Like Steele: « Listen to the Water »

4 juin 2022

Laissant de côté la vision grandiose de son groupe, le musicien australien Luke Steele nous offre un premier album solo étonnamment poignant. Mieux connu comme l’un des membres de l’énigmatique duo électro-pop Empire of the Sun, Steele a troqué sa couronne d’empereur pour un chapeau à bord noir beaucoup plus humble, bien que la musique qu’il produit soit suffisamment excentrique pour transcender les tropes folk indé standard. Auto-enregistré dans une cabane de la campagne californienne, Listen to the Water permet au chanteur/compositeur d’explorer les thèmes de la vie intérieure, de la domesticité, de la famille et de la société au milieu d’une palette de guitares acoustiques, de synthés lumineux et d’ornements sonores chatoyants. Lorsqu’il est bien fait, l’album solo fait maison rassemble la personnalité, les excentricités et les affections d’un artiste en un bouquet unique qui ne pourrait pas être produit dans un environnement de studio plus conventionnel. Cet album ressemble à l’un de ces disques.

Les fans des groupes précédents de Steele – les chouchous de l’indie pop du milieu des années 2000, les Sleepy Jackson, et le groupe Empire of the Sun déjà mentionné – devraient trouver beaucoup de choses à aimer dans ces chansons plus discrètes, mais toujours aussi idiosyncratiques, qui, malgré leurs racines acoustiques, ne semblent que partiellement terrestres.

Des titres comme « Common Man » et « Get Out Now » sont ainsi à la limite de la liminalité avec des arrangements éthérés qui s’efforcent d’atteindre la grandeur de l’époque d’Avalon de Roxy Music tout en transmettant des messages sur la faillibilité et la nature humaine. Une guitare pedal steel larmoyante et des tambours numériques marquent le déclin implacable de la jeunesse vers l’âge adulte sur l’étrange « Gladiator », tandis que l’anxieux « Running, Running » se construit tout doucement en un crescendo de ses éléments sonores disparates. Ce qui est unique dans Listen to the Water, c’est la façon dont il distille l’ambitieux personnage de Steele dans le petit théâtre d’un one-man-show. Il s’agit peut-être d’une collection plus discrète et personnelle, mais son sens inné de la dramaturgie s’adresse toujours à ceux qui sont assis et occupent les derniers rangs des travées.

***1/2


The Wave Pictures: « When The Purple Emperor Spreads His Wings »

25 mai 2022

When The Purple Emperor Spreads His Wings, le nouveau double album de The Wave Pictures, est un tour de force.  Il fait revivre avec énergie le concept du double disque, nous rappelant pourquoi, parfois, 20 chansons sont exactement ce qu’il faut pour créer un tout. Chaque face des disques représente une saison ; les quatre ensemble créent un cycle de chansons d’une année entière.  L’album célèbre également les influences qui inspirent le trio qu’est The Wave Pictures.  On y trouve un peu de country, de la musique de surf et beaucoup de pop britannique ancienne, le tout avec authenticité et fraîcheur. En une heure, six minutes et 51 secondes, Wave Pictures a condensé des décennies de sons, passant sans transition d’un style à l’autre. C’est un véritable exploit pour trois personnes et quelques amis.  Ils y parviennent grâce à la musicalité pure qui se dégage de chaque chanson.  Le passage de  » Douglas « , inspiré des Who, à  » Jennifer « , avec ses échos de pop africaine, n’a rien de perturbant. Il est clair que ce sont des musiciens qui se connaissent et qui s’approprient ce qu’ils font. Ils prennent les influences et se les approprient. Les arrangements sont parfaits. L’harmonica est utilisé lorsque la chanson ne fonctionne pas sans lui ; il en va de même pour les instruments, mais la véritable fondation de cet album repose sur cette trinité rock – le lead, la basse et la batterie. La pop revient ainsi à l’essentiel. Les guitares résonnent, célébrant la centralité de ce son dans la pop.  La basse et la batterie prennent leur place d’égal à égal avec le lead pour créer de superbes chansons qui utilisent des riffs issus des racines de la pop.

D’accord, ils savent jouer, mais savent-ils écrire ?  Alors que la musique reprend des sons du monde entier et de plusieurs décennies, les paroles sont souvent personnelles, comme dans ‘Winter Baby’. Et seul The Wave Pictures pourrait écrire « Walking to Wymeswold ».  Mais ils touchent aussi à l’universel dans des chansons comme « When the Purple Majesty Spreads His Wings ». Dans le cadre du thème des quatre saisons, les paroles racontent des histoires comme dans « Never Better ».  Quant à « Rivers of Gold », il s’agit d’une réflexion de trois minutes sur un moment donné.  Il y a de la poésie dans ces paroles. Ils sont quelque peu ambigus, la qualité à laquelle les poètes du moment sont encouragés à aspirer.  Ils se lisent bien sans la musique, mais prennent vraiment vie avec elle. Ils nous attirent en partageant le personnel et nous récompensent de notre présence en soulignant l’universel. Et ils ont le sens de l’humour, ce qui évite à chacun de prendre tout cela trop au sérieux.

Mais ce qui fait le tout, c’est le sentiment de joie qui s’en dégage. Ce n’est pas nécessairement dans les paroles, mais dans toute l’expérience créée par The Wave Pictures.  À un moment donné, on a l’impression que ces trois musiciens feraient cela même si personne d’autre n’écoutait et qu’ils prennent plaisir à faire de la musique et à raconter des histoires entre eux. C’est donc une chance que nous ayons été invités à les écouter.

***1/2


Fergal Lawler: « All Hope Is Never Lost »

11 avril 2022

Avec un titre qui exprime un sentiment bien nécessaire en ces temps difficiles, le premier album de Fergal Lawler ne ressemble pas à son travail avec le groupe pop/rock irlandais The Cranberries. Au lieu de cela, Lawler adopte une approche introspective à travers huit morceaux instrumentaux délibérément rythmés.

Inspiré par les bandes sonores et la musique ambient, All Hope Is Never Lost met en scène Lawler sur tous les instruments, à savoir au moins la guitare, divers claviers, des percussions éparses et des effets. À cet égard, « Shaking Hands With Death » donne le coup d’envoi de l’album avec une juxtaposition de drones doux et de guitare éclectique déchiquetée, parfois combinée à de l’acoustique. L’ambiance évoque la dualité des grands espaces et des paysages arides – leur vide est à la fois majestueux et mélancolique. Le morceau devient de plus en plus abstrait au fur et à mesure que les instruments sont transformés en un paysage sonore.

Ce penchant pour l’expérimentation électronique se poursuit tout au long du morceau, même si d’autres instruments entrent et sortent du mixage. Des vagues de distorsion peuvent accompagner de courts passages rythmiques dirigés par des cymbales, ou des accords de guitare sont maintenus jusqu’à ce qu’ils se mélangent à des drones sous-jacents. Tout cela est accompli presque entièrement sans battement ni structure répétitive clairement définie. Les morceaux apparaissent comme largement improvisés, mais peut-être en accord avec un cadre préétabli.

Le yin et le yang de l’approche de Lawler est représenté par « Speaking Very Softly Now », qui présente une mélodie de piano presque accrocheuse partageant le premier plan avec des drones de guitare rugueux. En fin de compte, les drones évoluent pour prendre un ton inquiétant qui reflète les rôles antérieurs des deux instruments. Plus désolé que sombre, le morceau joue avec l’humeur de l’auditeur, invitant à la tranquillité mais montrant trop de tension pour atteindre cet état.

Des comparaisons ? Peut-être l’ambient désertique des premiers Steve Roach ou l’Americana plus moderne d’un combo comme SUSS. Mais l’approche de Lawler est plus granuleuse et plus cinématographique. Quoi qu’il en soit, il s’agit d’un véritable bijou de sortie et d’un exercice d’inattendu.

****


Deer Scout: « Woodpecker »

8 avril 2022

Dana Miller, de Deer Scout, décrit son approche de l’écriture de chansons comme un processus de mise en boîte des choses, ou de rangement d’une capsule temporelle. Il est donc logique que les chansons folk alternatives que l’on retrouve sur son premier album, Woodpecker, soient empreintes de la nostalgie souvent chaleureuse – parfois inconfortable – d’un passé qui n’est pas si lointain.

Sur le frémissement des arpèges country du premier morceau, « Cup », Miller chante : « Je ne peux pas me débarrasser d’un sentiment dont je ne connais pas le nom « (I can’t shake a feeling I don’t know the name of). C’est une phrase saisissante qui sous-tend les thèmes de l’incertitude et de la confusion qui traversent le disque, et la vie. Sur « Peace with the Damage », écrit par son père, Mark, Miller ajoute sa voix à la question de savoir comment et pourquoi nous blessons ceux que nous aimons, et les conséquences avec lesquelles nous devons vivre. Ce faisant, elle ébranle les fondements des croyances sur lesquelles nous choisissons de baser nos vies.

Ancienne compagne de tournée de Katie Crutchfield, il y a certainement des parallèles à faire avec l’intimité et le style vocal des deux premiers albums de Waxahatchee, mais cela ne fait qu’ajouter à la familiarité réconfortante qui existe déjà dans l’écriture de Miller. Ce sont des chansons que l’on pourrait imaginer figurer sur un des premiers albums de Bright Eyes si l’histoire d’amour d’Oberst avec l’Americana était arrivée une décennie plus tôt. Et certains pourraient confondre la nature épurée de l’album avec une esthétique lo-fi, mais c’est tout le contraire. Le disque est à la fois vivant, et son message est le fruit d’années passées à affiner son art et à s’entourer de collaborateurs et de contributeurs qui lisent sur la même page.

Un disque parfois profondément personnel qui parvient à dresser un portrait du cœur déchiré de l’Amérique, Woodpecker mérite sa place parmi les grands débuts de ses pairs. « Dans mon rêve, tout le monde nous laisse tranquilles » (In my dream everyone leaves us alone), chante Miller sur « Dream ». C’est quelque chose que nous souhaitons tous par moments : se cacher d’un monde, ou d’un passé, que nous préférons ne pas affronter. Et pour sa durée éphémère, Woodpecker peut être ce temps de solitude dont nous avons tant besoin.

***1/2


Birwire: « Embers »

26 mars 2022

Dirtwire est un groupe vraiment fascinant parce qu’on ne sait pas vraiment dans quelle direction il va s’engager. Le trio mélange l’Americana classique avec des rythmes électroniques. Parfois, on pourrait danser dessus et d’autres fois, c’est sur le point de devenir un combat de bluegrass bien rustique. Dans ce cas, vous aurez quelque chose de vraiment succulent et de frais. Embers entre largement dans cette dernière catégorie, mais au lieu de se concentrer sur les guitares, l’Americana et les cow-boys, nous sommes plongés dans une bien autre vision du monde.

Chacun des 12 titres de l’album donne l’impression de provenir d’une culture différente, car il met en valeur différents instruments et idées. « Mustang » s’ouvre sur des rythmes lents mais robustes, une épaisse basse synthétique et de nombreux roucoulements vocaux lointains en écho. C’est ce qui se rapproche le plus de Bonobo, mais le reste de l’album s’inscrit émotionnellement dans la lignée des artistes de l’electronica mondiale. « Vega » transforme la guitare en une jam de style Toureg avec des kickdrums enjoués et un arrangement poussiéreux de cuivres et de cordes vitreuses. On a l’impression d’être en Afrique avant que « Papalote » ne nous emmène au Mexique avec une belle flûte, un shaker et des grooves ambiants électroniques. « Izar » nous emmène à nouveau en Afrique avec un rythme qui ressemble à une chanson d’ouvrier qui travaillerait sur une roue. Des cordes symphoniques et une guitare électrique ouverte et glissante peignent une oasis chaude. Un saxophone doux apporte la brise et le coucher de soleil.

Cette vision globale se poursuit tout au long de l’album. « El Sulta » apporte le kalimba, le chant des oiseaux, les grooves profonds de la basse et les guitares inspirées du oud. « Deeper Well » est américain de part en part. Le seul morceau véritablement vocal est accompagné de violons poussiéreux, de twangs country et d’un effet sec et sale sur tous les instruments. C’est une histoire de blues américain qui se démarque et s’inscrit dans les thèmes. Comment toutes les autres nations sont-elles capables d’offrir quelque chose de beau avec leur tristesse alors que l’Amérique a une histoire si triste de part en part ? Il n’y a pas que des dessins de cow-boys à l’aube.  « Green Eyes » est un rodéo géant sur un harmonica comme si une folle scène de poursuite dans un niveau désertique d’un jeu vidéo avait été scénarisée pour un effet comique et dramatique. « Liminal » montre que Dirtwire n’a pas besoin d’électricité pour faire fleurir ses émotions, avec un arrangement acoustique de cordes pincées et arquées d’une grande sensibilité.

Le dernier tiers de l’album emmènera Dirtwire encore plus loin dans d’autres genres. « Asterion » est comme un morceau d’electronica d’Adam Fielding qui croise par moments le post-rock cinématique. Il est tellement épique avec ses énormes boucles de batterie, ses synthés arpégés et ses rugissements de guitare – c’est un montage de science-fiction en attente. « Dawn of Nashira » retournera en Perse pour un curieux et séduisant arrangement de cuivres. On dirait quelque chose que Dead Can Dance aurait pu composer et on retrouve un élément de cette catharsis mondaine tout au long de l’album. « Raindrops » offrira un arrangement de cloche de verre handpan absolument magnifique qui agit comme un morceau de guérison léger et aqueux. « Earthcry » clôt l’album sous la pluie orale abstraite d’une collection de couches vocales. Il gémit et pleure sans mots et parvient à sonner à la fois maternel et douloureux. C’est une façon curieuse de terminer l’album après beaucoup de basses profondes et de morceaux très percussifs, c’est comme si une nouvelle aube avait commencé.

Alors que Dirtwire est connu pour ses prouesses à la guitare, il convient de souligner à quel point les percussions et les cordes y sont bonnes. L’album ne serait pas aussi fort si ces trois éléments ne se rejoignaient pas et ne se laissaient pas respirer. Il y a des moments sur lesquels on peut danser, réfléchir, se détendre et danser dans une grange, et pourtant, l’album se tient étrangement comme une œuvre complète. Embers ressemble à un soupir collectif global. Presque chaque morceau donne l’impression de traverser quelque chose jusqu’à ce que les derniers éléments balaient tout et renouvellent l’expérience. Dirtwire a produit son meilleur travail à ce jour pour ceux qui plongent dans l’electronica globale ou même la folktronica. Une œuvre d’art véritablement surprenante.

****


Laura-Mary Carter: « Town Called Nothing »

22 février 2022

Laura-Mary Carter, la moitié des rockers Blood Red Shoes, se tourne vers la guitare acoustique pour son premier album solo. S’éloignant du vacarme assourdissant de son travail quotidien, elle s’inspire de la musique country et y ajoute une touche de pop noirâtre.

Un son beaucoup plus calme et contemplatif que ses habituels hymnes déchiquetés à la guitare, Town Called Nothing a été écrit entre deux tournées dans divers sous-locaux et studios au Royaume-Uni et à Los Angeles. À propos du processus initial, elle déclare : J’ai trouvé une guitare acoustique usée et sans y penser, les chansons ont commencé à me venir. L’idée d’écrire sur une guitare acoustique était nouvelle pour moi. J’ai réalisé qu’écrire de cette manière intime exposait ma voix et changeait ma façon d’écrire et de chanter les textes. »

Après 17 années passées à sillonner le monde avec son compagnon Steven Ansell, Carter découvre une voix qu’elle n’avait pas encore exprimée. L’impact de la pandémie de Covid-19 sur un calendrier de tournées habituellement très chargé a donné à la Dublinoise l’occasion de rester enfin tranquille. Assez longtemps, en tout cas, pour expérimenter différents sons. Cependant, ses envies de nomadisme n’ont pas tardé à reprendre le dessus. Dès son plus jeune âge, Carter a été habituée à un style de vie fait de dérives et randonnées, sans jamais vraiment se sentir chez elle dans un seul endroit. Cela s’avère être une influence majeure dansTown Called Nothing. Sur les 22 minutes de l’album, Carter explore les thèmes de l’amour, de l’exploration et de la réflexion personnelle. 

Sur le premier titre de l’album, « Blue’s Not My Colour », elle reconnaît avoir développé un certain pragmatisme lorsqu’il s’agit de mettre fin à une relation : « Just a moment in time / like a stranger passing by » (Juste un bref moment /comme un étranger passant par là), tandis que sur Signs, elle nous rappelle que même les amoureux les plus durs qui ont connu un chagrin d’amour ont simplement besoin d’espace pour guérir : « Signs they say it takes some time / waiting on tomorrow » (Les signes,dient-ils, cela prend du temps / en attendant demain ). La chanson-titre « Town Called Nothing » est une complainte aux accents country sur l’attraction inéluctable d’une relation vouée à l’échec. Il est fidèle à l’aphorisme trois accords et la vérité, alors que le groupe enjoué suit notre vagabond en explorant une nouvelle route sur une carte musicale déjà bien connue.

Carter a la voix et l’allure pour réussir en tant qu’artiste pop si elle voulait vraiment poursuivre ce but particulier. Mais ses influences sur l’EP s’orientent davantage vers des artistes comme St Vincent et Angel Olsen, dont l’approche alternative pour élaborer des observations intelligentes sur la vie indique peut-être la préférence de Carter. Cela se résume sur Better On My Own lorsqu’elle affirme : « I will never be the girl you knew before / I will never be the one whom you adore » (Je ne serai jamais la fille que tu connaissais avant / Je ne serai jamais celle que tu adores).

La composition de journal intime qu’est « The City We Live »  expose une insécurité que beaucoup ressentent lorsqu’une relation devient confortable – le point où l’on s’accroche ou l’on se tord – et les périls d’être celui qui est laissé pour compte. Pour quelqu’un qui, comme Carter, a l’habitude de prendre la vie par les cornes, cela peut sembler doublement décourageant.

Dans « Ceremony », le refrain de Carter « No regrets, no rewinds, resets » (Pas de regrets, pas de retour en arrière, pas de réinitialisation) nous rassurera sur le fait qu’il ne s’agit pas d’une demoiselle laissée pour compte. Le temps qui lui a été accordé au cours des 18 derniers mois a donné à Carter une concentration créative renouvelée, qui commence seulement à porter ses fruits sur ces six chansons. 

On sent ainsi qu’il y a beaucoup plus à venir pour la vocaliste si l’opportunité de continuer à explorer de nouvelles voies musicales se présente… et si elle les veutsaisir.

***1/2


Jack O’ the Clock: « Leaving California »

8 juin 2021

C’est à Jack O’ the Clock que l’on doit la production d’un album orienté vers la chanson, qui relève ostensiblement du folk-rock excentrique, mais qui parvient à fournir une autre série de couches à retirer. Le titre du dernier album du quintette, qui est peut-être le plus important groupe de dark Americana moderne, est basé sur la décision des membres du groupe, Damon Waitkus (voix, guitares, hammer dulcimer) et Emily Packard (violon), de quitter leur domicile de longue date en Californie pour la côte Est. Si Waitkus et Packard, un couple marié, ont déménagé relativement récemment, ces chansons ont été écrites au cours des dernières années. Leurs compagnons, Jason Hoopes (basse), Jordan Glenn (batterie) et Thea Kelley (chant) sont restés en Californie et le groupe a terminé l’album à distance.

Cet éloignement a peut-être donné au parolier Waitkus le temps de réfléchir, car l’ambiance de ces chansons est mélancolique et pourtant, bizarrement, plus joyeuse que les précédentes sorties du groupe. Les paroles de la chanson titre, par exemple, expriment un épuisement psychologique dû au stress de la vie dans le Golden State, un lieu d’excès, de dépenses, de longs trajets et d’une étrange déconnexion. Il y a une acceptation résignée que leur destination est meilleure, mais pas parfaite, ce qui est peut-être représentatif de la plupart des choix que nous faisons – le compromis d’un ensemble de problèmes pour un ensemble de problèmes plus acceptables.

Fidèles à leurs habitudes, certaines chansons font appel à une imagerie dérangeante associée à un étrange sens de l’humour. « The Butcher » et « A Quarter-Page Ad » en sont des exemples. En revanche, Leaving California n’a pas les pauses instrumentales plus longues et plus impliquées dans le rock de chambre que l’on trouve sur les précédents albums du groupe. Néanmoins, la sophistication musicale demeure, sous des formes plus subtiles. Par exemple, le rythme vampirique de The Butcher est accentué par une pléthore d’instruments différents échangeant des motifs tordus ainsi qu’une variété d’autres styles représentés à travers ses passages.

En somme, cet album s’éloigne de l’œuvre plus ouvertement avant-gardiste de Jack O’ The Clock, tout en restant dans l’esprit de leurs travaux précédents. Bien joué.

***1/2


Calexico: « Seasonal Shift »

5 décembre 2020

Souvenez-vous de la fin des années 90, lorsque Calexico combinait la musique occidentale et mexicaine de spaghetti balayée par les vents sur ses premiers albums comme Black Light et Hot Rail, et qu’elle était audacieuse et aventureuse ? Cette époque semble bien loin dans le rétroviseur, en particulier sur certaines parties du nouvel album du groupe sur le thème de Noël.

Le duo de Joey Burns et John Convertino s’est progressivement tourné vers des eaux indie plus commerciales au cours des deux dernières décennies. Ils se sont plongés dans l’ouverture de cette sortie agréable mais parfois loin d’être à la mode. Le premier et le plus évident « single » du disque, « Hear the Bells », un titre qui se joue en poussant la chansonnette et en s’imprégnant de l’orchestration. Il s’agit d’une évocation de la saison sur grand écran, tempérée par des trompettes Mexicali et des paroles en espagnol, le tout au service de ce qui tente, avec succès pour la plupart, d’être une grande déclaration audacieuse et intemporelle sur le fait de laisser les vieux derrière soi avec « Take a breath to soothe your sorrows/Until’s gone…as the years fade away », les couvertures de l’obscur et émouvant « Christmas All Over Again » de Tom Petty, ainsi que la lecture onirique de ce qui est aujourd’hui le cliché de John et Yoko « Happy Xmas (War is Over) » ne poussent pas non plus à l’enveloppe, bien qu’il s’agisse dans les deux cas d’agréables inclusions. Burns et Convertino sont aidés par des instruments tels que la guitare portugaise, les vibes, le mellotron et de nombreuses percussions qui amplifient le son. D’autres chanteurs, comme les charmantes Gisela Joao, Gaby Moreno et Camilo Lara, se joignent à eux pour apporter un changement vocal rafraîchissant.

Certains moments, comme la valse soporifique écrite par Burns, « Nature’s Domain », dépouillent l’atmosphère mais ne représentent rien de saisonnier musicalement ou philosophiquement avec les paroles « Winter’s disguise has rendered me blind », peut-être en plus de mentionner la saison. La musique prend une tournure inhabituelle mais décontractée vers l’Afrique, avec le Niger comme invité de Bombino pour « Heart of Downtown ». C’est une délicieuse diversion, d’autant plus que les cuivres mexicains font un mélange plus mondain, même si, là encore, il n’y a rien de Noël. « Peace of Mind », le charmant titre de Burns, composé d’un groupe de country folk très solitaire, célèbre le fait de rester chez soi, du moins cette année, dans le moment le plus doux et le plus authentique du disque.

Les choses se terminent sur une note frustrante, car de nombreuses personnes nous souhaitent de bonnes vacances dans différentes langues sur « Mi Burrito Sabranero (Reprise) », une nouveauté fringante que vous écouterez une fois puis que vous passerez rapidement à d’autres diffusions.

Malgré, ou peut-être à cause, de cetassortiment musical aux sauces en dispersion, Calexico nous livre un album agréable, avec suffisamment de moments artistiquement divertissants pour en valoir la peine, même si son approche globale est plus déconcentrée que festive.

***1/2


Northcote: « Let Me Roar »

27 novembre 2020

Si le dernier album de Northcote incarnait un sentiment de mouvement, de fuite et de changement, leur plus récente sortie, Let Me Roar, incarne, elle, l’immobilité, l’installation, le maintien. Northcote est le surnom de Matt Goud, ancien punk rocker chrétien devenu artiste folk américain. Bien qu’il ait été écrit et enregistré avant la sortie de Covid, cet album tombe à un moment où beaucoup d’entre nous mènent une vie plus sédentaire qu’à l’accoutumée. Et il peut y avoir beaucoup de choses à affronter quand on est obligé de ralentir et de se contenter d’exister là où on est. Du refrain répété, « Maintenant, je suis comme la poussière sur le tableau de bord » (now I’m like the dust on the dash)sur la chanson titre de l’album, au défi silencieux incarné dans le refrain de l’hymne de bien-être « Guys Like Us » – « nous ne disons rien mais nous disons beaucoup, juste être là où nous sommes » (we don’t say nothing but we say a lot, just being right where we are) – tout l’album ressemble à l’acceptation pacifique d’un homme qui s’installe dans ce qu’il est à ce moment de sa vie.

Bien que Let Me Roar ne dure que 30 minutes, il se déroule comme un passage émotionnel de découverte de soi, qui culmine avec la chanson finale « Freedom », une composition de sortie accrocheuse et mélodieuse, que Goud a décrite comme « l’exhalation d’un processus de travail intense ».

Si vous ne connaissez pas les chansons de Northcote, essayez d’imaginer la sensibilité lyrique et le style musical de Gillian Welch, interprétée par un jeune Bruce Springsteen. Let Me Roar est le quatrième opus de Northcote, et il n’est pas étranger au genre folk rock de l’auteur-compositeur-interprète. Lorsqu’on lui demande quelles sont ses plus grandes influences, Goud cite le chanteur-compositeur Chuck Ragan et le groupe de rock alternatif Wilco, et on peut certainement entendre l’influence du rock dans des chansons comme « Streets of Gold » et le solo de guitare croustillant sur « Keep On Saying Goodbye ».

« Je ne peux pas être quelqu’un que je ne suis pas » (I can’t be someone that I’m not), chante Goud dans la ballade « Dancers and Queens » de Conor Oberst. Goud a enregistré cet album à la suite d’une retraite éducative sur l’île de Gabriola, en Colombie-Britannique. Il a décidé d’entreprendre cette retraite pour se vider l’esprit après une période de difficultés personnelles et, à la fin, a décidé de s’attarder sur l’île avec quelques amis. Il a ralenti, s’est arrêté là où il était, a séjourné dans une cabane dans les bois, et a écrit et enregistré un album qui rappelle ce sentiment précis. L’ambiance de l’album est intentionnellement celle d’un feu de cheminée, de quelques bières et d’un coup de feu. Des titres tels que « Guys Like Us » et « Held My Hand » résument ainsi ce sentiment avec des paroles sur l’amitié et des refrains désinvoltes et entraînants.

Voilà un album qui semblera familier aux fans de folk, mais ne vous méprenez pas sur tout ce que Goud a à offrir. Pendant huit ans, son principal projet a été d’être l’auteur et le chanteur du groupe chrétien post-hardcore Means. Goud s’est éclaté dans Means et il est impossible de ne pas imaginer le potentiel qui pourrait exister dans un futur album de Northcote, sur lequel s’intègrent quelques éléments hardcore.

Let Me Roar est, en revanche, agréable comme le serait le fait de s’asseoir autour d’un feu avec un vieil ami, ; après quelques écoutes ourtant, on commence à souhaiter qu’il n’ait pas totalement abandonné ses racines de hard rock et qu’il puisse s’en servir pour donner un peu plus de punch à ce sentiment. Peut-être une procahine fois.

***1/2


Juanita Stein: « Snapshot »

22 novembre 2020

Sur son troisième album solo, Juanita Stein émerge des paysages sonores de ses œuvres précédentes et s’associe à nouveau à son frère Joel, son compagnon d’orchestre de Howling Bells. Le nouveau disque apporte dix chansons personnelles, tissées d’instantanés du passé et d’une matière dense de mélancolie et de grande tristesse mais aussi d’affirmation de la vie.

L’auteure-compositrice interprète australienne basée à Brighton a été reconnue comme la principale chanteuse et guitariste rythmique du groupe de rock »indie » Howling Bells, qui est actif depuis 2004. Des années plus tard, elle a entamé une carrière solo acclamée dès ses débuts avec America (2017). Stein, avec son charisme sombre et sa voix pugnace, s’oriente davantage vers les textures de la country, du folk et de l’Americana, et poursuit l’exploration dans le deuxième disque – Until the Lights Fade (2018).

Snapshot est né du besoin d’exprimer la profonde douleur de l’artiste face à la mort de son cher père, également musicien, en 2019. « Cela semble fondamental pour comprendre la dévastation et le silence sinistre qui nous ont été imposés après sa mort soudaine », a déclaré Stein, en évoquant les sentiments qui ont inspiré son nouveau disque. Et de décrire le processus de création : « [Les chansons] sont venues en masse et rapidement. J’ai fait une démonstration de tout ce qui se manifestait, j’ai ressenti une inspiration irrésistible que je n’avais jamais ressentie auparavant ». Le résultat est un cycle de 10 chansons qui explorent les étapes du deuil et le besoin d’embrasser la vie au maximum.

La première composition, « 1,2, 3, 4, 5, 6 », commence par un groove trompeur, avec de la colère qui gargouille quelque part en dessous, et qui laisse entrevoir des sons de guitare sales et déformés. Sur « Snapshot » » le personnage principal est la guitare jouée par le frère de Juanita, Joel Stein. « Je savais que lui seul pouvait maîtriser l’énergie frénétique nécessaire aux chansons » – explique-t-elle à propos de ce disque.

Le bluesy « L.O.T.F », avec sa mélodie douce-amère, évoque les souvenirs que Stein a gardés de son enfance en Australie. Le courageux et rocky «  Lucky », première chanson écrite pour l’album, aura une vibe country chaude et un sentiment similaire à celui du morceau d’ouverture. Folk et mélancolique, « Snapshot » est plein de tristesse et est cinématographique comme l’indique le titre, et les chansons suivantes – la tendre ballade « Hey Mama » et l’hypnotisant « From Peace » – apporteront des marées de larmes et aval pour, ainsi, couver ce mode éploré mais retenu.

« In The Mavericks » donne l’impression qu’elle veut s’étreindre et se bercer, mais les échos de l’obscurité grandissent et reviennent lorsque la chanson atteint son apogée. C’est à peine la seule chanson où sa voix est proche de crier. Elle s’illumine à nouveau dans « Take It or Leave it » : « Personne n’est un étranger, nous sommes tous amis / Parce que tout le monde perdra quelqu’un à la fin » (Nobody is a stranger, we’re all friends / Because everyone will lose someone in the end)et, quand elle chante dans la conclusion « In the End », ellefait comme trouver consolation dans le sens que cette communauté d’expériences humaines est inévitable pour nous tous.

L’instantané fait penser à Carrie et Lowell de Sufjan Stevens, moins dévastateurs mais portant le même fardeau. Ce disque peut être un compagnon discret dans les moments difficiles, vous permettant d’être triste et désespéré lorsque les sentiments demandent à être libérés, jusqu’à ce que vous puissiez vous installer lentement et trouver enfin la paix.

***1/2