Gabríel Ólafs: « Piano Works »

13 juin 2020

Piano Works est une sélection tendre et magnifiquement composée de pièces pour piano du pianiste islandais Gabríel Ólafs. Son premier album, Absent Minded, a été écrit à l’âge de 14 ans, et sur Piano Works, l’adolescent continue faire montre d’ une telle excellence que vous trouverez dans ce disque un niveau de maturité et de profondeur musicale étonnamment avancé.

Sur Piano Works, Ólafs présente des « arrangements réimaginés », qui sont publiés dans le cadre d’un ambitieux projet de déconstruction du label One Little Indian Records. Ólafs a commencé à jouer du piano à l’âge de cinq ans, en étudiant d’abord le piano classique et le piano jazz, mais il s’est toujours penché sur les cercles plus larges de l’improvisation et du jeu à l’oreille et leur a préféré. Cela a donné à sa musique une belle liberté et une grande fluidité, et l’improvisation influence fortement son son. Les compositions semblent avoir une structure concrète, mais il y a de l’espace à l’intérieur, ainsi qu’un son plus flexible.

L’improvisation aide également à élargir les horizons, et c’est là que l’on peut entendre les heures et les heures de pratique ; elle développe à la fois l’oreille et le cœur.

Ses études prolongées ont porté leurs fruits, car les huit pièces qui en résultent sont sensibles, ludiques et pleinement étoffées. Tout en s’épanouissant et en brillant, les compositions sont imprégnées d’autre chose – du cœur, et c’est une qualité audible. Les mélodies complexes et les phrases qui coulent sont cinématographiques, et une touche habile ouvre beaucoup d’espace pour un son plus ambiant, qui à son tour glisse sur les notes du piano et crée une atmosphère hypnotique et rêveuse. Regardez cet espace et souvenez-vous de ce nom.

***


Niklas Paschburg: « Svalbard »

8 juin 2020

Ces dernières années, la musique classique moderne a vu que ses textures ne sont pas seulement orchestrales, mais aussi synthétisées comme pour se moduler à d’autres démarches contemporaines. Niklas Paschburg fait partie de cette race croissante de compositeurs qui n’hésitent pas à faire de sa musique cinématographique une musique à base de synthé, de piano, de cordes ou même de guitare. Le résultat final est que son dernier album Svalbard surprend tout autant qu’il divertit.

Il est parfois facile de le classer dans la catégorie des musiques de cinéma de science-fiction en raison de l’ampleur et de la portée épique des morceaux, mais ce serait injuste. Pour chaque morceau comme « Cyan » qui vous transporte dans un autre monde avec des cordes épiques, des pianos et cet écho de guitare post-rock qui fait partie intégrante de ce genre, il y a un « Little Orc ». Son accordéon et son piano à queue excentrique sont plus en phase avec LittleBigPlanet, parfois avec son caractère excentrique. Ensuite, vous avez un « Season Shift » automnal qui est dirigé par un synthétiseur de basse et qui joue avec de légers bruits de piano sur des ronflements de mauvais augure. Vous aurez également la délicate ballade qu’est « Duvet » pour vous offrir sécurité et confort, tandis que « Husky Train » offre des textures d’ambiance lumineuses.

Ce que l’on peut retenir de Svalbard est qu’il s’agit d’une histoire musicale très complète. Il y a des instruments et des thèmes récurrents. La finale kaléidoscopique de « Winter Born », à la fin de l’album, semble méritée car vous avez dû vous battre avec la « sarcelle arctique », anguleuse et agressive, dont les basses cuivrées vous grognent dessus. Les morceaux plus calmes donnent souvent l’impression d’être de l’autre monde tout en contenant des mélodies fortes. Ils sont enracinés mais éthérés, un peu comme Svalbard lui-même. Le disque est un archipel au large des côtes norvégiennes. Ses glaciers sont très rudes et son habitat très rude, à la fois beau et dangereux. Les humains n’y vivent pas et pourtant, il semble si familier. Niklas Paschburg a traduit cette étrange familiarité qui est tout simplement hors de portée dans les orchestrations et l’instrumentation de l’album. Parfois,on ne peut pas dire quel est l’instrument, d’autres fois, la musique semble sinistre ou festive, mais toujours hors de portée. C’est une approche vraiment intelligente qui donne envie d’en (s)avoir plus.

Mais en fin de compte, Niklas Paschburg a-t-il fait un grand album ? Oui. Même sans toutes les références géographiques, vous pouvez vous asseoir et apprécier le voyage musical à la découverte d’un nouveau monde musical. Son extérieur glacé et froid cache beaucoup de chaleur et de beauté à l’intérieur. C’est un joyau classique moderne que vous ne voudriez pas négliger.

****


The Dorf / Phill Niblock: « Baobab & Echoes »

8 juin 2020

The Dorf (qui signifie « village » en Allemand) a pris une bonne dose de la musique de Phill Niblock. L’impact sur les musiciens, réunis pour jouer une version double du « Baobab » de Niblock et (dans un second set) trois airs de Dorf, a été profond. C’était un peu comme aller à l’église – une expérience vraiment spirituelle. Au début, le public n’a pas cru à l’annonce que la pièce « drone » durerait 46 minutes. Par la suite, leurs réactions ont montré l’impression que la musique de Niblock avait produit sur eux. Après une pause de 20 minutes, trois morceaux ont suivi — un jeu complètement différent, mais lié à « Baobab » de la manière dont l’énergie et la sensation de la soirée avaient été minutieusement établies par M. Niblock.

Sa présence physique avait déjà changé l’accueil des musiciens et des auditeurs et le goût pour ce mur du son était palpable. Le Dorf (en soi déjà un orchestre de quelque 25 personnes) avait été augmenté par des amis pour atteindre un total de 35 musiciens – presque trop grand pour être vrai. Dans la deuxième partie de la soirée, Katherine Liberovskaya a projeté en musique une partie de son remarquable travail vidéo, qui n’est évidemment pas documenté sur cet album. Jouez le disque à un volume pas trop doux et tenez-le. D’une manière ou d’une autre, la musique vous atteindra.

****


Sarah Davachi: « Gathers »

6 juin 2020

« Documenting Sound » est une nouvelle série de documents numériques des éditions Boomkat. Au fil du temps, ils publieront un certain nombre d’enregistrements d’une sélection d’artistes, tous issus de différentes régions du globe et d’un large éventail de disciplines musicales. Ces morceaux, réalisés au cours des deux derniers mois de la pandémie, offrent un aperçu personnel et intime de l’artiste et de sa musique. La seule condition était que la musique soit enregistrée à la maison ou dans son propre environnement, sans trop de planification préalable ni de réflexion sur sa composition. Ainsi, la musique est ouverte et inattendue, sort des sentiers battus et s’égare, ce qui en fait une série parfaite pour l’exploration artistique. Au lieu de présenter un point de vue appauvri sur le confinement, la pandémie a entraîné une explosion créative, les artistes et les musiciens vivant et enregistrant depuis chez eux. Les enregistrements sur le terrain, les sons trouvés, l’improvisation, la parole et l’écriture de chansons ont tous été encouragés, et cette édition, intitulée Gathers, présente une heure de nouvelle musique de Sarah Davachi, enregistrée chez elle à Los Angeles au printemps 2020.

Explication: « Je suis passée par différentes étapes de mouvement – certains jours, je ne peux pas être motivée pour faire quoi que ce soit et d’autres jours, je peux passer de longues heures à travailler sur la musique et à l’approfondir. Quand j’ai pu m’asseoir pour faire de la musique, cela a été incroyablement significatif et me reconfigure en ce moment.  Je suis reconnaissante d’avoir le temps dans mon studio, une pièce qui est calme et tranquille et qui me semble assez éloignée du monde extérieur, et cette cassette est essentiellement le reflet de cet état d’être intériorisé ».

Gathers est ainsi le fruit de deux idées et albums distincts – l’un terminé mais pas encore publié, l’autre en cours de développement. La bande improvisée et non éditée peut emmener l’auditeur ailleurs, même s’il reste à la maison, se perdant dans la musique, et Gathers se sent à la fois méditatif et concentré. La face A réunit le clavecin, l’harmonium et le piano. Sarah décrit son clavecin comme étant « mon instrument principal ces dernières semaines… ces accords Renaissance ont une telle profondeur, une maison aux couloirs interminables, et c’est un grand réconfort de s’y perdre temporairement ».

Ces derniers mois ont également disparu, les après-midi bizarres et brumeux s’effaçant, le temps s’écoulant au fur et à mesure que le printemps se transforme en été, mais ils ont également permis aux connexions de se développer à nouveau – des connexions et des racines qui ont été coupées ou du moins diminuées par les exigences de la vie quotidienne. Les temps morts ont peut-être entraîné une plus grande flexibilité, ouvrant des pensées introverties à mesure que les gens s’adaptent à un mode de vie plus sédentaire. Dans cet enregistrement, le temps glisse ; la musique mise en quarantaine est le son d’une journée de sommeil et d’une journée qui se prolonge, mais elle sonne aussi concentrée, profonde. Une séance peut devenir une plongée profonde, et l’on peut rester immergé pendant des heures.

La face B rassemble trois études électroniques pour le Mellotron, l’orgue électrique et le synthétiseur, qui est combiné avec l’écho de bande. Davachi les décrit comme ses… « instruments électroniques choisis, et ceux grâce auxquels j’ai toujours trouvé les plus hauts degrés d’immobilité et de transformation » Et c’est ce que ce verrouillage a fait : non seulement une pause, mais un cocon dans lequel une transformation a eu lieu, et d’où la musique a finalement émergé, prenant son premier vol dans un monde nouveau et changé.

***1/2


Susan Alcorn: « The Heart Sutra »

25 mai 2020

Susan Alcorn est une joueuse de steel guitar qui s’est affranchie des limites supposées de l’intrument, ou du moins de son repertoire traditionnel. Elle s’est donc éloignée de la musique country traditionnelle pour privilégier une approche post-classique aux frontières de l’avant-garde.
The Heart Sutra voit sa musique prendre ainsi ces chemins inattendus sous la houlette de Janel Leppin qui en offre une vision élégante et intemporelle, avec ses arrangements post-classiques survolant des zones aux frontières expérimentales.

Cet album est une leçon d’équilibre et de finesse, de dérives oraganiques et d’abstraction acoustique, où cordes, clarinette, basse, guitare et voix donnent le tourbillon, entrainant l’auditeur dans un monde étrange, aux bruissements éclatants et aux frémissements poétiques.

Le travail d’arrangement de Janel Leppin est d’une grande subtilité, avec ses instants de silence suspendus et ses plages de clair-obscur flirtant avec l’étrangeté, créant des étendues aux tensions élastiques, virevoltant entre musique traditionnelle et approche contemporaine.  Un pont suspendu comme on en rêverait d’autres.

***1/2


Lauren Redhead: « Imagined Method »

24 mai 2020

Les trois morceaux composant Imagined Method de Lauren Redhead durent au total un peu moins de 20 minutes. Elle y fait une déclaration concise et passe à autre chose, ce qui est louable. Lauren Redhead est une compositrice électroacoustique et une sculptrice sonore basée au Royaume-Uni qui, du moins dernièrement, se concentre sur la musique chorale associée à l’électronique. Son album Hearmleoþ-Gieddunga, sorti en 2018, est remarquable et figure encore en bonne place sur une liste fantasmée des meilleurs albums de cette année-là.

Sur cette offre, elle mélange les éléments choraux susmentionnés – qui sont souvent présentés de manière quasi-liturgique ou grégorienne – avec des éléments électroniques qui tendent à ajouter de la consonance au chant.  Le style des vocalises rappelle celui de Stockhausen, avec des sons humains et synthétisés qui produisent des couches, des vagues et des sifflements.

Sur la dernière piste, les voix divergent dans une certaine mesure, avec des paroles accompagnant les chanteurs et des crescendos périodiques. L’électronique joue également un rôle plus important et plus particulier, les manipulations sonores présentant les caractéristiques des murs de bruit.

Dans l’ensemble, Imagined Method est une belle façon de passer une partie de l’après-midi avec une expérimentrice en devenir et « en avenir ».

***


Clarice Jensen: « The Experience Of Repetition As Death »

6 mai 2020

Clarice Jensen fournit des couches sonores immenses et provocantes dans son nouveau disque The Experience Of Repetition As Death. La violoncelliste, basée à Brooklyn, n’est pas étrangère à la capacité d’adaptation de la musique. Réputée pour ses effets de boucle, ses couches de construction et ses structures de morphing, la musicienne utilise ses instruments de plusieurs façons en manipulant leur sortie pour créer des paysages sonores nouveaux et inventifs. L’album The Experience Of Repetition As Death n’est pas différent, avec une Jensen qui fournit des structures musicales déchirantes et des idées dyslexiques tout au long de l’album.

En ouvrant avec le son plus naturel d’un violoncelle, nous pouvons tout de suite nous asseoir et écouter l’habileté non filtrée de Jensen se déployer et se développer en une pièce chaleureuse et hypnotisante. Le son s’élève et s’abaisse au fur et à mesure qu’un courant sous-jacent de cohérence maintient le tout ensemble et fait avancer la piste. Il prend tout son sens lorsque le morceau commence à atteindre sa conclusion, avec des couches qui se doublent et des sons construits pour créer une conclusion plus structurée mais douloureuse.

Si vous pensiez que cela donnait à l’album une allure plus classique, le deuxième morceau « Day Tonight » met fin à toutes ces pensées. En utilisant des structures organiques, des pédales et des boucles, Jensen crée un bourdon d’ouverture sonore qui se construit de manière menaçante avant de se révéler dans une section légère et ludique qui nous tire de l’ombre parmi des tons dociles et des mélodies sincères. Le morceau a beaucoup de temps pour se développer, près de 12 minutes en fait, au cours desquelles il se transforme en une pièce plus alambiquée et manipulée qui ne semblerait pas déplacée dans une musique de film de science-fiction hallucinante, s’inspirant peut-être par endroits de l’œuvre de Max Richter.

Au fur et à mesure que l’on creuse, le penchant de Jensen pour la structure et l’exploration se concrétise, les idées se transformant et se croisant à différents moments tout au long du film. « Metastable » utilise une fois de plus un drone sous-jacent comme base, mais cette fois-ci, ce sont les paysages sonores construits sur le dessus qui occupent le devant de la scène, apportant un réconfort de l’ordinaire et un phare d’espoir de l’intérieur de l’obscurité. « Holy Mother « est une pièce de réflexion gargantuesque qui s’installe une fois de plus dans une atmosphère morose et excitante et joue avec ces idées tout au long, se contentant de mettre l’auditeur dans une position inconfortable mais parvenant toujours à développer des idées et des émotions fortes. Le disque s’achève sur le bien nommé « Final », une histoire plus douce et réglée qui ressemble à un nettoyage après l’intensité et la menace de l’œuvre précédente.

The Experience of Repetition As Death est vréritablement une expérience, et elle apporte avec elle un éventail impressionnant d’émotions parmi les couches, la manipulation et la mise en boucle des sons par des experts. Cela crée non seulement une expérience d’écoute, mais aussi une expérience mentale qui vous accompagnera longtemps après la fin du disque. Un disque qui change vraiment les mentalités et qui montre l’expertise d’une artiste au sommet de son art. 

***1/2


Peter Broderick: « Plays Justin Wright »

23 avril 2020

En temps difficiles, les plaisirs simples sont à chérir, d’autant plus qu’ils sont aussi artistiquement gratifiants que cette nouvelle offre de Peter Broderick La face A de ce bijou d’EP présente Peter Broderick qui interprète une paire de reprises au piano solo de chansons tirées de l’exceptionnel disque Music For Staying Warm du violoncelliste canadien Justin Wright, sorti en 2019. La face B est occupée par le mixage étendu de « Drone III : Saudade » du même album, brodé de bribes de conversations et d’enregistrements de terrain tirés des sessions d’enregistrement originales dans le lointain Banff Centre au Canada.

Artiste au large éventail musical, Broderick adopte ici une approche plus nuancée en donnant à « Modular Winter »et à « Flutes » un traitement majestueux et élégant avec des traits clairs et audacieux qui accentuent leurs belles mélodies. En revanche, « Drone III (Extended Mix) » profite de l’absence délibérée de rythmes fixes dans la composition originale pour s’attarder sur la beauté empyréenne d’un dialogue musical poignant entre Wright et la violoniste Kate Maloney, tout en mettant en valeur ses textures et ses timbres exquis et en berçant l’auditeur dans un état de contemplation nostalgique.

***1/2


Nils Frahm: « Empty »

23 avril 2020

Personne dans le monde du néoclassicisme ne défend le piano avec autant de passion que Nils Frahm. En 2015, le compositeur allemand a fondé la Journée du piano pour honorer cet instrument, qui a lieu le 88e jour de chaque année (en référence aux 88 touches d’un piano). Il a également été l’inventeur du Klavins 450, le plus haut piano du monde (plus de 3,5 mètres), qu’il a construit spécialement pour l’enregistrement de son album Solo. Pour célébrer la Journée du piano cette année, Frahm a dévoilé Empty, un LP composé de 8 morceaux pour piano solo conçus à l’origine il y a plusieurs années, mais mis de côté après qu’il ait subi une blessure à la main.

Ecrit juste avant Screws en 2012, Empty invoque un langage stylistique similaire, car esthétiquement ces 8 compositions sont magnifiquement tangibles et intimes. Une partie de la véritable magie de l’album vient du fait d’entendre le son de l’instrument répondre sous les mains de Frahm ; de minuscules mécanismes à l’intérieur du piano glissent doucement et résonnent, presque comme s’il s’agissait d’un être mortel.

C’est aussi l’œuvre la plus délicate et la plus modeste de la mémoire récente de cette jeune femme de 37 ans, car l’électronique qui a ponctué l’épopée All Melody est absente, l’accent étant mis uniquement sur le piano.

Il en résulte l’une des expériences d’écoute les plus méditatives et les plus insulaires de l’année jusqu’à présent, comme si elle n’était destinée à être entendue qu’en temps de solitude, à l’instar de l’œuvre de Poppy Ackroyd et d’Ólafur Arnalds. Chaque morceau a un ton apaisant et somnolent, de la berceuse feutrée de « A Shine » à la lueur ambiante de « Sonar », tandis que les touches ondulantes de « No Step on Wing » se déversent comme un nuage de pluie s’ouvrant sur une forêt désolée au milieu de la nuit.

Bien que le titre puisse suggérer le contraire, Empty est tout sauf une affaire creuse ; c’est plutôt une expérience douce qui veut apporter la paix en ces temps d’anxiété et d’incertitude. Il montre Frahm dans ce qu’il a de plus intime et de plus minimal, et atteint son but en montrant la puissance de résonance du piano.

****


Sara Oswald & Feldermelder: « Hidden in Kaoris Castle »

23 avril 2020

On ne sait pas vraiment par où commencer. Le plus souvent, c’est par un son, une atmosphère ou même une mélodie particulière. Mais si l’on se sent un peu bloqué, il vaut peut-être mieux laisser tomber les conventions et s’imprégner de la libre circulation de l’information. Ce sentiment de distraction imminente est toujours présent, car cette collaboration entre la violoncelliste Sara Oswald et l’improvisation électronique de Feldermelder est un reflet nécessaire des temps incertains dans lesquels nous nous trouvons.

Hidden in Kaoris Castle est leur premier album et a été commandé par la Bibliothèque universitaire cantonale de Fribourg, enregistré en direct au Belluard Festival de Fribourg, en Suisse. Jon peut supposer que, selon votre sentiment d’identité, vous trouverez cela soit dérangeant, soit rassurant, ou peut-être les deux à la fois.

Cependant, une fois que vous creusez sous la surface, les qualités se révèlent, se fracturant d’une manière qui n’est pas évidente au début, et pourtant des subtilités sont trouvées. Ces improvisations se cristallisent comme des moments dans le temps, se dissipent et vous transportent ensuite ailleurs. Comme les pages déchirées, la beauté s’échappe des fissures entre la résolution granuleuse, distillant le contenu émotionnel de base.

À certains moments, la musique pulse via une structure identifiable comme les rythmes répétitifs de « Front Door Gator Encounters », alors qu’à d’autres moments, ce n’est pas nécessairement le cas. Essayez la théorie du bas de gamme générée par « Folding Delta »s et son assortiment d’ambiances folles qui s’accumulent dans un sentiment insoupçonné de soulagement béat. Plus la chaleur finale de « Red And Yellow Prism » », lorsque les

accusations positives sont mises à nu. Caché, il captera et retiendra toujours votre attention.

***1/2