Koki Nakano: « Pre-Choreographed »

Lorsque le pianiste Koki Nakano était en formation à l’Université des Arts de Tokyo, il n’a probablement pas vu sa carrière l’emmener en France, et signer pour le label de pointe No Format ! fondé par Laurent Bizot.

Nakano affirme que son deuxième album est la continuation de son désir d’explorer les relations binaires entre la musique et la danse. Comme il le note : « Quand je compose, je garde toujours une image des corps en mouvement dans ma tête. »

Ses compositions ont été en partie inspirées par le spectacle de la compagnie de danse L-E-V devant les Nymphéas de Monet au Musée de l’Orangerie à Paris. Le ton et les textures de ses compositions souvent délicates conviennent beaucoup mieux aux spectacles de danse moderne que les partitions orchestrales plus grandioses qui accompagnent habituellement le ballet classique.

Son style de jeu épuré, mais d’une grande dextérité, se prête aux espaces ouverts qu’il crée pour le travail de ses danseurs imaginaires, et est caractérisé par « Overlay » comme son jeu hypnotique et répétitif s’appuyant sur des effets électroniques de drone.

« Bloomer », plus réfléchissant, est imprégné d’égratignures et de rayures, comme si Nakano encourageait les danseurs à s’épanouir comme des fleurs au fur et à mesure du développement de la pièce. Les effets électroniques de Choreographed Mollusk sont éthérés et dérangeants, tandis que le jeu texturé de Nakano les contourne.

Les notes piquées de Minim sont un moment rare de quasi-flagellation qui conviendrait bien à un ensemble qui danse sur des riffs et des courses. Les cordes pincées et les percussions légèrement chaotiques de « Palinopsia » donnent au jeu de Nakano une sensation de colère et de désorientation. « Genou Respirant », qui se termine en tonnerre mécanique, est également une écoute sinistre, avant que les accords relativement gros pour lui sur Faire le Poirier ne rassemblent plusieurs des thèmes que Nakano explore.

Toutes ces compositions fonctionnent selon leurs propres mérites, car Nakano est un compositeur intelligent et un pianiste doué, qui n’abuse jamais de sa technique, mais elles prennent vraiment vie dans une série de vidéos qui sont chorégraphiées par des danseurs de premier plan du monde entier. La vision d’Amala Dianor sur la synchronisation quasi parfaite donne un sens physique à la pensée de Nakano alors qu’il danse autour d’un site de vente aux enchères de machines d’usines lourdes

Comme beaucoup de compositeurs contemporains, Koki Nakano cherche à relier son travail au monde chaotique qui l’entoure, et même si vous ne regardez pas les interprétations vidéo, vous ne pouvez pas vous empêcher d’admirer les œuvres de Koki Nakano.

***1/2

Robin Schlochtermeier: « Spectral »

Robin Schlochtermeier est un compositeur anglo-allemand qui a écrit la musique de plusieurs documentaires et longs métrages primés. De formation classique, sa musique combine souvent des éléments de conception sonore organique (et parfois de synthèse) avec une instrumentation plus traditionnelle (piano, orchestre).

Plus récemment, Robin a composé la musique de The Spy Who Fell to Earth, un documentaire d’espionnage international qui a été diffusé sur Netflix dans le monde entier en 2019. Robin, entre autres, a également composé la musique de Virgin Queen’s Fatal Affair (Royal Television Society Awards), les longs métrages Queens of Syria (Black Pearl Award – Abu Dhabi Film Festival), Retreat (Première au Screenplay Shetland Festival, organisé par le critique de cinéma britannique Mark Kermode), Oh No, Not Rudy Again ! (Festival de Cannes 2015), et Strings (Prix du film indépendant britannique).

Spectral est le premier album solo de Robin Schlochtermeier. C’est un ensemble de morceaux lents, parfois ambiants, qui fonctionnent comme des échos lointains d’expériences enfantines du monde naturel et matériel.

Mon inspiration pour cet album est liée au fait que je suis devenu père récemment, déclare Robin Schlochtermeier. « Alors que la conscience de ma fille se formait, j’ai souvent remarqué un regard étonné sur son visage ou remarqué qu’elle s’arrêtait et fixait un petit détail de son environnement. Cela évoquait souvent en moi un profond sentiment de mystère, et je devenais curieux de savoir ce qui la faisait réagir de cette façon ».

Les compositions de Spectral sont des tentatives pour capturer une partie de cet esprit mystérieux et nébuleux de perplexité et d’émerveillement. « Voir le monde à travers les yeux de ma fille m’a rappelé les expériences que le monde peut produire dans notre esprit lorsque nous sommes ouverts, réceptifs et sans limites », dit Robin. « J’ai commencé à me demander si je ne me souvenais pas à moitié de mes propres expériences du monde, alors que je n’avais pas encore été formé pour le découper en concepts précis ». Il en résulte des titres comme « Lapping », qui, dans son mouvement lent et circulaire, indique un rythme de vie qui n’est pas affecté par les attentes de l’activité, tout en étant ancré dans un sentiment de grandeur et d’émerveillement intemporel.

Spectral a été enregistré sur un piano droit britannique des années 1950 avec des cordes originales usées, qui sont parfois abîmées par du mastic. Les autres éléments sont tous des formes d’électronique et de conception sonore, y compris un synthétiseur logiciel (Retrologue) et des sons programmés sur mesure générés à partir de la banque d’échantillons d’enregistrements originaux du compositeur.

L’un des objectifs de l’album était d’explorer une palette de sons limitée. Certaines pièces ne contiennent que trois couches de sons, tandis que d’autres sont un peu plus complexes. « L’intention était de créer de l’espace et de l’ouverture dans les arrangements », selon l’artiste. « Ce principe m’a également amené à explorer des formes de plus en plus longues. Au fur et à mesure, je me suis senti de plus en plus attiré par des arcs émotionnels plus longs, ce qui a finalement abouti à Spectral ».

***1/2

Bronius Kutavičius: « Last Pagan Rites »

Ces dernières années, on a pris conscience que les pays baltes sont à l’origine d’une musique étonnante. Ce disque est un autre exemple galvanisant de ce qui se cachait autrefois derrière le rideau de fer. Bronius Kutavičius, né en 1932, a fait ses études dans sa Lituanie natale et il est resté un phénomène exclusif à son pays. Les notes à son propos vont plus loin en le décrivant comme une « figure culte de longue date dans la composition lituanienne » Quoi qu’il soit, sa musique est presque littéralement magique.

Il est considéré comme le précurseur du minimalisme dans la musique lituanienne – les expressions « minimalisme expressionniste » et « minimalisme ritualiste » sont également utilisées. Cependant, le matériel qu’il utilise est d’origine populaire, sinon littéralement, du moins en esprit. Le premier mouvement de Last Pagan Rites (1978) illustre de façon frappante la marque de minimalisme du compositeur, si telle est sa description préférée. De courtes phrases chorales sont répétées de manière obsessionnelle dans différentes phases par différentes sections du chœur pour créer une structure dense et agitée. Les notes de l’orgue et les quatre cors bourdonnent et imitent les cloches de la cathédrale. Dans le mouvement suivant, les femmes du chœur chantent et chuchotent librement, et l’effet est comme si l’on entendait les prières du dévot dans une église ou une mosquée. Une soprano soliste chante un chant simple mais – par répétition – incantatoire sur ce lit de son chatoyant. Kutavičius aurait pu noter ces effets avec précision – je n’ai pas vu de partition – mais le chœur est appelé à produire une musique qui sonne aussi naturelle et spontanée qu’inhabituelle. Les deux autres mouvements créent des impressions similaires par des moyens similaires. Le son dominant de Last Pagan Rites est celui d’un chœur divisé en plusieurs voix, chacune grouillante d’activité, mais qui se fondent en un tout unifié. Apparemment, lors de la représentation, le chœur se déplace dans la salle et dans le public, un effet qui n’a malheureusement été recréé que de loin sur support physique.

Epitaphium Temporum Pereunti (1998) est traduit par « Épitaphe au temps qui passe ». Cette « symphonie-oratorio » est une sorte de mini-histoire de la Lituanie en quatre mouvements. La simplicité des derniers rites païens a été complétée par un déchaînement exubérant de sonorités orchestrales, parfois brutales, parfois délicates. L’écriture chorale reste ritualiste, bien qu’elle soit moins dépendante des effets de répétition et de mise en phase. Il reste l’utilisation de techniques telles que le chant choral et le hasard contrôlé. Imaginez la Carmina Burana d’Orff combinée à la Passion selon Saint Luc de Penderecki et cela vous donnera une bonne idée de ce à quoi ressemble le plus souvent le son de l’Epitaphium même si on nepeut dire que la musique de Kutavičius soit dérivée de l’un ou l’autre.

Les interprétations semblent définitives et l’ingénierie est exemplaire. Personne ne doit hésiter à s’intéresser à ce que j’ai écrit jusqu’à présent. Ce CD plaira à de nombreux auditeurs, même à ceux qui n’écoutent pas souvent de la musique classique. Il contient une traduction anglaise du texte à Epitaphium, mais pas le latin original, et aucun texte ou traduction pour Last Pagan Rites, ce qui est dommage pour ces œuvres peu familières.

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Madeleine Cocolas: « Ithaca »

Madeleine Cocolas est une compositrice et productrice australienne qui crée principalement de la musique instrumentale post-classique et ambient. Son travail passe de paysages sonores luxuriants à l’électronique expérimentale, aux enregistrements sur le terrain et au piano solo.Elle a publié de la musique sur un certain nombre de labels et a collaboré avec de nombreux autres artistes sur des projets multidisciplinaires, notamment des performances de danse contemporaine, des installations de galeries spécifiques et des films.

Après avoir passé la majeure partie d’une décennie à travailler à l’étranger, Madeleine Cocolas est récemment retournée en Australie et s’est attelée à la réalisation d’Ithaca, sa lecture poétique du lieu, coulée dans le son. Ce disque, qui est en quelque sorte un journal intime audio, illustre ce sentiment d’étrange familiarité. C’est la bande sonore d’un retour au lieu qui existe surtout dans la mémoire, pour constater que ses rythmes, ses motifs et ses apparences ont changé en votre absence. Musicalement, Cocolas fait appel aux phases rythmiques pulsantes de Maggi Payne et Laurie Spiegel et les installe à côté de paysages harmoniques chargés de piano qui rappellent les moments de réflexion d’Harold Budd. Cet album est une découverte dérivante de soi dans le temps et l’espace, parée de toute la belle subtilité qu’une telle expérience, brute et cathartique, apporte.

***1/2

J. Carter: « Rejoice! »

L’histoire du Sudiste qui quitte le Sud portera à jamais une certaine solennité poétique, comme si le destin mystique de Faulkner, et de son comté de Yoknapatawpha, les suivait ailleurs, les suivait partout. La cruauté de l’histoire du pays est inscrite dans chacun de leurs gestes, dans chacune de leurs paroles, dans leur voix même. Il suffit de s’asseoir avec Rejoice ! le nouvel album de Jeremiah M. Carter, artiste de Brooklyn « en passant par »-Nashville, pour comprendre la signification de ces antiquités et leurs réflexions sur soi-même et sur le monde. Les échantillons cinématographiques d’instruments à cordes de la chanson titre d’ouverture, ainsi qu’une grande partie de la face A, peignent un millier de paysages qui se chevauchent, de plaines, de prairies, de montagnes.

Ils s’entrechoquent parfois, dans une discorde piquante, comme des libellules dérangées dans leur vol planant au sommet d’interminables champs de quenouilles. Mais, à d’autres moments, ils se mêlent aux magnifiques et luxuriants synthétiseurs de Carter, suintant gracieusement une plénitude à la fois enrichissante et tout à fait mélancolique. Ces morceaux sont à la fois ennuyeux et apaisants, la face A faisant écho aux hologrammes d’un thème tout aussi triste, prenant son temps avec nous, pour le bénéfice de notre propre réflexion. L’incorporation de la parole de Roberto Bolaño « 43. Like A Waltz », sur le morceau du même nom, fait humblement un clin d’œil aux étés intemporels et pittoresques, ces érés qu’i nont pas été des étés ; un très beau ne moublie pas.

***1/2

Gabríel Ólafs: « Piano Works »

Piano Works est une sélection tendre et magnifiquement composée de pièces pour piano du pianiste islandais Gabríel Ólafs. Son premier album, Absent Minded, a été écrit à l’âge de 14 ans, et sur Piano Works, l’adolescent continue faire montre d’ une telle excellence que vous trouverez dans ce disque un niveau de maturité et de profondeur musicale étonnamment avancé.

Sur Piano Works, Ólafs présente des « arrangements réimaginés », qui sont publiés dans le cadre d’un ambitieux projet de déconstruction du label One Little Indian Records. Ólafs a commencé à jouer du piano à l’âge de cinq ans, en étudiant d’abord le piano classique et le piano jazz, mais il s’est toujours penché sur les cercles plus larges de l’improvisation et du jeu à l’oreille et leur a préféré. Cela a donné à sa musique une belle liberté et une grande fluidité, et l’improvisation influence fortement son son. Les compositions semblent avoir une structure concrète, mais il y a de l’espace à l’intérieur, ainsi qu’un son plus flexible.

L’improvisation aide également à élargir les horizons, et c’est là que l’on peut entendre les heures et les heures de pratique ; elle développe à la fois l’oreille et le cœur.

Ses études prolongées ont porté leurs fruits, car les huit pièces qui en résultent sont sensibles, ludiques et pleinement étoffées. Tout en s’épanouissant et en brillant, les compositions sont imprégnées d’autre chose – du cœur, et c’est une qualité audible. Les mélodies complexes et les phrases qui coulent sont cinématographiques, et une touche habile ouvre beaucoup d’espace pour un son plus ambiant, qui à son tour glisse sur les notes du piano et crée une atmosphère hypnotique et rêveuse. Regardez cet espace et souvenez-vous de ce nom.

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Niklas Paschburg: « Svalbard »

Ces dernières années, la musique classique moderne a vu que ses textures ne sont pas seulement orchestrales, mais aussi synthétisées comme pour se moduler à d’autres démarches contemporaines. Niklas Paschburg fait partie de cette race croissante de compositeurs qui n’hésitent pas à faire de sa musique cinématographique une musique à base de synthé, de piano, de cordes ou même de guitare. Le résultat final est que son dernier album Svalbard surprend tout autant qu’il divertit.

Il est parfois facile de le classer dans la catégorie des musiques de cinéma de science-fiction en raison de l’ampleur et de la portée épique des morceaux, mais ce serait injuste. Pour chaque morceau comme « Cyan » qui vous transporte dans un autre monde avec des cordes épiques, des pianos et cet écho de guitare post-rock qui fait partie intégrante de ce genre, il y a un « Little Orc ». Son accordéon et son piano à queue excentrique sont plus en phase avec LittleBigPlanet, parfois avec son caractère excentrique. Ensuite, vous avez un « Season Shift » automnal qui est dirigé par un synthétiseur de basse et qui joue avec de légers bruits de piano sur des ronflements de mauvais augure. Vous aurez également la délicate ballade qu’est « Duvet » pour vous offrir sécurité et confort, tandis que « Husky Train » offre des textures d’ambiance lumineuses.

Ce que l’on peut retenir de Svalbard est qu’il s’agit d’une histoire musicale très complète. Il y a des instruments et des thèmes récurrents. La finale kaléidoscopique de « Winter Born », à la fin de l’album, semble méritée car vous avez dû vous battre avec la « sarcelle arctique », anguleuse et agressive, dont les basses cuivrées vous grognent dessus. Les morceaux plus calmes donnent souvent l’impression d’être de l’autre monde tout en contenant des mélodies fortes. Ils sont enracinés mais éthérés, un peu comme Svalbard lui-même. Le disque est un archipel au large des côtes norvégiennes. Ses glaciers sont très rudes et son habitat très rude, à la fois beau et dangereux. Les humains n’y vivent pas et pourtant, il semble si familier. Niklas Paschburg a traduit cette étrange familiarité qui est tout simplement hors de portée dans les orchestrations et l’instrumentation de l’album. Parfois,on ne peut pas dire quel est l’instrument, d’autres fois, la musique semble sinistre ou festive, mais toujours hors de portée. C’est une approche vraiment intelligente qui donne envie d’en (s)avoir plus.

Mais en fin de compte, Niklas Paschburg a-t-il fait un grand album ? Oui. Même sans toutes les références géographiques, vous pouvez vous asseoir et apprécier le voyage musical à la découverte d’un nouveau monde musical. Son extérieur glacé et froid cache beaucoup de chaleur et de beauté à l’intérieur. C’est un joyau classique moderne que vous ne voudriez pas négliger.

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The Dorf / Phill Niblock: « Baobab & Echoes »

The Dorf (qui signifie « village » en Allemand) a pris une bonne dose de la musique de Phill Niblock. L’impact sur les musiciens, réunis pour jouer une version double du « Baobab » de Niblock et (dans un second set) trois airs de Dorf, a été profond. C’était un peu comme aller à l’église – une expérience vraiment spirituelle. Au début, le public n’a pas cru à l’annonce que la pièce « drone » durerait 46 minutes. Par la suite, leurs réactions ont montré l’impression que la musique de Niblock avait produit sur eux. Après une pause de 20 minutes, trois morceaux ont suivi — un jeu complètement différent, mais lié à « Baobab » de la manière dont l’énergie et la sensation de la soirée avaient été minutieusement établies par M. Niblock.

Sa présence physique avait déjà changé l’accueil des musiciens et des auditeurs et le goût pour ce mur du son était palpable. Le Dorf (en soi déjà un orchestre de quelque 25 personnes) avait été augmenté par des amis pour atteindre un total de 35 musiciens – presque trop grand pour être vrai. Dans la deuxième partie de la soirée, Katherine Liberovskaya a projeté en musique une partie de son remarquable travail vidéo, qui n’est évidemment pas documenté sur cet album. Jouez le disque à un volume pas trop doux et tenez-le. D’une manière ou d’une autre, la musique vous atteindra.

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Sarah Davachi: « Gathers »

« Documenting Sound » est une nouvelle série de documents numériques des éditions Boomkat. Au fil du temps, ils publieront un certain nombre d’enregistrements d’une sélection d’artistes, tous issus de différentes régions du globe et d’un large éventail de disciplines musicales. Ces morceaux, réalisés au cours des deux derniers mois de la pandémie, offrent un aperçu personnel et intime de l’artiste et de sa musique. La seule condition était que la musique soit enregistrée à la maison ou dans son propre environnement, sans trop de planification préalable ni de réflexion sur sa composition. Ainsi, la musique est ouverte et inattendue, sort des sentiers battus et s’égare, ce qui en fait une série parfaite pour l’exploration artistique. Au lieu de présenter un point de vue appauvri sur le confinement, la pandémie a entraîné une explosion créative, les artistes et les musiciens vivant et enregistrant depuis chez eux. Les enregistrements sur le terrain, les sons trouvés, l’improvisation, la parole et l’écriture de chansons ont tous été encouragés, et cette édition, intitulée Gathers, présente une heure de nouvelle musique de Sarah Davachi, enregistrée chez elle à Los Angeles au printemps 2020.

Explication: « Je suis passée par différentes étapes de mouvement – certains jours, je ne peux pas être motivée pour faire quoi que ce soit et d’autres jours, je peux passer de longues heures à travailler sur la musique et à l’approfondir. Quand j’ai pu m’asseoir pour faire de la musique, cela a été incroyablement significatif et me reconfigure en ce moment.  Je suis reconnaissante d’avoir le temps dans mon studio, une pièce qui est calme et tranquille et qui me semble assez éloignée du monde extérieur, et cette cassette est essentiellement le reflet de cet état d’être intériorisé ».

Gathers est ainsi le fruit de deux idées et albums distincts – l’un terminé mais pas encore publié, l’autre en cours de développement. La bande improvisée et non éditée peut emmener l’auditeur ailleurs, même s’il reste à la maison, se perdant dans la musique, et Gathers se sent à la fois méditatif et concentré. La face A réunit le clavecin, l’harmonium et le piano. Sarah décrit son clavecin comme étant « mon instrument principal ces dernières semaines… ces accords Renaissance ont une telle profondeur, une maison aux couloirs interminables, et c’est un grand réconfort de s’y perdre temporairement ».

Ces derniers mois ont également disparu, les après-midi bizarres et brumeux s’effaçant, le temps s’écoulant au fur et à mesure que le printemps se transforme en été, mais ils ont également permis aux connexions de se développer à nouveau – des connexions et des racines qui ont été coupées ou du moins diminuées par les exigences de la vie quotidienne. Les temps morts ont peut-être entraîné une plus grande flexibilité, ouvrant des pensées introverties à mesure que les gens s’adaptent à un mode de vie plus sédentaire. Dans cet enregistrement, le temps glisse ; la musique mise en quarantaine est le son d’une journée de sommeil et d’une journée qui se prolonge, mais elle sonne aussi concentrée, profonde. Une séance peut devenir une plongée profonde, et l’on peut rester immergé pendant des heures.

La face B rassemble trois études électroniques pour le Mellotron, l’orgue électrique et le synthétiseur, qui est combiné avec l’écho de bande. Davachi les décrit comme ses… « instruments électroniques choisis, et ceux grâce auxquels j’ai toujours trouvé les plus hauts degrés d’immobilité et de transformation » Et c’est ce que ce verrouillage a fait : non seulement une pause, mais un cocon dans lequel une transformation a eu lieu, et d’où la musique a finalement émergé, prenant son premier vol dans un monde nouveau et changé.

***1/2

Susan Alcorn: « The Heart Sutra »

Susan Alcorn est une joueuse de steel guitar qui s’est affranchie des limites supposées de l’intrument, ou du moins de son repertoire traditionnel. Elle s’est donc éloignée de la musique country traditionnelle pour privilégier une approche post-classique aux frontières de l’avant-garde.
The Heart Sutra voit sa musique prendre ainsi ces chemins inattendus sous la houlette de Janel Leppin qui en offre une vision élégante et intemporelle, avec ses arrangements post-classiques survolant des zones aux frontières expérimentales.

Cet album est une leçon d’équilibre et de finesse, de dérives oraganiques et d’abstraction acoustique, où cordes, clarinette, basse, guitare et voix donnent le tourbillon, entrainant l’auditeur dans un monde étrange, aux bruissements éclatants et aux frémissements poétiques.

Le travail d’arrangement de Janel Leppin est d’une grande subtilité, avec ses instants de silence suspendus et ses plages de clair-obscur flirtant avec l’étrangeté, créant des étendues aux tensions élastiques, virevoltant entre musique traditionnelle et approche contemporaine.  Un pont suspendu comme on en rêverait d’autres.

***1/2