : vous entendrez des morceaux de « spoken word », avec un fond de sons sphériques, puis il y a du plain folk avec guitare acoustique, percussions et voix, mais aussi de l’Americana et de la chanson française, ainsi que de la musique industrielle. Le tout est agrémenté d’extraits de films, de pièces de théâtre et de discours. Les paroles sont poétiques, la voix pleine de Weltschmerz, toutafois, l’atmosphère générale n’est pas celle de la mélancolie – c’est plutôt celle d’une résistance obstinée.

L’album s’ouvre avec « Masters of the Earth », un morceau en spoken word dans lequel les mots sont accompagnés de sons de la nature et de bourdonnements chargés électroniquement. « La civilisation moderne », dit-on, « n’est pas supérieure, n’est pas éclairée », et « l’homme moderne (…) n’a ni grâce, ni but » (Modern civilization is not superior, is not enlightened, and (modern man (…) has neither grace, nor purpose). Des déclarations difficiles, peut-être, mais néanmoins vraies. Ce discours, dont l’auteur est Aki Cederberg, est suivi d’une chanson folklorique assez traditionnelle, « Tyriat Sig Tyrias », avec des guitares acoustiques, des percussions, des flûtes et des cloches.

« Ächtung, Baby ! », peut-être mieux caractérisé comme néofolk, shonore de la présence de Alan Averill de Primordial comme chanteur invité et prête allégeance aux anciens dieux et aux hiérarchies naturelles, d’une manière calme, harmonieuse et assurée. Le titre du morceau est une référence à l’album Achtung Baby de U2, mais il n’y a pas lieu de penser que le essage est positif. « Umlaut » fait toute la différence alors que « Achtung ! »,dans la forme impérative, signifie simplement « Attention ! » ou « Ecoute ! » ; « Ächtung ! » est un ostracisme, une exclusion de la société.

Les choses deviennent audiblement un peu plus sauvages et dangereuses avec le cinquième morceau, « Angry Cup », mettant en scène Adam Nergal Darski de Behemoth. Les percussions ont gagné en agressivité par rapport aux morceaux précédents, tout comme le chant. Certains chants en polonais ont des sonorités particulièrement menaçantes.

« The Twain » sert vira de calme avant la tempête, et le tout culmine avec la piste centrale de l’album, la piste numéro sept sur treize, « Kali Yuga Über Alles ». La musique est post-industrielle, comme l’époque dans laquelle nous vivons. Notre civilisation, nous dit-on, a dépassé son apogée. Les percussions ressemblent à des bombes qui frappent le sol et qui font vibrer chaque point des paroles. Fantastique !

Après « Kali Yuga Über Alles », l’album se ralentit quelque peu et semble un tantinet décevant, ce qui ne veut pas dire que les chansons qui suivent ne valent pas la peine d’être entendues ou sont de moindre qualité – il est juste difficile de se concentrer sur autre chose juste après le largage de certaines bombes.

Pour mettre l’eau à la bouche, disons que le reste des saveurs de l’album, se devra d’êtrs découvert par soi-même.

Il ne me restera donc plus qu’une chose à dire. Non, vous les gens bizarres qui répandent des théories de conspiration sur Internet, « über alles » n’est pas nécessairement une référence à l’Allemagne nazie ou à son hymne. Il est beaucoup plus probable que le titre de la chanson « Kali Yuga Über Alles » fasse référence à la chanson « California Über Alles » des Dead Kennedy. Et l’utilisation de cette phrase a été voulue ironiquement en premier lieu.

***1/2


Will Butler: « Generations »

26 septembre 2020

Cela fait cinq ans que le multi-instrumentiste d’Arcade Fire Will Butler a sorti un album studio solo et quatre depuis l’album live Friday Night. Avec l’arrêt de l’enregistrement d’un nouvel album d’Arcade Fire à cause de COVID-19, Butler n’a pas laissé son temps en prison arrêter le processus de création de Generations dans son studio de Brooklyn. 

L’album explore l’exploration de Butler dans l’histoire et sa vocation d’artiste. Dans une déclaration, il dit que Generations soulève des questions comme « Quelle est ma place dans l’histoire américaine ? Quelle est ma place dans le présent de l’Amérique ? En fin de compte, il s’agit de réfléchir sur notre place dans le monde. « 

L’album commence avec « Outta Here », un morceau à l’énergie hypnotique, suivi de « Bethlehem », qui dégage la même énergie mais d’une manière inspirée du punk. Le disque tout entier est empreint de nostalgie, notamment sur des titres comme « Close My Eyes » et « Surrender », qui rappellent le chef-d’œuvre d’Arcade Fire, The Suburbs, sorti en 2010.

C’est un album de nature folk, avec un punch intense mais avec une touche intemporelle. Ainsi, « Not Gonna Die » sera une autre ballade remarquable qui met en scène un saxophone de qualité et des guitares superposées. Butler chante les façons dont il ne mourra pas et d’autres façons dont il pourrait mourir – un sujet sinistre, indubitablement, mais c’est avant tout une chanson qui se démarque de par sathématique. 

Generations présentera une ampleur d’émotions, à la fois brutes et sincères. Vous ne pouvez pas vous empêcher de vous poser la même question que celle que génère le disque : Que dois-je faire ? Qu’est-ce que je peux faire ?

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