Goldmund: « The Time It Takes »

27 octobre 2020

Grâce à sa musique d’ambiance minimale, centrée sur le piano, Goldmund (alias Keith Kenniff, de Pennsylvanie) a créé un son instantanément reconnaissable sans jamais avoir l’impression d’être recyclé. The Time It Takes est un autre album émotionnel, qui rappelle la perte et le deuil – non pas à une échelle personnelle, mais mondiale – et qui est également capable de briller d’espoir, en attendant patiemment des jours meilleurs.

Un seul piano suffit à approfondir les eaux du chagrin, mais un synthétiseur rayonnant est là pour le soulever, le soutenir et le remettre sur pied ; le synthétiseur et les autres éléments supplémentaires sont des fils d’optimisme, qui parcourent toute la musique. Le synthé et les autres éléments supplémentaires sont des fils d’optimisme, qui courent tout au long de la musique. Des accords aussi brillants que la lumière du soleil traversent et se libèrent, et Kenniff est un maître dans l’art de développer l’atmosphère. Les compositions se déroulent à leur propre rythme, mais elles cherchent toujours à grandir, à se dresser de plus en plus haut, comme un tournesol qui cherche sa source de lumière. De la même manière, les accords boivent dans la lumière comme si elle contenait des nutriments vitaux, non seulement pour soutenir la musique mais aussi pour lui donner vie.

« Day In, Day Out » donne le ton pour le reste du disque, où un magnifique piano rougeoyant est rendu plus lourd, plus riche et plus plein par le traitement. La musique de Goldmund se développe à partir d’un seul point, à partir d’une seule phrase ou mélodie, pour finalement brûler de plus en plus fort et s’envelopper dans une atmosphère teintée d’ambiance. Le piano est une constante, et il semble vieux, lui aussi. La musique peut rappeler à l’auditeur une certaine époque, en lui faisant revivre des souvenirs, des visages et des lieux. La nostalgie est émotionnellement puissante, et la musique y sera toujours liée, mais la musique de Goldmund évoque le passé de manière naturelle, sans sursaturation et sans clichés. Tout cela revient dans un esprit vieillissant grâce aux réminiscences du piano.

Les morceaux de musique sont plutôt des vignettes, des épisodes pour un esprit en retrait, et les grottes de réverbération aident également à approfondir l’expérience. On peut toujours s’attendre à la plus haute qualité de la musique de Goldmund, et The Time It Takes n’est pas différent ; il y a des morceaux vraiment frappants sur cet album, peut-être pas plus hauts que le final, « The Valley In Between », qui termine l’album sur une note incroyable, et un à peine au-dessus d’un murmure. Epuré et atmosphérique, ses échos sont éternels.

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Roger O’Donnell: « 2 Ravens »

22 juin 2020

Le claviériste et compositeur Roger O’Donnell a passé plus de 40 ans sur scène avec des groupes comme Psychedelic Furs, The Thompson Twins et depuis 33 ans (à l’occasion et en dehors) le plus grand groupe culte du monde – The Cure.  Depuis 2005, il mène également une carrière solo active et intéressante. Il a composé et enregistré un album entier, The Truth In Me on a Minimoog Voyager en 2006 pour son premier projet solo et en 2015 il a collaboré avec la violoncelliste Julia Kent sur Love And Other Tragedies, (une écoute recommandée si vous n’avez jamais exploré l’œuvre classique de O’Donnell auparavant) une collection passionnante de compositions pour piano et violoncelle inspirées d’histoires d’amour classiques.

Ces dernières années ont été bien remplies pour O’Donnell – il y a eu une tournée mondiale épuisante en 2016 avec The Cure et un concert à Hyde Park pour célébrer le 40e anniversaire du groupe en 2018. L’année 2019 a été une nouvelle année record pour le groupe, avec l’une des meilleures performances en tête d’affiche jamais réalisées à Glastonbury, ainsi qu’une digne intronisation au Rock and Roll Hall of Fame.  Ainsi, après la tournée, pendant un certain temps d’arrêt, il est retourné chez lui dans le Devon, dans le sud-ouest de l’Angleterre, et a passé du temps à produire 2 Ravens qui est devenu un autre projet de collaboration – cette fois avec la chanteuse et parolière Jennifer Pague du groupe de pop Indie américain, Vita And The Woolf.

2 Ravens a commencé comme un disque instrumental, la première face comportant deux violoncelles et la seconde un quatuor à cordes, lorsque O’Donnell a été présentée à Pague et lui a envoyé le matériel pour qu’elle le commente. Elle lui a ensuite renvoyé 90 secondes de chant sur un morceau et il a été époustouflé par son interprétation. Pague a écrit et fait des démos de ses quatre chansons dans son home studio à Los Angeles et les deux se sont retrouvés à Londres pour enregistrer l’album. Il a été enregistré en cinq jours seulement avec certains des musiciens préférés de O’Donnell : Alisa Liubarskaya, Miriam Wakeling, Aled Jones, Nadine Nagen et Daniel Gea.

Dès les douces touches de piano et les sombres coups de violoncelle du premier morceau « December », on perçoit dans le son global de l’album quelque chose d’introspectif et de pastoral qui est clairement influencé par le paysage qui se trouve devant l’œil de O’Donnell. C’est une œuvre vraiment visuelle et chaque chanson est presque comme un tableau. Le violoncelle occupe le devant de la scène pour deux chansons en particulier, tout d’abord sur la chanson titre « 2 Ravens » – son son riche dégoulinant de mélancolie, magnifiquement moelleux. Ensuite, sur « On The Wing », ses notes profondes sont plus douces, accompagnées de délicats pincements de cordes et de clés.  Les deux chansons évoquent des visions de prairies de fleurs sauvages en été ou de nuages passant sur des landes accidentées et sombres.

Le premier « single », « An Old Train », voit Pague participer à la première des quatre chansons. Sa voix est presque comme un autre instrument et les paroles, bien qu’excentriques, sont une sorte de travail : « Je suis sous le soleil de l’Alaska / je me bats pour ce que je peux / je me réveille le matin / je dors la nuit, l’après-midi » ( I’m in an Alaska sun/fighting for what I can/ I wake in the morning/ sleep in the night,  afternoon) – son talent réside dans sa façon de chanter et non dans ce qu’elle chante – le rythme et la cadence de ses paroles ainsi que le ton chaud de sa voix sont en harmonie avec les arrangements musicaux.

« The Haunt » est le « single » actuel et il démontre parfaitement la puissance et le timbre exceptionnels de la voix de Pague,mystérieuse mais angélique, et travaillant en synergie avec une myriade d’instruments à cordes et les touches de danse de O’Donnell. Les paroles « I’ll get you real good » séduisent l’auditeur au fur et à mesure que la chanson progresse. Elle est magnifiquement construite et constitue l’un des points forts de l’album.

C’est une chanson sur le fait d’être quitté et comment vous, si vous le pouviez, hanteriez la personne qui vous a quitté… et qui ne voudrait pas faire cela ? La chanson a été influencée par une histoire folklorique française, « The Peasant and the Wolf », et lorsque Jen a écrit les paroles, elle a pris une sorte de tournant sombre ce qui transforme une heureuse histoire folklorique et rurale en un conte de vengeance tordu.

Un autre point fort est « The Hearts Fall ». D’une durée d’un peu plus de neuf minutes et demie, il est clair que ce morceau était destiné à d’autres choses – il a été écrit à l’origine par O’Donnell pour un projet de Phillip Glass qui devait être joué lors d’un des concerts de bienfaisance de Glass. Il y a également eu des discussions sur une éventuelle pièce de ballet. Les touches répétées du piano démarrent le morceau avec une certaine urgence tandis que les cordes se font plus aiguës et plus fébriles jusqu’à ce que juste avant les quatre minutes, le morceau subisse une transformation – les notes répétées cessent et ensuite – tout devient calme et tranquille.  Les cordes sont devenues calmes, le violoncelle apaisé et les touches plus réfléchies. Il y a plus d’espace entre les notes – cela évoque l’expérience de faire surface à l’extérieur après un gros orage. La deuxième moitié de cette chanson est belle – cathartique, pleine d’espoir en la guérison.

Les deux dernières chansons sont celles de Pague – « Don’t Tell Me » commence avec des touches douces et un violoncelle avant que deux notes vocales rauques ne donnent presque à la chanson un ton doux, surtout dans le refrain :  « Eh bien, Gee Whizz, ne me dis pas que tu es réel/ mes os sont faits de métal qui vient du camping à l’extérieur » ( Well, Gee Whizz, don’t tell me you’re real/ my bones are made out of metal that came from the campground outside) – sa voix et ses paroles sont vraiment séduisantes et intéressantes et donnent à la chanson un côté différent. Sur l’album plus proche « I’ll Say Goodnight », sa voix est aérienne et éthérée, ses inflexions vocales sont connues avec Vita and The Woolf et elles entrent en jeu. Une fois de plus, la juxtaposition des paroles sombres et de l’instrumentation légère donne à la chanson une petite touche unique.

C’est un album très personnel pour O’Donnell et son sonorité est fortement influencée par sa vie dans l’Angleterre rurale – son piano joue un rôle de soutien plutôt que de prendre la tête, les arrangements de violoncelle et de cordes encadrent les tableaux qui sont la voix de Pague et les instruments sont remis à l’auditeur pour qu’il puisse imaginer les histoires en l’absence de mots.

2 Ravens est un album qui semble pertinent en ce moment et parfait pour ces jours d’enfermement – Il semble rural et sombre mais il est aussi plein d’espoir, calme et timidement optimiste.

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