Clarice Jensen: « The Experience of Repetition as Death »

19 avril 2020

Dernièrement, la violoncelliste Clarice Jensen, cofondatrice du groupe polyvalent de musique nouvelle American Contemporary Music Ensemble, s’est tournée vers la création d’œuvres solos utilisant des effets électroniques. L’idiome peut sembler idéal pour notre état actuel d’isolement, mais la musique de son album The Experience of Repetition as Death rejette le nombrilisme méditatif. Jensen déploie des boucles et des couches pour évoquer l’expérience de s’occuper de sa mère en phase terminale dans ses dernières semaines, en adoptant des concepts de Freud et de la poétesse féministe Adrienne Rich comme idées structurelles. De simples répétitions dans « Daily » rappellent les tâches élémentaires d’un concierge – leur pénibilité est sous-entendue alors que les bords de la musique s’adoucissent et s’estompent progressivement.

Le vocabulaire électronique de Jensen peut étonner : un bourdon guttural dans « Day Tonight » ressemble à un chant tibétain, et, dans « Metastable », le bip incessant des moniteurs de l’hôpital se transforme en une étude majestueuse d’un orgue à tuyaux « Holy Mother », une hrénodie  montagneuse balayée par le vent, et « Final », où des crépitements nostalgiques précèdent un choral à la voix simple, semblable à un hymne, complètent cet album d’une puissance quasi surnaturelle.

***1/2


Rebecca Foon: « Waxing Moon »

16 avril 2020

Après avoir sorti deux albums sous son nom de Saltland, Rebecca Foon, qui est aussi depuis longtemps membre de Thee Silver Mt. Zion et d’Esmerine, sort de derrière les mailles du groupe pour présenter une collection de chansons personnelles et écologiques.

Sur Waxing Moon, Foon sort également de son violoncelle et s’assoit au piano pour de nombreuses compositions de l’album. « New World », qui ouvre et ferme l’album, a la délicatesse des œuvres cinématographiques de Peter Broderick, prenant un thème brutal et patient et l’ouvrant à un flux précipité d’instruments avant de revenir à un endroit fragile et résonnant. Le retour au violoncelle sur « Another Realm » marque également un retour aux racines de « Constellation », avec le violon de Sophie Trudeau, (Godspeed You Black Emeror !) Sophie Trudeau de l’Empereur Noir, pour une composition qui secoue le cœur et remet en cause toute notion de gravité. La première partie se termine par « Wide Open Eyes », qui augmente le tempo et le rythme, comme un morceau de Saltland, mais avec une musculature acoustique supplémentaire grâce au producteur/musicien Jace Lasek (Besnard Lakes) à la batterie et à la guitare.

La face deux trébuche un peu, avec trois morceaux dos à dos qui serpentent sur un territoire très similaire, composé de simples accords de piano répétés et des paroles de Foon qui respirent. Le dernier des trois, « Vessels », finit par briser l’humeur noire avec des boucles scintillantes et un écho appliqué au piano et aux voix des invités par Patrick Watson. Trudeau revient au violon pour « This Is Our Lives » » un morceau qui sert, en quelque sorte, de résumé à l’album avant que la reprise du thème principal ne soit jouée tranquillement vers son dénouement.

 Waxing Moon présente une sorte de transition dans la carrière de Foon, avec l’aide du désespoir et de l’espoir qui sont inscrits dans l’ADN de son travail précédent, mais avec une articulation plus poussée de ces émotions, devenant une personne visible et faiblement éclairée qui se tient devant le monolithe. Foon met également son argent là où se trouve sa musique, en reversant tous les bénéfices au projet Pathway to Paris et à celui des Mille Villes, qui s’attaquent à la crise climatique et à l’élimination du carbone.

***1/2


Jochen Tiberius Koch: « Astoria »

27 mars 2020

Astoria est le deuxième album concept en autant d’années de Jochen Tiberius Koch, dont le dernier album était une réflexion sur Walden et le nouveau sujet en est l’hôtel Astoria, autrefois un joyau de l’architecture et de l’hospitalité de Leipzig. Tout en retraçant l’histoire de l’hôtel, Koch le transforme en une parabole historique et sociale, se terminant sur une note d’incertitude qui reflète l’époque actuelle.

L’album est mi-vocal et mi-instrumental, mais comme beaucoup de paroles sont en allemand, il faudra des notes de pochette ou un traducteur pour en comprendre la nuance. L’ouverture parlée ouvre la scène avecun refrain leitmotiv : « si les murs pouvaient parler », présentant l’hôtel comme le personnage principal. Ensuite, le récit progresse à travers la destruction de l’hôtel par les raids aériens en 1943 jusqu’à la reconstruction d’après-guerre, l’utilisation par le gouvernement, la privatisation et enfin la désaffectation.

Il y a un léger décalage entre le ton de la musique, qui tend vers la beauté, et les mots, qui sont las du monde et mélancoliques. Même dans le premier morceau, le piano joue une mélodie édifiante, soutenue par des cordes de soutien. En revanche, » »Uplifting Monument » commence à la manière d’une marche, dans un contexte militariste, rappelant Wagner. « Uplifting » peut signifier « soulever » ou « construire » plutôt que « stimuler l’esprit ». La fierté d’une nation s’affiche, comme en témoigne la finale de « Sunrising ».

Quand apparaît la langue anglaise : « suitcase, suitcase, the elevator goes up and down, opens and closes », on grimpe un peu ~ bien que ce soit annoncé comme « indie pop / electronica / modern composition ». Le chant se dissipe rapidement, révélant une piste rythmée qui n’avait pas besoin d’une exposition aussi simple. L’instrumentation de Koch est sa force, bien que l’on s’imagine des aspirations théâtrales, voire des rêves de Top 40 (« The Ballare », qui comprend des chants doux et des cloches de traîneau, et le mémorable Epilog »).

Comme album se voulant accessible, c’est avant tout un disque très inhabituel. Ironiquement, la musique semble en dire plus lorsque les chanteurs ~ aussi merveilleux qu’ils soient ~ font un pas en arrière pour laisser couler la mélancolie. « The Lobby Boys » recrée un sentiment d’émerveillement et d’hospitalité sans un seul mot. Le décalage électronique est une agréable surprise, une collision de cultures. La Schmalkalden Philharmony (dirigée par Knut Masur) est en pleine forme, bien que l’on puisse sentir la main de Koch dans les ajouts modernes. « 33/45 » se dirige dans une direction encore plus électronique, en suivant le son d’une sirène de raid aérien et les mots « les murs se brisent ». Nous nous souvenons d’autres murs qui ont été brisés, les plus évidents étant le mur de Pink Floyd et le mur de Berlin. Le morceau se termine par un mot parlé et une horloge, une combinaison à la fois familière et théâtrale.

Une fois de plus, alors que nous pensons à trop de mots, nous arrivons à la pièce maîtresse de l’album, « After the War ». Le titre semble un peu trop optimiste pour son sujet, mais la combinaison de tambours et de cuivres en direct provoque un climat triomphal inattendu. À partir de ce moment, l’album aborde l’ère moderne avec un mélange d’inquiétude et de résignation. Aujourd’hui, l’hôtel est inutilisé. Il a vu tant de choses, il a tant à offrir. L’instrumental « Declin » » reflète parfaitement son titre, ouvrant la voie au magnifique « Lost Place ». Près de vingt minutes s’écoulent avant que le dernier chanteur n’apparaisse.

« C’est parce qu’on ne supporte pas peut-être » chante Fraullein Laura, mais une traduction plus précise pourrait être « incertitudes ». Le monde se fragmente à nouveau ; la beauté est ignorée ; l’avenir n’est pas clair. L’Astoria a traversé une de ces périodes ; survivra-t-elle à une autre, ou deviendra-t-elle une parabole que les gens ne tentent plus de déchiffrer ? Questions qui, au-dela de la parabole, s’adressent à nous tous.

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Jan Wagner: « Kapitel »

23 mars 2020

Comme sortie de nulle part, une étoile est apparue au firmament musical fin 2018, qui a eu un rayonnement immense. Avec Numbers, le Berlinois Jan Wagner a livré un premier album qui a donné de nouvelles facettes et de nouvelles impulsions au domaine de la musique ambient. Les éloges étaient grands, mais le Berlinois ne s’est pas reposé sur ses lauriers, bien au contraire et son successeur, Kapitel, prolonge sans faille les débuts. Cette question n’est pas posée ici, à savoir si le nouveau travail sera en mesure de le faire ou non. Il s’agit plutôt de savoir si Kapitel peut surpasser le début déjà parfait. Doit-elle même le faire ? Le deuxième album rend davantage justice au titre de l’album – c’est le deuxième chapitre d’un opus qui est presque intemporel.

Jan Wagner vit à Berlin, il est pianiste, producteur et ingénieur du son. Il joue du piano depuis l’âge de 5 ans. Il est fasciné par la musique qui se cache sous la surface. À l’automne 2018, il a posé un véritable jalon avec l’album Nummern et est ainsi devenu une référence musicale dans le domaine de l’ambient dans la mesure où il maintenait dans ses productions un niveau émotionnel exorbitant avec des essences pures mélancolie coulent à chaque octave et à chaque mélodie. Il explique ainsi sa démarche : « Les domaines musicaux de la musique d’ambiance et de la musique néoclassique ont longtemps formé une symbiose, et sur les « chiffres », on apprend à les aimer et à les apprécier. » Le tout trouve maintenant sa continuation avec le nouvel album, où la peinture expressionniste a été explicitement appliquée une fois de plus.

Si vous avez été un grand ami des chiffres et que vous essayez d’évaluer objectivement l’ensemble du nouvel album, cette pensée est détruite en quelques secondes. Comme au début, cette magie de l’esthétique sonore et de la mélancolie vous envahit immédiatement, là où vous devez lutter avec les mots. On a l’impression d’avoir à nouveau un album de l’année à l’oreille ou du moins un ,qui apparaîtra sûrement dans les différents temps forts de l’année à la fin de l’année 2020. Comme d’habitude, Jan Wagner instrumentalise ses pièces au piano, construit des façades chaleureuses et romantiques d’électronique charmante et sensible autour de la trame sonore. Les murs modernes sont entrelacés avec des structures classiques qui vous font tomber immédiatement amoureux d’eux. Grâce à sa compréhension de la musique, le Berlinois a également l’empathie et le sentiment pour lesquels il doit mettre l’accent sur les tons, les séquences ou les passages en termes de tempo et de volume, afin qu’ils pénètrent le cœur de l’auditeur sans effort.

En général, Kapitel est un peu plus dynamique, mais les textures sont toujours très accrocheuses comme le prédécesseur. La symbiose parfaite entre les paysages sonores électroniques et le toucher classique du piano est sans faille et pleine de beauté. Une structure sonore homogène, qui rompt avec les schémas habituels de la poésie ambiante et romantique sous forme acoustique, est littéralement célébrée sur l’album dans certains morceaux. Un pilier de l’album est le degré de simplicité, chaque chanson reflète un fragment de l’âme du compositeur. Calme, sensible et réfléchi sont les mots clés, répandant une aura de paix et de silence acoustique.

Une fois de plus, ce sont de véritables perles dans le genre, que Jan Wagner a réalisées sur des chapitres. « Kapitel 30 » répand la chair de poule avec le « sprechgesang », un chant déclamé, filigrane de sa collègue Rosa Anschütz. Le monde des émotions est tout simplement chamboulé et mis à l’envers, c’est là que le degré de mélancolie atteint son paroxysme. L’atmosphérique « Kapitel 28″ »déploie sur l’auditeur des paysages sonores électroniques qui captivent avec fougue. « Kapitel1 » » est une expérience sonore méditative sur fond de piano et de synthétiseur marginal. C’est aussi un point qui fait que le deuxième album vous met dans la peau si intensément. Les compositions sensuelles et gracieuses en tenue néo-classique. Mise en scène avec des collages très émotionnels au piano, des timbres pleins de nostalgie et de mélancolie, qui s’enfoncent profondément dans le cœur, grâce à des structures accrocheuses.

Kapitel est vraiment une digne continuation du premier album Nummern. Il offre plus de nuances de la musique classique moderne sans quitter les niveaux sphériques. Au total, l’œuvre contient 8 titres différents, qui peuvent être placés dans l’art intemporel. Le nouvel album est une autre apparition représentative dans le genre de l’ambiance du compositeur Jan Wagner. Les fans d’ambient onirique seront certainement pas déçus par ce nouvel album.

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Hoshiko Yamane & Mikael Lind Spaces In Between

22 février 2020

Spaces in Between est une collaboration entre Hoshiko Yamane (Tangerine Dream) et Mikael Lind. Le titre se déploie déjà de plusieurs façons : les deux musiciens sont compositeurs et interprètes, et le processus d’écriture de l’album les a amenés à envoyer des fichiers sans se rencontrer, entre Berlin et Reykjavik. L’album se situe dans un espace entre acoustique et électronique, classique et pop (du moins si vous acceptez les séquences de synthétiseurs old-school comme de la pop). Il se situe dans un espace entre la musique d’ambiance, et l’idée bien connue de la musique de meubles, et les compositions qui ont toujours quelque chose à faire. Toutefois, Spaces in Between est un disque d’une simplicité et d’un lyrisme trompeurs. On l’entend tout au long de l’album, mais on en trouve la preuve dans des morceaux comme « Getting the Message Across ».

Des violons doublés commencent à jouer et suscitent une réponse du piano, qui est bientôt accompagné par un beau et chaleureux clavier. Le violon d’Hoshiko Yamame sonne magnifiquement, le piano de Lind résonne avac la même magnificence. Encore une fois, il s’agit de contrastes simples mais nets dans l’identité sonore. La liste des morceaux le montre aussi : « Connecting the Cycle », « Flow Plus Cycle », « Lasting Cycle » « Into the Whirl », « Wave Interaction » – les musiciens ne cessent de bouger. Enfin,  ce dernier titre, » commence par une phrase rythmique provenant d’un oscillateur, puis les deux collaborateurs jouent dessus.

L’album est juste de la bonne longueur aussi – 8 titres répartis sur 42 minutes. Mais dans cet environnement sonore confortable, on ne s’ennuie jamais. Les oscillateurs entrent, ancrent un morceau et en modifient subtilement l’ambiance. Les couches de piano interagissent avec le son cristallin du violon. Parfois, comme dans « Reprocessed Phrases », un crépitement agréable se fait entendre en dessous, de manière ambiguë. Bien que l’ambiance soit très similaire du début à la fin, il y a une grande délicatesse et un grand souci du détail. Délicat, mais grave.

***1/2


Aaron Diehl : »The Vagabond »

14 février 2020

Le pianiste américain Aaron Diehl s’est surtout fait connaître comme accompagnateur privilégié de la chanteuse Cécile McLorin Salvant — les deux se sont encore produits en duo cette semaine. Mais Diehl a aussi ses projets en parallèle, et en leader : à preuve, ce troisième album pour l’excellente étiquette Mack Avenue, cette fois en trio avec Gregory Hutchinson à la batterie et Paul Sikivie à la contrebasse.

Entre sept compositions et quatre reprises (on note celle de John Lewis (une influence évidente pour Diehl ), de même qu’une superbe version de « Piano étude no 16 » de Philip Glass, une autre référence pour le pianiste), le jeune trentenaire distille son jeu précis et sophistiqué dont l’éclat et la virtuosité se mesurent paradoxalement dans la retenue. Formé tant en classique qu’en jazz (ce qui s’entend partout, à la manière d’un Fred Hersch), Diehl possède une touche d’une rare luminosité et d’une rare profondeur : c’est dans les détails que l’on note la richesse de son jeu, et c’est très bien comme ça.

***1/2


Anne Müller: « Heliopause »

6 février 2020

Après de nombreuses participations, comme violoniste ou violoncelliste, sur des sorties d’autres musiciens, comme des collaborations avec Nils Frahm dans lesquelles son nom apparaissait au même niveau que celui de l’autre intervenant, c’est donc dans l’exercice purement solo que l’Allemande s’aventure sur son « debut album ».

Purement solo, certes, mais pas uniquement dédié à son instrument de prédilection car le violoncelle n’est pas le seul présent sur ce court album (six morceaux pour une grosse demi-heure) puisqu’un piano est ainsi joué sur « Being Anne », mais de manière un peu détournée car Anne Müller l’utilise avec un médiator, employé pour jouer des cordes, et gratte les mécanismes pour créer une rythmique, avant de retrouver ce clavier plus loin, de manière plus traditionnelle sur « Aarhus/Reminiscences ». Par ailleurs, n peut l’entendre frapper la caisse de son violoncelle pour former des coups répétés (« Nummer 2 »), ou ajouter des vocalises (« Drifting Circles) », tout cela intelligemment combiné aux interventions à l’archet mises en boucle.

Cet alliage d’auto-sampling et de petits adjuvants fait, on a récemment eu l’occasion de le souligner lors de la recension du concert de Mary Lattimore, la qualité des propositions néo-classiques centrées sur un instrument principal. De fait, à la différence de ceux qui se satisfont de jolies mélodies et de respirations très profondes et intensément pensées, il y a là une volonté de travailler sur l’itération et une forme de musique sérielle vraiment réussie. Cette accointance s’exprime particulièrement quand le tempo s’accélère et que l’archet attaque plus rapidement les cordes (« Drifting Circles », qu’on peut effectivement apparenter à des cercles un peu déviants). En creux, le morceau-titre, qui conclut le disque, peut alors apparaître comme un peu plat et manquant d’inventivité, opérant majoritairement dans les graves, mais sans recherche autre. Reste toutefois un disque assurément intéressant et la curiosité de ce que Müller pourrait véhiculer sur scène.

***1/2


Robert Haigh: « Black Sarabande »

2 février 2020

Black Sarabande prolonge les débuts séduisants du pianiste-compositeur Robert Haigh grâce à une collection de compositions intimes et évocatrices au piano.  Haigh est né et a grandi à Worsbrough, dans le sud du Yorkshire, en Angleterre. Son père, comme la plupart des pères de ses amis, était un mineur qui travaillait à la mine locale.  Le travail de Haigh est marqué par le bruit matinal des chariots de charbon manœuvrés sur les rails, le passage de trains lointains et les sentiers ruraux longeant le paysage industriel désertique.

L’album s’ouvre sur la chanson titre – un motif de piano spacieux et plaintif se développe à travers une série de variations discordantes avant de se résoudre. Sur « Stranger On The Lake », les textures et les sons trouvés jettent les bases d’une phrase de piano à deux accords évoquant un sentiment d’élégie. « Wire Horses » est une peinture sonore et atmosphérique d’espaces ouverts et de lumières lointaines. « Air Madeleine », de son côté, utilisera des variations de tempo et de dynamique pour créer le morceau mélodique le plus séduisant de l’album.  « Arc Of Crows » improvisera sur un seul accord de septième majeure, faisant éclater des gouttelettes de notes tandis que des traînées fantomatiques et mélodiques glissent et s’imposent lentement à notre vue.

« Ghosts Of Blacker Dyke », une évocation nostalgique des racines de Haigh dans le nord industriel de l’Angleterre, mêlera les sons dissonants de l’industrie à un ensemble de variations langoureuses au piano tandis que « Progressive Music » sera construit autour d’une série d’accords de piano légèrement dissonants et arpégés qui modulent les changements de tonalité majeurs et mineurs avant de se résoudre en un refrain nostalgique et énigmatique. Dans « The Secret Life of Air », une ligne de piano nocturne et grave se frayera lentement un chemin à travers l’ambiance feutrée de la pièce, s’arrêtant presque au moment où chaque note se forme et se réverbèrera en un flou avec la suivante. L’ambitieux « Painted Serpent » commence calmement avec des tampons en forme de drone et se développe avec l’introduction de lignes de piano en contrepoint et un collage orchestral de sons soutenus par un motif de basse délibéré. « Broken Symmetry » et « Lady Lazarus » souligneront enfin le talent de Haigh pour brouiller la ligne entre dissonance et harmonie – des portraits opaques au piano de clair de lune et d’ombres évoquent les palettes impressionnistes de Harold Budd, Debussy et Satie.

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Pauline Oliveros, Stuart Dempster, Panaotis: « Deep Listening »

1 février 2020

L’étonnant classicisme « drone » de Pauline Oliveros re fait enfin surface pour une édition définitive de 30e anniversaire, nouvellement enrichie de matériel provenant de l’album un peu plus tardif mais connexe The Readymade Boomerang.

Enregistré en 1989 dans une citerne avec une réverbération de 45 pouces, située à 14 pieds sous terre à Seattle, Deep Listening est un coup de maître en matière d’harmonie intuitive dirigé par l’une des compositrices, accordéonistes et penseurs musicaux les plus vénérés du 20ème siècle : Pauline Oliveros. Accompagnée de ses collaborateurs de longue date au sein du Deep Listening Band, Stuart Dempster (trombone, tuyau d’arrosage, conque, didjeridu) et Peter Ward alias Panaiotis (voix, sifflement), le trio produit une musique totalement atavique mais tournée vers l’avenir, qui sonne de manière convaincante comme de l’électronique mais qui est en fait entièrement acoustique à l’origine, et qui risque de laisser les auditeurs de Deep Listening cloués au sol par cette conception de la composition actuelle.

Comme le cri lancinant de la Terre nourricière qui se lamente depuis des siècles, il est difficile d’éviter les comparaisons pour ce disque avec des événements qui ont pratiquement dépassé la conception humaine. Bien sûr, il ne s’agit que de trois personnes dans un espace très résonnant, mais les résultats parlent directement à nos six sens d’une manière qui échappe vraiment à la classification concrète et qui ne peut être saisie qu’au niveau le plus insaisissable, spirituel – à moins que vous ne vouliez entrer dans la physique de la phénoménologie acoustique et de la psychologie, et pour être juste, cela pourrait gâcher l’effet. Nous vous recommandons plutôt de trouver le temps et l’espace pour accorder toute votre attention à cet album – de préférence la nuit, lorsque les conditions sont similaires à l’obscurité que les interprètes ont connue dans la citerne – et de vous sentir dématérialisé, comme leurs sons, dans un état perceptif de décomposition vibratoire pure et finement graduée et de mystère harmonique.

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Daniela Savoldi: « Ragnatele »

15 janvier 2020

Parmi les nombreux talents originaux et intrigants de la musique actuelle, on a tendance à passer à côté de Daniela Savoldi est une violoncelliste italo-brésilienne qui s’efforce de penser musique néoclassique autrement. Cela s’est vu sur ses deux premiers albums et cela se confirme définitivement avec son successeur intitulé Ragnatele.

Sur ces six titres, elle incorpore des éléments ambient et drone sur sa musique méditative et cinématographique. Il en résulte unopus des plus labyrinthiques avec des morceaux venus d’ailleurs tels que l’introduction du disque qui annonce la couleur et mettant en avant une voix des plus fébriles mais bien également « Improvviso » et « Space » jamais dénués de poésie. Avec ses drones grinçants rendant ce virage plus radical et expérimental sur des titres quasi-noisy tels que « Storia Di Un Attentato » et « Dada », la violoncelliste rajoute plus d’une corde à son arc et fait de ce Ragnatele qui se clôt avec le nerveux « Modulatori » un disque où le dissonant rencontre la poésie.

***1/2