The DreamSyndicate: « What Can I Say? No Regrets… Out Of The Grey + Live, Demos & Outtakes »

27 janvier 2022

Demandez à quelqu’un s’il connaît The Dream Syndicate, et s’il était là au début des années 80, vous entendrez probablement parler du groupe dirigé par Steve Wynn avec la bassiste Kendra Smith, et de leur premier album, The Days of Wine and Roses, ou peut-être, comme certains, ont-ils découvert cette version du groupe lorsqu’ils ont fait la première partie de la tournée « War » de U2 dans le Midwest en 1983. Mais cette formation s’est dissoute peu après cette tournée, et Wynn a continué à travailler jusqu’en 1989 avec le batteur d’origine Dennis Duck, Mark Walton à la basse et le second guitariste Paul B. Cutler. Wynn a continué en tant que chanteur/compositeur solo, et avec de nombreux groupes, puis a reformé The Dream Syndicate en 2012, remplaçant Cutler par le guitariste Jason Victor.

En 1986, The Dream Syndicate sort Out of the Grey, qui n’est pas très bien accueilli commercialement dans un marché musical où le R&B et la new wave dominent les charts pop, tandis que le hair metal s’est emparé des radios rock. Le groupe, qui avait été comparé à ses débuts à un croisement entre le Velvet Underground et le Crazy Horse de Neil Young, a souffert d’un mauvais mastering, qui a laissé le son avec des basses de qualité inférieure, et la batterie et les voix principales enregistrées comme dans une grande arène d’échos. Pour cette nouvelle réédition, l’album a été remastérisé pour retrouver le punch et la profondeur de la chanson et plusieurs chansons de cette année-là qui étaient sorties séparément. Un deuxième disque bonus offre un album « live » enregistré dans un club intime en 1985, comprenant plusieurs de ces chansons et des hits précédents, et le troisième disque est une collection de démos, et un tas de reprises rapides enregistrées en studio et quelques morceaux live égarés.

Avec l’amélioration de l’audio, l’attention se porte là où elle doit être, sur les chansons de Wynn et la prestation solide du groupe. Les guitares de Cutler donnent un coup de fouet au rocker audacieux « 50 in a 25 Zone », « Slide Away » adopte un ton plus jangly pour Wynn, son meilleur pop/rock, et le plus grandiloquent « Boston » salue la ville qui a accueilli Van Morrison au milieu des années 60. « Now I Ride Alone » mélange les instincts rock plus sombres du groupe avec un rythme un peu country rock, tandis que « Dying Embers » mélange cette sensation de guitare jangly avec le psychédélisme des années 60. L’album de 17 titres (les 5 derniers ont été ajoutés sur la réédition CD de 1997) comprend trois reprises de classiques du rock de la décennie précédente, et deux d’entre elles fonctionnent vraiment. Leur reprise de « Let It Rain » d’Eric Clapton met vraiment l’accent sur les accords puissants de l’accroche, ce qui fait ressortir la qualité de l’accroche. Johnette Napolitano de Concrete Blonde rejoint Wynn sur les harmonies vocales principales. La version par le groupe de « Cinnamon Girl » de Neil Young accélère le rythme, et les accords plus rapides et plus percutants suggèrent un peu l’influence du punk, et cela donne à la chanson un peu du punch qui lui manquait. Il est difficile de dire s’ils s’attendent à la reprise du « Ballad of Dwight Fry » d’Alice Cooper, car la voix de Wynn ne rend jamais vraiment justice à la chanson, ils ajoutent moins d’une minute de « Shake Your Hips », la chanson de Slim Harpo qui est servie avec une touche de ZZ Top dans les guitares. Ils incluent une autre chanson de Wynn, puis terminent l’album avec une interprétation de « The Lonely Bull », la mélodie de Sol Lake qui avait été un succès instrumental pour Herb Albert, les guitares gérant bien les tons plus doux et plus occidentaux.

L’album en concert nous donne une chance d’entendre ce dont le groupe était capable, en jouant devant un public sans la prétention ou les altérations qui peuvent se produire dans la conscience aiguë du studio. Vous avez vraiment une idée de la puissance de ce groupe lorsque les rockers de base des bars s’étendent à des jams plus longs, comme « Dancing Blind » et « Blood Money », lorsqu’ils laissent le guitariste s’échapper. Bien sûr, il y a aussi un peu trop de badinage sur scène, Wynn faisant semblant de jouer le thème de « Ghostbusters » ou essayant de désamorcer avec grâce une demande de jouer une chanson de Bryan Adams. La plupart des chansons proviennent de l’album studio qu’ils sortiront l’année suivante, ils jouent quelques morceaux de leur premier album, dont une version exceptionnelle de la chanson titre, « The Days of Wine and Roses », et de leur album de 1984, Medicine Show, y compris la jam psychédélique de 14 minutes sur « John Coltrane Stereo Blues » qui clôt le set et repousse plusieurs limites dans l’interprétation fougueuse de la chanson.

Les sept premiers titres sont des démos de studio des versions vivantes des chansons qu’ils espèrent améliorer lorsqu’ils passeront à l’enregistrement de la version finale de l’album. Alors que la version du premier disque comporte souvent des parties de guitare plus fortes, de meilleurs solos, etc., la voix de Wynn est souvent meilleure ici, directement sur la bande sans effets, et parfois, la batterie est également plus naturelle. La voix de Wynn est souvent meilleure ici, enregistrée directement sur bande sans effets, et la batterie est parfois plus naturelle. La plupart des autres morceaux de l’album sont des jams en studio sur des reprises pop, apparemment sans le bénéfice d’un arrangement solide comme ils l’ont fait pour les reprises de Clapton et Young qui ont fait l’album. Après avoir visionné le Get Back des Beatles, nous avons déjà constaté récemment que les musiciens procrastinent souvent en studio en jouant tout ce qu’ils savent à côté du morceau qu’ils sont censés jouer. Ils s’amusent à jouer « Eighteen » d’Alice Cooper, et quelques morceaux de Floyd où les guitaristes ont accordé beaucoup plus d’attention aux parties que la voix de Wynn ne le suggère. La plupart de ces morceaux ne seront pas joués une fois que la curiosité initiale aura disparu, bien que le bref instrumental de guitare sur « The Munster’s Theme Song » soit amusant. « Papa Was a Rolling Stone «  mérite bien mieux que ce qu’il obtient, et « Badge », une collaboration entre Harrison et Clapton, mériterait d’être mieux traitée, comme la reprise complète de « Let It Rain » ».

On pourra certainement comprendre pourquoi beaucoup de chansons de l’album original sont quelque chose que Wynn et ses joueurs actuels du Dream Syndicate aimeraient mettre devant leurs fans, et les rejouer en direct. Mais seul le fan le plus dévoué voudra se procurer l’ensemble des 3 disques.

***1/2

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Molly Tuttle : « …but I’d rather be with you »

1 septembre 2020

Molly Tuttle continue de nous révéler des surprises.  L’ancienne « Guitariste de l’Année » »de IBMA (Blues Music Awards) et lauréate du 2028 American Music Award dans la catégéorié « Instrumentalist of the Year » a prouvé l’année dernière avec son premier album When You’re Ready qu’elle est plus qu’une auteure-compositrice-interprète compétente. Aujourd’hui, avec …but I’d rather be with you, elle nous montre ses prises de position uniques sur une gamme assez éclectique de reprises, dont au moins trois ont déjà été publiées en tant que « singles ».  Les dix chansons ont été enregistrées pendant une quarantaine et produites avec l’aide de Tony Berg (Phoebe Bridgers, Andrew Bird). En mars de l’année dernière, la société Tuttle, basée à Nashville, a subi la tornade dévastatrice qui a ravagé une grande partie de l’est de Nashville, suivie par la pandémie mondiale. Tout en s’abritant chez elle, elle a trouvé du réconfort en revisitant ses chansons préférées. Une idée d’album est née, à enregistrer avec Berg, basé à Los Angeles, malgré une distance de plus de deux mille miles.

Tuttle a appris à utiliser Pro Tools, puis elle a enregistré et conçu toutes ses parties seule chez elle avant de les envoyer à Berg. Le célèbre producteur a recruté des musiciens de session légendaires – dont le batteur Matt Chamberlain et le claviériste Patrick Warren – pour ajouter des instruments de leurs studios respectifs, avec comme invités Taylor Goldsmith de Dawes et Ketch Secor de l’Old Crow Medicine Show.  Cette collection inventive de chansons traverse les genres depuis des décennies, des artistes emblématiques allant de FKA Twigs (« Mirrored Heart »), à Cat Stevens (« How Can I Tell You »), Rancid (« Olympia, WA »), à Karen Dalton « « Something’s On Your Mind »), aux Stones (« She’s a Rainbow ») et au Grateful Dead (« Standing on the Moon »), tous liés par la voix claire de Tuttle, sa tessiture étonnante et son jeu de guitare stellaire. Et, à l’exception de quelques passages de flat-picking, ils s’éloignent de la musique bluegrass qui a établi sa réputation initiale.

L’album a également été le premier « single » et la vidéo qui l’accompagne, sa version de la chanson épique « Fake Empire » de The National.  Tuttle nous donne un aperçu de son penchant pour le défi, en disant : « Cette chanson a un super cool polyrythme à quatre sur trois. La partie de piano est super amusante à la guitare si vous pouvez entraîner votre pouce à jouer en trois et votre index et votre majeur à jouer en quatre ! » Elle a également trouvé que la omposition était opportune en cette période de troubles sociaux

« Olympia, WA » est un c titre qu’elle a appris en tournée et qu’elle a ensuite interprété en duo avec Keith Secor, qui y chante également en harmonie. L’autre « single » est tiré de The Grateful Dead, rien sue moins ! Bien que Tuttle avoue ne pas avoir écouté beaucoup de Grateful Dead pendant son enfance, leur musique était omniprésente dans les environs de la Bay Area où elle a grandi. Ainsi, cette anecdote, « Notre tradition familiale spécifique était que Jerry Garcia était allé à mon lycée (Palo Alto High) et la grande soeur de ma mère, ma tante Titia, les connaissait et prenait des leçons de guitare auprès de Bob Weir à Menlo Park. C’est une façon détournée d’expliquer que cette chanson signifie beaucoup pour moi parce qu’elle me ramène à mes racines. Même si j’aime Nashville, j’ai parfois l’impression d’être sur la lune et de souhaiter être avec mes amis et ma famille à San Francisco. La phrase « A lovely view of heaven, but I’d rather be with you » est ma préférée et c’est pourquoi j’ai nommé l’album … mais je préfère être avec toi. La vie est désordonnée et imparfaite, mais je préférerais être ici avec vous tous ! » Tuttle a gagné l’immense admiration de Goldsmith en prenant une chanson de Dead et en la transformant complètement dans son propre style. Ses harmonies et celles de Secor expliquent en grande partie pourquoi elle fonctionne si bien.

Parmi ses autres interprétations, non encore mentionnées, on peut citer sa reprise acoustique de « A Little Lost » d’Arthur Russell, le joyeux « Zero » des Yeah, Yeah, Yeahs et le contemplatif « Sunflower Vol. 6 » de Harry Styles. Le dernier morceau, « How Can I Tell You » de Cat Stevens, est l’un des titres de rechange de l’album, car Tuttle n’est accompagnée que de sa propre guitare et de son propre violoncelle. C’est magnifique et une excellente façon de conclure cet album, qui témoigne de la technologie, autant que de tout autre chose, étant donné que chaque musicien était dans son propre home studio pour contribuer au son. Peut-être que les studios deviendront eux aussi une victime de la pandémie. Si l’on ne le savait pas, il serait difficile de deviner que cela s’est fait « comme les astronautes le font ».

L’intention de Tuttle était de nous apporter un peu de joie et l’album déborde de ce genre de vibrations. Elle a l’intention d’en faire un autre avec son propre matériel avant la fin de l’année, ce qui ne fera probablement que pousser sa trajectoire ascendante encore plus haut. C’est ce que l’écrivaine a déclaré à propos de l’album de l’année dernière dans un autre journal : « C’est comme si le titre de l’album posait la question de la préparation – le monde de la musique est-il prêt pour ses talents illimités ? Les coups de guitare de Tuttle, son écriture et ses superbes voix la préparent bien à un grand décollage » » Peut-être dit-on maintenant que la fusée a décollé et que l’orbite est bien engagée.

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Margo Price : « That’s How Rumors Get Started »

12 juillet 2020

Le parcours de Margo Price jusqu’à la sortie de son très attendu troisième album, That’s How Rumors Get Started, a été semé d’embûches. Elle a enregistré l’album au milieu de sa grossesse avec sa fille Ramona. Sa maison de Nashville, a à peine échappé aux tornades meurtrières, bien qu’elle et son mari, le chanteur-compositeur Jeremy Ivey, aient eu de nombreux amis qui ont été touchés. Ils viennent de quitter un bar d’East Nashville lorsque la tornade a littéralement frappé l’endroit où ils étaient assis vingt trente minutes plus tôt. En outre, ils ne savent pas si Ivey a jamais contracté le Covid-19, mais il a été profondément malade pendant un mois. Si l’on ajoute à tous ces facteurs la perte de John Prine, l’apparition du virus et le confinement, on obtient une montée en puissance particulièrement étrange pour la sortie d’un album, retardée au début, mais qui est maintenant là.

L’album a été produit par Sturgill Simpson, un ami de Price, et coproduit par Price et David Ferguson. Les dix originaux ont été enregistrés en tant que pistes de base à East/West à L.A. pendant la semaine où Price a reçu sa nomination au Grammy du meilleur nouvel artiste. Le groupe est composé d’un groupe de haut niveau comprenant le guitariste Matt Sweeny (Adele, Iggy Pop), le bassiste Pino Palladino (D’Angelo, John Mayer), le batteur James Gadson (Aretha Franklin, Marvin Gaye) et Benmont Tench (Tom Petty & The Heartbreakers). Des chœurs ont été ajoutés par Simpson sur « Letting Me Down » et du Nashville Friends Gospel Choir sur « What Happened to Our Love » et « Hey Child » »

Elle était loin de se douter que les paroles de « Letting Me Down », également sorties en vidéo, allaient se révéler si prémonitoires à notre époque : « Everybody’s lonely, oh babe, just look around. » La chanson a été écrite par Price et Ivey pour deux amis de lycée, à propos de deux adolescents fugueurs qui tentent d’échapper à une vie de travail.

Price propose cette perspective : « Ramenez-moi au jour où j’ai commencé à essayer de peindre mon chef-d’œuvre pour pouvoir m’avertir de ce qui m’attendait. Le temps s’est réarrangé, il a ralenti, il a manipulé les choses comme il le fait toujours… les paroles de certaines de ces chansons ont changé de sens, elles ont maintenant un poids plus lourd. J’ai vu les rues s’embraser, le ciel s’enflammer. J’ai été maniaque, le cœur brisé pour le monde, le cœur brisé pour le pays, le cœur brisé d’être brisé encore et encore. Cet album est une carte postale d’un paysage d’un moment dans le temps. Ce n’est pas politique, mais il offrira peut-être une évasion ou un soulagement à quelqu’un qui en a besoin ».

Le titre d’ouverture laisse entendre que l’album parle de relations et qu’elle vante une ex-amie qui brûle les étapes. « Twinkle » est un bruyant coup de pied de l’âne alors que Price chante les illusions de la célébrité. Il est basé sur une courte conversation avec Marty Stuart, mais commence par un instantané de Price grandissant dans une petite ville de l’Illinois, avant d’entamer une sorte de voyage autobiographique où, dans les coulisses d’un festival, Price explique qu’elle voulait être une star ; une Twinkle twinkle. « Stone Me » est un autre des « singles » sortis, une réponse provocante à la perception du public et à la gestion des attentes. C’est le côté insolent de Price, un ingrédient clé de son immense popularité.

«  Hey Child » déborde du piano et de l’orgue de Tench et sa voix s’élève à de grandes proportions lorsque le chœur se joint à lui. Il a apparemment été écrit à une époque où beaucoup de ses amis de East Nashville traversaient des périodes déprimantes, ne prenant pas soin d’eux.  Elle essaie de leur offrir des encouragements audacieux. « Heartless Mind » est la quintessence de la chanson pop avec ses nombreuses textures, ses couches et ses synthés qui s’envolent dans des directions folles et quelques pistes de guitare jouées à l’envers. D’une certaine manière, les immenses tuyaux de Price s’envolent au-dessus du tourbillon sonore. Vous ne devinerez jamais que Price est devenu un soi-disant chanteur de country en l’écoutant. Nous avons déjà entendu des productions inventives similaires de Simpson, mais jamais avec une voix aussi forte que celle de Price. Et, fait remarquable, sa voix gémit encore plus fort sur « What Happened to Our Love ? »

« Gone to Stay » est une autre des chansons de Tench pilotées par le clavier, une chanson qui passe à la radio et qui se glisse tout simplement. Elle a été écrite pour son fils de neuf ans, une reconnaissance du temps perdu, des erreurs commises – une perspective mature avec la phrase : « la rivière ne coule que dans un seul sens, et quand elle est partie, elle est partie pour rester » (the river it runs only one way , and when it’s gone , it’s gone to stay). «Prisoner of the Highway » est une autre réflexion personnelle écrite dans un avion peu après avoir appris qu’elle était enceinte et qu’elle envisageait de trouver un équilibre entre sa vie de famille et sa carrière en déplacement.

Plus proche, « I’d Die for You », écrit avec Ivey, comme beaucoup d’autres, est le morceau le plus puissant d’un album de plusieurs. Son chant mural résonne encore dans cette tête une demi-heure plus tard. Pourtant, le sujet, une fois de plus, est assez sérieux. Non seulement elle exprime son désintéressement pour son mari, mais à d’autres niveaux, elle parle de l’embourgeoisement de Nashville et de la crise nationale des soins de santé. Vous voudrez peut-être dire que c’est aussi à propos du virus, mais il a été enregistré bien avant que nous soyons dans cet état.

C’est un disque à fort indice d’octane, rempli d’accroches et de riffs, de solides qualités musicales et peut-être juste un peu trop de production. À travers tout cela, Price a des réflexions intéressantes sur la maternité et la façon de faire face à sa célébrité croissante. L’élément décisif, comme vous pouvez le deviner, est la puissance implacable de sa voix qui continue à étonner.

***1/2

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Jennah Barry: « Holiday »

5 avril 2020

Sur le nouvel album de Jennah Barry, Holiday, l’auteure-compositice canadienne présente à qui veut l’écouter sa maison, son cœur et ses rapports avec une foutitude d’émotions. Huit ans après sa première sortie, Young Men, Holiday arrive comme un effort apaisant de deuxième année qui a les qualités douces et effarouchées d’une première impression. Bien qu’il y ait un air timide dans la façon dont ces chansons font tourner l’auditeur dans les mondes intérieur et extérieur de Barry, la musique elle-même est partagée avec une confiance gracieuse et croissante. Pourtant, avec tout cela, Barry ne nous dit pas tout. Entre les descriptions des eaux lunatiques de l’océan Atlantique, les solos de bois chantants et les réflexions bucoliques sur soi-même, il est clair que Barry retient une certaine profondeur qui existe en elle et dans sa musique potentielle.

Holiday a été écrit et enregistré sur la côte sud de la Nouvelle-Écosse, dans une maison que Barry a aidé à construire et certaines parties de ce paysage côtier, au nord de l’Atlantique, apparaissent souvent sur l’album, à travers une représentation à la fois tonale et lyrique. Sur « Roller Disco » » l’un des « singles » de l’album, la description du cadre commence au cœur d’un continent, du mauvais côté du Canada. Trouvée au début de Holiday, cette caractérisation isolante de la région d’origine de Barry établit une dichotomie de solitude et d’intimité qui persiste tout au long de l’histoire. La gamme émotionnelle de Holiday dépeint la maison de Barry comme un lieu éloigné, distant selon certains critères, mais riche d’un sentiment intime d’appartenance. Cette dichotomie est simplifiée sur le morceau « I See Morning », comme Barry le chante : « En regardant le monde, tout peut arriver / En regardant le monde, rien n’arrive jamais » (Looking at the world, anything can happen / Looking at the world, nothing ever happens).

« Big Universe » ajoute également au sentiment de lieu nuancé créé pendant les vacances. La combinaison musicale d’une pedal steel guitar et de la répétition de « oom sha la las » dans les chansons a longtemps été associée au bord de l’océan. Ici, nous avons ces deux éléments essentiels d’une ode à la mer. Malgré ces éléments de plage, « Big Universe » n’évoque pas les images des côtes chaudes et sablonneuses de la Californie. Au contraire, la piste existe dans un autre type d’humeur maritime. La voix de Barry ressemble aux eaux plus froides de l’Atlantique, comme une corne de brume soufflant dans une tempête. Ce sont les voix d’une sirène introspective, qui accueille les navires à terre tout en explorant ses émotions.

Parfois, il semble que les paroles apaisantes et rassurantes de Barry s’adressent à elle-même. Sur « Pink Grey Blue », un autre « single », elle chante : « Pas de surprise / Tu as mal à l’intérieur / Tu es rose, gris et bleu. » (o surprise / You ache inside / You’re pink and grey and blue.) C’est comme si nous regardions Barry et sa guitare pendant un moment d’intimité. Elle reconnaît la complexité de ressentir plusieurs choses à la fois, et lorsqu’elle parle à haute voix, sa propre voix est l’antidote à ce problème universel. Une sorte de refrain se répète : « Ça pourrait être pire / Une malédiction est juste cet amour que j’ai pour toi. (Could be worse / A curse is just this love I have for you Un léger vibrato se marie à merveille avec le genre de jeu de guitare qui consiste à faire glisser les doigts le long des cordes dans différentes positions. « Pink Grey Blue » est une berceuse qui traite d’amour-propre.

« Lullab » serait une description appropriée pour de nombreux morceaux composant Holiday. Avec sa courte durée et son sujet somnolent, « Are You Dreaming ? » est un nouveau joyau du genre berceuse. Il a l’effet intemporel d’une couverture épaisse et d’une tasse de thé aux herbes, et est tellement dépourvu de paroles trop contemporaines que le résultat final donne l’impression qu’il aurait pu être écrit par des trappeurs de fourrure en 1650. Encore une fois, la voix de Barry se combine si merveilleusement avec l’accompagnement à la guitare dans ce titre dont Mary Travers serait fière.

Alors que Holiday ne s’éloigne jamais trop de son folklore acoustique discret, le troisième morceau, « The Real Moon », est une aberration bienvenue. Une fois que cette chanson se met en marche avec ses cornes et ses tambours, on se sent presque prêt à faire la bande sonore d’un thriller d’espionnage et de romance à la James Bond. « The Real Moon » contient également l’un des nombreux exemples de la vision du monde pleine d’esprit et d’observation que Barry tisse dans ses chansons : « Vers 12 heures, je vois un cerf sur la pelouse de devant / Il a l’air très perdu, me fixant avec les mêmes pensées. » (Around 12 o’clock, I see a deer standing on a front lawn / He’s looking very lost, staring back at me with the same thoughts.)

Ce disque traite des sujets qui tiennent à cœur à Barry : l’amour de soi, des autres, de la maison et du lieu. Bien qu’il s’en tienne à cette conception traditionnelle voire conservatrice, Holiday parvient tout de même à offrir une grande polyvalence à ses auditeurs. L’album est à la fois une force apaisante et un exercice stimulant de considération intérieure. Il s’agit de l’auto-présentation réussie de Barry en tant que superbe auteur-compositeur capable de chanter des beautés originales sur des thèmes intemporels. Tout en admirant la chaleur et la beauté berçante de Holiday, il est possible de s’interroger sur la profondeur supplémentaire qui existe sans aucun doute au-delà de la surface de l’amour et des berceuses. Il est rassurant de savoir que toute retenue qui se produit ici laisse simplement la porte ouverte à d’autres musiques venues de Barry à l’avenir.

***1/2

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William Tyler: « Music from First Cow »

29 mars 2020

La musique de William Tyler pour First Cow reflète tout le paysage luxuriant du Nord-Ouest du Pacifique vu dans le nouveau film First Cow réalisé par Kelly Reichardt. D’une part, la nature sauvage est belle et abondante, mais d’autre part, elle est hostile à ceux qui tentent d’y faire leur vie. La musique d’ambiance rappelle la beauté de la frontière imprégnée par la tension de la colonisation envahissante, mais utilise des mélodies et des sons simples pour faire subtilement ressortir ce point.

Le film suit deux des premiers habitants du territoire de l’Oregon alors qu’ils entreprennent de voler le lait d’une vache appartenant à un riche propriétaire terrien. Dans le majestueux et imperturbable Nord-Ouest du Pacifique, vers 1820, la tension entre les humains qui empiètent sur la terre et l’étendue sauvage du territoire constitue un contexte idéal pour explorer un récit aussi ciblé. William Tyler utilise la même mise en scène de l’intime contre l’immense dans sa partition.

« First Cow in the Territory » commence l’album en le plaçant dans le domaine de la musique country. Un banjo solitaire s’arrête pendant que des bavardages et des dialogues du film se déroulent. Le banjo errant est à la fois un son familier et une indication de notre éloignement. « An Opening » introduit une mélodie dont le refrain de rechange se glisse tout au long de l’album. La chanson se gonfle lentement autour de la mélodie unique jouée par un seul instrument mais ne culmine jamais, au contraire, la mélodie s’évanouit dans le son des oiseaux qui gazouillent.

« Cookie’s Theme », du nom d’un des protagonistes, est un peu plus optimiste, mais sa mélodie est teintée de juste assez de mélancolie pour qu’on se pose plus de questions sur Cookie. Qu’est-ce qui pousserait quelqu’un à aller jusqu’au bout du continent ? Hélas, la partition de Tyler ne donne pas la réponse, mais continuera d’inviter à se poser des questions sur le film.

William Tyler est connu comme un artiste indie-folk. First Cow est son premier film dont il a écrit la bande-son mais il a apporté à l’album une grande partie de son style, issu de ses travaux antérieurs. Il a tendance à écrire des morceaux instrumentaux expérimentaux pour lui-même à la guitare, ce qui démontre son habileté technique et son penchant pour un son riche et méditatif.

Dans l’ensemble, l’album suggère plus qu’il n’informe. Il présente une beauté épurée tempérée par une tension. Les chansons sont parfois solitaires, car la plupart reposent principalement sur un seul instrument qui porte la mélodie avec peu d’autres accompagnements, mais la simplicité de son son est l’un des points forts de l’album. L’album est conçu comme un élément contribuant à la narration, et le ton et l’atmosphère qu’il procure approfondissent certainement l’expérience du film.

Il n’y a pas de paroles – bien qu’il y ait parfois des dialogues de film – mais plusieurs des chansons contiennent les sons naturels de la forêt. Le gazouillis des oiseaux sur « An Opening » qui se fond dans « Cookie’s theme », le bruit de l’eau qui coule doucement sur « Arrival » et « River Dream » » et les doux pas sur le sol dans « The Separation » contribuent tous à l’ambiance de l’album mais ne sont guère nécessaires pour saisir l’impression de forêt dans la musique. La musique a une certaine innocence, avec des mélodies simples qui se répètent et un accompagnement luxuriant mais clairsemé, mais elle est aussi émotionnellement complexe, comme si quelque chose d’inquiétant était juste hors de portée de la musique qui se déroule ainsi à notre ouïe.

***1/2

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Empty Country: « Empty Country »

25 mars 2020

En dix ans, le groupe new-yorkais Cymbals Eat Guitars est passé d’un groupe qui adorait les caves de l’underground à un combo de rock qui attire les foules avec des arrangements de plus en plus léchés. Ils ont trouvé un public parmi le public des Pixies et de Modest Mouse, et lorsque cette scène s’est éteinte, ils ont continué à évoluer et ont fini dans les bras du revival emo. Aujourd’hui, l’auteur-compositeur-interprète Joseph D’Agostino est allé de l’avant, après la séparation du groupe en 2017, à la recherche d’une nouvelle revitalisation avec son projet solo Empty Country.

Empty Country est un disque engageant, merveilleusement arrangé et gratifiant. D’Agostino donne sa propre interprétation de l’Americana qui se sent à la fois nouvelle et ancienne. Bien qu’il ait été réalisé avec une approche de retour aux sources, avec l’aide d’un petit nombre de personnes proches de lui – le disque met en vedette sa femme et sa belle-sœur aux chœurs et plusieurs amis et voisins qui forment son groupe – il en ressort avec un sentiment de pleine réalisation et même plus. Aucun détail n’est épargné, et presque chaque section est composée et arrangée de façon experte pour rendre les chansons aussi séduisantes et immersives que possible. Le groupe a quelque chose en commun avec l’envoûtant A Sailor’s Guide to Earth de Sturgill Simpson, tant dans son approche musicale que dans sa perspective lyrique.

Après la rumination sur la mort qu’a été le disque Lose de Cymbals Eat Guitars, acclamé en 2014, et le sursaut de vie qui lui a succédé, Pretty Years, D’Agostino cherche maintenant des sources d’espoir au milieu d’une peur permanente de la perte.

Certaines de ces sources sont très personnelles. « Ultrasounds » par exemple a cle caractère rauque et flou de la fin des années 90, tandis que D’Agostino s’inquiète pendant l’attente effrayante des résultats médicaux de sa femme ; « Nous essayons de dormir / Nous tournons / Une ombre sur l’échographie. » La berceuse façon boîte à musique « Chance » vous enveloppe lentement dans un orchestre luxuriant, vous y tient confortablement, puis vous chante dans une heureuse stupeur ; la chanson est un hommage à son beau-père, Robert « Chance » Browne, le dessinateur de la bande dessinée Hi and Lois.

Entre-temps, D’Agostino s’est également lancé dans la fiction, ce qui a donné naissance à des chansons plus surréalistes et parfois idiosyncrasiques. « Marian » est un spectacle tentaculaire sur un mineur de Virginie occidentale qui, en 1966, se saoule et prédit sa propre mort en parlant à sa femme endormie. « Becca » est un air folk-rock tout simple, presque enjoué, sur une femme qui trompe les gens pour les rendre aveugles en regardant directement une éclipse solaire.

Les mots de D’Agostino sont si complexes et si enchevêtrés dans les détails que les histoires sont obscurcies ; c’est plutôt comme si vous feuilletiez un album photo sans notes de bas de page – on ne vous raconte pas l’histoire, mais vous ressentez l’impression qu’elle vous laisse. Les chansons peuvent être sombres et dissonantes, et elles peuvent être lumineuses et pleines d’espoir. C’est un disque qui parle de tomber amoureux, de trouver une joie pure dans la parentalité et de s’inquiéter pour ceux qu’on aime. C’est un disque tendre et parfois destructeur, car D’Agostino trouve du réconfort dans les choses qui sont bonnes dans la vie, s’en prend à ses peurs et répète ce cycle jusqu’à ce que son ennemi soit, pour l’instant, vaincu.

***1/2

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Arbor Labor Union: « New Petal Instants »

19 février 2020

Arbor Labor Union est un combo qui aime le changement et qui, auparavant, s’appelait Pinecones. Ils ont changé le son pour I Hear You en 2016 et ont affiché un post-punk plutôt convaincant.

Pour ce nouvel album le groupe d’Atlanta a, une fois de plus, affiché une nouvelle direction plus americana et southern rock et un son clairement plus hippie et plus ludique ; une sorte derecherche eoots aux facteurs psychologiques

Cela fonctionne bien sur « Riddle Snake Blue ». L’atmosphère est plutôt tendue, mais elle reste bien fluide ; Le banjo et le violon apparaissent encore et encore, veulent répandre des parfums de campagne, mais sont rapidement mis sous boisseau.

« Flowerhead » est une super jam hippie, « Give Us The Light » se déroule agréablement et dans l’ensemble, l’ambiance y sera très lumineuse et accessible.

Ce n’est qu’avec « Crushed By Fear Destroye » » dans le dernier tiers du disque qu’une certaine urgence post-punk apparaî pour s’éteindre rapidement et être intercepté avec lun «  Highway Tape Loop » » stoïque qui apporter un point d’orgue à l’album.

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Publié par rockdecibels

Stone Temple Pilots: « Perdida »

9 février 2020

Au début des années 1990, l’un des groupes les plus populaires de l’ère grunge a été Stone Temple Pilots, aux côtés des poids lourds habituels que sont Nirvana (Come as You Are), Pearl Jam (Even Flow), Alice in Chains (Man in the Box) et Soundgarden (Outshined).

Créés en 1989 à San Diego, Californie, Etats-Unis, les Stone Temple Pilots ont connu une popularité fulgurante dès la sortie de Core en 1992 – leur premier disque le plus vendu, propulsé par leur single « Plush, le plus connu et le plus populaire des charts. Cinq autres albums ont suivi, de Purple en 1994 à Purple en 2010, toujours avec leur chanteur original, feu Scott Weiland, décédé en 2015. Les fondateurs Dean DeLeo (guitare), Robert DeLeo (basse, chœurs) et Eric Kretz (batterie) ont poursuivi leur travail en recrutant Jeff Gutt comme nouveau chanteur. Le prochain album de Jeff Gutt, Perdida, sera son deuxième opus avec Stone Temple Pilots.

Perdida débute avec son « single » principal –une complainte de type country, « Fare Thee Well », qui se signalet une teinte de blues et de gospel, grâce à la guitare slide de Dean, ainsi que les mélodies d’orgue et de piano du musicien invité Bill Appleberry et les chœurs de style « church-mode » de Joy Simpson et Tiffany Brown. Suit une ballade tout aussi sentimentale, « Three Wishes », avec sa délicieuse corne d’abondance de guitares. L’ambiance est ensuite plus sombre avec le morceau-titre agrémenté d’une subtile orchestration de cordes conduite per Yutong Sharpe (violon), Julie Staudhamaer (alto) et Erin Breene (violoncelle), et qui rappellera aux initiés le « single » « Lady Picture Show » de 1996.

éI Didn’t know the Time » reprendra le thème folklorique général de Perdida ; avec une menstion spéciale pour le magnifique ad-lib de guitare et flûte d’Adrienne Byrne ; si le terme Folk Grunge n’a pas encore été inventé, il conviendra alors de l’utiliser pour décrire la tonalité d’ensemble de cet album. Avec ses parties de piano poignantes et son interlude alto-saxophone émouvant de Chris Speed et, aussi absurde que cela puisse paraître, il pourra aisément s’intégrer dans une liste de lecture comprenant des chansons de Chicago (« Saturday in the Park ») et America (« I Need You »). Avec « She’s My Queen », Dean, Robert, Kretz et Gutt ramènent d’ailleurs l’auditeur au côté acoustique du grunge des années 90, où la musique était axée sur l’innocence sonore des instruments et du chant plutôt que sur la rage et l’angoisse.

Stone Temple Pilots se lance alors dans la sensibilité post-Grunge de « Miles Away », qui ressemble à une salve ou une valse où les cordes ont la part belle avant que la guitare ne reprenne ensuite le dessus avec le sombre balancement psychédélique de « You Found Yourself while Losing Your Heart » qui, l’espace d’une nanoseconde, dégage de faibles échos du « Creep » des Stone Temple Pilots. L’avant-dernier morceau, « I Once Sat at Your Table » pourrait presque être considéré comme un road-sond de folk psychédélique ; un court instrumental de guitare, prélude au « Sunburs »,composition au falsetto texturé, inerprétée au piano.

Comparé aux autres albums de Stone Temple Pilots, tant anciens que récents, Perdida peut sembler bien loin. Cependant, on peut le considérer commeun autre vsersant, plus doux, du groupe, et surtout comme l’antithèse de l’album éponyme Blues-Grunge de 2018 ; il surprend le groupe dans sa prédisposition à la détente et à la contemplation et nus surprend tout autant à cet égard. Aa demeurant, Stone Temple Pilots, même à l’époque de Weiland, n’avait jamais été en mode rock à 100 % tout le temps et, malgré l’ombre que la mort du charismatique bien que troublé Weiland avait jetée sur eux, les autres Stone Temple Pilots ont pu se relever de la tragédie. Perdida est la preuve que les frères DeLeo, Kretz, et surtout Gutt, sont plus que capables de reprendre le groupe et de l’orienter là où ils l’ont toujours cherché, à savoir à produire des chansons déchirantes et émouvantes.

***1/2

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Publié par rockdecibels

Khruangbin & Leon Bridges: « Texas Sun »

4 février 2020

Il est difficile de saisir pleinement la taille du Texas avant d’avoir parcouru un tronçon de route important au travers de cet état. L‘horizon ne ceese de s’étendre et de se déployer – une étendue de terre apparemment sans fin, en grande partienon impactée par le développement, qui s’étend devant soi. On commence à se rendre compte à quel point il est compliqué de réduire tout cela à des caractéristiques simplifiées – combien il y a plus au Texas que les cow-boys et George W. Bush. Il est facile de se perdre dans ses pensées sur l’autoroute du Texas, ne serait-ce que parce qu’il y en a tellement.

Raison de plus pour avoir quelque chose de bon à écouter en cours de route. C’est essentiellement cette motivation qui a conduit à la création de Texas Sun, la première collaboration entre Leon Bridges, de Fort Worth, et Khruangbin, de Houston. Les deux artistes ont partagé la scène en tournée en 2018, ce qui s’est traduit par un bref mais inspiré effort en studio, que la bassiste de Khruangbin, Laura Lee, décrit comme « comme, à mes yeux, un voyage à travers le Texas ».

C’est un résumé approprié de ces quatre compositions ici ; toutes les plaines ouvertes, les paysages ensoleillés et les couchers de soleil rose-violet. Il pourrait facilement s’agir d’un voyage en voiture à travers n’importe quel État de l’Ouest – Arizona, Nouveau-Mexique, Utah, Californie – mais il est sentimentalement unique à l’État d’origine de Bridges et Khruangbin. Et à partir des notes douces et faciles de la chanson d’ouverture, une sensation de chaleur et de confort s’installe instantanément. L’invitation de Bridges à « venir et rouler avec moi jusqu’au coucher du soleil » (come on and roll with me ’til the sun goes downa) donne le ton d’un road trip nourrissant pour l’âme, sur fond de magnifiques « pedal steel » et de douce psychédélia. C’est un baume de bien-être dans une ère de frustration constante, une pause dans le désespoir extrême qui vante les vertus de monter dans une voiture avec quelqu’un que l’on aime et de laisser simplement ce qui se trouve au-delà de l’horizon être votre destination.

Les trois autres chansons de Texas Sun suivent le ton de la chanson titre, si ce n’est pas nécessairement le son. Khruangbin reprend le chant de velours de Bridges avec autant d’approches différentes qu’il y a de pistes, passant d’un psychédélisme décontracté et chargé de synthétiseurs sur « Midnight » à un dub-funk enjoué sur « C-Side » et à une slow jam merveilleusement entêtante et défoncée avec le titre final « Conversion ». Chaque chanson est conçue pour être écoutée de près ou simplement pour dériver en rêvassant, offrant des couches à démêler ou une atmosphère luxuriante pour vous faire sortir de vous-même. Les deux options sont parfaitement valables, bien que la première soit peut-être plus satisfaisante sur le plan sensoriel. Mais le résultat final est le même : Texas Sun est une merveilleuse évasion.

Bien que Leon Bridges et Khruangbin ne fassent pas nécessairement la même musique, ils sont complémentaires – Bridges apporte une gravité émotionnelle aux paysages psycho rock complexes et luxuriants de Khruangbin. La combinaison fonctionne si bien que j’espère déjà une suite éventuelle, même si cela devance peut-être un peu les choses. Pour l’instant, il s’agit d’une enivrante démonstration de concept de la part de deux des meilleurs artistes du Texas, tout cela dans le but de fournir la bonne mixtape pour aller quelque part, n’importe où. Il n’y a qu’un seul défaut à cela : le son d’un disque emblématique du Lone Star State parfait : Il n’est tout simplement pas assez long.

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Publié par rockdecibels

The Still Tide: « Between Skies »

4 février 2020

Between Skies s’ouvre sur un air de synthé et un murmure de saxophone. En quelques secondes, les attentes sonores que ces tonalités d’introduction ont mises en place se heurtent, en beauté, à l’alto puissant de la chanteuse et guide spirituelle de Still Tide, Anna Morsett. C’est une voix qui semble provenir de plusieurs genres : La cadence de Morsett rappelle la musique country ; son timbre riche et douloureux évoque Beth Orton ou Tracey Thorn. D’une certaine façon, toutes ces textures et ces timbres contrastés sont réunis et, sur les chansons les plus fortes de l’album, y compris le morceau d’ouverture, « On the Line », sont tissées dans un tissu exceptionnel.

Naviguer entre les genres peut avoir ses dangers, et lorsque les luxuriantes nappes de synthé de « On the Line » cèdent la place à la country-pop de « Keep It », l’auditeur ne peut qu’être déconcerté. On sent que les morceaux de l’album ont été ordonnés car ils sont davantage le fruit d’un désir de créer de la variété que d’un souci de transitions douces. Choquer l’auditeur peut être précieux, mais ici, cela enlève quelque chose à un « Keep It », eu demeurant parfaitemetr exécuté trop peut-être pour ne ps susciter en nous un sentiment de soulagement quand on revient au son plus spacieux, certes, mais orthodoxe et plus fluide de » »Change of Address ». Pour être juste, « Keep It » s également d’un phrasé, celui de la chanteuse dont l’insistance à hausser parfois le ton s’avère inévitablement gênant comme si elle avait difficulté à classer la composition dans un genre bien défini alors chanson donne l’impression d’être un peu trop difficile à classer alors que les séduisants riffs à la Johnny Marr suffisaient amplement.

« Change of Address » de manière appropriée, bouge comme un éclair. Parfois, des cordes d’arrière-plan s’ajoutent à la musique un côté Glen Campbell bien que la musique elle-même ne ressemble en rien à celle de la défunte star de la country. Mais c’est un emprunt efficace ;  »Memorized Line » offrira ainsi une meilleure transition à « Address » grâce à une frappante et onctueuse présentation d’harmonies vocales. Ces deux titres font bon usage des compétences du percussionniste Joe Richmond pour faire avancer la musique sans trop de bruit.

Morsett peut être une excellente parolieère : « The dreams that pull you awake/ The clouds and rivers that run you back to the train » ( Les rêves qui vous réveillent / Les nuages et les rivières qui vous ramènent au train) sur « « On the Line », « You were caught in between what you could and should feel if you’d only had the time to choose » (Vous étiez pris entre ce que vous pouviez et deviez ressentir si seulement vous aviez eu le temps de choisir) dans « Memorized Lines », et quoi de mieux pour illustrer une relation qui s’estompe que celle tirée de « Amsterdam » : « Melted ice in our unmoved drinks/ I feel another door close each time our eyes don’t meet/ I knew it then » (De la glace fondue dans nos boissons sans mouvement / Je sens une autre porte se fermer à chaque fois que nos yeux ne se rencontrent pas / Je le savais alors) ?

Mais il y a aussi des morceaux iions réussis et le disque aurait pu facilement se passer, par exemple, de la chanson « Better Than I’ve Been ». Heureusement, elle est suivie par « Amsterdam » dans laquelle on trouve quelque chose d’étrangement familier et presque réconfortant dans une composition aussi poignante, avec ses accords de guitare électrique mélancoliques et somnolents et ses délicates sonorités de cloche.  L’album se terminera par « Acres », un close-up efficace, avec les klaxons d’Erin Roberts qui sonnent comme des voitures lointaines la nuit, au loin, alors que nous roulons sur une autoroute sombre.

Between Skies sera jalonné de moments d’intérêt créés par des sons inattendus. Des guitares et des touches superposées, des choix intéressants de patchs de synthétiseurs et des guitares bien choisies qui éclairent le mixage, tout cela fonctionne ensemble pour créer de la profondeur et de la complexité. La trompette de Roberts dans « Amsterdam » commence avec la sensation d’une pensée d’après coup sur le break, avant de tirer efficacement la chanson dans sa repris et les vocalises errantes fournisront des passages fantomatiques subtils dans « On the Line », « Acres » et d’autres.

Still Tide a enregistré en partie chez Morsett mais la musique elle-même se révèle sophistiquée, brillamment produite, à peine « garage » ou spontanée. Parfois, ce manque de spontanéité est un défaut – la voix de Morsett pourrait être un peu plus engagée sur certaines lignes lyriques, un peu plus sincère, bien que nous sentions qu’elle l’a en elle. Mais elle offre aussi un ensemble réfléchi pour un voyage sonore solide et détaillé, digne d’un album où tant de chansons parlent de voyages – émotionnels et physiques. Ce sera peut-être la bonne bande-son pour le voyage émotionnel qu’elle ambitionnait ici de réaliser.

***1/2

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Publié par rockdecibels

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