Will Butler: « Generations »

Cela fait cinq ans que le multi-instrumentiste d’Arcade Fire Will Butler a sorti un album studio solo et quatre depuis l’album live Friday Night. Avec l’arrêt de l’enregistrement d’un nouvel album d’Arcade Fire à cause de COVID-19, Butler n’a pas laissé son temps en prison arrêter le processus de création de Generations dans son studio de Brooklyn. 

L’album explore l’exploration de Butler dans l’histoire et sa vocation d’artiste. Dans une déclaration, il dit que Generations soulève des questions comme « Quelle est ma place dans l’histoire américaine ? Quelle est ma place dans le présent de l’Amérique ? En fin de compte, il s’agit de réfléchir sur notre place dans le monde. « 

L’album commence avec « Outta Here », un morceau à l’énergie hypnotique, suivi de « Bethlehem », qui dégage la même énergie mais d’une manière inspirée du punk. Le disque tout entier est empreint de nostalgie, notamment sur des titres comme « Close My Eyes » et « Surrender », qui rappellent le chef-d’œuvre d’Arcade Fire, The Suburbs, sorti en 2010.

C’est un album de nature folk, avec un punch intense mais avec une touche intemporelle. Ainsi, « Not Gonna Die » sera une autre ballade remarquable qui met en scène un saxophone de qualité et des guitares superposées. Butler chante les façons dont il ne mourra pas et d’autres façons dont il pourrait mourir – un sujet sinistre, indubitablement, mais c’est avant tout une chanson qui se démarque de par sathématique. 

Generations présentera une ampleur d’émotions, à la fois brutes et sincères. Vous ne pouvez pas vous empêcher de vous poser la même question que celle que génère le disque : Que dois-je faire ? Qu’est-ce que je peux faire ?

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Joshua Burnside: « Into the Depths of Hell »

Le dernier album de Joshua Burnside, Into the Depths of Hell, fait partie de ces albums pour lesquels, lorsque la tournée sera annoncée, votre ami vous demandera quelle chanson vous êtes le plus pressé de voir en concert et à qui vous pourrez répondre : « Toutes. »

L’album est, en effet, incroyable et, si vous avez suivi Joshua Burnside sur les médias sociaux, vous aurez vu le clip musical de « War On Everything », qui vous donne un petit aperçu de ce qui va suivre. L’ambiance générale du disque rappelle légèrement Willy Mason ou Alexi Murdoch; il touche à l’Americana, au folk irlandais et met en avant le point fort de Burnside, le récit.

« Under The Concrete » a une mélodie merveilleusement amusante et édifiante qui nous transporte tout au long delson déroulé. La chanson elle-même semble simple et paisible, mais elle nous montre à quel point un crochet dans la mélodie peut être puissant. Les trois chansons suivantes sont « And You Evade Him/Born In The Blood », « Whiskey Whiskey » et « Driving Alone In the City At Night ». Placées l’une après l’autre dans un ordre parfait, chacune a son propre son distinct de guiares en glissando et se déroule sous la douce voix folk de Burnsides.

Certains d’entre vous savent peut-être comment Burnside lutte contre la peur de l’avion et dans « Whiskey Whiskey », sa voix nous chante : « Mon estomac se retourne et je regarde le personnel de cabine pour voir s’il y a des signes d’inquiétude, mais il ne donne pas grand-chose ». C’est un petit texte qui fait partie intégrante de la composition, mais c’est une phrase que beaucoup de gens peuvent comprendre.

« Driving Alone In The City At Night » dure plus de six minutes, mais chaque seconde est comptée. Cette chanson est tellement chaotique, avec ses guitares rapides, sa batterie, son auto-accord extrême et des paroles parcimonieuses. Burnside est presque brisé par le chagrin alors qu’il nous chante avec ce qui ressemble à la pluie qui tombe sur un toit de tôle. Il crée une image si claire que vous pouvez vraiment voir l’histoire de cette chanson se dérouler dans votre tête.

« War On Everything » se démarque complètement des autres titres de l’album et est probablement l’une des plus fortes du disque. La structure et le chant sont très intelligents et votre oreille veut constamment en entendre plus. Les instruments à cordes lui donnent une énorme et intense profondeur au point qu’on sera tentéde la réécouter et la chanter aussi fort que possible. En tant que final d’un concert, ce serait le titre idéal.

Le dernier morceau, « Nothing For Ye », nous ramène à ce pour quoi Burnside est le plus connu : le chant et les histoires. Il nous rappelle cette période de l’enfance où l’on écoutait de vielles et traditionnelles contines folkloriques avec une histoire magnifiquement racontée et des paroles telles que : « Eh bien, je n’ai rien pour toi aujourd’hui ma chère, pas d’huile dans le réservoir, L’eau que je crains sera aussi froide que la pluie, qui tombe en Décembre, Non, je n’ai rien pour vous aujourd’hui ma chère. Je n’ai rien pour toi, ma chérie, si j’avais assez d’argent, je t’achèterais une bague, car j’avais peur qu’un jour tu t’enfuies avec un docteur parce que je n’ai rien pour toi, ma chérie ».

Well I have nothing for you today my dear, no oil in the tank, The water I fear will be as cold as the rain, that falls in December, No I have nothing for you today my dear. Eh bien, je n’ai rien pour toi, ma chère, Si j’avais assez d’argent, je t’achèterais une bague, car j’ai peur qu’un jour tu t’enfuies avec un médecin car je n’ai rien pour toi ma chère. » (Well I have nothing for you today my dear, no oil in the tank, The water I fear will be as cold as the rain, that falls in December, No I have nothing for you today my dear. Well, I have nothing for you, my sweet darling, If I had enough money I’d buy you a ring, for I worried someday you’ll run off with a doctor cos I have nothing for you my sweet darling).

À l’écoute de ce titre,on ne pourra que ressentir un sentiment ou un souvenir agréable d’il y a de nombreuses années. Into the Depths of Hell est un album étonnant. Il a un tel poids, une telle intensité et un tel chagrin qu’il touche un nerf qui est à la fois joyeux et réconfortant. Après l’avoir écouté, vous n’aurez qu’une envie, celle de le réentendre. Ce sera un opus qui gardera sa place sur les étagères pendant de nombreuses années.

****1/2

The Cradle: « Laughing In My Sleep »

The Cradle, le projet solo de l’auteur-compositeur-interprète et multi-instrumentiste Paco Cathcart, sort ici un album de 21 titres, Laughing In My Sleep et dont le « single » principal, « One Too Many Times », avec Lily Konigsberg (de Palberta) en backing vocals, est une belle complainte sur les erreurs de communication, que l’on peut entendre ici.

Avec des mélodies intrigantes et tordues, Catchcart vous entraîne tout au long de l’album avec sa propre interprétation de l’Americana et du Folk qui vous fait écouter du début à la fin. « Society Of Men », par exemple, nous offre des mélodies rythmées et sinueuses qui s’harmonisent avec la voix parlée de la chanson et mettent parfaitement en valeur le chant sur le morceau. Sur des morceaux comme « End Of The Day » nous voyons le rythme se ralentir, les mélodies scintillantes s’accordent parfaitement avec les rythmes bien travaillés qui se fondent si bien sur ce morceau. La simplicité permet de faire briller tant de choses sur cet album.

L’histoire et l’émotion des paroles de ces chansons sont incroyablement bien mises en valeur tout au long de l’album. « Bottom Bell » est un excellent exemple de l’histoire racontée sur l’album, mais vous avez tellement de choix en ce qui concerne l’honnêteté et la profondeur des paroles sur Laughing In My Sleep, la chanson titre sera un bon exemple alors que des morceaux comme « Eyes So Clear » et l’accroche de « I’ll Walk » se montreront contagieux.

Disque qui évolue au fur et à mesure qu’il passe des racines folkloriques aux moments électroniques, Laughing In My Sleep est un album qui explore les sons et les genres pour vous apporter un quelque chose qui ne pourra jamais être reproduit.

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Saskia: « Are You Listening ? »

Are You Listening ? est le quatrième album de l’auteure-compositrice-interprète londonienne Saskia Grffiths-Moore et il marque un véritable avancement d’un talent exceptionnel.  Le disque est une collection du meilleur de son répertoire des cinq dernières années et, à la différence de sa précédente production, Are You Listening ? est (à la seule exception d’une merveilleuse reprise de l’hymne « Hallelujah » de Leonard Cohen) entièrement son propre travail.  C’est un album exceptionnel, rempli de chansons vraiment excellentes, toutes magnifiquement interprétées et superbement produites. 

Dans une vie antérieure, avant de décider que sa voix claire et chaleureuse et ses paroles qui font réfléchir devaient être partagées avec le reste de l’humanité, Saskia était une thérapeute de Harley Street et, mon garçon, cette expérience n’imprègne-t-elle pas son écriture de chansons. Ces chansons sont empreintes d’une profonde compréhension des émotions humaines et d’une capacité à trouver des raisons d’espérer et d’être optimiste, même dans les situations les plus pénibles. L’écoute de cet album est une expérience réconfortante et revigorante.

Il n’y a pas de solo éblouissant ni de trucage en studio ici.  La caractéristique principale de chaque chanson est la voix enchanteresse de Saskia, rehaussée par ses propres auto-mutilations et construite sur un simple accompagnement de guitare acoustique. Le tout est subtilement rehaussé par David Ian Roberts à la guitare, Thomas Holder à la contrebasse, Ali Petrie au piano, Gabriella Swallow au violoncelle et sur le morceau « These Hours Only », une autre contribution à la guitare de l’auteur-compositeur-interprète australien Cooper Lower.  Susanne Marcus Collins a fait un merveilleux travail de production, offrant un son propre et respectueux, en parfaite adéquation avec ces grandes chansons.

L’album commence comme il faut pour continuer. Un joli passage de guitare acoustique conduit au premier des magnifiques passages vocaux d’harmonie, Saskia offrant un sage conseil à ceux qui s’apprêtent à l’écouter : « Are You Listening? Focus on my voice. ». Le son est doux et les paroles sont réfléchies ; un véritable avant-goût des délices à venir.

« In Time » est une belle chanson, avec des paroles qui donnent de sages conseils pour aller de l’avant sans oublier les leçons du passé. « These Hours » fait référence de manière douce et rassurante à la gestion d’une relation stable en acceptant de manière pragmatique que les hauts et les bas sont inévitables. « The Presence » est obsédante et poignante avec des paroles qui prennent une résonance particulière en ces temps ravagés. « Write Me a Song » est un numéro fantastique qui, avec son accompagnement de guitare au doigt, son contenu lyrique et sa prestation vocale rappelle fortement Joan Baez à son apogée.  C’est une chanson qui n’aurait pas été déplacée dans le cadre d’un club folk des années 60 et qui serait un bon candidat pour le single principal de l’album.

« Best Of You » est la première des deux nouvelles compositions de l’album et c’est un conseil de vie merveilleusement contemplatif en particulier la ligne où la vocalistenous dit « Ne cédez pas aux préjugés – nous sommes tous d’une même espèce » (Don’t give in to prejudice – we are all of one kin ).  Et, en effet, nne le sommes-nous pas ?.  La deuxième des nouvelles chansons est « Come Comfort Me » ; c‘est probablement le titre la plus sombre de l’album, avec des paroles qui plaident pour le confort dans une situation sombre, voire mortelle.

« After » est probablement une des plus belles chansons de séparation avec des paroles reconnaissent la douleur de la séparation et exprimant un désir : celui d’absorber cette douleur tout en s’accrochant à l’optimisme d’une réconciliation heureuse. »  Sur Bring It Down », Saskia évoque Joni Mitchell avec son chant d’un morceau d’auto-analyse provocateur qui culmine dans la splendide phrase « Opening up is not so hard ». 

« Wash it Away » reflète, sur un fond champêtre de guitare grattée, la nature fugace et transitoire de la vie et fait courageusement face à l’inévitabilité d’une mort qui arrivera avant que nous ne soyons prêts. Il donne le réconfort suivant : « Nous ne supporterons pas nos pertes, mais nous ne conserverons pas non plus nos gains » (We won’t bear our losses, but neither will we keep our gains).

L’album se termine par cette version sobre, respectueuse et élégante de « Hallelujah ;apparemment la première chanson que Saskia ait jamais interprétée en public et qui a continué à figurer dans son set live depuis.  C’est une fin appropriée à un excellent album equ’on ne peut que recommander de découvrir tant cette « dame » est sur le point de devenir une grande star.

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Courtney Marie Andrews: « Old Flowers »

Au panthéon des albums de rupture, ceux qui sont axés sur les relations à long terme devraient porter la couronne. La fin des romances d’été ne devrait justifier qu’une chanson. Shoot Out the Lights de Richard et Linda Thompson est peut-être l’album de rupture qui les domine tous, mais Old Flowers de Courtney Marie Andrews traite des conséquences d’une relation de près de dix ans avec beaucoup plus de compassion. L’album reflète autant la difficulté de se séparer et d’aller de l’avant qu’il est une indication de ce qui a pu s’envenimer. 

Musicalement, Old Flowers est aussi dépouillé qu’il y paraît. Andrews joue de la guitare et du piano et s’accompagne de musiciens de premier ordre – Matthew Davidson (multi-instrumental) de Twin et James Krivchenia (batterie) de Big Thief. Krivchenia est habitué à une assistance sympathique et sa contribution ici va du murmure au cri – tous deux magistralement.  Sur la pièce maîtresse « Carnival Dream », le piano et les chants plaintifs d’Andrews sont interrompus par des fracas intermittents de tambours qui atterrissent avec le poids du décompte des années.

Le chant d’Andrews n’a peut-être pas le langage cru d’Iris Dement, mais dans la pureté de son timbre, il partage le même niveau de pathos. Qu’il nous entraîne dans des balades folkloriques comme « Burlap String » et la chanson titre ou dans les méditations plus calmes de « If I Told » ou « Break The Spell », le chant d’Andrews est un phare. Le fait qu’elle puisse également nous accompagner sur la chanson country à la langue bien pendue « It Must Be Someone Else’s Fault », permet à l’auditeur de savoir en un clin d’œil qu’Andrews a le plein contrôle de ses facultés.

***1/2

Zachary Cale: « False Spring »

Le dernier album de Zachary Cale, tout en étant imprégné d’une sorte de sensation ddoucereuse au coucher du soleil, est également imprégné d’une bonne dose d’incertitude à laquelle tout un chacun peut s’identifier. Alors que l’album est en préparation depuis cinq ans, cette incertitude saisit le sentiment d’une année qui semble ne pas pouvoir se relâcher. Le rythme de Cale oscille entre des ruisseaux ramassés à la main et le genre de confort beurré qui a fait mijoter Kurt Vile, Mike Polizze et le le don de Philadelphie. Il poivre dans des instruments qui laissent briller ses prouesses discrètes, parfois pensives, parfois propulsives, et qui relient l’album comme une tapisserie délavée. Mais c’est dans ses textes, tout aussi usés que vieillis, que Cale rayonne le plus.

False Spring, comme son titre l’indique, traite d’une lueur d’espoir étouffée par le hasard et le changement. Le temps est une bête de somme sur ce disque, laissant le protagoniste bloqué, étouffé et généralement à la dérive. Les chansons de Cale rongent l’incertitude et sont à leur tour rongées par le temps. Parfois, il se délecte de lcet affranchissement, mais le plus souvent, Cale se penche dans les vents amers avec un œil dans les deux sens. Il cherche la lumière de la lampe à l’horizon et il n’est jamais certain de la trouver. Mais il emmène avec lui un bon équipage pour le voyage. Son groupe, composé de Brent Cordero et de Charles Burst de The Occasion, est amplifié par la pedal steel particulièrement langoureuses de Dan Lead, qui a prêté son ton à Jess Williamson, Kevin Morby et Cass McCombs. Le disque est un radeau dans des eaux qui ne sont pas aussi clémentes que leur surface et il vaut la peine de s’y accrocher.

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Ash & Herb: « Ash & Herb »

Le duo du Maine Ash & Herb (Ash Brooks et Matt Lajoie) couve un havre de bonheur psyco-délique dans le Nord-Est depuis quelque temps. Sous la marque Flower Room, ils ont accueilli des sorties de Matt et Ash en solo, combinés, méditant comme Starbirthed et entrecoupés de différentescroisements des deux – avec des centres d’intérêt allant du Kosmiche au folk. Lorsqu’ils sont combinés et qu’ils volent sous la bannière de Ash & Herb, les résultats peuvent varier sur le plan stylistique. Leur dernier « single » a fait un tabac sur un principe Cosmic Americana qui a été bien accueilli. Peut-être qu’un jour ils reviendront dans les grâces rainurées de cette vallée particulière, mais pour « Roughin’ It » ils voyagent vers l’extérieur, dans l’éther gazeux qui s’accroche librement à cette Terra Firma.

Le duo a enregistré la majeure partie de l’album en direct dans les espaces de la Nouvelle-Angleterre et cela les montre en train de pousser leurs démangeaisons d’improvisation jusqu’aux confins de l’harmonie de l’espace aérien. L’album commence avec deux morceaux qui bourdonnent d’une énergie tordue – un bourdonnement insistant qui se transforme en regards cosmiques. Ils adoucissent l’approche au fur et à mesure que le disque se fraye un chemin, ne trouvant pas tout à fait de la brise mais s’installant sur un sifflement balancé pour « Mudra of Creation ». La chanson, et en fait le disque dans son ensemble, a une qualité brute. On a l’impression qu’elle oscille entre la foudre du bootleg live et la bonté de la presse privée locale. Le jeu est libre, mais fluide. Le groupe n’a pas tort d’étiqueter certains des nœuds ifaçon Fripp dans leur approche et nous sommes tous au bénéfice de la magie mutable qui se produit sur l’étendue de cette bande.

« Ascension Tea » fait passer les ondes invisibles à travers les petits os du crâne, en faisant résonner les sens et en cherchant à bloquer l’énergie lysergique dont nous avons tous besoin pour passer la journée, la semaine ou le mois à venir. Les sons se glissent dans le sol de notre conscience, nourrissant l’âme d’une dose rafraîchissante de psychédéliques humides et d’un frémissement de zone libre, vital lorsque l’air s’embue avec le sop du printemps. Même si tout cela serait une prime n’importe quel jour, Matt et Ash ne laissent pas le printemps s’écouler uniquement sur cette sortie. En parallèle, ils proposent un nouveau EP de Ash qui est tout à fait à la hauteur des zones traversées ici et une série de sorties aussi. Plus une réserve de croquis d’Herbcraft qui donnent un contexte à « Wot Oz « tout en se tenant bien debout. Consultez le site de l’étiquette et découvrez tout ce qu’ils ont à offrir. Diffusez l’ensemble de l’album ci-dessous avant sa sortie demain.

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Mariana Semkina: « Sleepwalking »

Mariana Semkina s’éloigne du son duo, le très acclamé iamthemorning, pour faire flotter son drapeau en solo avec un décor typiquement éthéré de somnambulisme.  Bien sûr, ce n’est pas la première sortie de iamthemorning ; le claviériste Gleb Kolyadin a déjà utilisé la voie du solo comme exutoire pour son jeu remarquable. Pour être juste, il ne faut pas non plus y voir quelque chose d’inédit. En effet, il n’y a pas de concessions aux licornes ; Dieu nous en préserve,-et il est réconfortant de savoir que nous sommes en terrain raisonnablement familier avec une pochette au goût préraphaélite.

Elle a parlé du somnambulisme comme étant « un accomplissement personnel important parce que cela signifie que j’ai réussi à surmonter beaucoup de doutes et d’insécurités ». Cette fragilité que nous connaissons depuis iamthemorning se retrouve dans les chansons qui voient Grigoriy Losenkov fournir l’essentiel du support musical. Son piano, ses touches et ses talents généraux d’arrangeur sont le fondement de l’album, tandis que Mariana jette sa poussière magique par-dessus. Non sans un soupçon des comparaisons avec Tori Amos ou Kate Bush avec lesquelles elle semble destinée à souffrir.

Parmi les musiciens invités, Nick Beggs et Craig Blundell sont de la partie sur « Turn Back Time » et « Skin », offrant un groove profond sur le premier, qui est aussi fort et audacieux qu’un morceau de musique que vous attendez de cette combinaison, tandis que le second s’appuie sur un motif percussif et rampantr, comme on peut en trouver sur le travail solo de Beggs.

Cependant, la piste la plus marquante est peut-être celle où Jordan Rudess de Dream Theater apporte une touche classique et habile à « Still Life ». Il est intéressant d’entendre le contraste entre son accompagnement et celui de Gleb Kolyadin, plus familier, qui n’a que rarement eu l’occasion de s’exprimer dans l’éclat de l’œuvre de Dream Theater.

Une guitare douce et des cordes profondes caractérisent « Ars Longa Vita Brevis », » Lost At Sea » et « Invisible » et elles offrent un contraste avec la délicatesse des paroles. Ce dernier gronde lentement, le sentiment d’un maelström imminent se construisant jusqu’à ce que la menace de la tempête passe. Ce n’est pas toujours le cas lorsqu’elle chante « I will teach you how to be alone » et trouve du réconfort dans la solitude, mais l’injection massive de bravade lui donne une confiance inattendue, reflétée par les cordes écrasantes de « Mermaid Song ».

Elle donne à ses visions une nouvelle direction, sans l’étiquette « Chamber prog ». Le somnambulisme permet à Mariana Semkina de flirter avec de nouveaux domaines tout en conservant le charme qui fait sa carte de visite du mélodrame gothique. N’ayant jamais peur d’exposer son âme, ses espoirs et ses craintes, ses nouvelles chansons sublimes touchent et ouvrent une nouvelle voie.

***1/2

King Dude: « Full Virgo Moon »

Ces dernières années, King Dude a été l’une des voix les plus incomprises de la musique folk. Il a été accusé de tout ce qui se passe sous le soleil ; pour certains, c’est un violent psychopathe sataniste, pour d’autres, c’est un lâche charlatan-gauche… Et ce n’est qu’un début. Bien que de nombreux mythes l’entourent, il semble vrai que personne ne peut facilement le résumer en un seul souffle. Une chose est sûre, il joue des chansons intransigeantes consacrées à son métier sans se demander comment il sera interprété. Il ne demande à personne la permission d’exister de cette façon et refuse de reculer devant ses détracteurs.

Comme c’est la tradiion de la musique folk dans sa forme originale, son dernier album Full Virgo Moon représente un nouveau coup de Jarnac pour beaucoup de ces détracteurs, ses titres devenant des hymnes en forme de poignard pointu initiés par des théistes agissant sous le manteau et des athées (sic!). Le fait qu’il arme ses compositions de cette manière unique, fait de lui l’un des musiciens folk les plus dangereux et les plus influents de notre époque. Prenez garde et soyez conscient que King Dude est une force avec laquelle il faut compter.

Poignant et menaçant, « Intro (A Shadow’s Theme) » définit parfaitement la scène ambiante de la dernière œuvre de King Dude. Puis, dégoulinant de mélancolie, » My Rose By the Sea (Satyr Boy ») arrive ensuite avec impact ; une voix douce mais imposante et la guitare qui gratte ajoutant une certaine légèreté.

Tout en conservant les racines d’un style folk émotionnel et sombre, le morceau-titre est suivi d’une musique époustouflante de style country tout en restant un merveilleux passage perclus de tristesse sous forme musicale. « Before Forty Fives Say Six Six Six and The Satanic Temple » est un morceau de King Dude à contenu censé être satanique qui fera plaisir ou déplaisir suivant la propre inclination de l’auditeur.

Encore plus sombre et mélancolique, « Forgive My Sins est d’un autre niveau » avant que le « single » « Make Me Blind » et ses paroles énervée(« oh death you filthy whore, I crave you more and more ») ne change à nouveau la donne. Dans un tournant étonnant et reflétant le son talent, il s’intègrera ensuite parfaitement dans « A Funeral Song for Atheists » où ,en gardant le même rythme et les mêmes paroles, mais en ralentissant le tempo, il ajoutera ajoutant une injection de mélodie de pianoà dont la ferveur touch un émotionnel on ne peut plus haut-perché

La rémanence de cet album s’achèvera sur « Something About You », un dernier morceau profondément émouvant et sombre, recouvert d’un voile ou monceau d’accablement et de dépression. Malgrél ‘étiquette « folk », King Dude est un artiste à part entière dans la mesure où il a créé un merveilleux paysage sonore qui vous accompagnera longtemps après qu’il ait fini sa couse musicale.

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Ben Watts: « Storm Damage »

Storm Damage de Ben Watt est une collection de chansons intelligentes, intimes et précises qui traversent les genres avec assurance tout en restant cohérentes. Complétant une trilogie avec Hendra en 2014 et Fever Dream en 2016, le quatrième album solo du co-compositeur Everything But The Girl élargit sa pop axée sur la guitare pour inclure une gamme d’instruments, dont la contrebasse et le piano droit, et des collaborateurs qui incluent Alan Sparhawk de Low sur la pièce maîtresse de l’album Irene.

Dès les premières notes, la voix souvent trépidante de Watt oscille entre le chant et les morceaux de mots à demi prononcés, se délectant de détails si précis qu’ils font clairement référence à des moments et des lieux d’importance personnelle et n’en sont que plus efficaces. Trop souvent, les chansons pop semblent échanger des généralisations, laissant la place en l’absence de références concrètes à l’auditeur pour s’insérer et trouver un sens individuel à travers ce processus. Les chansons de Watt sont à l’opposé, semblant être si autobiographiques qu’elles nous invitent à imaginer des moments comparables dans notre propre vie, tout en nous laissant de la place pour à la fois imaginer ce qu’il nous dit et trouver nos propres histoires en conséquence.

Watt a toujours chanté sur ce qui ressemble à des vies ordinaires et sur leurs divers travaux et, depuis North Marine Drive en 1983, les histoires de ses chansons sont devenues plus personnelles, plus spécifiques et, par conséquent, plus émouvantes. Le premier « single », « Summer Ghost » » en est la preuve exacte. Inspirée de la tradition japonaise selon laquelle les fantômes apparaissent en été, la chanson explore les façons dont les expériences passées continuent de résonner bien après que l’on pense être passé à autre chose. Le va-et-vient rapide des paroles, ainsi que la manière facile de raconter de Watt, se déplace rapidement sur des sites familiers de désespoir familial, comme quand on nous dit que « My folks were just people with their own shit/ And God knows there was enough of it. » (mes parents étaient juste des gens avec leur propre merde/ Et Dieu sait qu’il y en avait assez). Dans le dernier couplet, il revisite la ville de Hull, où il a rencontré Tracey Thorn de l’EBTG pour la première fois. Il note que la ville a changé dans l’intervalle, mais qu’elle est toujours émue, comme il l’a écrit sur Facebook, par «  the clear scars of economic austerity and my own memories of the place » par (les cicatrices évidentes de l’austérité économique et par mes propres souvenirs de l’endroit).

« Figures in the Landscape » est une ballade au piano, de douces harmonies qui encadrent un refrain qui allie désespoir et espoir dans le refrain : « One more day to live through/ Take a stand/ One more day to live for/ Clap your hands » (Un jour de plus à vivre/ Prenez position/ Un jour de plus à vivre/ Frappez dans vos mains), les tambours et le balancement retenu soulevant la piste en quelque chose qui, de la meilleure façon possible, ferait sortir les briquets dans un stade. « Balanced on a Wire » poursuit l’exploration des difficultés silencieuses de la vie ordinaire, ponctuée par un huit du milieu qui présente un magnifique contrepoint de guitare basse à la douce houle montante du reste de l’instrumentation.

L’introduction jazzy de « Retreat to Find » nous ramène à Eden, le premier album de l’EBTG, et à sa sonorité pastorale unique, même si les paroles continuent d’explorer les petits détails de la vie tandis que le « closer » l’album, « Festival Song », écrit du point de vue d’un festivalier et d’un spectateur, parle autant de solitude que d’appartenance. Livrée par un motif de piano doux et mélancolique, c’est une autre ballade folklorique qui montre à quel point la palette d’écriture de Watt est devenue large.

S’il y a un fil conducteur qui unit toutes ces petites histoires puissantes, c’est la façon dont nous sommes tous obligés de nous confronter à nous-mêmes, peu importe où nous allons ou ce que nous devenons. Watt a produit un ensemble de chansons qui lient son écriture au meilleur de la musique folklorique britannique, chantant la nostalgie sans en être la proie, commentant l’amour et le changement, le temps et le désir, les petits succès et les déceptions ordinaires. Le refrain du premier « single » résume parfaitement l’objectif de l’album, où Watt nous rappelle que « … When you look back you find you haven’t travelled far/ Though you’d changed until reminded who you are/ And every piece of you that you’d volunteered/ Just brings the summer ghosts near ». (Quand on regarde en arrière, on se rend compte qu’on n’a pas beaucoup voyagé/ Bien que l’on ait changé jusqu’à ce qu’on se rappelle qui on est/ Et chaque morceau de vous que vous avez fait du bénévolat/ Ne fait qu’approcher les fantômes de l’été).

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