Northcote: « Let Me Roar »

27 novembre 2020

Si le dernier album de Northcote incarnait un sentiment de mouvement, de fuite et de changement, leur plus récente sortie, Let Me Roar, incarne, elle, l’immobilité, l’installation, le maintien. Northcote est le surnom de Matt Goud, ancien punk rocker chrétien devenu artiste folk américain. Bien qu’il ait été écrit et enregistré avant la sortie de Covid, cet album tombe à un moment où beaucoup d’entre nous mènent une vie plus sédentaire qu’à l’accoutumée. Et il peut y avoir beaucoup de choses à affronter quand on est obligé de ralentir et de se contenter d’exister là où on est. Du refrain répété, « Maintenant, je suis comme la poussière sur le tableau de bord » (now I’m like the dust on the dash)sur la chanson titre de l’album, au défi silencieux incarné dans le refrain de l’hymne de bien-être « Guys Like Us » – « nous ne disons rien mais nous disons beaucoup, juste être là où nous sommes » (we don’t say nothing but we say a lot, just being right where we are) – tout l’album ressemble à l’acceptation pacifique d’un homme qui s’installe dans ce qu’il est à ce moment de sa vie.

Bien que Let Me Roar ne dure que 30 minutes, il se déroule comme un passage émotionnel de découverte de soi, qui culmine avec la chanson finale « Freedom », une composition de sortie accrocheuse et mélodieuse, que Goud a décrite comme « l’exhalation d’un processus de travail intense ».

Si vous ne connaissez pas les chansons de Northcote, essayez d’imaginer la sensibilité lyrique et le style musical de Gillian Welch, interprétée par un jeune Bruce Springsteen. Let Me Roar est le quatrième opus de Northcote, et il n’est pas étranger au genre folk rock de l’auteur-compositeur-interprète. Lorsqu’on lui demande quelles sont ses plus grandes influences, Goud cite le chanteur-compositeur Chuck Ragan et le groupe de rock alternatif Wilco, et on peut certainement entendre l’influence du rock dans des chansons comme « Streets of Gold » et le solo de guitare croustillant sur « Keep On Saying Goodbye ».

« Je ne peux pas être quelqu’un que je ne suis pas » (I can’t be someone that I’m not), chante Goud dans la ballade « Dancers and Queens » de Conor Oberst. Goud a enregistré cet album à la suite d’une retraite éducative sur l’île de Gabriola, en Colombie-Britannique. Il a décidé d’entreprendre cette retraite pour se vider l’esprit après une période de difficultés personnelles et, à la fin, a décidé de s’attarder sur l’île avec quelques amis. Il a ralenti, s’est arrêté là où il était, a séjourné dans une cabane dans les bois, et a écrit et enregistré un album qui rappelle ce sentiment précis. L’ambiance de l’album est intentionnellement celle d’un feu de cheminée, de quelques bières et d’un coup de feu. Des titres tels que « Guys Like Us » et « Held My Hand » résument ainsi ce sentiment avec des paroles sur l’amitié et des refrains désinvoltes et entraînants.

Voilà un album qui semblera familier aux fans de folk, mais ne vous méprenez pas sur tout ce que Goud a à offrir. Pendant huit ans, son principal projet a été d’être l’auteur et le chanteur du groupe chrétien post-hardcore Means. Goud s’est éclaté dans Means et il est impossible de ne pas imaginer le potentiel qui pourrait exister dans un futur album de Northcote, sur lequel s’intègrent quelques éléments hardcore.

Let Me Roar est, en revanche, agréable comme le serait le fait de s’asseoir autour d’un feu avec un vieil ami, ; après quelques écoutes ourtant, on commence à souhaiter qu’il n’ait pas totalement abandonné ses racines de hard rock et qu’il puisse s’en servir pour donner un peu plus de punch à ce sentiment. Peut-être une procahine fois.

***1/2


Juanita Stein: « Snapshot »

22 novembre 2020

Sur son troisième album solo, Juanita Stein émerge des paysages sonores de ses œuvres précédentes et s’associe à nouveau à son frère Joel, son compagnon d’orchestre de Howling Bells. Le nouveau disque apporte dix chansons personnelles, tissées d’instantanés du passé et d’une matière dense de mélancolie et de grande tristesse mais aussi d’affirmation de la vie.

L’auteure-compositrice interprète australienne basée à Brighton a été reconnue comme la principale chanteuse et guitariste rythmique du groupe de rock »indie » Howling Bells, qui est actif depuis 2004. Des années plus tard, elle a entamé une carrière solo acclamée dès ses débuts avec America (2017). Stein, avec son charisme sombre et sa voix pugnace, s’oriente davantage vers les textures de la country, du folk et de l’Americana, et poursuit l’exploration dans le deuxième disque – Until the Lights Fade (2018).

Snapshot est né du besoin d’exprimer la profonde douleur de l’artiste face à la mort de son cher père, également musicien, en 2019. « Cela semble fondamental pour comprendre la dévastation et le silence sinistre qui nous ont été imposés après sa mort soudaine », a déclaré Stein, en évoquant les sentiments qui ont inspiré son nouveau disque. Et de décrire le processus de création : « [Les chansons] sont venues en masse et rapidement. J’ai fait une démonstration de tout ce qui se manifestait, j’ai ressenti une inspiration irrésistible que je n’avais jamais ressentie auparavant ». Le résultat est un cycle de 10 chansons qui explorent les étapes du deuil et le besoin d’embrasser la vie au maximum.

La première composition, « 1,2, 3, 4, 5, 6 », commence par un groove trompeur, avec de la colère qui gargouille quelque part en dessous, et qui laisse entrevoir des sons de guitare sales et déformés. Sur « Snapshot » » le personnage principal est la guitare jouée par le frère de Juanita, Joel Stein. « Je savais que lui seul pouvait maîtriser l’énergie frénétique nécessaire aux chansons » – explique-t-elle à propos de ce disque.

Le bluesy « L.O.T.F », avec sa mélodie douce-amère, évoque les souvenirs que Stein a gardés de son enfance en Australie. Le courageux et rocky «  Lucky », première chanson écrite pour l’album, aura une vibe country chaude et un sentiment similaire à celui du morceau d’ouverture. Folk et mélancolique, « Snapshot » est plein de tristesse et est cinématographique comme l’indique le titre, et les chansons suivantes – la tendre ballade « Hey Mama » et l’hypnotisant « From Peace » – apporteront des marées de larmes et aval pour, ainsi, couver ce mode éploré mais retenu.

« In The Mavericks » donne l’impression qu’elle veut s’étreindre et se bercer, mais les échos de l’obscurité grandissent et reviennent lorsque la chanson atteint son apogée. C’est à peine la seule chanson où sa voix est proche de crier. Elle s’illumine à nouveau dans « Take It or Leave it » : « Personne n’est un étranger, nous sommes tous amis / Parce que tout le monde perdra quelqu’un à la fin » (Nobody is a stranger, we’re all friends / Because everyone will lose someone in the end)et, quand elle chante dans la conclusion « In the End », ellefait comme trouver consolation dans le sens que cette communauté d’expériences humaines est inévitable pour nous tous.

L’instantané fait penser à Carrie et Lowell de Sufjan Stevens, moins dévastateurs mais portant le même fardeau. Ce disque peut être un compagnon discret dans les moments difficiles, vous permettant d’être triste et désespéré lorsque les sentiments demandent à être libérés, jusqu’à ce que vous puissiez vous installer lentement et trouver enfin la paix.

***1/2


Chris Stapleton: « Starting Over »

22 novembre 2020

Qualifier Chris Stapleton de simple musicien de country est un mauvais service car cela limite la perception de l’artiste. Et s’il serait facile de le placer dans l’écurie grandissante des barbus ayant un penchant pour le passé, cela ne lui permet pas de canaliser ses influences, mais aussi d’écrire à un niveau comparable aux leurs. Avec son dernier album, Starting Over, Stapleton montre une fois de plus que son respect dans l’industrie est bien mérité ; c’est un auteur-compositeur impressionnant qui continue à opérer à un niveau international et un interprète audacieux qui peut tout aussi bien faire sienne la chanson de quelqu’un d’autre.

Et tout cela avec une confiance professionnelle qui est si facile à mettre en œuvre que ce qui, ailleurs et entre de moins bonnes mains, serait à la limite de l’époustouflant est tout simplement à la hauteur. Ses voix de haut-parleur, principalement, ont tendance à se tailler la part du lion, mais Stapleton est un guitariste tout aussi impressionnant, illustré tout au long de l’album à la fois en acoustique et en électrique. Le premier « single » et la chanson titre « Starting Over » sont destinés à devenir un classique surjoué, un futur standard qui semble avoir vu le jour quelque part au début des années 70, au moment du boom des chanteurs-compositeurs-interprètes et du country hors-la-loi. C’est une chanson d’une simplicité trompeuse, instantanément familière, dont on se demande si elle n’a pas déjà été écrite par quelqu’un d’autre, enfouie dans des sillons poussiéreux quelque part sur un joyau oublié qui se moule dans un sous-sol de banlieue. Telle est la marque d’une chanson vouée à l’immortalité et à l’entrée dans le grand livre post-moderne des succès pop américains.

« Cold » bénéficie énormément d’un arrangement de cordes qui rappelle « The Thrill is Gone » de B.B. King, notamment dans la partie solo où les cordes doublent la guitare sur plusieurs passages avant de poursuivre leur ascension mélodique. C’est une belle rupture par rapport à l’instrumentation habituelle que l’on trouve chez Stapleton sur la marque du hors-la-loi country/classique rock/bluesy soul, offrant une légère variation sur son thème bien établi de guitare/basse/batterie et des vocalises qui vont du ruminatif au grognement rauque et criard.

Pendant ce temps, « When I’m With You » trouve Stapleton s’aventurant efficacement sur le territoire des ballades de Willie Nelson, un jeune hors-la-loi. De la mélodie au tempo lent et traînant, en passant par le solo de guitare décontracté, tout dans le morceau est habilement criblé du livre de composition de Nelson du début au milieu des années 70. Et bien que cela puisse sembler être un compliment un peu détourné, il s’agit plutôt d’une appréciation de l’authenticité avec laquelle il parvient à singer ses prédécesseurs, au point que le morceau sonne comme le produit de plusieurs générations antérieures plutôt que celui du 21e siècle.

Et pour montrer qu’il ne se contente pas d’appliquer les principes esthétiques de base de ses plus grandes influences, il s’attaque à une poignée de reprises de Starting Over, dont deux du regretté grand Guy Clark (« Worry B Gone » et « Old Friends ») et « Joy of My Life » de John Fogerty, tiré de l’album Blue Moon Swamp datant de 1997 de ce dernier. Quelque peu ironique, le titre qui précède immédiatement la ballade de Fogerty est le rocker déchaîné « Arkansas » » qui sonne pour le monde entier comme Stapleton faisant son meilleur Fogerty de l’époque CCR, toutes syllabes étranglées et « Travellin’ Band » – râpe aboyante. C’est l’un des rares clins d’œil au rock classique qui inclut l’ajout de deux membres de Tom Petty’s Heartbreakers, le claviériste Benmont Tench et le guitariste Mike Campbell, ce dernier contribuant à l’écriture des crédits sur les « Arkansas » et « Watch You Burn » mentionnés ci-dessus.

L’arrivée de Tench et de Campbell dans l’équipe de Country Rock de Stapleton est une bonne chose, notamment en raison de sa grande admiration pour les Petty and the Heartbreakers et autres piliers du rock classique qui s’inspirent du même groupe que Stapleton. La présence de Tench sur huit des quatorze titres de l’album contribue à étoffer le son et confère un niveau d’authenticité supplémentaire à la marque de rock classique de Stapleton, qui fait référence à l’Americana. En effet, tout au long de l’album, il y a un jeu de références ponctuelles, peut-être involontairement. Le riff descendant de « Hillbilly Blood » ressemble plus que légèrement à celui de « Helter Skelter » des Beatles, tandis que la lecture de « Worry B Gone » de Clark augmente les décibels et ajoute une cadence à la Chuck Berry qui transforme la chanson en quelque chose qui appartient entièrement à Stapleton.

Starting Over est peut-être un peu inapproprié – rien ici n’indique que Stapleton a réécrit son playbook déjà très réussi et très apprécié – mais c’est néanmoins une autre entrée solide dans ce qui s’avère être un catalogue de plus en plus impressionnant de la part d’un artiste aussi à l’aise avec son propre matériel que celui de ses idoles. Qu’il parvienne à fusionner les deux spectacles, Stapleton est en bonne voie pour les rejoindre.

****


Larkin Poe: « Kindred Spirits »

20 novembre 2020

Le sixième album de Larkin Poe s’écarte du son de rock sudiste qui est la signature du groupe pour une version plus légère cette apprche roots dqui est celle du combo géorgien. Kindred Spirits est un album de reprises avec onze titres de musique acoustique douce et lente qui permet aux sœurs Rebecca et Megan Lovell de donner leur propre tournure à des chansons connues.

Nous avons devant nous un opus doux et subtil avec une instrumentation clairsemée, généralement deux guitares et des percussions occasionnelles. L’attrait principal de l’album est d’entendre les sœurs Lovell retravailler des chansons d’un genre différent, recomposer la musique, jouer à un tempo différent, ajouter des harmonies et des slides. À part « Ramblin’ Man » des Allman Brothers, la plupart des sélections ne sont pas du genre de chansons que l’on s’attendrait à voir réinterprétées par Larkin Poe. Leur reprise de « Take What You Want » de Post Malone est l’une des meilleures de l’album, reprenant la chanson pop comme un clin d’œil à la musique. « Je te sens t’effondrer dans mes bras y compris ton cœur de pierre » (I feel you crumble in my arms down to your heart of stone), chante Rebecca, sa voix pleine d’âme ajoutant une profondeur et une résonance émotionnelle au-delà de ce que Post Malone et Ozzy Osbourne ont accompli avec l’original.

De la même manière, les Lovells reprennent le fade mais amusant « Fly Away » de Lenny Kravitz et le réimaginent comme un adieu sincère. Les harmonies vocales des sœurs donnent plus de punch aux refrains tandis que le dobro de Megan, rempli de vibrato, ajoute un sentiment de lassitude. Quand elles chantent sur le fait de s’envoler, on dirait que c’est pour de bon. Avec la reprise de « Rockin’ in the Free World » de Neil Young, le duo redonne à cette chanson de rock joyeuse la place d’une chanson folk doucement grattée, la guitare lap steel gonflée de Megan créant une tension croissante et décroissante. 

L’album comporte quelques faux pas. La « cover » de « Nights in White Satin » (The Moody Blues) est oubliable alors que leur interprétation de « Who Do You Love » de Bo Diddley ne fonctionne pas, les rythmes de démarrage et d’arrêt sonnant ternes sur les guitares acoustiques. 

Pendant la plus grande partie de sa carrière, le duo Larkin Poe a peaufiné son son de rock sudiste, plein de riffs accrocheurs, de chants puissants et de rythmes percutants. Sur Kindred Spirits, le duo montre un côté plus doux, en se concentrant sur de belles harmonies vocales, de subtils épanchements musicaux, et en créant des performances granuleuses et vulnérables. Leur interprétation du « Bell Bottom Blues » de Derek & the Dominoes ajoute encore plus de pathos à la plaidoirie d’Eric Clapton. «  Si je pouvais choisir un endroit pour mourir, ce serait dans tes bras » (f I could choose a place to die it would be in your arm), chante Rebecca, en jouant de la guitare acoustique tandis que Megan glisse ses doigts sur des riffs de lap steel déformés.   

Alors que de nombreuses reprises sont des reprises inutiles de ce que quelqu’un d’autre a fait auparavant, les meilleuresreprennent l’essence de l’original et transmettent ce sentiment d’une manière unique. Larkin Poe excelle dans ce domaine avec ce Kindred Spirits (esprits proches), qu’il s’agisse des réminiscences de « Crocodile Rock » d’Elton John ou des accusations obsédantes de « In the Air Tonigh » » de Phil Collins. Tout au long de ce disque, Larkin Poe fait preuve d’une profondeur émotionnelle et d’une flexibilité artistique qui transforme chaque chanson en une nouvelle création, parfois même en améliorant l’original.

***1/2


Rich Aucoin: « United States »

16 novembre 2020

L’auteur canadien d’indie pop Rich Aucoin est un adepte de l’album « high concept. » Qu’il recrute 500 musiciens pour un album ou qu’il synchronise ses disques avec des films classiques, chacune de ses œuvres intègre un élément ambitieux qui donne un sens à la démarche. La dernière œuvre d’Aucoin est potentiellement la plus convaincante. Son quatrième disque, United States, a été écrit alors qu’Aucoin se rendait de Los Angeles à New York en vélo, observant un empire en déclin, marqué par la division, la pauvreté, les excès et, avec tout cela, des lueurs d’espoir.

Chaque chanson correspond à l’un des 12 états visités par Aucoin, en commençant par la Californie et en remontant vers l’est, le sud et la côte est. L’ouverture « Kayfabe » met l’auditeur dans la peau d’Aucoin alors qu’il commence son voyage en disant « Je ne pouvais pas le faire/Vivre le rêve américain/Je ne l’ai pas écrit/Je l’ai lu dans un magazine » (I just couldn’t do it/Livin’ the American Dream/I didn’t write it/I read it in a magazine). C’est un début fulgurant, jouant sur des classiques américains tels que les Beach Boys avec une touche d’électro pop. L’amour d’Aucoin pour la musique du passé américain se manifeste pleinement dans cetopus, tant il marie les tons chauds de la soul et du gospel à des sections rythmiques électroniques et des lignes de synthétiseurs contagieuses.

Cette affection dévotionnelle pour les classiques se retrouve également dans le morceau suivant, « How It Breaks ». Ce titre est probablement le plus orienté vers le côté protestataire du chanteur. Aucoin, avec sa bande-son teintée de gospel qui fait explicitement référence à la brutalité policière, à la crise de Flint Water et à notre discours polarisé en ligne. Le morceau interpole même les « Young Americans » de David Bowie avant de retourner les paroles sur leur tête : « C’était un jeune Américain / Tué pour la couleur de sa peau » (He was a young American/Killed for the color of his skin). Aucoin touche également les pierres de touche du discours politique en descendant dans le Sud. Il s’attaque au mur de la frontière avec le style pop de « Walls » et à la violence des armes à feu avec le rythme rock de « Reset ». Plus tard, Aucoin apportera un hymne populiste groovy avec « Blue Highways », insistant sur le fait que le tollé populaire atteindra bientôt le 1%. Les chansons qui en résultent sont toutes des morceaux de pop rock accrocheurs et il est difficile de blâmer le cœur d’Aucoin. Cependant, tout en visant le profond, il peut au contraire atterrir sur des platitudes prêchantes en effet, des paroles telles que « Et ces murs / Séparés de toi et moi / Et ces murs devraient tomber » (And these walls/Separated from you and me/And these walls should fall) peuvent être un peu trop prononcées, ce qui en atténue l’impact.

Heureusement, il sortira de ce moule avec « This Is It », qui offre quelques portraits de la lutte de la classe ouvrière à la Springsteen, au milieu d’un synthétiseur accrocheur. Alors qu’il s’approche du Mason Dixon, « Trip », la chanson made in Virginia d’Aucoin, se plonge dans le psychédélisme avec le soutien de magnifiques harmonies gospel. Le morceau consacré au New Jersey, « Eulogy of Regret », sera un autre point fort de l’album alors qu’Aucoin se plonge dans le rock du centre du New Jersey, s’inspirant une fois de plus du fils le plus célèbre du New Jersey, ) savoir The Boss. Enfin, avec « American Dream », il sarrivera à destination. Cette ballade brutale place New York en toile de fond d’une poursuite acharnée du rêve américain. En fin de compte, les perdants perdent tout et les gagnants réalisent à quel point le prix est vide. Aucoin termine sur une simple conclusion : « Je ne veux pas perdre ma vie/pour le rêve américain » (I don’t want to lose my life/To the American Dream ). C’est sur ces morceaux, lorsque Aucoin abandonne sa boîte à savon et prend une micro vue de son sujet, que l’album brille vraiment.

Le concept des États-Unis est sans aucun doute ambitieux. Bien que l’exécution de la vanité puisse être inégale, Aucoin offre toujours un regard observateur sur les luttes de l’Amérique, un espoir pour son avenir et un amour évident pour sa musique. Dans ses meilleurs moments, la voix des États-Unis résonne comme une vision personnelle des peurs, des regrets et des expériences des Américains à travers un regard extérieur.

***1/2


Jeff Tweedy: « Love Is the King »

21 octobre 2020

Beaucoup ont toujours pensé que Jeff Tweedy est l’un des véritables grands héros cultes de la musique rock américaine. Son travail avec Wilco est, pour la génération Pitchfork, ce que Dylan était pour les cafés de Greenwich Village.

Le mélange rustique et introspectif d’Americana de Jeff Tweedy a touché une corde sensible chez les fans de musique alternative depuis des décennies. Sans jamais réinventer la roue, Wilco s’est taillé une voie unique. Ils ont réussi à se réinventer constamment sur le plan sonore. Ils ont franchi la ligne entre être le groupe le plus cool du Dad Rock et coexister en marge de la scène indie américaine.

Après une carrière de plus de 25 ans, Wilco a récolté son lot de sujets de conversation parmi les fans ; la relation rock de Jeff avec son coéquipier Jay Bennett, la série classique de disques dans lesquels Jay a joué un rôle (Being There, Summerteeth, Yankee Hotel Foxtrot), sans oublier la façon dont cette première formation se mesure à l’incarnation actuelle de Wilco avec l’extraordinaire guitariste Nels Cline.

L’une de ces légendes parmi les fans est le studio d’enregistrement de Tweedy, The Loft, à Chicago, sa ville natale. Ce studio avait été construit par le groupe avant les sessions d’enregistrement du chef-d’œuvre de Wilco, Yankee Hotel Foxtrot, en 2001, et est bien documenté dans le film documentaire de Sam Jones, I Am Going to Break Your Heart, en 2002.

Depuis sa création, le Loft a été le haut lieu de la création de Wilco ainsi que le berceau des activités solitaires de Tweedy ; son album Sukierae de 2014, une collaboration avec son fils Spencer Tweedy, ainsi que les albums suivants WARM et WARMER. Il n’est donc pas surprenant qu’à la lumière de la pandémie COVID-19 et des performances live en attente, l’instinct de Tweedy ait été de s’installer au Loft, sa ruche de créativité inspirante et réconfortante, pour commencer à travailler sur ce qui allait devenir son plus récent album Love Is The King.

L’album est une collection de onze chansons qui, bien qu’elles puissent sembler familières aux fans de Tweedy au premier abord, me semblent beaucoup plus discrètes et brutales que ses œuvres précédentes. L’instrumentation est réduite au strict nécessaire sur l’ensemble de l’album, laissant les paroles et la voix tendre de Tweedy au premier plan. Des chansons comme « Opaline » sont livrées avec une belle guitare aux accents country et une batterie brossée, presque dans le but de dissimuler le ton sombre des paroles de Tweedy : « Opaline, fais croire que tu m’aimes encore, il est difficile de voir la réalité quand tu n’as plus d’amour du tout » (Opaline make believe that you still love me, it’s hard to see reality when you’ve got no love at all).

D’autres moments du disque, comme « A Robin Or A Wren », voient l’artistese mobiliser contre ses peurs de la mort et de l’isolement, en présentant des paroles qui se marient sans effort avec l’étrange situation dans laquelle se trouve le monde actuellement, peut-être un point d’influence pour lui;; « A la fin de la fin, de ce beau rêve, je me réveillerai à nouveau, un rouge-gorge ou un roitelet » (At the end of the end, of this beautiful dream, I’ll wake up again, A robin or a wren).

Bien qu’une grande partie de l’album soit enveloppée dans une triste lenteur, les choses s’accélèrent avec le morceau phare de l’album et le « single » « Guess Again ». C’est ici que la signature de Tweedy est exposée avec force, modeste et discrète, mais qui réussit à créer des accroches captivantes qui vous envoûtent. Le dernier morceau, « Half Asleep », est également présent sur une grande partie de l’album, une puissante épopée avec des lignes de guitare atmosphériques.

Dans l’ensemble, Love Is The King est un album agréable, c’est un voyage folk-rock discret qui vous transporte à travers des vagues de mélancolie tout en vous apportant par intermittence des lueurs d’espoir. Pourtant, je ne peux pas m’empêcher de penser que ce qui est formidable dans ce disque, ce sont les paroles que Tweedy a écrites plutôt que les chansons qu’il a écrites. La majorité des instruments, bien que plaisants, ne parviennent pas à capturer la magie et l’immédiateté des plus grands airs de Jeff. Cela dit, Love Is The King et, comme la plupart des œuvres de Jeff Tweedy, sera, sans doute, un disque que l’on aura l’occasion de chérir en temps voulu.

***1/2


Yo La Tengo: « Sleepless Night »

13 octobre 2020

En des temps aussi difficiles, même un simple moment de répit face à l’anxiété et à la nature toujours changeante de la vie moderne peut être une pure sérénité. Ce dernierdisque de Yo La Tengo, Sleepless Night, offre ce moment de réflexion et de bénédiction dont nous avons tant besoin. Cet EP de six chansons apporte un nouveau  « singl »e, ainsi que quelques belles chansons favorites des années 40, 60 et 70.

Yo La Tengo est actuellement composé des membres principaux Ira Kaplan, Georgia Hubley et du bassiste actuel James McNew. Sleepless Nights fait suite à la dernière sortie du groupe, We Have Amnesia Sometimes, sortie en juillet de cette année. Ce EP a été réalisé dans le cadre d’une édition limitée du LP qui sera présentée à l’exposition d’art du LACMA de l’artiste japonais Yoshitomo Nara à Los Angeles. Etant un grand fan de Yo La Tengo, Yoshitomo a eu l’opportunité de sélectionner les chansons de Sleepless Night ainsi que de fournir l’art étonnant pour la pochette de l’album.

Bien que cinq des six chansons de cet album soient des reprises, le groupe a inclus un nouveau « single » intitulé « Bleeding ». Celui-ci est un mélange étonnant d’instruments aériens et de voix flottantes. Yo La Tengo offre un sentiment de sécurité dans lequel on peut reprendre son souffle, et se sentir enraciné dans la musique du moment. À la fin de la chanson, le groupe interrompt les  « eaux calmes » qu’il a créées et explorées plus tôt dans la chanson, en faisant presque revenir à sa réalité avant de se perdre.

Les autres reprises figurant dans ce EP sont axées sur des chansons folkloriques classiques de l’Americana des Delmore Brothers, The Byrds, Ronnie Lane, Flying Machine et Bob Dylan. Chaque chanson est dépouillée de ses bases, créant des interprétations acoustiques terreuses avec des ajouts de guitare électrique de style country. Chaque chanson met en valeur le son personnel du groupe, tout en restant fidèle à la sensation des originaux.

Un des points forts de l’album est leur reprise de la chanson de Bob Dylan de 1965 « It Takes a Lot to Laugh ». Bien que la reprise ait toujours la touche Americana du meilleur de Dylan, Yo La Tengo insuffle sa propre saveur, ralentissant la chanson et ajoutant un air de sinistrose. La décision du groupe d’abandonner la batterie de la chanson originale donne une reprise qui reste simpliste, mais qui hypnotise toujours l’esprit. Les sonorités folk-rock pour lesquelles Dylan est si vénéré ont disparu, et le son apaisant de Yo La Tengo les remplace.

Une reprise de la chanson des années 40 « Blues Stay Away »des Delmore Brothers donne le coup d’envoi de l’EP. L’original est une chanson folk-blues relativement standard, alimentée par un harmonica en pleurs. C’est la bande-son parfaite pour s’enfuir dans le train de marchandises local. Yo La Tengo emmène cette chanson dans un endroit complètement différent, abandonnant l’harmonica et créant une version berceuse de cette belle chanson. Avec un chant harmonisé parfait et crémeux sur une reprise dépouillée avec des bruits de cor de train, elle conserve le ton d’antan, mais crée une nouvelle chaleur qui atténue un peu le déchirement du blues.

Leur interprétation de « « Roll On Babe » de Ronnie Lane est à la fois belle et édifiante. Tout comme ce qui a été fait pour la reprise des Delmore Brothers, certains des instruments les plus bluesy et country ont été laissés de côté tout en ralentissant un peu la chanson, plaçant cette reprise confortablement dans la zone de confort de Yo La Tengo.

Le dernier EP de Yo La Tengo, Sleepless Night, donne un nouveau souffle à une sélection de chansons classiques de l’Americana. Cet album est parfait pour un moment de tranquillité, et permet à l’âme de se purifier de tous les facteurs de stress indésirables. Le groupe réussit à réduire ces chansons à leur forme la plus brute et la plus pure. Sleepless Night est le catalyseur parfait pour un moment de détente, d’appréciation et de réflexion.

***1/2